Muswell Hillbillies - The Kinks (Mes The Kinks)

 

Muswell Hillbillies, The Kinks

     Las canciones y el estilo del álbum Muswell Hillbillies presentan algunos de los motivos musicales más importantes de la música de The Kinks desde el comienzo de sus auspicios discográficos, fusionando una nostalgia melancólica con una fuerte crítica social. The Kinks fueron una banda de clase trabajadora desde su nacimiento, pues tanto Ray Davies como Dave Davies, como bien afirmaban, procedían de la clase media trabajadora. Ray dejó la Escuela de Arte para convertirse en músico, y Dave estuvo a punto de convertirse en un delincuente juvenil adolescente. Muswell Hillbillies es un fiel reflejo de sus preocupaciones sociales y musicológicas, dotado de una perspectiva específicamente británica de clase trabajadora. Un pueblo trabajador cosmopolita y joven que vive en una atmósfera de seguridad garantizada por un Estado de bienestar que no siempre es seguro. Muswell Hill está encuadrada en la parte Noreste del Londres Metropolitano, un lugar lleno de opulencia y, más sutilmente, de las minucias de la clase. Estos códigos postales profundamente conscientes de la clase son abordados irónicamente, y la yuxtaposición de Hill y Billy forma una rima semántica y cultural estéticamente rica, y aunque hay más variedad de modelos de clase trabajadora, es el grupo de los Hillbillies en el que The Kinks se fijaron.

Muswell Hillbillies es el décimo álbum de estudio del grupo. Fue grabado entreagosto y octubre de 1971 en los Morgan Studios de Londres, bajo la producción de Ray Davies, y publicado el 24 de noviembre de 1971 por el sello discográfico RCA Records. El disco lleva el nombre de la zona de Muswell Hill en el norte de Londres, donde los hermanos Davies se criaron y donde se formó el grupo. El álbum presenta a una serie de figuras de la clase trabajadora y las tensiones con las que deben lidiar. Fue el primer álbum de la banda para RCA Records. Sus grabaciones anteriores habían sido lanzadas en Pye Records (Reprise Records en los Estados Unidos). El álbum fue grabado entre agosto y octubre de 1971 en Morgan Studios, Londres, utilizando una nueva sección de metales, Mike Cotton Sound, que incluía a Mike Cotton en la trompeta, John Beecham en el trombón y la tuba, y Alan Holmes en el clarinete.

El álbum no fue un éxito comercial (no llegó a las listas del Reino Unido y alcanzó el puesto número 100 en los EE. UU), y sus ventas fueron una decepción después del éxito que habían cosechado con Lola el año anterior. La foto de la portada fue tomada por Rod Shone en Archway Tavern , un pub situado en Archway, a más de dos millas de Muswell Hill. La foto del recuadro posterior, que muestra a la banda debajo de un cartel que indica las direcciones a Muswell Hill, fue tomada en la pequeña isleta de tráfico en la intersección de Castle Yard y Southwood Lane en Highgate. Como ya hemos comentado, este disco marca una desviación notable de los trabajos anteriores del grupo, adoptando una estética que mezcla el rock británico con influencias del country y el folk estadounidense. Muswell Hillbillies no solo es una obra musical, sino una crónica sociopolítica, un reflejo de los cambios urbanos que estaban moldeando la vida en el Reino Unido durante esa época. Ray Davies retrata con ironía y melancolía los efectos de la reurbanización, la gentrificación y la alienación de la clase trabajadora, temas que resonaban en su entorno y en la sociedad en general.

En lo musical, el álbum es una fusión fascinante de géneros. The Kinks, conocidos por su habilidad para contar historias a través del rock y el pop británico, se adentraron en el terreno del country, el blues y el folk estadounidense en este álbum. Esta influencia estadounidense se hace patente en canciones como "Acute Schizophrenia Paranoia Blues" y "Alcohol", donde los sonidos de guitarras acústicas y metales brindan un aire casi sureño, contrastando con las letras sobre el paisaje urbano británico. Ray Davies, el principal compositor y letrista de la banda, enmarca en este álbum sus observaciones sobre la sociedad con una mezcla de humor negro y crítica social. Canciones como “20th Century Man” y “Here Come the People in Grey” expresan la ansiedad y frustración de las personas comunes ante la creciente burocratización y la pérdida de control sobre sus propias vidas. A través de la narrativa de personajes ficticios pero representativos, Davies retrata la disolución de la comunidad tradicional frente a las fuerzas impersonales del modernismo.

Comienza el disco con 20th Century Man, donde Ray Davies se pone en la piel de un hombre común y expresa su desconcierto y desesperación ante los efectos de la modernidad. La letra critica la industrialización y el control estatal sobre la vida de las personas. El protagonista se siente atrapado en el siglo XX, anhelando un tiempo más simple y auténtico. Musicalmente, empieza con una guitarra acústica suave, pero va creciendo en intensidad conforme la frustración del personaje se incrementa. Acute Schizophrenia Blues a pesar de su dramático título tiene un ritmo animado con influencias del jazz y el blues. La letra narra la vida de un hombre que se siente perseguido y alienado por las crecientes complicaciones del mundo moderno. El uso de la trompeta y los metales da a la canción una sensación casi de cabaret, lo que contrasta con las preocupaciones mentales y la paranoia del protagonista. Toda una crítica a cómo la vida urbana puede desencadenar problemas mentales y emocionales. Holiday es una canción que nos da un respiro, pues aquí el narrador sueña con escapar de las presiones del mundo moderno tomando unas vacaciones. La melodía es relajada y tiene una atmósfera casi tropical, con un ritmo suave que refuerza el deseo de desconectar. Sin embargo, también tiene una sensación de resignación, como si las vacaciones fueran solo un alivio temporal para problemas más profundos. En Skin and Bone Ray Davies aborda el tema de la obsesión por la delgadez y las modas de salud de la época, burlándose de los extremos a los que las personas iban para perder peso y seguir las tendencias. La letra habla de una mujer que pasa de estar "rellenita" a ser "solo piel y hueso". El estilo musical es un alegre rockabilly, lo que aporta una ligereza que contrasta con la crítica social del tema. Alcohol es una oscura y cómica balada que cuenta la historia de un hombre que cae en la ruina por su adicción al alcohol. La canción mezcla el jazz y el cabaret, con metales que acentúan el tono irónico de la historia. A lo largo de la canción, el narrador describe cómo el alcohol destruye la vida del personaje, arruinando su matrimonio, su trabajo y su dignidad. Es una crítica mordaz a la decadencia personal y social causada por el vicio. Cierra la cara A Complicated Life, que aborda el tema de la alienación y la ansiedad de la vida moderna. El protagonista está harto de las complicaciones de la vida cotidiana y anhela una existencia más sencilla. Con un ritmo lento y arrastrado que refuerza el cansancio del narrador, la canción captura el malestar y la frustración de las personas comunes ante las crecientes demandas y complejidades de la sociedad.

Comienza la cara B con Here Come the People in Grey, canción donde Ray Davies se burla de las autoridades que vienen a desalojar a las personas de sus hogares debido a la reurbanización. Los "hombres grises" simbolizan la burocracia fría e impersonal que arrasa con las comunidades trabajadoras. Musicalmente, es una canción simple pero efectiva, y con un ritmo enérgico. Have a Cuppa Tea celbra ocn tono humorístico la costumbre británica de tomar té. Sin embargo, debajo de su alegre ritmo de music hall, hay una crítica a la forma en que las personas se aferran a pequeños rituales reconfortantes mientras su vida cambia radicalmente. Ray Davies sugiere que el té es un refugio en medio de un mundo caótico. Musicalmente es una de las canciones más ligeras del álbum, con una mezcla de folk y music hall británico. Holloway Jail es una de las canciones más dramáticas del álbum, y narra la historia de un hombre que es enviado a prisión, posiblemente por su desesperación ante la pérdida de su hogar o empleo. La letra explora el sentimiento de injusticia y opresión. Musicalmente, es más oscura, con un enfoque en los metales y un ritmo pesado, lo que refuerza la sensación de encarcelamiento físico y emocional. Oklahoma U.S.A. es otra de las canciones más melancólicas y nostálgicas del disco. La protagonista sueña con escapar de su dura realidad y encontrar consuelo en la América idealizada que ve en las películas de Hollywood. En cuanto a sonido,la canción es más tranquila y suave, con un arreglo minimalista que refuerza el tono soñador de la letra. Toda una reflexión sobre cómo la gente se refugia en fantasías para sobrellevar una vida monótona o difícil. Uncle Son trata sobre la figura del "tío Son", un hombre trabajador de la clase obrera que representa una generación que está siendo desplazada por los cambios sociales y económicos. Ray Davies muestra empatía por este personaje, quien mantiene su dignidad a pesar de las dificultades. Presenta una mezcla de folk británico y country estadounidense, reflejando la dualidad de influencias presentes en todo el álbum. Cierra el álbum la canción Muswell Hillbilly, que supone el cierre perfecto para este más que interesante disco, resumiendo muchos de los temas que se exploran a lo largo del disco. El protagonista se describe a sí mismo como un "hillbilly" (campesino) de Muswell Hill, orgulloso de sus raíces y resistente a los intentos de la modernidad de cambiar su vida. La canción mezcla country con rock británico, y es todo un himno a la resistencia cultural y la identidad. 

