miércoles, 8 de enero de 2020

Resultados canciones favoritas extranjeras de 1969


Para muchos entendidos el gran despegue del rock se dio en el año 1969, las bandas se multiplicaban a uno y otro lado del océano Atlántico y los niveles de calidad que alcanzaban difícilmente se alcanzaría, la mezcla de viejas bandas y nuevas ofrecían un panorama al aficionado a la música grandiosa, además hay que sumar que en el verano de este año se realizo en Nueva York, El Festival de música y arte de Woodstock que ha pasado a la historia como uno de los grandes acontecimientos musicales. Por estas razones decidimos iniciar nuestro periplo en las votaciones a vuestra canción favorita extranjera en este año. Los resultados a continuación:




10.- The Rolling Stones - Gimme Shelter: Cuatro temas nos vamos a encontrar de los chicos de Mick Jagger en este año, si bien, ninguna de ellas llegó al top3 da una clara muestra de lo importante que han sido la banda de Londres, en este año llego a la banda Mick Taylor después de la expulsión de Brian Jones. Este año tuvo lugar la publicación del álbum Let it Bleed y la canción que abría el disco es este “Gimme Shelter”, la canción trata sobre los disturbios políticos y sociales que durante aquel año se produjeron, la canción está escrita por Keith Richards y está considerada la mejor canción compuesta por Richards, en declaración posteriores sobre el proceso de creación de la misma simplemente dijo "Tienes suerte a veces, fue un día de mierda, había una tormenta increíble sobre Londres. Así que me puse en ese modo, mirando a todas estas personas ... corriendo como al infierno. No tenía nada mejor que hacer".

9.- Creedence Clearwater Revival - Proud Mary: En este puesto nos encontramos con la banda de California que durante 7 años cosechaban éxito tras éxito, la canción lanzada es Proud Mary, que la encontramos en su segundo álbum titulado “Bayou Country”, disco que supuso el lanzamiento absoluto de la Creedence. No es quizás la mejor canción de la banda pero si es una de las más versionadas y conocidas.

8.- The Rolling Stones - You Can't Always Get What You Want. Otra del álbum Let it Bleed que se suma al top, la letra trata sobre lo difícil que es conseguir la felicidad, ya que es condición humana querer más cuanto más tienes. La canción cuenta con un coro de niños de Londres, posteriormente a la publicación y al ver de que trataba la canción, las autoridades del coro trataron de eliminar la parte en el que el coro tenía presencia. La canción está escrita a dúo entre Mick Jagger y Keith Richards.



7.- The Rolling Stones - Honky Tonk Women. Tiene esta canción la particularidad de que se editó solamente en single, y únicamente encontramos una versión de estilo country en el álbum Let it Bleed con el titulo Country Honk. El sencillo fue lanzado un día después de la muerte de Brian Jones, es la primera aparición que tuvo su sustituto, Mick Taylor. Encontramos un cencerro durante toda la canción y la canción fue escrita durante una estancia en un rancho donde Jagger y Richards se imaginaban su vida siendo Cowboys.

6.- The Beatles - Come together. La primera de las dos presencias de The Beatles en este año es la primera canción que suena en el disco “Abbey Road”, cantada por John Lennon es una canción curiosa una mezcla entre blues y psicodelia, un tema dedicado a Timothy Leary, el gurú del LSD, para que sonara en su campaña electoral para convertirse en gobernador de California. La canción está llena de frases sin sentido, dolor de cabeza eterno para los que quieren sacar segundas lecturas, lo que si consiguió fue cubrirse de polémica, con la BBC, con Coca-Cola, con las autoridades por la exaltación de la cocaína, he incluso una demanda por parte de Chuck Berry por considerarlas un plagio, lo cierto que ha sobrevivido como una de las grandes canciones de la última etapa de The Beatles.

5.- The Rolling Stones - Sympathy for the Devil: El ultimo de los temas que encontraremos de Los Rolling es quizás uno de los temas mas famosos del grupo, escrita por Mick Jagger, la letra fue inspirada tras leer el libro El maestro y Margarita, de Mikhail Bulgakov, que la cantante británica Marianne Faithfull, novia de Mick Jagger en ese momento, le hizo llegar. Faithfull provenía de un entorno de clase alta y expuso a Jagger a muchas ideas que cambiaron su forma de entender la vida. También es esta canción la que oscurece un poco la imagen del grupo, dejaba de ser un grupo “blanco” como hasta entonces habían sido y pasaban a convertirse en niños que atemorizaban a la juventud. Algunos de los eventos históricos mencionados en esta canción son la crucifixión de Cristo, la Revolución Rusa, la Segunda Guerra Mundial y los asesinatos de Kennedy. Robert Kennedy fue asesinado el 5 de junio de 1968, después de que Mick Jagger comenzó a escribir la canción. Su letra original era "¿Quién mató a Kennedy?" refiriéndose al asesinato de John F. Kennedy en 1963, pero lo cambió a "¿quién mató a los Kennedy?". Años después la canción formo parte de la película Entrevista con el vampiro versionada por el grupo del momento, Guns and Roses.

4.- The Beatles - Something. Cerca del Top ha quedado una de las pocas canciones compuestas por George Harrison y la única que fue lanzada como single. La canción parecía estar inspirado en la esposa de Harrison, Pattie, pero el mismo George afirmó que no tenía a nadie en mente cuando lo escribió, en eso momentos estaba realmente interesado en sus estudios sobre la conciencia de Krishna y su intención original era la devoción al Señor Krishna. Pero fuese como fuese y a pesar de que la propia Pattie años después dejo ver en una entrevista que Harrison le había comentado que la canción está inspirada en ella, lo cierto que es quizás una de las más bellas canciones de amor, al punto de que el gran Frank Sinatra la tiene considerada como “La mejor canción de amor jamás escrita”.



