Disco de la semana 336: Use you Illusion II - Guns & Roses (Mes Guns N' Roses)

La publicación conjunta de los discos Use your Illusion I y Use Your Illusion II (1991) fue un auténtico golpe sobre la mesa de una banda que mostraba orgullosa toda la fuerza y la capacidad creativa que habían moldeado y trabajado en la cocina desde el genial Appetite for destruction (1987) y el deslavazado Lies (publicado en 1988 con una cara en directo y otra de apreciables temas acústicos), pero aunque en realidad ambas "Ilusiones" fueran parte de la misma obra, la distribución de las canciones en uno u otro les dotó (sorprendentemente, porque afirmaron haberlas repartido por sorteo) de una identidad diferencial muy marcada y característica.

Así, dónde en Use your illusion I predomina el rock rotundo y luminoso (Right next door to hell, Double Talkin' Jive) complementado por grandes baladas de heavy épico (November Rain, Don't Cry), en Use your Illusion II las canciones tienen una carga de reflexión y melancolía que no encontramos en ningún otro disco de la banda californiana, haciendo de este disco una curiosa gema de su discografía. Pero hablar del tono de tristeza y oscuridad que transmiten letras como la de la larga e intensa Civil War con la que comienza el disco ("en mis primeros recuerdos dispararon a Kennedy, y me volví insensible cuando aprendí a ver") o la desgarrada mirada al pasado de 14 years ("Han sido catorce años de silencio, catorce años de dolor") no significa que nos encontremos ante un disco lento o musicalmente apagado. Todo lo contrario, estamos ante un mastodóntico disco de rock, en el que la tristeza de las composiciones viene acompañada siempre de una buena dosis de rabia contra lo establecido, y tanto Slash como Stradlin dan buena cuenta de ella con sus afiladas guitarras.

La mirada melancólica al pasado continúa en los primeros versos de Yesterdays, pero la rabia se abre paso y la banda parece rebelarse contra su propia melancolía ("De repente, en este momento, he descubierto que estoy solo y en la calle, y los días de ayer no me aportan nada, son solo viejas fotos que siempre estoy mirando"). Es la rabia del que se sabe deprimido y al borde del abismo, y la diferencia conceptual respecto al primer "Illusion" es todavía más clara si nos fijamos en una curiosa pauta: Cada "Illusion" incluye una versión de una canción de otro artista, pero si en el primero optaron por el luminoso y orquestal Live and let die ("Vive y deja morir") de Wings, en éste optan por una intensa revisión del melancólico Knockin' on heaven's door ("Llamando a las puertas del cielo") de Bob Dylan.

Get in the ring, con efectos de falso directo o de la audiencia de un combate de boxeo, es la pieza más rabiosa del álbum, en la que un presentador radiofónico presenta a los Guns & Roses en un lado del cuadrilátero, mientras en el otro van desfilando, con nombre y apellidos, y a través de la desafiante voz de Axl Rose, un buen puñado de críticos musicales a los que el cantante desafía a subirse al ring. La intensidad no decae en Shotgun blues, tan acelerada que no merece el calificativo de "blues", y que habría encajado más en la dinámica de temas de Use your Illusion I. ¿A cambio de qué canción? A estas alturas del disco, una canción como Dead Horse habría encajado mucho más dentro del disco más introspectivo e inquietante de unos Guns & Roses en estado de gracia.

Cambios deseados aparte, la sensación de bajada de pistón de Shotgun blues dura poco, porque una canción tan oscura y reflexiva como Breakdown, y a la vez tan rotunda y rabiosa, resucitaría cualquier momento valle de cualquier disco. Recuperada de nuevo la "ilusión", llega el momento de la polémica misógina de Pretty tied up, un tema que habría encajado en cualquiera de las dos entregas, y de la brillante Locomotive, un tema largo e intenso que es como una gran locomotora atravesando el disco a gran velocidad. Una pena que todo descarrile en So fine, la aportación compositiva del bajista Duff McKagan, que queda sosa en un conjunto de tanta profundidad lírica y de tanta intensidad sonora.

No puedo evitar rasgarme las vestiduras, al pensar en lo que habría sido terminar el subidón de Locomotive y, casi sin pausa, haber empezado con el piano y la dolorosa voz de Axl Rose en el arranque de Estranged, probablemente la obra maestra del disco, un tema largo, épico y desgarrador en el que toda la banda está a un nivel excelso, pero en el que la voz desgarrada de Axl destacan sobre el conjunto, aderezados por los siempre efectivos solos de Slash. Y en este punto, sí que consiguen mantener la llama en todo lo alto, porque el último redoble de batería de Estranged encaja a la perfección con el rotundo ritmo de batería con el que Matt Sorum comanda el arranque de You could be mine, un éxito mundial que no necesita presentación. Fue el tercer sencillo de mayores ventas de la banda (solo por detrás de Sweet Child o' Mine y November Rain), llegando a vender más de 7 millones de copias. Buena parte de la culpa de su éxito la tuvo, sin duda, que fuera incluida como tema principal de la banda sonora de Terminator 2: El Juicio Final, y que el mismísimo Arnold Schwarzenegger participara en el videoclip promocional de la canción.

Dicen los buenos contadores de historias que hay que saber terminarlas en un punto alto, y en You could be mine debería haber acabado este disco, porque ni la alternativa versión de Don't cry, que no mejora la incluida en el primer disco, ni la anecdótica pseudo canción electrónica de My world, deberían siquiera haber sido parte de ese sorteo con el que aparentemente decidieron las canciones que irían a uno y otro Illusion. Y si el azar les puso en bandeja la creación de dos discos tan acertados y con una personalidad tan propia y diferente, no habría estado de más algún que otro pequeño ajuste para que ambos discos hubieran sido, si cabe, aún más "ilusionantes". No hacía falta tocar mucho, simplemente darse cuenta de que, descartando los temas ya mencionados, una canción tan depresiva y atormentada como Coma habría tenido más sentido y sitio como cierre de este segundo disco. Pero no fue así, y a cambio hizo también más grande a su hermano gemelo, y entre los dos lograron que, en los albores de los noventa, no perdiéramos nunca la ilusión por el rock.

0931.- Listen To The Music - The Doobie Brothers

The Doobie Brothers se formó cuando el baterista John Hartman contactó con Johnston a través de Skip Spence de la banda de rock Moby Grape. Unieron fuerzas con el bajista Greg Murphy para formar el trío llamado Pud, que actuó en San José. En 1970, se unío el cantautor Simmons y el guitarrista Dave Shogren para formar lo que se convertiría en The Doobie Brothers. Cuando Tiran Porter reemplazó a Shogren como bajista en 1972 y el guitarrista Jeff Baxter se unió en 1974, seguido por el teclista Michael McDonald al año siguiente, el grupo estableció su formación más famosa. Un amigo de la banda y compañero músico, Keith Rosen, fue quien sugirió el nombre The Doobie Brothers, ya que la palabra "doobie" es un apodo para un porro de marihuana que los miembros de la banda solían disfrutar. Johnston admite que no encontraban un nombre para la banda y no esperaba que la sugerencia de Rosen se mantuviera en el tiempo. The Doobies Brothers presentaban un sonido suave, pero rockero, entretejido con un trabajo de guitarra impecable, voces armónicas entremezcladas respaldadas por un marco exploratorio con un contratiempo contagioso. Dicho esto, es imposible, por más que lo intente, no dejarse llevar por la interacción acústica y eléctrica, proporcionando un marco de simetría fluida que se envolvió muy suavemente alrededor de sus dinámicos solos y ejecuciones teñidas de blues. Aunque quizás la revista Billboard lo expresó con mayor precisión cuando dijo: “La música de los Doobie Brothers gira en torno a una ligereza musical sin artificios y una cantidad refrescante de pura vitalidad y espíritus cautivadores y optimistas. La sensación general es un poco campestre, buena música de época”.