Aunque no fue un éxito comercial en su momento, Muswell Hillbillies recibió elogios de la crítica y con el tiempo se ha fue ganando el aprecio y el reconocimentos de los fans. The Kinks logran dibujar un retrato sobre la vida cotidiana, abordando temas como la alienación, la pobreza y la nostalgia por un pasado que se desvanece. Nos encontramos ante una obra que invita a la reflexión sobre los cambios sociales y personales.

1360 - Rainbow - The temple of the king

1360 - Rainbow - The temple of the king

"The Temple of the King" es una de las canciones más emblemáticas de la banda de rock Rainbow, incluida en su álbum debut Ritchie Blackmore's Rainbow lanzado en 1975. Esta balada destaca por su emotiva letra y su atmósfera mística, que se combinan a la perfección con la destreza musical de la banda, en especial la guitarra de Ritchie Blackmore y la voz de Ronnie James Dio.

La letra de la canción narra una historia llena de simbolismo y elementos espirituales. Habla de un viaje hacia el "templo del rey", donde un hombre busca respuestas a las preguntas profundas de la vida. A través de esta travesía mística, se reflejan temas universales como la búsqueda de la verdad, la conexión espiritual y el destino. La imagen del "templo" evoca un lugar sagrado donde el protagonista encuentra iluminación, y el "rey" parece representar una figura divina o de sabiduría suprema. Esta narrativa da a la canción un toque épico, que se ve reforzado por la interpretación vocal apasionada de Dio.

Musicalmente, "The Temple of the King" combina elementos del rock y el folk, en una mezcla que resulta envolvente y melodiosa. Desde el principio, la guitarra acústica de Blackmore crea un ambiente suave y nostálgico, que crece en intensidad a lo largo de la canción. Blackmore, conocido por su virtuosismo en la guitarra, ofrece aquí una interpretación más moderada pero cargada de emoción, lo que contribuye a la atmósfera contemplativa de la pieza. La introducción acústica se desarrolla gradualmente, incorporando instrumentos eléctricos y una sección rítmica que refuerzan el clímax de la canción, aunque sin perder nunca la suavidad ni la profundidad emocional del tema.

La voz de Ronnie James Dio es otro de los aspectos más destacados de "The Temple of the King". Su interpretación es poderosa y conmovedora, capturando a la perfección el espíritu de búsqueda y reflexión que propone la letra. Dio, con su estilo vocal único, transmite una sensación de majestuosidad y solemnidad que encaja perfectamente con la temática mística de la canción.

En cuanto a su recepción, "The Temple of the King" no fue lanzada como sencillo, pero con el tiempo se ha convertido en una de las favoritas de los fanáticos de Rainbow y de los admiradores de la música de los años 70. Aunque no es una de las canciones más conocidas de la banda en el sentido comercial, su calidad musical y su profundidad lírica la han consolidado como una joya dentro del repertorio del rock clásico.

"The Temple of the King" es una canción que combina una narrativa profunda y simbólica con una interpretación musical sublime. Es un testamento del talento de Rainbow y del legado duradero de Ritchie Blackmore y Ronnie James Dio.

Daniel 

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Disco de la semana 396: The Travelling Wilburys vol. 1

Cada vez que escucho el término "supergrupo" para definir una colaboración de varios músicos de primer nivel bajo un nombre común tiendo a desconfiar del resultado, tanto porque en el rock el todo no siempre es más que la suma de las partes, como por el paralelismo con los "galácticos" del Real Madrid, que demostraron que un conjunto de estrellas rutilantes no necesariamente llegaban a formar un equipo robusto y cohesionado. Y, sin embargo, si tengo que pensar en una excepción a esa posible regla, para mi sería la de The Traveling Wilburys, el "supergrupo" británico-estadounidense que formaron George Harrison, Bob Dylan, Jeff Lynne, Roy Orbison y Tom Petty, con el añadido de Jim Keltner a la batería.

¿Y cuál es la razón del gran éxito de la unión de estos grandes músicos, por encima de otras célebres ententes de desigual resultado? Para mí la clave está en que todos eran grandes amigos entre sí, y en que ninguno de ellos tenía mayor pretensión que la de pasar un buen rato juntos grabando canciones, lo que hizo que dejaran los egos aparcados en la puerta de la casa de Bob Dylan en Malibú (California), el lugar en el que tuvo lugar la convivencia y la grabación de los temas de The Traveling Wilburys Vol. 1 (1988). Pero es necesario remontarse algo atrás de ese momento, para entender como fue la génesis de The Traveling Wilburys.

Todo empezó en una cena entre George Harrison, Jeff Lynne y Roy Orbison en Malibú, en la que decidieron grabar juntos la canción "Handle with care", un tema inicialmente destinado a la cara B del single "This is love" del disco de Harrison "Cloud Nine" (1987). Harrison sugirió que llamar a Bob Dylan para que les dejara usar el estudio que tenía en su casa, y después de la cena, se fue a recoger su guitarra de la casa de Tom Petty, que al enterarse del plan se apuntó también a la sesión. La química entre el grupo de músicos fue tan grande, y "Handle with care" era una canción tan buena, que cuando los responsables de la discográfica la escucharon, decidieron que no era una buena idea "desaprovecharla" en una cara B de un single.

Eso dio a Harrison la idea de grabar un disco al completo a partir de aquella canción, que acabó siendo el single principal y la canción con la que comienza The Traveling Wilburys Vol. 1. Los músicos habían disfrutado tanto de grabar juntos, que aceptaron encantados trabajar en un álbum completo en conjunto, y llevaron el buen rollo y la broma hasta el título y los pseudónimos de cada uno de ellos en los créditos del disco, simulando ser todos hijos de un tal Charles Truscott Wilbury Sr., y adoptando el nombre de The Traveling Wilburys ("Los Wilburys viajeros"). Todos participaron en la composición y grabación de los temas, aportando canciones nuevas a título individual, a las que iban dando forma en conjunto durante la grabación, que se prolongó durante un período de diez días en la casa del "Eurythmics" Dave Stewart.

Los pseudónimos dificultaron la identificación del origen real de cada una de las canciones, pero las editoriales musicales acreditadas corresponden con las de los famosos músicos que tenían contratados. Así, "Handle with care", el tema con el que todo empezó, y con el que abre el disco, está acreditado a Umlaut Corporation, la editorial de George Harrison, y lo mismo ocurre con "Heading for the Light", "End of the Line" y "Maxine", lo cual indica que la autoría de esos temas corresponde al ex-beatle, acreditado como Nelson Wilbury. La editorial Special Rider Music indica que detrás de "Dirty World", "Congratulations", "Tweeter and the Monkey Man" y "Like a Ship" está la mano de Bob Dylan (Lucky Wilbury). Gone Gator Music, la editorial de Tom Petty (Charlie T. Wilbury Jr.), desvela que "Last Night" y "Margarita" son composiciones suyas, mientras que "Rattled" y "Not Alone Any More" son contribuciones de Jeff Lynne (Otis Wilbury), contratado por Shard End Music.

Roy Orbison (Lefty Wilbury) fue el único que, aparentemente, no compuso ninguna de las canciones del disco, pero aportó su intensa y distintiva voz en varios de los temas, siendo especialmente impresionante su interpretación vocal en "Not Alone Any More", logrando uno de los momentos más brillantes del disco. Desgraciadamente, y solo dos meses después de la publicación de "The Traveling Wilburys Vol. 1", Roy Orbison falleció de un paro cardíaco. Por aquel entonces, la banda iba a publicar como single la canción "End of the Line", y como homenaje, en el video promocional se incluyó la guitarra eléctrica de Orbison balanceándose sobre una mecedora, mientras el resto de músicos interpretaban la canción.

"The Traveling Wilburys Vol. 1" tuvo un gran éxito comercial, llegando al tercer puesto del Billboard 200 estadounidense y al puesto dieciséis en la lista de discos más vendidos del Reino Unido, y consiguiendo el Grammy a la mejor interpretación rock de un dúo o grupo con vocalista. Todo indicaba que el fallecimiento de Orbison significaría el final del grupo, pero sus integrantes decidieron grabar un segundo disco ("The Traveling Wilburys Vol. 3", 1990) en el que la propuesta se mostró nuevamente fresca y efectiva, con destacables temas como "She's my baby", "The devil's been busy in your back yard" o "Inside out". También grabaron en 1990 la canción "Nobody's Child" para un disco benéfico del mismo nombre, y una apreciable versión del mítico tema "Runaway" de Del Shannon. Harrison llegó a plantearse una gira de los Travelling Wilburys, barajando la idea de incluir tanto canciones de sus carreras individuales como los mejores temas de la banda, pero esa reunión en directo nunca llegó a producirse, y los Wilburys viajeros y sus dos brillante discos quedaron pasaron a la historia como una atractiva rareza, fruto de la genialidad de varios músicos consagrados que se apartaron del ruido mediático de sus brillantes carreras para divertirse haciendo música.

