Björk - Utopia (Mes Björk)

 

Utopia,Björk

     "Resueltamente vaguardista y absolutamente hermoso", "Utopía evita en gran medida lo austero y en cambio se remonta al amor por la naturaleza de álbumes más angustiosos como Biophilia y Vespertine", "Tan idílico como su título implica, pero su mezcla de idealismo y realismo lo convierte en un éxito aún  mayor como manifiesto para el amor radicalmente abierto y como documento de próspero amor", "teatro musical completo y diferente a todo lo que Björk ha hecho hasta ahora", "Casi completamente una experiencia sensorial. Así se rendía y definía parte de la crítica al noveno álbum de estudio de la artista islandesa Björk, Utopia, un trabajo donde el epicentro del mismo es el amor, al contrario que su anterior disco, Vulnicura, el cual se centraba en la ruptura, y que estuvo marcado precisamente por la que había sufrido la artista, después de una década juntos, con el artista y cineasta Mathew Barney.

El material que compone este disco fue grabado entre 2015 y 2017, bajo la producción de la propia Björk, de la música y productora discográfica venezolana afincada en Barcelona Arca, y del productor estadounidense de música electrónica experimental Rabit en algún tema, y publicado a través de todas las plataformas digitales el 24 de noviembre de 2017 por el sello discográfico One Little Indian. Utopia llegó a alcanzar el puesto 75 en la lista estadounidense Billboard 200, el puesto 25 en las listas del Reino Unido y el puesto 48 en las listas de ventas de Japón. El resultado de tanta alabanza de público y crítica se vería recompensado con la nominación a Mejor Álbum de Música Alternativa de los premios Grammy, siendo además la octava nominación consecutiva de Björk en la categoría. 

Utopia fue descrito por Björk como su "álbum de Tinder" afirmando que se trataba de la búsqueda de estar enamorado, de pasar tiempo con la persona que amas. También comentaba que si con su anterior trabajo había hecho el infierno, ahora tocaba hacer el paraíso. Björk produjo el disco con Arca, con quien ya había colaborado en Vulnicura (2015), y con quien firma 5 de los 14 temas que componen el álbum. Björk había comenzado a trabajar en Utopia poco después de lanzar Vulnicura. De hecho, el estar tan ocupada, sería la razón por la que ni siquiera apareciera en la entrega de los Brit Awards de 2016 para recoger el premio a Artista solista femenina internacional. La portada del disco fue realizada por el artista Jesse Kanda, habitual colaborador de Arca, quien incorporó a la portada una máscara de silicona diseñada por el fabricante de máscaras James Merry.

Utopia es un  disco donde Björk pone todo su esfuerzo en mirar hacia adelante, una mirada esperanzadora hacia el futuro. Disco musicalmente denominado de Avant-garde (Vanguardia) y folktrónica (género que mezcla elementos de música folklórica y electrónica). Sobre este trabajo, la propia Björk decía que al contrario que su anterior disco, donde todo giraba en torno a la angustia, aquí cubría sus preocupaciones personales, políticas y ambientales, desde un punto de vista emocional y completamente distinto. 

La implicación de Arca en este disco va más allá que en su colaboración en Vulnicura, donde llegó cuando ya se habían escrito las canciones y realizado todos los arreglos de cuerdas, por lo que pudo trabajar desde el comienzo del mismo con la cantante islandesa. Björk quedó tan encantada de dicha colaboración que la definió como "Una conversación musical intergeneracional, transatlántica". Todo en el disco está en su sitio, perfectamente meditado y estudiado, los arreglos de cuerdas, la sección de flautas islandesas de 12 piezas con la que Björk había pasado meses grabando y ensayado, la incorporación de sintetizadores que tuvieran muchos sonidos aéreos, flautas que sonaran sintetizadas o los sonidos de los cantos de los pájaros que conectan varias de las pistas. 

Si con Vulnicura descendemos hasta lo infiernos de la amargura y la angustia, con Utopia llega la redención en forma de redescubrimiento de un amor que es aún mayor, pero de una manera espiritual, y que podemos comprobar en temas como Arisen My senses, tema que abre el disco y que fue además el tercer sencillo del mismo. Björk reveló que esta canción fue además el punto de partida de todo el disco, y la primera canción que hizo junto a Arca, una canción de la que la artista afrimaba: "La melodía es como un constelación en el cielo", "Es casi como una rebelión optimista contra la melodía narrativa normal. No hay una sola melodía. son como cinco melodías. Realmente me encantó eso". Una canción que trata, al igual que todo el disco, del redescubrimiento del amor; Blissing Me captura la inocencia, la incertidumbre y el vértigo del nuevo amor. Es una balada electrónica que habla sobre dos nerds de la música que se unen y se enamoran como resultado de intercambiar música en MP3. Nerd es una palabra del inglés empleada para designar el estereotipo de la persona de alto coeficiente intelectual, muy estudiosa, pero de escasas habilidades para la socialización; The Gate es una canción electrónica ambiental, una reflexión sobre las posibilidades del amor trascendental, tanto desde un punto de vista especulativo como enfático. La canción es considerada como una transición directa entre la angustia de su disco anterior, Vulnicura, y el esperanzador y amoroso Utopia; Body Memory, que nos relata como nuestro cuerpo puede ayudarnos a superar un trauma cuando nuestra mente y nuestras emociones están muy tocadas. Björk representa en este tema la determinación de disfrutar de la vida en lugar de revolcarse en el dolor; Courtship, donde Björk analiza los efectos secundarios emocionales de las citas en línea; o Losss, una canción que la cantante islandesa definió como una extensión de una canción de su disco Vespertine (2001), concretamente "Pagan Poetry". Esta canción fue coproducida por Rabit, quien afirmaba que era una canción que hablaba de la fuerza suprema de la fuerza de voluntad de uno mismo, de la capacidad de uno mismo de poder elegir.

0782: God - John Lennon

El primer disco en solitario de John Lennon, fue su álbum de "terapia", su forma de dejar salir su yo más personal, su forma de mostrarle al mundo su verdadera esencia, porque, sinceramente, muchas de las cosas que hizo con The Beatles seguían siendo solo eso, The Beatles, y no “Lennon” en sí mismo. No aprendió el arte de escribir canciones "personales" hasta este mismo período de tiempo, y gran parte de eso provino de su terapia primaria: la teoría de que mientras retrocedes a los dolorosos recuerdos de la infancia, puedes liberarte de ellos desde, incluso retrocediendo al momento en que aprendes a llorar cuando eras un bebé, de esa manera repites los sentimientos que una vez tuviste y enterraste profundamente dentro de ti, y los que no entendías en ese entonces, y así poder formar un círculo completo en tu vida y seguir adelante…….Y, no hace falta decir que Lennon tenía muchas cosas en mente.

God es una de las canciones más brutalmente honestas y directas jamás grabadas en la historia del rock and roll, y ese era el fuerte de Lennon, sobre todo siendo honesto, directo y admitiendo sus debilidades. La letra de la canción pasea sobre todas las cosas en las que en ese momento no creía, que son, dicho sea de paso, todas las cosas en las que puede o no haber creído en el pasado. Elvis y Zimmerman (Bob Dylan), siendo dos de sus grandes héroes e inspiraciones en la vida, ¿no significan nada para él? ¿Qué pasó? ¿Qué lo hizo cambiar? ¿Qué hizo que el mundo cambiará? ¿Qué le hizo perder la fe? Con desprecio apenas disimulado, termina este mantra de todas las cosas con las que ahora deja de lado con un “No creo en The Beatles”. Oh, espera, espera, perder la fe en Elvis lo puedo entender, incluso en Dylan, porque estaba empezando a perder relevancia en ese momento, pero ¿perder la fe en The Beatles? ¿El mito dorado de la historia del rock and roll? ¿Su propia banda, su propia creación y su propio destino? Estaba buscando algo en lo que creer, algo en lo que descansar su laurel creativo, alguien en quien confiar, alguien para reemplazar sus sentimientos de abandono, y con bastante frecuencia se sintió decepcionado. Esta canción fue la eligió Lennon para dejarlo todo y empezar una nueva vida para sí mismo… y quería que lo supiera todo el mundo y se encargó de dejarlo muy claro: “Se acabó el sueño ¿Qué puedo decir? ell sueño se acabó, ayer yo era el tejedor de sueños, pero ahora renací, yo era la morsa, pero ahora soy John, y así, queridos amigos, tendrán que continuar”. También es su forma de consolar a un mundo que creció con The Beatles, de asegurarles que el fin de The Beatles no significó el fin del mundo, el fin de él. Que The Beatles no era él, era solo una mera parte de él y un momento de su vida. Al igual que todas las fases de la vida, tuvo un comienzo e inevitablemente tuvo un final. Y así, solo tienes que seguir.

