1450.- Edged in Blue - Rory Gallagher

"Edged in Blue" es una de las canciones más emotivas y melancólicas del legendario guitarrista irlandés Rory Gallagher. Lanzada en 1976 como parte de su álbum "Calling Card", "Edged in Blue" destaca por su profunda letra y su intensa interpretación musical.

La letra refleja un sentimiento de pérdida de un amor y la desesperación y el dolor que trae consigo: "I've cried enough tears to fill up an ocean" ("He llorado suficientes lágrimas para llenar un océano"). La frase recurrente "All my days are edged in blue" (Todos mis días están delimitados en azul) juega con el significado alternativo de tristeza que en inglés tiene la palabra "blue", que por extensión denomina al estilo de música que inspiraba la música de Rory Gallagher: el "blues".

Y de blues rock del bueno es de lo que está impregnada "Edged in Blue".  El solo de guitarra de Rory Gallagher es particularmente destacable por su técnica y virtuosismo, con notas que son a la vez intensas y melódicas, creando una atmósfera cálida e, irremediablemente, introspectiva y triste. La producción, a cargo de Roger Glover de Deep Purple, es limpia y efectiva, dejando espacio para que la voz y la guitarra de Gallagher sean las protagonistas, apoyadas en una sólida sección rítmica que da empaque a la emotividad y la crudeza de uno de los mejores temas de su repertorio.

1449.- Moonchild - Rory Gallagher

 

Moonchild, Rory Gallagher

     Es curioso que cuando el mercado musical se volvía más rockero con la llegada del punk y más variado en propuestas, es cuando Rory Gallagher decidió realizar un disco con influencias fuera de ese estilo, decidiendo contar para la producción con el bajista de Deep Purple, Roger Glover, quién sin duda realizó un espléndido trabajo en el estudio. Como músicos, Gallagher contó con su inseparable Gerry McAvoy al bajo, Lou Martin a los teclados y Rod de’Ath a la percusión. Así grabó Rory su sexto disco de estudio, Calling Card, grabado durante el mes de septiembre de 1976 en los Musicland Studios de Munich, bajo la producción del mencionado Roger Glover y del propio Rory Gallagher, y publicado en octubre de 1976 bajo el sello discográfico Chrysalis Records. Calling Card fue el sexto álbum de estudio del músico irlandés. Fue la primera vez que Gallagher trabajó con un productor de renombre. También fue el último álbum que Gallagher haría con Rod de'Ath y Lou Martin. Después de la gira de Calling Card, Gallagher retuvo solo a su bajista de siempre, Gerry McAvoy , y contrató a Ted McKenna en la batería, volviendo a la formación de Power trío que tanto le gustaba.

Calling Card es uno de sus álbumes más diversos, y reflejaba la sinergia que la banda había desarrollado después de haber estado tocando juntos durante mucho tiempo. Roger Glover decía al respecto: "todos parecían muy dedicados a Rory, había una lealtad, nacida de años de clubes llenos de humo y viajes interminables". Incluido en este disco se encuentra, en mi humilde opinión, una de las grandes obras maestras del genio irlandés Moonchild. La canción destaca por su contundente riff de guitarra. También destaca la sección rítmica del bajo y la batería, que aportan al tema una sólida base llena de groove que se complementan a la perfección con la guitarra de Rory, el cual además incorpora técnicas como bends expresivos y un fraseo fluido que reflejan su maestría y dominio de las seis cuerdas. 

En cuanto a la letra de la canción Rory nos habla de un personaje enigmático, misterioso y rebelde, a menudo asociado con lo etéreo o lo sobrenatural. El término "moonchild" (niño/a de la luna) nos esta sugiriendo, quizás, una conexión especial con la noche, la luna y lo fuera de lo común, simbolizando una libertad espiritual o una sensibilidad distinta al resto del mundo. En la canción, Gallagher parece describir a alguien que no sigue las normas convencionales, que tiene un aura mística o única. A través de imágenes poéticas, como referencias al brillo de la luna y a un espíritu indomable, la letra refleja la admiración de Rory hacia este ser libre, aunque también con un tono de advertencia, como si estuviera diciendo que esa manera de vivir podría ser tanto fascinante como peligrosa.

Album Smiler de Rod Stewart, celebrando el legado de una leyenda musical (Mes Rod Stewart)

Album Smiler de Rod Stewart

#MesRodStewart: celebrando el legado de una leyenda musical

Lanzado en 1974, Smiler es el quinto álbum de estudio de Rod Stewart, un disco que encapsula un período de transición tanto en su carrera como en la escena del rock británico. Aunque no logró la misma recepción que sus predecesores, como Every Picture Tells a Story (1971) o Never a Dull Moment (1972), Smiler es una obra llena de matices que merece atención, especialmente durante este #MesRodStewart, donde celebramos el impacto y la versatilidad de este icono de la música.

Rod Stewart lanzó Smiler en un momento en el que su fama como solista estaba alcanzando niveles estelares, mientras seguía liderando The Faces, una banda que representaba lo mejor del rock desenfadado. Esta dualidad entre su carrera individual y su rol dentro del grupo es palpable en el álbum, que combina versiones de clásicos y composiciones originales. Sin embargo, esta mezcla también dejó en evidencia ciertas tensiones estilísticas que, según algunos críticos, impidieron que el disco alcanzara la coherencia de sus antecesores.

En este #MesRodStewart, es importante reflexionar sobre cómo este álbum marcó el cierre de un capítulo significativo en su carrera antes de adentrarse en un sonido más comercial con álbumes posteriores como Atlantic Crossing (1975).

Con 12 temas que varían entre el folk, el soul y el rock, Smiler es un álbum diverso en cuanto a estilos, aunque desigual en su ejecución.

"Sweet Little Rock 'n' Roller"

El álbum abre con este dinámico cover de Chuck Berry, un homenaje al espíritu del rock 'n' roll. Aunque Rod Stewart ofrece una interpretación cargada de energía, la versión carece del toque único que marcó otros covers de su carrera. A pesar de ello, es una declaración de intenciones que establece el tono inicial del álbum.

"Farewell"

Esta balada nostálgica es uno de los puntos altos del disco. Con tintes folk y una narrativa lírica melancólica, Rod Stewart brilla al contar una historia de despedida con su característica mezcla de vulnerabilidad y carisma. Es un tema que conecta profundamente con la sensibilidad emocional que define muchos de sus trabajos más icónicos.

"Bring It On Home to Me/You Send Me"

El medley de dos clásicos de Sam Cooke es un homenaje sentido al soul que siempre ha sido una gran influencia en la música de Rod Stewart . Este momento del álbum resalta su habilidad para reinterpretar canciones ajenas con una autenticidad que pocas veces falla. En este #MesRodStewart, este tema se destaca como un recordatorio del amor de Rod Stewart por la música negra estadounidense.

"Let Me Be Your Car"

Escrita por Elton John y Bernie Taupin, esta colaboración debería haber sido un punto culminante, pero el resultado es algo caótico. Aunque la energía está presente, la canción parece una mezcla desordenada de estilos. Aun así, es un experimento interesante que muestra la disposición de Rod Stewart para probar cosas nuevas.

"Girl from the North Country"

En este cover de Bob Dylan, Rod Stewart entrega una interpretación minimalista y respetuosa que refleja su capacidad para capturar la esencia emocional de una canción. Aunque no supera la profundidad de la versión original, añade un toque personal que la convierte en uno de los momentos destacados del álbum.

"Mine for Me"

El álbum cierra con esta composición de Paul y Linda McCartney, un tema melódico que funciona como un cierre ligero y agradable. Aunque no es una canción especialmente memorable, deja una sensación cálida que encapsula el tono general del disco.