1359.- Háblame del mar marinero - Marisol

"Háblame del mar, marinero", es la canción principal y que da título al sexto disco de estudio de Marisol, publicado con la discográfica Zafiro en 1976. La canción fue lanzada además como single, con el tema "Ayúdame a pasar la noche" en la cara B.

Escrita por Manolo Alejandro, "Háblame del mar, marinero" se convirtió en uno de los grandes éxitos de su carrera como cantante, con la que logró alejarse de la etiqueta de "niña prodigio" del cine español, que arrastraba desde que el productor cinematográfico Manuel J. Goyanes la descubriera y la lanzara al estrellato con la película "Un rayo de luz" (1960). Con los años, Marisol pasó de "niña prodigio" a "sex symbol" de la pantalla, y a continuar con una carrera discográfica que inicialmente fue popular por las canciones de las bandas sonoras de sus películas.

Los que se resistían a verla en ese nuevo rol de cantante madura, le colgaron una nueva etiqueta de "cantante de singles", argumentando que su voz no tenía el gancho suficiente como para convertirse en una cantante de primer nivel con discos de larga duración que resultaran interesantes. Con razón o no, lo cierto es que "Háblame del mar, marinero" y algunas otras de sus canciones formaron parte de lo mejor de la música de los años sesenta y setenta en España. 

1358.- Cowboy Song - Thin Lizzy

"Cowboy Song" ("La canción del vaquero") es una de las canciones incluidas en el disco "Jailbreak" (1976) de la banda de hard rock irlandesa Thin Lizzy. Lanzada como uno de los singles promocionales del álbum, solo alcanzó el puesto 77 de las listas de ventas de Estados Unidos, quedando lejos de otros sencillos de éxito como fueron "The Boys Are Back in Town" o la propia "Jailbreak" que daba título al disco.

Escrita por el vocalista Phil Lynott y el baterista Brian Downey, "Cowboy Song" narra los viajes a lo largo y ancho de Estados Unidos de un vaquero solitario y rompecorazones. Con semejante temática, no es de extrañar que Lynott y compañía incluyeran una intro acústica al más puro estilo country, antes de lanzarse en picado a la parte más rockera e intensa de la canción, con un intenso duelo de guitarras gemelas marca de la casa.

"Cowboy Song" ha quedado para la historia como uno de los más célebres temas de Thin Lizzy, y tiene también una alta dosis de popularidad gracias a sus apariciones en la gran pantalla. No es extraño, por tanto, que al escucharla pensemos "Anda, si esta canción me suena mucho,..." sobre todo si hemos visto la película "Eddie the Eagle" (2016), protagonizada por Hugh Jackman. La relevancia de la canción dentro del cancionero de la banda queda también demostrada si tenemos en cuenta que la biografía oficial de Phil Lynott, publicada también en 2016, lleva precisamente el título de "Cowboy Song".

1257.- Catch the Rainbow - Rainbow

Catch the Rainbow, Ritchie Blackmore's Rainbow

     Ritchie Blackmore, guitarrista enormemente virtuoso con una extensa carrera en el rock and roll, impulsó dos de las aventuras musicales más trascendentales de la década de 1970: el innovador sexteto de rock Deep Purple y la segunda gran banda de Blackmore, Rainbow. Una combinación de la sofisticada y elevada forma de tocar la guitarra de Blackmore y las célebres influencias clásicas que originalmente aportó a Deep Purple hizo que la música de Rainbow se ganara el cariño de generaciones de fanáticos y músicos por igual. La fusión pionera de la banda de música clásica y melodías de rock más simples influyó en la misma generación de músicos que fundaron el género de heavy metal de influencia neoclásica. A partir de 1977, Rainbow y su famoso álbum Rising también fueron una fuerza importante en la popularidad del heavy metal, allanando el camino para los años más exitosos comercialmente en la historia del rock durante la década de 1980 y mediados de la década de 1980. En términos de guitarra técnica y composición, de sus álbumes con Rainbow, Rising se considera todo un hito del género, además de ser considerado uno de los mejores trabajos de Blackmore como guitarrista y compositor innovador.

pero vamos a retroceder en el tiempo y vamos a hablar de un tema de la primera aventura de Rainbow, llamada originalmente Ritchie Blackmore's Rainbow, y en particular de su tema Cath the Rainbow. Originalmente formada como una banda de cinco miembros en 1975 por Blackmore y la difunta banda Elf, formada por el cantante Ronnie James Dio, el organista Micky Lee Soule, el guitarrista David Stone y el baterista Gary Driscoll, Rainbow debutó con el citado álbum a mediados de 1975. Los planes de la banda sufrieron un serio revés tras una desastrosa gira por Norteamérica. Después de sentirse decepcionados con su mala recepción, así como con una discusión en la que Blackmore supuestamente hirió a uno de los miembros de la banda, la banda realizó su último espectáculo a principios de 1976 antes de separarse. Más tarde ese mismo año, Blackmore reclutó a algunos de los intérpretes más célebres del rock progresivo, y junto con Dio, en febrero de 1977 se lanzó el segundo álbum de Rainbow, Rising, pero eso es otra historia.

Rainbow de Ritchie Blackmore es el álbum de estudio debut de la banda de rock estadounidense/británica Rainbow , lanzado en 1975. Fue grabado entre febrero y marzo de 1975 en los Musicland Studios de Munich, Alemania, bajo la producción de Martin Birch, Ritchie Blackmore y Ronnie James Dio, y publicado el 5 de septiembre de 1975 bajo el sello discográfico Oyster en Reino Unido y por Polydor en el resto del mundo. La canción Catch the Rainbow, una de las canciones más emblemáticas de este primer disco, es una balada que explora temas de esperanza, sueños y la inevitable realidad de la vida. La letra comienza con una imagen evocadora del atardecer, un momento de transición que simboliza tanto el final de un día como el inicio de la noche. El estribillo "We believed we'd catch the rainbow" sugiere una aspiración casi utópica, una creencia en la posibilidad de alcanzar lo inalcanzable. El arcoíris, un fenómeno natural que es hermoso pero intangible, sirve como una metáfora poderosa para los sueños y deseos humanos. Sin embargo, la canción también reconoce la dura realidad de la vida, la vida no es un ciclo predecible y controlado, sino algo más complejo y menos manejable. A pesar de nuestros sueños y esperanzas, debemos enfrentar el nuevo día con sus propias incertidumbres y desafíos, y Catch the Rainbow es una reflexión en toda regla sobre la dualidad entre los sueños y la realidad, y la necesidad de encontrar un equilibrio entre ambos.

The Kinks - Arthur or the Decline and Fall of the British Empire (Mes The Kinks)

The Kinks termina los años 60 en una extraña burbuja, no fueron lo suficientemente populares como para consolidarse como una banda "clásica" indiscutible, como sus contemporáneos como The Beatles, The Who o The Rolling Stones pueden reclamar. Su audiencia en los Estados Unidos se vio disminuida por una prohibición nacional por parte de la Federación Estadounidense de Músicos durante la "Invasión Británica" de los años 60, y su producción excesivamente teatral y criticada a fines de los años 70 y 80 alejó a muchos, y solo sus fanáticos acérrimos permanecieron como seguidores fieles. Liderados por los hermanos Ray y Dave Davies, los primeros discos de los Kinks eran principalmente rock de garaje abrasivo. Ray se dedicó a la composición de canciones inspiradas en el rock blusero y a la guitarra rítmica, mientras que Dave tocaba la guitarra principal con gran maestria y potencia. Como sucedió con la mayoría de las bandas de los años 60, su producción se volvió más psicodélica y extravagante, después de algunos álbumes, los Kinks comenzaron a experimentar con instrumentación de clavicémbalo y sitar, y Ray adoptó letras más socialmente conscientes sobre la sociedad británica. "Something Else", con un pop barroco de 1967, y "The Kinks Are the Village Green Preservation Society", con nostalgia infantil de 1968, vieron a la banda alcanzar un éxito crítico moderadamente creciente fuera de los EE. UU. (su prohibición de conciertos aseguró una popularidad atrofiada en Estados Unidos) mientras aún conservaba un lirismo anglocéntrico único y una paleta instrumental en expansión.

"Arthur, or the Decline and Fall of the British Empire" (al que me referiré como "Arthur" en el resto de esta reseña) pertenece a esta era de máxima creatividad y logros críticos de los Kinks. El proyecto fue concebido inicialmente como una colección de canciones para una obra de televisión a principios de 1969. El programa estuvo a punto de completarse, pero se canceló en el último minuto debido a razones financieras. El álbum que los Kinks tenían previsto acompañar, "Arthur", sobrevivió y se lanzó el 10 de octubre de 1969. "Arthur" son 12 temas de psicodelia de ópera rock emparejados con la composición teatral, sardónica, socialmente crítica y conceptual de Ray Davies.

