Canciones que nos emocionan: Jingo, Santana

Jingo (1969), Santana

     1966, Carlos Santana, un jovencito mexicano de apenas 19 años funda la banda Santana, una banda que sería pionera en la fusión de la música latina y el Rock.

     Carlos Santana nace en 1947 en Autlán de navarro, Jalisco (Mexico), como su padre era mariachi y tocaba el violín en un grupo de mariachis, es éste intrumento el primero que aprende a tocar, pero pronto empieza a interesarse por la guitarra influenciado en un principio por Ritchie Valens. En 1955 Santana se muda con su familia a Tijuana y allí comienza a estudiar guitarra teniendo como referentes en sus comienzos a músicos como B. B. King, T-Bone Walker ó John Lee Hooker entre otros. Es en esa época cuando Santana se dedica a tocar en grupos locales, siendo la más destacable quizás Los T.J.'s, grupo donde curiosamente Santana toca el bajo. 

     En 1961 Santana vuelve a mudarse con su familia a San Francisco, California, donde sigue estudiando y practicando música y además aprende inglés, consiguiendo la nacionalidad estadounidense en 1965. Santana por cosas de la fortuna se encuentra en San Francisco, lugar donde por aquél entonces había una creciente escena musical en todo el área que rodeaba la Bahía de San Francisco.

     Santana decide dejar su empleo de lavaplatos en 1966 para dedicarse por entero a la música. Uno de los sitios que visita asiduamente es el famoso club Filmore East. Estaba programado que un domingo por la mañana tocara allí el músico Paul Butterfield, pero éste se pone enfermo y no puede tocar, por lo que el dueño y promotor del club, Bill Graham tiene que improvisar rápidamente una banda para suplirlo. Graham tiene elegidos todos los músicos menos el guitarrista, y aquí entra en escena Stan Marcus, quien por entonces es el mánager de Santana y convence a Graham para que le fiche para esa actuación. En esa actuación Santana consigue llamar la atención tanto del público cómo del mismisímo Graham.

Animado por este hecho Santana decide formar su propia banda y ficha a musicos procedentes de la calle, David Brown (bajo), Marcus Malone percusión) y Gregg Rolie (voz y órgano). Con esta formación consigue firmar un contrato con la discográfica Columbia Records y el grupo pasa a llamarse Santana Blues Band para pasar a llamarse poco después definitivamente Santana. 

     La formación de Santana poco después sufre algún cambio, quedando conformada por el mísmo Santana (guitarra y voz), Dave Brown (bajo), Mike carabello (congas y percusión), Mike Shrieve (batería), Gregg Rolie (piano, órgano y voz) y José Chepito Areas (timbales, conga y percusión). Es ésta formación la que publica el primer álbum, llamado Santana, un disco que contiene la mezcla y fusión de música latina, rock e incluso africana, que está grabado a modo de jam session. Un disco para mí indispensable que contiene temas como el legendario Soul Sacriface, Evil Ways ó Persuasion. En éste disco también se encuentra el tema en el que me voy a centrar en esta ocasión y que es otro de esos que a mí tanto me emociona, Jingo.

Jingo

Jingo

Jingo

Jingo Ba

Lo

Ba, Ba, Lo

Ba, Ba, Lo

Ba, Ba, Lo

Ba, Lo

Ba, Ba, Lo

Ba, Ba, Lo

Ba, Ba, Lo

Ba

Jingo

     Jingo es una versión del famoso tema Jin-Go-La-Ba, del famoso baterista nigeriano Babatunde Olatunji, que emigró a Estados Unidos en 1950 y se hizo hueco en el difícil circuito de Jazz americano con su estilo con mezclas y raices de música africana. Jin-Go-La-Ba fue grabado por Babatunde en 1959 e incluido en su disco Drums of Passion. 

Santana utilizó dos percusionistas y un batería para grabar Jingo. Partiendo de la batería de Mike Shrieve quien procuró mantener lo más fielmente posible los patrones originales del tema Jin-Go-La-Ba en la batería, Santana le añadió dos percusionistas como base de esta maravillosa versión, rodeándo el tema con ritmos latinos y luego añadió su inconfundible guitarra. El resultado fue sencillamente espectacular.

     Se da la circunstacia de que la banda de Santana recibió una invitación para tocar dos semanas antes de la publicación de este álbum en el mítico Festival de Woodstock, celebrado en agosto de 1969. Dicha invitación la consiguieron gracias en parte a Bill Graham, el cuál era un apasionado de la música latina, y Santana le había tocado la fibra, le encantaban, por lo que les consiguió una invitación para tocar allí.

La actuación de Santana en aquel festival fue memorable, para la historia quedan ya sus míticas interpretaciones de temas como Soul Sacriface o Jingo, temas que tocaron antes de que se publicara el disco y que consiguieron un enorme éxito entre el público asistente a Woodstock, lo que ayudó a que una vez publicado el disco vendieran más de dos millones de copias.

El disco de la semana 150: Ruido Blanco - Soda Stereo

Disco de la semana 150: Ruido Blanco - Soda Stereo 

Ruido Blanco, no es el aviso de que este pronto el invierno, o que se avecine una tormento, sino la recomendación de esta semana de un disco de una de las bandas de rock Argentina más reconocidas, para Soda Stereo este disco será su primer disco que la banda realizará en vivo durante su gira de promoción del disco Signos, los países que la banda recorrerá, no será sólo Argentina, sino también Chile, México, Perú y Venezuela. 

El álbum fue lanzado el 01 de noviembre de 1987, y esta recomendado en la lista de los 100 discos que debes tener antes del fin del mundo, publicada en 2012 por Sony Music. Y es una recopilación de los discos que al momento la banda había editado, pero este disco arrancara con “Signos”, la canción que pone nombre a su último disco de estudio (hasta el momento), con este sonido no tenemos forma de no quedar atrapados, y querer seguir escuchando el resto del disco, el sonido de dos guitarras sin bajo, y una de ellas acústica convierte a esta primera canción en una interpretación sencillamente preciosa, donde Gustavo Cerati (Lider de Soda Stereo) demuestra todos sus sentimientos.

