In Utero - #MesNirvana

#MesNirvana álbum In Utero

Vamos con la publicación de In Utero que es el tercer y último álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Nirvana, lanzado el 21 de septiembre de 1993 por DGC Records.

Después de irrumpir en la escena de la música con su segundo álbum, Nevermind (1991), Nirvana contrató a Steve Albini para grabar In Utero, buscando un sonido más complejo y atrevido.

La grabación se llevó a cabo durante dos semanas en febrero de 1993 en Pachyderm Studio en Cannon Falls, Minnesota. Un rumor después de que se completó la grabación, circulaba  que DGC podría no lanzar In Utero debido al sonido atrevido de Steve Albini. El productor Scott Litt fue contratado para remezclar los sencillos "All Apologies", "Heart-Shaped Box" y "Pennyroyal Tea", lo que molestó a Steve Albini.

Pero In Utero fue un gran éxito comercial y de crítica. Los críticos elogiaron el cambio de sonido y la letra de Kurt Cobain. Alcanzó el número uno en el Billboard 200 de EE. UU. y en la lista de álbumes del Reino Unido; "Heart-Shaped Box" y "All Apologies" alcanzaron el número uno en la lista Billboard Alternative Songs. El álbum está certificado cinco veces platino y ha vendido 15 millones de copias.

In Utero fue el último álbum de Nirvana antes del suicidio de Kurt Cobain en 1994. "Pennyroyal Tea", planeado como sencillo antes de la muerte de Kurt Cobain, fue lanzado en 2014 y alcanzó el número uno en la lista Billboard Hot Singles Sales.

A principios de 1992, el compositor Kurt Cobain le dijo a la revista The Rolling Stone que el próximo álbum de Nirvana mostraría "ambos extremos" de su sonido y dijo: "Será más crudo con algunas canciones y más dulce en algunas de las otras. Ganó no ser tan unidimensional". El productor de Nevermind, Butch Vig, dijo más tarde que Cobain había necesitado trabajar con un productor diferente para "recuperar su ética o credibilidad punk".

Cobain quería empezar a trabajar a mediados de 1992, pero sus compañeros de banda vivían en diferentes ciudades, y Kurt Cobain y su esposa, Courtney Love, esperaban el nacimiento de su hija, Frances Bean. El sello discográfico de Nirvana, DGC Records, esperaba lanzar un nuevo álbum de Nirvana para la temporada navideña de 1992; en cambio, lanzaron el álbum recopilatorio Incesticide. 

En una entrevista de Melody Maker publicada en julio de 1992, Cobain dijo que estaba interesado en grabar con Jack Endino, quien había producido el álbum debut de Nirvana en 1989, Bleach, y Steve Albini, exlíder de la banda de noise rock Big Black, quien había producido varios lanzamientos independientes. En Seattle, en octubre de 1992, Nirvana grabó varias demos con Endino, principalmente como instrumentales, incluidas canciones que luego se volvieron a grabar para In Utero. Endino recordó que la banda no le pidió que produjera su próximo disco y que constantemente debatían trabajar con Albini. Nirvana grabó otra serie de demos mientras estaba de gira en Brasil en enero de 1993. "Galones de alcohol para frotar fluyen a través de la tira" fue grabado por Craig Montgomery en BMG Ariola Ltda en Río de Janeiro, durante la sesión de demostración de tres días. La canción se tituló originalmente "I'll Take You Down to the Pavement", una referencia a una discusión entre Cobain y el cantante de Guns N' Roses, Axl Rose, en los MTV Video Music Awards de 1992.

Nirvana finalmente eligió a Steve Albini para grabar su tercer álbum. Steve Albini tenía una reputación en la escena de la música independiente estadounidense por ser crítico con la industria de la música convencional y tenía una estricta preferencia por la grabación analógica en lugar de la digital. Envió un descargo de responsabilidad a la prensa musical británica negando los rumores de su participación en Nirvana, solo para recibir una llamada de la gerencia de Nirvana unos días después. Steve Albini descartó a Nirvana como "REM con un fuzzbox" y "una versión corriente del sonido de Seattle". Sin embargo, aceptó el trabajo porque sentía pena por ellos, percibiéndolos como "el mismo tipo de personas que todas las bandas de poca monta con las que trato", a merced de su compañía discográfica.

Kurt Cobain dijo que eligió a Steve Albini porque había producido dos de sus discos favoritos, Surfer Rosa (1988) de Pixies y Pod (1990) de Breeders. Cobain quería usar la técnica de Steve Albini de capturar el ambiente natural de una habitación a través de la colocación de varios micrófonos, algo que los productores anteriores de Nirvana habían sido reacios a intentar. Antes de la grabación, la banda le envió a Albini una cinta de los demos que habían hecho en Brasil. A cambio, Albini le envió a Cobain una copia del álbum Rid of Me (1993) de PJ Harvey para darle una idea de la acústica en el estudio donde grabarían.

Daniel 

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0569 - Cowgirl in the Sand - Neil Young

0569 - Cowgirl in the Sand - Neil Young

Cowgirl in the Sand es una canción escrita por Neil Young y lanzada por primera vez en su álbum de 1969 Everybody Knows This Is Nowhere.

Neil Young ha incluido versiones en vivo de la canción en varios álbumes y en el álbum 4 Way Street de Crosby, Stills, Nash and Young. 

También ha sido versionada por The Byrds en su álbum homónimo. Al igual que otras tres canciones de Everybody Knows This Is Nowhere, "Cinnamon Girl", "Down by the River" y la canción principal, Neil Young escribió Cowgirl in the Sand mientras sufría de gripe y fiebre alta en su casa en Topanga, California.

El crítico de Allmusic Matthew Greenwald describió Cowgirl in the Sand como "una de las composiciones más duraderas de Neil Young" y "un verdadero clásico". El crítico de Rolling Stone, Rob Sheffield, las llama "Down by the River" y "Down by the River" como las "pistas clave" de Everybody Knows This is Nowhere, llamándolas "atascas de guitarra largas y violentas, divagando sobre la marca de los nueve minutos sin ningún rastro de virtuosismo". solo explosiones de guitarra entrecortadas que suenan como si Neil Young se lanzara en paracaídas en medio de la disputa Hatfield-McCoy ".

Daniel 

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Disco de la semana 285: White lies for dark times - Ben Harper and Relentless7

"Mentiras piadosas para tiempos oscuros" sería una traducción aproximada del título del noveno álbum de Ben Harper, pero en la traducción se pierde el matiz del contraste entre el "blanco" de las mentiras y el "oscuro" de los tiempos a los que hace referencia. Eran nuevos tiempos para Harper, que por primera vez aparcaba momentáneamente a su banda de apoyo The Innocent Criminals (Criminales inocentes) para embarcarse en este disco con la banda Relentless7 (Implacables7), formada por el guitarrista Jason Mozersky, el bajista Jesse Ingalls y el baterista Jordan Richardson, artífices junto a Harper de un llamativo tránsito del sonido más pulcro de los inocentes, a una propuesta de blues rock texano más árida e implacable.

Publicado en 2009, White lies for hard times es otro gran ejemplo de la inquietud de Ben Harper por ir evolucionando y cambiando el paso en cada uno de sus discos, lo cual no significa que a lo largo de sus 11 cortes no tengamos oportunidad de encontrar también alguno de sus tradicionales temas acústicos y con ese feeling soul que Harper ha llevado siempre de serie, pero lo que más impresiona del disco es la predominancia de un rock eléctrico áspero y potente, con marcadas raíces bluseras y texanas.

No hay que esperar mucho para comprobar lo que estamos describiendo, porque el primer corte Number with No Name ya es un compendio de riffs de blues eléctrico y ásperas guitarras slide, bien guiadas por un bajo y batería especialmente contundentes. El sonido es el de una gran banda perfectamente engrasada, algo digno de mención ya que se enfrentaban a su primer trabajo juntos. Le sigue Up to you know, que podríamos denominar como uno de los temas más Harper del disco, entendiendo esto como una mayor cercanía melódica a lo que el músico había hecho en discos anteriores con los Innocent Criminals, y que encuentra la manera de no desentonar en este disco a través del potente bajo y la distorsión de las guitarras. Es solo un alto en el camino, porque Shimmer & Shine, elegido como primer single del disco, vuelve al camino del rock al ritmo de una batería cercana al punk y unas guitarras que zumban de fondo mientras Harper canta un tema ideal para grandes estadios.