La cara A se abre con la poderosa Victoria, que establece temas que aborda el álbum, incluida la disparidad de clases, la guerra y la pobreza generalizada en Gran Bretaña. La canción prepara el escenario para la historia suelta del álbum en la Inglaterra victoriana, pero indica que estos problemas han continuado hasta la actualidad, debo admitir que fue un tema que ignoré en gran medida durante mucho tiempo. Pensé que era otra canción de amor cliché con el nombre de una chica como título (¿Cómo pude ser tan ingenuo?), pero no había profundizado en el tema de la canción. El título, por supuesto, es una referencia a la Reina Victoria y su imperio, que alguna vez fue poderoso. También se menciona la división de clases y la mayoría azotada por la pobreza que es continuamente robada por sus superiores, pero que es la primera en la fila para defender su país cuando estalla la guerra.

Las dos canciones siguientes, Yes Sir, No Sir y Some Mother's Son, critican la guerra, la primera critica la forma en que se trata a los soldados como esclavos sin mente y la segunda lamenta las implicaciones familiares y sociales de la muerte de un soldado, es una pista bien construida, comienza con una marcha de tambores con sabor militar y continúa aplastando el espíritu de cualquier recluta de pensamiento libre: "empaca tu ambición en tu vieja bolsa de equipo, pronto serás feliz con un paquete de cigarrillos, pecho afuera, estómago adentro, haz lo que te digo". El ritmo de la canción cambia a una fanfarria más elaborada en el punto medio y comienza a hablar desde el punto de vista frío y clínico de las autoridades: "dale a la escoria un arma y haz que el cabrón luche y asegúrate de que los desertores sean fusilados en cuanto los veas, si muere le enviaremos una medalla a su esposa".

En Drivin' escuchamos la superficialidad de aquellos en la sociedad que eligen rechazar estas cuestiones en favor de actividades materiales. Brainwashed, mi canción favorita, aborda las formas sutiles en que los aristócratas oprimen a sus subordinados de clase baja, pueden pensar que tienen los derechos que se les prometen, pero en realidad las clases altas los aplastan para su propio beneficio, es uno de los arreglos más oscuros y crueles de los Kinks, el sorprendentemente duro trasfondo musical agrega un fuego considerable a las letras que escupen sangre y que suenan totalmente disgustadas con la sumisión impuesta a la sociedad y felizmente aceptada por la mayoría del público. El lado cierra con la épica Australia, es una canción fabulosa y describe la promesa de una tierra "sin distinción de clases" ni "adicción a las drogas". Un lugar donde los sueños se pueden hacer realidad con un sol ininterrumpido y tablas de surf, esta canción realmente lo ve desde el punto de vista de Arthur, pero la línea sobre las "sonrisas perpetuas" en sus rostros es algo cruel por parte de Davies. Los "ooh, ooh oohs" al estilo de los Beach Boys simplemente se suman a un número enormemente disfrutable. Concluye con una improvisación extendida de cuatro minutos, acentuada por una sección de vientos y el trabajo de guitarra blues de Dave Davies.

El lado B continúa con esta idea de encontrar la utopía con Shangri-La, esta compleja canción comienza con un sonido triunfal y nostálgico que habla de cómo un hombre ha trabajado duro toda su vida, logrando así una comodidad razonable en su jubilación. Sin embargo, la sección central de la canción insinúa la ligereza de la sociedad cerrada y la tensión constante de las hipotecas y las facturas que pesan sobre las cabezas de todos. El alegre estallido de metales que impulsa el cuarto verso es apropiadamente irónico considerando que contiene líneas tan incómodas como “las facturas de gas y las tarifas de agua y los pagos del auto, demasiado asustado para pensar en lo inseguro que eres”. Luego se repite la apertura de la canción, pero ahora suena mucho menos positiva y casi sentimos pena por el anciano porque el trabajo de toda su vida ha logrado una recompensa tan modesta. Mientras Arthur lidia con esta ansiedad, Mr. Churchill Says explica la vida en Gran Bretaña, ahora en la Segunda Guerra Mundial, no ha cambiado mucho: a los soldados de clase baja todavía les están lavando el cerebro para que luchen por la clase alta. She's Bought a Hat like Princess Marina, el estallido inicial del clavicémbalo sonaba vagamente real y sugería agradablemente la obsesión de la mujer con la princesa del título. Sin embargo, la pista luego estalló en una melodía novedosa de tipo music hall que resaltaba inteligentemente lo ridículo de admirar a la monarquía adinerada cuando apenas puedes permitirte alimentar y vestir a tu propia familia. Los tres temas finales, Young and Innocent Days, Nothing to Say y Arthur, forman una trilogía reflexiva y deprimente de la actualidad: volvemos a Arthur en Australia, donde desearía tener la visión ingenua del mundo que tenía cuando era más joven. Sin embargo, su hijo, formado en una sociedad que Arthur no hizo nada por solucionar, reprende a su padre, que cree que no tiene nada que ofrecer en sus últimos años más que una conversación banal. El álbum termina con una mirada cínica hacia el futuro, sobre cómo no tiene sentido detenerse en el pasado o el presente. El futuro te pasará de largo: puedes escapar como Arthur y compadecerte de ti mismo, o puedes actuar e intentar limpiar la sociedad.

La música que se encuentra aquí está llena de estribillos pegadizos y tiene tintes de psicodelia y hard rock sin adherirse a un solo género. Recorre múltiples géneros: “Australia” se siente como una banda de jam, pero el clavicémbalo en “She's Bought a Hat...” le da un toque antiguo, pero no se puede negar el impulso de rock más duro en “Victoria” o “Brainwashed”. Es difícil incluso aplicar un solo género a canciones individuales, ya que la mayoría de las pistas divergen de su sonido inicial a una segunda (o tercera) parte completamente diferente. Esta mezcla de géneros dentro de cada canción da como resultado un álbum que nunca pierde el ritmo por mucho tiempo. El uso de una sección de instrumentos de viento y cuerdas transmite vibraciones de ópera rock y música barroca, pero como se dijo antes, no distrae ni es exagerado. Los últimos álbumes de los Kinks, como "Lola Versus Powerman and the Moneygoround, Part One" de 1970, se adentrarían demasiado en esta tendencia dramática, pero "Arthur" lo mantiene conciso. Desde el punto de vista de un álbum conceptual, la "historia" aquí es vaga; Arthur solo se menciona por su nombre en algunas canciones, pero es más un concepto temático que mantiene unidas las pistas. La contraportada del lanzamiento le da a Arthur una historia de fondo familiar completa que probablemente se desarrolló más en la película destruida. El público actual puede encontrar las letras un poco demasiado pesimistas y la crítica de la sociedad británica es un tema que no se explora realmente en la música actual, por lo que es difícil identificarse con el lirismo. Sin embargo, el sonido salvaje y crudo de los Kinks en "Arthur" todavía suena emocionante hoy.

1356.- Emerald - Thin Lizzy

 

Emerald, Thin Lizzy

     Emerald es una de las canciones más destacadas del icónico álbum Jailbreak (1976) de Thin Lizzy. Este álbum consolidó a la banda irlandesa como una de las más importantes del panorama rockero y marcó un punto de inflexión en su carrera, catapultándolos al estrellato internacional. La canción es una mezcla perfecta de rock pesado y las influencias celtas que caracterizan a la banda, toda una muestra de la habilidad de Phil Lynott y la banda para combinar poderosos riffs de guitarra con las raíces culturales de Irlanda. La poderosa mezcla de tradición y modernidad combinan a la perfección en esta canción.

Musicalmente, Emerald es conocida por su complejidad, pues presenta un compás de 6/8, lo que le da un ritmo muy dinámico. Las guitarras gemelas de Scott Gorham y Brian Robertson se entrelazan para regalarnos uno de los momentos más mágicos del álbum. Este estilo de guitarras gemelas se convirtió en una marca registrada de Thin Lizzy y ha influido a numerosas bandas de rock y metal. La canción es desde el comienzo un torbellino de guitarras pesadas, con un riff principal que establece el tono de la canción desde el primer compás. Sin embargo, lo que distingue a la canción de muchas otras de la época es su clara influencia celta. Aunque Thin Lizzy había explorado anteriormente elementos del folk irlandés en canciones como Whiskey in the Jar (una versión de una tradicional balada irlandesa), Emerald fue una demostración mucho más audaz de esta influencia, tanto en la música como en la temática de la letra. La canción se originó a partir de un riff que tenía Phil Lynott. El guitarrista Scott Gorham afirmaba sobre la canción: "Tiene un verdadero aire irlandés. Brian Robertson y yo inventamos las guitarras armónicas, pero el riff principal salió directamente de Phil. Es una canción sobre los tiempos antiguos en la antigua Irlanda, que habla de los clanes en guerra y todo eso".

La ardiente fascinación de Phil Lynott por la historia irlandesa queda patente en la letra de la canción, que evoca las batallas y conflictos de la historia de Irlanda. Las imágenes de guerra, espadas y tierra en disputa son recurrentes, ya que en esta canción Lynott narra la invasión anglo-normanda de Irlanda en el siglo XII. Lynott, el líder y principal compositor de la banda, utilizó imágenes vívidas para describir la batalla y la resistencia irlandesa. La canción refleja el orgullo y la lucha del pueblo irlandés, temas recurrentes en la obra de Lynott. El título de la canción, Emerald (esmeralda), presenta una gran simbología, ya que Irlanda ha sido conocida históricamente como la “Isla Esmeralda” debido a su exuberante paisaje verde. Lynott, además de componer una canción con temática bélica en sentido literal, dejó su huella consiguiendo reflejar el espíritu de resistencia del pueblo irlandés a lo largo de su historia.