El álbum debut de The Doobie Brothers en 1971 fue un fracaso comercial; su primer sencillo no llegó a las listas de éxitos al igual que el álbum en sí, pero fue su álbum de 1972 Toulouse Street el que se convertiría en un álbum que definiría su carrera y con él llegó el primer gran éxito de la banda, 'Listen To The Music', escrita por el vocalista principal de la banda, Tom Johnston, quien también tocó la guitarra en la pista. En una entrevista contó cómo surgió: "Todo se basó en esta visión un tanto utópica del mundo. La idea era que la música elevaría al hombre a un plano superior, y que los líderes mundiales, si pudieran sentarse en algún un gran montículo cubierto de hierba donde brillaba el sol y escuchar música, como la que estaba tocando, se daría cuenta de que todos tenían más en común que lo que no tenían en común, y ciertamente no valía la pena ponerse en un estado tan malo. Por lo tanto, todo el mundo se beneficiaría de este punto de vista. Básicamente, la música mejoraría todo. Johnston ha visto a la industria de la música cambiar dramáticamente, y para peor, desde que formó The Doobie Brothers en 1970. Ver a las compañías discográficas fallar al no confiar en los artistas de forma natural, un ejemplo: el primer álbum homónimo de The Doobie Brothers fue un fracaso, pero Warner Brothers Records se quedó con ellos, nunca los presionó para que produjeran un éxito, y The Doobies se convirtió en una banda de rock muy exitosa. Las estaciones de radio fueron víctimas de la desregulación y fueron absorbidas por grandes corporaciones en los años 90. Musicalmente la combinación de voces y guitarras de Tom Johnston y Patrick Simmons es un golpe de gracia como de costumbre y la música simplemente fluye, Listen To The Music es una de las canciones más conocidas de The Doobies, un jugueteo divertido.

0930.- I love every little thing about you - Stevie Wonder

"I Love Every Little Thing About You" fue lanzada en 1972 como parte del álbum "Music of My Mind" de Stevie Wonder. La canción es una alegre y desenfadada declaración de amor, con una romántica letra en la que el cantante declara a voz en grito que le gustan todos y cada uno de los rasgos y detalles de su pareja ("todas tus pequeñas cosas").

Musicalmente, "I Love Every Little Thing About You" es una pegadiza combinación de sonidos del soul, el funk y el R&B, los géneros por los que el popular cantante estadounidense más ha transitado a lo largo de su extensa carrera. La línea de bajo va tejiendo la animada red sonora de la canción, y un agradable acompañamiento de arreglos de viento y cuerdas envuelve a la siempre brillante y apasionada voz de Stevie Wonder.

La canción no fue lanzada como sencillo de "Music of My Mind" , pero eso no ha impedido que se haya convertido en uno de sus temas más destacados y reconocidos de la extensa discografía de Wonder, y que haya sido versionada por otros artistas, entre los cuales quiero destacar la de Miki Howard a dúo con Terence Trent D'Arby, quizá una versión poco conocida pero no por ello menos interesante. Ambos cantantes consiguen, como hizo su creador en su momento, que nos gusten todas las pequeñas partes y matices de esta gran canción.

Guns N' Roses - Use Your Illusion I (Mes Guns N' Roses)

 

Use Your Illusion I, Guns N' Roses

1991 sería un año para recordar para el grupo estadounidense Guns N' Roses, pues el 17 de septiembre de ese año aparecen publicados sus determinantes Use Your Illusion I y Use Your Illusion II. Nos vamos a centrar en el primero, Use Your Illusion I, del cual se han vendido la nada despreciable cifra de alrededor de 17 millones de copias en todo el mundo.

Use Your Illusion I es grabado en varios estudios de California (Estados Unidos) y Ontario (Canadá), bajo la producción de Mike Clink y los propios Guns N' Roses, y publicado bajo el sello discográfico Geffen Records en formatos de vinilo, cassette, CD, descarga digital y streaming. Este disco comenzó arrasando desde su publicación, alcanzando el puesto número 1 en las listas de ventas de Estados Unidos, alzándose 7 veces con el ansiado disco de platino. Fuera de casa también consiguieron cifras demoledoras en todo el mundo, en países como Argentina, Canadá, Reino Unido, Australia, Nueva Zelanda, Alemania, Japón, Islandia O Noruega. Todo esto se vería recompensado en 1992 con un premio Grammy. 

Use Your Illusion I representa un punto de inflexión y un cambio en el sonido del grupo, pues a pesar de no dejar de lado sus influencias con el hard rock, se atreven con otros estilos como el blues, la música clásica, el heavy metal, el punk rock o el rock n' roll de la vieja escuela. Para la grabación del álbum, el grupo tuvo que prescindir del batería Steven Adler, que no había superado superar sus problemas con las drogas, y sustituirlo por Matt Sorum. Varios temas habían sido ya escritos en los primeros días de la banda, temas como Back Off, Bitch, Bad Obsession, Don't Cry, November Rain y The Garden, atreviéndose también con una versión de Live and Let Die de Paul y Linda McCartney. 

Otra de las diferencias con sus inicios es que apuestan por un formato de canciones más largas, como por ejemplo November Rain, con una duración de casi 9 minutos, y Coma, que tiene una duración de más de 10 minutos. También apuesta el grupo por temas cantadas por otro de los integrantes de la banda aparte de Axl Rose, así Dust N' Bones, You Ain't the first y Double Talkin' Jive fueron interpretadas por Izzy Stradlin. Para la portada usaron una sección de la pintura "La escuela de atenas" de Rafael, que fue creada por el artista estonio -estadounidense Mark Kostabi. Dicha portada, de color roja y amarilla, fue utilizada también para el Use Your Illusion II, con la particularidad de que se usaron los colores púrpura y azul. 

Entramos a desgranar este apasionante doble álbum, el cual abre la traca con Right Next Door to Hell, la cual trata sobre la discusión que Axl Rose tuvo con su vecina de West Hollywood, Gabriella Kantor, y que denunció a Axl cuando este le arrojó una botella de vino en 1990. Dust N' Bones, escrita por Slash, izzy Stradlin y Duff McKagan. Como hemos comentado anteriormente, es la primera canción en ser interpretada por Izzy Stradlin en vez de Axl. También es la primera donde aparece el tecladista Dizzy Reed al piano y contiene una guitarra con el efecto Talkbox. Live and Let Die es un cover de la banda inglesa Wings, y fue compuesta por Paul y Linda McCartney. Don't Cry es uno de los grandes momentos del disco. Este es un tema anterior a los inicios del grupo, y fue escrita por Axl Rose e Izzy Stradlin después de que ambos se enamoraran de la misma chica. Ella no quiso elegir y le dijo a Axl mientras estaba sentado en un banco en el parque: "Don't Cry Bill", lo que dio origen al título. Intentaron grabar este tema para su Appetite for Destruction (1987), pero tuvieron que dejarlo al no obtener el sonido que buscaban para la canción. Cierra la cara 1 Perfect Crime, tema que fue escrito por Axl rose, mientras que la música corrió a cargo de Slash e Izzy Stradlin. 

La cara 2 comienza con You Ain't the First, uno de los pocos temas del disco que no contiene guitarras eléctricas, en su lugar se usaron guitarras acústicas, siendo una de ellas tocada con la técnica del Slide. Bad Obsession, escrita por Izzy Stradlin y West Arkeen. Una canción que habla de la adicción a las drogas que había perseguido a la banda antes de que se hicieran famosos. En la versión de estudio colabora Michael Monroe, de Hanoi Rocks, quien toca la armónica y el saxofón. Back Off Bitch, otra de las canciones escrita en los comienzos de la banda. Esa canción ya hbia sido interpretada por el grupo en conciertos antes el lanzamiento de Appetite For Destruction (1987). Double Talkin' Jive cierra el lado 2. Es otro de los temas escritos y cantados por Izzy, y el final de la canción contiene un particular solo de guitarra de estilo flamenco, interpretado por Slash. Sin embargo, en vivo la canción solía ser interpretada por Axl incluso cuando todavía estaba Izzy. 

El lado 3 abre con otro de los grandes momentos del disco, la balada November Rain. La letra está basada en una historieta escrita por el músico, escritor, periodista y artista estadounidense Del James, y que forma parte de una colección llamda The Language Of Fear. La versión original de la canción tenía una duración de unos 25 minutos, y finalmente fue acortada hasta los casi 9 minutos de duración. The Garden cuenta con la colaboración de Alice Cooper, quien se marca un interesante duelo con Axl Rose. Comienza Rose cantando sobre la bonanzas de un jardín, pero Cooper se encarga con su voz amenazante, de hablarnos de los inconvenientes de ese jardín. Hay quien interpreta este tema como una referencia a las drogas, de como surge la atracción por ellas, y como los inteligentes, en voz de Cooper, saben arreglárselas sin ellas. Garden of Eden, escrita por Axl y Slash, fue escrita mientras la banda se encontraba ensayando en Chicago. Don't Damn Me se encarga de cerrar el lado 3. La canción fue escrita como respuesta a la polémica que surgió en torno al grupo después del lanzamiento de G N' R Lies (1988), que contenía pistas con contenido explícito, como One in a Million. Esta es la única canción del álbum que nunca ha sido interpretada en vivo. 