Lay there & hate me tiene un regusto soul funk contestatario y rebelde y aporta la dosis necesaria de variedad en un disco de rock, mientras que Why Must You Always Dress in Black supura blues rock con su riff vertiginoso e incendiario y la master class de intensidad que ofrece Jordan Richardson a la batería, antes de que con Skin Thin llegue el ya mencionado momento en el que Harper cuela en el disco una de sus habituales baladas acústicas de marcada melancolía sureña. Tras la pausa para respirar hondo, llega el turno de Fly one time, una agradable pieza que encajaría como un guante en discos de REM o U2, con guitarras efectivas pero menos agresivas que las de las canciones más relevantes del disco, entre las que sin duda está Keep it together (So I can fall apart) en la que las influencias de Hendrix en la guitarra wah wah son evidentes. Intensa y electrificada, te mantiene en vilo hasta que se frena a mitad, convirtiéndose en un leve lamento de voz y guitarra blues, que poco a poco van reponiéndose hasta estallar de nuevo en un intenso final eléctrico.

Boots like these tiene un ritmo vertiginoso y oscuras guitarras que prolongan acordes, mientras Harper canta en un estilo que es casi un recitar acelerado con el que conforma el tema más experimental del disco, una rareza que contrasta con la intensidad y la profundidad de The world suicide, uno de los momentos más inspirados del disco, con aires de himno épico y un evocador solo de guitarra. Y desde lo más alto, solo queda contemplar satisfechos el espectacular paisaje, e iniciar tranquilamente el descenso con Faithfully Remain, otra de esas bellas y aparentemente sencillas baladas marca de la casa, pero no por ello menos inspirada o más prescindible que cualquier otra de las 11 mentiras piadosas con las que Ben Harper nos ayuda a superar estos tiempos tan oscuros.

0568.- Cinnamon girl - Neil Young

Cinnamon girl, del disco de Neil Young "Everybody Knows This Is Nowhere" tiene una estructura de dúo en la que juega un papel principal la voz de Danny Whitten, colaborador habitual en sus primeras grabaciones, que canta las armonías vocales altas mientras Young hace lo mismo en las bajas. La canción comparte el mismo tono que otras grandes canciones de Young, como "The Loner", "The Old Laughing Lady" o "Ohio", entre otras, y fue escrita en su casa de Topanga, California, junto a otras dos canciones del mismo disco ("Cowgirl in the Sand" y "Down by the River"), en un estado febril producido por una fuerte gripe.

Lanzada como single en 1970, Cinnamon girl solo alcanzó el puesto 55 del Billboard estadounidense, pero más allá de su aceptable recorrido comercial, la canción destacó por sus muchas e innovadoras virtudes musicales. Su progresión de acordes de apertura está considerada uno de los mejores riffs de guitarra de todos los tiempos, y su vertiginosa línea de bajo descendente y su repetitivo solo de guitarra, consistente en gran parte en la repetición de una nota "Re" tocada muy aguda y alargando la duración del sonido, han hecho que se la considere un ejemplo adelantado y primerizo de lo que en los años noventa sería el grunge.

En la letra, Young sueña despierto con una misteriosa chica ¿mexicana?. Mucho se ha especulado sobre si la "chica canela" era real, y de serlo, cual sería su identidad. Una de las teorías apunta a Pamela Courson, novia de Jim Morrison, por ser parte del entorno de Young en aquella época, y por el color rojizo de su pelo, muy parecido al de la canela. Young siempre ha negado que escribiera la canción pensando en ella, así que nos quedamos con las ganas de saber si existió realmente la Cinnamon girl de Neil Young, o solo fue fruto de su imaginación y, ahí es nada, de su increíble talento.

567.- Sweet Caroline - Neil Diamond

Podría conformarme con decir que Sweet Caroline es una canción compuesta e interpretada por Neil Diamond, sin perder la ocasión de mencionar que fue el mayor éxito de su carrera, llegando hasta la cuarta posición del Billboard estadounidense en el año de su publicación (1969). O con recurrir a la mención de los muchos artistas que, posteriormente, la han versionado, y saldrían entonces a la palestra nombres como Bobby Womack, Julio Iglesias, Roy Orbison, Chet Atkins, Ray Conniff, Elvis Presley, U2 o Frank Sinatra, entre muchos otros, pero nada de eso sería suficiente para que quedara reflejado el valor mágico y emocional de esta canción.

Y es que para entender la magnitud de Sweet Caroline, además de todo lo ya comentado, no puedo dejar de mencionar que para mí, y para muchos de mis amigos, es la canción que sonaba en aquella maravillosa película generacional que respondía al título de "Beautiful girls", en la que el protagonista realizaba un viaje a su pequeña localidad de origen para reencontrarse con sus antiguos compañeros de instituto, y el regreso a los lugares y los rostros del pasado le hacía reflexionar sobre su futuro y el difícil tránsito de los sueños de juventud (ser pianista) a las obligaciones de la vida adulta (trabajar como responsable de ventas).

Lo más probables es que la mayoría de nosotros optara por algo equivalente a aquel puesto de ventas, en lugar de perseguir algo similar al sonido de aquellas teclas del piano, pero incluso habiendo casi olvidado los dulces sueños de la infancia y la adolescencia, hay pocas tardes que recuerde tan felices como el día que, en el estadio de Twickenham en Londres, asistiendo con mi mujer a un partido de la selección inglesa de rugby, en los momentos en los que el partido se paraba por cualquier decisión técnica que demorara su reanudación, por los altavoces del estadio sonaba a todo trapo Sweet Caroline. Pensaréis que esto no tiene ninguna relevancia adicional para reflejar la magnitud emocional de la canción, pero lo entenderíais al instante si hubierais estado allí y hubierais visto las caras de felicidad de miles de adultos cantando al unísono, trasladados de inmediato a un lugar del pasado en el que los sueños eran posibles.

0566.- Sugar, sugar – The Archies

 

El final de la década de 1960 trajo la moda de la música el Bubblegum Pop, un género musical de la música pop de carácter melódico y ritmo animado, comercializado para atraer a los preadolescentes y adolescentes que encabezada por bandas como The Banana Splits,  The Partridge Family o The Ohio Express, pero sin duda este lanzamiento único, creado en el estudio para resaltar a los personajes de dibujos animados The Archie que fueron un gran éxito en la televisión de los sábados por la mañana, fue el mejor representante de este estilo.

The Archies se formaron en el 68, en Riverdale, EE. UU., después de ver a los Monkees, un grupo de amigos adolescentes decidió formar una banda, encabezada por el guitarrista y cantante principal Archie Andrews, rápidamente fueron captados por Calendar Records y tuvieron un par de éxitos nacionales antes de obtener un éxito mundial con esta dulce balada y apuntándose el gran éxito de 1969, tuvieron el sentido común de lanzarlo justo cuando estaba comenzando el verano, cuando los jóvenes son los más felices y están de buen humor, esperando toda la diversión del verano, la canción no paro de sonar incesantemente en la radio, ya que alcanzó el número 1 en muchas listas de la ciudad y es que el producto era perfecto, no hay duda de que las letras, la maestría musical, y las voces son muy entrañables acompañado del tono y el ritmo necesario para un día de verano perezoso y caluroso, a los jóvenes y a los mayores les encantó y fue tan popular que incluso el maestro del soul Wilson Pickett hizo su versión, sorprendentemente, la canción ha permanecido en nuestra memoria, en nuestros oídos e incluso en nuestras radios durante muchas décadas convirtiéndose en un clásico para cualquier temporada de verano, una cancion para crear nuevos recuerdos y recordar veranos pasados.