Canciones escondidas: Ghost - Laura Marling (2007)

Lily, Amy, Kate, Adele, Duffy... no estamos exactamente hambrientos de pájaros cantores británicos con talento en la actualidad. Pero apareció Laura Marling, una folk con 18 años de Eversley, Hampshire, parece ofrecer algo de lo que carecen sus camaradas de alto perfil: un poco de eufemismo con su álbum debut, Alas, I Cannot Swim, y los discos que siguieron, capturaron a una joven compositora explorando tanto su oficio como su identidad. Su voz, algo flexible y fascinante, también evolucionó: más rica, más dura, más ahumada cuando era necesario, mientras que las canciones hablaban de sabiduría, mundanalidad y feminidad. Pero el éxito juvenil tiene la costumbre de cristalizar a sus sujetos, y para muchos, Marling siguió siendo para siempre la cantante folk ingenua y de voz clara de sus primeros días. Los alegres galimatías folklóricos Ghosts and Failure y el pegadizo country-rock galopante de You're No God restan importancia a la persona vulnerable que emerge. Hay un encantador punto medio, mejor representado por Cross Your Fingers , que recorre el cálido y melancólico camino de la Cima del Mundo de los Carpinteros . Su canto es en su mayoría sencillo y sin incidentes, pero muestra un inteligente sentido del tiempo para evocar la atmósfera siniestra y trágica de Night Terror (posiblemente el más destacado) con prácticamente la única ayuda de tambores y panderetas, y una habilidad aún más aguda para el patetismo en El capitán y el reloj de arena , a medio camino entre el Bang Bang de Cher y los primeros Leonard Cohen  Los arreglos son generalmente secundarios, excepto cuando el violín entona una marcha gitana de vals en My Manic And I. Your Only Doll (Dora) , de siete minutos , por otro lado, suena como una exageración de la inspiración.

Nos detenemos en Ghost, con solo una duracion de más de tres minutos de duración es una melodía precisa y melancólica, comenzando con una guitarra acústica que sueña con los brumosos días de verano, la voz suave y frágil de Marling cuenta la historia del lamento de un niño por sus amores perdidos, Marling ha dado el extraordinario paso de tratar de ser lo más anodino posible, esencialmente, Laura sigue una ruta desgastada con tintes campestres, con una narración sencilla y personajes sencillos: el chico que "se volvió loco a los diecinueve años dijo que había perdido toda su autoestima", una línea de bajo que se pavonea suavemente nos impide sumergirnos soñando en las últimas horas de la tarde, los polvorientos campos de maíz y los romances de verano, y la pieza gradualmente llega a un discreto crescendo que tipifica a la propia Marling. Es un tema muy melancólico, por supuesto, que Marling, por más sentimental que pueda ser, en 'Ghosts', cada pequeño paso es una valentía tan rara que el corto alcance de los acordes del coro se siente como un esfuerzo Hercúleo, es esta tensión la que hace que se arrepienta en lugar de arrepentirse, y le da a 'Ghosts' la esperanza de un exorcismo en lugar de un futuro de lamentos húmedos y encerrados en armarios.

Hay una vulnerabilidad en Marling que inevitablemente resultará ser el aliado más asfixiante en su silenciosa búsqueda para marchitar a las Adele de este mundo, mientras las breves luchas con y contra el alhelí en su choque contra la música que aprecia el detalle y la moderación, eleva más allá de las hazañas caricaturescas que se esta imponiendo, mientras que las canciones de Adele tienden a terminar horriblemente, desangrando en tres minutos de lamentos indulgentes y sin dirección, 'Ghosts' suena tiernamente hasta su cortante conclusión. Sin embargo, eso no quiere decir que pase desapercibido: la música para mirar al vacío rara vez es tan alusiva o conmoved

1355.- The Boys Are Back in Town - Thin Lizzy

 

The Boys Are Back in Town, Thin Lizzy

     Thin Lizzy publica en marzo de 1976 su sexto álbum de estudio, Jailbreak, disco que para mí conforma una de sus obras maestras junto con Black Rose (1979). Un disco que contiene magníficos temas como Running Back, Cowboy Song, Emerald, donde el rock se fusiona con la música celta para regalarnos una obra maestra, o The Boys Are Back In Town, uno e los temas angulares de la banda irlandesa y uno de sus temas buque insignia. Phil Lynott y los chicos habían regresado a la ciudad..... para dar mucha guerra.

The Boys Are Back In Town fue compuesta por Phil Linott en honor a los seguidores de la formación. Lynott se dió cuenta que en los conciertos del grupo había muchos jóvenes de clase media trabajadora que iban a verles con la intención de salir y divertirse, algo que también era una de las aficiones favoritas del grupo. Fue éste tema el que le dio al grupo el espaldarazo y proyección mundial que tanto habían estado esperando, de hecho fue el único tema del grupo que consiguió meterse dentro del Top 40 de las listas en Estados Unidos, no así en Reino Unido dónde consiguieron muchos más.

Sobre este tema Scott Gorham comentó en una entrevista que por aquella época el grupo se encontraba tocando en algún lugar de Estados Unidos y el mánager del grupo llegó todo excitado para comentarles que habían conseguido un éxito con un tema, y que ni por asomo se imaginaban que hubiera sido The Boys Are Back In Town. De hecho cuando el grupo publicó Jailbreak, tenían 15 canciones de las que tenían que elegir 10 y The Boys Are Back In Town no estaba entre las elegidas, pero fueron animados y aconsejados por la discográfica para que la incluyeran porque veían en el tema algo especial. Y no se equivocaron...

The Kinks - The Kinks Are the Village Green Preservation Society (Mes The Kinks)

"The Kinks Are the Village Green Preservation Society" es el sexto álbum de estudio de la banda de rock británica The Kinks. Lanzado en noviembre de 1968, es considerado por muchos como el primer disco conceptual de la historia, o un precursor temprano de ese tipo de discos, porque la realidad es que el término "álbum conceptual" no existía en el momento en el que esta obra maestra de The Kinks fue lanzada, y el propio Ray Davies quitó hierro a esta honorífica etiqueta, refiriéndose a "The Kinks Are the Village Green Preservation Society" como un álbum que "no era una historia, sino un hilo emocional".

Fue el primer álbum producido íntegramente por su líder Ray Davies, y el último disco de The Kinks grabado por su formación original, antes de que el bajista Pete Quaife abandonara la banda en 1969. También fue el último disco en el que el reputado músico de sesión Nicky Hopkins colaboró con el grupo, con memorables contribuciones al piano y el mellotron. Estas particularidades ya lo convertirían en un disco relevante desde un punto de vista histórico para los fans de la banda, pero lo que de verdad hace grande a "The Kinks Are the Village Green Preservation Society" es la sorprendentemente unitaria temática de sus canciones y el impresionante despliegue de estilos musicales que The Kinks ponen sobre la mesa, con predominio de estructuras del pop y el rock, pero con poderosas referencias estilísticas del folk, el blues, el music hall, el calipso y la psicodelia.

Ray Davies centró el disco en la temática central de la preservación de las costumbres y la cultura inglesa, que a su juicio se estaban perdiendo en beneficio de una innecesaria modernización y de un excesivo e inexplicable interés olvidar la tradiciones y abrazar todo que viniera de Estados Unidos o del continente europeo. Con ese punto de partida, concibió el álbum como una serie de nostálgicas historias y personajes inspirados especialmente en "Under Milk Wood", un drama radiofónico de Dylan Thomas emitido en 1954 en el Reino Unido, que retrataba un día normal en la vida de los habitantes de un pequeño pueblo de Gales, en la novela de George Orwell de 1939 "Coming Up for Air", y en la novela de 1925 "El gran Gatsby" de F. Scott Fitzgerald.

La grabación del disco se realizó en los estudios Pye Londinenses, con la banda aprovechando cualquier horario en el que estuvieran libres, lo cual sucedía casi siempre a última hora de la tarde o a medianoche. La producción de "The Kinks Are the Village Green Preservation Society" destacó por su sobriedad y escasez de adornos, con un sonido que por momentos recuerda a los de una grabación de demos, y que sin embargo incluyó una amplia gama de instrumentos como el mellotron, la armónica, el clavecín, la flauta o una sección de cuerdas, que se unían a los habituales de batería, bajo, piano y guitarras. Tras muchas y muy productivas sesiones, a mediados de agosto de 1968, los Kinks grabaron la última canción, "The Village Green Preservation Society", que completaba lo que iba a ser un LP de doce pistas, y que acabó dando nombre al disco. Sin embargo, en el último momento Ray Davies pidió que se detuviera la producción del álbum y se retrasara su lanzamiento, al parecer porque quería transformarlo en un disco doble con veinte canciones. Finalmente el sello discográfico rechazó esta propuesta por no considerarla rentable, pero aceptó que el disco se lanzara como sencillo con quince canciones. The Kinks grabaron entonces las canciones "All of My Friends Were There", "Big Sky" y "Last of the Steam-Powered Trains", completando por fin el álbum.