0781.- Isolation - John Lennon

Isolation es uno de los temas del debut en solitario de John Lennon, el áspero y aclamado "John Lennon / Plastic Ono Band" (1970), una canción oscura y mágica sobre el miedo a la soledad y como ese miedo ha provocado malas decisiones y muchos de los problemas con los que el mundo se ha enfrentado en el pasado.

La canción de Lennon, grabada con la ayuda de Klaus Voormann al bajo y el ex beatle Ringo Starr a la batería, tiene un embrujo especial en la manera en la que combina los tonos más bajos y calmados con el desgarrador estribillo, y a lo largo de los años, ha conquistado a artistas de la talla de Roger Waters, que la citó como una de sus canciones favoritas de todos los tiempos, Joe Cocker, que la versionó en su disco "Unchain My Heart" de 1987, o Snow Patrol, que lanzó también su propia versión en 2005.

Fue una de las últimas canciones interpretadas en directo por el genial guitarrista Jeff Beck, como parte del repertorio de la gira en la que apoyaba a Johnny Depp en su vuelta a sus raíces y a su hasta entonces casi desconocida faceta de músico, la que abandonó antes de poderse abrir camino, para emprender una exitosa carrera como actor, en lo que fue un nuevo y sentido homenaje a esta particular canción, una de las composiciones más aparentemente sencillas, y a la vez una de las más celebradas e influyentes del genial músico de Liverpool.

0780 - John Lennon: Working Class Hero

0780 - John Lennon: Working Class Hero

Working Class Hero es una canción de John Lennon de su álbum de 1970 John Lennon y Plastic Ono Band, su primer álbum después de la disolución de The Beatles.

Un escándalo ocurrío en 1973, el representante de EE. UU., Harley Orrin Staggers, escuchó la canción, que incluye las líneas "Hasta que estés tan jodidamente loco que no puedas seguir sus reglas" y "Pero aún eres un jodido campesino hasta donde yo puedo". ver" – en WGTB y presentó una queja ante la Comisión Federal de Comunicaciones (FCC). El gerente de la estación, Ken Sleeman, enfrentó un año de prisión y una multa de $ 10,000, pero defendió su decisión de reproducir la canción diciendo: "La gente de Washington DC es lo suficientemente sofisticada como para aceptar la palabra de cuatro letras ocasional en contexto, y no excitarse, ofenderse o molestarse sexualmente". Se retiraron los cargos. Otras estaciones de radio estadounidenses, como WBCN de Boston, prohibieron la canción por el uso de la palabra "fucking". En Australia, el álbum fue lanzado con la palabrota eliminada de la canción y la letra censurada en la portada interior. (En el lanzamiento estadounidense, todas las letras de todas las canciones del álbum se imprimieron claramente en la portada interior tal como se cantaron, incluida la palabra "fucking").

En cambio la crítica del mundo del rock puso en valor y calificó a Working Class Hero como una de las mejores canciones de John Lennon, por ejemplo el crítico de Classic Rock, Rob Hughes, calificó a Working Class Hero como la cuarta mejor canción política de Lennon, y dijo que "La guerra de clases proporciona el ímpetu para el mordaz comentario de Lennon sobre la naturaleza represiva del poder institucional". Y otro ejemplo de ello fue el crítico de Ultimate Classic Rock, Nick DeRiso, calificó como la cuarta canción política en solitario más grande de Lennon, calificándola como "uno de los momentos más brutalmente francos y emocionalmente apasionantes de Lennon".

Daniel 

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Björk - Vulnicura (Mes Björk)

Lanzado en el 2015, Vulnicura puede entenderse como una continuación de Vespertine (2001), o más bien del reverso de aquella moneda, y del negativo desenlace de la relación amorosa que inspiró aquel disco. La lírica y la sensualidad de antaño dejan en Vulnicura paso al dolor de la ruptura y el desamor, volcado a lo largo de un disco en el que se dibujan paisajes musicales de desgarro y desolación emocional. Con estos ingredientes, no es de extrañar que Björk facturara uno de sus discos más impactantes, y que la acogida del público y la crítica fuera bastante positiva. Sin embargo, la artista nunca se ha sentido cómoda con este disco, llegando incluso a calificarlo como un disco "común y de manual".

Viniendo ese comentario de una artista tan diferente y alternativa como Björk, eso significa que el disco transita por patrones más ortodoxos de lo habitual, y para que nos vamos a engañar, para los que no terminábamos de cogerle el punto a sus propuestas más intrincadas y minimalistas, no es necesariamente un problema ni algo que debamos tomar en negativo. Dicho de otro modo, los discos comunes y de manual pueden ser también buenos, y Vulnicura es un disco que, al igual que sucedió con otras propuestas más ambiciosas, no deja en absoluto indiferente al oyente.

Grabado en su mayor parte con música programada a través de aplicaciones móviles e instrumentos conectados a su iPad, la "curación de heridas" (del latín vulnus cura) planeada por Björk se completó con diversos instrumentos de cuerda, que le dieron el adecuado contrapunto tradicional a la instrumentación electrónica, en lo que se entendió como un regreso a los patrones de sonido de Homogenic (1997). Esto le sirvió precisamente como "cura" para su mal de amores, concentrando sus esfuerzos en la composición de música para instrumentos de cuerda, convirtiéndose, según sus propias palabras, en "una nerd del violín y a organizar todo para quince instrumentos de cuerda y así dar un paso más allá".

En Vulnicura encontramos momentos muy destacables. Stonemilker abre el álbum con una delicada melodía, y con los instrumentos de cuerda ya presentes desde el comienzo, apoyadas en leves percusiones y arreglos electrónicos. History of Touches es uno de los pocos temas en los que la dualidad entre electrónica y cuerdas cae más del lado de los sintetizadores, destacando los efectos vocoder y de modulación de voz. Black Lake destaca especialmente por su elaborada línea de percusión, que te engancha de una manera casi hipnótica, haciendo que sus diez minutos parezcan pocos, en un tema que está entre lo mejor del álbum. Family es uno de los momentos más íntimos y oscuros del álbum, con cambios de melodía y un desgarrador violín. Igualmente recomendables son la marcadamente islandesa Notget, la colaboración con Antony Hegarty en Atom Dance, o la electrónica Quicksand, que cierra el álbum con un toque tecno, casi al más puro estilo Depeche Mode.

0779-. Mother - John Lennon & Plastic Ono Band

 

Mother, John Lennon & Plastic Ono Band 

     El 11 de diciembre de 1970 se producía el debut en solitario de John Lennon repaldado por la Plastic Ono Band, con el álbum titulado John Lennon / Plastic Ono Band. Fue grabado entre el 26 de septiembre y el 23 de otubre de 1970 en los Abbey Road Studios de Londres, bajo la producción de John Lennon, Yoko Ono y Phil Spector, y publicado bajo el sello discográfico Apple Records. En el momento de su edición, el disco recibió críticas buenas y malas a medias, pero con el tiempo llegó a ser considerado de largo como el mejor álbum en solitario de John Lennon.

Este álbum debut contine un sonido crudo con muchas canciones fuertemente influenciadas por la reciente terapia de "Gritos Primarios" que Lennon había seguido.  Tras la ruptura de los Beatles en abril de 1970, John Lennon y su esposa Yoko Ono emprendieron Terapia Primaria con la guía de Arthur Janov durante cuatro semanas en sus oficinas de Londres. Los tres volaron después a Los Ángeles para continuar la terapia durante cuatro meses. Sus letras reflejan los problemas de Lennon e incluyen temas donde trata el abandono de padres e hijos y el consiguiente sufrimiento psicológico. El disco llegó a alcanzar el puesto número ocho en la lista Uk Albums Chart del Reino Unido, y el puesto número seis en la lista estadounidense US Billboard 200.

Incluido en este disco debut se encuentra Mother, tema que abre el álbum, una desgarradora exploración de los propios traumas infantiles de Lennon, quien había sufrido el abandono de su madre y la ausencia de su padre. La canción arranca con unas sombrías campanadas de iglesia, y musicalmente es un buen ejemplo de la austeridad (que no aridez) del disco, al basarse únicamente en piano, bajo y batería, una fórmula que se repetirá en otras canciones del álbum. Una versión editada de la canción fue lanzada como sencillo en Estados Unidos por Apple Records el 28 de diciembre de 1970. Dicha edición es 1:41 minutos más corta que la de el álbum debido a la eliminacación de las campanas con las que comienza la canción, y a un Fade Out (técnica que consiste en reducir gradualmente el volumen hasta llegar a un silencio total) más rápido.