Posiblemente una de las canciones de chicle más perfectas de la historia, es este Sugar, sugar, quiero decir, solo escucha esas letras dulces y dulces mientras Andrews compara a su chica con un dulce. El coro es tan memorable y esas pequeñas pausas instrumentales con el excelente teclado de Veronica Lodge son mágicas. Es cierto que es un poco repetitivo y el contenido lírico en sí mismo entra por un oído y sale por el otro, pero a pesar de eso, es muy agradable de escuchar y mas en cualquier verano si tienes 16 años y un pelin de gusto musical.

 

Bleach - Nirvana #MesNirvana

 

Este álbum parece formulado, con sus introducciones de retroalimentación, riffs de estilo heavy metal y percusión. La música y las letras son melancólicas, con voces roncas y roncas de Kurt Cobain. Lanzado por Sub Pop Records en junio de 1989, el álbum debut de Nirvana, Bleach , se grabó por solo 600 dolares, un riesgo escaso para la banda. A pesar de sus orígenes de sello independiente, Bleach ha vendido más de dos millones de copias en todo el mundo y sigue siendo el lanzamiento más vendido de Sub Pop. Como muchos recuperamos este disco después de haber machacado Nevermind y al escuchar Bleach por primera vez, fue difícil entenderlo, la magnificencia pop que se escuchó en Nevermind (es esencialmente un disco pop) fue enterrado bajo varias capas de lodo. Las armonías de Cobain estaban en su mayoría ausentes y todo lo que parecía presente eran los gritos, aullidos y aullidos de Cobain mientras intentaba hacer oír su voz por encima de la música. La mayoría de las letras fueron masticadas y escupidas como incomprensibles y sin importancia, no un galimatías como tal, sino gemidos guturales de frustración y alienación. La emoción y el poder de la música eran obvios, pero escuchando a través de la lente de la producción más nítida de Nevermind de Butch Vig , Bleach sonaba como si estuviera siendo hecha por extraterrestres, sin duda extraterrestres con conocimiento de cómo mantener una melodía decente.

 

Arranca el álbum con Blew no movemos en graves profundos mientras todo lo paga una especie de riffs de heavy metal. Guitarra principal, blues rock y medio tiempo, la voz apenas se puede apreciar y la no se distingue la letra, en el fondo ni está mal. El Floyd the Barber está basada en un personaje del programa The Andy Griffith Show del que Kurt Cobain dijo que la canción era sobre "un pequeño pueblo que se hizo malo. Todos terminan convirtiéndose en asesinos en serie"., de nuevo nos encontramos con otra canción dura, áspera donde predominan las guitarras ante las que todo sucumbe, introducción distorsionada, luego ritmos de heavy metal y riffs, sin embargo, las voces no son realmente de estilo heavy metal. El pelotazo del álbum, el diamante sobre el que iban a pulirse es About a girl, con un ambiente vagamente similar a "Come as you are" para la introducción (de su gran álbum "Nevermind" de todos los tiempos), una melodía tipo Beatles/Paul McCartney, especialmente en lo que respecta a la melodía vocal, es probablemente la canción más conocida de este álbum. Es una clara anomalía en Bleach , que es un álbum lleno de fango, tienes 11 pistas que son principalmente solo riffs agresivos, y luego esta canción pop perfectamente formada y brillantemente escrita fue una demostración temprana de la destreza de Kurt Cobain para escribir canciones , pero musicalmente es brillante, el verso, el solo de guitarra y la conclusión de cada estribillo se basan simplemente en dos acordes, lo que hace que esta sea una canción bastante fácil de aprender para los jóvenes guitarristas. Puede parecer simplista, pero proporciona la base para algunas de las melodías vocales más potentes que la banda lanzaría jamás. El estribillo es la perfección del pop clásico, mejorado aún más por la forma en que utiliza uno de esos cambios clave que parece que no debería funcionar, pero logra introducir una nueva dimensión espectacular a la canción, viendo el resto de canciones no sabemos si fue suerte ciega o Cobain realmente sabía que estaba haciendo. Probablemente lo último. ¡¿Pero quién sabe?!. School tiene una introducción distorsionada un Riff raro para quedarse en un rock duro de medio tiempo y tiene un bajo que suena fantástico a veces, el estribillo, con su gancho de lamentos de metal ", sigue siendo algo alegremente cursi peo el solo de guitarra es bastante bueno, quizás uno de los mejores del disco. El verso final de la canción, donde el bajo lleva el riff para apoyar la línea vocal repetida "Estás en la escuela secundaria otra vez" a medida que crece en intensidad es lo mejor.

Love buzz fue el primer sencillo de Nirvana, y es un clásico frío como la piedra, es una gran muestra del talento de la banda. El trabajo del bajo es excepcional, manteniendo la pista animada y divertida, y también es una de las pilas de fideos de guitarra interpretadas de manera más impresionante que Kurt Cobain jamás grabaría. La toma vocal cambia de dulcemente melódica a completamente desquiciada de una manera que se siente pegadiza e infecciosa, pero también un poco salvaje. Paper Cuts también retumba y palpita y básicamente contiene la plantilla para cada canción posterior de Alice in Chains, lleno de guitarra agria y voces chirriantes que son salvajes incluso para los estándares de un álbum más duro como Bleach. Negative Creep es de las mas bestias del álbum, nos lleva al extremo y nos regalan para los amantes de este estilo una barbaridad de riffs de heavy metal distorsionados. Scoff no alcanza los niveles de grandeza que tiene otros temas del álbum, como muchas de las pistas de Bleach, esta es más una colección de riffs traqueteantes que una canción cohesiva bien tejida, presenta algunas peculiaridades vocales bastante divertidas, pero creo que se suman a mi disfrute de la canción. Desde la línea "gimme back ma alky-hol" hasta algunos de los gruñidos y lamentos, esta pista tiene algunas cosas raras. Swap Meet comparte mucho ADN con "Scoff", es una colección de riffs que realmente se duplica en la estética SUBPOP de la escena grunge, y quizás no sea la canción más memorable en este ambiente, sin embargo, sigo pensando que esta melodía tiene algunos elementos divertidos y la parte más destacada de la canción (como es el caso con un montón de cosas de Bleach ) es la sección del solo de guitarra, que es un trabajo de guitarra realmente desquiciado. Cosas bastante salvajes. Mr. Moustache es divertida y accesible de una manera que no lo son algunas de las otras pistas y más cuando escuchamos el hilarante gemido agudo que sirve y el punto de salida para la interpretación vocal de esta canción. Simplemente tremendo. Sifting es un rechinar lento y acre del número final de Bleach y refleja una profunda sensación de alienación, cuando Kurt recordaba sus momentos de angustia infantil y la incapacidad de las figuras de autoridad en su vida para consolarlo. Big Cheese gana con cada escucha, tiene notas muy buenas en la guitarra y un interesante estilo vocal, me gusta la forma en que Kurt desafía a las notas. También me gusta su cambio de textura vocal... áspera, a suave y alucinante. Las letras son demasiado simples a veces, pero está bien. Cierra el álbum Downer, una buena introducción de bajo (tal vez un poco como el estilo del grupo de punk rock australiano "X"), letras más complejas y un sonido vocal extraño... mordido nasalmente... como un niño con mocos.

 

“Bleach” es el sonido de una banda que no es del todo termianda. Dave Grohl, el increíble baterista de la banda, no se unió hasta finales de 1990, hay algunas influencias bastante obvias de Husker Du y Pixies. Pero no se equivoquen: “Bleach” es un gran álbum, un disco enfadado y molesto – sobre la vida de Cobain en Aberdeen – las 13 pistas aquí (11 en el álbum original) son muy buenas. Bleach ha sido reevaluado a lo largo de los años como un estándar Grunge y se ha vendido por millones.   

0565 With a Little Help from My Friends - Joe Cocker

0565 With a Little Help from My Friends - Joe Cocker 

Uno de los clásicos de la música de The Beatles es With a Little Help from My Friends, pero también es el álbum debut del cantautor Joe Cocker, lanzado a fines de abril de 1969 donde Joe Cocker hace una versión de esta canción. El álbum fue certificado oro en los EE. UU. y alcanzó el puesto 35 en el Billboard 200. 1972 en el número 29 cuando fue relanzado como un paquete doble con el segundo LP de Cocker, Joe Cocker!.