El lado 4, y último de este álbum doble, es abierto por Bad Apples, escrita durante la estancia del grupo en Chicago. Esta canción si ha sido tocada en vivo, aunque únicamente un par de veces. Dead Horse fue escrita por Axl rose, quien además toca una guitarra acústica. La canción tiene dos curiosidades más, la primera es que al interpretarla en vivo en algunos conciertos, Axl Rose tocaba la guitarra acústica al comienzo, y la otra es que al comienzo de la canción se escucha un efecto como el rebobinado de un cassette. Llegamos al final del álbum con el tema más largo, Coma, con una duración de más de 10 minutos. La letra corrió a cargo de Axl, mientras que la música fue obra de Slash, aunque Axl siempre la  ha descrito como el "bebé" de Slash. Axl escribió la letra cuando tuvo una sobredosis, la cual fue, según el propio Axl, provocada por el estrés: "Tomé un frasco de pastillas en una discusión y me las tragué... Terminé en un hospital, pero me gustó que ya no estaba luchando. Mis primeros pensamientos reales fueron, 'no has trabajado lo suficiente, el disco va a ser olvidado, tienes trabajo que hacer, vete de esto', y me desperté. Pero al describir esto, la  gente podría malinterpretarlo y pensar que significa ponerse en coma". También comentaba Slash sobre la canción, "Escribí 'Coma' en mi delirio de heroína... Esa es una canción de la que todavía estoy orgulloso, no hay mucha técnica, pero tiene un enfoque bastante directo". también comentaba el genial guitarrista que lo realmente interesante de la canción era la progresión de acordes giratoria que nunca terminaba, la misma progresión de acordes cada vez, pero que seguía cambiando de tono. Todo un descubrimiento musical matemático para Slash, "Me topé con él y es mucho yo haciendo lo mío...pero funcionó". 

0929 - Stevie Wonder - Superwoman (Where Were You When I Needed You)

0929 - Stevie Wonder - Superwoman (Where Were You When I Needed You)

"Superwoman (Where Were You When I Needed You)" es una canción del legendario cantante y compositor estadounidense Stevie Wonder. Fue lanzada como parte de su álbum de 1972, "Music of My Mind", y desde entonces se ha convertido en un clásico atemporal dentro de su discografía.

La canción es un himno conmovedor y poderoso que refleja la habilidad de Stevie Wonder para combinar letras significativas con una melodía cautivadora. "Superwoman" narra la historia de una mujer fuerte y valiente que ha enfrentado muchas adversidades en su vida, pero que a pesar de ello ha encontrado la fuerza para seguir adelante. Stevie Wonder utiliza su voz distintiva y llena de emoción para transmitir el mensaje de apoyo y solidaridad hacia esta "Superwoman" en su lucha diaria.

La melodía de "Superwoman" es suave y melancólica, con elementos de soul y R&B característicos del estilo musical de Stevie Wonder. El piano y los arreglos de cuerda añaden una profundidad y riqueza al sonido general de la canción, creando una atmósfera nostálgica y conmovedora.

Una de las cosas destacables de "Superwoman" es la habilidad de Stevie Wonder para capturar las emociones y transmitirlas al oyente. Su voz es verdaderamente expresiva y llena de pasión, lo que hace que la canción sea aún más impactante y memorable. Además, las letras son poéticas y profundas, abordando temas de superación, amor y apoyo mutuo.

"Superwoman (Where Were You When I Needed You)" muestra la habilidad innegable de Stevie Wonder como compositor y letrista, así como su talento para conectar con el público a través de la música. La canción ha dejado una marca indeleble en la historia de la música y sigue siendo una joya en el catálogo musical de Stevie Wonder.

"Superwoman (Where Were You When I Needed You)" es una canción icónica que combina una melodía cautivadora, letras profundas y la inigualable voz de Stevie Wonder. Es una oda a la fortaleza y la resistencia humana, y una muestra del genio creativo de este legendario artista.

Daniel 

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0928.- Pink Moon - Nick Drake

Nicholas Rodney Drake nació el 19 de junio de 1948 de padres Molly y Rodney Drake en Yangon Myanmar cuatro años después del nacimiento de su hermana Gabrielle Drake. Poco después en 1950 se mudaron a Inglaterra, Warwickshire donde Nick viviría el resto de sus días hasta su fallecimiento el 25 de noviembre de 1974 a la edad de 26 años. La causa de la muerte fue una sobredosis de Tryptizol vendido bajo la marca Amitriptyline, que es un antidepresivo que le recetaron a Nick para combatir sus crecientes problemas de salud mental. No se ha resuelto si su muerte fue un suicidio intencional o un error devastador, pero citando a su hermana Gabrielle Drake, ella "prefirió que muriera porque quería ponerle fin a su vida a que fuera el resultado de un trágico error". Y creo que la mayoría estaría de acuerdo.

En octubre de 1971, Nick Drake se acercó al productor John Wood, el hombre que diseñó a Bryter Layter y comenzó a trabajar en su último álbum, Pink Moon es Nick Drake en su forma más cruda y vulnerable, no queda ni rastor de la amplia gama de instrumentación y orquestación que definió sus 2 álbumes anteriores, solo se trata de la voz de Nick, su guitarra y, en la canción principal de apertura, su piano. Este álbum es una aventura seria en la mente de un músico brillante y talentoso que enfrenta dificultades extremas, para muchos la mente es el lugar más difícil para estar, y esa es una de las mejores cualidades de este álbum: la capacidad de relacionarse y cómo la música puede hablarle al alma. Hay un momento en el disco devastador cuando dice. "Ahora soy más oscuro que el mar más profundo". 'mostrando cómo la depresión puede arruinar a una persona y su perspectiva de la vida, su perspectiva deprimida le hace ver cómo son realmente las cosas y está deprimido por eso y sus pensamientos y estado de ánimo son oscuros. Otra letra que se te clava es aquella en la que dice "Puedo tomar el camino que me llevará a través", siempre he interpretado esta letra como una declaración de despedida del camino que lo verá. Nick se ve a sí mismo como una carga para los demás y nada más que un parásito repugnante este siendo enfatizado aún más en la línea 'puedes verme en la tierra', esta puede ser otra alusión al suicidio y estar bajo tierra, también podría significar que se siente muerto por dentro e inútil para quienes lo rodean sintiéndose como si estuviera mejor muerto. A principios de 1972, después del lanzamiento del álbum, Nick sufrió una crisis nerviosa y fue ingresado en un hospital psiquiátrico durante 5 semanas, su ex psiquiatra creía que podría haber tenido esquizofrenia

La canción de apertura 'Pink Moon', comienza con una alegre y hermosa melodía de guitarra seguida por la voz relajante y magníficamente inquietante de Nick cantada en un rango clásico de barítono. él canta sobre una luna rosa y cómo todos sucumbiremos a ella, esto se demuestra en la línea 'La luna rosa los atrapará a todos'. La luna rosa de la que habla podría aludir a la muerte y podría presagiar su propia muerte. Drake tranquiliza al oyente con acordes agradables y letras repetitivas, deja que la audiencia se deleite en una ola de tranquilidad. La falta de otros instrumentos nos permite conectarnos directamente con Drake, casi como si estuviéramos en la misma habitación que él. Se siente personal, como si te estuviera contando un secreto: "Una luna rosa está en camino". Esta pista se usó en un anuncio de Volkswagen que impulsó la popularidad de Nick y aumentó sus ventas de discos en los EE. UU. de solo 6.000 a 74.000 para el año 2000. En febrero de 1973, Drake se puso en contacto con el ex productor Wood y le dijo que estaba listo para trabajar en su cuarto álbum de estudio. La sesión inicial se realizó en julio de 1974. Luego, el 25 de noviembre de 1974, falleció, su cuerpo fue incinerado y sus cenizas puestas debajo de un roble en la iglesia. Nick Drake vivirá a través del arte que creó durante su breve vida y seguirá impactando a millones con su música.

