1235 - Bob Marley and the Wailers - No woman, no cry

1235 - Bob Marley and the Wailers - No woman, no cry

Bob Marley and the Wailers es una de las bandas más influyentes de la música reggae, y su legado se extiende mucho más allá de las fronteras de Jamaica. Fundada en 1963 bajo el nombre original de The Wailing Wailers, la banda se consolidó como un pilar fundamental del género, liderada por la icónica figura de Bob Marley. Marley, junto a los miembros originales Peter Tosh y Bunny Wailer, creó una mezcla única de reggae, ska y rocksteady que resonó con audiencias globales, difundiendo mensajes de amor, resistencia y unidad.

Bob Marley y los Wailers comenzaron su carrera en una Jamaica marcada por la desigualdad y la agitación política. Las primeras canciones de la banda, como "Simmer Down" y "One Love", se centraban en temas de paz y amor, con un ritmo pegajoso que capturó la atención tanto de los locales como de un público internacional emergente. En 1974, Peter Tosh y Bunny Wailer abandonaron la banda, y Bob Marley continuó con los Wailers, añadiendo nuevos miembros como los hermanos Barrett, Aston en el bajo y Carlton en la batería, quienes contribuyeron significativamente al sonido distintivo del grupo.

El éxito internacional llegó con álbumes como "Catch a Fire" (1973) y "Rastaman Vibration" (1976), pero fue "No Woman, No Cry" la canción que se convertiría en un himno universal. Este tema, incluido en el álbum "Natty Dread" de 1974 y popularizado por la versión en vivo de "Live!" de 1975, encapsula la esencia de la música de Marley: un mensaje de esperanza y consuelo frente a la adversidad.

"No Woman, No Cry" es, sin duda, una de las canciones más emblemáticas de Bob Marley and the Wailers. Escrita por Marley y Vincent Ford, un amigo cercano de su juventud, la canción se inspira en las experiencias de la vida en los barrios pobres de Trenchtown, Kingston. A través de sus letras, Marley pinta una imagen vívida de la lucha diaria y la resiliencia de las comunidades empobrecidas, mientras ofrece un mensaje de consuelo a las mujeres y a todos los que sufren.

El título, a menudo malinterpretado como una declaración contra las mujeres, en realidad significa "No, mujer, no llores". Es un llamado a mantener la esperanza y la fortaleza a pesar de las dificultades. La canción recuerda tiempos más simples, momentos de camaradería y apoyo mutuo, como se refleja en líneas como:

> "Good friends we have, oh, good friends we've lost along the way.

> In this great future, you can't forget your past;

> So dry your tears, I say."

La versión en vivo de "No Woman, No Cry" es particularmente poderosa, con la emotividad de la voz de Marley y el acompañamiento instrumental que crea una atmósfera cálida y reconfortante. Esta versión, grabada en el Lyceum Theatre de Londres en 1975, se convirtió en un éxito masivo y consolidó la reputación de Marley como un artista que podía tocar el alma de su audiencia con su música.

El impacto de "No Woman, No Cry" trasciende lo musical. La canción ha sido interpretada como un símbolo de resistencia y esperanza, y ha sido versionada por numerosos artistas de diversos géneros, lo que atestigua su relevancia y universalidad. Bob Marley, a través de esta y otras canciones, se convirtió en una voz para los oprimidos y un ícono del movimiento rastafari, que aboga por la paz, el amor y la igualdad.

Marley utilizó su plataforma no solo para entretener, sino también para educar y movilizar a las masas. Canciones como "Get Up, Stand Up" y "Redemption Song" complementan "No Woman, No Cry" en su mensaje de lucha por la justicia y la libertad. Su influencia se siente en movimientos sociales y culturales en todo el mundo, y su música sigue siendo una fuente de inspiración para generaciones enteras.

Bob Marley and the Wailers, y en particular la canción "No Woman, No Cry", representan mucho más que simples expresiones artísticas. Son testimonio de la capacidad de la música para unir a las personas, para proporcionar consuelo en tiempos difíciles y para inspirar cambios sociales significativos. La historia de Marley y su banda es una de superación, creatividad y un profundo compromiso con los principios de igualdad y justicia. Su legado perdura, y "No Woman, No Cry" sigue siendo un faro de esperanza y resistencia en un mundo que a menudo necesita ser recordado de la importancia de ambos.

Daniel 

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1234 - Kiss - Parasite

1234 - Kiss - Parasite

Kiss es una banda de rock estadounidense formada en Nueva York en enero de 1973. Conocidos por su estilo glam rock, maquillaje icónico y actuaciones en vivo llenas de energía, Kiss ha dejado una huella indeleble en la historia del rock and roll. Entre sus numerosas canciones, "Parasite" destaca como una joya menos conocida pero igualmente poderosa. Este tema, incluido en su segundo álbum de estudio, *Hotter Than Hell* (1974), captura la esencia cruda y vibrante de la banda durante sus primeros años.

"Parasite" fue escrita por el guitarrista principal de la banda, Ace Frehley, quien en ese momento era una de las fuerzas creativas más importantes de Kiss. Aunque Frehley escribió la canción, fue interpretada vocalmente por el bajista Gene Simmons, ya que Frehley no se sentía cómodo cantando en ese momento de su carrera.

Musicalmente, "Parasite" se destaca por su riff inicial, un patrón de guitarra agresivo y pegadizo que inmediatamente capta la atención del oyente. Este riff establece el tono de la canción: directo, enérgico y sin concesiones. La batería de Peter Criss proporciona un ritmo sólido y contundente que complementa perfectamente las guitarras de Frehley y Paul Stanley.

La letra de "Parasite" refleja una temática de traición y desilusión. La figura del "parásito" se utiliza como una metáfora para describir a alguien que se aprovecha de otra persona, drenando su energía y recursos. Gene Simmons canta con un tono de desprecio y resignación, transmitiendo la frustración y el dolor de sentirse utilizado.

El estribillo es simple pero efectivo, con la repetición de la palabra "parasite" que refuerza la idea central de la canción. La letra, aunque no es excesivamente compleja, es directa y efectiva en su mensaje, lo que resuena con el estilo general de Kiss en esa época.

La producción de *Hotter Than Hell* ha sido objeto de críticas mixtas a lo largo de los años. Algunos fans y críticos consideran que el sonido del álbum es más "sucio" y menos pulido en comparación con otros trabajos de la banda. Sin embargo, este enfoque de producción añade una capa de autenticidad y crudeza a "Parasite" que, de otra manera, podría haberse perdido.

La mezcla destaca los elementos más importantes de la canción: las guitarras y la batería. La voz de Simmons está bien equilibrada con la instrumentación, permitiendo que las letras sean claramente audibles sin opacar la fuerza musical de la pista. El solo de guitarra de Frehley en "Parasite" es otro punto culminante, mostrando su habilidad técnica y su estilo característico que mezcla velocidad y melodía.

Aunque "Parasite" no fue lanzada como sencillo, ha sido una favorita de los fans en los conciertos de Kiss. La energía bruta y la actitud desafiante de la canción la han convertido en una pieza esencial en muchos de sus setlists en vivo. Con el tiempo, ha sido reconocida como una de las mejores composiciones de Ace Frehley y un ejemplo representativo del sonido clásico de Kiss.

El legado de "Parasite" se ha mantenido fuerte a lo largo de las décadas, siendo versionada por varias bandas y apareciendo en numerosos recopilatorios de Kiss. La canción es un testimonio del impacto duradero de la banda y su capacidad para crear música que resuena con generaciones de fans del rock.

"Parasite" es una muestra vibrante de la destreza musical y la actitud sin concesiones de Kiss en sus primeros años. La canción encapsula perfectamente la mezcla de energía cruda, letras provocadoras y habilidad técnica que define a la banda. A pesar de ser una pista menos conocida en comparación con sus éxitos más grandes, "Parasite" es una pieza esencial en el catálogo de Kiss y un recordatorio del poder duradero de su música.

"Parasite" no solo destaca como una de las mejores canciones de *Hotter Than Hell*, sino también como un testimonio del talento de Ace Frehley y la química inigualable de Kiss como banda. Su energía cruda y su mensaje directo continúan resonando con los fans, asegurando su lugar en la historia del rock.

Daniel 

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1233.- It's Only Rock 'N Roll (But I Like IT) - The Rolling Stones

 

It's Only Rock 'N Roll (But I Like IT)

     It's Only Rock 'N Roll es el duodécimo álbum de estudio de la banda inglesa The Rolling Stones. Fue grabado en varias etapa entre 1972, 1973 y 1974, bajo la producción de The Glimmer Twins, y publicado el 18 de octubre de 1974 bajo el sello discográfico The Rolling Stones, propiedad del propio grupo. Fue el último álbum que contó con el guitarrista Mick Taylor. Curiosamente, la canción que da título al disco tuvo una conexión con el eventual reemplazo de Taylor, Ronnie Wood. Es este un disco que combina el sonido del blues y el rock and roll con elementos de funk y reggae. A pesar de no tener tanto éxito como su álbumes anteriores, llegó a alcanzar el puesto número uno en Estados Unidos y el número dos en Reino Unido.