En términos de producción, Smiler mantiene el enfoque en el folk rock y el blues rock que habían definido la etapa inicial de Rod Stewart como solista. Sin embargo, a diferencia de sus álbumes anteriores, aquí se percibe una falta de cohesión. Mientras que algunas canciones destacan por su calidad lírica y vocal, otras se sienten como experimentos que no logran integrarse plenamente en la narrativa del disco.

La participación de músicos como Ron Wood e Ian McLagan, junto con otros colaboradores de The Faces, aporta un sólido respaldo instrumental, pero también subraya la desconexión entre el Rod Stewart que miraba hacia un futuro más comercial y el Rod Stewart que aún estaba profundamente arraigado en el rock de raíces.

Smiler debutó en el número 1 en las listas del Reino Unido, pero tuvo una recepción crítica dispar. Muchos señalaron que el álbum no alcanzaba la frescura ni la chispa de trabajos anteriores, en gran parte por la dependencia de versiones y la falta de un hilo conductor claro. Aun así, con el paso de los años, el disco ha ganado una valoración más justa, especialmente entre los seguidores más acérrimos de Rod Stewart.

Este álbum, aunque no es su obra más icónica, juega un papel importante en el desarrollo de su carrera. Marca el final de una era en la que Rod Stewart navegaba entre el rock tradicional y el folk antes de embarcarse en un viaje hacia un sonido más comercial que definiría la segunda mitad de los años setenta.

En el contexto del #MesRodStewart, Smiler merece ser revisitado como un testimonio de la versatilidad de este artista y su capacidad para reinventarse constantemente.

Aunque Smiler no está a la altura de los clásicos más aclamados de Rod Stewart, es un álbum que ofrece momentos brillantes y permite apreciar diferentes aspectos de su estilo musical. Desde baladas conmovedoras como "Farewell" hasta homenajes al soul como "Bring It On Home to Me/You Send Me", este disco es un recordatorio de la amplitud del talento de Rod Stewart.

Durante este #MesRodStewart, Smiler representa una oportunidad para explorar un capítulo menos conocido de su carrera y reflexionar sobre cómo incluso los discos más irregulares pueden ser fundamentales en la evolución de una leyenda musical.

Daniel
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1448.- In the Flesh - Blondie

 

"In the Flesh" ("En la carne"), incluida en su primer disco ("Blondie", 1976) fue la primera canción del grupo estadounidense Blondie en entrar en unas listas de ventas, y el segundo single que publicaron en su carrera. Fue en Australia, y por un afortunado error, ya que el conductor del programa musical Countdown, le pidió a la banda un video de una canción que pudiera emitir en el programa. Blondie seleccionó el tema "X Offender", pero por error fue "In the Flesh" la canción emitida, y fue tal la acogida del público, que terminó siendo publicada como single, con gran éxito en tierras australianas.

El toque femenino de la voz de Debbie Harry y el ritmo de la canción tuvieron gran parte de la culpa de aquel éxito, y mucha gente comparó "In the Flesh" con el tipo de producción y arreglos que Phil Spector puso de moda en los años sesenta, en los que patentó su "muro de sonido" basado en una gran instrumentación y potentes coros y voces femeninas. En conjunto, e influencias aparte, estamos ante una de las mejores canciones de la posteriormente larga e interesante discografía de una de las bandas clave del rock pre punk de los años setenta y de la new wave de los años ochenta.

1447 - Rory Gallagher - I'll Admit You're Gone

1449 - Rory Gallagher - I'll Admit You're Gone

"I'll Admit You're Gone" es una de esas canciones que encapsulan la sensibilidad y el virtuosismo emocional de Rory Gallagher, un músico irlandés conocido por su autenticidad y talento como guitarrista. Incluida en su álbum Calling Card (1976), esta pieza muestra una faceta más introspectiva de un artista que a menudo se asocia con el blues eléctrico y el rock energético.

Desde el primer acorde, la canción establece un tono melancólico que refleja el dolor de la pérdida y la aceptación resignada. A diferencia de otros temas más intensos de Rory Gallagher, "I'll Admit You're Gone" adopta un enfoque minimalista, lo que permite que las emociones brillen con más claridad. La guitarra acústica lleva el peso de la melodía, complementada por una instrumentación sutil que realza la intimidad de la interpretación.

La voz de Rory Gallagher en esta canción es especialmente conmovedora. Su tono cálido y ligeramente áspero transmite una vulnerabilidad que resuena profundamente. Líricamente, el tema aborda el desamor desde una perspectiva madura, donde el protagonista acepta que la relación ha terminado, pero no sin dejar entrever el dolor persistente. La frase "I'll admit you're gone" es una confesión que encapsula tanto la tristeza como la liberación que conlleva aceptar la realidad.

Uno de los aspectos más destacables de esta canción es su capacidad para equilibrar lo personal y lo universal. Aunque el relato es íntimo, la emoción que transmite resulta accesible para cualquiera que haya experimentado una pérdida significativa. Esto es parte del genio de Rory Gallagher: su habilidad para conectar con su audiencia a través de letras simples pero cargadas de significado.

Musicalmente, la canción es un ejemplo perfecto de cómo Rory Gallagher sabía cuándo contenerse para servir a la narrativa emocional. Su interpretación en la guitarra es discreta pero impactante, con arpegios que refuerzan la atmósfera melancólica. Aunque conocido por su destreza técnica, aquí demuestra que su verdadero poder radicaba en saber usar la música como vehículo emocional.

En el contexto del álbum, "I'll Admit You're Gone" ofrece un momento de pausa reflexiva que contrasta con las canciones más enérgicas. Es un recordatorio de la versatilidad de Rory Gallagher como compositor y su capacidad para explorar diferentes matices emocionales sin perder autenticidad.

"I'll Admit You're Gone" es una joya dentro del catálogo de Rory Gallagher. Su honestidad, sensibilidad y maestría musical convierten a esta canción en una experiencia conmovedora, reafirmando por qué Rory Gallagher sigue siendo considerado uno de los músicos más genuinos y respetados de su generación.

Daniel 

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1446.- Sowiesoso - Cluster

 

Sowiesoso, Cluster

     El dúo alemán Cluster, compuesto por Hans-Joachim Roedelius y Dieter Moebius, es una piedra angular del movimiento krautrock y la música electrónica experimental.  A lo largo de su carrera han destacado por su extraordinaria visión, su enfoque minimalista y su capacidad para fusionar sonidos electrónicos con texturas orgánicas. En 1976, Cluster ya había consolidado su reputación como una fuerza innovadora en la música electrónica. El dúo, surgido en la Alemania de posguerra, fue parte de una generación de músicos que buscaban romper con las tradiciones occidentales de composición. En lugar de mirar hacia los clásicos europeos o el rock anglosajón, Cluster exploró territorios sonoros completamente nuevos, marcados por el uso de sintetizadores, grabadoras y técnicas de producción no convencionales.

En 1976 el dúo alemán publica su cuarto álbum de estudio, Swiesoso. Este disco es grabado en el Harmonia Srudio, situado en Forst, alemania, bajo la producción del músico y productor alemán Conny Plank, y publicado bajo el sello discográfico Sky Records. Brian Eno había trabajado con Dieter Moebius y Hans-Joachim Roedelius cuando los dos estaban en el grupo Harmonia, antes de la grabación de Sowiesoso y trabajó con Cluster  en dos álbumes posteriores, en 1977 y 1978. La influencia de Eno se puede apreciar claramente en el sonido más suave y controlado de Sowiesoso. A diferencia de trabajos anteriores más abstractos y densos, este disco se caracteriza por una calidez inesperada, donde las melodías sencillas se encuentran con paisajes sonoros que evocan tanto la naturaleza como la modernidad. 