Soda Stereo en Viña del Mar 1987 (Signos)

“Juegos de Seducción” aquí Gustavo (Cerati) lo vuelve hacer, a través de una letra y guitarra sensual, logra alcanzar el éxtasis y sobre todo con el solo de guitarra de la parte final. Tienes que usar la imaginación y dejarte llevar por el juego. 

Soda Stereo - Juego de Seducción - en Guayaquil, Ecuador

El tercer tema de este disco será "Persiana Americana", como interpretando una escena de 9 semanas y media, todo transcurre tan sensual tan lentamente y “el ventilador va desgarrando, las ropas caer, mientras observas fuera de foco, sintiendo que estas al borde de la cornisa, casi a punto de caer”, la versión de Ruido Blanco en vivo destaca los teclados de Fabián Quintero, el mismo que participara en la grabación de estudio del disco, esta es de las canciones que quisieras escuchas siempre. 

Soda Stereo - Persiana Americana - Perú 1987

"Sobredosis de T.V", se puede decir que su sonido electrónico, más dance, acompaña esta versión, debo decir que no lo sabia, el coro que fueran parte de Supremes que acompañaría a Diana Ross, como así un grupo de músicos Venezolanos, que también acompañarían a Zeta Bosio en "Estoy Azulado".  

Soda Stereo - Sobredosis de TV - Viña del Mar 1987, Chile

Soda Stereo - Estoy Azulado - en Lima, Perú

Pero uno de los temas que hace que valga la pena llegar a esta parte del disco es "Final Caja Negra", con un sonido a rock electrónico de las bandas británicas de los años 80, la batería de Charly Alberti y la guitarra de Gustavo Cerati, te demuestran porque Soda Stereo ha estado y estará entre las mejores bandas de la historia del Rock Nacional, creo que la banda supo elegir muy bien los temas a sumar en este disco en vivo, nuevamente deja todo a la imaginación en sus letras, pero posiblemente todo se descubrirá a través de la caja negra “Y sin embargo esperas un laberinto sin sorpresas; y sin embargo aún puedes abrir tu caja negra” 

Soda Stereo - Final Caja Negra 1987 - Perú

"Cuando pase el Temblor", es uno de los clásicos de la banda, donde la banda fusiona sonidos originarios de la música andina de los pueblos del norte de la Argentina, sonidos Reggae y el new wave, la letra nuevamente da para muchas interpretaciones, podría ser producto de una crisis social, o quienes la interpretan un órgano vivo que siente. 

Soda Stereo - Cuando pase el temblor - México

"Vita-Set", nuevamente Soda, recurre a sus primeras canciones fusionando dos de ellas “Te hacen falta vitaminas” y “¿Por qué no puedo ser un jet – set?”, ambos temas llevan un sonido Ska y Jamaicanos que usara la banda en sus primeros discos, demuestra la versatilidad de la banda en como fue cambiando de sonidos, Soda Stereo demostrara a futuro el potencial de incursionar en nuevos sonidos. 

Soda Stereo - Vita -Set 1988, Estadio Obra Sanitarias, Buenos Aires - Argentina

Y llega el momento de finalizar el disco con "Prófugos" tema que donde la banda da libre libertad en esta versión, dando la sensación de divertirse, jugando con la improvisación, liberando ataduras de la composición misma de la versión de estudio, una muy buena forma de finalizar un disco. 

Soda Stereo - Profugos - en Lima, Perú

"Ruido Blanco" no es ni más ni menos, un disco que recopila los grandes éxitos de la banda, realizados hasta el momento, no serán los únicos éxitos que tendrán, Gustavo Cerati, Chaly Alberti y Zeta Bosio, tendrán un largo camino por recorrer y muchos más éxitos en su haber, pero realmente hasta este momento habían demostrado que realmente sabían hacer mucho ruido, y con los años demostrar que fueron, son y serán, la banda de Rock Argentino considerados como referentes obligada del rock latinoamericano.

Soda Stereo es parte de la historia obligada del Rock Nacional, esa historia que agradezco haber vivido, y escuchado, por todo ellos GRACIAS TOTALES. 

Daniel

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Historia del rock and roll: 19.- Ray Charles

Ray Charles Robinson (1930-2004) nació en Albany, Georgia. Hijo de un mecánico y un trabajador rural, se mudó con su familia. a Greennville, Florida. Entre los 5 y 10 años se quedo ciego, sin saber la causa. Estudió en St. Augustine College en Florida, una escuela especializada para ciegos y sordos. Aprendió a leer, escribir y componer por sistema Braille. También aprendió a tocar varios instrumentos musicales, especialmente el piano pero lo que mas le llamaba la atencion era la musica clasica. Cuando era adolescente, quedó huérfana por padre y madre. En 1948, influenciado por su ídolo Nat Kin Cole, fundó el grupo "McSon Trio", también conocido como "Maxim Trio". En 1950 se unió a Lowll Fulson, un cantante y guitarrista de blues, y con él comenzó una serie de giras por todo el país. En 1953 fue contratado por Atlantic Records y desde entonces se hizo conocido como un destacado cantante de Rhythm & Blues. Ray Charles vivió en Nueva Orleans y Texas. Después de unirse a la cantante Ruth Broown, formaron una banda en la que David Newman se unió al saxofón y Joe Bridgewater en la trompeta. Con los años, Ray Charles ha reunido los elementos del blues con el gospel y el rock & roll.

En 1954, su canción "I Got Woman" fue muy exitosa y le situo en la cima de las listas de exitos,  más tarde fue grabada por Elvis Presley. Luego vinieron otros éxitos como "Talkin 'Bout You". Participó en proyectos de músicos de jazz como Milt Jackson, con quien grabó "Soul Brothers". En 1959 publico una de sus canciones mas famosas, "What'd I Say". En 1959, en el sello ABC-Paramount, alli consiguio tener mas congtrol sobre sus producciones, el primer gran exito que Charles grabó fue su famosa "Georgia on My Mind", que más tarde se convirtió en la canción oficial del estado de Georgia. En diciembre, sorprende al mercado con una versión de "I'm Movin' On", un clásico Country de Hank Snow, que sube a los primeros puestos de las listas de éxitos. Su manera de cantar y tocar el piano influyó en el desarrollo del soul popular y sirvió como nexo de unión entre los estilos modernos del blues y la primera tradición del country blues. Ray Charles destacó sobre todo como autor e intérprete de "gospel" y "blues", combinados con algunas dosis de rock. En 1961 publica otro de sus grandes exitos "Hit the Road Jack" fue ese mismo año cuando tuvo una fuerte polémica que le marcaría ya que estando en el mismo estado de Georgia, cancelo de motu propio un concierto por la segregación racial, por lo que tuvo que pagar los costes y su imagen para los promotores de conciertos se vio muy deteriorada, aun asi no se arrepiente, siempre ha sido un gran activista a favor de la igualdad de derechos entre razas. Otros de sus grandes temas se publico en ese año, nos referimos a "Ruby" o "Lonely Avenue"