3.- Elvis Presley - Suspicious Minds. El primer gran fenómeno del rock, el que había iniciado que las masas se arrojaran sin condiciones al rock and roll aún seguía dando coletazos 25 años después. Y es que este tema supuso el decimoctavo número uno de Elvis Presley en Estados Unidos, habían pasado 7 años desde su último número uno, y supuso su regreso al éxito musical después de la etapa oscura como actor en Hollywood, donde pocos temas de un nivel aceptable habían entregado a los fans. Mark James escribió el tema, grabó y lanzó su propia versión, pero no tuvo ninguna repercusión. El productor de Memphis Soul, Chips Moman, enseño el tema a Presley en 1969, y Elvis inmediatamente se enamoró de él y decidió que podía convertirlo en un éxito, a pesar de que había fracasado cuando Mark James la publicó, y efectivamente, tenía razón, la canción fue un auténtico éxito.



2.- David Bowie - Space Oddity. Uno de los temas que más conocidos y escuchados de David Bowie (Aqui podeis ver un articulo dedicado a sus canciones) lo encontramos en el número 2. La canción fue escrita por David Bowie tras el visionado de la película 2001, una odisea en el espacio de Stanley Kubrick, más tarde confeso que el visionado lo hizo tras haber ingerido drogas lo que abrió su mente de forma muy especial. Fue el primer éxito de Bowie en Inglaterra que coincidió en el tiempo con la llegada del hombre a la luna, fue lanzada 5 días antes del lanzamiento del Apolo 11 y fue el preludio de la publicación de su segundo álbum. La canción narra la desoladora misión espacial que el Mayor Tom debe enfrentar en la inmensidad del Universo; sólo acompañado por una voz desde la torre de control, ubicada en el planeta Tierra, la canción comienza de forma desoladora pero a pesar de la resolución de la historia acaba con una explosión de música. Bowie llevaría adelante una etapa cósmica durante esa década que dejaría canciones como Life on Mars, Starman o Moonage Daydream, y le llevaría a convertirse en Ziggy Stardust, álter ego acompañado por sus Arañas de Marte.



1.- Led Zeppelin - Whole Lotta Love. El tema que abre el segundo álbum de los británicos Led Zeppelin (Articulo con las mejores canciones de Led Zeppelin) es quizás uno de los referentes del grupo. Aunque la música es originaria del grupo, parte de la letra esta extraída del tema You Need Love de Muddy Waters, y es una de las letras más lascivas de Robert Plant. En la canción tenemos una gran presencia de la batería pero si hay que resaltar algo en la misma es el riff de guitarra que podemos disfrutar de Jimmy Page y que ha pasado a la historia como uno de los mejores y más característicos del género. Pero también encontramos una curiosidad y es que cuando Robert gime lentamente en la canción, “Way down inside . . . woman . . . you need . . . love,” una toma que tenian diferente de la voz de Plant aparecio en la pista vocal principal, así que cuando Page e ingeniero Eddie Kramer mezclaron la canción, no pudieron deshacerse de ella. Hicieron lo que la mayoría de los profesionales creativos hacen con un error: lo acentuaron para que pareciera intencional, agregando reverberación para que Plant sonara como si cantara su estrofa desde lejos.

martes, 7 de enero de 2020

Canciones que nos emocionan: Lo que nos dejó el 2019





Un año se ha ido y comienza una década, que esperamos sea fructífera en proyectos, buena música y nuevos discos que nos emocionen hasta el punto de reseñarlos en nuestro blog. Esperamos que esos discos lleguen como agua de Mayo, pero ahora estamos aún con los últimos retazos de la nieve y los fastos de Diciembre y Enero. Es tiempo de nuevos propósitos y de las inevitables listas de los mejores discos del año que se nos fue. Los nuevos propósitos se acaban, en su mayoría, abandonando, pero las listas quedan para la discusión eterna sobre si un disco merecía o no estar incluido en ellas. Sin más ánimo que el de compartir y reconocer la valía de estas creaciones, nos apetece contar aquí cuáles son los discos de 2019 que más gustaron al equipo de 7días7notas. No es un ranking, no son mejores o peores entre ellos, y tampoco es una lista de discos sesudos y trascendentales, son simplemente los que más hemos disfrutado:



The Good, the Bad & the Queen - Merrie Land

Cada vez que Damon Albarn se pone serio y lanza su mirada introspectiva, irónica o simplemente descriptiva de la Inglaterra pasada, presente o futura, nos regala una obra maestra. Lo hizo con la anterior entrega de The Good, the Bad & the Queen y lo ha vuelto a hacer en 2019 con el excelso Merrie Land. Un Reino Unido gobernado por una marioneta que, a través de cada vídeo, va soltando los mensajes clave del disco, el Brexit, la confusión entre el respeto a los valores tradicionales y el aislamiento al que están llevando las decisiones más recientes, todo ello engarzado con la habitual y magistral nostalgia y melancolía que sólo la voz y la música de Damon son capaces de transmitir. Basta con ponerse el corte que da título al álbum, o la genial Lady Boston, en la que ha incluido un coro de voces gaélicas para seguir sumando temas redondos a su ya ecléctica y extensa paleta de colores.

Coque Malla  - ¿Revolución?

Pocos artistas en España han sido más injustamente infravalorados en algunos sectores, que el que fuera líder de Los Ronaldos y, hoy en día, dueño de una carrera en solitario cada vez más sólida y en constante crecimiento. Coque se cuestiona, desde el título del disco, si se trata realmente de una revolución, porque él sabe como nadie que esto ha sido fruto de un largo camino, y que cada uno de sus discos anteriores puso una piedra de la robusta atalaya desde la que ahora disfruta de una estabilidad y reconocimiento más que merecidos. Bromea en Instagram sobre las críticas positivas, prometiendo publicar también las negativas, pero éstas no llegan. Será por los brillantes arreglos orquestales o de la sección de vientos comandada por su hermano Miguel Malla, porque las canciones están trabajadas hasta el último detalle y sin fisuras, o porque esa estabilidad en la que vive actualmente contagia a unas composiciones que se vuelven más luminosas y positivas.