Guns N' Roses - Lies (Mes Guns N' Roses)

El primer álbum de Guns N' Roses, Appetite for Destruction (1987), es sin duda uno de los debuts de larga duración más espectaculares de la historia de la música, no solo porque es el álbum debut más vendido de todos los tiempos, sino también considerando que es la razón de la mayor parte del legado de Guns N' Roses como una de las bandas absolutamente más queridas e influyentes que jamás haya existido. Pero la banda tardaría cuatro años en seguir realmente su debut con el grandioso tema de dos partes Use Your Illusion. Mientras tanto, entregaron a los fans un pequeño aperitivo resultado de juntar dos EP de cuatro pistas con sonidos muy diferentes para formar lo que se conocería como su segundo álbum Lies. Que también parece ser un álbum que solo ha sido de interés para los fans acérrimos. Cuando salió Appetite for Destruction yo tenía 15 años y, soy un adolescente que vive en una época en la que se lanza mucha música influyente. Con 16 años sigues como loco por ver lo que te pueden dar ese grupo, lo que no esperas es que, para su segundo álbum, se recluyan en un refugio de montaña y pases años jugando con la cosa hasta que la gente quiera escucharla solo para ver lo mala que es. En su lugar, se espera que regreses al estudio y trabajes en algo, sin importar la calidad, y luego posiblemente continúes haciendo tu obra maestra (si no te separas o mueres primero). A estas alturas, yo no me había dado cuenta de que Guns n' Roses no era precisamente una banda que le preocuparan esas cosas.

Comienza con el EP con "Reckless Life" una melodía punk de ritmo rápido que se trata de vivir el sueño salvaje del rock and roll, mientras que "Move to the City" ralentiza un poco el tempo con el tipo de música rock más funky que Guns dominaría más tarde mejor que nadie ha sido capaz de hacerlo. Y luego están la versión de "Nice Boys" de la banda australiana Rose Tattoo y la versión de "Mama Kin" de Aerosmith, la banda a menudo citada como una de sus mayores inspiraciones. El segundo EP presenta canciones de 1988 grabadas casi en su totalidad con instrumentos acústicos. Y la primera canción es "Patience", que es mi mayor favorita entre las baladas de la banda... 

"Don't Cry" (que saldría tres años después) podría ser más bella en melodía, pero "Patience" es definitivamente la mejor canción: los primeros 50 segundos con solo guitarras y silbidos valen por sí solos todas las escuchas repetidas. La segunda canción, "Used to Love Her", supuestamente se basó en una broma interna dentro de la banda, lo que probablemente explica el contraste absurdo entre los ritmos alegres y el canto, y las letras ligeramente perturbadoras. Este álbum también presenta una versión alternativa de "You're Crazy" de su álbum debut. Y aunque ese fue tocado de una manera rápida y enérgica, es la versión más lenta y relajada que se escucha aquí que se ha dicho que es la forma en que realmente pretendían que sonara desde el principio. 

Y luego está la última canción que es más conocida por su controvertida letra donde Axl ataca a los "maricas" y "niggers" entre otros, lo que resulta en cosas como "One in a Million" siendo la única canción de los primeros cuatro álbumes de Guns que nunca tuvo se ha realizado en vivo, por lo que he oído. Sin embargo, no creo que busquen ofender, saber que Axl es/era un gran admirador de artistas como Freddy Mercury y Elton John, y que su propio compañero de banda, Slash, es mitad afroamericano, hace obvio que era nunca una expresión de sí mismo como homófobo o racista. 

Puedo decir que a la edad de 16 años, estaba contento cuando salió este álbum, y a la mayoría de los que nos gustó G n 'R nos gustó Lies .. Al escucharlo de nuevo después de todos estos años, todavía encuentro que es un lanzamiento que vale la pena. Mostraba una banda abrumada por su repentino estrellato que era mucho más versátil de lo que la gente creía originalmente, amo casi todas las canciones aquí, y las pocas que no AMO, realmente me gustan, al menos. Pero al mismo tiempo, no puedo evitar dejar que mi opinión general se sienta un poco molesta porque se trata de dos EP completamente diferentes que en realidad no están hechos el uno para el otro. 

Y es por eso que no está bien colocar Lies junto a discos coherentes y brillantes, puede que se encuentre para siempre en las sombras tanto de su predecesor como de los dos álbumes posteriores, pero en mis oídos es un documento tan importante como esos otros, de la increíble magia que poseía Guns N' Roses en los seis años transcurridos desde 1986 a 1992.

0927-. Thick As A Brick - Jethro Tull

 

Thick As A Brick, Jethro Tull

     En diciembre de 1971, Jethro Tull graba en Londres, Inglaterra, el que se convertirá en su quinto álbum de estudio. El disco es grabado bajo la producción del líder del grupo, Ian Anderson, y publicado finalmente el 3 de marzo de 1972, bajo el sello discográfico Chrysalis Records.

Este álbum tiene la curiosidad de estar compuesto por únicamente una canción dividida en dos partes correspondientes a cada uno de los lados de la edición de vinilo de la época. La canción, Thick as a Brick, que literalmente significa "Denso como un ladrillo", y la cual hace referencia a una expresión inglesa equivalente a lo que sería algo así como "cabeza dura llena de mierda".

La letra, al parecer, está basada en un poema escrito por un niño precoz llamado Gerald Bostock, con el alias Little Milton. A pesar de estar dividida en dos partes, la unión nunca se rompe, por lo que seguramente la partición fue obligada para ocupar las dos partes de la edición de vinilo original. Estamos ante un disco compuesto por un único tema. Las cubiertas del disco y su interior fueron diseñadas imitando el diario de un pequeño pueblo , el St. Cleve Chronicle & Linwell Advertiser, en el cual se incluye la letra de la canción y diversas noticias y pasatiempos típicos de un diario de la época.

La idea del álbum surgió de Ian Anderson como una reacción a lo que la crítica especializada consideraba como un álbum conceptual. Dicha crítica consideraba que su anterior trabajo, Aqualung, era un álbum conceptual. Ian Anderson siempre negó este hecho, llegando a responder en una entrevista: "Si los críticos quieren un álbum conceptual, les daremos un álbum conceptual". Anderson también llegó a decir que este disco era una parodia de álbumes de Yes, y Emerson, Lake & Palmer. Muy mal no le salió la forma de protestar, si lo podemos llamar así, porque el  disco llegó a alcanzar el primer puesto en las listas de ventas de Estados Unidos y el quinto en las lista de Inglaterra.

En cuanto a la estructura musical, el tema se va desarrollando con un estilo más propio del estilo sinfónico que del rock. Multitud de instrumentos van apareciendo a lo largo de los aproximadamente 43 minutos que dura el disco, instrumentos como Xilófonos, órganos hammond, violines o la flauta de Anderson, que se van sumando a los instrumentos tradicionales del rock. Pensando en la radio, se envió una edición de únicamente 3:01 minutos, la cual se ha utilizado prácticamente en todos sus discos recopilatorios. Sobre esto Anderson comentaba: "En 1972 tenías que ser consciente de lo que entonces se llamaba radio AOR (Adult Orient Radio). En la mayoría de los casos, solo podía reproducir música en porciones pequeñas... Así que tuvimos que pensar en darle opción a la radio estadounidense de reproducir pequeñas secciones editadas de Thick as a Brick, para que no tuvieran que dejar caer delicadamente la aguja en medio de una pista larga o levantarla después de tres minutos y medio. Así que lo hicimos especialmente para la radio estadounidense". El título, Thcik as a Brick (Denso como un ladrillo), es una frase que hace referencia a lo obstinado que puede llegar a ser uno, ya que la cabeza de uno es tan gruesa que no pueden entrar nuevos pensamientos.

Disco de la semana 335: The Silent Force - Within Temptation

 

The Silent Force, Within Temptation

     The Silent Force es el tercer álbum de estudio de la banda de metal sinfónico originaria de Países Bajos Within Temptation. Este trabajo fue grabado entre mayo y agosto de 2004 en varios estudios de Países Bajos, Bélgica y Rusia, bajo la producción de Daniel Gibson y Stefan Helleblad, y publicado el 11 de noviembre de 2004. En el Reino Unido fue publicado en agosto de 2005. El sello discográfico GUN Records se encargó de su distribución en Europa, mientras que Roadrunner Records lo hizo para el resto del mundo.

Este disco fue el primero en presentar a Ruud Jolie en la guitarra principal y a Martijn Spierenburg en los teclados, acompañando a Sharon de Adel (voz), Robert Westerholt (guitarra rítmica), Jeroen van Veen (bajo) y Stephen van Haestregt (batería).