Tras la salida del productor Jimmy Miller, el álbum fue autoproducido por el guitarrista Keith Richards y el cantante Mick Jagger bajo el pseudónimo "The Glimmer Twins". Taylor, el bajista Bill Wyman y el baterista Charlie Watts tocaron en la mayoría de las pistas, mientras que lo colaboradores habituales Ian Stewart, Nicky Hopkins y Billy Preston contribuyeron con la instrumentación adicional. También contó el disco con la primera colaboración del percusionista Ray Cooper, quien continuó trabajando con los Rolling Stones hasta la década de los años 80.

La canción principal, It's Only Rock 'N Roll (But I Like It), se grabó por separado del resto del disco. La pista rítmica básica había sido creada por miembros del grupo The Faces, incluidos Ronnie Wood, durante una sesión improvisada con Jagger, David Bowie y el bajista Willie Weeks. A Jagger le gustó tanto la canción que le llevó la pista básica a Keith Richards, quien añadió alguns sobregrabaciones de guitarra, y después de pulirla un poco, se incluyó en el álbum tal cual.

Estamos ante una sencilla pero efectiva celebración del rock and roll, en la que el guitarrista de The Faces, Ron Wood, que todavía no estaba en el grupo, tuvo un papel importante. Wood vivía en una finca londinense llamda The Wick, que más tarde compraría Pete Townshend. Fue allí donde surgió aquella improvisada canción con Jagger en la voz, Bowie cantando de fondo, Willie Weeks en el bajo, y el compañero de Woods, Kenney Jones, en la batería, además del citado Woods en la guitarra. Más tarde le serían añadidas al tema algunas guitarras de Keith Richards.

sobre este tema el propio Mick Jagger explicó: "El título ha sido usado muhco por los periodistas, la frase se haconvertido en una gran cosa. Esa versión que está allí es la versión original, que fue grabada a medias en el sótano de Ron Wood, si mal no recuerdo. Ea una Demo. Es una canción muy de Chuck Berry, pero tiene un sentimiento diferente a de una canción de Chuck Berry. En realidad, no puedes hacer imitaciones de las personas. En la pintura, siempre tienes que empezar imitando a algún artista famoso. Siempre comienza siendo un impresionista y luego se convierte en el artista abstracto más famoso. O un actor comienza imitando el estilo de otra persona y luego desarrolla el suyo propio. Y creo que eso es lo que pasó con esta banda y todos los músicos que la componen. Has jugado con él. Comienzas con una cosa y luego mutas en otra, pero aún reconoces el hecho de que estás influencias vienen de aquí y de allí, porque no todos lo saben... Con toda esa música diferente, todo este blues, toda esa música country, todo este jazz, música dance y reggae, ya sabes, haces algo que es tuyo".

El disco de la semana 378: "La Biblia": Un Épico Viaje Musical de Vox Dei

El disco de la semana 378: "La Biblia": Un Épico Viaje Musical de Vox Dei

En el vasto paisaje del rock argentino, pocos álbumes han dejado una huella tan profunda y duradera como "La Biblia" de Vox Dei. Este trabajo seminal, lanzado en marzo de 1971 bajo el sello Disc Jockey, no solo consolidó la posición de la banda en la escena musical, sino que también se convirtió en un hito cultural que resonó mucho más allá de las fronteras argentinas.

Desde el momento en que se presenta con la majestuosa "Génesis", el álbum catapulta a los oyentes a un viaje épico a través de las páginas de la historia y la espiritualidad. Con letras profundas y melodías arrolladoras, Vox Dei teje una narrativa que abarca desde los relatos bíblicos hasta las reflexiones contemporáneas sobre la condición humana.

La producción magistral de Jorge Álvarez proporciona un lienzo sonoro rico y envolvente para las composiciones del grupo. Canciones como "Libros Sapienciales" y "Las Guerras" son testimonios vívidos de la habilidad de Vox Dei para combinar la energía del rock con la profundidad lírica.

Pero más allá de su impacto musical, "La Biblia" se destaca como una obra que desafía las convenciones y enfrenta la adversidad. En un momento en que Argentina estaba inmersa en la agitación política de la dictadura militar, Vox Dei se atrevió a explorar temas sensibles y a desafiar la censura de la Iglesia Católica. El resultado fue un álbum que resonó tanto en los corazones como en las mentes de quienes lo escucharon.

La colaboración con el director y arreglista Roberto Lar eleva aún más la grandeza de "La Biblia". Su trabajo orquestal en temas como "Cristo (Nacimiento)" y "Cristo (Muerte y Resurrección)" agrega una capa de profundidad y emoción que trasciende los límites del rock convencional.

Pero más allá de la música, "La Biblia" es una obra de arte en sí misma. El diseño de la portada, con su simbolismo intrincado y evocador, sirve como un preludio perfecto para la experiencia musical que aguarda a los oyentes.

La historia detrás de la creación de "La Biblia" es tan fascinante como el álbum mismo. Surgiendo en un momento de efervescencia cultural en Argentina, la idea de "La Biblia" tomó forma en la librería de Jorge Álvarez y el sello discográfico Mandioca. El proceso creativo estuvo marcado por tensiones internas y presiones externas, incluida la censura de la Iglesia Católica. Sin embargo, Vox Dei perseveró, dando vida a un trabajo que desafiaría las expectativas y cambiaría el panorama musical argentino para siempre.

El legado de "La Biblia" trasciende generaciones y fronteras. En 2007, la revista Rolling Stone lo clasificó en el puesto 14 de los 100 mejores álbumes del rock argentino, un testimonio de su impacto perdurable en la cultura musical del país. A lo largo de los años, ha continuado inspirando a músicos y oyentes de todo el mundo, recordándonos el poder transformador de la música cuando se combina con un propósito más grande.

"La Biblia" de Vox Dei no es simplemente un álbum de rock; es un monumento a la creatividad, la resistencia y la búsqueda de la verdad. Cuarenta y tres años después de su lanzamiento, sigue siendo una obra maestra que sigue resonando con fuerza en el corazón de quienes la escuchan, recordándonos la capacidad única de la música para unir, inspirar y transformar.

Daniel 

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1232.- Ain't Too Proud to Beg - The Rolling Stones

"Ain't Too Proud to Beg" ("No tan orgulloso como para no suplicar"), escrita por Norman Whitfield y Edward Holland Jr., es una canción grabada originalmente por la banda estadounidense The Temptations, que la publicaron como sencillo en el año 1966 con la discográfica Motown Records. Solo ocho años después, y quizá acuciados por la necesidad contractual de grabar material para un nuevo disco, los Rolling Stones versionaron este tema en el estudio y lo incluyeron en "It's Only Rock 'n' Roll" (1974).

El sencillo de The Rolling Stones alcanzó el top 20 de las listas del Billboard estadounidense, un resultado que no mejoró los números de la versión original, pero que contribuyó en buena manera a reforzar las ventas de "It's Only Rock 'n' Roll" (1974), un disco en el que, junto a la archiconocida canción titular y la rockera "If You Can't Rock Me", la versión que sus Satánicas Majestades hacen de "Ain't Too Proud to Beg" es de lo mejorcito que podemos encontrar.

La letra de la canción encaja como un guante de seda con la aureola de amante canalla y rockero de Mick Jagger, pidiendo una segunda oportunidad a una amante, y reconociendo que a pesar de su imagen y su orgullo estaría dispuesto incluso a suplicar para que no se vaya ("Sé que quieres dejarme, pero me niego a dejarte ir... No soy tan orgulloso como para no suplicar"). Como curiosidad, no son los Stones los únicos que versionaron este tema, y artistas como Rick Astley o Phil Collins grabaron también sus propias versiones de "Ain't Too Proud to Beg".

Electric Light Orchestra - A New World Record (Mes Electric Light Orchestra)

 

A New World Record, ELO

     A New World Record es el sexto álbum de estudio de la banda británica Electric Light Orchestra. Fue grabado entre los Musicland Studios de Munich, los De Lane Lea Studios de Wembley y los Cherokee Studios de Los Ángeles, bajo la producción de Jeff Lynne, y publicado el 15 de octubre de 1976 por el sello discográfico United Artist Records en los Estados Unidos y por el sello Jet Records en el Reino Unido. Este disco marcó un cambio en el sonido del grupo hacia canciones pop más cortas, una tendencia que continuaría a lo largo de su carrera. El disco supuso un gran avance en la carrera del grupo en el Reino Unido. Tras tres grabaciones anteriores que no consiguieron llegar a las listas de ventas de su tierra natal, A New World Record se convirtió en su primer trabajo en colarse entre los diez primeros del Reino Unido, sumado al gran éxito que alcanzó también en Estados Unidos.  La portada presenta el logo de ELO, diseñado por el diseñador y director de arte inglés Kosh. Este logotipo se incluiría en la mayoría de los lanzamientos posteriores del grupo.