Gary Clark Jr - This Land


A sus 34 años, Gary Clark Jr publicaba en febrero de 2019 su sexto álbum de estudio, This Land, un disco quizás no tan comprometido política y socialmente como los anteriores, donde sólo el tema que da título al álbum hace referencia a un incidente racista que el mismo Gary sufrió en sus carnes en Austin, Texas, su ciudad natal. Gary sigue consolidándose como uno de los guitarristas estadounidenses más interesantes del momento, y esta año ha entregado un disco en el que es capaz de moverse en estilos tan diferentes como el blues, el reggae, el funk o el puro rock & roll con la pasmosa facilidad habitual, y defenderlo con solvencia en directo, como pudimos comprobar "in situ" en el concierto que dio en el Festival Cultura Inquieta en la localidad madrileña de Getafe.


Laura Cox Band - Burning Bright


Precisamente, hace poco tiempo, en 7dias7notas reseñamos el primer álbum de estudio de esta genial guitarrista francesa, un disco con buenas dosis de blues rock de carretera y manta. Es verdad que, en su disco de debut, lo borda todo sin inventar nada, y teníamos ganas de ver la evolución de Laura Cox y su banda en entregas de estudio posteriores. En 2019 ha desembarcado de nuevo con Burning Bright, y hemos podido comprobar que a los buenos presagios técnicos de su predecesor, le ha sumado en esta ocasión una mayor dosis de firmeza, personalidad y frescura a la propuesta. Laura está dando los pasos adecuados para afianzarse dentro del difícil mundillo de la música, y nosotros disfrutamos con ello.


Grabado en los estudios ICP con Howie Weinberg (Aerosmith, Oasis, The White Stripes) tras los controles, «Burning Bright» reúne una decena de composiciones de rock de amplio espectro. No es blues, ni es hard rock, pero tampoco es rock de corte más contemporáneo, sonido 90s o classic rock… es todo ello y más ya que la suma de los factores enriquece esas pinceladas individuales. Y es que en estos poco más de cuarenta minutos, Laura Cox consigue reunir un resultón conjunto de cortes que se venden solos. Es obvio que la francesa tiene habilidad para crear temas que repasan varias tendencias musicales, pero que sin embargo suenan en conjunto a obra compacta y, lo que es más importante, resultan atractivos a la oreja, sobre todo a medida que va aumentando el número de escuchas....

Leer más en https://www.rockandrollarmy.com/magazine/2019/10/02/laura-cox-burning-bright-earmusic-2019/ © https://www.rockandrollarmy.com/magazine
Grabado en los estudios ICP con Howie Weinberg (Aerosmith, Oasis, The White Stripes) tras los controles, «Burning Bright» reúne una decena de composiciones de rock de amplio espectro. No es blues, ni es hard rock, pero tampoco es rock de corte más contemporáneo, sonido 90s o classic rock… es todo ello y más ya que la suma de los factores enriquece esas pinceladas individuales. Y es que en estos poco más de cuarenta minutos, Laura Cox consigue reunir un resultón conjunto de cortes que se venden solos. Es obvio que la francesa tiene habilidad para crear temas que repasan varias tendencias musicales, pero que sin embargo suenan en conjunto a obra compacta y, lo que es más importante, resultan atractivos a la oreja, sobre todo a medida que va aumentando el número de escuchas....

Leer más en https://www.rockandrollarmy.com/magazine/2019/10/02/laura-cox-burning-bright-earmusic-2019/ © https://www.rockandrollarmy.com/magazine
Grabado en los estudios ICP con Howie Weinberg (Aerosmith, Oasis, The White Stripes) tras los controles, «Burning Bright» reúne una decena de composiciones de rock de amplio espectro. No es blues, ni es hard rock, pero tampoco es rock de corte más contemporáneo, sonido 90s o classic rock… es todo ello y más ya que la suma de los factores enriquece esas pinceladas individuales. Y es que en estos poco más de cuarenta minutos, Laura Cox consigue reunir un resultón conjunto de cortes que se venden solos. Es obvio que la francesa tiene habilidad para crear temas que repasan varias tendencias musicales, pero que sin embargo suenan en conjunto a obra compacta y, lo que es más importante, resultan atractivos a la oreja, sobre todo a medida que va aumentando el número de escuchas....

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Christone "Kingfish" Ingram - Kingfish


Hace ya bastante tiempo que seguimos, con mucha atención, la carrera de este jovencito de apenas 20 años, aunque por su forma de tocar la guitarra parece que tuviera muchísimos más.
Este 2019 publicaba, bajo el paraguas de la discográfica Alligator Records, su primer álbum de estudio, titulado simplemente Kingfish, una primera entrega repleta de blues clásico, con alguna que otra píldora de blues rock más eléctrico y de influencias del blues del Delta. Quedaros con el nombre de Kingfish, creemos que en poco tiempo va a dar mucho que hablar.

Eternal Psycho - Your demons are real

Este grupo madrileño lanzó al mercado en 2019 su primer disco, grabado en los estudios SBA Radical de Área 51. Se autodenominan como metaleros, pero no quieren encasillarse en ningún estilo musical concreto dentro del Metal, lo cuál se percibe desde la primera escucha de su disco. Dentro de lo que podríamos llamar un disco de "Metal Melódico Industrial", ofrecen una gran variedad de diferentes sonidos y atmósferas dentro de cada uno de sus temas, con bases rítmicas contundentes y cuidadas armonías de guitarra, lo que le da al conjunto un toque ecléctico y diferente, haciendo la escucha del disco accesible tanto a los oídos más metaleros como a los menos iniciados en el género.


Bedouine - Bird Songs of a Killjoy


Segundo disco de la prometedora cantante siria Bedouine, que arrancó su carrera en 2017 con el homónimo Bedouine y en Junio de 2019 nos trajo este Bird Songs of a Killjoy en el que su suave voz es un regalo para el alma y los oídos. Es una propuesta diferente a otros discos que encontraréis en ésta y otras listas de mejores discos del 2019, y creemos que merece la pena prepararse un entorno tranquilo para una escucha relajada, sin estar sometidos a la esclavitud del tiempo y los mensajes entrantes del móvil, y dejar que las "canciones de pájaros" de Bedouine nos envuelvan suavemente.