El término alemán "Sowiesoso" se traduce aproximadamente como "De todos modos" o "De cualquier manera". Esta expresión tiene un tono informal, casi despreocupado, que resuena profundamente con el espíritu de la canción. Desde los primeros segundos, Sowiesoso transmite una ligereza peculiar: es un tema que fluye con naturalidad, sin pretensiones y con una belleza contenida. La elección del título no es accidental, refleja la filosofía creativa de Cluster, que a menudo priorizaba la espontaneidad y la experimentación sobre la perfección técnica. En lugar de construir piezas altamente estructuradas, Roedelius y Moebius permitían que los sonidos evolucionaran orgánicamente, confiando en el poder de la intuición musical.

El corazón de Sowiesoso es una melodía sencilla y repetitiva, tocada en un teclado con un timbre cálido y casi nostálgico. Esta línea melódica se superpone con capas de sintetizadores que generan una atmósfera etérea, creando una sensación de movimiento constante, pero sin urgencia. La percusión es sutil y casi imperceptible, un recordatorio de que Cluster no dependía de ritmos marcados para mantener la cohesión de sus composiciones. La canción también destaca por su economía de recursos. Cada elemento parece cuidadosamente colocado, dejando mucho espacio para que los sonidos respiren. Este enfoque minimalista además de caracterizar a Sowiesoso, también influenció a generaciones de artistas posteriores, desde músicos ambient como Brian Eno (un colaborador frecuente de Cluster) hasta productores electrónicos más contemporáneos. Escuchar Sowiesoso es como emprender un paseo por un paisaje imaginario, donde los detalles más pequeños cobran una importancia inesperada, y a través de su música demostraron que la electrónica no tiene por qué ser fría o distante.

Never a Dull Moment - Rod Stewart (Mes Rod Stewart)

 

Never a Dull Moment, Rod Stewart

     En el mundo del rock, nunca es fácil forjarse una carrera de éxito, y muy pocas son las estrellas del rock que pueden afirmar su condición de leyendas. En las últimas décadas, pocos hombres han conseguido construir una carrera tan fructífera y sólida como la de Rod Stewart. Le hemos visto triunfar en todo lo que ha hecho, y le hemos visto crecer tanto como artista como hombre, creyendo hasta el día de hoy en la música. Su discografía es asombrosa, sus premios dan testimonio de su historia musical, su talento está fuera de toda duda y tiene en su haber algunos de los mayores éxitos de la historia de la música.

Rod Stewart ha construido una carrera a lo largo de cinco décadas y no es fácil repasar la notable vida y obra de un gigante como él.  Su verdadero hogar está en el escenario, y aunque ha sido bastante seguido fuera del mismo por la prensa de todos los colores, el ha elegido la música para hablar de sí mismo, la única ventana segura al mundo que siempre ha sido su verdadera pasión. El enorme éxito que ha alcanzado demuestra una vez más lo poderoso que es su talento. Son cincuenta años de éxitos, giras y logros. Sus canciones son conocidas, apreciadas, tarareadas y amadas por fans. Sus acciones, sus elecciones y sus éxitos dan testimonio de una voluntad incansable. Concierto tras concierto, álbum tras álbum, nuestro artista nos ha demostrado su amor y dedicación a la música, y dicha pasión por la música ha sabido combinarla con su inteligencia y su curiosidad por aprender y mejorar siempre, porque la música es como el vino: mejora con el tiempo. Y esta es la idea que pretendemos seguir al explorar la maravillosa carrera musical de Rod Stewart.

El 21 de julio de 1972 el Stewart publica su cuarto álbum en solitario, Never a Dull Moment. Dicho trabajo es grabado entre marzo y mayo de 1972 en los Morgan Studios y los Olympic Studios de Londres, bajo la producción del propio artista, y publicado bajo el sello discográfico Mercury Records. El disco consiguió ese mismo año posicionarse en el puesto número uno durante dos semanas en las listas de ventas de Reino Unido, llegando a alcanzar el puesto número dos en las listas de Estados Unidos. Como era costumbre del aritsta en aquella época, cuenta con numerosas e importates contribuciones musiales de los miembros de la banda Faces y de otros tantos músicos: Ronnie Wood (guitarra), Ronnie Lane (bajo), Micky Waller (batería), Kenney Jones (batería), Ian McLagan (piano, teclados), Neemoi "Speedy" Aquaye (congas), Pete Sears (piano y bajo), Brian (piano), Spike Heatley (bajo), Dick Powell (violín), Martin Quittenton (guitarra acústica), Gordon Huntley (guitarra) y Ray Jackson (madolina).

El álbum, que alcanzó un gran éxito en las listas de ventas, incluye una mezcla de temas orioginales y versiones, comenzando por True Blue, acreditada a Rod Stewart y Ron Wood. Cuando empezó a lanzar álbumes en solitario en 1969, Stewart también estaba en la banda Faces, cuyos miembros solían colaborar en sus canciones, y True Blue es esencialmente una canción de la época de Faces; Stewart la escribió con su compañero de banda Ronnie Wood, que también tocó la guitarra en la canción, y los otros músicos son los miembros de Faces, Ronnie Lane (bajo), Ian McLagan (piano) y Kenney Jones (batería). Stewart solía escribir asumiendo el papel del personaje, lo que explica el personaje oprimido de esta canción y la primera línea, "Nunca he sido millonario". Como curiosidad, "true blue" nunca aparece en la letra de esta primera canción de Rod Stewart. El siguiente tema es Los Paraguayos, acreditada también a Stewart y Wood. Un tema lleno de humor y energía que refleja la habilidad de Stewart para contar historias, usando como hilo conductor una mezcla de toques acústicos con matices de country-rock. Mama, You Bee on My Mind es la primera versión que aparece en el álbum. Fue escrita por Bob Dylan en 1964 durante un viaje a Europa. La canción trataba sobre la reciente ruptura de Dylan con su novia por entonces, Suzie Rotolo. Italian Girls cera la cara A. Acreditada al dúo Stewart-Wood, es un divertido tema con una mezcla de rock y folk que hace alusión a referencias culturales. 

Rod stewart & Ron Wood

Comienza la cara B con una maravillosa versión de Angel de Jimi Hendrix. La canción original fue incluida en el álbum póstumo de Hendrix "The Cry Of Love" en 1971. La canción fue escrita por Hendrix como un homenaje a su madre. Ron Wood y Hendrix habían compartido un apartamento a finales de los años 60 y ambos se encontraban en un club en el Soho la noche en que el guitarrista murió. Interludings, la breve pieza instrumental que sigue, es una composición de Art Wood, el cual era hermano de Ron Wood. You wear It Well fue escrita  entre Rod Stewart y Martin Quittenton. El tema de esta canción es Stewart escribiendo una carta a un antiguo amor, y teniendo una actitud bastante buena al respecto. Esta canción encaja perfectamente en el trabajo central de Stewart como otra balada soul folklórica. La frase "Madame Onassis no tiene nada que envidiarle a ti" hace referencia a Jacqueline Kennedy Onassis, ex primera dama y viuda del presidente John F. Kennedy. En la época de esta canción, Jacqueline, era la esposa del magnate naviero griego Aristóteles Onassis hasta su muerte en 1975, cuando ella volvió a enviudar. Jacqueline se ganó una gran reputación como mujer de gracia, encanto y estilo, lo que llevó al periódico London Evening Standard a comentar: "Jacqueline Kennedy le ha dado al pueblo estadounidense... algo de lo que siempre ha carecido: majestuosidad". El siguiente tema es otra versión, en esta ocasión de I'd Rather Go Blind, popularizada por la gran Etta James en 1967. Es una canción de blues escrita por Ellington Jordan con créditos de coautoría de Billy Foster y Etta James. Etta James se refirió muy favorablemente a la versión de Stewart en su autobiografía, "Rage to Survive ". Cierra la cara B, y por tanto el álbum, otra versión, en este caso el tema Twistin' the Night Away, escrito por Sam Cooke y lanzada por el mismo en 1962. Rod Stewart lanzó su versión como tercer sencillo del disco. Esta versión logró notable éxito, alcanzando el puesto número 59 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos. En 1987 Stewart volvió a grabar la canción para la banda sonora de la película Innerspace, dirigida por Joe Dante.