The Silent Force fue concebido en un época lleno de acontecimientos que cambiarían el paso de la banda. Después del lanzamiento de Mother Earth (2000), el grupo grupo consigue una gran repercusión y éxito comercial, hecho que hace que el grupo empiece a notar la presión y se sienta vulnerable, ya que hasta entonces tocar música era principalmente un pasatiempo para sus miembros. A esto se suma la firma a un sello más potente, pues abandonan el sello discográfico independiente DSFA, con el que no acaban muy bien, y firman con los alemanes GUN Records.

El grupo ingresa en el estudio en verano de 2004 para la grabación del álbum, la escritura y composición les llevo entre cuatro y cinco meses, y la grabación 2 meses. El hecho de entrar en el estudio a las 9 de la mañana y salir a las 11 de la noche, unido a la propia oscuridad del estudio, hizo que un sentimiento oscuro y sombrío se apoderara de la banda. Para la grabación, el grupo contó con la colaboración de una orquesta de 80 musicos y de un coro ruso, y en cuanto a las letras, el disco se inspiró en la fantasía, la literatura y la vida personal de los miembros de la banda. El título, The Silent Force, se refiere a las fuerzas que a veces llevan  las personas a hacer ciertas cosas, fue tomado de un libro de principios del siglo XX de un escritor de Países Bajos, llamado Louis Couperus, y todas las canciones están de alguna manera conectados con el libro. En el plano comercial, el disco funcionó muy bien, obteniendo críticas en su mayoría favorables, lo que ayudó al grupo a aumentar su popularidad fuera de Países Bajos.

El bajo estado de ánimo de la banda se nota durante el proceso de escritura del disco, y se ve reflejado en el tono oscuro que rodea todo el álbum. El hecho de estar en un sello más potente se nota, más dinero y medios que permitieron al grupo lanzarcuatro vídeos para la promoción del álbum, correspondientes a Jillian (I'd Give My Heart), una hermosa y melódica balada que trata sobre un serie de telenovelas de fantasía llamadas Deverry Cycle, de Katharine Kerr, y que están ambientadas en la tierra ficticia de Deverry. La canción fue usada para promocionar el DVD en vivo The Silent Force Tour, editado en 2005; Stand My Ground, sin duda uno de los grandes momentos del álbum. Esta canción aborda la agitación política que había en los Paíes Bajos después del asesinato de Pim Fortuyn, hecho que afecto a la banda. Pim Fortuyn fue un político holandés que fue asesinado el 6 de mayo de 2002, nueve días antes de las elecciones generales del país. El grupo, a pesar de no estar de acuerdo con las opiniones políticas de Fortuyn, temían por su propio futuro y el futuro del país; Angels, canción que trata sobre el hecho de que las personas en las que uno confía a menudo luego nos sorprenden y realmente no son tan confiables. Aunque está escrita a través de metáforas, está claramente inspirada en las disputas discográficas que la banda tuvo con su sello discográfico anterior; y Memories, tema que fue lanzado como segundo sencillo del disco. 

Estos cuatro temas anteriores, unidos a otro puñado de buenos temas, redondean  un gran disco. Temas como Pale, una emotiva canción donde  la voz de Sharon den Adel crea un maravilloso ambiente atmosférico. Estamos sin duda ante otro de los grandes momentos del álbum; Forsaken, tema con un enfoque oscuro y pesado que nos habla sobre el abandono, la lucha y la redención, y que combina con mucho acierto guitarras pesadas con una combinación de voces melódicas y guturales; y Aquarius, que aborda la relación entre el amor y el miedo que la cantante Sharon tiene con el océano, un miedo que desarrolló después de ver siendo niña la película Tiburón (1975) de Steven Spielberg.

A pesar del difícil momento en el que fue concebido, The Silent Force fue un hito en la carrera de Within Temptation, ayudando al grupo a llegar a un grupo de audiencia más amplio, y ayudando también a posicionarse como una de las bandas líderes del metal sinfónico. 

0926.- Time in a bottle - Jim Croce

Jim Croce escribió la letra de Time in a Bottle en diciembre de 1970, cuando su mujer le dijo que estaba embarazada, volcando en la canción toda la dulzura y la emoción de aquel mágico momento para la pareja, y creando con ello una de las baladas más tiernas y conmovedoras de la música de los años setenta, que se apoya en unos efectivos arreglos de clavicordio que encajan a la perfección con la voz del cantautor estadounidense.

Time in a Bottle fue incluida, casi dos años después, en You Don't Mess Around with Jim (1972), el álbum de debut de Jim Croce, y en la banda sonora de la película para televisión She Lives! (1973) para la cadena ABC, pero no salió como single hasta que, tras la muerte del cantante en un accidente aéreo en septiembre de 1973, Time in a Bottle empezó a sonar insistentemente en la radio, y los oyentes empezaron a demandar un disco que poder llevarse a casa.

La demanda fue tal, que el sencillo de Time in a Bottle fue, tras "Bad, bad Leroy Brown", la segunda y última canción de Jim Croce en alcanzar el número del Billboard estadounidense, y se convirtió además en el tercer single póstumo de la historia en alcanzar el top de las listas de Estados Unidos, tras "Sittin' on the Dock of the Bay" de Otis Redding y "Me and Bobby McGee" de Janis Joplin. Las ventas de la canción impulsaron también las del disco, manteniéndolo en el primer puesto de las listas de ventas durante cinco semanas.

0925 - Neu - Hallogallo

0925 - Neu - Hallogallo

"Hallogallo" es una canción de la banda alemana Neu!, lanzada en 1972 como parte de su álbum debut homónimo. Neu! fue una de las pioneras en el género de la música krautrock, y "Hallogallo" se considera uno de los temas más destacados y representativos de su carrera.

La canción comienza con un ritmo hipnótico de batería, creado por Klaus Dinger, que se mantiene constante durante toda la pieza. La repetición rítmica y la simplicidad de la estructura musical son características distintivas de Neu!, que influyeron en muchos géneros posteriores, como el rock alternativo, el post-punk y la música electrónica.

A medida que la canción progresa, se agregan capas adicionales de guitarra y bajo, interpretadas por Michael Rother. Estos elementos se entrelazan y se superponen, creando una sensación de movimiento constante y evocando un paisaje sonoro expansivo. El minimalismo y la repetición de patrones rítmicos y melódicos son elementos clave de la música de Neu!, y "Hallogallo" es un ejemplo perfecto de ello.

La falta de letra en "Hallogallo" permite que la música hable por sí misma y lleve al oyente en un viaje introspectivo. La canción transmite una sensación de libertad y escapismo, transportando a quien la escucha a un estado de trance musical. Es una experiencia casi hipnótica y meditativa, en la que el oyente puede dejarse llevar por la repetición y la textura sónica.

A lo largo de los casi diez minutos de duración de "Hallogallo", la canción evoluciona de manera sutil pero efectiva, creando una sensación de progresión y desarrollo gradual. Aunque la estructura general permanece constante, se introducen variaciones y cambios en la dinámica, manteniendo el interés y la atención del oyente.

"Hallogallo" es una canción extraordinaria de la banda Neu!, que encarna la esencia del krautrock y la innovación musical. Con su ritmo hipnótico, su enfoque minimalista y su capacidad para crear una experiencia sonora inmersiva, la canción es un clásico atemporal y una joya del legado musical de Neu!.

Daniel 

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0924.- One Way Out - The Allaman Brothers Band

 

One Way Out, The Allman Brothers Band

     1971 no fue un año fácil para The Allman Brothers Band, pues el fallecimiento en accidente de moto de Duane Allman, uno de su pilares, a punto estuvo de provocar la desaparición de la banda. El grupo había luchado lo indecible para lograr el tan ansiado éxito comercial, y aunque tras dos años y medio de giras y tras dos discos de estudio a sus espaldas, no lo lograron, pero sí habían alcanzado ya un significativo reconocimiento gracias a sus memorables presentaciones en vivo con temas extendidos. Sería tras el lanzamiento de su mítico At Fillmore East, publicado en julio de 1971, cuando el grupo alcance la gloria, consiguiendo un disco de oro y pudiendo pagar todas las deudas acumuladas con el mánager y el sello discográfico Capricorn Records.