 
El mató a un policía motorizado - La Otra Dimensión

Extraño y largo nombre para esta banda argentina de indie rock, que combina de manera efectiva el punk rock y el noise pop de guitarras distorsionadas. Buscaron ese nombre porque no querían un nombre típico, preferían algo que se saliera de la norma habitual. Viendo en versión original subtitulada la película "ROTOR", una especie de infumable cruce entre Robocop y Mad Max, en una de las escenas apareció el subtítulo "él mató a un policía motorizado", y de manera instantánea les gustó como nombre. Fueron una de las revelaciones del 2018 con su anterior disco, La síntesis O'Konor, nominado a Mejor Álbum de Rock en los Grammys Latinos de 2018. En 2019 atacaron de nuevo con La Otra Dimensión.

lunes, 6 de enero de 2020

Canciones que nos emocionan: Gypsy Eyes, Jimi Hendrix

Gypsy Eyes, jimi Hendrix 



     De Jimi Hendrix que se puede decir que no se haya dicho, escrito ó relatado ya, absolutamente nada, su aportación al mundo de la música y su legado son tan grandes que ha copado millones de paginas en periódicos, revistas y libros, amén de infinidad de documentalesy hasta películas. No voy a contaros su historia ni sus andanzas, las cuales son más que de sobra conocidas, pero si voy a hablar de sus temas, precisamente en la sección Canciones que nos emocionan que tenemos en 7dias7notas. Si bien es cierto que podría incluir unos cuantos, cosa que iré haciendo con el tiempo, voy a empezar con un tema que quizás no sea tan archiconocido como otros, o tal vez sí?

     James Marshall Hendrix nace el 27 de noviembre de 1942 en Seattle, Washington (Estados Unidos). Jimi siempre había querido tener una guitarra, pero su padre Al siempre se negó, y no fue hasta el año 1957, cuando Jimi hereda de la basura de una señora mayor un viejo ukelele de una sóla cuerda, instrumento que Jimi aprendió a tocar de forma completamente autodidacta. Al año siguiente, Jimi, que tiene apenas 15 años se compra su primera guitarra acústica, 5 dólares le costó aquel instrumento. Dicha guitarra se haría inseparable para Jimi, la tocaba varias horas la día mientras escuchaba artistas de blues. Jimi acababa de empezar a forjar su leyenda y todabía no lo sabía.

     Y llegamos al año 1968, Jimi junto a su grupo, The Experience, ya tiene publicados dos discos en estudio, Are You Experienced (1967) y Axis: Bold As Love (1967). Ese año Jimi Hendrix & The Experience, conformada por el propio Jimi y Noel Redding (bajo, guitarra rítimica y voz) y Mitch Mitchell (batería) publican el que sería el tercer y último álbum de estudio de la formación, Electric Ladyland, grabado a medio camino entre  Olimpic Studios de Londres y  Record Plant de Nueva York. Este disco empezó bajo la producción de Chas Chandler (manager de Hendrix), y Eddie Kramer y Gary Kellgren como ingenieros de sonido, sin embargo, Hendrix al parecer se había vuelto demasiado exigente y su caótica forma de trabajar no gustó a Chas Chandler, quien abandonó la producción y cortó lazos profesionales con Jimi, quien se encargaría de producir el disco él mismo.
Electric ladylan se lanzó al mercado el 25 de octubre de 1968, en noviembre ya estaba encaramado en el primer puesto de las listas de ventas en Estados Unidos, llegando al puesto número 6 de las listas de ventas del Reino Unido.

Well I realizes I've been hypnotized

I love you gypsy eyes

I love you gypsy eyes
All right

Gypsy
Way up in my tree I'm sitting by my fire

Wonderin' where in this world might you be

And known' all the time
Your still rollin' along the country side
Do you still think about me?
Oh my

Gypsy
Well I walked right on up to your rubble road side

The one that rambles on for a million miles

Yes I walked down this road searching for your love
And I found some too
But I found her I ain't gonna let go
I remember the first time I saw you

The tears in your eyes oh that girl's tryin' to say

Oh little girl you know I could love you
But first I must make my getaway
Two strange men fightin' to the death over me today
I'll try and meet you by the old highway
Hey!
Well I realize that I've been hypnotized

I love you gypsy eyes

I love you gypsy eyes
I love you gypsy eyes
I love you gypsy eyes
I've been searching so long

I think they made me lose the battle

Down against the road my worry knees
Off to the side I fall but I hear her sweet call
My gypsy eyes fine and I've been saved
Oh I've been saved
That's why I love you
I said I love you
Lord I love you

     Este disco se había convertido en el más exitoso de Hendrix hasta la fecha. Incluido en este disco nos encontramos con Gypsy Eyes, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, grabado en los Record Plant de Nueva York. Tema basado en un antiguo tema de blues, es un guiño a los Field Hollers, también conocidos como gritos de campo, que fue una manifestación musical afroamericana que había sido desarrollada en la época anterior de La Guerra Civil estadounidense. Estos gritos de campo eran canciones breves, medio habladas, cantadas y gritadas por los trabajadores del campo en los descansos, y que utilizaban para comunicarse entre sí. Gypsy Eyes fue un tema compuesto por Jimi en torno a la figura de su madre, Lucille. En este tema también hacía referencia a 2 hombres, que deseosos de alcanzar la fama y el dinero fácil, afirmaban ser el padre de Hendrix (Two strange men fighthin' to the death over me today / Dos hombre extraños peleando hasta la muerte por mí hoy). Jimi tocó el mísmo practicamente todos los instrumentos en la grabación de este tema.

domingo, 5 de enero de 2020

Rock Nacional Argentino: Tributo a Sandro un disco de Rock


Rock Nacional Argentino: Tributo a Sandro un disco de Rock 

El pasado viernes 4 de enero, se cumplió un aniversario de los cuales no queremos nunca festejar, que es la muerte de un artista, y más cuando ese artista es uno de los más queridos artistas que ha tenido un publico. 