En 1965, Ray fue arrestado por posesión de heroína, a la que fue adicto durante 17 años. Fue su tercer arresto por el delito, pero pudo evitar ir a prisión después de dejar el hábito en una clínica en San Francisco. Pasó un año en libertad condicional y realizó el "Let's Go Get Stoned". En 1967 realizo el tema principal para la película "In the heat of the night", titulada de la misma manera que la canción y protagonizada por Sidney Poitier como Virgil Tibbs, un detective afroamericano que sufre prejuicios raciales mientras intenta resolver un asesinato en una pequeña ciudad del sur. Logró un total de 12 premios Grammy, nueve de ellos entre 1960 y 1966.

Durante los años 70 y 80 su fama descendió notablemente, aun asi nos regalo temas como "American the beautiful" basada en un poema escrito en algún momento de la década de 1890 por una profesora de inglés de Wellesley College llamada Katharine Lee Bates, quien la escribió como un poema.

Como pianista, también consolidó un estilo propio: marcado y percusivo; fue casi insuperable dentro del estilo del blues negro. Charles acostumbró al público a oír acordes superpuestos, ritmos frenéticos o melodías suaves y cadenciosas en las baladas. Tocaba también, aunque muy empíricamente, el saxo. "El blues y el rhythm and blues son una manera de vivir más que un estilo musical", había afirmado. Sobre esa afirmación y, sobre todo, sobre sus bases musicales se edificó en los años sesenta la explosión volcánica de la música soul. Mientras era considerado como el padre de ese movimiento,

Resultados canciones favoritas españolas de 1980

En 1980, lejos de nuestro país, tuvimos que decir adiós prematuramente a un genio, John Lennon, que murió asesinado por cinco balazos en manos de Mark Chapman un fan en la entrada de la residencia donde vivía con Yoko Ono. En nuestro país la movida madrileña campaba a sus anchas en el panorama musical, decenas de grupos surgían de los garitos de toda España intentando hacerse un hueco en el panorama musical, pero también quedaban artistas de los 70 que poco a poco iban adaptándose a los nuevos tiempos que les tocaba vivir. Todo era una explosión de sonido, colores y de buen rollo.

Finalizada la votación donde han entrado a concurso 48 canciones los resultados finales que mediante las votaciones en la cuenta de Twitter @7dias7notas hemos tenido ha sido la siguiente:

En las puertas de la final se quedaron:

10.- Zombies.- Groenlandia. Una canción compuesta por Bernardo Bonezzi cuando contaba 13 años, el considerado el Mozart de la movida Madrileña, editaron 2 discos ya que Bonezzi decidió dedicarse a otros proyectos, esta canción fue la que mayor repercusión tuvo y esta siempre incluida en los recopilatorios sobre la movida madrileña. Cuenta con un curioso video grabado en Palma de Mallorca

9.- Radio Futura.- Divina. El grupo Madrileño realiza un homenaje a David Bowie y al glam en este tema, perteneciente a su primer álbum titulado Musica Moderna, y es una versión en castellano del éxito del grupo británico T-Rex (primer grupo Glam de la historia) titulada Ballrooms of Mars, la propia canción de Radio Futura lleva el subtítulo de Los Bailes de Marte. La canción esta dedica a Olvido Gara

8.- Tequila.- Dime que me quieres. Aquí encontramos con otra banda de la movida madrileña, aunque en este caso dos de sus componentes son argentinos. Tequila quiso ser la versión española de Los Rolling Stones, pero lógicamente quedaron muy lejos de ese objetivo, aun asi nos han regalado algunos himnos como Rock & roll en la Plaza del Pueblo de su primer álbum o este Dime que me quieres que cerraba el tercer disco del grupo.

7.- Leño.- La noche de que te hablé. La banda de rock formada por Rosendo Mercado fueron el máximo exponente de lo que se denomina Rock Urbano. En 1980 se encontraban en la cima del éxito y lanzaron su segundo álbum Mas madera que contiene este éxito.

6.- Burning.- No es extraño que tu estés loca por mí. La banda de Pepe Risi surgió antes de la movida madrileña, Burning nació en 1974 como un grupo que cantaba en Ingles y sin duda fueron unos pioneros al intentar implementar un estilo musical que en nuestro país no se daba de ninguna manera. En 1980 Eloy de la Iglesia, máximo exponente del cine quinqui y uno de los directores malditos de aquella época les pidió a Burning que compusieran algunas canciones para su película Navajeros.

5.- Antonio Flores.- No dudaría. El hijo de la archifamosa folclórica Lola Flores y del guitarrista El pescaílla se estaba labrando una carrera artística lejos de las faldas de su madre, y en 1980 publicaría el que fue su primer disco y cuya canción bandera del mismo fue este tema, que representa un NO a la violencia, aunque se puede entender entre líneas como es el propio autor el que realiza un grito afeando lo que era en ese momento y lo que habían hecho las drogas con su persona.

4.- Miguel Rios.- Santa Lucia. Nuestro primer espada en el rock en solitario de los setenta se nos ha enternecido, y es que este tema que nos ocupa nada tiene que ver con lo que hasta ahora nos había ofrecido, y como suele ocurrir en algunas ocasiones, le deparó el que quizás fue su mayor éxito hasta la fecha. Es una balada de amor, de dos personas que están manteniendo una relación solo por teléfono, pero a la que ninguna de ellos quiere renunciar por algún motivo, es por ello que el título hace referencia a la patrona de los ciegos. Fue una canción que subió mucho la temperatura a la juventud de aquel entonces y que dio para más de una declaración de amor.