Ahora que el grupo tenía dinero arrastraba otro problema, el del abuso de sustancias en el que se encontraban inmersos algunos miembros. El guitarrista Duane Allman, el bajista Berry Oakley y los roadies Robert Payne y Joseph "Red Dog" Campbell, ingresan en un hospital para su desintoxciación. El 29 de cotubre de 1971 Duane Allman fallece en un accidente de motocileta, hecho que deja inmerso al grupo en una gran crisis. La muerte de Duane afectó a todo el grupo, especialmente a su hermano Gregg, pero lejos de hundirse, esto produjo una motivación en el grupo, y  Dereck Trucks lo recuerda así: "Todos estábamos poniendo más en ello, esforzándonos mucho para que fuera tan bueno como hubiera sido con Duane. Conocíamos nuestra fuerza impulsora, nuestra alma, el tipo que nos prendió fuego a todos...no estaba allí y teníamos que hacer algo por él". En ese contexto nace Eat a Peach, un álbum doble, publicado en febrero de 1972, que contine una mezcla de grabaciones en vivo y de estudio. El disco fue un éxito comercial de inmediato, alcanzando el puesto número cuatro en la listas de ventas estadounidenses.

Incluido en este disco se encuentra One Way Out, una canción de blues que había sido coescrita y grabada a principios de la década de los 60 por el propio Sonny Boy Williamson II y Elmore James. Está documentado que la banda ya tocaba este tema en directo al menos desde febrero de 1971 en sus presentaciones en vivo, y la de este disco es concretamente la realizada en un concierto el 27 de junio de 1971. Esta grabación se hizo muy popular en los formatos de radio de rock progresivo y AOR, pues su duración de apenas cinco minutos la convertían ideal para se pinchada por las emisoras. Estamos ante un tema que se ha convertido en un elemento básico en los conciertos de la banda durante décadas posteriores, que solían usarla como bis y alargarlo. Durante los casi cinco minutos de este tema, la banda nos deleita con este relato sobre un chico que tiene una aventura ilícita con una mujer cuyo esposo ha regresado a casa. El se empieza a preguntar entonces si vale la pena el riesgo que asume por ella, pero lo que está claro es que el no va a salir por la puerta principal, pues no quiere encontrarse con ese hombre.

0923 - The Allman Brothers Band - Melisssa

0923 - The Allman Brothers Band - Melisssa

"Melissa" es una canción de la legendaria banda de rock sureño The Allman Brothers Band. Fue lanzada en 1972 como parte de su aclamado álbum "Eat a Peach". La canción fue escrita por el guitarrista principal de la banda, Gregg Allman, y se ha convertido en uno de los himnos más queridos de la banda.

"Melissa" es una balada suave y melancólica que destaca por su emotiva letra y la maravillosa armonía vocal de Gregg Allman. La canción captura la sensación de nostalgia y anhelo, y muchos oyentes han relacionado la canción con la pérdida de un amor o la nostalgia por tiempos pasados.

La melodía de "Melissa" es simple pero hermosa, con acordes acústicos y sutiles adornos de guitarra eléctrica que añaden una capa de profundidad a la canción. La voz de Gregg Allman es cálida y conmovedora, transmitiendo la emoción y la vulnerabilidad de la letra.

La letra de "Melissa" es poética y evocadora, hablando de un amor perdido y los sentimientos de soledad y tristeza que lo acompañan. Aunque la canción tiene un tono melancólico, también lleva consigo una sensación de esperanza y aceptación. Es una canción que ha resonado con muchas personas a lo largo de los años debido a su honestidad y su capacidad para conectar emocionalmente con el oyente.

En general, "Melissa" es una canción atemporal y conmovedora que ha dejado una huella duradera en la música rock. Es un testimonio de la habilidad de The Allman Brothers Band para combinar habilidades instrumentales excepcionales con letras y melodías conmovedoras. La canción ha sido interpretada en innumerables conciertos y sigue siendo un favorito de los fanáticos de la banda en todo el mundo.

Daniel 

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0922.- Algo de mí - Camilo Sesto

Camilo Sesto fue una de las figuras más populares de música ligera en la década de 1970 en España e Hispanoamérica. Nacido en 1946 como Camilo Blanes Cortés, hizo sus primeros pinitos en el coro del colegio. A principios de los sesenta, pasó a formar parte como cantante del grupo de versiones Los Dayson con los que se curtió amenizando fiestas populares con éxitos de moda. Su gran oportunidad llegaría en 1965 cuando son invitados al concurso de Televisión Española Salto a la fama, pero el lema del programa no se hizo realidad aunque Camilo se quedaría en Madrid malviviendo a la espera de otra ocasión. Esta llegó cuando se puso al frente del grupo Camilo y Los Botines y fueron solicitados para participar en varias películas. Cinco años después, en 1970, inició su carrera en solitario (en aquel entonces con el nombre artístico de Camilo Sexto) y debutó discográficamente con el single "Llegará el verano". Después, con Juan Pardo ex componente de Los Brincos como productor, adaptó al pop una pieza de Brahms con el título de "Buenas noches", que obtuvo un relativo éxito. Le siguieron "A ti, Manuela", "Ay, ay, Roseta" y la popular canción "Algo de mi" (1972), nominada por la cadena Ser como canción del verano. Un año después, en el mes de noviembre, participó en el Festival Internacional de la OTI como representante de Televisión Española con la canción "Algo más", compuesta por Juan Calderón, la protagonista de este articulo. Las cifras de su larga carrera de 50 años son apabullantes: 100 millones de discos vendidos, 52 números uno en las listas y una capacidad artística que además de la interpretación como cantante conllevó la de compositor. Sus melodías fueron cantadas por una larga lista de colegas que van de Miguel Bosé a Ángela Carrasco pasando por Manolo Otero o David Bustamante.

La principal cancion Algo de mi estará además acompañada de diez canciones mas, donde podemos señalar algunas con luz propia como pueden ser "Mendigo de Amor" con letra de Juan Pardo, "Ay, Ay, Rosseta" de Camilo Blanes y la conocida y versionada "Buenas Noches" compuesta por Brahms, con los arreglos de Juan Pardo, además creo que seria injusto olvidarnos de "A ti Manuela" y la romantica "Hoy como ayer" ambas autoras de Camilo Blanes. El valor que Camilo debe sentir por "Algo de Mi" debe ser ademas de agradecimiento, pues debemos creer que sin esta cancion tan romantica no hubiera sido conocido. Dicha cancion gracias a su tesitura musical Camilo puede desplegar su potente voz. Esta gran cancion puede representar una de las mejores canciones que se han editado durante este tiempo. Todo ello gracias a su bella letra y su maravillosa voz. Como acompañamientos en los instrumentos musicales podemos señalar que en la guitarra estaba Alfredo Pareja, en el bajo al conocido Jaime Torregrosa, en el organo Vicente Jorro (ademas se encargará de realizar algun arreglo de alguna canción) y en la bateria Conrado Martinez, por ultimo como técnico de sonido a Raúl Marcos. En la contraportada del album podemos observar a Camilo Sesto acompañado de Juan Pardo grabando en los estudios de sonidos, ademas de una visita que hizó a Londres, gracias a las fotos podemos verlo con su indumentaria de pantalones ceñidos como era costumbre en él y sus altas botas, todo ello en imagenes en blanco y negro.

0921.- Alone Again (Naturally) - Gilbert O'Sullivan

El nombre real de Gilbert O'Sullivan era Raymond O'Sullivan, y lo cambió, a instancias de su manaer, en ese momento de finales de los años 60 cuando la gente generalmente intentaba superarse en surrealismo entre ellos. Nació en Irlanda y se crió principalmente en Londres, y comenzó a hacer música siendo estudiante de arte en los años 60. Durante un tiempo, O'Sullivan tocó la batería en Rick's Blues, una banda liderada por el futuro líder de Supertramp, Rick Davies, y O'Sullivan le da crédito a Davies por haberle enseñado tanto la batería como el piano. Eventualmente, O'Sullivan comenzó a escribir canciones, consiguió un contrato con CBS y obtuvo un par de éxitos en el Reino Unido.