En Never a Dull Moment destaca la química ente Rod Stewart y Ron Wood, siendo uno de los puntos fuertes de este trabajo. Este disco está considerado como un clásico y es una clara muestra más del gran talento que atesora Rod stewart.

1445 - Elton John - Sorry Seems to Be the Hardest Word

1445 - Elton John - Sorry Seems to Be the Hardest Word

Elton John, una de las figuras más icónicas de la música popular, lanzó “Sorry Seems to Be the Hardest Word” en 1976 como parte de su álbum Blue Moves. Esta canción, coescrita con Bernie Taupin, es un himno melancólico que captura la complejidad emocional del arrepentimiento y la pérdida, consolidándose como uno de los temas más emotivos de su extenso repertorio.

Desde los primeros acordes, la canción establece un tono profundamente íntimo. El piano, ejecutado por el propio Elton John, domina la pieza con una delicadeza que refleja la vulnerabilidad de la letra. Este instrumento se convierte en el vehículo perfecto para transmitir el desconsuelo del narrador, quien reflexiona sobre una relación que se desmorona. La melodía, sencilla pero impactante, se mueve en un tempo lento, dando espacio para que cada palabra resuene con intensidad.

La voz de Elton John brilla con su característico tono cálido, pero aquí adopta un matiz más introspectivo. Su interpretación es desgarradora y sincera, dejando entrever un dolor que conecta de inmediato con el oyente. La repetición de la frase “Sorry seems to be the hardest word” actúa como un lamento que encapsula la incapacidad de expresar disculpas en momentos críticos, un tema universal que resuena con cualquiera que haya enfrentado la ruptura de una relación importante.

La letra, escrita por Bernie Taupin, complementa perfectamente la emotividad de la música. Plantea preguntas retóricas y reflexiona sobre la desesperación y la impotencia frente a un amor que parece perdido. Taupin tiene un don especial para convertir emociones complejas en palabras sencillas pero profundamente significativas, y esta canción es un ejemplo perfecto de su habilidad.

Musicalmente, la producción de “Sorry Seems to Be the Hardest Word” es minimalista, lo que permite que la letra y el piano sean los protagonistas absolutos. Sin embargo, la inclusión sutil de cuerdas y un bajo suave añade profundidad al arreglo, enriqueciendo la experiencia sin sobrecargarla.

Desde su lanzamiento, la canción ha sido versionada por numerosos artistas, incluidos Joe Cocker y Blue, lo que demuestra su relevancia y atractivo atemporal. Más allá de su éxito comercial, el tema destaca como una pieza icónica dentro del catálogo de Elton John, siendo una de esas canciones que logra capturar la esencia del dolor humano con una belleza inigualable.

“Sorry Seems to Be the Hardest Word” es mucho más que una balada; es un testimonio de la capacidad de Elton John y Bernie Taupin para explorar las profundidades de la experiencia emocional humana. Su combinación de melodía conmovedora, interpretación sincera y letra poética la convierte en una obra maestra que sigue conmoviendo a generaciones.

Daniel 

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1444.- American Girl - Tom Petty & The Heartbreakers

 

Escrita por Tom Petty para su disco de debut homónimo de 1976 con su banda Tom Petty and the Heartbreakers, "American Girl" terminó siendo junto con "Free Fallin" su canción más emblemática y reconocida por público y crítica, y se ha convertido en todo un himno del rock clásico estadounidense, algo por lo que en un principio casi nadie habría apostado, a tenor de los pobres resultados comerciales del single, que no llegó a entrar en las listas de ventas de Estados Unidos, y se quedó en el puesto 40 de las del Reino Unido.

Debido a su letra sobre una "chica americana" al borde de la desesperación en el balcón de su casa, "escuchando pasar los coches por la carretera 441", surgió una leyenda urbana que decía que Petty se había inspirado en el suicidio de una estudiante desde un balcón de la residencia Beaty Towers en la Universidad de Florida, a pesar de que eso habría sido imposible, porque un portavoz de esa universidad afirmó que ese edificio no tenía balcones y las ventanas no podían abrirse. El propio Petty declaró que escribió la canción mientras vivía en un apartamento junto a la autopista en California, escuchando los coches pasar, y pensando que sonaban como las olas en el océano.

Leyendas erróneas aparte, "American Girl" es famosa por su tempo rockero, inspirado en el estilo de Bo Diddley, y su afilado juego de guitarras eléctricas, heredero del folk rock de The Byrds, y por lo que sí es leyenda real es por tener el trágico honor de ser la última canción que Tom Petty and the Heartbreakers tocaron en directo, en su concierto del 25 de septiembre de 2017 en el Hollywood Bowl de Los Ángeles, California, solo una semana antes de que Tom Petty falleciera de una sobredosis accidental de medicamentos recetados, (quizá) mientras en la ventana se escuchaban pasar las olas motorizadas de su particular océano creativo.

Disco de la semana 408: "El Rock de Mi Vida" - Guasones

 

Disco de la semana 408: "El Rock de Mi Vida" - Guasones

"El Rock de Mi Vida" es el disco de la semana de la banda argentina Guasones, lanzado en 2006, un momento en el que la banda ya había logrado establecerse como una de las referentes de la escena del rock argentino de ese momento. Este álbum no solo consolidó su popularidad, sino que también marcó un antes y un después en su evolución musical. Producido por el legendario Pappo Napolitano, el disco combina un sonido maduro con una energía visceral, ofreciendo una experiencia musical que aún hoy resuena como uno de los pilares del rock de los 2000 en Argentina.

Si te interesa el rock argentino, este álbum es imprescindible: combina letras cargadas de emociones, momentos de reflexión profunda y la energía cruda que caracteriza a Guasones. A continuación, exploraremos cada aspecto de este disco, desde su contexto histórico hasta las canciones que lo componen y su impacto en la carrera de la banda.

Guasones se formó en la ciudad de La Plata en Buenos Aires en 1992, una ciudad conocida por ser cuna de grandes bandas argentinas. Desde sus inicios, la banda buscó un sonido que mezclara el rock clásico con el blues, el country y el rock and roll, influenciados por artistas como The Rolling Stones, Bob Dylan y el rock barrial propio de Argentina. Sus primeros años estuvieron marcados por tocar en bares y pequeños escenarios, construyendo una base de fans leal gracias a su autenticidad y cercanía con el público.

La alineación principal incluye a Facundo Soto (voz), Maximiliano Timczyszyn (guitarra), Esteban Monti (bajo) y Damián "Pecho" Celedón (batería). Si bien la banda ya había lanzado tres discos antes de "El Rock de Mi Vida", fue con este álbum que lograron cruzar una barrera importante, llegando a un público más amplio y consolidando su lugar en la historia del rock argentino.

"El Rock de Mi Vida" captura lo mejor de Guasones: un rock sencillo pero poderoso, letras profundas y una producción que resalta cada elemento de la banda. Contar con Pappo Napolitano como productor no solo fue un honor, sino también una garantía de calidad. Pappo aportó un toque crudo y auténtico al álbum, respetando la esencia de la banda mientras potenciaba su sonido.