Figuras de los 50: Steve Lacy

 

Steve Lacy, fue uno de los mejores saxofonistas sopranos de todos los tiempos, este maestro del jazz, alguna vez definió que para ejercer su profesión tenía que ser “una combinación de orador, cantante, bailarín, diplomático, poeta, dialéctico, matemático, atleta, animador, educador, estudiante, comediante, artista, seductor y en general buen compañero”. Nacido como Steven Norman Lackritz en la ciudad de Nueva York, Lacy fue el primer músico de jazz de vanguardia en especializarse en el saxofón soprano, un instrumento que había sido descuidado casi por completo durante la era del bop, de hecho, a Lacy se le atribuye haber traído el instrumento a la música moderna sin ayuda de nadie. A lo largo de su carrera, sus obras fueron admiradas por la belleza y pureza de su tono, por su incisivo sentido melódico y por mantener su música fresca y sin concesiones, además es reconocido por su afán de tocar con una amplia variedad de músicos y mantener esas colaboraciones musicales durante mucho tiempo.

 

Lacy comenzó su carrera a principios de los años cincuenta como acompañante, tocando en la escena revival de Dixieland en Manhattan, trabajó con algunos músicos de Duke Ellington, incluido el cornetista Rex Stewart, quien lo bautizó como "Lacy”, fue Cecil Taylor quien puso a Lacy en un nuevo camino cuando le presentó a Thelonious Monk, quien, junto con Duke Ellington, se convertirían en los músicos más influyentes de su vida. Otra de sus grandes influecias fue Gil Evans, con el que grabó en 1957 y continuó trabajando con él de manera intermitente hasta la década de 1980. En 1958, él y el pianista Waldron grabaron el album Reflections: Steve Lacy Plays the Music of Thelonious Monk, tras escucharlo el propio Monk no dudo un minuto en enviarle una invitación para unirse a su quinteto durante cuatro meses en 1960. Tras esta experiencia creó un cuarteto con el trombonista Roswell Rudd y se dedicaron exclusivamente a la música de Monk. En 1965, Lacy comenzó a actuar en Europa, encontró tanto en Italia como en Francia una legión de seguidores que acudían a sus conciertos con verdadera pasión. Conoció a su mujer en Roma en 1966 y a finales de los sesenta se establecieron en París, donde creó un quinteto que podía expandirse o contraerse desde un dúo o trío hasta una big band. Comenzó colaboraciones con bailarines (Merce Cunningham en particular), artistas y actores, también comenzó a trabajar con poetas como Brion Gysin, componiendo escenarios musicales de sus poemas.

Su esposa la también musico Irene Aebi ejerció una profunda influencia en el arte de Lacy, él la llamó “su musa”, y fue para quien escribió su primera composición, The Way (1967), basada en las palabras del filósofo chino Lao-Tzu. Continuó inspirándose en la voz de su esposa y escribió obras para ella basadas en poesía de Anna Akhmatova, Mary Frazee, Anne Waldman y Judith Malina. Lleo a escribir una ópera, The Cry, con la poeta bengalí Taslima Nasreen. Durante un período que abarco muchos años, compuso The Beat Suite, un ciclo de canciones de jazz basado en poesía de Jack Kerouac, Allen Ginsburg, Robert Creeley y otros poetas beat. Ese trabajo tuvo su estreno mundial oficial en 2003 y ha sido grabado en un CD Universal.

Sobre Lacy, se ha comentado “Era un artista extraordinario, el tipo de persona que aparece solo unas pocas veces en cada generación de músicos. Su presencia no solo afectó al mundo del jazz, sino también a la vida musical en general”. “No podemos encontrar otro músico que haya estado involucrado en tantos capítulos diferentes en la historia del jazz, desde Dixieland hasta Free Jazz, y todo lo demás. Steve ha aportado su combinación única de mentalidad abierta, humor, inteligencia, rigor y arte, con la excepción de Sidney Bechet y John Coltrane, ningún otro músico ha aportado un sonido tan personal al saxofón soprano y pocos otros músicos han aprovechado el repertorio inexplorado de Thelonious Monk”.

Steve Lacy es un grande del jazz, sus composiciones e improvisaciones están llenas de sabiduría y vida, nos enseñó el poder de las palabras a través de su música, escuchar su interpretación de soprano fue la experiencia que le cambió la vida, porque abordó su sonido, improvisación y técnica como si creyera que era una prueba de la sinceridad del hombre.

 

0778-. This Time Tomorrow - The Kinks

 

This Time Tomorrow, The Kinks

     This Time Tomorrow, publicada en 1970 por eol grupo The Kinks, es, quizás, una de las canciones más subestimadas del grupo, pero una de las favoritas del mismo según Ray Davies, quien escribio la misma. 

El 27 de noviembre de 1970 veía la luz el octavo álbum de estudio del grupo británico The Kinks, Lola Versus Powerman and the Moneygoround, Part One, más comúnmente conocido como Lola Versus Powerman, o simplemente Lola. Este disco es conceptual, una evaluzación satírica de la industria de la música, incluyendo todo lo que le rodea, editores de canciones, sindicatos, prensa, gerentes y la vida misma en la carretera, entre otras muchas cosas. 

El disco fue grabado en dos etapas, entre abril y mayo, y agosto y septiembre de 1970 en los Morgan Studios de Londres, bajo la producción de Ray Davies, y publicado por el sello Pye para Reino Unido y por el sello Reprise para Estados Unidos. A pesar de nacer en un periodo de transición de la banda, el disco obttuvo un gran éxito tanto por parte de la crítica especializada como de la audiencia, llegando a colarse en el Top 40 en las listas de ventas de Estados Unidos, y varios sencillos alcanzando muy buenas cifras tanto en el país norteamericano como en Reino Unido. 

Incluido en este exitoso álbum se encuentra This Time Tomorrow, tema escrito por Ray Davies y que trata sobre lo que nos puede deparar el futuro, sobre adentrarse en un territorio inesperado e inexplorado. Según el propio Davies, la inspiración de la canción surgió de la siguiente forma: "Sentí que había perdido el contacto con mi familia, porque había estado en una burbuja de música durante cinco años, y no conocía a la gente que me rodeaba. This Time Tomorrow trata sobre esa fugacidad y sobre un mundo efímero. ¿Dónde estaremos y que estaremos haciendo mañana?". La canción, al igual que la mayoría de las pistas del disco, también critica el negocio de la música, concretamente la monotonía de estar siempre en la carretera. La canción comienza con el sonido de un avión volando, seguido de una guitarra y una guitarra resonadora National Steel. También cuenta con el pianista del grupo John Gosling, siendo esta una de las primeras apariciones del pianista en un disco de The Kinks. Curiosamente este fue el primer tema que el pianista tocó el día audicionó para entrar en la banda.

Disco de la semana 315 - Amused to death - Roger Waters

¿Qué pasaría si la humanidad estuviera condenada a un estado de entretenimiento extremo que nos alejara de las cosas importantes, y nos condenara a estar entretenidos hasta la muerte? Ese es, ni más ni menos, el argumento de "Amused to death", el tercer álbum en solitario de Roger Waters. La idea de un mono viendo todo el día la televisión y tomando decisiones a partir de ello se basó en el libro "Amusing Ourselves to Death: Public Discourse in the Age of Show Business" (1985) del crítico y académico estadounidense Neil Postman, no dista mucho de la realidad en la que hoy en día vivimos, entretenidos hasta la saciedad y no solo por la televisión, sino por Internet y los youtube, instagram, facebook, tiktok, twitter, etc.

Publicado en 1992, está considerado por muchos como el mejor disco de Roger Waters fuera de Pink Floyd, y en él tienen cabida los temas habituales y recurrentes de sus mejores obras: las críticas a la guerra, la religión, y la denuncia de la opresión y la injusticia de una sociedad marcadamente consumista. Comienza con la intro de guitarra y recitado de "The Ballad of Bill Hubbard", que incluye un sample de Alfred 'Alf' Razzell, de los Fusileros Reales, describiendo sus fallidos esfuerzos por llevar a un lugar seguro a su compañero herido William Bill Hubbard, antes de tener que abandonarle en tierra de nadie, y a continuación la ironía y la acidez contra la religión hacen acto de presencia en "What god wants, part I" ("lo que Dios quiere") y apoyado en el sonido rotundo y lacerado de la guitarra de Jeff Beck, enumera en su elaborada letra todas las cosas, buenas o malas, que ocurren en este mundo y que, según él, Dios quiere porque, de lo contrario, no ocurrirían ("Dios quiere paz, Dios quiere guerra, Dios quiere hambruna, Dios quiere grandes almacenes..."). El estribillo sentencia que "Lo que Dios quiere, Dios lo tiene", dando forma a uno de los temas clave del disco, que se repetirá en diferentes momentos del mismo, en hasta tres versiones diferentes.