En los Estados Unidos, 1972 fue una época de profundas divisiones y prioridades revueltas. Richard Nixon fue reelegido de manera aplastante solo unos meses después de que sus subordinados irrumpieran en las oficinas del DNC en el Hotel Watergate unos meses antes de que "Alone Again (Naturally)" de Gilbert O'Sullivan llegara al número 1, Nixon ordenó la retirada de las tropas estadounidenses de Vietnam, una medida completamente necesaria que debería haber ocurrido años antes, y una pérdida militar que destrozó la sociedad Americana, cuatro días antes de que "Alone Again (Naturally)" alcanzara el número 1, los funcionarios de salud estadounidenses admitieron, que durante 40 años habían experimentado en secreto con hombres negros, infectándolos con sífilis y dejándolos sin tratamiento, en la Universidad de Tuskegee. Tres días después de que la canción llegara al número 1, Thomas Eagleton, el candidato demócrata a la vicepresidencia, abandonó la carrera. admitiendo que había sido hospitalizado por depresión tres veces. Y con este panorama es difícil explicar la popularidad de “Alone Again (Naturally)”, una de las canciones más populares del año fue una bagatela de pop florido en la que el cantante anuncia tranquilamente que está a punto de tirarse de una torre. Antes de que termine la canción, O'Sullivan cuestiona la existencia de Dios, canta sobre la muerte de sus padres y considera las formas en que el dolor puede destruir absolutamente a las personas, todo esto con música que podría haberse usado para promocionar detergente para ropa un caso muy extraño. O'Sullivan escribió y produjo "Alone Again (Naturally)" él mismo. Ha insistido en que no era autobiográfico. Su madre aún vivía cuando salió la canción. Su padre había muerto cuando O'Sullivan tenía 11 años y O'Sullivan no lo conocía bien, está cantando sobre el desamor, no de la experiencia vivida, sino de las situaciones más tristes y melodramáticas que puede imaginar. Musicalmente, es una cancion amable y de bajo perfil, todas las guitarras acústicas revoloteantes y los vientos de madera con suaves remolinos de cuerdas, música de oficina de dentista, O'Sullivan nunca busca grandes excesos, simplemente presenta sus escenarios absurdamente deprimentes con una sencillez franca y conversacional. Para una canción tan operísticamente triste, casi no hay sentimiento en ella, y no puedo imaginar dejarme llevar por ella. Tal vez Estados Unidos como pueblo en 1972 era más que presa fácil para una canción tan desanimada y a la vez tan insípida.

P.D.- Para finalizar la gracia, esta cancion fue el numero 1 de las listas el dia que este que escribe nació, siempre podria haber sido peor... 

0920.- Heart of gold - Neil Young

En palabras del propio Neil Young, Heart of gold fue el tema que le puso "en el centro de la carretera", y no exageraba, porque fue el único sencillo del músico canadiense que consiguió alcanzar el primer puesto de las listas de ventas de Estados Unidos. Incluida en el disco Harvest (1972), es la más famosa de una serie de canciones acústicas compuestas por Young tras una lesión de espalda que le impidió tocar erguido durante un largo período de tiempo.

Grabada en 1971 en los estudios Quadrafonic de Nashville, Tennessee, cuenta con la curiosidad de incluir a James Taylor y Linda Ronstadt como invitados especiales en los coros. Ambos estaban en Nashville para participar en el programa de televisión de Johnny Cash, y el productor Elliot Mazer les convenció de participara en la nueva canción de Young, en un principio planeada para ser grabada con piano. pero que finalmente se registró en un tono acústico más fiel a la manera en la que el músico la había compuesto.​

Heart of gold también tiene el (dudoso) honor de ser la canción de Neil Young más odiada por Bob Dylan, admirador de Young pero algo contrariado porque le parecía que la canción sonaba en su propio estilo, y que alguien le "copiara" y fuera número uno le provocaba un sentimiento encontrado cada vez que la escuchaba en la radio: "Creo que estuvo de número uno bastante tiempo, y dije: 'Joder, ese soy yo. Si suena como yo, también debería estar yo". Quizá sea lo único que le falte a un tema tan grande para lograr la matrícula de honor, una tercera colaboración especial del mismísimo Dylan, pero en su ausencia, y bromas aparte, sigue siendo un tema sobresaliente.

0919.- Harvest - Neil Young

 

Harvest, Neil Young

     El 1 de febrero de 1972 Neil Young publica su cuarto álbum de estudio en solitario, Harvest. El disco es grabado entre varios estudios de Nashville, Londres y California, bajo la producción de Elliot Mazer, Henry Lewy, Jack Nitzsche y el propio Neil Young, y publicado bajo el sello discográfico Reprise Records. Young contó con la Orquesta Sinfónica de Londres para grabar dos pistas y con las voces de invitados de la talla de David Crosby, Grahamn Nash, Linda Rondstadt, Stephen Stills y James Taylor. El álbum llegó a encabezar las listas de ventas en Estados Unidos en la lista Billboard 200 durante dos semanas.

después de la separación de Crosby, Stills, Nash & Young, Young reclutó un grupo de músicos de sesión, que bautizó como The Stray Gators, y grabó un disco enfocado hacia el country rock. El disco resultó ser un auténtico éxito y cogió con la guardia baja al músico, que reaccionó de primeras alejándose del estrellato. Incluido en este disco se encuentra la pista Harvest, que al parecer fue escrita por Young inspirándose en su por entonces novia, la actriz Carrie Snodgress, cuando ambos estaban hasta arriba de ácido. Young le pedía a su novia que le diera detalles sobre su madre Carolyn, que era una mujer alcohólica que solía fingir suicidarse para llamar la atención y así probar constantemente el compromiso y amor de sus hijos. Harvest es una canción donde Young expresa su culpa por no poder aceptar y corresponder todo el amor que una mujer quiere darle. el músico siempre ha defendido que este subestimado tema es una de sus mejores canciones.

0918.- Let's Stay Together - Al Green

0918 - Al green - Let's Stay Together

"Let's Stay Together" es una canción clásica y atemporal interpretada por la legendaria banda Al Green. Lanzada en 1972 como el título principal de su álbum del mismo nombre, esta canción se ha convertido en un himno del soul y ha dejado una marca indeleble en la música popular.

Desde el primer acorde de guitarra, "Let's Stay Together" cautiva al oyente con su suave y seductora melodía. La voz distintiva y llena de emoción de Al Green se desliza con elegancia sobre los arreglos musicales, creando una atmósfera íntima y apasionada. La canción es un testimonio de amor y dedicación, con letras que expresan el deseo de permanecer juntos y superar cualquier obstáculo que la vida pueda presentar.

La producción exquisita de Willie Mitchell, que combinó hábilmente elementos del soul y del R&B, contribuye a la grandeza de la canción. La sección de vientos aporta un toque de elegancia y sofisticación, mientras que la sección rítmica brinda un ritmo suave pero convincente que te hace querer moverte al compás de la música.

Pero lo que realmente distingue a "Let's Stay Together" es la interpretación vocal de Al Green. Su voz es poderosa y llena de pasión, transmitiendo una sensación de vulnerabilidad y convicción al mismo tiempo. Cada frase y cada nota se entregan con una intensidad emocional que te hace sentir cada palabra.

La letra de la canción es simple pero poderosa, capturando la esencia de un amor duradero. Al Green canta con convicción sobre la importancia de mantenerse juntos a pesar de los altibajos de la vida y las pruebas que puedan surgir. Es un recordatorio de que el amor verdadero puede superar cualquier adversidad si ambos están dispuestos a luchar por él.

"Let's Stay Together" ha trascendido generaciones y se ha convertido en un clásico imperecedero. Su impacto en la música popular es innegable, y su influencia se puede sentir en numerosos artistas contemporáneos. La canción ha sido versionada en innumerables ocasiones, pero la versión original de Al Green sigue siendo la más emblemática y venerada.

"Let's Stay Together" es una joya musical que destaca por su melodía cautivadora, su producción magistral y la voz inigualable de Al Green. Es una oda al amor duradero y un recordatorio de que, a pesar de los desafíos, siempre vale la pena luchar por una relación sólida. Esta canción continúa siendo una fuente de inspiración y un himno para todos los amantes del soul.

Daniel 

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Disco de la semana 334: Tones - Eric Johnson

 

Tones, Eric Johnson

     Para la recomendación de esta semana traemos a un músico cuya influencia en el mundo de la música, y sobre todo en el mundo de la guitarra, es indudable. Su magnífica técnica mezclada con su melódico estilo y su visión a veces ecléctica sobre su música han inspirado a infinidad de guitarristas y músicos de todo el mundo. Merece la pena, y mucho, prestar atención a la obra de Eric Johnson, un guitarrista que se ha movido por estilos tan dispares como el blues, jazz fusión, soul, folk, new-age, country, e incluso clásica, y al que incluso la reputada revista Guitar Player le ha considerado "Uno de los guitarristas más influyentes del planeta".