El disco refleja una mezcla de influencias que van desde el blues y el rock and roll hasta un toque de folk en algunos momentos. Las guitarras son protagonistas, con riffs pegadizos que se quedan grabados en la mente, mientras que la batería y el bajo construyen una base sólida que da vida a las canciones. Por su parte, la voz de Facundo Soto es una de las claves del éxito del álbum: desgarrada, emotiva y llena de matices, logra transmitir cada palabra con una autenticidad que conecta profundamente con el oyente.

El álbum está compuesto por 12 canciones, cada una con su propia historia y personalidad. Aquí un análisis más detallado de cada una:

1. "Reyes de la noche"
   Abre el disco con fuerza y actitud. Este tema es un verdadero himno, con un riff de guitarra inolvidable y una letra que celebra las aventuras nocturnas y el espíritu de camaradería. Es una canción que representa perfectamente la esencia de Guasones: cruda, sincera y contagiosa.

2. "Gracias"
   Una balada conmovedora que destaca por su sensibilidad. Aquí la banda agradece a la vida y a las experiencias que los han llevado hasta donde están. El arreglo musical, sencillo pero potente, permite que la interpretación vocal de Soto brille.

3. "Tan distintos"
   Una reflexión sobre las diferencias entre las personas y las conexiones que nos unen. Con un ritmo cálido y envolvente, esta canción añade una capa de profundidad al álbum.

4. "Todavía"
   Este tema mezcla esperanza y energía. Las guitarras se lucen, y el ritmo pegadizo lo convierte en un track perfecto para disfrutar en vivo.

5. "Pasan las horas"
   Con una atmósfera melancólica, este track aborda el paso del tiempo y las emociones que quedan tras las experiencias vividas. Su tono introspectivo la convierte en una de las canciones más memorables del disco.

6. "Dame"
   Un torbellino de energía rockera que desata el lado más visceral de Guasones. Es un tema perfecto para los amantes del rock clásico, con un riff contundente y una letra apasionada.

7. "Mi caramelo"
   Una canción tierna y sencilla que equilibra melancolía y esperanza. Es un momento de calma dentro del álbum que muestra el lado más vulnerable de la banda.

8. "Sabés"
   Con un tono nostálgico, esta canción explora las conexiones humanas desde una perspectiva íntima y reflexiva.

9. "Te perdí"
   Una de las canciones más emotivas del disco, donde la banda aborda la pérdida con una sinceridad desgarradora. Es un tema que resuena profundamente en el corazón del oyente.

10. "Farmacia"
    Con un ritmo acelerado y letras cargadas de ironía, esta canción habla de las adicciones y cómo enfrentarlas. Es un track que mezcla seriedad con un toque desenfadado.

11. "No llores"
    Una canción esperanzadora que ofrece consuelo y optimismo. Es un respiro positivo dentro del álbum, con una melodía pegadiza y un mensaje alentador.

12. "Arbolito de Navidad"
    Cierra el álbum con una mezcla de melancolía y celebración. Este track encapsula perfectamente el espíritu de "El Rock de Mi Vida", dejando al oyente con una sensación de plenitud.

"El Rock de Mi Vida" no solo marcó un antes y un después para Guasones, sino que también tuvo un impacto significativo en la escena del rock argentino. Canciones como "Reyes de la noche" y "Gracias" se convirtieron rápidamente en clásicos, sonando en radios y en cada concierto de la banda. Este álbum les permitió recorrer todo el país y consolidar una base de fans leal que sigue creciendo hasta el día de hoy.

Además, el disco reflejó una madurez artística que les permitió diferenciarse de otras bandas de la época. Mientras muchas agrupaciones seguían un camino más comercial, Guasones se mantuvo fiel a su esencia, ofreciendo música honesta y auténtica.

"El Rock de Mi Vida" es mucho más que un disco de rock: es una obra que encapsula la esencia de Guasones y su pasión por la música. Cada canción es una pieza única dentro de un conjunto cohesivo que ofrece algo para todos: momentos de pura energía, introspección y emotividad.

Escuchar este álbum es adentrarse en un viaje emocional que captura lo mejor del rock argentino de los 2000. Más de 15 años después de su lanzamiento, sigue siendo un referente imprescindible para los amantes del género. Si buscas música que te haga sentir, reflexionar y disfrutar, "El Rock de Mi Vida" es la elección perfecta. 

Daniel
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1443.- I Only Want to Be with You - Bay City Rollers

 

Escrita por Mike Hawker e Ivor Raymonde, "I Only Want to Be with You" fue originalmente un éxito en la voz de la británica Dusty Springfield, en el que fue su single de debut discográfico en 1964, que alcanzó un meritorio cuarto puesto en las listas de ventas del Reino Unido.

Posteriormente, "I Only Want to Be with You" ha sido grabada por multitud de artistas, siendo las versiones de Bay City Rollers (1976) y The Tourists (1979) las que lograron repetir el éxito conseguido años atrás por Dusty Springfield.

De las dos, y solo por cuestión de colores y gustos, nosotros nos quedamos con la versión de Bay City Rollers, que pese a no contar ya con el característico "muro de sonido" de la producción de Phil Spector con el que se construyó la versión de Springfield, consigue mantener la esencia y los ingredientes de una canción que nació para ser un hit en cualquiera de sus formatos y versiones.

Every Picture Tells a Story - Rod Stewart (Mes Rod Stewart)

Every Picture Tells a Story es para mí algo más que el tercer disco de estudio de Rod Stewart, publicado el 28 de mayo en 1971 en Mercury Records, y uno de los mejores discos de su carrera. Es algo más porque, cuando lo encontré en un viejo armario de casa de mis abuelos, junto con una copia del Dark Side of the Moon de Pink Floyd. Siendo solo un niño, no sabía aún gran cosa de Gilmour y Waters, y aún menos de Rod Stewart, pero sentía ya gran atracción por el formato de música en vinilo, y durante mucho tiempo guardé aquellos discos como oro en paño, junto a mis primeras adquisiciones de discos propios. Y fue por aquellos tiempos cuando cometí el gran error de mi vida de coleccionista de discos, porque en un inexplicable arrebato, un (mal) día me desprendí de Every Picture Tells a Story en una tienda de vinilos de segunda mano.

Con el tiempo, y lamentando aquella absurda decisión, me hice con otra copia en otra tienda de discos, pero como le pasaba a Eric Spitznagel en su libro "En busca de los discos perdidos", en el que se embarcaba en la difícil búsqueda de los discos de su juventud (no otra copia, sino exactamente los que tuvo y en algún momento perdió o vendió) siempre me quedó la sensación de que no era lo mismo. En mi caso, soy consciente de que sería imposible recuperar exactamente el mismo disco, y me consuelo escuchando a su sustituto, y la verdad es que, lógicamente, las canciones suenan igual de bien en mi tocadiscos. Al fin y al cabo, siguen siendo las mismas, y con la misma exitosa mezcla de rock, country, folk y blues que Stewart aplicó al que probablemente sea su mejor obra.

El disco comienza con la canción que le da título, la animada y acústica "Every Picture Tells a Story", con la participación vocal de Maggie Bell, y compuesta a la par por Rod Stewart y Ron Wood, su gran amigo y excompañero en The Faces, que toca la guitarra en varios temas del álbum. De hecho, todos los miembros de The Faces aparecen colaborando en algún momento del disco. Tras este primer momento álgido, es momento para la calma en la melancólica "Seems Like a Long Time", compuesta por Theodore Anderson, en la que la voz de Stewart está acompañada en esta ocasión por Madeline Bell en el estribillo.