En las dos partes de otra pieza clave y relevante del disco (las geniales Perfect sense, part I y Perfect Sense, part II, con la colaboración especial de la cantante Rita Coolidge) Waters continúa desgranando el concepto del disco, la influencia de los medios de comunicación y cómo afectan negativamente a nuestra vida, conduciéndonos al materialismo y al consumismo feroz ("No lo ves?, todo cobra perfecto sentido, expresado en dólares y céntimos, libras, chelines y peniques... No lo ves? Todo cobra perfecto sentido!"), que serían los principales causantes de escenas de "alemanes matando a judíos" y "judíos matando a árabes". Cargadas de sátira e ironía, incluyen la voz del comentarista deportivo Marv Albert anunciando un ataque militar en una plataforma petrolera como si de un emocionante partido de baloncesto se tratase, mientras un solemne coro repite que "Todo cobra perfecto sentido". 

Como buen disco conceptual, las canciones van hilvanando el tema y guardando relación entre ellas, como en el caso de la rockera The Bravery of being out of range ("La valentía de estar fuera del alcance" de esos medios de comunicación controladores que siguen distorsionando la realidad y los verdaderos valores), en la que la guitarra de Jeff Beck vuelve a ser predominante en una canción que es principalmente una crítica a la Guerra del Golfo. En esa atmósfera asfixiante de imágenes de sucesos, y con el mono haciendo zapping nervioso de un canal a otro, la temática tradicional antibélica de Waters se mueve como pez en el agua en el disco, en canciones como "Late Home Tonight, Part I" y "Late Home Tonight, Part II", temas de corte más acústico en los que se describe el bombardeo de Trípoli en 1986 se examina desde los diferentes puntos de vista de tres personajes diferentes (la esposa de un agricultor en Oxfordshire, un joven piloto norteamericano en su camino hacia la contienda, y una mujer en Trípoli intentando que su bebé deje de llorar. Plagadas de impactantes efectos de sonido, recuerdan estilísticamente a algunos de los momentos más "visuales" de The Wall.

Tras la lenta y oscura Too much rope, Waters despacha las partes restante de What God wants (Part II y Part III), con Charles Fleischer (la voz de Roger Rabbit), basadas en la melodía de la primera pero con un tono mucho más sombrío y apocalíptico, conforme la "muerte por entretenimiento" se va divisando cada vez más cerca en el horizonte. Don Henley tiene una aparición especial en "Watching TV" para cantar a dúo con Waters sobre las víctimas de la masacre de Tiananmen en 1989, en la única canción del disco en la que Waters parece otorgar a los medios de comunicación un rol positivo en la denuncia de las injusticias, no sin por ello liberar la consiguiente carga irónica: "Ella es la única de 50.000.000 que puede ayudarnos a ser libres... porque murió en televisión". 

"Three wishes" tiene un toque de jazz-blues que la hace totalmente distintiva respecto al resto del álbum, y como su título indica habla de una especie de genio oriental que pudiera conceder tres deseos. El protagonista desperdicia rápidamente sus tres deseos, sin percatarse de que lo que en realidad debía haber pedido era ser querido al volver a casa. "It's a miracle" es otra de las canciones lenta del disco, una especie de lamento final para lo últimos días del mundo. El milagro en realidad no existe, y la humanidad está agonizando presa de su propia avaricia y su desmedida obsesión por el entretenimiento televisivo. La tan anunciada muerte llega en "Amused to death", una fantasía futura en la que los alienígenas llegan a La Tierra, y deciden estudiar las causas por las que este planeta ha muerto. Al encontrar los esqueletos de los humanos agrupados en torno a los televisores, acaban llegando a la gran conclusión final: "La especie humana se entretuvo hasta la muerte."

El disco termina volviendo al sampleado inicial del fusilero, que parece consolarse en el hecho de que su compañero muerto haya encontrado por fin la paz. En conjunto, no es una obra asequible o de fácil escucha, pero para los amantes de los grandes discos conceptuales es una obra tan oscura como apasionante, y el único de los discos de Waters en solitario que podría sentarse sin complejos "a la mesa" de sus grandes discos con Pink Floyd y tratarles de tú a tú. Mientras tanto, y como parece que la raza humana nunca aprenderá la lección, ni hará caso a la moraleja oculta en "Amused to death", nosotros seguiremos entretenidos con nuestros móviles y nuestras tablets, atrapados en nuestras propias redes sociales y absortos con miles de aplicaciones, hasta que, dentro de unos años, los extraterrestres se sienten frente a lo poco que quede en pie, intentando resolver el misterio de nuestra extinción como planeta.

0777 - The Kinks: Strangers

0777 - The Kinks: Strangers

Strangers es una canción escrita por Dave Davies e interpretada por el grupo de rock británico The Kinks. Fue lanzado en noviembre de 1970 en el álbum LP de Kinks, Lola Versus Powerman and the Moneygoround, Part uno, que es mejor conocido por producir el exitoso sencillo "Lola". Strangers es una de las dos pistas escritas por Dave Davies en el álbum, la otra es "Rats". Ha dicho que la canción trata sobre un viejo amigo de la escuela que murió de una sobredosis de drogas.

Aunque nunca se lanzó como single, sigue siendo popular entre los fanáticos hasta el día de hoy, especialmente después de que se usó en la película de Wes Anderson de 2007 The Darjeeling Limited (junto con otras dos canciones del álbum escritas por Ray Davies, "This Time Tomorrow" y "Powerman").

Strangers fue interpreta y versionada por varios artistas. Una versión de la canción grabada en vivo por Norah Jones se incluyó como pista extra en la edición de lujo de su álbum de 2009 The Fall. Se lanzó una versión de Feist en el CD incluido con el DVD de su documental Look at What the Light Did Now. El dúo de folk rock independiente Wye Oak interpretó una versión de la canción en mayo de 2010 para The A.V. AV del club Serie encubierta. También ha sido versionada por el supergrupo de rock alternativo Golden Smog en su álbum Another Fine Day, la banda de indie rock Piebald, la banda de folk Crooked Fingers, el cantante punk Ben Weasel en su primer álbum en solitario Fidatevi, la banda de folk pop Lucius en la edición extendida de su álbum de 2016. álbum Good Grief, y por Black Pumas en la "Edición de lujo expandida" de 2021 de su álbum homónimo.

Daniel 

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Björk - Biophilia (Mes Björk)

Para aquellos que se perdieron despues de Homogénic, no teman, aquí está la salvación ya que en lugar de ser sutil, sintetizar conceptos para el instrumento humano, o simplemente hacer lo que quisiera sin límites, Björk debe haberse dado cuenta de que muchos de sus fans carecían de paciencia para ese tipo de cosas, para ellos creó Biophilia lo que supone un gran cambio de ritmo con respecto a sus álbumes anteriores. Musicalmente, 'Biophilia' puede ser el álbum más experimental de Björk (en el que usa instrumentos reales), por lo que 'Biophilia' es uno de los pocos álbumes que literalmente no suena como nada que hayas escuchado antes. Esto, sin embargo, hace que sea bastante difícil entenderlo al principio, ya que la estructura típica de la canción no se ve en ninguna parte de este álbum, solo un puñado de canciones tienen versos y estribillos y todo el álbum es bastante oscuro, malhumorado y deprimido.