… y vuestro TOP 3

3.- Los Secretos.- Déjame. Escrita por Enrique Urquijo, déjame, tuvo una breve aparición en 1978, en un grupo que se llamaba Tos y que fue predecesor de Los Secretos, pero su carrera no fue muy exitosa, con lo que decidieron rescatarla en el primer EP que lanzo el grupo, consiguiendo un éxito inesperado y totalmente arrollador y se ha convertido en la canción insignia del grupo. La canción de desamor como muchas de este grupo ha tenido múltiples versiones.

2.- Triana. - Tu frialdad. ¿Es esta quizás la canción más accesible y sencilla de Triana? No somos nosotros quien lo tenemos que decidir, lo que si podemos argumentar que fue con este tema con el que consiguieron el único número 1 en toda su carrera, que en 1980 habían decidido dejar de experimentar con el rock flamenco progresivo y tratar de hacer algo más comercial, acorde a los nuevos tiempos que corrían. Es cierto que nos deja un poco fríos, los que adoramos esa primera etapa no podemos más que seguir rendidos ante esta nueva etapa, porque Triana y Tu frialdad rellenan una de las páginas más sublimes de la música en España.

1.- Nacha Pop.- Chica de ayer. La ganadora no ha sido otra que un himno de toda una generación, un himno a una etapa musical en España que encabezó este sencillo tema escrita por Antonio Vega mientras hacia la mili en Valencia, y que fue el estandarte del primer álbum del grupo que creo junto a su primo y que ha sido elegida por la revista Rolling Stone como la segunda mejor canción española de todos los tiempos. Y es que este tema que destila una gran tristeza melancólica, ha sido cantado o escuchada compulsivamente por casi todos los que tenemos cierta edad, es un refugio lleno de emociones donde poder navegar en el recuerdo, en lo que ha podido ser y en lo que quizás nunca será.

Canciones que nos emocionan: Remedy, Black Crowes

Remedy, The Black Crowes

    

     En 1992 la banda de rock sureño Black Crowes tenía en su haber su primer disco de estudio, Shake Your Money maker, un disco con el que los hermanos Robinson se habían dado a conocer en el panorama musical internacional. Este disco había sido todo un éxito tanto en crítica como en aceptación del público, y ahora tenían la difícil misión de mantenerse en la cúspide del éxito que ése primer disco le había reportado. La formación había sufrido algún cambio en sus filas quedando el grupo conformado por Chris Robinson (voz), Rich Robinson (guitarra), Marc Ford (guitarra), Johnny Colt (bajo), Steve Gorman (batería) y Eddie Harsch (teclados). 

     Ese año el grupo se pone manos a la obra y en mayo publican su segundo álbum de estudio, The Southern Harmony and Musical Companion, si bien en su primer disco el grupo tenía un sonido más crudo en éste segundo trabajo el grupo suaviza algo ese sonido pero cuida muchísimo más la producción, el resultado no puede ser mejor y vuelven a sacarse de la manga un disco impecable, magnífico, y según mi opinión personal su mejor disco junto con el ya citado Shake Your Money Maker. 

     The Southern Harmony and Musical Companion es un disco como dije antes con un material sensacional, y dentro de ese material se encuentra incluido el tema Remedy, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. El tema en cuestión estuvo 11 semanas seguidas en las famosas listas Billboard de Estados Unidos, alcanzando el puesto número 48 en la Billboard Hot 100 y el puesto número 24 en la lista de singles del Reino unido, cosiguiendo también una gran repercusión en países tan dispares como Noruega o Nueva Zelanda.

Baby, baby why can't you sit still?

Who killed that bird out on you window sill?

Are you the reason that he broke his back?

Did I see you laugh about that?

If I come on like a dream?

Will you let me show you what I mean?

Will you let me come on inside?

Will you let it glide?

Can I have some remedy?

Remedy for me please

Cause if I had some remedy

I'd take enough to please me

Baby, baby why did you dye your hair?

Why you always keeping with your mother's dare?

Baby why's who's who, who know you too?

Did the other children scold on you?

If I come on like a dream?

Would you let me show you what I mean?

If you let me come on inside?

Will you let it slide

     El tema fue compuesto por los dos hermanos Robinson como un alegato en pro de la libertad, más concretamente en favor de la marihuana, pues consideraban que la guerra contra esta droga era una tontería. De hecho para promocionar el álbum The Southern Harmony and Musical Companion el grupo además de aparecer en la portada de la famosa revista High Times tocaron en el famoso Atlanta Festival Pop. Además en sus conciertos los hermanos Robinson y compañía  colocaban carteles con hojas de marihuana como un alegato más en su lucha por la libertad de dicha sustancia.

La música en historias: Mississippi Fred McDowell

Mississippi Fred McDowell

     Es increible lo que se puede hacer con una simple guitarra y el ritmo de un zapato, y si no que se lo pregunten a Mississippi Fred McDowell.

     Fred Mcdowell nació en Rosville, Tennessee, (Estados Unidos) en 1904, y sus padres los cuáles eran granjeros murieron cuando él era muy joven. Comenzó a tocar la guitarra bastante tarde, concretamente a los 14 años de edad, y en sus comienzos se dedicaba a tocarla en los bailes de los alrededores de su localidad natal. Fred, que se dedicaba a trabajar en los campos de arado, en 1926 decide cambiar de aires y se muda a Memphis donde se pone a trabajar en una fabrica de alimentos llamada Buck-Eye, fábrica que se dedicaba a procesar mayormente algodón y aceite. Dos años después, en 1928 se vuelve a mudar a Mississippi para trabajar recogiendo algodón. Posteriormente se trasladaría a Como, Mississippi, donde quedaría definitivamente establecido trabajando como agricultor, trabajo que combinaría tocando en bailes y picnics.

     Quizás la mayor curiosidad de Mississippi Fred McDowell, nunca se dedicó profesionalmente a la música, solía tocar los fines de semana y en ocasiones muy especiales. Este hecho no le impediría ser grabado en 1959 por primera vez por Alan Lomax, un importante etnomusicólogo estadounidense que dedicó gran parte de su vida a recopilar canciones populares del folklore del siglo XX, no sólo de Estados Unidos, también recopiló durante su vida temas de países como España, Italia, Irlanda, Rumanía ó India. El hecho de no dedicarse por entero a la música tampoco le impidió tocar en importantes festivales y realizar varias giras por Europa, y grabar numerosos trabajos para los sellos discográficos Arhoolie, Testament y Capitol.