Llega después el turno para un par de versiones de clásicos del rock y el blues, empezando por el country blues de "That's All Right / Amazing Grace", una versión del viejo tema de Arthur Crudup, y una canción tradicional estadounidense que fue el primer single publicado por Elvis Presley, y terminando por una revisión del "Tomorrow Is a Long Time", un tema descartado por Bob Dylan para su disco The Freewheelin' Bob Dylan (1963), con el que concluye la cara A de Every Picture Tells a Story.

La cara B comienza con "Henry" que no aparecía en los créditos de algunas de las primeras ediciones del disco, y la verdad no recuerdo si aparecía en aquella copia del armario de mis abuelos,  pero sí que está en el vinilo que me compré después. Este breve pasaje instrumental se omitió también en algunas ediciones en CD, o se incluyó como intro en la misma pista que "Maggie May", el auténtico hit del disco.

"Maggie May" es un tema mítico de la discografía de Rod Stewart, por más que este la considerara inicialmente una canción menor y la publicara como cara B de "(Find a) Reason to Believe", una gran versión de un tema de Tim Hardin de 1966, y el sencillo de lanzamiento de Every Picture Tells a Story. No contaba Stewart con que el público hiciera de "Maggie May" la canción que triunfara de aquel single, llevándola al nº1 de las listas de ventas de Reino Unido y Estados Unidos, donde fue pinchada en las radios en lugar de la canción principal del single, que dicho sea de paso, es también muy buena. Como lo es "Mandolin Wind", con un estilo tradicional similar al de "Maggie May", con la que conforma un tándem poderoso y uno de los mejores arranques de cara B que se pueden escuchar en un disco.

Every Picture Tells a Story cierra con una impactante versión en clave de blues rock eléctrico y abrasivo del "(I Know) I'm Losing You" de The Temptations, que fue también publicada como single, y la ya mencionada "(Find a) Reason to Believe", que iban a ser las dos canciones estrella del álbum, y a las que "Maggie May" y "Mandolin Wind" adelantaron sorprendentemente por la derecha, para ser las canciones que, con los años, más se recuerdan de un disco que fue nº1 en el Reino Unido durante seis semanas, y durante cuatro en Estados Unidos.

Como dice el título del disco, "cada foto tiene una historia", y la imagen que yo tengo en el recuerdo de Every Picture Tells a Story es la del momento de descubrirlo en aquel armario de mi infancia. Pero esa historia ya os la he contado, así que cierro aquí esta reseña y me voy a escucharlo tranquilamente mientras sigue avanzando el #MesRodStewart y llegan nuevas historias sobre discos de Rod Stewart en 7dias7notas.net

1442.- He'll have to go - Ry Cooder

 

"He'll Have to Go" ("El tendrá que marcharse") es una popular canción de country-pop grabada originalmente por Billy Brown, que apenas logró atención mediática, y versionada por Jim Reeves el 15 de Octubre de 1959. Escrita por la dupla de compositores formada por el matrimonio formado por Joe y Audrey Allison, la canción destaca por la brillante letra sobre un hombre que está hablando por teléfono con la mujer que ama, y durante la conversación se da cuenta de que hay otro hombre con ella.

Su reacción tiene un toque de enorme confianza y arrogancia, y contribuyó en gran medida a que se convirtiera en un gran éxito en Estados Unidos a principios de 1960 ("Pon tus dulces labios un poco más cerca del teléfono / Vamos a fingir que estamos juntos solos / Pediré que bajen el volumen de la máquina de discos / Y puedes decirle a tu amigo que está allí contigo que tendrá que irse").

La versión de Ry Cooder, incluida en su disco de 1976 "Chicken Skin Music" mantiene la brillante letra, y musicalmente le añade un estilo de música de aire mexicano que revitaliza la canción y la hace evolucionar del enfoque country de las múltiples versiones que de "He'll Have to Go" se han grabado a lo largo de los años, entre las que cabría mencionar también la versión que Elvis Presley grabó ese mismo año 1976 en la que sería su última sesión de grabación en un estudio.

Gasoline Alley - Rod Stewart (Mes Rod Stewart)

 

Gasoline Alley, Rod Stewart

     Rod Stewart ha sido una de las figuras más importantes e influyentes de la música desde finales de los años 60. Durante este tiempo, ha formado parte de varios grupos y proyectos importantes, como The Jeff Beck Group y The Faces. Fundamentalmente, la música de Rod se ha desarrollado a partir de una sólida base de rhythm and blues estadounidense. En el álbum de 1970 Gasoline Alley, Rod y su banda cruzaron parcialmente el puente del rhythm and blues a la música folclórica estadounidense de calidad tradicional mediante una combinación de versiones de canciones folclóricas tradicionales y canciones originales excepcionales.

Rod Stewart comenzaba sus andanzas en la música a mediados de los años 60 como miembro de un par de modestas bandas londinenses, Steampacket y Shotgun Express, antes de unirse al proyecto de Jeff Beck junto a éste y a Ron Wood en el llamado Jeff Beck Group. En 1969 daba por finalizada dicha colaboración y se unía al grupo The Faces, anteriormente llamado Small Faces. Dicha banda quedaría integrada por el propio Rod junto a Ronnie Lane, Ian McLagan, Ron Wood y Kenney Jones. A principios de la década de los 70, The Faces ya eran una de las bandas más populares de Gran Bretaña, y Rod stewart, lejos de conformarse y limitarse, seguiría paralelamente su carrera en solitario.

El 12 de junio de 1970 Rod Stewart lanza su segundo álbum de estudio en solitario, Gasoline Alley. El disco es grabado en los Morgan Studios de Londres bajo la producción del propio Rod Stewart y de Lou Reizner, y publicado por el sello disográfico Vertigo Records en Reino Unido y por Mercury Records en Estados Unidos. El disco es una colección de covers combinados con composiciones propias de Rod, contó con importantes colaboraciones musicales de los otros miembos de su banda The Faces, y al igual que su disco debut, incluyó diverso géneros musicales, tales como rock and roll, rhythm and blues, folk rock o el llamado white soul. El disco llegó a alcanzar el puesto 27 en la lista estadounidense Billboard 200, siendo además su primer álbum en entrar en la lista Uk Albums Chart, llegando a ocupar el puesto 62. El disco utilizó la misma fórmula que su primer álbum, el cual no tuvo el éxito esperado. Sin embargo este segundo disco sería mejor recibido tanto en ventas como por la crítica, demostrando que la fórmula de mezclar canciones originales con versiones funcionaba. 

Y uno de los mejores ejemplos es la canción que da título al disco, Gasoline Alley, escrita y compuesta por Rod Stewart y Ron Wood, donde las percusiones suenan con fuerza, las guitarras acústicas suenan con contundencia, y Rod Stewart da ese plus de sentimiento y calidad vocal para evitar que las canción suene como una mera canción acústica más. En este tema, Rod muestra nostaliga por sus años de adolescencia a principios de los años 60, cuando creció en Londres y sus alrededores. le sigue una versión de It's All Over Now, canción escrita por Bobby Womack y su cuñada Shirley Womack. La canción fue lanzada por primera vez por el grupo del que formaba parte Bobby Womack, The Valentinos, en 1964, y popularizda por Los Rolling Stones ese mismo año, ya que al escuhcar su lanzamieno decidieron grabar su propia versión rápidamene. Only a Hobo es otra versión, en este caso de una canción Bob Dylan, una íntima, conmovedora y sensible canción que nos relata la vida de un hombres sin hogar. My Way of Giving cierra la cara A. Stewart, que en ese momento era miembro de Faces, había criticado la grabación original de Small Faces (Nombre anterior de la banda). La había llegado a llamar "monstruosa" en una entrevista. Esto probablemente se debió al hecho de que Steve Marriott había dejado recientemente Small Faces y había sido reemplazado por Stewart y Ronnie Wood. En comparación con la versión de Small Faces (que es relativamente corta, con apenas dos minutos de duración), la interpretación de Stewart de la canción es una balada larga y prolongada en la que Ian McLagan toca en gran medida su característico órgano Hammond. Cuenta con miembros de Faces, que proporcionan instrumentales de acompañamiento, junto con Lane, que también proporciona coros a la canción. 