Arranca el album con Moon y sus lentas pero hermosas cuerdas folklóricas que representan las diferentes fases de la luna, el tintineo de las arpas y el vibrante subgrave son los únicos componentes instrumentales, y ambos se manejan de manera brillante. La canción, aunque minimalista, no se vuelve repetitiva ya que las arpas pasan de instrumentos melódicos a algo rítmico, casi percusivo, y la línea de bajo ascendente se apodera de la melodía. La segunda mitad de la canción se transforma aún más por un arreglo coral brillantemente contrastante. Después del primer verso, hay un buen, largo, casi silencio, una táctica que veremos como ella repite en distintas ocasiones. Como en Debut, las canciones son engañosamente simples, hay cambios sutiles en la melodía, instancias de armonía aparentemente salidas de la nada y de alguna manera, incluso con un tema tan grandioso, lo hace cálido y personal. Esa es quizás la cualidad más resistente de la música de Björk; la humildad. Thunderbolt sale de la canción de cuna de la apertura con algunas notas sostenidas en lo que suena como un sintetizador, su voz es mucho más aguda y menos apagada en comparación con "Moon", otra vez la música se detiene, esta vez solo dura dos segundos pero regresa pero con un amigo, la Bobina de Tesla y el tono cambia bastante a una casa embrujada funky. Con cada pausa adicional, la canción parece tomar una nueva dirección y enriquecerse al mismo tiempo, definitivamente hay muchas cosas que apreciar aquí. Crystalline es la pista más accesible y está claro por qué fue el single. Al igual que  Moon , la canción enfrenta melodías plinky-plonky (esta vez proporcionadas por otro instrumento único: el gameleste) con graves profundos. Esta combinación inusual funciona bien para acentuar los ritmos inusuales de los versos, y a la canción se le da un mayor nivel de energía con sus ritmos bailables y su llamativa voz principal. Luego tenemos Cosmogony, me gustan los metales al principio, le da un toque muy real a la canción. También creo que las voces en capas suenan bien, es un momento de paz y belleza. Todas las partes de la canción se fusionan en un ambiente melodioso con la hermosa melodía de metales y los pasajes corales que a veces pasan a primer plano. El uso de baúl de viaje se suma aún más al sonido ambiental. En contraste, Dark Matter es discordante y oscura, es una idea musical interesante, pero creo que no está lo suficientemente desarrollada como para que funcione, eso, junto con su duración relativamente corta, lo convierte en un poco insignificante

Hollow con su ritmo constantemente acelerado y cambiante es una buena idea pero, una vez más, no es lo suficiente para que la canción por si brille. A pesar de su cambios , esta pista se siente sin rumbo. VIrus se desarrolla muy bien sónicamente y la belleza de su arreglo casi infantil contrasta muy bien con sus letras inquietantes, sin embargo, no es perfectaiento que apuntaba al término medio entre las canciones pop, como  Crystalline,y las pistas experimentales, pero en lugar de ser un equilibrio de ambos, se presenta como un intermedio incierto e insípido. A continuación tenemos de nuevo algunas de las mejores pistas del álbum, primero llega Sacrifice, donde habla de un hombre que lucha por confesar sus sentimientos a una mujer que le gusta y Bjork lo hace muy bien, su voz suena épica. En Mutual Core tenemos los mismos sintetizadores que se usan en Thunderbolt al principio, pero se rompen con pausas de batería para simbolizar una relación fallida con un hombre que es todo lo contrario de Sacrificio. Otra cosa que me gusta de este álbum y en particular estas dos ultimas canciones,  es la voz de Bjork, encanta a lo largo de todo el álbum, puede pasar de inquietante, a agresiva y enojada, y luego a hermosa y apasionada, le da esa sensación emocional y consistencia como en Vespertine. Como en Crystalline, combina un estribillo pop estándar (aunque pesado) con versos inusuales, rebosante de ambiente y atmósfera antes de estallar en un coro que es a la vez simbólico y pegadizo. Siento que  Mutual Core logra sintetizar las dos caras del álbum (pop y experimental) con mayor éxito que Virus y, por eso, puede que sea mejor pista. El álbum cierra con Solstice y nos da un momento mucho más tranquilo que el explosivo Mutual Core y la responsable es Bjork, sin el acompañamiento del coro por primera vez, y las arpas de gravedad ( el último instrumento único de Biophilia ) se unen para una pista inusual que cambia entre algunas melodías muy hermosas y pacíficas y teñidad de algo oscuro, casi inquietante. Es probablemente la canción más discreta aquí, pero solo por esa razón se destaca. Sin duda, también es un cierre apropiado.

El álbum nunca pierde el foco está lleno del sonido característico de Björk que todavía no me siento cómodo categorizando y, sin embargo, definitivamente es una entidad propia. Durante los últimos, parece que los artistas visuales crean un mundo de fantasía en su arte. Sin embargo, Björk hace lo contrario y solo usa el universo, el real, y de alguna manera lo trae a la Tierra. Aquí hay una canción de amor sobre un organismo microscópico, no estoy bromeando, dale una oportunidad a Björk y Biophilia. Dejate atrapar por su música, lee sobre ello, intenta entenderlo, dale sentido. Hay belleza en la ambigüedad, sin embargo, los detalles finos dan mucho más que pensar. Creo que Biophilia está muy subestimado ahora que no es tan bueno como Post, Homogenic o Vespertine, pero sigue siendo muy bueno por derecho propio y me encanta cómo se destaca por sí solo.

0776.- Apeman - The Kinks

Apeman está publicada en el álbum de 1970 titulado The Kinks Part One -Lola Verses Powerman And The Moneygoround, con este álbum, Ray decide incorporar influencias musicales más variadas de las que había tenido anteriormente, incluyendo un poco de folk y un sonido de rock más pesado, junto con los sonidos de vodevil ingleses más típicos de los últimos años. Esto conduce a una nueva madurez en el sonido Kinks y un alejamiento definitivo de su sonido sesenter, definitivamente estaban preparados para abrazar la nueva era de los setenta y tanto, el album fue un bombazo por su sencillo principal "Lola". Apeman fue una oda a la vida sencilla, y declararon que quieren "navegar lejos a una orilla lejana y hacer como un hombre-mono”. Si Ray Davies ya había tenido suficiente del mundo moderno en 1970, no podemos imaginar cómo está lidiando con estos días. Al igual que con el sencillo principal Lola, en el que Davies tuvo que abandonar una gira por los Estados Unidos y volar de regreso al Reino Unido para cambiar la letra "Coca-Cola" a "cherry cola" y evitar sanciones por los derechos reproducción en las radios sobre las marcas, en esta cancion tuvo que volver a hacerlo, volar de regreso al Reino Unido para volver a grabar la línea "la contaminación del aire me está empañando los ojos" porque su anuncio de la palabra "a-foggin'" sonaba demasiado parecido a algo... mucho menos compatible con la radio en la época. Ray Davies escribió esta canción sobre un hombre que no está contento con el mundo moderno, esta buscando escapar de los problemas causados por sus congéneres humanos, planea un viaje lejos de casa, donde pueda vivir como un "hombre mono". Escapar de la sociedad moderna es un tema que prevalece en muchas de las otras canciones de Ray Davies, tanto en solitario como con The Kinks. La canción tiene una melodía asombrosamente pegadiza, e infantilmente, declara que preferiría dejar todo atrás y vivir como un Apeman (Hombre mono) en una costa lejana. Este tema del aislamiento y el rechazo de la sociedad es algo que se ha quedado con Ray desde sus primeros días: recordemos I'm on an Island en el álbum Kinks Kontroversy. Las letras también se encuentran entre las más ingeniosas que ha escrito, otra cosa que muestra es su amor y quizás admiración por los animales que lo llevaron a él y a su hermano a una vida vegetariana.

Pero todo ese esfuerzo valió la pena, Lola Versus Powerman and the Moneygoround fue un álbum conceptual innovador en su época y, después de celebrar recientemente su 50 aniversario en noviembre del año pasado, sigue siendo un clásico hasta el día de hoy. Echa un vistazo a la interpretación ruidosa de The Kinks de "The Apeman" en Top of the Pops en 1970 a continuación. Incluso si The Kinks ya habían superado su cúspide creativa en el momento en que se grabó esta música, seguían siendo una de las mejores bandas de pop/rock y talentosos compositores de la escena británica y esta música no perdió nada de su calidad y vitalidad con el tiempo. Las canciones de este álbum, que se lanzaron como singles, permanecen en la memoria colectiva de la generación de los años 60 y 70 como parte integral de la banda sonora de su vida, incluido su humilde escriba.

0775.- Lola - The Kinks

“La conocí en un club del viejo Soho, donde bebes Champagne y te sabe a Coca-cola... Se acercó a mí y me preguntó si quería bailar, le pregunté su nombre y con voz grave me dijo Lola..." Su nombre completo, o más bien el del disco, era Lola Versus Powerman and the Moneygoround, Part One (1970)​, la impresionante obra conceptual que The Kinks entregaron como octavo álbum de estudio. Pero todos la conocían por su nombre de pila: Lola, el título de su single más relevante y su mayor éxito desde Sunny Afternoon o el archiconocido You really got me.