     Fred solía tocar la guitarra slide, al principio lo hacía utilizando una navaja, después comenzó a usar huesos de costillas de carne, al final acabaría tocando con un tubo de vidrio porque éste le permitía sacar un sonido más claro y nítido. La técnica de Fred es considerada por los especializados en la materia como algo limitada, y su repertorio algo repetitivo, pero dotado de una intensidad y sentimiento magníficos y muy brillante con el uso del Slide.

     Si bien Fred McDowell está considerado como un artista del Delta Blues (uno de los primeros estilos de blues que surgieron, originario de una zona comprendida entre Memphis, Tennessee y el río Yazoo) , también está considerado como uno de los primeros artistas y precursores del Country Blues, estilo al parecer derivado de la música Hillbilly (música tradicional de las zonas rurales y montañosas de la cordillera de los apalaches), y que se caracteriza por una voz solista acompañada normalmente con una guitarra acústica tocada con slide. Fred McDowell sería uno de los promeros artistas en conseguir un considrable reconocimiento por su trabajo dentro del Country Blues

     Bonnie Raitt fue entrenada por Fred McDowell en el uso de la guitarra Slide, y los mismísimos Rolling Stones publicaron tema You Got To Move en su álbum Sticky Fingers (1971), un tema que Fred había grabado y registrado en 1965. Es cierto que Fred postriormente tocó alguna vez la guitarra eléctrica, instrumento con la que se prodigó bastante poco, siempre mantuvo que no pretendía tocar rock & roll,de hecho su primer álbum grabado con guitarra eléctrica fue en 1969, tres años antes de su muerte.

     En 1971 Fred dejó de trabajar en el campo y abrió su propia gasolinera gracias a los beneficios que le reportaron los derechos de autor del tema You Got To Move que popularizaron los Rolling Stones.
Un año después, en 1972 Fred fallecía a causa de un cáncer a la edad de 66 años.

     Como comente en las primeras líneas, es increible el ambiente que Mississippi Fred McDowell era capaz de crear con su voz y acompñándola con una simple guitarra, una slide y el ritmo de su zapato al golpear el suelo. Un artista que a pesar de no dedicarse de lleno al mundo de la música (género que alternó durante toda su vida con su trabajo) nos dejó un legado más que interesante.

El disco de la semana 149: Gabinete Caligari - La culpa fue de Gabinete Caligari

La reseña de esta semana no ha sido nada fácil. Y no solo porque no soy un gran conocedor de la trayectoria de Gabinete Caligari, sino porque se trata de un recopilatorio de los mejores temas de su carrera, en lugar de un disco en concreto, seleccionado entre la totalidad de su obra. Estoy acostumbrado, y en el fondo es lo que más me gusta de escribir reseñas, a intentar entender las canciones desde el análisis de la situación vital del artista en el momento de sacar el disco. Tiendo a interpretar un álbum como un todo, como una obra completa con un posible significado, en lugar de un puñado de canciones inconexas. Por último, me resulta inevitable compararlo con el resto de entregas de la discografía del artista en cuestión, para poder valorarlo y disfrutarlo en su justa medida.


Nada de eso es posible cuando tienes entre las manos un recopilatorio. Normalmente se caracterizan por la falta de unidad del conjunto, ya que por más que se trate de los mismos músicos, las canciones provienen de momentos temporales distintos. En el caso de artistas de dilatada trayectoria puede haber diferencias de 20 años entre unas y otras, y a lo largo de su carrera los músicos habrán tenido distintas influencias y, probablemente, se habrán cansado de hacer de la misma manera determinadas cosas.

Después de darle muchas vueltas a este problema, decidí que tampoco era tan relevante, y que lo único que debería estar dando vueltas era el tocadiscos. Y si no podía caer en mis divagaciones habituales, me centraría simplemente en la escucha de las canciones, liberado del objetivo de escribir sobre ellas, y vería que pasaba sin preocuparme por el momento de tener después que enfrentarme a la pantalla en blanco.

Lo que ocurrió entonces es que disfruté como nunca con el bestial arranque del disco, encadenando cuatro temas seguidos del genial Camino Soria (la canción del mismo nombre, Suite nupcial, La sangre de tu tristeza y Tócala Uli). Creo que el tiempo ha tratado bastante bien a estas canciones, que hoy en día mantienen intactas la brillantez y la frescura que tenían la primera vez que las escuché. Aquel disco debió haber sido para mí un "disco llave", nombre con el que denomino a esos discos con los que descubres a un grupo, y que tras rayarlos tras mil escuchas, te abren la puerta de la curiosidad sobre publicaciones anteriores, y te llevan a buscar más material de los  mismos autores.

Inexplicablemente, un disco tan genial como ese no me llevó a seguir explorando en las entrañas del gabinete del Profesor Caligari, lo cuál no impidió que, tanto hace 20 años en los bares de Madrid  como ahora escuchándola de nuevo, cantara a voz en grito y con los ojos cerrados que "La culpa fue del cha cha cha". ¿Y de quién iba a ser si no? Pues de unos músicos brillantes, por hacer un hit tan  chulesco como eterno. Tras este tema, no pude evitar lamentar que, en el orden de temas elegido para el disco, no hubieran puesto a continuación los otros dos grandes temas de lo que siempre llamé "La trilogía de los bares", por sus referencias al mundillo de las copas y la fiesta nocturna. Cuatro Rosas y El calor del amor en un bar están presentes, pero desperdigadas entre otras canciones con las que desafortunadamente no me encontré en su momento y que no tienen la misma carga emocional, aunque eso no signifique que en lo musical sean inferiores a las otras.

¿Y qué decir de las "nuevas" canciones? (Nuevas para mí, por mi imperdonable error de hace ya tanto tiempo). Pues que ha sido un placer descubrir que no todas lo eran. Canciones como Sólo se vive una vez y Lo mejor de tí habían sido borradas de mi memoria por el paso del tiempo, pero al escucharlas de nuevo han reverdecido sus hojas y han desplegado las alas de sus estribillos para volar alto de nuevo y pasar a engrosar la lista de canciones míticas de esta recopilación. Por el contrario, temas como Sangre española o Que Dios reparta suerte (ésta última con su guiño al pasodoble incluído) suenan más oxidadas y con un toque de "movida madrileña ochentera" que no ha aguantado tan bien el paso del tiempo.