Así que un homenaje y este tributo a Roberto Sánchez Ocampo, conocido como Sandro, un artista tan versátil como su carrera, canta-autor, actor, director de cine e incluso productor, pero no solo eso se podría decir, sino también uno de los padres del Rock Argentino, por ser uno de los primeros músicos en cantar en español, una carrera excepcional con 52 álbumes editados, más un récord de 8  millones de copias vendidas, y en la pantalla grande realizo 16 filmes. 

Uno de los pocos artistas argentinos que subió al escenario de Madison Square Garden de New York, y el primer artista en pisar el escenario del mítico Luna Park.


Su obra más famosa es "Rosa Rosa" que llego a vender dos millones de discos, y el tema "Tengo" según la revista Rolling Stones y la Cadena MTV es considerada la canción nro. 15 en el ranking de las 100 mejores canciones del Rock Argentino. 

Esta trayectoria y reconocimiento le valió en vida que le rindieran homenaje en el año 1998 grupos y cantantes de rock, del ámbito nacional como internacional, Bersuit Vergarabat, León Gieco, Molotov, Attaque 77, Los Fabulosos Cadillacs, Divididos, Aterciopelados, entre otros.

Si quieres escuchar las canciones del disco te dejo los link debajo: 

Tengo - Divividos
https://youtu.be/7uqNQDgNZC8

Por que Yo te Amo - Los Fabulosos Cadillacs
https://youtu.be/atp92B5XRBA

Rosa Rosa - Los Caballeros de la Quema 
https://youtu.be/30OQ9cinuPA

Una muchacha y una Guitarra - Bersuit Vergarabat
https://youtu.be/jAkpg73pa7A

Dame el Fuego de tu Amor - Ataque 77
https://youtu.be/lvPWXY33ZvU

Si yo Fuera un Carpintero - Leon Geico
https://youtu.be/ufrOaNXIhoY

Quiero Llenarme de Ti - Erica Garcia
https://youtu.be/ZPm1t7a6rVQ

Trigal - Los Visitantes
https://youtu.be/mP3t9eRJido

Penas - Aterciopelados 
https://youtu.be/vptAmUtUlQI

Atmosfera Pesada - Virus
https://youtu.be/eEcnx5Soxw4

Mi Amigo el Puma - Molotov
https://youtu.be/wyGxCaXZJnE

Asi - Javiera & los Imposibles
https://youtu.be/nsR7eF1Mmlc

Los artistas son eternos, y viven eternamente en el corazón de su publico, por todo ello Sandro es y sera eterno. 

Daniel 
Instagram: Storyboy 

viernes, 3 de enero de 2020

El disco de la semana 159: Porretas - Rocanrol

Rocanrol, Porretas



     Año 1985, Rober (guitarra y voz) y Pajarillo (bajo y voz), que además son primos y residentes en el barrio madrileño de Hortaleza, empiezan a tocar. No será hasta el año 1990, cuando consiguen ganar un certamen de música en el barrio en el que viven, a partir de ahí también se les unen José Cobela "el Bode" (guitarra y voz) y Luis (batería). Porretas van adquiriendo con el tiempo influencias de grupos como Judas Priest, Barón Rojo, Leño ó La Polla Records, lo que forja su estilo de sonido en torno al rock urbano y basado en el punk y el rock.


     Tras estar forjándose y haciendo de teloneros por multitud de sitios, en 1991, con mucha ilusión publican su primer álbum en estudio, Que se vayan a hacer puñetas. En 1992 publican su segundo trabajo de estudio, Si nos dejáis, grabado en sólo quince días. Disco que al igual que el primero tiene muchas influencias punk, unas influencias que con el paso del tiempo se irán suavizando y entremezclando con un rock contundente.

Pajarillo

     En 1993, el grupo tiene el apoyo de RCA, potente discográfica con la que acaban de fichar, y publican su tercer álbum de estudio, Última generación, un disco que situa al grupo dentro del panorama nacional del rock. Pero las cosas con RCA no van como se espera y Rober, Pajarillo y compañía no se encuentran cómodos, pues discográfica y grupo tienen diferentes puntos de vista de como hacer las cosas en el seno del grupo. Aún así, con RCA publican su cuarto disco de estudio en 1995, No tenemos solución. Para la producción de este disco cuentan ni más ni menos que con Rosendo, y el grupo además consigue vender la nada despreciable cantidad de 10.000, un notable éxito si tenemos en cuenta que el álbum no tuvo apenas promoción alguna.

     La ruptura con RCA es inevitable, ambas partes tiene diferentes formas de ver la cosas. El grupo ficha entonces con la modesta compañía discográfica alemana Edel, y en 1997 publican su quinto álbum de estudio, Baladas pa un sordo, su trabajo más maduro hasta la fecha, se nota que el grupo está en constante evolución y se va asentando con su propio estilo en el panorama nacional. Porretas además conseguía vender 20.000 de éste último trabajo.

     Y llegamos a 1998, el grupo se mete en los estudios Sonoland de Madrid y publican con la discográfica Edel su sexto álbum de estudio, Rocanrol, el disco recomendado para la ocasión por 7dias7notas. Un disco que contiene catorce temas donde sólo dos sobrepasan los tres minutos de duración, y como muy bien dice el título, es rocanrol directo y sin adornos. Un disco donde podemos observar que el grupo ha llegado a la madurez, tanto en la parte compositora cómo en la parte del sonido, con unas letras con buenas dosis de crítica social. Para la grabación del disco Porretas repitió la misma formula que en el anterior, repetían con Edel, el grupo se sentía cómodo con la discográfica, repetían estudio de grabación, los Sonoland estudios, y repetían equipo de producción con Carlos Martos a la cabeza. Resultado: un disco más que recomendable donde estos chicos de Hortaleza nos hacen disfrutar del auténtico Rocanrol, directo y sin aderezos.


jueves, 2 de enero de 2020

Historia del rock and roll: 26.- Año 1962





Las cosas empiezan a cambiar, los grandes de los 50 han desaparecido. El surf está en su mejor momento. La Motown va consolidándose y encontrando su sonido característico, en Inglaterra Cliff Richard y The shadows siguen siendo los dueños de la música en Inglaterra, pero este año aparecerían los primeros discos de The Beatles. El 1 de enero, The Beatles realizan una prueba de audición en la casa de discos Decca en la sesión grabaron 15 canciones, 12 fueron versiones de éxitos y tres canciones originales de Lennon y McCartney entre ellas “Hello Little girl” escrita por John Lennon.