En 1977 cuatro de las canciones del álbum aparecieron en la banda sonora de la película Joyride, dirigida por Joseph Ruben. En 2006 el disco fue remasterizado y lanzado con pistas extras por el sello discográfico Epic / Legacy, propiedad de Sony. La canción Surrender también se publicó como sencillo promocional y como sencillo de descarga de iTunes, llegando a entrar en la lista de las 100 descargas principales. Esta canción fue escrita originalmente en 1976 para la banda sonora de una película que fue cancelada y se acabó terminando en 2006. En 2012 la compañía discográfica de vinilo Music on Vinyl relanzó A New World Record en vinilo de 180 gramos con una portada en relieve. 

El álbum fue muy bien recibido por la crítica especializada, que consideraba que el grupo fue concebido para crear un grupo que fusionara la emoción y el color del rock and roll con las líneas de la música clásica, y que este trabajo es lo más cerca que ELO ha estado de lograrlo. Con este disco el grupo da un paso de gigante para lograr ese sonido, siendo más que destacable la progresión de la banda con el uso de orquesta y coros. La combinación de guitarras eléctricas con sinfonías musicales es bastante atrevida, pero a Lynne y compañía le funciona en un disco que ha sabido capturar la esencia del pop sofisticado. También es verdad que una parte de la crítica mostró ciertas reservas sobre este disco, que consideraba que el grupo había dejado de lado su parte más creativa para abrazar otros sonidos más comerciales. Su buena aceptación tanto por parte del público como de la crítica le valía al grupo para ser reconocidos finalmente como uno grupo importante en su país, Reino Unido.

A New World Record marcó un cambio en la dirección musical de ELO, ya que se inclinaron hacia un sonido más pop con canciones más cortas. Jeff Lynne, líder de la banda, fue el principal arquitecto detrás del sonido del álbum. Su habilidad para combinar elementos de rock, pop y música clásica resultó ser una mezcla única. La orquestación y los arreglos de cuerdas se convirtieron en una marca registrada de la banda, destacando precisamente, por ese uso creativo de instrumentos clásicos, en canciones como Tightrope o Rockaria, esta última Una fusión única de rock y ópera, con Lynne cantando en un estilo operístico mientras la banda toca con fuerza detrás de él.

El álbum produjo varios sencillos exitosos, entre los que se encuentran Livin' Thing, que se ha convertido en todo un éxito en la radio. La combinación de guitarras eléctricas, sintetizadores y cuerdas crea una atmósfera irresistible para el oyente; Telephone Line, el primer sencillo de la banda en conseguir certificación de oro en Estados Unidos. Una balada melódica con una emotiva interpretación vocal de Lynne; o Do Ya, una versión rockera y coro muy pegadizo de la canción de 1972 de The Move, grupo del cual Jeff Lynne fue miembro. La canción Shangri-La fue originalmente escrita para el disco, pero no se incluyó en la versión final, siendo lanzada como lado B de algunos sencillos. 

A New World Record influyó en muchos artistas posteriores. Su enfoque en una meticulosa producción y la experimentación sonora allanó el camino para la música pop y el rock sinfónico de las décadas posteriores. Lynne ya lo avisaba en el título del disco, sugiriendo un mundo nuevo y emocionante, algo que cumplió en parte con este trabajo. Queda de sobra reconocida la creatividad de ELO para fusionar dos mundos musicales tan diferentes y su habilidad para crear melodías inolvidables. Estamos ante un disco cuyo legado perdura y está considerado como una joya en la historia del rock y el pop, marcando además un punto de inflexión en el grupo, consolidando su éxito global y estableciendo su estilo característico de pop orquestal.

1231.- If You Can't Rock Me - The Rolling Stones

"If You Can't Rock Me", escrita por la dupla Jagger-Richards para el disco "It's Only Rock 'n' Roll" (1974) de The Rolling Stones, fue también la elegida para abrir el disco y ser publicada como uno de los singles de promoción del mismo. Para muchos, y junto a la canción que da título al álbum y la versión del tema "Ain't Too Proud to Beg" de los estadounidenses The Temptations, se trata del mejor tema de un disco que no está entre los mejores publicados por la banda.

Varias cosas la hacen destacable respecto a otros temas de "It's Only Rock 'n' Roll", y la primera de ellas es su letra, a la que se le han atribuido distintos significados y que juega con el doble sentido de la palabra "rock", refiriéndose en el estribillo tanto al estilo musical como al sexo ("If you can't rock me somebody will", que se podría traducir como "Si tú no puedes darme caña, otra lo hará"). Por otro lado, la frase "I think I better just sing one more song" ("Creo que es mejor que solo cante una canción más") parece una referencia velada al agotamiento de un estilo de vida, al matrimonio de Jagger o incluso al hecho de haber grabado el disco como trámite para cumplir con su contrato discográfico.

Musicalmente, destaca la profundidad de la voz de Mick Jagger,  la enérgica batería de Charlie Watts, y el distintivo riff de guitarra de Mick Taylor, uno de los últimos que grabaría con la banda. Curiosamente, Keith Richards asume la labor de tocar el bajo en esta canción, y no se conformó con llevar el ritmo, sino que además se marcó un solo a las cuatro cuerdas. Con todos esos ingredientes, estamos ante una canción más que destacable, que los Stones incluyeron muchas veces en sus conciertos y en varios de sus discos recopilatorios, como en el caso del álbum "Love You Live" (1977), en el que forma parte de un medley junto al tema "Get Off of My Cloud".

1230.- One More Red Nightmare - King Crimson

 

One More Red Nightmare, King Crimson

     Red es el séptimo álbum de estudio de la banda inglesa de rock progresivo King Crimson. Fue grabdado entre junio y julio e 1974 bajo la producción del mismo grupo y publicado el 1 de octubre de 1974 por el sello discográfico Island Records para Reino Unido y por el sello discográfico Atlantic Records para Norteamérica y Japón. Fue grabado en los Olympic Studios de Londres, y algunas de las piezas, como el tema Providence, fueron concebidas durante improvisaciones realizadas por la banda en vivo.

Red contiene un sonido más pesado que sus álbume anteriores, llegando a ser calificado por la prestigiosa revista "Q" como uno de los 50 "álbumes más pesados de todos los tiempos". Esto se realizó con las actuaciones de sólo tres miembros de la banda, el guitarrista Robert Fripp, el bajista y vocalista John Wetton y el baterista Bill Bruford. El denso sonido del disco fue creado mediante el uso de capas, múltiples sobregrabaciones de guitarra y apariciones clave de músicos como los ex miembros del grupo Ian Mcdonald, Mel Collins, el oboísta clásico Robin Miller y el trompetista de jazz inglés Mark Charig. 

Unas dos semanas antes del lanzamiento del álbum, el grupo se disolvió. Red resultó ser el álbum con los resultados más pobres en las listas de ventas en ese momento, llegando a ocupar el puesto 45 en las listas de ventas del Reino Unido y el puesto 66 en la lista estadounidense Billboard 200. Sin embargo, fue bien recibido tanto por la crítica como por los fans de la banda, llegando a ser reconocido como uno de los mejores trabajos de King Crimson y ha sido reeditado muchas veces.

Incluído en este álbum se encuentra la canción One More Red Nightmare. Según el cantante y bajista del grupo, John wetton, la canción fue concebida en una época donde el grupo solía volar constantemente, una situación que se alargó durante meses y meses: "No hace alta decir que conocíamos personalmente a las tripulaciones de las aerolíneas, y caminábamos por el avión charlando, 'Oh, hola Joe, hola Cindy, ¿cómo están los niños?'. Es increíble la cantidad de vuelos que hizo esa banda y tuvimos algunas experencias bastante difíciles, One More Red Nightmare es solo eso". Con un duración de algo más de 7 minutos, la canción contiene una mezcla de compases inusuales que significan la discordia de los desafortunados pasajeros de la aerolínea en la letra.

1229 - Van Morrison - Streets of Arklow

1229 - Van Morrison - Streets of Arklow

"Streets of Arklow" es una joya oculta en el vasto repertorio de Van Morrison. Lanzada como parte de su álbum de 1974, "Veedon Fleece", esta canción se destaca por su delicada instrumentación y letras evocadoras que capturan la esencia de un lugar y un momento específicos.

Desde los primeros acordes de guitarra y la suave armonización de las cuerdas, "Streets of Arklow" te transporta a un viaje emocional a través de las calles de Arklow, una ciudad costera en el condado de Wicklow, Irlanda. La atmósfera que crea Van Morrison es inconfundiblemente melancólica, pero también impregnada de una sensación de nostalgia y belleza atemporal.

La voz distintiva de Van Morrison, rica en matices y cargada de emoción, guía al oyente a través de las imágenes poéticas de la canción. Él pinta un retrato vívido de Arklow, describiendo sus calles adoquinadas, los "barcos de pesca meciéndose" y las "colinas verdes" que rodean la ciudad. A medida que avanza la canción, el oyente se siente inmerso en este mundo de tradición y encanto antiguo.

Una de las cualidades más notables de "Streets of Arklow" es su capacidad para transmitir una sensación de intemporalidad. A pesar de estar arraigada en un lugar específico, la canción trasciende lo geográfico y lo temporal para capturar la esencia misma de la experiencia humana: el anhelo, la belleza efímera y la conexión con nuestras raíces.