Y sobre el resto de canciones... Creo que no sería justo comentarlas aquí, sin que antes me dejéis subsanar mi error de adolescencia. Bécquer no era idiota ni Machado un "ganapán", pero yo me comporté como un idiota, al ponerme el impermeable y no dejar que otros discos de esta banda me calaran hasta los huesos. Permitidme ahora degustarlas un poco más, y otro poco mañana, y el día después de pasado mañana, y quizá en un futuro no muy lejano, puede que Al final de todo, disfrute Como un animal de esas otras canciones, y me encuentre de repente Haciendo el bobo al ritmo de su música.

Y será entonces, cuando pueda llegar a meterlas en el mismo saco en el que ya están canciones que tienen una carga emocional muy grande para todos los que nos hemos sentido alguna vez desgraciados, abrazados a la tristeza, enamorándonos de ella mientras la sacábamos a bailar un "cha-cha-cha" en uno de aquellos bares, tan gratos para conversar mientras, en el escenario, al calor del amor por la música, un tal Uli tocaba su armónica una vez más.

Historia del rock and roll: 18.- Año 1960

The Beatles en Hamburgo

En 1960 los artistas que habían tenido éxito y eran la punta del Iceberg del rock and roll continuaban en problemas o desaparecidos, no obstante, nuevos talentos seguirían apareciendo como el caso de Eddie Cochran que lamentablemente fallecería en un accidente. Por otro lado, en Inglaterra comenzaban a salir grandes cantantes que ponían al país casi en el centro del movimiento, sin ir más lejos en Agosto de 1960 The Beatles realizarían su famoso viaje a Hamburgo… el principio de todo.

Elvis Presley había terminado la mili y publica el Album “Elvis is back” que contiene temas como “Make me know it”, “Fever” o “Such a night”, pero no era el mismo Elvis que antes de irse a Alemania a la mili y más cuando el Coronel tenía planes para él, a partir de ahora iba a enfocar su carrera hacia Hollywood y el cine, esto supondría el fin del gran Elvis musical, y su carrera en Hollywood tampoco resultaría brillante. Otro de los grandes temas que han pasado a la historia de Elvis fue “Its now or never´” una versión del Sole Mio italiano que hizo furor entre sus fans. Por su parte Chuck Berry seguía en problemas, no obstante, le dio para publicar una especie de secuela de Johnny B Good, titulada “Bye, Bye Johnny” que triunfo en las radios y listas de éxitos.

Everly Brothers

Los Everly Brothers lanzarían el gran pelotazo de su carrera, este famoso dúo de hermanos sacaban al mercado “Cathy´s clown” que vendió ocho millones de copias por todo el mundo y fue número uno durante cinco semanas del Billboard. También publicaron “When will I be loved” que posteriormente versionaría Linda Ronstadt superando el éxito de la original. Eddie Cochram había nacido en Estados Unidos, pero el gran éxito le vino en las listas de Inglaterra ese año publicaría “Cut across shorty”, la última canción que escribiría ya que ese año sufriría una accidente automovilístico que terminaría con su vida y la carrera de una de las grandes promesas del nuevo rock and roll. Póstumamente se publicó “Sweety Pie” un tema que había grabado en 1957 y que no había visto la luz aún. Y de lo que vamos a hablar ahora quizás le sorprenda a más de uno, su nombre Chubby Checker, su canción “The Twist” una de las canciones más reconocibles en la actualidad de esa época, pero siempre ha sido en versiones de otros artistas, ya que cuando Chubby lanzó este tema pasó completamente desapercibida. El objetivo era crear un tipo de baile sencillo, y de sobra que lo consiguió, nacería la época del Twist y múltiples artistas se unieron a este ritmo componiendo sus canciones. The Ventures era una banda de rock and roll instrumental, en 1960 lanzaron “Walk don´t run” una composición que no era propia, sino de Johnny Smith pero que sonó en todos los lugares donde había un joven con ganas de disfrutar. Otro de los grandes temas instrumentales de ese año traía la firma de The Fireballs y tenía por título “Bulldogs”. James Brown, al que han denominado el creador del funky lanzo “I´ll  got crazy “, llevaba unos años intentando hacerse un hueco en el panorama musical con un éxito moderado, los 60´s iban a ser su década y la inauguró de esta manera.

Como hemos comentado en la entradilla, Inglaterra se estaba convirtiendo en un nicho para el rock and roll, Cliff Richard había abandonado su grupo The shadows que continuaron de una forma muy curiosa, al perder al vocalista se lanzaron al rock instrumental y les atropello ese éxito absoluto que fue “Apache” y que puso a bailar a todas las Islas Británicas. Por su parte la excentricidad de Johnny Kids and the pirates seguía deparándoles éxitos, entre ellos encontramos “Shakin all over” que es considerada como la mejor canción de rock en gran Bretaña antes de la llegada de The Beatles.

Howling Wolf

El blues seguía teniendo un grupo de adeptos muy alto, ese año Bob Diddley publica “Road Runner” que se convirtió inmediatamente en un clásico y fue versionado innumerables veces. Howling Wolf seguía siendo el rey y “Spoonful” fue su carta de presentación para ese año. Con respecto al Soul, ahí sigue Sam Cooke al pie del cañón y publica “Wonderful world” escrita originalmente por Lou Alder y Herb Alpert y se comenta que era la canción que les cantaba al oído Sam Cooke a las mujeres que conocía. También salió al mercado “Chain Gang”, canción que escribió cuando yendo en un automóvil vio a un grupo de prisioneros encadenados. The drifters publica un clasicazo del Soul, “Save the last dance for me”, canción que narra un baile y una pareja donde él le dice que es libre para bailar con quien quiera, pero que no olvide que tiene que volver a él a casa. Maurice Williams & zodiacs publicaron “Stay” una canción que aún se rememora y único éxito del grupo. Se trata de la canción con menor duración (1:38) en conseguir el número de la historia. La canción fue escrita un sábado por la noche estaba el cantante se encontraba con unos amigos entre ellos una chica de 15 años que llegada las diez de la noche tenía que irse a casa, las suplicas de sus amigos por que se quedara inspiraron la letra del tema.