El 5 de octubre de 1962 comienza la aventura discográfica del grupo más grande que han visto nuestros ojos, The Beatles, publican su primer single “Love me Do” compuesta principalmente por Paul McCartney, la canción comenzaba con una armónica de blues tocada por John Lennon, agregándose Lennon y McCartney como las voces principales simultáneamente. Llegaría al número 17 en Inglaterra…. El resto de singles de su carrera serian números 1. Acompañando a esta canción en la cara B del single publicaron “P.S. I Love you”, no está entre sus mejores canciones… pero da igual.



Este mismo año, este mismo mes coincide el estreno de The Beatles, con uno de los discos mas brutales que se han editado en la historia de la música, James Brown, alquiló el teatro Apollo de Harlem, alquilo un equipo de grabación y financió el disco y el resultado fue el álbum Live at the Apollo y lo primero que escuchamos cuando ponemos el disco es “I´ll go crazy”


Elvis Presley seguía centrado en el cine, y en octubre publicó un disco con la banda sonora de su última película, allí encontraríamos una de sus mejores canciones de los años 60, “Return to sender”. Roy Orbinson, el hombre con la voz de las tres octavas publica una de sus canciones más conocidas “Dream baby”. The Isley Brothes publican una canción que harían archiconocida The Beatles, nos estamos refiriendo a “Twist and Shout”. Cris Montez era un cantante y compositor de California ese año publica una canción de baile con ritmo de Surf y consigue un pelotazo mundial, “Let´s dance”. 

Dick Dale

Dick Dale fue uno de los precursores del sonido surf, este año publicaría “Jungle fever” convirtiéndose en uno de los grandes artistas del este género. Una canción popular griega instrumental se convertiría en uno de los temas más famosos del genero surf, máxime cuando apareció en 1994 en la película Pulp fiction, el tema se titula “Miserlou”. También en el género surf empezaban a dar sus primeros pasos el grupo The Beach Boys y consiguen un contrato con Capitol, los primeros singles fueron un pelotazo, el primero “Surfing Safari”, el segundo de los temas trataba sobre los coches y se tituló “409”. Otro de los grandes pelotazos de la música surf fue creado por The surfaris que improvisaron como cara B de un single el tema “Wipe Out” lanzándoles al éxito y siendo uno de los temas más representativos de este estilo musical. The chantays es otro grupo instrumental del surf, y como la mayoría con un solo éxito en su carrera, el suyo se titulo “Pipeline”


Bob Dylan
Estando en la Universidad comenzó a interesarse por la música folk mientras que empezó a tocar en los cafés de folk y allí se puso el nombre por el que el mundo le conoce, Bob Dylan, en 1961 viaja a Nueva York para probar suerte y en Octubre firma un contrato discográfico con CBS grabando 17 temas de los cuales dos eran composiciones suyas, el primero de las canciones fue titulada “Talkin’ New York” y ya descubrimos su sonido característico, la segunda llevaba por título “Song to Woody” homenaje a su idolatrado Woody Guthrie. A finales de 1962 publica su primer single, y aunque sus comienzos fueron acústicos para este primer single metio electricidad, el tema se titula “Mixed-up confusión


Little Stevie Wonder
The Marvelles publica “Playboy” que recuerda a su éxito Mr. Postman, el grupo femenino seguía dando alegrías a The Motown. The Contours era un grupo menor de la Motown, Berry Gordy tenía una canción que pensaba que podía ser un éxito y tras ser despreciada por distintos artistas recayó en ellos, “Do you Love me” rompió las pistas de baile. Este fue el año fue cuando a los 11 años Stevie Wonder edita su primer single para la Motown, artista ciego desde los pocos días de su nacimiento nunca supuso un impedimento para desarrollar su carrera, la canción paso desapercibida a pesar del largo titulo “I Call It Pretty Music but the Old People Call It the Blues” en aquellos años se hacia llamar Little Stevie Wonder y era un artista multinstrumental. The Miracles publica “You´ve really got a hold me” una canción escrita mientras pensaba en Bring It On Home To Me de Sam Cooke que posteriormente versionarían The Beatles





Sam Cooke el rey del soul publica una de sus canciones más conocidas, “Twistin’ the night away”. Ese mismo año también publica “Bring it on home” una de las canciones más versionadas del autor. The Four seasons era una de las bandas más famosas en Estados Unidos y una de las que más vendían, con Frankie Valli a la cabeza ese año publicaron la melosa “Sherry” que les aupó al número 1. Marvin Gaye era un pianista, compositor y batería, nacido en Washington y le llamaron el príncipe del Soul, en 1961 ficha por la Motown, en septiembre de 1962 por fin se hace un nombre en el mundo de la música con “Stubborn kind of fellow”.


Booker T. & the MG´s

John Lee Cooker fue un compositor, cantante y compositor, está considerado uno de los grandes del blues eléctrico, en abril de 1962 publica uno de sus grandes éxitos “Boom boom”
Booker T. & the MG´s era un grupo multirracial del Memphis formado como grupo de estudio para el sello Stax donde grabaron muchas canciones para otros artistas, un dia se pusieron a improvisar a modo de calentamiento y salió esta maravilla titulada “Green Onions” que el sello no dudo en lanzarlo. Little Eva, era la niñera de Carole King y Gerry Goffin, estaba metida en el mundo de la música y estos le dieron una canción para que probara suerte…. “The Loco-motion” se convirtió en un pelotazo

miércoles, 1 de enero de 2020

Canciones que nos emocionan: 1,2,3... Funky!!!