With a Little Help from My Friends fue escrita por John Lennon y Paul McCartney e interpretada originalmente por los Beatles en el álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band; ha sido incluido tanto en el Salón de la Fama de los Premios Grammy como en el Salón de la Fama del Rock and Roll. 

La versión de Cocker fue el tema principal de la serie de televisión The Wonder Years durante las décadas de 1980 y 1990.

En 2015, la compañía Audio Fidelity lanzó una reedición limitada del álbum en formato SACD híbrido como tributo a Joe Cocker.

Daniel 

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0564 .- Feeling Allright - Joe Cocker

 

Feeling Allright, Joe cocker

     El 23 de abril de 1969 se producía el debut discográfico del cantante británico Joe Cocker con el álbum With A Little From My Friends. Este disco debut es concebido entre los Olympic Studios y los Trident Studios de Londres bajo la producción de Denny Cordell, y publicado bajo el sello discográfico Regal Zonophone para Reino Unido y bajo el sello discográfico A&M para Estados Unidos. En estados Unidos el disco debut de Joe Cocker alcanzó el  puesto 35 en la lista Billboard 200, consiguiendo la certificación de oro merced a sus ventas. En Reino Unido alcanzaría el puesto 29 en 1972 gracias a su relanzamiento como disco doble junto a sus segundo álbum de estudio, ¡Joe Cocker!. 

Incluido en este magnífico disco debut de Cocker encontramos el tema Feeling Allright, compuesto por Dave Mason, de la banda de rock inglesa Traffic, y publicado en el disco homónimo de dicha banda en 1968. El tema fue lanzado por Traffic como sencillo y no logró posicionarse ni en las listas de éxitos de Estados Unidos ni Reino Unido. Joe Cocker grabó este tema para su álbum debut un año después, en 1969, y modificó el título original Feeling Allright? por Feeling Allright. El tema grabado por Joe Cocker fue lanzado como sencillo y consiguió buenas cifras, alcanzado el puesto 69 en las listas de sencillos de Estados unidos y el puesto 35 en las canadienses. Feeling Allright? se ha convertido a lo largo de su historia en un tema muy versionado, además de Joe Cocker han sido numerosos artistas los que han hecho versiones del tema, entre los que se encuentran Rare Earth, Three Dog Night, Hubert Laws, The 5th Dimension, Gladys Night & The Pips, The Jackson 5, Gran Funk Railroad, Isaac Hayes, The Bar-Kays, Little Milton, Paul Weller, Juliette Lewis y Ohio Players entre otros.

0563.- Aquarius / Let the sunshine in - 5th Dimension

Aquarius/Let the Sunshine In (The Flesh Failures) es un "medley" de dos canciones que podríamos identificar como "The Age of Aquarius" y "Let the Sunshine In", ambas escritas por James Rado y George Ragni para el musical Hair de 1967, convertidas en single en 1969 de la mano del grupo The 5th Dimension.

Cuando el cantante Billy Davis Jr. se dejó olvidada la cartera en un taxi de New York, el destino jugó un papel importante en la gestación de Aquarius/Let the Sunshine In, porque quién encontró la cartera resultó ser uno de los productores del musical Hair, e invitó al grupo a ver una de las representaciones. Después de ver el musical, los miembros de 5th Dimension quedaron prendados del tramo de "Aquarius" y decidieron grabarlo como single. El veterano productor Bones Howe no lo tenía claro, y consideraba que aquella pieza era una mera introducción a una sección del musical, sin las condiciones necesarias para poder ser considerada una canción.

La solución la encontraron en la creación de un "medley" con otra parte del musical llamada The Flesh Failures, en la que se repetía de manera constante la frase "Let the Sunshine in". Aunque las dos partes estaban en un tempo y clave diferentes, el ensamblaje que consiguieron de aquellos dos trenes a diferente velocidad resultó ser mágico, y la locomotora desbocada de Aquarius/Let the Sunshine In llevó a The 5th Dimension al número 1 del Billboard estadounidense, manteniéndose en lo más alto durante un mes y medio.

Nirvana: Nevermind #MesNirvana

Cuando hicimos el reparto de los discos a reseñar en el #MesNirvana, uno de mis compañeros en 7días7notas dijo: "Dejemos el de Nevermind al experto en ese disco" con un emoticono de un guiño y señalándome "virtualmente" a mí, por aquello del sobrenombre con el que firmo los artículos en el blog. Los demás estuvieron de acuerdo, y no quise sacarlos de su error, porque (en primer lugar) es un disco que me encanta y porque (en segundo lugar) clarificar que ni soy experto, ni lo de Nevermind va realmente por el disco de Nirvana, me pareció un buen punto de partida para la reseña de este genial disco.

Y es que Nevermind (en español "No importa") me pareció una buena manera de quitarle importancia al que escribe, y centrar el foco en la música, la auténtica razón de ser del blog, pero lo hice inspirado en uno de los sobrenombres con los que firmaba Prince (Alexander Nevermind) y no el que fue el exitoso segundo álbum de estudio de los estadounidenses Nirvana, producido por Butch Vig y publicado a finales de 1991. Pero ya que estoy, y aprovechando el equívoco, me permitiré aquí el homenaje de reseñar un disco que es la auténtica Biblia del nacimiento del grunge en los noventa.

Para su segundo disco de estudio, Kurt Cobain quería ir más allá de los estándares del recién nacido grunge, y asimiló conceptos de otras escenas musicales, dejándose influenciar por grupos como The Pixies o REM, que alternaban en sus canciones tramos ruidosos con secciones más acústicas y calmadas. Puede que ahí resida la magia que, en comparación, no tiene el anterior Bleach (1989), y esa misma magia fue la que, pese a surgir de un intento de abrirse a otras tendencias, convirtió al álbum en el mayor referente del grunge y catapultó al género al reconocimiento a nivel mundial. Y más allá de cualquier etiqueta, l oque es innegable es que Nevermind es uno de los mejores de la historia.

La primera canción de este disco histórico es, ni más ni menos, Smells Like Teen Spirit, que fue además el primer sencillo del álbum, y que desbancó del primer puesto del Billboard al megaproyecto de ventas que Michael Jackson había diseñado con su disco Dangerous. Con este archiconocido tema, Nirvana volvió a poner al rock alternativo en una posición de prevalencia de la que había estado alejado durante toda la década de los ochenta, dominada por el pop enlatado y que abusaba en exceso de los sintetizadores. In Bloom comienza con esa misma premisa de canción melódica y tono de voz bajo, para romper después agresivamente en el estribillo, llevando al oyente al paroxismo y la admiración más absolutas. La banda luchaba contra su propio estigma en el video promocional de la canción, en el que en blanco y negro, un presentador de los años 50 presentaba a un grupo de músicos ataviados con traje y corbata, y en el caso de Cobain, unas gafas de pasta al más puro estilo Buddy Holly.

Sin tiempo para respirar, o aprovechando para hacerlo en los momentos más melódicos, llega el turno de Come as you are, el otro gran single del disco, que igualmente se convertiría en un himno para toda una generación. Le sigue Breed, una de las primeras ocho canciones que se compusieron y grabaron en las primeras sesiones para el disco, con el título provisional de Immodium. En esa tanda inicial estaban también canciones que quedaron fuera del álbum como Sappy, Here she comes now o Dive (la cara B de Sliver, en un single planeado como anticipo del disco, pero del que ninguna de las dos canciones terminó formando parte de Nevermind), y temas que acabarían siendo pilares del disco como In Bloom, Polly, Stay Away (con el nombre inicial de Pay to Play) y Lithium. La intensidad vocal de ésta última fue el motivo por el que, tras este prometedor comienzo, la grabación del disco quedó aplazada y sin fecha de reanudación a la vista, por el deterioro que supuso para la voz de Cobain.

Tras este forzado y prolongado paréntesis, los miembros de Nirvana grabaron una demo con una nueva compañía discográfica, y acabaron firmando un nuevo contrato con la todopoderosa Geffen Records, que les recomendó a varios de sus productores de cabecera, pero Nirvana insistió en repescar a Butch Vig, y continuar así con el trabajo realizado hasta ese momento.​ En sesiones maratonianas de 8 a 10 horas diarias, en las que Butch Vig se las apañaba para convencer a un Cobain poco amigo de las mezclas y los overdubs de que ese era el camino adecuado, se fue gestando lo que terminaría siendo un disco histórico.