Abre la cara B Country Comfort, una versión de la canción escrita por Elton John y Bernie Taupin, y que fue incluída en el álbum de Elton "Tumbleweed Connection". Stewart le da un toque muy comfortable y cálido al tema. Cut Across Shorty es otra versión. En este caso fue escrita por Marijohn Wilkin y Wayne P. Walker, y originalmente lanzada y popularizada por el gran Eddie Cochran . Fue el lado B de su éxito número uno en el Reino Unido "Three Steps To Heaven" y la última canción que grabó. Ronnie Wood tocó varios instrumentos en la grabación de Stewart. Lady Day es una introspectiva y vulnerable balada escrita por Stewart, y muestra su lado más sensible y emocional. La canción da paso a otra composición del artista, Jo's Lament,, otra triste composición donde el cantante nos habla sobre la pérdida de un amor. Atentos a la magistral y desgarradora de Rod stewart en esta canción. Cierra la cara B, y por tanto este álbum, You're My Girl (I Don't Want to Discuss It), una versión de un tema soul donde Stewart le da un enfoque muy rockero, mostrando además la habilidad del cantante para fusionar géneros.

Gasoline Alley es un trabajo que refleja las raíces musicales de Rod Stewart, con una mezcla de covers bien seleccionados y composiciones propias que capturan su esencia. El álbum fue muy bien recibido por la crítica y cimentó su reputación como uno de los grandes vocalistas de la época. Un gran álbum que muestra a un joven Rod Stewart en su mejor momento, en un punto donde su talento crudo y su personalidad carismática comenzaban a brillar. 

1441.- Breakdown - Tom Petty and The Heartbreakers

 

Breakdown,  Tom Petty & The Heartbreakers 

     Originaria del sur de Estados Unidos, Tom Petty and the Heartbreakers combinó varios géneros diferentes para crear un tipo de música icónico. Si bien la historia de la música rock sureña influye en su sonido, la banda no rehuyó adoptar nuevos sonidos que estaban disponibles para ellos. Esto se puede ver en sus asociaciones con artistas que provenían de orígenes muy diferentes, al menos musicalmente. La música de The Heartbreakers abarca una amplia variedad de temas, incluidos el amor, el desamor, las preocupaciones sociales y la visión positiva de la banda sobre la sociedad.

El 9 de noviembre de 1976 Tom Petty and the Heartbreakers debutan con su álbum debut de título homónimo. Es grabado durante ese mismo año en el Shelter Studio de Hollywood, California, bajo la producción de Denny Cordell, conocido por haber trabajado también con The Moody Blues, Leon Russell, The Move, Procol Harum y Joe Cocker entre otros; y publicado el sello discogŕaifco Shelter Records. El álbum recibió poca atención en su lanzamiento en los Estados Unidos. Subió al puesto n° 24 en la lista de álbumes del Reino Unido después de una gira por ese país, y el sencillo Anything That's Rock 'n' Roll se convirtió en un éxito en el Reino Unido. Después de casi un año y muchas críticas positivas, el álbum llegó a las listas de éxitos de los Estados Unidos, donde alcanzó el puesto n.° 55 en 1978 y finalmente se convirtió en disco de oro.

Incluido en este disco se encuentra Breakdown, que fue lanzado como el sencillo principal y llegó al Top 40 en los EE. UU. Al principio, el característico riff de guitarra, cortesía del guitarrista de la banda Mike Campbell, solo se usaba al final de la canción. Un cantante llamado Dwight Twilley pasó por el estudio cuando Petty lo estaba reproduciendo y sugirió que lo usaran a lo largo de la canción. A Petty le gustó la idea y llamó a la banda al estudio en mitad de la noche para volver a grabarlo. Twilley, que tuvo un éxito en 1975 con I'm On Fire , firmó con el mismo sello que Petty y siguió la misma trayectoria profesional durante un tiempo. Petty cantó en algunas de las canciones de Twilley, incluido su éxito de 1984 Girls. Cuando la banda grabó por primera vez esta canción, tenía una duración de 7 minutos, con un solo de guitarra extendido al final. La versión final dura 2 minutos y 43 segundos. Nos encontramos con una letra más austera de lo normal para ser una canción de Tom Petty and the Heatbreakers. Petty está dispuesto a poner fín a una relación que se ha vuelto tóxica. 

1440.- Livin' Thing - Electric Light Orchestra

 

Livin' Thing, Electric Light Orchestra

     La Electric Light Orchestra, más popularmente conocida como E.L.O., cobró vida en los años sesenta como parte del nuevo escenario del "rock progresivo". Surgieron como una combinación del rock de los 60 y el nuevo sonido de la tecnología y las tendencias en el uso de equipos para hacer música. Esta combinación creó un estilo musical que jugó un papel conservador en hacer del rock sinfónico la leyenda que es hoy. Con sus estrategias de rock melódico de los 60 y armonías al estilo de los Beatles, junto con el arte de diseñar estructuras clásicas en música rock, E.L.O. tuvo ideas innovadoras inigualables en su época.

El 15 de octubre de 1976 E.L.O. publica su sexto álbum de estudio, A New World Record. Fue grabado en diferentes estudios de Alemania, Reino Unido y Estados Unidos bajo la producción de Jeff Lynne, y publicado por el sello discográfico Jet United Artists en Estados Unidos el 19 de noviembre de 1976, y por Jet Records en el Reino Unido el 15 de octubre de 1976. Este disco marcó un cambio radical en el grupo, que apostó por canciones de corte pop más cortas, una tendencia que continuaría en años sucesivos.

Incluido en este disco se encuentra Livin' Thing. Esta canción es otro intento de E.L.O. de mantener la música clásica a la moda: mantiene la tendencia de mezclar la armonía y la melodía del rock con lo mejor de Johann Strauss. Esta canción establece una nueva tendencia de la banda: arreglos de clavicémbalo largos y prolongados influenciados por la música clásica. La canción hace uso de acordes aumentados. Sobre esto, Lynne dijo: "Livin' Thing" tenía un acorde aumentado. George (Harrison) también usó muchos de esos acordes. Creo que la influencia de usar ese tipo de acordes vino de las canciones de Long Wave (segundo álbum en solitario de Lynne, publicado en 2012). Tratar de unir los dos estilos, tratar de poner esos viejos y divertidos acordes victorianos en una nueva canción le da un buen impulso. La convierte en una canción más especial, porque tiene un acorde extraño y nadie sabe cómo tocarla. "Livin' Thing" tiene eso. Hay algunos míos que tienen ese tipo de acordes. Traté de hacer las canciones un poco diferentes. "Livin' Thing" habría tenido una secuencia de acordes mucho más normal y corriente de lo contrario; el coro habría sido C, La menor, Fa y Sol en lugar de Do, La menor, Re menor, Sol aumentado y de vuelta al Do. Ese acorde aumentado de sol añade un poco de tensión y elevación a la canción. Ese acorde está más en la línea de las canciones de Long Wave que en el lenguaje pop. Estoy seguro de que estaba incorporando ese tipo de acordes inconscientemente, pero estuve expuesto a todos esos acordes desde el principio, y obviamente voy a tomarlos a bordo con todos los acordes más de rock and roll. He usado acordes extravagantes en muchas de mis canciones, como "All Over the World", que también tiene uno travieso".