Roy Orbison después de deambular por un lado y otro conseguiría su primer gran exito “Only the lonely”, en la que fue una de las canciones más tristes que grabo. En un principio la idea era hacer la canción para que la cantara Elvis Presley pero decidió quedársela para cantarla él lo que le dio el empujón definitivo al estrellado. The Shirelles fue el primer grupo denominado Girlsband, es decir, un grupo únicamente compuesto por mujeres, “Will you love me tomorrow”. También encontramos a Johnny & the hurricanes que adaptando un tema tradicional del siglo XIX al rock triunfaron con “Beatnik Fly”. Tina Turner era corista del grupo de Ike Turner, una noche que faltaba la cantante ella se ofreció a sustituirla dejando boquiabiertos a los componentes del grupo, su leyenda comienza con “A fool in love”. Este año también aparece la que está considerada la primera canción surf de la historia y el privilegio le toco a The Gamblers y su tema “Moon Dawn”. Fue también en este 1960 cuando una jovencísima debutaba en el mundo de la música con un álbum que llevaba su nombre en el titulo… nos estamos refiriendo a Joan Báez que tendría una larga y exitosa carrera.

Y para despedirnos, en España se enciende una luz, y es que ese año dentro del panorama musical tradicional que teníamos, hacen su aparición Los estudiantes que publican un disco que se salía un poco de lo normal de lo que habia en las emisoras de disco, en el encontramos “Whoo-Hoo”, una versión de “La Bamba”, de Ritchie Valens, y que terminaría en convertirse en todo un hit, “Ready Teddy”, inspirados en Budy Holly, y “Me Enamore De Un Ángel” que no es más que una versión de “Romance Anónimo”. Esta publicación es la primera grabación de rock and roll hecha en España.

Un motivo, 10 canciones: Verde

La palabra elegida para estos 10 días ha sido un color, Verde, sin duda uno de los colores mas bonitos para este que les escribe, y con múltiples tonalidades como múltiples son los estilos que tendrán las 10 canciones que contienen ese color en el titulo.

El comienzo como es tradicional siempre es con una canción muy potente, una canción de esas que dices, ostras vaya temazo, no sea que os canséis de leer y de poner los vídeos que enlazo y os perdáis otras joyas escondidas que nos regalan las canciones que llevan ese color en su titulo, y dije… ostras pero si tenemos un “Green River” que recorre la niñez de uno de los grandes artistas que ha dado la historia de la música, me estoy refiriendo a John Fogerty alma mater de Creedence Clearwater Revival, y es que según el mismo cantante escribió esta canción pensando en su niñez, y en un rio al que solía ir con su familia, lleno de libélulas, ranas e incluso una soga colgada de un árbol desde donde tirarse al rio, empezamos melancólicos.

Y si como es tradicional la segunda es en castellano y si John Fogerty tenía una voz realmente impresionantes que podemos decir de la que desparrama en cada canción Silvia Perez Cruz, la cantante de Girona se ha curtido en muchos estilos hasta que ha encontrado el que realmente puede desarrollar todo el potencial de su voz y su sabiduría musical, y este “Verde” es una clara demostración de lo que es capaz de hacer.

A Booker T & the M.G´s ya les dedicamos un artículo en el blog, de los primeros que Nevermind nos regaló, en esta ocasión y fuera de ese artículo hemos seleccionado su tema más memorable el archifamoso  “Green Onions” cuentan que la banda creo esta canción mientras esperaban que el cantante de rockabilly Billy Lee Riley se presentara a una grabación. La prueba quedo genial con lo que decidieron publicarlo, pero algo salido casi de la nada no tenía nombre así que al preguntarle por como llamarían el disco, "Green Onions", fue la respuesta de Booker T. Jones. "¿Por qué 'Green Onions'?", Preguntaron, Booker T: "Porque eso es lo más desagradable que se me ocurre y es algo que tiras".

Ahora nos vamos con un tema que alguna vez todos hemos tarareado, coges un poema de Federico Garcia Lorca y le pones música y muy patán tienes que ser para que no te salga algo maravilloso, pues bien, Manzanita, que casi cuenta como único éxito este tema lo tenia claro y con un órgano y un guitarra le puso música al poema Romance Sonambulo del poeta Granadino y le salió un hit para la posteridad, este “Verde que te quiero verde” es conocido por casi todas las familias y muchos conocen mas la canción que el poema.

Loreena McKennitt es una cantante Canadiense de origen Irlandes y Escoces, con esa mezcla no era complicado que el estilo musical que le imprime a su discografía es el del norte de las Islas Británicas, un toque celta. Si bien corre el riesgo de ser comparada con Enya esta para el que escribe estas letras un puntito por encima de ella, su música no ha llegado a ser tan comercial. Este “Greenslaves” es uno de sus canciones punteras, con una delicadeza extrema nos sumerge en un mundo medieval con su instrumentación.



Hay un tema en la copla española que destaca sobre muchos de ellos, su titulo es “Ojos Verdes”, una canción compuesta por el maestro Manuel Quiroga pero no tengan miedo a ese estilo musical y menos a esta obra, de primeras se cuenta que el origen de la canción fue el encuentro de Federico Garcia Lorca y Miguel de Molina, tras ese encuentro el maestro escribió algunas frases inspirándose en la obra de Garcia Lorca. De ahí un paso para crear una letra y que Quiroga le pusiera música. Una vez creado la estrella del momento Concha Piquer la interpretó. En la canción se han encontrado referencias a la homosexualidad, según el historiador de la copla Manuel Francisco Reina, la versión escrita por el poeta homosexual Rafael de León en Barcelona durante el encuentro con Lorca y Miguel de Molina (sin duda el mejor que interpreto esta canción) se refiere a un amorío entre dos hombres y mas tarde según declaró el propio Miguel de Molina en una entrevista con Carlos Herrera, durante dicha conversación en 1931 charlaron sobre marineros de ojos verdes. Una canción fue censurada en la época franquista.

Apoyá en el quicio de la mancebía,
miraba encenderse la noche de Mayo.
Pasaban los hombres
y yo sonreía,
hasta que en mi puerta paraste el caballo.
Serrana me das candela
y yo te dije gaché.
Ay ven
y tómame mis labios
y yo fuego te daré.