Paradójicamente, los miembros de Nirvana no quedaron muy convencidos del resultado final de Nevermind, en lo que Cobain definió como "un disco más parecido a Mötley Crüe que a un disco de punk rock". Tampoco ayudó que el tema Endless, Nameless, planeado como pista oculta al final de Something in the way, la canción que cierra el disco, se quedara accidentalmente fuera en las primeras ediciones del álbum. Kurt Cobain insistió en que se reparara aquel error, y lo que se hizo en las siguientes ediciones fue incluirla en la misma pista de Something in the way, tras un silencio de diez minutos.

Geffen Records esperaba que Nevermind vendiese unas 250 000 copias, tomando como referencia lo que había sido el debut de Sonic Youth en el mismo sello, y nunca imaginaron lo que estaba por llegar. Ha día de hoy, se calcula que Nevermind ha vendido más de treinta millones de copias en todo el mundo, y la revista Rolling Stone lo situó en 2020 en el sexto puesto de su lista de los 500 mejores álbumes de la historia y en el primer puesto de los 100 mejores álbumes de los 90. No está nada mal para un disco que no buscaba ventas millonarias ni convertirse en referente de ningún movimiento, y del que, en contra de la opinión más extendida en 7días7notas, estoy muy lejos de ser un experto. Y en el fondo no me hace falta, porque no es necesario ser un entendido en Nirvana para ponerse el Nevermind a toda pastilla y darse rápidamente cuenta de que todo lo demás No importa.

0562.- Why I Sing The Blues - B B King

Why I Wing The Blues, B B king

     En 1969 BB King lanza Publica Live & Well, un álbum de blues donde cinco de las 10 pistas que lo componen fueron grabadas en vivo en Village Gate, en la ciudad de Nueva York, y las otras 5 fueron grabadas en estudio. El disco fue grabado bajo la producción de Bill Szymczyck y publicado bajo el sello discográfico Buesaway. Según el productor Szymcyck, Live & Well fue el resultado de juntar algunos de los mejores músicos jóvenes de blues del país junto a BB King en los famosos estudios The Hit Factory de Nueva York durante un par de noches para los temas de estudio. Los músicos que acompañaron en las sesiones en directo de este disco a BB King (guitarra y voz) fueron Sonny Freeman (batería), Lee Gatlin (saxofón), Val Patillo (bajo), Patrick Williams (trompeta) y Charlie Boles (organo); y los músicos que acompañaron en las sesiones de estudio Paul "Harry" Harris (piano), Hugh McCracken (guitarra), Gerald Jemmott (bajo), Herb Lovelle (batería) y Al Kooper (piano).

Aunque Live & Well no puede compararse al histórico directo Live At The Regal (1965), si supuso un gran avance en el aspecto comercial para BB King, convirtiéndose en su primer disco en alcanzar el Top 100 en las listas de ventas de Estados unidos. La cara A está formada por 5 temas de una presentación en vivo en Village Gate, Nueva York, mientras que la cara B está formada por 5 grabaciones de estudio grabadas en directo. Incluido en la cara B se encuetra el tema Why I Sing The Blues, escrito por BB king junto al promotor discográfico afroamericano Dave Clark, el tema más destacado de los temas grabados en el estudio y que se convirtió en un tema imprescindible y esencial en las presentaciones en vivo de BB King durante los siguientes años. En 1983 el sello MCA Records lanzaría Why I Sing The Blues, un recopilatorio de grandes éxitos de BB King de finales de los 60 y principios de los años 70 y donde el tema que da título al disco sería la canción principal del álbum. Este recopilatorio sería lanzado en formato CD en 1992.

0561 .- Beginnings - Chicago

0561 - Chicago - Beginnings

Beginnings es una canción escrita por Robert Lamm para la banda de rock Chicago Transit Authority y grabada para su álbum debut Chicago Transit Authority, lanzado en 1969. La canción es el segundo sencillo de la banda, después de "Questions 67 and 68", pero falló para trazar en su lanzamiento inicial.

Después del éxito de la banda con sencillos posteriores, Beginnings fue relanzado en junio de 1971, respaldado por Colour My World. Ambos lados se convirtieron en éxitos de radio de EE. UU., y el sencillo combinado subió al número siete en la lista de sencillos Billboard Hot 100 de EE. UU.  Beginnings alcanzó el número uno en la lista de fácil escucha de EE. UU. 

Escribiendo para Ultimate Classic Rock, Dave Swanson califica a Beginnings como el número dos en su lista de las diez mejores canciones de Chicago. Ha sido versionada por muchas bandas, incluida la banda tributo Leonid and Friends.

Robert Lamm dijo que Beginnings se inspiró en una actuación de Richie Havens a la que asistió en el club de música Ash Grove en Los Ángeles cuando el grupo se mudó a esa zona. En una entrevista de 2013, dijo que la compuso con una guitarra de doce cuerdas a la que le faltaban las dos cuerdas E graves.

Daniel
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El disco de la semana 284: Stonedhenge - Ten Years After

Stonedhenge, Ten Years After

     

     En 1967 el grupo británico de blues rock y hard rock compuesto por Alvin Lee (guitarra y voz), Leo Lyons (bajo), Chick Churchill (teclados) y Ric Lee (batería), publican su álbum debut, de título homónimo, Ten Years After. Con dicho disco consiguen tener éxito en Reino Unido, lo que les vale realizar una gira por los países escandinavos y Estados Unidos.En mayo de 1967 el grupo lanza su primer disco en vivo, Live Undead, el cual contiene una más que notable versión del tema I'm Going Home, uno de sus mayores éxitos de siempre.

La confirmación y consagración de la banda llega con su segundo álbum de estudio, Stonedhenge. Este disco es grabado entre el 3 y el 15 de septiembre de 1968 en los estudios Decca, ubicados en el área londinense de West Hampstead, bajo la producción de Mike Vernon y publicado en enero de 1969 en Estados Unidos y en febrero de 1969 en Reino Unido por Deram Records, sello discográfico subsidiario de Decca Records.

Alvin Lee y compañía tenían una amplia experiencia con el boogie rock, y en Stonedhenge, con la ayuda de Mike Vernon, el grupo entra en una etapa más experimental y se orientan hacia otros sonidos como el blues y el jazz. mezclados, con mucho acierto, con la fuerza del rock and roll. En definitiva, en este disco se mezclan el potencial creativo con ese sonido explosivo de la banda para regalarnos un disco lleno de virtuosismo por parte de estos cuatro músicos. A lo largo de la escucha del disco descubriremos que todos los integrantes del grupo tienen su momento para lucir sus grandes habilidades instrumentales. Stonendhenge es un disco que contiene temas donde se producen grandes momentos de improvisación, algo que a día de hoy se echa mucho en falta. 

Abre este disco Going To Try, la voz de Alvin Lee en conjunción con los teclados y el toque rockero mezclado con unas magníficas percusiones tribales hacen que este tema sea la apertura perfecta para engancharnos. I Cant't Live Without Lydia es un corto tema de apenas minuto y medio que sirve para que el tecladista Chick Churchill nos de una muestra de todo su potencial. Woman Trouble ,donde la voz y la guitarra de Alvin, el swing de la batería de Lee, el bajo de Lyons y el sonido del hammond de Churchill se combinan a la perfección para reglarnos un majestuoso blues de doce compases. Skoobly-Oobly-Doobob, es el prefecto ejemplo de la calidad técnica de Alvin Lee con la voz y la guitarra, pues es capaz de unirlas y crear una única melodía. Cierra la cara A Hear Me Calling,uno de los mejores temas del disco, un blues donde los músicos vuelven a demostrar la compenetración que tienen. La cara B comienza con la trepidante A Sad song, la cual precede a la tradicional canción infantil Three Blind Mice, tema de apenas un minuto de duración y que cuenta con arreglos de Ric Lee. No Title, con sus más de ocho minutos de duración es otro de los grandes momentos del álbum, pues el tema va creciendo a base de improvisar y donde encontraremos secciones para la improvisación de los cuatro músicos. Faro, canción instrumental de poco más de un minuto de duración y que sirve para lucimiento del gran bajista que es Leo Lyons. cierra la el disco Speed Kills, el tema emula una locomotora en marcha y la banda se desenfrena con un ritmo salvaje, lo que convierte a este tema en el cierre perfecto y nos deja con ganas de más.