Lola fue uno de los primeros temas que se grabaron para el disco, y las sesiones de grabación fueron complejas e interminables, hasta que lograron conseguir el particular sonido que estaban buscando para la canción. Lo lograron tras una visita de Ray Davies a una tienda de instrumentos musicales londinense, a la que fue buscando la guitarra Martin que quería para la canción. Allí, además de la guitarra, encontró un viejo dobro de los años 30, que combinado con la guitarra y una fuerte compresión dio como resultado el sonido tan característico del que sería su mayor hit. Lola es brillante en sonido, pero destaca además en lo audaz de la letra para la época, narrando un encuentro romántico con una chica que resulta ser un chico travestido: "Bueno, no soy idiota, pero no puedo entender por qué ella habla como un hombre, y anda como una mujer..." 

La Lola de los Kinks es el personaje más honesto y humano de todos los que pueblan el disco, el ninot que salvan de la quema y se quedan consigo: "Bueno, no soy el hombre más masculino del mundo, pero sé lo que soy, estoy satisfecho de ser un hombre y también Lola..." Y Lola se lo agradeció con un éxito descomunal como sencillo, llegando a los primeros puestos de las listas británicas y al noveno del Billboard estadounidense (en una versión en la que en la letra sustituían "Coca-Cola" por "Cherry-Cola" para evitar contenciosos con la marca de refrescos y que pudiera ser emitida en la BBC). Un tema sin duda apasionante... "Aunque, bueno, no soy el tipo más apasionado del mundo, pero cuando miré a sus ojos, casi caí por mi Lola, la-la-la-la Lola..."

0774.- I'd have you anytime - George Harrison

All Things Must Pass (1970) ("Todas las cosas deben pasar") fue publicado apenas siete meses después de la separación de The Beatles, y lo que para McCartney se convirtió en un drama, para George Harrison fue una auténtica liberación. Como si todas las cosas hubieran realmente pasado con aquella separación, el músico liberó gran parte de las canciones que, tras años bajo el yugo de no poder aportar una o dos canciones a cada álbum de los de Liverpool, tenía almacenadas en su cajón o en su cabeza entre 1968 y 1970. Una obra magna y desmedida, en la que contó con el respaldo de músicos como Eric Clapton, Ringo Starr, Billy Preston o Klaus Voormann, y en la que liberó toda su espiritualidad y su creatividad, hasta entonces amordazadas por el gran techo de cristal que le imponían dos figuras tan poderosas como Lennon & McCartney.

Harrison tenía que cuidar una obra tan grande ya desde el comienzo, y la elegida no fue otra que I'd have you anytime, escrita junto a Bob Dylan. Precisamente, es tras conocer a Dylan en Estados Unidos, y entablar con él una gran amistad, cuando Harrison comienza su proceso creativo para All things must pass, y aunque en ese período compusieron juntos dos canciones, solamente I'd have you anytime terminó formando parte del disco. Producida por Phil Spector, fue grabada en Londres con la participación de Eric Clapton en la guitarra eléctrica, Klaus Voormann (bajo), Alan White (batería) y orquestaciones de John Barham, y en su romántica letra nos deja un claro mensaje sobre lo que el ya ex guitarrista de los Beatles nos estaba enseñando en aquel inmenso disco: "Todo lo que tengo es tuyo, todo lo que ves es mío" ¡Y qué bueno es todo en ese disco, George!

0773 - George Harrison: What is life

What Is Life es una canción del músico de rock inglés George Harrison de su álbum triple de 1970 All Things Must Pass. En muchos países, se publicó como el segundo single del álbum, en febrero de 1971, convirtiéndose en un éxito entre los diez primeros en los Estados Unidos, Canadá y otros lugares, y encabezando las listas de singles en Australia y Suiza. En el Reino Unido, What Is Life apareció como cara B de "My Sweet Lord", que fue el single más vendido allí en 1971. Los músicos de apoyo de George Harrison en la canción incluyen a Eric Clapton y todo Delaney & Bonnie y Banda Friends, con la que había estado de gira durante los últimos meses de The Beatles. George Harrison coprodujo la grabación con Phil Spector, cuya producción Wall of Sound también empleó un prominente arreglo de cuerdas de John Barham y múltiples guitarras rítmicas acústicas, tocadas por los compañeros de Apple Records de George Harrison, Badfinger.

Una melodía es un soul uptempo, What Is Life es una de varias canciones de amor de George Harrison que parecen estar dirigidas tanto a una mujer como a una deidad. George Harrison escribió la canción en 1969 y originalmente tenía la intención de que fuera una canción para que la grabara su amigo y protegido de Apple, Billy Preston. Construida alrededor de un riff de guitarra descendente, es una de las composiciones más populares de George Harrison y fue una inclusión regular en sus presentaciones en vivo. La revista Rolling Stone lo ha descrito de diversas formas como un "clásico" y una "exultante canción de rendición".

What Is Life ha aparecido en la banda sonora de largometrajes como Goodfellas (1990), Patch Adams (1998), Big Daddy (1999), Away We Go (2009), This Is 40 (2012) e Instant Family (2018). La grabación original de George Harrison se incluyó en las compilaciones The Best of George Harrison y Let It Roll, y las versiones en vivo aparecen en su álbum Live in Japan (1992) y en el documental de Martin Scorsese de 2011 George Harrison: Living in the Material World. En 1972, Olivia Newton-John tuvo un éxito en el Reino Unido con su versión de la canción. Ronnie Aldrich, The Ventures y Shawn Mullins se encuentran entre los otros artistas que han versionado la canción.

Björk - Volta (Mes Björk)

Volta es el sexto álbum de estudio de la cantante islandesa Björk, lanzado el 1 de mayo de 2007 por One Little Indian Records. Es un álbum en colaboración, donde una amplia gama de artistas colaboró ​​con Björk en el material del álbum, incluido el antiguo colaborador Mark Bell, junto con los nuevos productores Timbaland y Danja.

Una amplia gama de artistas colaboraron con Björk en material para el álbum Volta. Björk se puso en contacto por primera vez con Timbaland sobre una posible colaboración en diciembre de 2005. La primera sesión tuvo lugar en febrero de 2006 en Studio 4 en Manhattan Center Studios en la ciudad de Nueva York, poco después de que Björk visitara Banda Aceh en febrero de 2006 para ver parte del trabajo de UNICEF con los niños que estaban afectados por el tsunami, en mayo de 2005, Björk lanzó el álbum benéfico Army of Me: Remixes and Covers para ayudar al trabajo de UNICEF en la región del sudeste asiático. Las experiencias de Björk en Indonesia llevaron a la canción "Earth Intruders", originalmente una canción de diez minutos que Björk editó posteriormente para la versión del álbum Volta. Björk colaboró ​​en siete canciones en total con Timbaland. Timbaland había declarado que tenía la intención de que una de las pistas que hizo con Björk apareciera en su nuevo álbum en solitario, pero esto no se materializó. El primer single de Volta, "Earth Intruders", está coproducido por Timbaland, así como el segundo single "Innocence"; la canción del álbum "Hope" está coescrita por Timbaland. Björk ha declarado que es poco probable que las otras canciones de Timbaland se publiquen alguna vez.

Este álbum de colaboraciones tiene a Anohni, cantante principal de la banda Antony and the Johnsons, que aparece en el álbum para dos dúos: "The Dull Flame of Desire" y "My Juvenile". Las sesiones de colaboración tuvieron lugar en Jamaica. Björk también ha reunido su propia sección de metales de catorce músicos islandeses que tocan en tres pistas del álbum. Its members comprise Sylvía Hlynsdóttir, Ása Berglind Hjálmarsdóttir, Dröfn Helgadóttir, Valdís Þorkelsdóttir, Karen J. Sturlaugsson, Björk Níelsdóttir, Sigrún Jónsdóttir, Harpa Jóhannsdóttir, Vilborg Jónsdóttir, Bergrún Snæbjörnsdóttir, Erla Axelsdóttir, Særún Pálmadóttir, Lilja Valdimarsdóttir and Brynja Guðmundsdóttir.

Otros colaboradores incluyen a los bateristas estadounidenses Brian Chippendale y Chris Corsano, el kora maliense Toumani Diabaté, el conjunto congoleño Konono N°1, el pipa chino Min Xiao-Fen, el músico electrónico británico Mark Bell, el letrista islandés Sjón, programador e ingeniero Damian Taylor y el productor estonio Michael Pärt.

Volta fue etiquetado como un álbum de electropop, experimental, world y avant-pop. Estilísticamente, es un álbum distintivo y ecléctico que, si bien incorpora los esfuerzos de muchos colaboradores, toca formas de música como la música de metales, la música folclórica china, la música tribal de percusión, la música electrónica, la música folclórica maliense, la música ambiental y la música industrial. Björk optó por incorporar instrumentos de cuerda pulsada "como el océano ... pero con un sonido más sucio que cuando Björk lo hizo, por ejemplo, en Vespertine", y temáticamente, tenía la intención de que el álbum "going for something more pagan". 