El disco comienza con "The Village Green Preservation Society", el himno principal del álbum y una auténtica declaración a favor de la defensa y preservación de las cosas bellas del pasado, entre las que se mencionan específicamente el vodevil, la medalla George Cross y sus destinatarios y la cerveza de barril, entre otros. El ritmo se basa en un ritmo de batería predominante y en un efectivo piano acompañando a las armonías vocales de los dos hermanos Davies. Le sigue el tema "Do You Remember Walter?", que arranca con un gran redoble de batería y que, sobre un ritmo de bajo y piano, va disparando una letra inspirada en un encuentro de Ray Davies con un amigo de la infancia, al que recordaba de una manera idealizada, y al coincidir años después se da cuenta de que ya no tenían nada en común. En "Picture Book", uno de los temas que más destaca musicalmente en "The Kinks Are the Village Green Preservation Society" por su efectiva mezcla de guitarras acústicas y eléctricas, los Kinks nos cuentan la nostálgica historia de un anciano mirando un viejo álbum de fotos. Tras este gran tema, llega el turno de "Johnny Thunder", inspirada en la película de 1953 "Salvaje" de László Benedek y protagonizada por Marlon Brando, que estuvo prohibida por la censura británica hasta 1968. En la canción, una pieza de corte rockero que combina ritmos de guitarras acústicas con melodías eléctricas, Johnny Thunder es también un rudo motociclista que se rebela contra el orden establecido.

"Last of the Steam-Powered Trains" fue la última canción que Ray Davies compuso para el álbum, con una letra que describe un antiguo tren de vapor, relegado ahora a pieza de museo. Para la música, el grupo se basó en el riff del éxito de 1956 de Howlin' Wolf "Smokestack Lightning". A continuación suena "Big Sky", otra de las tres canciones con las que se completó el disco a última hora. Ray Davies la compuso en el balcón de un hotel, inspirado por un grupo de ejecutivos que caminaban bajo el balcón en el momento en el que el sol salía en el horizonte. Algunas teorías sobre el significado de la canción compararon la parte recitada con la voz de Dios, mientras que Dave Davies dijo que su hermano estaba simplemente imitando a Burt Lancaster. Tras este curioso tema, "Sitting by the Riverside" supone un cambio musical relevante, con su efectiva combinación de piano honky-tonk y del mellotron imitndo el sonido de un acordeón. La canción alterna momentos de calma y tranquilidad con tramos de sueño agitado, representados por un tumulto creciente que recuerda a los tramos orquestales del "A Day in the Life".

La segunda cara comienza con "Animal Farm", en la que destaca la aparición de una sección de cuerdas y cuyo título recuerda a otra obra del ya mencionado George Orwell ("Rebelión en la granja", 1945), pero con una temática que nada tiene que ver con esa novela, y que por el contrario defiende las bondades de vivir en una granja. la percusión añadida y un prominente piano de tachuelas. En "Village Green" las cuerdas hacen de nuevo su aparición, apoyando musicalmente una historia en la que los protagonistas (Tom y Daisy) llevan los nombres de los personajes de "El Gran Gatsby". Se trata de la canción más antigua de "The Kinks Are the Village Green Preservation Society", ya que Ray Davies la compuso en agosto de 1966, en mitad de una gira por la Inglaterra rural. En una de sus visitas a un tradicional pub inglés, sufrió la gran decepción de comprobar que la cerveza se almacenaba en un barril de metal, en lugar de en el clásico barril de madera, y la temática de "Village Green" sobre la nostalgia y declive de los pueblos tradicionales le vino entonces a la cabeza. El protagonista, abrumado por los cambios y la modernidad, recuerda a su amada Daisy, y jura volver para revivir los recuerdos del pasado. La música complementa a la perfección este sentimiento de añoranza del pasado, con instrumentos barrocos como el clavicémbalo (interpretado por Nicki Hopkins) y los arreglos orquestales de oboe, violonchelo, viola y flautín.

"Starstruck" fue el único single del álbum (y solo en Estados Unidos y Europa), con el tema "Picture Book" como cara B, y es un homenaje a bandas Motown como los Four Tops y los Temptations. Su conexión con la temática de exaltación de la vida rural está en una letra que alerta sobre los peligros de la vida en la gran ciudad. Tras este buen tema, escuchamos una intro de mellotron imitando el sonido de una flauta, con la que da comienzo "Phenomenal Cat", con una letra sobre un gato volador que, tras viajar por todo el mundo, decide retirarse a vivir tranquilo y comer en abundancia. No menos sorprendente es el estilo de music hall de "All of My Friends Were There", con un galopante órgano y un ritmo alocado y caótico, e inspirada en la sensación de vergüenza que Ray Davies pasó al tener que dar un concierto estando enfermo, al saber que no había estado a la altura y que sus amigos habían ido a verle esa noche.

"Wicked Annabella" es la única canción del disco en la que la voz principal corre a cargo de Dave Davies, cantando sobre una malvada bruja llamada Annabella, en lo que es todo un cuento psicodélico con moraleja incluida (es mejor que los niños se queden en el pueblo y no se adentren en el peligroso bosque). Musicalmente, el riff principal recuerda a la canción "Light my Fire" de los californianos The Doors, y es la pieza psicodélica del álbum, en la que probablemente sea la única incursión de The Kinks en ese terreno musical en toda su trayectoria. Un nuevo giro estilístico se produce en "Monica", un tema al más puro estilo calipso, mezclando ritmos caribeños y de jazz con guitarras acústicas y teclados, y con una cuidada letra (para evitar prohibiciones en las radios) que habla de una prostituta, inspirada en uno de los personajes de "Under Milk Wood" de Dylan Thomas. Es la antesala del final del disco, y la designada para tal fin es "People Take Pictures of Each Other", una afilada sátira contra las personas que están continuamente haciéndose fotografías (quizá los turistas que tanto le molestó ver en mitad de la Inglaterra más tradicional y profunda) a todas horas y en todos lados, como si con ello fueran a conseguir "preservarse" para la eternidad. 

Pese a los elogios recibidos de la prensa y la crítica especializada, y a que el lanzamiento del disco se planificó estratégicamente para que coincidiera con las Navidades, la casualidad jugó en contra de "The Kinks Are the Village Green Preservation Society", y su publicación coincidió con la del "White Album" de The Beatles y el "Beggars Banquet" de The Rolling Stones, y sus ventas se vieron totalmente ensombrecidas por las de estos otros dos monumentales discos. Al conocer esta circunstancia, Ray Davies dijo que "tendríamos suerte si llegáramos a vender 100.000 copias", y el tiempo no le quitó la razón hasta la década de los noventa, cuando grupos emergentes de la talla de Blur y Oasis clamaron a los cuatro vientos que "The Kinks Are the Village Green Preservation Society" era un disco de referencia y una enorme fuente de inspiración para ellos. Tal fue el resurgimiento que este apoyo proporcionó al disco, que con las sucesivas reediciones y versiones ampliadas que se publicaron, acabó convirtiéndose en el álbum más vendido de The Kinks en el Reino Unido. Y así fue como, aunque los turistas siguieron turbando la tranquilidad de los pequeños pueblos rurales con su cháchara y sus fotos, y ya nunca más las cervezas se volvieron a almacenar en barriles de madera, la ilustre "Sociedad para la Preservación Verde del Pueblo" acabaría por fin triunfando y siendo reconocida en todo el mundo.

1354 - Genesis - Dance on a volcano

1354 - Genesis - Dance on a volcano

Genesis es una de las bandas más influyentes y versátiles de la historia del rock progresivo, con una carrera que abarca varias décadas y múltiples transformaciones estilísticas. Formada en 1967 por Peter Gabriel, Tony Banks, Mike Rutherford, Anthony Phillips, y Chris Stewart, la banda evolucionó de sus inicios en el rock progresivo hasta convertirse en un gigante del pop rock en los años 80 y 90.

Los primeros años de Genesis estuvieron marcados por una exploración profunda del rock progresivo, un estilo caracterizado por composiciones complejas, cambios de tiempo inusuales, y una fuerte influencia de la música clásica. Durante esta etapa, con Peter Gabriel como líder y vocalista, Genesis lanzó álbumes icónicos como Foxtrot (1972) y Selling England by the Pound (1973), que establecieron su reputación como una de las bandas más innovadoras del género. 

En 1975, tras la partida de Gabriel, el baterista Phil Collins asumió el rol de vocalista principal. Este cambio marcó el inicio de una nueva era para la banda, la cual quedó plasmada en el álbum A Trick of the Tail (1976), el primero sin Gabriel y que demostró que Genesis podía seguir adelante con éxito. 