     Ten Years After es mucho más que aquel grupo que se hizo famoso por la interpretación de I'm Going Home en el Festival de Woodstoock 69, y su disco Stonedhenge es una buena forma de empezar a conocer su discografía. 

0560.- I'm A Man - Chicago

 Chicago comenzó como una banda de jazz llamada "The Big Thing" en 1967, tuvieron un gran debut, al punto de que Janis Joplin y Jimi Hendrix describieron su sección de metales como "un par de pulmones" y al guitarrista Terry Kath como "El mejor guitarrista en el universo" y teniendo en cuenta que es Jimi quien dice eso, es uno de los mayores elogios que puede recibir un guitarrista. Una vez que consiguieron un contrato discográfico en 1969 y cambiaron su nombre a "The Chicago Transit Authority" se pusieron a trabajar en su debut, sin falta de ambicion planificaron un álbum doble que enfureció a la compañía discográfica por temor a que no se vendiera, nadie los conocia. La banda creía en su trabajo y finalmente decidio renunciar a parte de los derechos a cambio de que dejaran la obra intacta tal y como ellos lo habían…. el resultado fue excepcional, la idea de grabar canciones extendidas con arreglos complejos en un proyecto introductorio ahora es desconocida, y probablemente también estaba mal visto en 1969.

En “I'm A Man”, todos son absolutamente imprescindibles, comenzando con el bajo de Peter Cetera y la percusión al estilo de Elvin Jones de Danny Seraphine, Robert Lamm, para no quedarse atrás, interviene con una parte ardiente del órgano Hammond que recuerda el arreglo original de Steve Winwood, pero de ninguna manera intenta copiarlo. Las contribuciones del guitarrista Terry Kath no pueden subestimarse, su trabajo y las líneas de guitarra sostenidas son adictivas, aunque casi quedan eclipsadas por su voz principal gruñona en el primer verso. Kath (y, para el caso, Cetera y Lamm) se desenvuelve bien al lado de una voz muy al estilo de la proporcionada por un joven Steve Winwood. La letra, cantada por Kath, Cetera y Lamm, se murmura y se escupe con un entusiasmo auténtico, tanto que uno olvida cuál era la letra original. La versión que realizan se extiende a ambos lados del single que publicaron, con la Parte 1 en el ritmo del lado A, mientras que los más de cuatro minutos restantes, simplemente anunciados como la Parte 2, se muestran a través la cara B del lanzamiento de vinilo de siete pulgadas puesto en el mercado. Y asi fue como Chicago le dio una nueva vida a la canción de Spencer Davis Group con un atasco a toda velocidad.

0559.- Eagle Death - Cerebrum

 " Dedicado a Guillermo Navarro, con el que tanto disfruto y tanto me aporta desde que lo conozco, desde el corazon, este pequeño texto va por ti"

Cerebrum fue un grupo madrileño formado en 1969 y estuvo formado por Javier Esteve (guitarra), Luis Navarro (cantante y armónica), Chema Pellico (bajo) y Fernando Artalejo, que sería sustituido por Pedro Moreno cuando marchó al servicio militar, a la batería. Cuatro jóvenes con muchas ganas de hacerse un lugar en el panorama musical nacional que estaba empezando a salir de los sonidos tradicionales y que se abria a nuevos sonidos y propuestas del tipo que fueran, en un momento que creadores musicales con muchas ideas, mucho talento y sobre todo ganas y sacrificio podía hacerse un lugar en el mundo de la música, y ellos fueron un paso más allá, fiel a sus ideas, a sus gustos a su talento nos sirvieron en bandeja una música de muy alto nivel que quizás no fue valorada en su momento en su justa medida. En sus comienzos en un local de ensayo en un sótano de la calle Arturo Soria, no lejos de Ciudad Lineal, consistían en larguísimas improvisaciones a partir de algún tema, sobre todo hacían versiones de grupos extranjeros, sobre todo Cream y Ten Years After, pero pronto comienzan a componer sus propios temas, estaban encaminados a un sonido único en España hasta el momento, lo suyo era el rock progresivo con ciertas connotaciones heavy y la verdad que les salió muy bien, convirtiéndose en los verdaderos pioneros del rock progresivo y el hard rock español. Aturden al oyente e impresionan a generaciones enteras que acusan con recelo a un pasado, donde quizá no se trató del todo bien a sus ídolos. Son pioneros, y aunque en las líneas de la causalidad se pierda su legado "rockero", conservan siempre ese espíritu virginal del joven eterno.

El material que nos dejaron editado consiste en dos singles bajo el sello Dimension/Ekipo, grabados en los estudios GMA de Barcelona, utilizando un ocho pistas y técnicas arcaicas para conseguir ciertos efectos sonoros. El primero de ellos, «Eagle’s Death /Read a Book» se grabó en 1969 y tuvo un muy buen recibimiento y se vendio razonablemente bien, pero el grupo nunca llegó a grabar un LP, aunque sí tenían planeado hacerlo. Según cuenta Luis Navarro, se estaba trabajando en un álbum conceptual que acabaría de consolidar al grupo, pero probablemente la distancia que los separaba de la discográfica en Barcelona supuso que esta dejase de prestarles interés al poder contar con otros grupos que estaban apareciendo allí mismo en la ciudad condal. Eagle’s death ocupaba la Cara A del single y se inicia con una explosión seguida de una fuerte entrada de punteo de guitarra y armónica a la que se une la personal voz de Luis, que siempre parecía que cantaba desde el fondo de una cueva, todo discurre siguiendo más o menos las ortodoxas reglas del blues hasta que poco a poco se percibe un piano ajeno a toda esta descarga guitarrera que interpreta en un tono distinto a los demás músicos un Nocturno de Chopin. El piano poco a poco va aumentando su volumen, comiéndose a la dislocada guitarra, mientras el bajo y la batería mantienen un ritmo monótono.  Ambos desaparecen para dejar sola a la batería que enlazará con la segunda estrofa de la canción cantada sobre un insistente riff de guitarra y armónica. Tras lo que parece un final convencional, el piano desgrana de nuevo sus últimas notas. Un tema experimental donde los haya que nos revela el desparpajo de esta gente, totalmente ajena a modas y gustos, que hacía una música de fusión, no en el sentido que ahora la entendemos sino en el auténtico sentido de fundir estilos y sonidos absolutamente dispares. En fin, uno de esos temas, que uno aplaude a rabiar o abuchea encolerizado, pero ante el que no caben términos medios.

0558 - Isley Brothers - It’s Your Thing

0558 - Isley Brothers - It’s Your Thing 

It's Your Thing es un influyente sencillo funk de los Isley Brothers. Lanzado en 1969, el himno funk (y feminista) fue una respuesta artística al exigente control del jefe de Motown, Berry Gordy, sobre sus artistas después de que los Isley abandonaran el sello a fines de 1968. 

La letra del coro, que también sirve como primer verso, dice: "Es lo tuyo / Haz lo que quieras hacer / No puedo decirte / A quién pegarle".

La canción ocupa el puesto 420 en la lista de la revista Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

Otros éxito popular que la banda logrará editar con el sello, fue con la canción "This Old Heart of Mine (Is Weak for You)", The Isley Brothers se sintieron encasillados en el papel como un acto de segundo nivel, mientras que los bien establecidos Detroit actúan como The Temptations, The Miracles y los Four Tops obtuvieron más promoción del sello Motown.

La decisión de los hermanos de dejar Motown se produjo después de una exitosa gira británica, donde tenían una base de fans más grande que en Estados Unidos. Un relanzamiento de This Old Heart había alcanzado el número tres en la lista de singles del Reino Unido. Un éxito similar llegó con dos sencillos más de su catálogo de Motown que fueron éxitos mucho después de su salida de Motown.