La instrumentación meticulosamente elaborada complementa perfectamente la narrativa de la canción. Los arreglos de cuerdas, sutiles pero evocadores, añaden una capa de profundidad emocional, mientras que la guitarra acústica y el piano crean una sensación de atmósfera íntima y nostálgica. Cada nota parece estar impregnada de historia y significado, añadiendo peso y textura a la historia que Van Morrison está contando.

Las letras de "Streets of Arklow" son un testimonio del talento poético de Van Morrison. Su habilidad para capturar la esencia de un lugar y un momento con una precisión casi fotográfica es verdaderamente impresionante. A través de sus palabras, somos transportados a las calles empedradas de Arklow y podemos sentir la brisa marina en nuestros rostros mientras nos perdemos en la narrativa de la canción.

"Streets of Arklow" es una obra maestra de Van Morrison que merece ser redescubierta y apreciada. Con su combinación única de letras poéticas, instrumentación exquisita y la emotiva entrega vocal de Morrison, esta canción captura la esencia misma de la belleza y la melancolía de la experiencia humana. Es una joya musical que perdura a lo largo del tiempo y sigue resonando con aquellos que tienen la fortuna de escucharla.

Daniel
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1228 - Van Morrison - Linden arden stole the highlights

1228 - Van Morrison - Linden arden stole the highlights

Linden Arden Stole the Highlights: Un Viaje Melódico por la Profundidad Emocional

La música es un medio poderoso para explorar las complejidades del alma humana, y pocas canciones ejemplifican esto mejor que "Linden Arden Stole the Highlights" de Van Morrison. Esta obra maestra, que forma parte de su álbum de 1974 "Veedon Fleece", es un viaje melódico que captura la esencia misma de la nostalgia, el arrepentimiento y la redención.

Desde los primeros acordes de guitarra acústica, somos transportados a un mundo de melancolía y reflexión. La voz única y emotiva de Van Morrison sirve como guía a través de la narrativa de la canción, que narra la historia de un hombre llamado Linden Arden, cuya vida está marcada por las decisiones difíciles y las consecuencias inevitables.

La letra de la canción es una obra de arte en sí misma, con imágenes poéticas que pintan un retrato vívido de los desafíos y las luchas internas de su protagonista. Las letras evocan una sensación de pérdida y desesperanza, pero también contienen destellos de esperanza y redención. A medida que la historia de Linden Arden se desarrolla, somos testigos de sus altibajos emocionales, sus momentos de triunfo y sus caídas.

La instrumentación de la canción es igualmente impresionante. Desde los suaves acordes de guitarra hasta los arreglos de cuerdas exquisitamente elaborados, cada nota contribuye a la atmósfera emocional de la canción. La música se eleva y cae en perfecta sincronía con la narrativa, creando una experiencia auditiva que es tanto conmovedora como conmovedora.

Uno de los aspectos más destacados de "Linden Arden Stole the Highlights" es su capacidad para resonar con los oyentes en un nivel personal. Aunque la historia de Linden Arden puede ser única en su ejecución, las emociones que transmite son universales. Todos hemos experimentado momentos de arrepentimiento y desilusión, pero también hemos encontrado fuerza y esperanza en medio de la adversidad. Esta canción nos recuerda que, a pesar de nuestros errores y fracasos, siempre hay una oportunidad para la redención y el perdón.

Además de su profundidad emocional, "Linden Arden Stole the Highlights" también destaca por su excelencia artística. La habilidad de Van Morrison para contar una historia a través de la música es verdaderamente incomparable, y esta canción es un testimonio de su genio creativo. Cada nota, cada palabra, está cuidadosamente elaborada para transmitir una experiencia emocional única, y el resultado es una obra de arte que perdura en el tiempo.

"Linden Arden Stole the Highlights" de Van Morrison es mucho más que una simple canción. Es un viaje emocional que nos lleva a las profundidades del alma humana, explorando temas de arrepentimiento, redención y la búsqueda eterna de significado. Con su emotiva letra y su hermosa instrumentación, esta canción perdura como un testamento perdurable al poder transformador de la música.

Daniel
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Electric Light Orchestra - Face the music (Mes Electric Light Orchestra)

Artista del mes Electric Light Orchestra, y su álbum Face the music #MesElectricLightOrchestra 

"Face the Music" es un álbum emblemático de Electric Light Orchestra (ELO) que marcó un punto de inflexión en su carrera y sigue siendo un clásico del rock hasta el día de hoy. Lanzado en 1975, este álbum consolidó la reputación de la banda como maestros de la fusión entre rock y música orquestal, presentando una mezcla única de guitarras eléctricas, sintetizadores y arreglos orquestales elaborados. A lo largo de sus nueve pistas, "Face the Music" ofrece una experiencia auditiva envolvente que lleva al oyente en un viaje musical emocionante y variado.

El álbum comienza con "Fire on High", una apertura magistral que establece el tono para lo que está por venir. Con sus misteriosos acordes de guitarra y su atmósfera cinematográfica, esta pista instrumental crea una sensación de anticipación y drama, preparando el escenario para el resto del álbum.

La canción principal del álbum, "Waterfall", sigue con su ritmo contagioso y sus letras introspectivas. Jeff Lynne, líder de ELO, demuestra su habilidad para componer melodías pegajosas mientras reflexiona sobre temas de amor y cambio. La combinación de la voz distintiva de Lynne y los arreglos orquestales exuberantes hace que esta canción sea verdaderamente inolvidable.

"Evil Woman" es quizás una de las canciones más reconocibles de ELO, con su distintivo riff de guitarra y su coro pegadizo. Esta pista es un ejemplo perfecto de la habilidad de la banda para combinar elementos de rock clásico con influencias de música pop y orquestal, creando algo que es al mismo tiempo familiar y único.

Otra destacada del álbum es "Nightrider", una canción impulsada por un ritmo frenético y una energía irresistible. Con sus letras que evocan imágenes de aventura y libertad, esta pista es una celebración del espíritu audaz y la pasión por la vida.

"Strange Magic" ofrece un cambio de ritmo con su atmósfera etérea y sus melodías melancólicas. Esta balada introspectiva muestra el lado más suave y reflexivo de ELO, con letras que exploran el poder del amor y la magia de la conexión humana.

El álbum cierra con "One Summer Dream", una pieza emocionalmente resonante que destaca por sus arreglos orquestales expansivos y su letra evocadora. Esta pista captura la sensación de nostalgia y añoranza del verano, creando un final conmovedor y satisfactorio para el álbum.

"Face the Music" es un álbum que muestra a Electric Light Orchestra en la cima de su juego creativo. Con su combinación única de rock, pop y elementos orquestales, este álbum sigue siendo una joya atemporal que merece un lugar destacado en la colección de cualquier amante de la música. Desde sus aperturas dramáticas hasta sus cierres conmovedores, cada pista de este álbum es una obra maestra en sí misma, lo que demuestra el talento y la visión incomparables de Jeff Lynne y su banda. En definitiva, "Face the Music" es un viaje auditivo que vale la pena emprender una y otra vez.

Daniel 

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1227.- Funky President (People It's Bad) - James Brown

"Funky President (People It's Bad)" fue publicada por James Brown como single en 1974, con la canción "Cold Blooded" en la cara B, y aparece además en el disco "Reality" del mismo año. Escrita y producida por Brown, es una de sus prototípicas canciones funk pero tiene la peculiaridad de presentar un componente de crítica política no tan habitual en otros temas del músico estadounidense, al inspirarse en el nombramiento de Gerald Ford como presidente de Estados Unidos tras la dimisión de Richard Nixon.

No era Gerald Ford, precisamente, un presidente al que se le pudiera etiquetar como "funky" en el sentido más bailongo de la palabra, y mucho menos su antecesor Richard Nixon, pero en "Funky President (People It's Bad)" James Brown utiliza el término "funky" en su acepción original de "olor corporal fuerte y desagradable", en este caso referido al apestoso olor de la corrupción política y de las desigualdades sociales.

Como single, "Funky President (People It's Bad)" alcanzó el cuarto puesto de las listas de ventas de R&B en Estados Unidos y llegó al puesto 44 en las lista general del "Billboard Hot 100", pero su mayor éxito ha sido la enorme influencia en las siguientes generaciones de músicos afroamericanos, siendo su pegadizo groove sampleado por multitud de músicos de hip hop estadounidense como DJ Jazzy Jeff & The Fresh Prince ("Summertime"), Public Enemy ("Fight The Power"), N.W.A ("Fuck Tha Police") o, por poner un ejemplo del rap nacional, los Violadores del Verso ("Mierda").

1226 - Tom Waits - New coat of pain

1226 - Tom Waits - New coat of pain

Tom Waits: Un Maestro de la Escena Musical y su Canción "New Coat of Paint

En el vasto panorama de la música contemporánea, pocos nombres evocan la misma sensación de intriga, misterio y autenticidad que el legendario Tom Waits. Con una carrera que abarca décadas y una capacidad única para fusionar una amplia gama de géneros, Waits se ha establecido firmemente como uno de los artistas más distintivos e influyentes de su generación. Entre sus muchas obras maestras, destaca una joya particular: "New Coat of Paint".