 Eric Johnson nace en 1954 en Asutin, Texas, Estados Unidos, en el seno de una familia donde se respira y vive la música. Tres de sus hermanas y él estudian piano en la infancia, y a la edad de 11 años comienza a aprender a tocar la guitarra, progresando a una velocidad vertiginosa mientras escuchas múscos como Mike Blomfield, Chet Atkins, Eric Clapton, Jimi Hendrix, Stevie Ray Vaughan, Bob Dylan o Django Reinhardt entre otros tantos, lo que da una idea de la variedad musical que le inspira de cara al futuro. 

A los 15 años forma parte de su primer grupo profesional, Marini, una banda de rock psicodélico. Con esta banda graba en 1970 una demo que tuvo un lanzamiento muy limitado, y que a día de hoy se ha convertido en un preciado objeto de coleccionismo. Después de graduarse en la escuela secundaria, Eric asiste por un corto periodo de tiempo a ala Universidad de Texas y viaja con su familia a África, regresando posteriormente a Austin y uniéndose en 1973 a un grupo de la zona de música fusión llamado Electromagnets. Con este grupo llegan a a realizar incluso una gira a nivel local pero no llegan a llamar la atención de las discográficas, por lo que acaba disolviéndose en 1977. Sin embargo Eric ya se ha ganado por entonces a un numeroso número de seguidores y se convierte en un músico de culto.

Tras la desaparición de Electromagnets, Eric forma un trío, Eric Johnson Group con el baterista Bill Maddox y el bajista Kyle Brock, con los que graba su álbum Seven Words, considerado su disco debut, pero disputas contractuales hicieron que dicho trabajo no se publicara hasta 1998. Tras el varapalo de no poder asegurarse un contrato discográfico, Johnson empieza a trabajar como guitarrista de sesión para artistas como Cat Stevens, Carole King y Christopher Cross, compaginando esto con actuaciones en vivo en Austin. Trabajar como músico de sesión le trae algo bueno a Eric, pues Christopher Cross y el productor David Tickle, conocedores de la gran calidad del guitarrista, recomiendan a este a su por entonces sello discográfico, Warner Bros. El 31 de julio de 1984 realiza una revolucionaria actuación en el conocido Austin City Limits, concierto que sería grabado y lanzado en formatos CD/DVD en 2010. 

En mayo de 1986, bajo el sello Reprise Records, se publica Tones, el considerado álbum debut sde Eric Johnson, y el recomendado por 7dias7notas para esta semana. Aunque la consagración de Eric Johnson llegaría con su siguiente disco, Ah Via Musicom (1990), con Tones sentará las bases de dicha consagración. De los temas incluidos en Tones, dos, concretamente Zap y Emerald Eyes, son regrabaciones de su álbum debut real, Seven Words, el cual ya hemos comentado que sería publicado oficialmente en 1998. Además, el tema Zap fue nominado a Mejor Interpretación instrumental de Rock en los Premios Grammy de 1987. 

Se puede considerar un trabajo casi enteramente instrumental, aunque contenga algún que otro tema  con partes de interpretación vocal. A través de los diferentes géneros y estilos musicales que Eric explora en el disco, muestra las gran calidad y versatilidad como guitarrista y como compositor que atesora. Nos va a deleitar con temas como Souful Terrain, una excelente fusión de blues y jazz, combinando suaves partes de guitarra con otras partes más enérgicas; Friends, una alegre y optimista melodía; Emerald Eyes, donde muestra su habilidad para combinar partes llenas de  melancolía con otras con más rabia y llenas de fuerza; o la joya Zap, junto con la anterior canción, provenientes de su álbum original de 1978, pero regrabadas para la ocasión. Una clara muestra de la destreza y habilidad técnica del guitarrista, que le valió la mencionada nominación a los premios Grammy.

Como muy bien indica el título del álbum, Tones es una clara muestra de la variedad de tonos de guitarra de los que es capaz Eric Johnson, desde la pureza y limpieza, donde parece que tocara un violín, hasta su perfecto manejo de la distorsión. Este álbum sentaría las bases del éxito que le llegaría posteriormente, merced a su gran trabajo aquí, tanto con la composición, como por su habilidad técnica, no ya sólo para tocar, también para ser capaz de transmitir, lo que convierte este disco en una auténtica experiencia sensitiva para los oídos.

0917.- I Saw The Light - Todd Rundgren

 

I Saw The Light, Todd Rundgren

     Something/Anything es el tercer álbum de estudio del músico canadiense Todd Rundgren, siendo además el primero editado en formato de álbum doble. El disco fue grabado entre los I.D. Sound Studios y los Run Recorders Studios de Los Ángeles, en los Record Plant Studios de Nueva York, y los Bearsville Studios de Woodstock, bajo la producción del propio músico, y publicado en febrero de 1972 bajo el sello discográfico Bearsville Records.

Tres cuartas partes del disco fueron grabadas por Rundgren tocando todos los instrumentos y cantando todas las voces, y la otra cuarta parte contenía una serie de pistas grabadas en vivo en el estudio sin sobregrabaciones, excepto un breve fragmento de grabaciones de archivo de la década de los años 60. Tal era la confianza de Rundgren, que más allá de tocar su instrumento fuerte, la guitarra, y los teclados, decide abordar la grabación de todos los instrumentos, y para ello decide mudarse a Los Ángeles con el propósito de grabar un disco el solito y sin ayuda de nadie. Cuando ya tenía mucho material creado, un terremoto sacude la ciudad de Los Ángeles, y el músico se muda a Nueva York para algunas sesiones en vivo, y posteriormente a los estudios Bearsville, donde finalizó este trabajo. Y muy mal no se le da la tarea, pues el disco llegó a alcanzar el puesto número 29 en la famosa lista estadounidense Billboard 200.

Incluido en este disco se encuentra I saw the Light, una canción escrita e interpretada por Todd Rundgren. La canción fue lanzada como tema de apertura del álbum doble, y en las notas del disco Rundgren afirma sobre la canción que tenía la intención de que esta fuera el éxito del disco y por eso copió la tradición de poner los temas con más probabilidad de ser exitosos al comienzo del disco. Estamos ante una canción escrita en 20 minutos, y para tal proeza Rundgren atribuyó a su dependencia a los estimulantes como el Ritalin "para producir canciones a un ritmo increíble". En cuanto a la temática, nos relata la historia de un joven que se encuentra confundido, un adolescente que se topa con su primera aventura amorosa y no sabe si realmente ama a la chica.

0916 - Aretha Franklin - Rock Steady

0916 - Aretha Franklin - Rock Steady

"Rock Steady" es una canción interpretada por la legendaria cantante estadounidense Aretha Franklin. Lanzada en 1971, y pronto se convirtió en uno de sus mayores éxitos y en un himno del soul y el funk.

Desde los primeros acordes, "Rock Steady" cautiva con su ritmo contagioso y enérgico. La canción está impregnada de una atmósfera festiva y llena de vida, que te invita a moverte y bailar al compás de la música. El ritmo distintivo, caracterizado por una batería potente y un bajo vibrante, establece el tono de la canción desde el principio y no te deja quedarte quieto.

La voz de Aretha Franklin brilla en "Rock Steady" con su poder y su emotividad. Con su estilo inigualable, Aretha Franklin llena cada nota con una pasión y una fuerza que solo ella podía transmitir. Su interpretación es llena de vida, mostrando su habilidad para combinar el soul, el funk y el gospel de una manera única. A medida que avanza la canción, su voz se vuelve aún más poderosa y llena de alma, elevando la experiencia auditiva a un nivel completamente nuevo.

La letra de "Rock Steady" es una invitación a dejarse llevar por el ritmo y disfrutar del momento. Habla de la necesidad de encontrar un lugar en el que puedas sentirte libre y moverte al compás de la música. La canción se convierte en un himno de la liberación y la expresión personal, transmitiendo un mensaje de alegría y empoderamiento.

"Rock Steady" es un testimonio del talento y la influencia duradera de Aretha Franklin en la música popular. Su voz inigualable, combinada con la energía contagiosa de la canción, la convierte en una pieza atemporal que sigue emocionando a las audiencias hasta el día de hoy. Es un clásico que resiste el paso del tiempo y que merece ser celebrado como una de las mejores creaciones de Aretha Franklin y del género soul en general.

Daniel 

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