Usó instrumentación de metales para casi todas las canciones del álbum, y la mayor parte de la instrumentación es cortesía de un conjunto de metales islandés compuesto exclusivamente por mujeres. Sin embargo, Björk también usó muestras de su proyecto anterior, The Music From Drawing Restraint 9, como en el caso de "Vertebræ by Vertebræ" y "Declare Independence", porque estaba interesada en saber cómo sonarían los sonidos de ese álbum de la banda sonora. en un paisaje sonoro menos ambiental o atmosférico. Para la canción "Pneumonia", que también presenta una sección de vientos independiente, se inspiró en su propia lucha contra la enfermedad y en una conmovedora visualización de la película Pan's Labyrinth.

"Earth Intruders" incorpora los esfuerzos de múltiples colaboradores, incluida la producción tribal de Timbaland y Danja, el conjunto congoleño Konono N°1 que toca likembés eléctricos y el percusionista estadounidense experimental Chris Corsano, así como un sonido de marcha unificado "squelching" que se reproduce continuamente. "Declare Independence" fue originalmente una pista instrumental del músico británico y colaborador musical frecuente Mark Bell, interpretada en sus shows en vivo ya en noviembre de 2006. Björk luego agregó su voz en la parte superior.  Presenta una producción de estilo tecno industrial ruidosa y distorsionada, similar a "Pluto" en el álbum Homogenic de Björk de 1997, y ha sido comparada con Atari Teenage Riot debido a sus guiños estilísticos al punk. La letra está dedicada a las Islas Feroe y Groenlandia.

Björk ha descrito "Wanderlust" como el corazón de Volta, y ha dicho que la canción trata sobre "el estado de buscar algo y casi saber que nunca lo vas a encontrar" y que se burla de ella. hambre de "algo nuevo". Fue lanzado en el Reino Unido el 30 de junio. Como dijo Björk en una entrevista para Harp, "Las cosas van en círculos. Wanderlust, por ejemplo, es una especie de continuidad de 'Hyperballad'".

Daniel 

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0772.- If Not For You - George Harrison

Ningún otro Beatle tenía más que ganar con su ruptura que el guitarrista George Harrison, quien en 1970 ya había dado señales de su capacidad como compositor. No había transcurrido un año de la ruptura del grupo cuando George lanzó su obra maestra: All Things Must Pass, un álbum doble con un tercer disco adicional para arrancar su carrera (lo que hace que la experiencia completa sea un asunto de álbum triple), George estaba oficialmente libre de la sombra proyectada por Lennon - McCartney . Es folk, rock, blues, pop, y George también comparte con nosotros sus puntos de vista mundanos sobre la religión, el amor, la amistad y su pelea con The Beatles. Muy pocos álbumes son una obra maestra tan singular como lo es All Things Must Pass, George derribó esa puerta cerrada con llave, y detrás de esa puerta estaba el mejor proyecto en solitario lanzado por cualquier Beatle.

Para este disco George Harrison grabó una versión de la canción de Bob Dylan 'If Not For You', Harrison y Dylan mantenian una gran amistad a finales de la década de 1960, y en 1968 colaboraron en la canción 'I'd Have You Anytime' , que se convirtió en la canción de apertura de All Things Must Pass . En 1970, Harrison también asistió a algunas de las sesiones del álbum New Morning de Dylan. En noviembre de 1970, un mes después de su publicación en New Morning, George Harrison publicó una versión de la canción en su triple álbum All Things Must Pass. 'If Not For You' fue la canción de apertura del álbum de Dylan, la versión temprana lánguida con Harrison en la guitarra se grabó el 1 de mayo de 1970 en el Estudio B de Columbia en Nueva York, la noticia de la colaboración entre Dylan y el recientemente ex Beatle causó gran entusiasmo en la prensa musical, a pesar de que Columbia Records había anunciado que ninguno de los artistas consideraba los resultados dignos de ser publicados, se cree que es la primera instancia grabada con la guitarra slide de Harrison. Evidentemente, a Harrison le gustó la canción lo suficiente como para grabar su propia interpretación basada en la primera versión de Dylan. Mientras que la de Dylan era optimista, áspera y lista, con una espontaneidad que caracterizó sus métodos de trabajo preferidos durante este tiempo, la de Harrison fue más lenta, más cuidadosamente interpretada y con una producción brillante. Situada en el álbum después de un grupo de canciones que tenían el famoso “Muro de sonido” de Phil Spector en su máximo desarrollo: 'My Sweet Lord' , 'Wah-Wah' , 'Isn't It A Pity' y 'What Is Life', este tema sirvió como un punto de ruptura perfecto, un contraste de las producciones densamente empaquetadas y las efusiones emocionales de frustración y veneración, insinuando un lado más simple de Harrison.

Figuras de los 50: Fats Domino

Su humildad, su sencillez no ayudaron a que fuera tan recordado como otros pioneros del rock and roll, pero su talento estaba muy por encima de la gran mayoría, de hecho Elvis Presley al que denominan el rey del rock, hizo su particular reconocimiento en unas declaraciones: “El rock and roll estaba aquí mucho antes de que yo llegara, nadie puede cantar esa música como los negros. Reconozcámoslo: yo no puedo cantarlo como Fats Domino lo hace", incluso llego a decir que el verdadero rey del rock and roll era Fats Domino.

De nombre Antoine Domino, nació el 26 de febrero de 1928 en New Orleans, Luisiana, en el seno de una familia criolla de habla francesa, que habían sido trabajadores de la caña de azúcar. Su afición por la música le venia de familia donde había varios miembros que sabían tocar algún tipo de instrumento, su padre era violinista, pero el más importante para Antoine fue su tío Harrison Verret, talentoso músico de jazz. En la adolescencia trabajo de mecánico, mozo de cuadra y vendedor de helados, hasta que encontró un trabajo estable en la empresa Crescent de somieres en la metrópolis de New Orleans, y le permitió dedicarse a la música a tiempo parcial, empezando a tocar en los bares nocturnos.

Sus inicios se remontan cuando en la banda de Billy Diamond, tras dejar esta banda, formo su propio frupo y empezó a tocar en el Hole In The Wall club en Desire Street, donde entablaría amistad con Dave Bartholomew, En 1949 un día apareció por el local de visita Lew Chudd, de la compañía californiana Imperial Récords, que escucho a Fats tocar “The Junker´s blues” y le propuso grabarla, pero cambiando su letra ya que hablaba implícitamente de las drogas, el tema que Fats y Dave compusieron tubo el nombre “The Fat Man”, y fue todo un éxito, con esta cancione entraria por primera vez en las lista de R&B Charts en 1950, y es considerado por muchos como el primer tema de rock & roll de la historia. En este periodo Fats empieza a definir su estilo musical, fuerte ritmo con un sonido de acompañamiento de estilo boogie woogie, al que sumaba un estilo vocal chillón de blues de bar, que con el tiempo ira haciendo más melódico. Este mismo año grabará su primer numero 1 en las listas de R&B Charts con el sencillo “Goin´ Home”, que le dará a conocer en el ámbito nacional.

En 1954 Domino repetiría número uno en reproducciones de jukebox de R&B, esto solo un presagio de lo que vendría después. En 1955 con el tema “Ain´t it a shame”, conseguiría entrar en las listas de pop. En el año 1956, llega un nuevo pelotazo “I´m in love again” tendrá un gran éxito llegando al 3 en las listas más vendidas de pop charts. El 2 de noviembre de 1956, se produjo una pelea en un concierto de Domino en Fayetteville, Carolina del Norte. La policía utilizó gases lacrimógenos para dividir a la multitud, Domino tuvo que saltar por una ventana para evitar que le pegaran; él y dos miembros de su banda resultaron levemente heridos. Durante su carrera, hubo otros cuatro disturbios importantes durante sus conciertos, "en parte debido al racismo imperante aquellos años", según su biógrafo Rick Coleman. "Pero también hay que tener en cuenta que el alcohol corría libremente en estos espectáculos". Su siguiente éxito “Blueberry hill”, era un tema de 1940 de Gene Autry que lo popularizo Glenn Miller, fue con esta cancion con la que el 18 de Noviembre de 1956 saldría en el programa de Ed Sullivan. Posteriormente llego “Blue Monday”, compuesto por Dave en 1950, en una desafortunada estancia en Kansas city, en el club nocturno Blue monday, donde al parecer sufrieron las consecuencias de una importante nevada, este tema es según él mismo el favorito de toda su carrera

El año 1959 fue un gran año para Fats, el rock and roll empezaba a tocar techo, y la estrella de muchos rockeros empezaba a declinar (o el destino se los había llevado), Domino supo mantenerse con la misma fuerza, ese año grabaría el tema “I´m ready” todo un clásico imprescindible del rock and roll. En 1960 empezaría un lento declive, su siguiente tema “Country boy”, no entro en las listas de R&B charts cosa que no había pasado en los cinco años anteriores, su actividad fue decreciendo a partir de 1963 solo haría esporádicas grabaciones, su último éxito data de 1968 y fue una versión del tema “Lady Madonna” de los Beatles, que estos afirmaron que compusieron inspirados en él. Nunca dejo la música en vivo, pero su amor incondicional por su ciudad y sus reticencias a viajar, hicieron que estas apariciones fueran cada vez más escasas, aunque nunca falta al festival de jazz de New Orleans, la última vez que fue noticia fue por el huracán Katrina que arrasaría la ciudad New Orleans, el decidio no abandonar su casa, pero tuvo que ser rescatado en helicóptero. Domino murió el 24 de octubre de 2017, en su casa en Harvey, Louisiana , a la edad de 89 años, por causas naturales.