"New Coat of Paint" es una canción que encapsula perfectamente el estilo distintivo de Tom Waits. Lanzada en su álbum de 1978, "Blue Valentine", la canción es un testimonio de la habilidad de Tom Waits para crear imágenes vívidas y evocadoras a través de su narrativa lírica y su entrega vocal única. Desde los primeros acordes de piano, se establece una atmósfera de nostalgia y melancolía que permea toda la canción.

La voz áspera y profunda de Tom Waits, comparada a veces con la de un cantante de blues envejecido, añade una capa adicional de autenticidad a la canción. Cada palabra está impregnada de emoción y experiencia, como si Tom Waits estuviera contando una historia arraigada en la realidad cruda de la vida cotidiana. Es esta capacidad para transmitir verdades universales a través de sus letras lo que ha hecho que las canciones de Tom Waits resuenen con tanta gente a lo largo de los años.

"New Coat of Paint" también destaca por su ingeniosa composición musical. La combinación de piano, instrumentos de viento y una sección rítmica sólida crea un acompañamiento que complementa perfectamente la voz distintiva de Tom Waits. El ritmo contagioso y la melodía pegadiza hacen que sea difícil no dejarse llevar por la canción, incluso mientras se reflexiona sobre las complejidades de sus letras.

En términos de contenido lírico, "New Coat of Paint" es una exploración de la idea de comenzar de nuevo, de reinventarse a uno mismo después de la adversidad. Las letras pintan imágenes vívidas de un individuo que busca escapar de su pasado, buscando un nuevo comienzo en un lugar lejano. Sin embargo, a pesar de la aparente esperanza en la idea de un "nuevo abrigo de pintura", hay un matiz de resignación y aceptación de la realidad que impregna la canción. Es esta mezcla de esperanza y desilusión lo que da a la canción su profundidad emocional y su universalidad.

La influencia de "New Coat of Paint" se extiende mucho más allá de su lanzamiento inicial en 1978. La canción ha sido versionada por numerosos artistas a lo largo de los años, lo que atestigua su duradera relevancia y su impacto en la escena musical. Desde artistas emergentes hasta leyendas establecidas, "New Coat of Paint" sigue siendo una fuente de inspiración y admiración para músicos de todas las generaciones.

"New Coat of Paint" es una prueba más del genio artístico de Tom Waits y su habilidad para crear música que trasciende el tiempo y el espacio. Con su combinación única de letras profundas, melodías cautivadoras y una entrega vocal inimitable, esta canción sigue siendo una joya inolvidable en el vasto repertorio de uno de los más grandes artistas de nuestro tiempo.

Daniel
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El disco de la semana 377: Urban Hymns - The Verve

 

Alejándose de los temas psicodélicos que habían estado presentes en toda su música anterior, Urban Hymns el tercer álbum de The verve se puede denominar como un album de baladas indie, que por momentos parece no ser tanto música, ya que Richard Ashcroft personalmente apuñala al oyente en el corazón con toda la emoción que transmite su voz. Este tipo de canciones hacen que tuviera un gran éxito en el Reino Unido, lo que lo convirtió en uno de los álbumes de 1997. Un gran trabajo al que podemos sacar un pequeño defecto que sale a relucir tras escucharlo repetidamente, el enorme abismo de calidad que existe entre los sencillos destacados y gran parte del resto del álbum. “Sinfonia Agridulce”, si hay un resumen en dos palabras de todo lo que el tipo había estado persiguiendo como líder de The Verve durante la última década, es eso. Sus épicas tomas de guitarra, palpitantes y llenas de emoción universal, ya habían llegado a un par de miles de británicos, todo lo que necesitaba era ese tema con el que llegaría al mundo. Y vaya si lo consiguió, “Bittersweet Symphony” es una de esas canciones, como “Imagine” antes y “Hey Ya!” después de eso, que se convierten en una canción de todos. Es descaradamente épica sin llegar a parecer exagerado, permanece en la cima más alta que una canción puede alcanzar antes de caer en un sentimiento vacío. "Porque es una sinfonía agridulce, en esta vida, intenta llegar a fin de mes, eres esclavo del dinero y luego mueres". ¿Qué te parece eso de una letra de apertura? Tan aplastantemente depresivo que se convierte en una declaración realista y de alguna manera optimista para todas las épocas cuando se transmite a través de ese bucle de cuerda sin fin, que se pliega sobre sí mismo en el infinito. Pero “Bittersweet Symphony” es una de las raras canciones donde la percusión es en realidad más cautivadora que la melodía, es el sonido de una maquinaria industrial reorganizada y embellecida, esta canción no pertenece a las radios, pertenece a los auriculares de los astronautas. Si Urban Hymns suena un poco decepcionante al principio después de esa canción, es comprensible, con cada canción construida alrededor de una guitarra acústica con muy poca experimentación, el álbum suena muy vainilla al principio y se vuelve agotador hacia la mitad del camino, pero esa es la belleza de Urban Hymns, es el sonido de una banda que sabe exactamente lo que hace muy bien y continúa alcanzando ese punto óptimo durante más de una hora. Sabiamente, Ashcroft no intenta replicar la majestuosidad planetaria de esa canción una vez en el resto de Urban Hymns, se centra en ampliar las cosas pequeñas, Ashcroft persigue los mismos objetivos que perseguían los Gallagher en su álbum universal (What's the Story) Morning Glory?, pero en lugar de extraer íconos de los años 60, Ashcroft encuentra un mayor éxito inspirándose en la música gospel. Muchos de sus estribillos podrían haber sido tomados directamente de canciones de adoración (“¿Puedes consolarme?” “No habrá mejor día para salvarme” “¿Puedes oír esta belleza en la vida?” “Levántate derecho a través de la fila”) mientras que temas épicos como “The Rolling People” y “Come On” encuentran a Ashcroft despotricando como un predicador en medio de la agonía del espíritu santo.

"Urban Hymns" comienza con la mencionada "Bitter Sweet Symphony", que presenta música compuesta por Mick Jagger y Keith Richards de The Rolling Stones y letra escrita por Richard, de la que ya hemos hablado ampliamente en la introduccion. "Sonnet" es el tema que te pondrá la piel de gallina, una brillante balada de amor con todos los ganchos adecuados y todas las palabras precisas. Como revela el título, este es un soneto (un poema) de amor de Richard a su pareja, aunque el tiempo parece haberla convertido en el más pequeña de la camada en lo que respecta a los cuatro sencillos de Urban Hymns, una balada encantadora, mesurada y amplia que ha envejecido mucho mejor que las otras dos, tanto en el sentido de que suena más como algo que una banda en 2018 podría escribir, como en el sentido de que se ha mantenido mucho más firme frente a obras repetidas a lo largo de los años. Tiene un arreglo más complejo en  las capas de lo que probablemente recuerdes y esa letra molesta de la manera correcta, su mezcla de amor, muerte y juventud, puede parecer una oda al amor mismo hacia Dios, pero representa la búsqueda de cada amante para alcanzar el objeto de amor, y cómo se requiere una resistencia tan profunda para obtener la recompensa y lo doloroso que es. Preciosa, preciosa pista. "The Rolling People" es uno de los temas más brillantes del álbum, escrita por toda la banda, la canción está llena de psicodelia genial, grandes ritmos de batería, algunos solos de guitarra y rasgueos increíbles, el gusto de Ashcroft por la música pop pegadiza y el amor de McCabe por las improvisaciones psicodélicas se combinan muy bien aquí... es doloroso escuchar esto y pensar que The Verve son capaces de esto y no lo han explotado totalmente. "The Drugs Don't Work" es otra tierna balada escrita por el propio genio Ashcroft, la canción comienza con una guitarra acústica muy cálida respaldada por un suave arreglo de cuerdas, y luego Richard canta las primeras líneas: "Toda esta charla sobre cómo superarlo, me está deprimiendo, mi amor... como un gato en una bolsa, esperando a ahogarse", Ashcroft parece haber escrito este tema desde un lugar muy personal, tal vez basado en la muerte de su padre (quien murió cuando Ashcroft tenía 11 años), con letras repletas de imágenes sombrías, aun así, hay notas de brillo y esperanza: 'Sé que volveré a ver tu rostro...', aunque tal vez sea en el más allá. El instrumental es exuberante, utiliza cuerdas para transmitir el mensaje y está respaldado por tonos de guitarra lúgubres y con ecos. "Catching A Butterfly" es otra pista psicodélica con un buen tempo, excelentes loops de guitarra y un ritmo de batería efectivo. Una melodía muy al estilo de los Beatles con algunas de las letras más espeluznantes del rock, ¡tal vez espeluznantes por el uso excesivo de drogas!."Neon Wilderness" es un relleno de álbum es muy flojita y una forma demasiado abrupta de bajar al “infierno” después del buen material escuchado hasta este momento. Escrito por el guitarrista principal de la banda, Nick McCabe, suena como una pieza de Unfinished Music pero vale la pena por su corta duración y porque principalmente es instrumental. "Space And Time" es una melodía de rock genial escrita por Ashcroft. Me pregunto por qué nunca lanzaron este como single. Con este tema, apuesto a que ya te habrías enamorado de The Verve.