Berry Gordy permitió que los hermanos dejaran el sello y los Isley reactivaron su propio sello, T-Neck Records, que originalmente habían fundado unos años antes de firmar con Motown. Para Buddah Records, los Isley grabaron It's Your Thing, que Ronald escribió al llegar a casa después de llevar a su hija Tawana a la escuela. El cantante principal dijo que pensó en la melodía y algunas de las letras en su cabeza. Sus hermanos mayores O'Kelly y Rudolph ayudaron a componer más letras.

La canción se reproduce en la película de 1999 Muppets from Space cuando sus parientes alienígenas sacan a Gonzo de un cañón, celebrando su enfoque único de la vida.

Daniel 

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0557.- Dog Breath, In The Year Of The Plague - Frank Zappa

 

Dog Breath, In The Year Of The Plague

     Frank Zappa y sus Mothers of Invention publican en  abril de 1969 su quinto álbum de estudio, Uncle Meat, un disco desarrollado como parte del llamado No Commercial Potential, un poyecto que generó tres álbumes más que comparten una conexión conceptual: We're Only en It for the Money, Lumpy Gravy y Crusing with Ruben & the Jets. Zappa quería que el disco sirviera como disco de la banda sonora de una película de ciencia ficción que no se llegaría a completar. posteriormente Zappa lanzaría en 1987 una película que contiene imágenes de prueba del proyecto. En este doble álbum Zappa se mueve por infinidad de estilos, rock experimental, música orquestal, jazz, blues, rock y doo wop entre otos. Uncle Meat, un doble álbum que se convirtió en un éxito comercial desde su lanzamiento y ha sido muy aclamado por sus innovadoras técnicas de grabación y edición, incluidos los experimentos en la manipulación de la velocidad de la cinta y el doblaje, y su grabación.

Frank Zappa ya había mostrado su gran interés en el cine desde la escuela secundaria, y decidió desarrollar un vehículo para los Mothers of Invention, titulado Uncle Meat. La película combinaría elementos de ciencia ficción e historias de carretera inspiradas en las escapadas sexuales de la banda. Finalmente este álbum quedaría englobado dentro del proyecto que empezaría posteriormente, No Commercial Potential, donde todo el material de los discos del proyecto esta relacionado.

Para las sesiones de grabación Zappa utilizó la tecnología de grabación de 12 pistas así como una variedad de técnicas que hicieron realidad su genial y particular visión, incluida una gran cantidad de sobregrabaciones, tocando instrumentos no convencionales a través de efectos de estudio y acelerando o ralentizando dichas grabaciones para lograr un efecto artístico. Zappa quería desafiar la complacencia de los fanáticos de la música contemporánea, ya que sentía que su base de fans estaba acostumbrada a aceptar todo lo que se les daba, ya fuera política, social o musical. Quería sacar a los fans de la zona de confort y complacencia y que se empezaran a cuestionar las cosas.

Un claro ejemplo de todas las innovaciones técnicas de grabación es el tema Dog Breath, In The Year Of The Plague, canción que está concebida como una canción de rock and roll y que se repite posteriormente en el álbum como un instrumental de poco más de minuto y medio de duración, interpretado por teclados, percusión y guitarra acústica. La versión rock and roll presenta tres versos con el primer coro a cargo del cantante de ópera Nelcy Walker, y el segundo coro presenta las voces aceleradas. Acabado el tercer verso, la canción se convierte en una pieza de vanguardia, una pieza orquestal interpretada por percusión, teclados y varios instrumentos. La sección central de la canción tiene nada menos que cuarenta pistas integradas, y contiene rarezas como la trompetas que suenan, que en realidad son clarinetes tocados a través de un dispositivo eléctrico, o varios sonidos peculiares hechos con un órgano eléctrico Kalamazoo. Dog Breath, In The year Of The Plague es una clara muestra de la maestría, visión y destreza compositiva de Frank Zappa.

0556.- Lay lady lay - Bob Dylan

La canción Lay Lady Lay, escrita por Bob Dylan e incluida en su disco Nashville Skyline (1969), tiene la particularidad, como algunos otros temas del álbum, de estar grabada en un tono vocal bajo y en clave crooner, muy alejado del habitual estilo nasal del cantante de Minnesotta. Escrita originalmente para la banda sonora de la película Midnight Cowboy, Dylan la terminó in extremis y no pudo enviarla a tiempo de ser finalmente incluida en la película.

Como ocurre con casi todas las canciones de Dylan, hay cierta controversia sobre su significado, o en este caso, sobre quién es la mujer a la que van destinados los versos de índole romántica y sexual en los que el cantante ruega a una hipotética amante que pase la noche con él. Parece que pudieran estar dedicados a su novia Sara Lownds, a la que dedicó otros temas como "Sad eyed lady of the lowlands" o "Sara". Sin embargo, el propio Dylan, jugando siempre al despiste, dijo en una ocasión que Lay lady lay fue escrita para Barbra Streisand. Fuera quien fuera la destinataria de las palabras de amor y deseo de Dylan, la calidad de la canción la predestinaba inevitablemente al éxito. El single de Lay lady day fue publicado en Julio de 1969, alcanzando el puesto 7 del Billboard Hot 100 estadounidense, y el quinto puesto en las listas del Reino Unido, convirtiéndose rápidamente en uno de los temas imprescindibles del cancionero de Dylan.

Cuesta pensar que este mítico tema a punto estuvo de caer en otras manos, pero en palabras de Don Everly de los Everly Brothers, Dylan les interpretó algunas partes de la canción a finales de los sesenta, cuando andaban buscando nuevas canciones. El encuentro fue bastante curioso por ambas partes, ya que los Everly Brothers le escucharon admirados, pero no interpretaron que Dylan pudiera estar ofreciéndoles un tema tan bueno, y Dylan por su parte se acabó guardando su canción cuando vio que no se la pedían. Curiosamente, los Everly Brothers acabaron grabando una versión de la canción, 15 años después de la grabación de Dylan.

0555.- The Partisan - Leonard Cohen

Leonard Cohen realizó en 1969 una versión adaptada de "The Partisan" o "The lament of the Partisan", himno antifascista que ensalzaba a la Resistencia francesa durante la Segunda Guerra Mundial. La canción original, titulada "La Complainte du partisan" fue compuesta en 1943 por la rusa Anna Marly. Su interpretación fue difundida por la BBC, e inspiró la letra escrita por Emmanuel d'Astier de la Vigerie, líder de la resistencia francesa.

Cohen se basó en la adaptación al inglés realizada por Hy Zaret, conocido por ser también el letrista del tema "Unchained Melody" para la película de 1955 Unchained, que se convertiría en una de las canciones más versionadas de la historia de la música, logrando su mayor éxito en la versión de The Righteous Brothers. La versión de Cohen llevó el título de The Partisan, y fue incluida en su álbum de 1969 Songs from a Room, y publicada como sencillo en Europa.

En la voz del músico y poeta canadiense, The Partisan volvió a alcanzar la popularidad perdida, y fue de nuevo inspiración para otros artistas, que grabaron también sus propias versiones. Entre ellas, cabe destacar también la de Joan Baez, que la publicó bajo el título de "Song of the French Partisan".

0554 Bird on the Wire - Leonard Cohen

0554 Bird on the Wire - Leonard Cohen

Bird on the Wire es una de las canciones emblemáticas del artista Leonard Cohen. que fue grabado el 26 de septiembre de 1968 en Nashville e incluido en su álbum de 1969 Songs from a Room.

Existe otra grabación de mayo de 1968 producida por David Crosby, titulada Like a Bird, se agregó al CD remasterizado de 2007. Judy Collins fue la primera en lanzar la canción en su álbum de 1968 Who Knows Where the Time Goes. Joe Cocker también hizo una versión de la canción en su segundo álbum de estudio al año siguiente a este.