Iniciamos hoy un recorrido por lo más destacado de la música funk, género musical surgido a finales de los años 60, como una escisión o evolución de géneros afroamericanos como el soul, el jazz y el R&B, combinada con ritmos latinos y africanos, que comparte similitudes con la llegada, casi al mismo tiempo, de la música disco en los 70. En su sonido más característico, el funk descarta la melodía y aspectos más armónicos, para potenciar y dar protagonismo al ritmo del bajo eléctrico y al poder de la percusión. Los grupos de música "funky" se basaban en instrumentos rítmicos (guitarra y bajo eléctricos, órganos Hammond, batería y percusión) y habitualmente iban acompañados de una sección de viento basada principalmente en saxos y trompetas

La palabra funk refiere a un olor corporal fuerte y desagradable, y su utilización inicial era de carácter ofensivo, pero en la jerga del jazz tiene una connotación de fuerza y energía positivas, de ritmo sincopado y bailable, y de algo más terrenal y auténtico. Se asociaba a composiciones de ritmo duro e insistente, alejadas de las melodías románticas del R&B, que transmitían poderosas sensaciones corporales. La temática sexual y festiva siempre estuvo presente, con el funk es el sexo y no el amor el que "está en el aire".

Hecha la introducción, que mejor explicación que ir directamente a las canciones, y en esta ocasión empezaremos con el considerado como "El Padrino del Funk", James Brown, el músico en el que más evidente fue el cambio de estilo, del soul con tintes gospel que practicaba al funky abrasivo de Hot Pants, dónde encontramos las bases más representativas del género: Batería machacona y contundente, bajo eléctrico mandando con un repetitivo ritmo, y golpes de guitarra eléctrica como breves ramalazos rítmicos. Y como aderezo, la increíble sección de vientos que le acompañaba, con Maceo Parker a la cabeza, saxofonista destacado del género y proveniente de la escuela del jazz.


Presentado el padrino, pasamos directamente a hablar de los hijos pródigos, bautizados en el funk de Nueva Orleans, y para mi gusto el mejor grupo de funk que he escuchado. Me refiero a The Meters, cuyo disco Rejuvenation es una auténtica joya de la música funky (podéis leer la reseña del disco completo en el disco de la semana 2 de este blog)  y que arranca con un poderoso ritmo de guitarra en People Say, que desde el primer momento te hace mover el cuerpo al ritmo de la música. Le seguirán la batería y el bajo, y ya no habrá vuelta atrás, el funky habrá entrado en tu cuerpo para no marcharse ya.


Cerraremos esta primera entrega con una referencia histórica a la que muchos consideran la primera canción "funky". Años antes de los primeros temas característicos del género, del cambio de estilo de James Brown y otro de los grandes del género, y de la aparición de grupos como los Isley Brothers, los Commodores o Chic, por mencionar sólo algunos, Lee Dorsey interpretó en 1965 el tema Get out of my life woman del compositor Allen Toussaint. La interpretación de Dorsey contiene muchas de las características del género, desde la rotunda batería al ritmo repetitivo o la sección de vientos, el germen del funk ya se intuía en este viejo tema, auténtica rareza con la que de momento nos despedimos. Sobran ya más palabras, es el momento de poner estas tres canciones en una lista de reproducción y... 1,2,3 Funky!!!!

lunes, 30 de diciembre de 2019

La musica en el cine: Grease




No nos engañemos, si has nacido en los 60 o a principios de los 70 hay un musical que ha estado presente en tu vida, que quizás no tenga la mejor música, que quizás cinematográficamente no es un desecho de virtudes, pero lo que si tengo claro es que la mayoría de esta generación ha gozado plenamente con las andanzas de Danny Zuko y Sandy y sobre todo has bailado y cantado las canciones de la banda sonora.

Los artífices de cantar las canciones en la banda sonora es John Travolta, que por aquel entonces estaba en la cima del éxito con apariciones en películas como "Fiebre del sábado noche" o "Carrie" de Brian de Palma. La otra interprete es Olivia Newton John, la cantante britanica estaba también gozando las mieles del triunfo y se había trasladado a Estados Unidos, ellos eran los encargados de representar los papeles principales en un musical que se desarrollaba en los años 60 y que iba a reflejar las andanzas de un grupo de jóvenes estudiantes en plena explosión de la música de rock.



Para la realización de la banda sonora se buscó música de aquella época, quizás el tema más pegadizo es con el que termina la película, titulado "You're The One That I Want" escrita para la película por John Farrar que había trabajado con Olivia Newton John y en el pasado había colaborado con el grupo The Shadows, la canción es pura adrenalina y ese cortejo entre los dos protagonistas han pasado a ser una de las escenas icónicas del cine del Siglo XX. Pero además de este tema la pelicula esta plagada de buenas canciones. Otro de esos buenos temas es “Grease Lightnin” ¿Quién no ha imitado el "Grease Lightnin" de John Travolta y el resto de los T-Birds en su taller mecánico? Esta canción esta compuesta por Jim Jacobs y Warren Casey. Y siguiendo la senda del ritmo el tema que da titulo a la pelicula “Grease” compuesta por Barry Gibb, cofundador de The Bee-Gess y cantada por el gran Frankie Vallie que durante los años 60 habia sido uno de los mas grandes artistas americanos con su banda The Four Seasons.

Pero si algo caracteriza la película vista desde hoy en día o desde la fecha de sus estreno es la melancolía de una época donde la inocencia y la rebeldía estaban enfrentándose a la juventud de aquella sociedad, y el amor, como no el amor, y el que la película está plagada de canciones de amor donde el protagonismo lo toma Olivia Newton John, empezando por esa "Summer Nights" que fue uno de los singles más exitosos del álbum y en esta ocasión se convierte en un dúo entre John Travolta y Olivia Newton John, la canción nos cuenta el romance que ellos tuvieron el verano anterior, pero ojo, cada uno tiene una versión contrapuesta, para ella ha sido un amor romántico, ideal, lleno de delicadeza, para él una rollo de verano que no paso de ser algo sexual…. Si queréis saber cuál es la verdad os tocara ver la película, aunque dudo que no hayáis visto aún. Otro de los temas románticos y que sin duda ha conmocionado a los amantes de la música romántica es el "Hopeless Devoted to You" una canción muy tierna cantada por Olivia Newton John donde declara su amor incondicional a John Travolta, y por parte masculina podemos encontrar la que canta John Travolta dedicada a su chica “Sandy” otra canción de amor donde lamenta que no pueda tener una relacion formal con la chica que conoció ese verano ya que es miembro de una banda de macarras y esas relaciones no están  bien vistas en el grupo.