 

"Weeping Willow" es personalmente uno de mis favoritos. ¡Increíble el uso de esas guitarras! Y Richard seguro con otra de sus letras conmovedoras e impresionantes. Tiene un aire a "Columbia" de Oasis de Definitely Maybe. La canción ilustra la batalla del cantante contra la depresión y los pensamientos suicidas, una batalla que el líder de The Verve, Richard Ashcroft, conoce muy bien, ya que es un maníaco depresivo clínicamente diagnosticado que ha luchado contra la depresión, la drogadicción y los pensamientos suicidas desde finales de los años 90. Ashcroft se casó con Kate Radley de la banda Spiritualized en 1995 y probablemente ella sea la inspiración para líneas como:

"Espero que sientas que yo siento
a alguien que esté a mi lado"

En sus canciones, Ashcroft a menudo ha expresado un deseo de comprensión íntima, teniendo a Radley en mente. Es lo que él llama una ambición amorosa positiva. "Lucky Man" es la melodía más edificante de todo el álbum, la que pondrá una sonrisa en tu cara mientras simulas tocar la guitarra caminando por una habitación vacía sincronizando los labios con cada palabra (¡eso es lo que hago!). El genio de Richard florece con esta pista en particular y también parece que ha cambiado su estado de ánimo hacia arriba, un cambio muy notable respecto al resto de sus canciones en "Urban Hymns". La mejor frase de la canción tiene que ser "La felicidad, más o menos, ¿es sólo un cambio en mí, algo en mi libertad?" ¡Me encanta!. "One Day" es una confesión de amor de Richard una vez más a su amante anónima. Las drogas no funcionaron y el soneto está ahí, y ahora Richard espera con ansias el día en que él y su amante "bailen de nuevo bajo cielos ardientes". Una tierna balada que llegará a tu corazón. "This Time" hace que Richard prometa que no se arrepentirá de su pasado, sino que esta vez saldrá a la luz. Un fantástico relleno de álbum con geniales ganchos de guitarra. Y me encantan esos coros de armonía. "Velvet Morning" es la resaca del día siguiente. Richard hablando más sobre la vida con un efecto de micrófono borroso es una delicia, termina con "Come On" es una pista genial impulsada por la guitarra. Un estímulo para dejar que el espíritu te mueva y no te dejes descartar. Termina con un Richard muy enojado diciendo la palabra F como un loco.

Urban Hymns es un álbum que terminó siendo un último destello en los últimos días del britpop y prácticamente marcó la salida de Verve de sus primeras raíces, habiéndose adaptado de ser una banda shoegaze a una banda indie más estándar. La banda finalmente se separaría durante casi diez años después de su lanzamiento y, en general, fue una buena manera de salir temporalmente. Pero los fanáticos de los primeros trabajos de la banda pueden encontrarlo demasiado baladista y pulido, en realidad no hay nada de ese rock espaciado que fue un elemento básico de A Storm in Heaven, pero lo que sí tiene es algo de lo mejor: canciones grabadas en los años 90, y es probablemente el último álbum importante del canon Britpop.

1225.- Bungle in the Jungle - Jethro Tull

 

Bungle in the Jnngle, Jethro Tull

     El 14 de octubre de 1974 Jethro Tull publica su séptimo álbum de estudio, War Child, grabado entre dicembre de 1973 y febrero de 1974 bajo la producción de Ian Anderson y de Terry Ellis, y publicado por el sello discográfico Chrysalis Records. Fue lanzado casi un año y medio después del lanzamiento de su álbum A Passion Play (1973). El revuelo que había formado este anterior disco obligó al grupo a dar redas de prensa y explicar sus planes para el futuro. Tras el éxito de Thick as a Brick (1972), el grupo pasó un tiempo en París para grabar Chateau D'isaster Tapes, un proyecto de álbum que nunca se llegó a acabar.  Según el líder de la banda, Ian anderson, dicho trabajo inacabado tenía como objetivo centrarse en explorar a las parsonas, la condición humana, a través de analogías con el reino animal. Algunas de esas canciones pensadas para ese álbum acabaron viendo la luz en los posteriores A Passion Play y War Child.

Una de esas canciones que acabó viendo la luz en War Child es Bungle in the Jungle, la cual se convirtió en el más famoso y reconocible del disco. Esta canción presenta una estructura y arreglos más tradicionales, orientados hacia el rock. La canción presenta letras basadas en analogías entre animales y humanos, y fue lanzado también como sencillo, llegando a situarse entre los primeros 20 puestos de las listas de ventas en Estados Unidos y en el top 5 en Canadá. A pesar del éxito de la canción, Ian Anderson la vio como demasiado comercial y una canción menor dentro del exteno catálogo de la banda fuera de Norteamérica.

Electric Light Orchestra - ElDorado (Mes Electric Light Orchestra)

Todos tenemos fantasías de una forma u otra, yo intento hacer todo lo que está en mi poder para convertirla en realidad. Si mis esfuerzos son insuficientes, dejo la fantasía y me olvido de ella. Tengo poca paciencia para las fantasías, si no es real y no puedes hacerlo real, a la mierda. Los videojuegos de rol son una de las actividades favoritas para el tiempo libre y me recuerdan que cambiar el mundo es algo que no puedes hacer solo: necesitas formar un equipo con diversas habilidades y perspectivas para lograr tu objetivo. Eldorado es un juego de rol, el personaje principal nos lleva a través de varias de sus fantasías escapistas, he aquí un joven con toda la vida por delante. ¿Por qué se escapa? ¿Realmente tiene la intención de suicidarse, o planea internarse en una clinica, donde podrá pasar los días que le quedan en el país de los sueños una vez que lo encierren y tiren la llave? ¿Qué diablos está pasando aquí?. Recomiendo encarecidamente a los oyentes que escuchen  Eldorado en su totalidad y eviten la tentación de dividirlo en listas de reproducción, como ocurre con el Sgt. Pepper's, simplemente no puedes apreciar el impacto y la unidad fundamental del trabajo sin escucharlo de una sola vez. El primer detalle de estos sueños es la portada, que presenta las zapatillas de rubí de Dorothy auunque tiene poco que ver con la historia aparte de la conexión con el mundo de los sueños, pero sincroniza muy bien con el enfoque musical del álbum. La música orquestal de Eldorado recuerda mucho a las partituras que acompañaron a muchas películas de Hollywood en los años 30 y 40, una época en la que las películas parecían “mágicas”, en parte debido a la orquestación.

El disco abre con “Eldorado Overture”, los primeros sonidos identificables que escuchas no provienen de ELO sino de una orquesta de cámara, de todas las decisiones que influyeron en la produccion de Eldorado, esta es la que tuvo mayor impacto en el resultado final. Jeff Lynne quería una orquesta porque sentía que necesitaba una paleta de sonidos más amplia que la que su pequeño conjunto podía ofrecer, en lugar de contratar una orquesta de renombre, reunió a un grupo de treinta musicos con la ayuda del director Louis Clark y el pianista Richard Tandy. La orquesta se utiliza con un gran acierto a lo largo del álbum, a veces apoyando el estado de ánimo de una pieza en particular con sus diversas capacidades de colorido y otras imbuyendo la música con grandeza cinematográfica. Escuchamos esa conexión en la pista inicial que se abre con unos segundos de silencio, no escuchamos nada hasta unos cinco segundos después de comenzar la pista, y lo que escuchamos es una mezcla siniestra de sonidos no identificables. Unos momentos más tarde, escuchamos el descenso de violines relucientes acompañados de piano que se desvanece en un eco, seguido rápidamente por el sonido gradualmente creciente de timbales y cuerdas que a su vez nos lleva al tema musical principal, que esta dominado por  los rápidos descensos desde la sección de cuerdas. Ese pasaje se convierte en una breve coda, que se fusiona perfectamente con el segmento inicial de "Can't Get It Out of My Head”, la introducción emplea un patrón de acordes de piano simple, dando a las cuerdas un camino claro hacia la creación de un paisaje de ensueño, una melodía tranquila pero desesperada sobre un sueño. Muy bien producida y llena de motivos rockeros, orquestales y coros operísticos, esta canción se convertiría en la primera canción de Electric Light Orchestra, que llego como sencillo al Top 10 en los EE. UU. El primer verso describe el evento que motivará al protagonista a comenzar su búsqueda: la aparición de una mujer (“una visión de hermosura” según Jeff Lynne) que inspira un cambio en la perspectiva de la vida del protagonista (Soñador). Jeff Lynne le dijo a VH1 “que encontró inspiración para la canción en los ensueños incumplidos de un tipo común y corriente. "Se trata de un hombre en un sueño que ve esta visión de belleza, se despierta y descubre que en realidad es un empleado que trabaja en un banco", dijo. "Y no tiene ninguna posibilidad de conseguir o de hacer todas estas cosas maravillosas que pensó que iba a hacer en su vida”. A continuación llega “Boy Blue” un rock optimista con un mensaje que describe la reacción de la gente del pueblo ante el regreso de un soldado de la guerra. La canción está impulsada por el piano y el bajo durante los versos y los estribillos con una pausa para florituras orquestales sobre el piano durante la sección media, presenta el mito del héroe conquistador. La canción aparece directamente después del final lleno de coro de “Can't Get It Out of My Head”, lo que resulta un cambio algo abrupto, pero no resulta molesto, el tema comienza con un riff en el pasaje inicial, la orquesta varía la pieza insertando dos pasajes que involucran cuerdas en estilos tanto de arco recto como de pizzicato. “Laredo Tornado” comienza con una guitarra de rock pesada y monótona, pero pronto se asienta como una melodía soul y funk moderada, impulsada por el clavicordio, que se toma su tiempo para navegar por los primeros versos. La canción alcanza su clímax durante los estribillos con la voz aguda de Lynne y tiene un otro extendido para algunas partes de cuerdas que complementan el riff de guitarra inicial. Jeff Lynne nos brinda una de sus mejores voces, combinando valores de trsiteza con momentos en los que comunica la sensación de pérdida con una sinceridad desgarradora. “Poor Boy (The Greenwood)” regresa al rock n roll alegre de antaño, con el final de la canción tocando brevemente el tema principal dando por terminada la primera cara. Explora el mito de Robin Hood, el protagonista encuentra la felicidad en el bosque de Sherwood como un niño pobre que decide unirse con Robin Hood y sus alegres hombres y (¡ejem!) damas. Siempre me ha gustado el concepto de Robin Hood, nos vendría muy bien alguien que les robe a tanto guro de las finanzas y reparta la riqueza entre los necesitados. A nuestro amigo errante se le ve feliz en su nueva situación, porque ha encontrado una vida con un propósito significativo que está dispuesto a defender hasta la muerte.