Dentro de este álbum, la canción "Dance on a Volcano" es un tema crucial, tanto por su música como por su simbolismo dentro de la transición que estaba viviendo la banda. La canción, que abre el álbum, comienza con un vigoroso riff de guitarra y una atmósfera tensa, marcando una declaración de intenciones sobre la dirección que tomaría Genesis bajo la dirección de Collins. "Dance on a Volcano" es una fusión perfecta de elementos progresivos y accesibles, con complejas estructuras rítmicas y cambios de tiempo que muestran la habilidad técnica de los miembros de la banda, al mismo tiempo que logran mantener un sentido melódico fuerte y pegajoso.

Líricamente, la canción también es significativa. Trata sobre la sensación de estar al borde del peligro, una metáfora que podría interpretarse como un reflejo de la situación de la banda en ese momento: en una encrucijada, danzando al filo del volcán, arriesgando pero a la vez avanzando hacia nuevos horizontes.

"Dance on a Volcano" destaca por su energía y por ser un puente entre el sonido clásico de Genesis y su futura evolución hacia un sonido más accesible. Es un testimonio de la resiliencia y adaptabilidad de la banda, que supo reinventarse sin perder su esencia. En última instancia, esta canción no solo marca el inicio de una nueva fase para Genesis, sino que también se erige como una de las piezas esenciales en su vasto catálogo, siendo un tema que sigue resonando entre los aficionados al rock progresivo.

Daniel 

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1353.- De amor ya no se muere - Gianni Bella

Hoy nos vamos a Italia y toca una canción que a los románticos no se nos ha olvidado, el intérprete es Giovanni Bella, más conocido simplemente como Gianni Bella, un cantautor italiano nacido en Catania el 14 de marzo de 1946, si algo caracteriza su estilo musical, es sin duda la balada con elementos pop, que lo ha convertido en una figura icónica de la música italiana, especialmente durante las décadas de los 70 y 80. Gianni comenzó su carrera musical como cantante y guitarrista en grupos locales de su ciudad natal, su espejo era el éxito de su hermana, la también cantante Marcella Bella, así que decidió trasladarse al norte de Italia para impulsar su carrera en solitario. Su gran oportunidad llegó en 1974, cuando participó en el disco recopilatorio "Un disco para el verano 1974" con la canción "Più ci pensó", que se convirtió en un gran éxito en Italia, a partir de ese momento, su popularidad no dejó de crecer, consolidándose como uno de los baladistas más destacados de su generación. Pero Gianni Bella no solo es conocido por sus románticas baladas, sino que también ha explorado otros géneros musicales a lo largo de su carrera. Ha experimentado con el rock, el pop y incluso ha incursionado en la música disco, demostrando su versatilidad como artista. Sus influencias musicales son tan variadas como su estilo. Desde los grandes clásicos italianos hasta artistas internacionales del rock y el pop, Gianni Bella ha sabido fusionar diferentes sonidos para crear un estilo propio y reconocible.

Sin duda "De amor ya no se muere" es una de las canciones más emblemáticas de Gianni Bella y un verdadero hito de la música italiana, esta como no podía ser de otra manera es una balada romántica ha trascendido fronteras y generaciones, convirtiéndose en un clásico atemporal que sigue emocionando a millones de oyentes y claro tuvimos nuestra versión en español cantada por el propio Gianni, la letra de la canción rompió corazones ya rotos, nos sumergía con su voz un tanto chillona en un universo de amor perdido y desamor. La frase que da título a la canción, "de amor ya no se muere, mas muriendo me marché", se ha convertido en una expresión popular que resume a la perfección la sensación de dolor y vacío que experimentamos cuando un amor se acaba. Otro de los ganchos era la melodía, sencilla pero efectiva, y que acompaña a la perfección la letra, creando una atmósfera melancólica y envolvente con la voz de Gianni Bella, que transmite a la perfección la intensidad de los sentimientos expresados en la canción. Sin duda ha sido una canción que ha conectado y sigue conectando con un público muy amplio y es que la temática universal del amor y la pérdida difícilmente falla. A lo largo de los años, "De amor ya no se muere" ha sido versionada por numerosos artistas y ha sido utilizada en diversas bandas sonoras de películas y series de televisión. Sin embargo, ninguna versión ha logrado superar la original de Gianni Bella, que sigue siendo considerada como la interpretación definitiva de esta canción. Sé un poco moña y déjate llevar por la moñeria de "De amor ya no se muere" al final es mucho más que una simple canción de amor sino una obra que ha dejado una huella imborrable en la música italiana y que continúa emocionando a nuevas generaciones de oyentes. 

Disco de la semana 395: Volcanic Rock - Buffalo

 

Volcanic Rock, Buffalo

     Buffalo fue una banda de rock australiana que jugó un papel crucial en la escena del hard rock y proto-metal durante la primera mitad de la década de 1970. Formada en Sídney en 1971, Buffalo fue de las primeras bandas en Australia que adoptó un sonido pesado, oscuro y crudo que anticipó lo que más tarde se convertiría en el heavy metal. A pesar de no haber alcanzado un éxito comercial masivo en su tiempo, con el tiempo ha sido reconocida como una banda pionera cuyo legado influyó en el desarrollo del rock duro, tanto en Australia como fuera de dichas fronteras. Esta banda australiana se formó a principios de 1971 a partir de los restos de una banda llamada Head, que incluía a Dave Tice (voz) y Pete Wells (bajo). Estos dos músicos se unieron a John Baxter (guitarra), Paul Balbi (batería) y Alan Milano (coros) para formar lo que se convertiría en Buffalo. La banda fue rápidamente fichada por el sello discográfico Vertigo Records, que en ese momento era conocido por promover bandas de rock progresivo y hard rock.

Buffalo se destacó por su sonido pesado, influenciado por bandas como Black Sabbath, Led Zeppelin y Deep Purple. Sin embargo, no se limitó a copiar a sus contemporáneos, en su lugar, desarrollaron un estilo propio que combinaba el blues rock con riffs densos y una atmósfera oscura y a veces psicodélica. Su música era más cruda y directa que la de muchas bandas de su época, lo que los posicionó como uno de los pioneros del género muscial llamado proto-metal. La banda fue también conocida por sus letras desafiantes y provocativas, que a menudo abordaban temas como la rebelión, la libertad personal y la crítica social, todo ello envuelto en un ambiente sonoro pesado y agresivo. Este enfoque temático y sonoro, junto con sus enérgicas presentaciones en vivo, les permitió construir una base de seguidores leales, aunque limitada, en la escena underground.

Buffalo lanzó su álbum debut,  Dead Forever... en 1972. Este disco fue uno de los primeros álbumes de rock pesado en Australia y recibió una buena acogida por parte de la crítica, aunque su impacto comercial fue limitado. El álbum incluía una mezcla de temas originales y versiones, destacándose por su dureza y energía. El siguiente álbum de la banda, Volcanic Rock (1973), recomendado para esta semana, es quizás su trabajo más influyente y aclamado. Este álbum es considerado una obra maestra del hard rock y proto-metal, con canciones largas y densas que mostraban un mayor enfoque en la improvisación y la construcción de atmósferas. Volcanic Rock no solo solidificó el sonido distintivo de Buffalo, sino que también los estableció como una banda que no tenía miedo de romper con las convenciones. No en vano, est álbum está considerado como uno de los tranajos más infliuyentes en la evolución de hard rock y el proto-metal. Este disco presenta una mezcla explosiva de riffs pesados, improvisaciones prolongadas y una actitud cruda que desafió las normas establecidas en la música rock de los años 70.

Para entender la importancia de Volcanic Rock, es esencial situarlo en el contexto musical y cultural de principios de la década de 1970. En ese momento, el rock estaba experimentando una transformación significativa. La década de 1960 había visto el auge del rock psicodélico y la invasión británica, con bandas como The Beatles y The Rolling Stones dominando las listas de éxitos. Sin embargo, a medida que la década llegaba a su fin, surgió un sonido más pesado y oscuro, representado por bandas como Led Zeppelin, Black Sabbath y Deep Purple. En Australia, la escena musical no estaba tan desarrollada como en los Estados Unidos o el Reino Unido, pero bandas como Buffalo estaban comenzando a emerger, influenciadas por el sonido duro y crudo que provenía del extranjero. Buffalo, formada en Sídney en 1971, fue una de las primeras bandas australianas en abrazar este estilo más pesado. Desde su primer álbum, Dead Forever... (1972), Buffalo demostró que estaba dispuesta a explorar territorios sonoros más oscuros y pesados.

Volcanic Rock fue grabado en 1973 con la alineación clásica de Buffalo: Dave Tice en la voz, John Baxter en la guitarra, Peter Wells en el bajo, Jimmy Economou en la batería y Alan Milano en los coros. La producción estuvo a cargo de Spencer Lee, quien logró capturar la intensidad y crudeza del sonido de la banda. El proceso de grabación fue relativamente rápido, en gran parte debido a la naturaleza improvisada de muchas de las canciones. Buffalo tenía la costumbre de trabajar sobre ideas en el estudio, lo que les permitía capturar la espontaneidad de sus actuaciones en vivo. Esto es evidente en las largas secciones instrumentales y en los solos extendidos que se encuentran a lo largo del álbum. La portada fue diseñada por el artista J. Phillip; la imagen muestra a una mujer desnuda con su cuerpo fusionado con una formación rocosa, en lo que parece ser un paisaje volcánico. Esta imagen fue considerada extremadamente provocativa y transgresora para la época, lo que llevó a problemas de distribución en algunos lugares. La elección de esta portada refleja el espíritu rebelde y contracultural de Buffalo. La banda estaba decidida a romper con las convenciones y crear algo que fuera completamente suyo, sin compromisos. Aunque la controversia en torno a la portada pudo haber limitado su alcance comercial, también ayudó a solidificar la imagen de Buffalo como una banda que no tenía miedo de tomar riesgos y desafiar las normas establecidas.