Demasiado heavy para las censores… en fin.  Para escuchar esta magnífica canción he elegido la versión que de ella hizo Pedro Guerra.

El siguiente tema lleva por titulo “The Green leaves of summer” y esta interpretado por el grupo The four brothers una banda de folk musical que nada mas empezar su carrera debustaron las mieles del triunfo con esta canción que pertenecio a la Banda Sonora de “El Alamo” y que fue numero uno en muchos países, un tema lleno de melancolía.

Vamos a darle un poco de caña al articulo que estamos un pelin melosos, y que mejor que el grupo Navarra, Marea que con “El perro verde” que es una canción autobiográfica del cantante. Marea es ahora mismo uno de los grandes grupos del rock en el panorama nacional.

Volvemos a la melancolía y lo hacemos con un estilo musical que hemos tocado poco por aquí, el Jazz y con el que quizás fue uno de sus mas grandes interpretes, Miles Davis, alguien que le dio una nueva visión y estilo a este genero musical. Delicada es la palabra para definir este “Blue in green”, la trompeta hace su trabajo acompañada del piano mientras los demás instrumentos se quedan en un segundo plano. Es una gran canción para el que no es un experto en jazz, podemos disfrutar de ella mientras cierras los ojos y rememoras momentos felices.







Y cerramos con otro clásico, “Aquellos ojos verdes” un bolero de los años 30 de Cuba, que ha sido interpretado por muchísimos cantantes, quizás el que mas famosa la hizo y la lanzo al estrellato internacional fue Nat King Cole

Otras propuestas de nuestros amigos en Twitter o Telegram

A Little Green Rosetta – Frank Zappa

Evergreen – Black Crowes

From the edege of the Deep Green Sea – The cure

Grant Green - California Green

Grass is greener – St Paul and the broken bones

Green  - Paul Weller

Green – REM

Green – The descendents

Green Apple quick step – The byrds

Green Dale – Neil Young

Green Disease – Pearl Jam

Green Door – Shakin Stevens

Green Eyes – Uriah Heep

Green Eyed Monster – Sly Stone

Green eyes – Coldplay

Green Grass – Tom Waits

Green grass and high tides – Outlaws

Green Green grass of home – Elvis Presley

Green Green grass of home – Tom Jones

Green Heaven – Red Hot chili peppers

Green is the colour – Pink Floyd

Green machine – Kyuss

Green River – Elliot Murphy

Green Village – The kinks

Heron Billy Green is dead – Gil Scott

Jack in the Green – Jethro Tull

Kermit: Bein Green – The muppet Show

Leaves that are Green – Simon & Garfunkel

Little Green bag – George Baker

Little Green bag – Steven Mighty

Little Green men – Godless Wicked Creeps

Man in the Green shirt – Wather Report

My money´s Green – Little Charlie

Over the Green hills – Free

Pretty Green – The jam

The Green Manalishi – Fleetwood Mac

The light is always Green – The Housemartins

The village Green preservation society – The kinks

Via Verde – Chico Ocaña

La musica en el cine: Amazing Grace

Hoy os hablamos sobre una pelicula, mas bien documental, para ello hemos contado con Christopher Laso colaborador del blog sobre cine filmdreams.net, integrante del grupo de Habladecine en esta ocasión vamos a descubrir las sensaciones que tuvo tras ver el documental Amazing Grace.

SINOPSIS:
En enero de 1972, la gran Aretha Franklin actuó durante dos días dando un concierto de góspel en la Iglesia Bautista Misionera New Temple en Watts, Los Ángeles, grabando lo que se convertiría en su álbum más vendido, "Amazing Grace". Las sesiones fueron filmadas por un equipo de rodaje liderado por el director Sydney Pollack, pero el material de archivo terminó en una bóveda y ha sido durante 4 décadas uno de los tesoros cinematográficos perdidos de la música del siglo XX.
Antes de la muerte de Pollack en 2008, el director expresó su deseo de que se completara la película, y el productor Alan Elliott lo abordó con un equipo de gente apasionada con el proyecto.
 ( Fuente sinopsis, cartel e imágenes: Caramel Films )
 ( Fuentes de la información de la película: Filmaffinity, Caramel Films, Zinemldia, IMDb )

CRÍTICA:
A principios de 1970 Aretha Franklin tenía 30 años y era ya una leyenda en el mundo de la música. Anteriormente en los años sesenta ya había revolucionado el mundo del Soul y muchas de sus canciones habían sido números uno. Fue en ese preciso momento cuando decidió grabar uno de los álbumes de góspel más famosos de la historia: Amazing grace. Se encerró durante dos noches en una pequeña iglesia católica baptista de los Ángeles para interpretar los temas religiosos que marcaron su niñez. El disco que salió de aquellas dos noches, sigue siendo hoy en día el álbum de góspel más vendido de la historia y el más popular de la cantante.

Sydney Pollack grabó los conciertos, pero por razones técnicas, las imágenes no salieron a la luz y no pudieron ser montadas, ni compartidas. 47 años después y gracias al productor musical Alan Elliott hoy podemos verlas. Ya en 2008 tras la muerte de Pollack se hizo un intento por proyectar las imágenes pero la propia Aretha Franklin lo prohibió vía judicial. Ahora que la cantante ya he fallecido todo fue más fácil, aunque los fans más próximos no estén muy contentos. A pesar de la fama que tenia la joven cantante, el lugar que eligió para sus conciertos, fue un sitio humilde. La primera de las dos noches ni siquiera lleno todas las butacas. Llama la atención como el reverendo va explicando a los fieles como deben actuar en cada momento.

La cinta puede resultar interesante por la expectación que provoca todas las imágenes inéditas que vamos viendo, pero para mi, más que una película lo que estamos viendo es la grabación de un concierto, en ningún momento se profundiza sobre el personaje, ni nos muestran nada de su vida. Aunque la duración no supera los 90 minutos se hace muy pesada y aburrida, sobre todo si el tipo de música y canciones que se interpretan no te gustan, como es mi caso. Valoro todo el material que archivo que han conseguido recuperar, pero tengo que reconocer que se me hizo insoportable en ciertas partes su visionado.