La segunda cara comienza para muchos con una versión para piano eléctrico de “Across the Universe” de The Beatles (aunque sin acreditar y con letras alternativas), rebautizada como “Mister Kingdom”. La canción se divide en diferentes secciones, en ella encontramos a nuestro protagonista reflexionando sobre el propósito y el valor de su viaje. Esta canción ha sido catalogada incorrectamente como un sueño a pesar de la evidencia lírica de que es una pausa en la odisea que permite al protagonista reflexionar sobre su viaje hasta la fecha. “Nobody's Child” comienza con cuerdas fuertes, casi una marcha nupcial, que se disuelve en un piano de marcha y un arreglo cinematográfico de jazz de club. El protagonista, desesperado por cualquier tipo de sentimiento, le paga a una prostituta de la que se enamora, es una canción jodidamente enfermiza, la amo infinito. “Illusions in G Major” es un rock puro de los años cincuenta, resaltado por una guitarra solista desgarradora, puede ser la canción más rápida y directa de Eldorado. La mejor explicación de la canción se puede encontrar en el ELO Fan Forum de Horace Wimp : ELO solía necesitar al menos un número de rock'n roll en cada álbum, y justo antes de Eldorado era el mejor lugar para resaltar la desolada utopía, la realidad es que nos encontramos una gran canción de rock que no tiene cabida en este álbum, ni lírica ni musicalmente. Puede que se trate de hacer pasar como un sueño, pero es un sueño que simplemente no encaja con la narrativa ni con la personalidad del personaje principal. La canción principal prepara el escenario para el final, por lo que es hora de considerar la curiosa elección de Jeff Lynne: “Eldorado” sigue a la perfección a “Illusions in G Major” con la ayuda de transición de la sección de cuerdas. Encontramos al protagonista al final de su búsqueda sin haber conseguido ningun logro, se da cuenta de que ha vuelto al punto de partida, viviendo en una ciudad sucia con un trabajo de mierda y con perspectivas sombrías. La melancólica canción principal, comienza con cuerdas tocando una especie de rotación que suena casi como una sirena antes de convertirse en una balada tranquila. La voz de Lynne es más sombría y profunda con un tono lírico de resignación melancólica y con la sensacion de vivir en un sueño sin recompensa. Al final de la canción hay un vínculo orquestal agradable con el final climático. “Eldorado Final”, la voz de Jeff Lynne ha sido relativamente apagada, perfectamente sincronizada con la de un hombre que carece de esperanza y probablemente experimenta depresión. En el coro, su voz adquiere un tono que mezcla una intensa melancolía con un deseo abrumador de dejar atrás su “viejo mundo”:

Eldorado describe nuestro mundo como un lugar cruel para cualquiera que desee explorar los pensamientos y posibilidades que surgen de la imaginación, nuestro protagonista vive una existencia miserable porque vive en un mundo que valora la practicidad y la producción por encima de la imaginación y la creatividad. La población en general sólo aprecia la imaginación cuando los empresarios la utilizan para producir bienes de consumo “sorprendentes”, la imaginación del soñador sería vista como frívola e innecesaria. La tragedia de Eldorado —y es una tragedia— es el puro desperdicio de la imaginación y el potencial humano. Es una realidad repugnante que las personas sean relegadas a una existencia sin sentido en la monótona vida moderna. Afortunadamente, hay dos conclusiones positivas de Eldorado, la más importante es que la obra en sí es una celebración de la imaginación y la creatividad, un ejemplo brillante de lo que se puede lograr cuando un artista bendecido con imaginación tiene la oportunidad de colaborar con otros que lo ayudan a hacer realidad su visión artística. La segunda conclusión es que la imaginación es un regalo precioso con un potencial ilimitado. Amo mucho este álbum, es una historia oscura que se esconde detrás de los arreglos de cuerdas más hermosos que jamás haya escuchado, un álbum del que me enamoré rápidamente y del que nunca me he desenamorado. Lo adoro.

1224.- Hollywood - Cluster.

La retrospectiva es generalmente un proceso de pensamiento maravilloso pero completamente inútil que sólo el usa humano, en muchos sentidos es inútil, como si los acontecimientos hubieran cambiado, probablemente nuestro mundo y nuestro paisaje también lo habrían hecho, lo que también serviría para invalidar convenientemente la necesidad de la existencia de la retrospectiva. Suponiendo que en retrospectiva fuera un tema de conversación aceptado, podemos preguntarnos ¿qué hubiera pasado si Alemania no hubiera producido tantas bandas excelentes como las que produjo en los años 1970? Neu!, Kraftwerk, Faust, Harmonia y Popul Vuh son sólo algunos de ellos, pero uno de los más pasados por alto y absolutamente influyente de todos fue Cluster. Una banda formada por sólo dos músicos, que parecían la antítesis de todo lo experimental, fresco y vanguardista de la música de los años setenta, pero que aun así lograban ser todo eso, y mucho, mucho más. Cluster hizo por la música electrónica ambiental lo que Silver Apples hizo por la música pop con sintetizador, lo que Suicide hizo por el electroclash y lo que Kraftwerk felizmente hizo por... Bueno, casi todo lo demás en el género. Sin embargo, hay una lección más sencilla que aprender de la historia de Kluster (Cluster): no eran innovadores, agravantes o experimentadores conscientes, para ellos su música era una expresión tan pura en términos de música pop de su ubicación, como lo eran los Beatles en los años sesenta, su música evoca una época, un lugar y una razón para estar allí, a diferencia de otros pioneros de la vanguardia conscientes de sí mismos, Cluster eran simplemente dos hombres apasionados por los dispositivos electrónicos y les encantaba escribir música con ellos. Los primeros años de la banda estuvieron claramente orientados al Krautrock y a la música electrónica experimental, la producción de la banda comenzó con improvisaciones masivas y radicales, construidas en torno a obras de órgano eléctrico, collages electrónicos, manipulaciones de sonido de guitarra y retroalimentación. El resultado es bastante similar a la música conceptual underground, muy caótica con mucha distorsión y reverberación. Con sus patrones de guitarra repetitivos e hipnóticos y sus embrionarios collages electrónicos, el segundo álbum "II" puede considerarse un clásico del underground electrónico alemán de los años 70. Esta música electrónica experimental de gran calidad llevará progresivamente a la banda hacia algo alejado de la escena del kraut rock y la música extrema.

Zuckerzeit es el cuarto álbum del grupo, habiendo abandonado la K tres años antes, pasaron a denominarse Cluster. Con este sutil cambio de nombre vino un cambio más que sutil en el sonido: de los encantadores paisajes sonoros ambientales de Zwei Osterei nació un nuevo estilo más intrigante, uno que rebosaba de ideas y manipulación electrónica en una escala no vista desde Silver Apples. El álbum abre con Hollywood, una pista instrumental (como todo en el álbum) que dice mucho más de lo que podría haber dicho una pista con palabras. Se pintan imágenes brillantes y chispeantes a medida que ondas de sintetizadores gloriosamente gruesos bañan un ritmo electrónico inseguro.