Ha habido mucha especulación sobre de qué trata esta canción. Hay un rumor popular que argumenta que se trata de una declaración contra el aborto. El líder del grupo, Jeff Lynne, decía al respecto que se trataba simplemente de la pérdida del amor, aunque su inspiración inicial fue un ataque de intoxicación alimentaria. Este argumento lo dejó escapar en una charla con Hi-Fi News & Record Review en 2014. "Nunca podrás volver a escucharlo de la misma manera", dijo. "No me gustaría que nadie pensara que se trata de una mala paella en unas vacaciones españolas". La canción cuenta con las voces no acreditadas de Patti Quatro (hermana de Suzi Quatro), Brie Brandt y Addie Lee, quienes fueron miembros del grupo de rock femenino Fanny.

1439.- Telephone Line - Electric Light Orchestra

Lynne tenía un don para combinar melodías beatlescas, instrumentación clásica y técnicas de producción impecables para crear un deleite para el oído al que era imposible resistirse. Su técnica funcionaba bien en los temas de ritmo rápido y con sabor a rockabilly de la banda, pero era realmente excelente en las canciones lentas. De New World Record de 1976, “Telephone Line” fue la balada que dio el salto a la fama a ELO y se coló en el Top 10 en ambos lados del charco.

La introducción telefónica de la canción ha llamado mucho la atención a lo largo de los años. Hay dos cosas notables al respecto. Primero, el tono de llamada que se escucha (como el que se escucha cuando se espera que la línea responda) es un tono de llamada de América del Norte que es bastante distinto del que se escuchaba en el Reino Unido en ese momento. La banda estaba teniendo mucho más éxito en Estados Unidos en ese momento y esto los inspiró a usar el sonido norteamericano en lugar del sonido británico. Para lograr el sonido perfecto, la banda llamó a una oficina en Estados Unidos cuando sabían que nadie respondería. El otro detalle interesante de la introducción es el sonido monofónico apagado, como si el oyente estuviera escuchando a través del teléfono la introducción de la canción. Esta fue una adición muy tardía a la canción. La grabación estaba terminada y Jeff estaba trayendo las cintas de Inglaterra a California cuando tuvo la idea de agregar el efecto a la canción que suena normalmente hasta la primera línea vocal del primer verso, cuando entra el efecto monofónico de escucha por teléfono. Esto continúa, junto con el tono de llamada, hasta la línea "lonely, alone, alone, alone, alone nights" cuando la versión estéreo completa de la canción entra lentamente y el tono de llamada se detiene. 

El significado de la canción es bastante claro: el cantante está esperando a que su amante al otro lado del teléfono levante la línea y está expresando su soledad mientras espera. La forma en que se describe la historia es inteligente en muchos sentidos. En primer lugar, el efecto de escucha silenciosa por teléfono y el tono de llamada al comienzo de la canción, así como la línea "Hola. ¿Cómo estás?", dejan en claro que está al teléfono esperando una respuesta. La transición al efecto estéreo completo en la línea "noches solitarias, solitarias, solitarias, solitarias" expresa la tristeza y la soledad de la canción. La siguiente línea, "eso es lo que diría", subraya que el oyente de la canción acaba de escuchar la triste llamada telefónica y el profundo dolor del cantante. La suave letra doo-wop del puente evoca el estado de ánimo de las canciones doo-wop sentimentales de los años 1950 y 1960 (como Sincerely de The Moonglows y Only You de The Platters), lo que pinta más una imagen de la canción. El tono de espera en la línea se escucha nuevamente a mitad de la canción, justo después del estribillo (y también al final de la canción en la versión alternativa), lo que produce el efecto de que toda la canción ocurre mientras el cantante está en la línea, esperando que respondan. Todo esto se combina para dar una sensación notable y conmovedora a la canción, como si la persona que llama estuviera esperando y esperando una respuesta mientras vierte el dolor y la soledad que está sintiendo.

Una de las razones por las que la canción fue un éxito es que describía una situación que todos conocían. Como dijo el tecladista de ELO, Richard Tandy, sobre Lynne y la canción en el documental Mr. Blue Sky: The Story of Jeff Lynne and ELO : “Creo que todo el mundo ha tenido la experiencia de tener una mala llamada telefónica con alguien a quien aprecia y cómo te afecta. Y creo que él captó eso”. El inimitable muro de coros que Lynne fue pionero con el tubo ELO en ese momento como una especie de coro griego que detalla el dolor del tipo, hasta que a este triste saco no le queda nada más que hacer que dirigirse a la línea telefónica. Solo hace falta una sola línea en el emocionante coro para describir con maestría la región inferior en la que habita este tipo: "Estoy viviendo en el crepúsculo". En el segundo verso, con cuerdas que comentan sutilmente lo que ocurre, el narrador se ve obligado a suplicar que le den más tiempo con la inútil esperanza de que la chica conteste. ¿Cuánto tiempo necesita? “Que suene para siempre”, canta Lynne. Ha habido algunas canciones clásicas sobre el teléfono en la era del rock, pero pocas han capturado la impotencia de estar en el extremo solitario del receptor tan bien como “Telephone Line”, una obra maestra de melancolía cortesía de Jeff Lynne y ELO.

1438 - Tom Waits - Tom Traubert's Blues (Four Sheets to the Wind in Copenhagen)

1438 - Tom Waits - Tom Traubert's Blues (Four Sheets to the Wind in Copenhagen)

"Tom Traubert's Blues (Four Sheets to the Wind in Copenhagen)", es la apertura del álbum Small Change (1976) de Tom Waits, es una de las composiciones más conmovedoras y personales del legendario cantautor estadounidense. La canción es un poema melancólico que combina el lirismo crudo y evocador de Tom Waits con un paisaje sonoro desgarrador, dejando una profunda huella en quien la escucha.

Desde los primeros acordes del piano, se intuye que se está entrando en un territorio de dolor y desolación. La voz áspera de Tom Waits, cargada de experiencia y vulnerabilidad, narra una historia de pérdidas, nostalgia y redención en un contexto de soledad existencial. El título y la temática se inspiran parcialmente en una experiencia de Tom Waits en Copenhague, en la que, según se cuenta, tuvo una noche difícil de excesos y reflexión. La inclusión de "Waltzing Matilda", un clásico australiano, como estribillo central, añade una dimensión casi universal, conectando lo personal con lo colectivo.

La estructura lírica de la canción es como una carta confesional, llena de imágenes cinematográficas y referencias culturales. Las descripciones de barrios bajos, botellas vacías y almas errantes nos sumergen en un mundo marginal donde las emociones están a flor de piel. Líneas como "The light of the morning will blind you" reflejan un lirismo que oscila entre lo poético y lo brutal, reforzando el contraste entre la belleza y la miseria de la vida.

Musicalmente, la canción es minimalista pero efectiva. El piano, interpretado por Mike Melvoin, proporciona un acompañamiento íntimo que resalta el carácter confesional de la letra. La combinación con los arreglos de cuerda subraya la tristeza de la narrativa, mientras que la entrega vocal de Tom Waits, desgastada pero apasionada, amplifica la intensidad emocional.

Uno de los aspectos más destacados de "Tom Traubert's Blues" es su capacidad para resonar emocionalmente con audiencias de todo el mundo. Aunque está profundamente arraigada en la experiencia personal de Waits, su exploración de temas como la alienación, la soledad y el anhelo trasciende lo particular. La referencia a "Waltzing Matilda" como un himno de desarraigo convierte a la canción en una reflexión sobre el exilio, ya sea físico o emocional.

"Tom Traubert's Blues" es una obra maestra de Tom Waits que encapsula su habilidad única para combinar narrativa, emoción y música en una experiencia profundamente humana. Es una canción que no solo se escucha, sino que se siente, dejando una marca imborrable en la memoria de quienes se sumergen en su melancólica belleza.

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