Disco de la semana 314: By the grace of God - Hellacopters

Lanzado en 2002, By the Grace of God fue el quinto álbum de The Hellacopters, banda sueca de garage rock y hard rock formada en 1994 por Nicke Andersson (voces y guitarra), Andreas Tyrone "Dregen" Svensson (guitarra), Kenny Håkansson (bajo) y Robert Eriksson (batería). Tras el éxito de High Visibility (2000), su primer lanzamiento con una gran discográfica y el que, para muchos, es su mejor álbum, en 2002 unos cada vez más conocidos y respetados Hellacopters sacan a la luz este By the Grace of God, un disco que sigue la senda creativa y sonora de su predecesor, profundizando en esquemas de hard rock clásico y combinando las melodías de este género con los ritmos de propuestas más garajeras.

Aunque su propuesta es más comercial, las influencias de bandas como MC5 y The Stooges siguen estando presentes en algunos temas de By the Grace of God, pero en menor medida que en discos anteriores, y en su lugar lo que prevalece en el disco es un estilo de hard rock clásico de Rolling Stones o The Faces, influencias que seguirán apareciendo también en su siguiente disco Rock and roll is dead (2005). El rock áspero y acelerado de sus primeros discos evoluciona poco a poco hacia el hard rock clásico de grupos como AC/DC o Guns and Roses, y es en discos como High Visibility o By the Grace of God dónde alcanza su punto más alto, y el hasta entonces cuarteto básico empieza a incluir en estas obras más guitarras rítmicas y arreglos de piano, que visten las canciones y las hacen más asequibles.

En definitiva, By the grace of god es un disco muy recomendable por su carácter enérgico y su fácil escucha. En la parte más enérgica y electrificada estarían temas imprescindibles como el homónimo By the grace of god, que abre el disco al ritmo de unas guitarras melódicas y sureñas y un cierto toque a himno de rock de estadios, y otros temas de rock and roll cañero como All new low, Better than you, The Exorcist o la acelerada It’s Good But It Just Ain’t Right, pero el disco contiene también temas más calmados y profundos como Down On Freestreet o Rainy Days Revisited. Mención especial merece un tema tan bueno como Carry Me Home con claras influencias de Thin Lizzy, y si tenéis la suerte de haceros con la versión estadounidense o japonesa del álbum, la excelente versión del tema Big Guns del gran maestro de la guitarra blues-rock Rory Gallagher.

El título de su siguiente disco fue bastante premonitorio. "El rock and roll está muerto" nos dijeron, cuando en realidad lo que debía estaba agonizando era la propia banda, porque en 2008 se acabaron separando, aunque afortunadamente volvieron a reunirse en 2016, quién sabe si "por obra y gracia de Dios", para seguir demostrando que, en los tiempos que corren, discos como éste siguen estando muy vivos.

0771-. My Sweet Lord - George Harrison

 

My Sweet Lord,  George Harrison 

     El 27 de noviembre de 1970 George Harrison publica su tercer álbum de estudio, All Things Must Pass, un disco triple que supuso además el primer trabajo del artista después de la ruptura de The Beatles. Fue grabado entre los EMI, Trident y Apple estudios de Londres, bajo la producción del mismo artista y de Phil Spector, y publicado bajo el sello Apple Records. El álbum refleja la influencia musical que dejaron en Harrison artistas como Bob Dylan, The Band, Delaney & Bonnie o Billy Preston, y su crecimiento como artista más allá de sus andanzas con The Beatles. La producción comenzó en mayo de 1970 y se prolongó hasta octubre debido a los extensos overdubbing y mezclas que se realizaron. Entre el gran elenco de músicos que colaboraron se encontraban Ringo Starr, Gary Wright, Billy Preston, Erics Clapton, John  Barham, Badfinger, Peter Drake y miembros de Delaney & Bonnie.

Incluido en este disco se encuentra la brillante My Sweet Lord, tema que fue lanzado como sencillo y que llegó a ocupar las listas de éxitos en todo el mundo. Harrison escribió la canción en alabanza al dios hindú Krishna, y en la letra animaba a abandonar el sectarismo religioso a través de una mezcla entre los cantos Hare Krishna y la oración de los llamados Vedas, antiguos textos religiosos procedentes de la India. La canción también presenta el famoso tratamiento de sonido de Phil Spector conocido como Wall of Sound, y supuso la llegada de la técnica de guitarra slide de Harrison. El artista había quedado fascinado en su viaje a la India y esta canción es una buena muestra de ello, donde habla de las religiones orientales que allí estudió. La canción no estuvo exenta de polémica al ser el centro de un complejo proceso judicial y que le costó en 1971 a Harrison ser demandado al considerar la parte demandante que la canción sonaba demasiado parecido al éxito de The Chiffons de 1963 He's So Fine. Una demanda que se convertiría en una carga para Harrison y que hizo que se volviera más reservado sobre sus derechos para con la industria de la música. 

0770.- Oh! Sweet Nuthin - The Velvet Undreground

 "Oh! Sweet Nuthin" es la canción final de  Loaded , el último álbum importante de Velvet Underground. La cancion habla de las historias de los descontentos, el pobre Jimmy Brown, el vagabundo y deprimido Ginger Brown, su compañera de la calle Polly May y la pobre Joanna Love, que se encuentran en un flujo interminable de relaciones fallidas. Entre eso y el estribillo de "Oh, sweet nuthin'/She ain't got nothing' at all", pensarías que esta es una canción miserable, una para escuchar cuando buscas esa última pizca de motivación. para cortarte las venas. Ese sería el enfoque fácil. Más bien, "Oh! Sweet Nuthin'" es una afirmación increíblemente vital, especialmente en la sección final donde el baterista Doug Yule  reemplaza a Moe Tucker que estaba de baja por maternidad, las guitarras crecen y la percusión continúa golpeando y se construye hasta que finalmente se resuelve en una repetición de "Ella no tiene nada en absoluto", que se siente como una recompensa en lugar de un lamento. ¿Quién dice que no se puede hacer algo de la nada?

La canción se abre con un ritmo increíblemente relajado de la guitarra y un simple golpe de batería detrás, junto con algunos sutiles rellenos del bajo, la cancion decide quedarse en ese sonido increíblemente relajado y relajado a lo largo de los dos primeros versos y coros, un sonido al que le viene perfectamente a Reed, afortunadamente, Reed recupera un poco su energía a lo largo del segundo coro, al menos ofrece algún tipo de contraste. Después del segundo coro, la banda se lanza a una sección instrumental que presenta una guitarra principal junto con algunos buenos rellenos de bajo antes de que Reed regrese con otra sección vocal. Algo que debo mencionar sobre esta pista es que la canción es significativamente más larga que la típica de Velvet (Mientras que la mayoría de las canciones de la banda duran unos cuatro o cinco minutos, esta canción dura siete y medio), así que espero que la banda cambie durante la segunda mitad de la cancion, pero desafortunadamente, la banda no altera mucho el sonido de la pista durante la segunda mitad, aunque le inyecta un poco mas de energía que la primera. Además, en esta mitad aparece otro solo de guitarra solista que es mucho más impulsivo que el primero, toda la instrumentación parece conducir mucho más durante la mayor parte de esta segunda mitad en comparación con la primera, pero aun así me hubiera gustado que la banda posiblemente hubiera explorado más en lugar de simplemente alterar ligeramente lo que establecieron en la primera mitad. Sin embargo, todavía encuentro que esta pista es bastante buena y agradable, aunque creo que podrían haberla reducido unos minutos.