1223.- Un ramito de violetas - Cecilia

 

Publicada en 1974 como sencillo promocional del que sería su tercer y último álbum, con el mismo nombre, pronto se convirtió en uno de los temas más reconocibles y reconocidos de la artista madrileña, su mayor éxito cuando fue lanzado, impulsando decisivamente las ventas del disco del que formaba parte. El fallecimiento de Cecilia aumentó la popularidad de este tema, compuesto e interpretado exclusivamente por ella misma y en el que suenan piano, guitarra española, cuerdas y un acordeón.

Un ramito de violetas surgió tras escribir un cuento corto al estilo de James Joyce, uno sus autores favoritos, después de leer el relato que escribió quedó insatisfecha con el resultado y cuentan que lo rompió, para más tarde convertirlo en un poema que daría lugar a la canción. “Canción profundamente triste pero de argumento con final agridulce, y estructurada al modo narrativo clásico, con presentación, nudo y desenlace. La letra es conmovedora y “más allá de interpretaciones simplistas (la mujer doblegada a vivir sus pasiones en silencio, y Cecilia no iba por ahí en su cancionero), da lugar a distintas lecturas: la principal es la incomunicación de una pareja cuya existencia transcurre en la monotonía y falta de pasión, en la que el marido es incapaz de expresar sus sentimientos y lo hace mediante poemas anónimos, consciente de las ilusiones y felicidad que despierta en ella el saberse querida por un admirador anónimo. Otra, más retorcida, sería el casi buñueliano fetichismo de él al saber que ella vive una pasión amorosa imaginaria e imposible”. Escuchamos la cancion de Cecilia y existe un dramatismo espléndido que adquiere un toque trágico en la voz pausada, melódica pero firme de Cecilia. Podemos sentir el aliento de lo que en un principio fue un cuento, que luego se transformó en poema para finalmente quedar fijado en canción. En cuatro estrofas, Cecilia, te cuenta una novela, te da el argumento de una película al más puro neorrealismo de un Berlanga, Azcona o el mismísimo Visconti. Cada verso de ese poema encierra un dolor, una sensibilidad y una comprensión que sólo un artista al límite de su sensibilidad creadora puede escribir, componer. ¿Quien no ha sentido empatía en algún momento con los protagonistas de la historia, de su crueldad en su emotividad, de su grandeza y miseria humana? «Un Ramito De Violetas» es su Yesterday, su novena sinfonía, su Don Quijote, pero como todos y cada uno de los grandes creadores para llegar hasta ahí hay un largo y profundo proceso, un recorrido en el que nada se produce por casualidad.

Pese a las dudas iniciales, la madrileña acabó por sentirse cómoda con el tema. “Me gustaría mucho recibir ese ramito de violetas de alguien que me quiere sin yo saberlo", llegó a declarar. La composición se mantuvo durante semanas en la lista de éxitos patria, convirtiéndose así en su mayor 'hit comercial y en uno de los temas emblema de la que siempre ha sido una de las artistas más aclamados de la música española pese a su corta carrera. A raíz del fenómeno producido por la historia de ese matrimonio sumido en la rutina del ramito de violetas, TVE le ofreció representar a España en el Festival de las Televisiones Iberoamericanas (OTI), a celebrar en Puerto Rico, con la canción de Juan Carlos Calderón, “Amor De Medianoche”. Ella era poco partidaria de los festivales y tras muchas presiones y cambios en la letra aceptó la oferta y logrando finalmente el segundo puesto.

Electric Light Orchestra - ELO 2 (Mes Electric Light Orchestra)

La Electric Light Orchestra publicó su segundo disco en 1973, titulándolo simplemente como "ELO 2" en Reino Unido (introduciendo por primera vez las siglas con las que se conocería a la banda en el futuro) o Electric Light Orchestra II en Estados Unidos, títulos que reemplazaron a la idea original, que no era otra que llamar a su segunda obra "The Lost Planet" ("El planeta perdido").

El disco comienza con el tema "In Old England Town", pieza de rock progresivo denso y orquestal de casi siete minutos de duración, y una de las dos canciones en las que aún tocó el bajista y cello Roy Wood antes de dejar la banda en pleno proceso de grabación junto a Bill Hunt para formar el grupo Wizzard. Una versión instrumental de este tema fue utilizada como cara B del single de la canción "Showdown". 

El resto de canciones del disco mantiene una dinámica similar en cuanto a duración y estilo, y de hecho el segundo tema "Momma" (convertido en "Mama" en la versión estadounidense), supera por poco los siete minutos, y el tercer tema "Roll Over Beethoven", una versión del clásico de Chuck Berry, se extiende por encima de los ocho minutos de duración en la versión del disco para Reino Unido, y es aún más larga en la versión estadounidense, aunque para su publicación como single en ambos países fue acortada significativamente. El sencillo logró entrar en el top 10 del Reino Unido y sonó en algunas emisoras de radio estadounidenses durante un tiempo, pero no logró entrar en listas de ventas. 

La cara B abre con la otra canción en la que también dejó su sello Roy Wood, "From the Sun to the World". Tanto en ésta como en la ya mencionada "In Old England Town", y quizá fruto de su abrupta salida, Wood no fue acreditado. Tras los ocho minutos largos de "From the Sun to the World", el disco termina con la canción más larga del disco y de toda la discografía de la banda, el alegato antibélico de "Kuiama", más de 11 minutos de complejo rock progresivo y arreglos orquestales marca de la casa.

Al igual que su predecesor, encontramos en "ELO 2" música de calidad y gran nivel artístico, pero a la vez compleja y alejada de patrones comerciales que habrían contribuido a un mayor éxito, y aún así el álbum entró en el chart top 40 de discos británicos. En cualquier caso, y más allá de los siempre manidos criterios de ventas, la segunda entrega de The Electric Light Orchestra es un disco con mayúsculas, tan grandes como las de las famosas siglas con las que, desde entonces, se daría a conocer la banda liderada por Jeff Lynne, que durante el mes de mayo será la protagonista del #MesElectricLightOrchestra en 7dias7notas.net.

1222.- Can't Get It Out Of My Head - Electric Light Orchestra

La historia cuenta que Lynne estaba cansado de las quejas de su padre de que las canciones que producía la banda de su hijo carecían de la calidad melódica de la música clásica. Lynne estaba decidido a demostrar que podía hacer algo melodioso con la inteligente combinación de estructuras de canciones de rock y florituras clásicas de su banda Electric Light Orchesta.

“Can't Get It Out Of My Head” demostró cuán potente podría ser esa fórmula. Lynne encontró inspiración para la canción en los ensueños incumplidos de un tipo común y corriente. "Se trata de un hombre en un sueño que ve esta visión de belleza y se despierta y descubre que en realidad es un empleado que trabaja en un banco", recordó. "Y él no tiene ninguna posibilidad de conseguirla o de hacer todas estas cosas maravillosas que pensó que iba a hacer". Antes de que Lynne cante una nota, los dramáticos acordes del piano de Richard Tandy evocan la vívida emoción y el melancólico dolor de un sueño que se disipa, la letra habla de una misteriosa “hija del océano” que cautiva al narrador, que camina sobre una “chicana de olas” y lo llama desde la distancia. La naturaleza repetitiva del estribillo es en realidad un golpe inteligente de Lynne, ya que muestra cuán obsesionado se ha vuelto su protagonista con el recuerdo de este sueño. “Ahora mi viejo mundo está muerto”, canta, indicando que no hay vuelta atrás a la vida que conocía antes de esto. El magnífico acompañamiento musical alcanza su punto máximo en la pausa instrumental, cuando las cuerdas se fusionan a la perfección con los sintetizadores antes de dar paso al verso final. Entonces es cuando Lynne nos devuelve a la triste existencia cotidiana del narrador. “Robin Hood y William Tell e Ivanhoe y Lancelot”, dice, nombrando a héroes valientes. “No me envidian”, admite, detallando hasta qué punto él se queda corto en comparación. En los coros finales, Lynne añade algunos de los coros altísimos que se convirtieron en una de las marcas registradas de la banda. Es el equivalente auditivo de la “luz plateada” que emana de esta chica misteriosa mientras navega sobre las olas. 

Durante mucho tiempo ha habido un debate sobre una línea en el verso inicial de la canción. ¿Es "caminar sobre la chicane de una ola" o "caminar sobre una ola que ella vino"? La hoja de letras publicada con el álbum Eldorado lo cataloga como "chicana", pero a menudo se sabe que las hojas de letras están equivocadas, por lo que no se puede confiar completamente en ellas. Incluso mirar los labios de Jeff mientras canta la canción no responde al misterio ya que el movimiento de los labios en ambas letras es demasiado similar. Y luego está la pregunta, ¿qué es exactamente una "chicana"? No es una palabra común, por lo que es posible que no aparezca en un diccionario de inglés promedio, pero se refiere a la punta espumosa de una ola en su cresta. Por lo tanto, si la mujer de la canción camina sobre la chicana de una ola, está caminando sobre la cima de las olas. ¿Jeff estaba siendo obtuso y usó una letra oscura en su canción o fue simplemente un error de transcripción de quien hizo la letra original? Es un misterio.