En la década de 1960, Leonard Cohen vivía en la isla griega Hydra con su novia Marianne Ihlen, la mujer representada en la contraportada de Songs from a Room. Ella relató cómo lo ayudó a salir de una depresión entregándole su guitarra, después de lo cual comenzó a componer Bird on the Wire, inspirado en un pájaro posado en uno de los cables telefónicos recientemente instalados de Hydra, seguido de recuerdos de noches húmedas en la isla. Lo terminó en un motel de Hollywood.

Leonard Cohen ha descrito Bird on the Wire como una simple canción country, y la primera grabación, de Judy Collins, se hizo en un ambiente country. Más tarde realizó varios cambios menores, como las modificaciones presentes en Cohen Live. Se incluyen diferentes versiones en todos sus álbumes en vivo. En ocasiones también interpretó en concierto la versión francesa de Serge Lama, "Vivre tout seul".

En las notas de portada de un relanzamiento de 2007 de Songs From A Room, la canción se describió como "simultáneamente una oración y un himno, una especie de 'My Way' bohemio".

En las notas de la compilación de 1975 The Best of Leonard Cohen, Cohen escribió sobre la canción:

"Siempre comienzo mi concierto con esta canción. Parece que me devuelve a mis deberes. Se comenzó en Grecia y se terminó en un motel de Hollywood alrededor de 1969 junto con todo lo demás. Algunas líneas se cambiaron en Oregón. Parece que no puedo hacerlo perfecto. Kris Kristofferson me informó que le había robado parte de la melodía a otro escritor de Nashville. También dijo que pondrá las primeras dos líneas en su lápida, y me dolerá si no lo hace."

Se ha sugerido que la canción a la que se refería Kristofferson es "Turn Me On", escrita por el compositor de Nashville John D. Loudermilk, que fue grabada originalmente por Mark Dinning en 1961 y luego versionada por muchos otros artistas, incluida Nina Simone, y que comparte una melodía similar y algunos patrones líricos con la canción de Cohen.

Daniel 

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El disco de la semana 283: The Colour of Spring - Talk talk

 

The Colour of spring es un álbum de transición en todos los sentidos, no esta situado perfectamente en el medio de la carrera de cinco álbumes de la banda, sino también en cómo se mueve entre las pistas de apertura más pop como "Happiness Is Easy" y el sencillo "Life's What You Make It" a las más experimentales, "Chameleon Day" y "Time It's Time", que pronosticaron el próximo movimiento de la banda hacia un futuro más ambiental. Fue un salto altamente que trascendió con gracia más allá del mundo del synthpop y evolucionó no solo hacia la próxima versión de la industria de la música pop, sino que creó un sonido extraordinariamente idiosincrático que hasta el día de hoy todavía suena como ningún otro. Con el cambio de estilo, quedó más claro que el elemento central de la banda era el estilo vocal de Mark Hollis, si bien la música que apoyaba su destreza vocal cambió a su alrededor, sus distintas texturas auditivas se ven acentuadas por los nuevos acompañamientos instrumentales que ofrecen un tapiz más sutil y frágil de una amalgama de instrumentación en constante expansión que prepararía el escenario para el overdrive artístico post-rock. del siguiente “Spirit of Eden”.

 

Comienza el álbum con Happiness is Easy e instantáneamente vemos el cambio que ha tenido la banda, ni rastro de esos riffs de sintetizador, y te queda cara de póker, pero después de unos treinta segundos te han convencido que deshacerse de esos sintetizadores fue una buena idea. Quizás hay demasiada sinceridad ya que este coro, que se canta junto con algunos niños, es un poco demasiado dulce, pero están dispuestos a asaltar la banca y no se van a detener en excesos e innovaciones. I Don't Believe in You nos mete en una y nos presenta a Hollis en su versión más conmovedora y quejumbrosa. Un ritmo lento y lánguido aprovecha una progresión de acordes simple para darnos los momentos más brillantes de la canción, el bajista Paul Webb siempre fue una característica integral del sonido de Talk Talk, creando fuertes líneas melódicas que gobernarían muchas canciones e inspirarían distintos ritmos, aquí tenemos un ejemplo claro y el guitarrista Robbie McIntosh desata algunas notas sostenidas y abrasadoras que llevan la pista a nuevas alturas. 

Life's What You Make It nos sorprende con su riff de guitarra bastante agresivo y la voz de Mark llena de grandilocuencia, Hollis sigue sonando más o menos igual, pero la atmósfera de esta canción es totalmente diferente; más pesado en el lado de la música con la adición de algunos teclados reales. Fue lanzada como sencillo en 1985 para alimentar el interés en el álbum a pesar de que fue la última en escribirse tras la de la discográfica por la falta de un sencillo obvio, al principio Hollis y Friese-Greene se resistieron, pero más tarde lo abordaron como un desafío. “Siempre quisimos hacer una canción que se basara en un riff de piano muy simple y una parte de batería muy fuerte posterior”, dijo Mark Hollis, hablando en 1986 sobre esta canción. 

“April 5th” comienza muy tenue y permanece así durante sus 6 minutos de duración, llenando los puentes entre los coros con una modesta improvisación instrumental que acentúa aún más la atmósfera tranquila, sin duda estamos ante la balada más inquietante de la carrera de la banda, ampliando el sonido malhumorado que se toca en la segunda pista y multiplicándolo por diez. La incorporación de una gama más amplia de instrumentos (incluido un saxofón, un variofón, un dobro y un órgano), una estructura de canción más creativa y algunas de las voces más emotivas de Mark Hollis hacen de esta la pista más singular hasta ahora en la carrera de la banda, fue su primer gran paso en la dirección de su futuro sonido y una declaración importante de la banda. Pero si tú, como yo, tienes hambre de la voz de Mark, encontrarás que Living In Another World es la mejor canción del álbum, el comienzo es bastante discreto, la pista inspira suavidad desde el principio, con el bajo de Paul Webb solo entrando en la canción y a partir del minuto 0:52 la pista se elevaron su fuerte línea melódica y su sensación impecable, te sumerge en un torbellino de emociones, que alcanzan su punto máximo durante el frenético estribillo. Sí, esta es una canción que fue escrita por nuevos tipos románticos, pero fue interpretada por una banda madura que realmente sabe lo que hace. Y esta también es una fuerte candidata a la mejor canción donde la armónica es uno de los instrumentos más importantes. En Give It Up, Hollis se inspiró en el jazz modal de Miles Davis, y es una clara influencia que se puede escuchar durante toda la pista. Friese-Greene proporciona la parte prevaleciente del órgano Hammond y, una vez más, la línea de bajo de Paul Webb trae una melodía cargada de gancho que apuntala la línea superior mientras impulsa la canción hacia adelante. David Rhodes contribuye con gruñidos y guturales barridos de guitarra en el minuto 3:22, mientras que Hollis entrega la letra con total convicción. “Desde el lugar en el que me paro/ A la tierra que es abiertamente libre/ Mirando los ríos correr negros/ Por los árboles que están vacíos por la codicia”. 

Chameleon Day seguramente sea la canción más experimental del álbum, esta pieza no estaría fuera de lugar en ninguno de sus siguientes álbumes, que consisten en nada más que una atmósfera de jazz extremadamente escasa y la música de Hollis con canturreos evocadores. Cierra el álbum con Time It's Time, más de ocho minutos para constatar como todos los rastros del pasado synth-pop de Talk Talk desaparecieron, reemplazados por fuertes influencias de Traffic, Debussy y Satie. Predomina la calidez del órgano Hammond, el piano acústico, la guitarra acústica y toda una gama de instrumentos peculiares como el Mellotron y la melódica, la letra de Hollis, como siempre profundamente conmovedora y enigmática. “Nadie sabe cuánto tiempo/ El susurro deja sin rima/ La brisa de la canción de cuna no se canta/ Babel de los sueños”.

Un disco que es ejemplo perfecto de los grandes que fueron los ochenta, una década que nos venden como el colmo de lo superficial, lo plastificado y la pose, cuando en realidad contiene algunos de los mejores momentos de la historia de la música grabada. Lo que pasa es que estas glorias no son las que te van a poner en la tele ni en las revistas de tendencias. Para llegar a esto hay que mancharse, meterse de lleno en el fango y rebuscar con las dos manos. Eso sí, la recompensa hará que todo ese esfuerzo merezca la pena.