El sonido de Volcanic Rock es una amalgama de hard rock, blues y proto-metal, con un enfoque en riffs pesados y una atmósfera oscura. A diferencia de su álbum debut, que tenía una producción más pulida y algunas influencias psicodélicas, este segundo trabajo es más crudo y directo. El álbum abre con Sunrise (Come My Way), una de las pistas más memorables del grupo. Con su riff de guitarra contundente y su estructura lírica repetitiva, la canción establece el tono para el resto del álbum. La voz potente de Dave Tice se complementa perfectamente con la guitarra de John Baxter, creando una atmósfera intensa, envolvente y oscura. La canción, aunque sencilla en su estructura, es un ejemplo perfecto de cómo el grupo podía tomar un riff y construir una pieza completa en torno a él, permitiendo que la música respirara y evolucionara de manera natural. Freedom comienza con un riff de guitarra muy blusero para evolucionar hacia un riff de rock pesado, acompañado de una sección de ritmo, bajo-batería, que emerge con fuerza.  Till My Death con unos cambios de tempo y una estructura impredecible, es una canción que mantiene al oyente al borde del asiento, nunca permitiendo que se acomode en una sola idea musical. La guitarra de Baxter es la estrella del tema con un desgarrador solo final. 

Pasamos el ecuador del álbum con The Prophet,  otra de las piezas clave del álbum. Con casi ocho minutos de duración, es una canción que muestra la habilidad de la banda para combinar secciones pesadas con pasajes más atmosféricos. La guitarra de Baxter vuelve a ser centro de atención, convirtiéndose en el motor de la canción, con un riff que parece arrastrar al oyente a través de un paisaje sonoro lleno de sombras y misterios. La sección instrumental en medio de la canción es particularmente notable, con la banda cayendo en un groove hipnótico antes de estallar en un clímax sonoro. Intro: Pound of Flesh es una pieza instrumental que sirve como una apertura atmosférica y siniestra, con guitarras distorsionadas que crean una sensación de pesadez y tensión, preparando el escenario para la pista final del álbum, Shylock, que muestra la habilidad de Buffalo para mezclar el blues con el rock pesado. estamos ante una pieza más rápida y agresiva, con un ritmo casi frenético que nos deja con ganas de más, pues aquí acaba este interesante álbum.

Después de Volcanic Rock, Buffalo lanzó Only Want You For Your Body en 1974, otro álbum que continuó con su estilo pesado, aunque con una producción más refinada. Sin embargo, a medida que avanzaba la década, la banda comenzó a experimentar con diferentes sonidos y estilos, lo que llevó a una serie de cambios en la alineación. La salida del guitarrista John Baxter en 1974 fue un golpe significativo para la banda, ya que su guitarra había sido un componente clave en el sonido de Buffalo. A pesar de intentar continuar con nuevos miembros, la banda lanzó algunos álbumes más con menos éxito, como Mother's Choice (1976) y Average Rock 'n' Roller (1977), antes de disolverse finalmente en 1977.

Aunque Buffalo nunca alcanzó un gran éxito comercial durante su existencia, su influencia en la escena del rock pesado no puede subestimarse. Fueron una de las primeras bandas en Australia en abrazar un sonido verdaderamente pesado, allanando el camino para futuras bandas de hard rock y metal en el país. Su enfoque audaz y sin concesiones hacia la música inspiró a una generación de músicos australianos que seguirían llevando el hard rock al escenario global. De hecho, Buffalo es a menudo citada como una influencia temprana en bandas como AC/DC y Rose Tattoo, que más tarde alcanzarían fama internacional. Además, Buffalo ha sido reconocida como una banda de culto por los fanáticos del proto-metal, y sus álbumes, especialmente Volcanic Rock, siguen siendo buscados por coleccionistas y aficionados del género.

1352.- Victim of Changes - Judas Priest

Incluida en "Sad Wings of Destiny" (1976), el segundo disco de estudio de los ingleses Judas Priest, 

"Victim of Changes" está considerada como la mejor interpretación vocal de su cantante Rob Halford, además de contar con vibrantes riffs y solos de guitarra, que la han convertido en un auténtico himno para los seguidores de la banda.

"Victim of Changes" es una de las canciones más representativas e influyentes de Judas Priest y de la historia del heavy metal. La canción combina las canciones "Whiskey Woman", del cantante fundador de la banda Al Atkins y el guitarrista K. K. Downing, y "Red Light Lady" con el cantante Rob Halford, que la trajo bajo el brazo del período con su anterior banda Hiroshima.

De hecho, existen demos de "Red Light Lady" por separado, porque a punto estuvo de formar parte de "Rocka Rolla" (1974), el primer disco de estudio de Judas Priest, pero finalmente no vio la luz hasta su segunda entrega, "Sad Wings of Destiny" (1976), como parte de la excelsa "Victim of Changes".

Canciones Escondidas: Snuff - Slipknot (2008)

Hoy nos saltamos un poco la norma, tenemos que hacer parada en una canción a la que se ha nombrado en más de una ocasión como la canción más triste del Metal, nos vamos a detener en un grupo que navegan entre el Metal Alternativo y el Nu Metal y no es tan desconocido como los dos anteriores ya que dentro de su género tiene un status y un gran grupo de seguidores, nos estamos refiriendo a Slipknot el grupo de Des Moines de Iowa. Algo que rápidamente llama la atención a quien ve este grupo es que los componentes siempre actúan con máscaras, es algo propio y representativo de la banda, el sonido de la banda ha sido descrito como "una maquina trilladora devorando un grupo de tambores militares", el vocalista Corey Taylor, incorpora diversos estilos vocales, como por ejemplo la voz gutural, el canto melódico y el tono agresivo. Las influencias de la banda incluyen, entre otros géneros, el death metal, el black metal y el heavy metal.

Nos paramos en Snuff un tema que podría ser una rara avis dentro de su repertorio, alejada de lo que es el estándar del grupo, ya que lo que nos regalan es una canción muy vulnerable, una canción desnuda sobre un ser humano real al límite. Estar en una situación compleja muy difícil, el propio Corey Taylor definió a este tema como una canción sobre alguien que te ayudó a pasar por muchas cosas y de repente te decepcionó, alguien en quien confiabas pero que no sentía lo mismo, este el dolor podría llevarte al límite, pero si sobrevives, alcanzarás nuevos horizontes y crecerás. Snuff trata sobre una relación tóxica y enfermiza de la que eres consciente, pero no puedes dejarla ir, se trata de cómo diferentes emociones contradictorias pasan en forma de depresión maníaca, un minuto estás enojado, al otro estás triste…. amas y odias al mismo tiempo. ¿Alguna vez has estado en una relación que sabes que está mal?, sabes que te hace daño y que no es saludable, aun así, lo deseas, te empuja a una locura de conflictos, estás sufriendo, pero no puedes dejarlo, hay un verso interesante en la letra "No merezco tenerte", es literalmente la definición de estar en una relación con un narcisista, sabes que estás siendo manipulado, pero aún te sientes culpable y piensas que no eres suficiente para la persona y que no mereces su amor, en algún momento te das cuenta de que necesitas hacer algo, pero estás demasiado desesperado, entonces es cuando empiezas a luchar con tus emociones, cuestionas todo. 

“Entierra todos tus secretos en mi piel
Aléjate con tu inocencia
Y déjame con mis pecados
Aún siento el aire que me rodea como una jaula
Y el amor es solo un camuflaje
Para lo que parece ser rabia otra vez”

Me gusta mucho el video y os recomiendo que lo veáis, toma su tiempo para contarnos su historia y demostrarnos lo difícil que puede ser para algunos y algunas dejar ir a la otra persona, no en un sentido psicópata o físico, sino que emocional, Corey Taylor va reviviendo los lugares y momentos que vivió con su pareja, para luego darnos el plot twist de que no puede dejarla ir, llegando al punto de convertirse en ella. Es simplemente maravilloso como Slipknot logra jugar con estas dos sensaciones, el amor y la perdida, sentimientos que pueden llevar a algunas personas a lo más oscuro de sus mentes y donde vienen las preguntas que salen en la canción.

"Snuff" es uno de esos temas que te llegan a la fibra, cualquier persona que ha tenido una pena de amor o que tenga un corazón roto, es imposible que no logre emocionarte con su desolador sonido y cautivadora letra, una muestra de lo maravilloso que puede ser enamorarse, pero también de lo difícil que es poder terminar con dicho sentimiento, porque como dice la canción hay algo de la otra persona en ti ahora, ¿cómo te lo puedes quitar?