 
Terminamos, simplemente diciendo que no vamos a encontrar la excelencia musical en esta banda sonora, ni siquiera es necesario e incluso muchas veces recomendable un poco de fast food, pero no será difícil escucharos tararear algún tema si habéis visto la película y disfrutar un poco porque sí, sin preguntarse qué coño estoy haciendo, y si vuestra banda os juzga y os dice que coño hacéis, ser más inteligentes que Danny Zuko y no os escondáis…… demostrarlo y decirnos vuestra favorita de esta banda sonora.

domingo, 29 de diciembre de 2019

El Navegador del Rock: Luna Park


El Navegador del Rock: Luna Park

Si vas de visita por Buenos Aires, no dejes de visitar un mítico estadio ubicado en el centro de la ciudad, su nombre Luna Park, construido en 1931.

Se podría decir que antecesor al Madison Square Garden (inaugurado en 1968) o Palais des Sports de París (inaugurado en 1960) el Luna Park, albergo y alberga diferentes eventos artísticos y deportivos, testigo de algunos de los eventos más importante de la historia Argentina.

Ubicado entre las calles Bouchard, Lavalle, y las avenidas Corrientes y Eduardo Madero, en la ciudad de Buenos Aires, donde un país entero despidió los resto del cantante Carlos Gardel, uno de los artistas más importantes de la argentina, pero también sede del boxeo, en su interior lucharon boxeadores de la talla de Nicolino Locche, José Maria Gatica y Carlos Monzón, pero no solo el deporte llenaría sus tribunas, en su pagina negra en 1938 fue sede de manifestantes Nazis, pero también recibió al Papa Juan Pablo II, el Luna Park hoy convertido en monumento histórico, también recibió a Frank Sinatra el 9 de agosto 1981.


Más artistas de la escena internacional pasaron por sus escenarios, de los cuales podemos mencionar algunos de los artistas de la talla de los Red Hot Chili Peppers, el fundador Mark Knopfler de Dire Straits, los irlandeses The Cranberries, y un duo muy querido por todos los Argentinos, Joaquin Sabina y Joan Manuel Serrat, quienes permanecieron 18 días en el escenario del Luna Park.

En la escena loca, el Luna Park se convirtió en el lugar predilecto de todo artista argentino, alcanzar su escenario es sinónimo de éxito, los artistas Argentinos como Ataque 77, Los PiojosDivididos, Las Pelotas, Los Auténticos Decadentes, Ciro y Los Persas, y tantos otros exponentes del Rock Argentino.

Así que ahora ya sabes si vienes por Buenos Aires, este debe ser uno de los lugares imperdibles que debes visitar de la historia de la música, por ello desde 7Dias7Notas y nuestro Navegador del Rock te lo recomendamos.


Daniel 
Instagram Storyboy


sábado, 28 de diciembre de 2019

La música en historias: La rosa de William

Axl Rose



     William Bruce Rose Jr. nace en Lafayette, Indiana, en 1962, con apenas 3 años sus padres se separan y se queda con su madre Elizabeth, la cuál se casa con Stephen, hecho que marca el cambio de nombre de William, pues su madre se lo cambia poniéndole el apellido de Stephen, quien será su padrastro, William Bruce Bailey.

     La familia de William era muy religiosa, y ya desde pequeño era obligado a asistir junto a sus dos hermanos a una iglesia pentecostal. Allí empieza a cantar en el coro de la iglesia desde los 5 años, haciéndolo también en el colegio al que asiste, el Jefferson High School, donde aprende a tocar el piano, y algo de guitarra y batería.
La educación de William se produjo de forma opresiva debido al fanatismo religioso de su padrastro, llegando a sufrir tanto él como sus hermanos y su madre agresiones físicas. Era tan fanático Stephen que sólo les dejaba ver la televisión una vez a la semana, pues consideraba que ésta era un instrumento satánico.

     William, se entera con 17 años que su padrastro no es su padre, hecho que siempre le habían ocultado, por lo que decide adoptar el apellido de su verdadero padre, Rose.
La educación y malos tratos que recibió William marcan su infancia y adolescencia, antes de cumplir 18 años ya había sido arrestado más de 30 veces, por pequeños robos, provocar disturbios, fumar marihuana ó estar borracho en la vía pública. Tampoco destacó por ser precisamente un alumno brillante, tan siquiera por ser una alumno normal, pues solía escaparse de la escuela asiduamente, William pensaba que aquella no era una forma correcta de educar a la gente.

     A loa 17 años se marcha de casa y se establece en Los Angeles, California. Allí en Los Ángeles quiere explotar sus habilidades musicales, su pasión, ya que siempre ha querido hacer carrera en el mundo de la música.
Además de su pasión por la música, también tiene pasión por los tatuajes, y acabará haciendose varios durante su vida, todos con un significado especial para él, y que acabarán marcando su personalidad.

     El primer tatuaje que se hace William, en el brazo izquierdo, es un corazón partido por la mitad en dos colores, rojo y negro, y a los lados del corazón hay desplegadas dos alas caídas, y en el ángulo superior del tatuaje se puede leer la inscripción "Rocker". El segundo tatuaje que William se hace es en la parte superior de su brazo derecho, este tatuaje al parecer fue un regalo de cumpleaños de su primera novia, llamada Gina Silder. El tatuaje consistía en una rosa negra, la misma rosa negra que aparece en la portada del disco titulado Black Rose (1979) de Thin Lizzy. Thin Lizzy era una de las bandas favoritas de William. Además este tatuaje marcaría el paso final de la transformación artística de William, que a partir de ahí pasaría a llamarse Axl, el mismo Axl Rose que marcaría una época dorada y nos haría disfrutar tanto con Guns & Roses, pero eso es otra historia............

Black Rose, Thin Lizzy