El disco de la semana 98: Led Zeppelin - IV (Mes Led Zeppelin)

LED ZEPPELIN IV

Esta semana estaremos escuchando el cuarto disco de Led Zeppelin, sin nombre pero con una calidad tremenda, uno de los ¿20? ¿10? mejores discos de la historia, con temas ya eternos como Black Dog, Rock and Roll, y como no Stairway to heaven, la obra maestra de Led Zeppelin y la canción más emitida por radio de la historia, junto con "Yesterday" de los Beatles, ambas rondan los 4 millones de emisiones desde su publicación.

El disco abre con "Black Dog", llamada así porque en la villa en la que estaban grabando aparecía frecuentemente un perro labrador que aparentemente no tenía dueño. Nada que ver realmente con la letra, que habla de una ruptura sentimental. En el aspecto musical se trata de un blues progresivo pero bañado en un riff contundente y con la voz de Robert Plant dándolo todo.

Le sigue "Rock and Roll", que como su nombre indica tiene una estructura clásica de rock and roll con un toque acelerado, pero de nuevo el regalo viene envuelto en una capa de guitarras rock de Jimmy Page que lo convierte en un tema contundente. También destaca la aparición de Ian Stewart, teclista de los Rolling Stones, que participó en la jam-session en la que se gestó la canción.

"The Battle for Evermore" es el primer descanso en el camino dentro de un disco de rock. Las mandolinas, por obra y gracia de John Paul Jones, toman el mando y nos trasladan al universo folk tradicional británico. La letra es de Robert Plant y está basada en las guerras de independencia de Escocia. Otra curiosidad es que es de las pocas canciones en las que alguien ajeno al grupo colabora en la canción en los coros, la cantante de Fairport Convention, Sandy Denny.

"Stairway to heaven", poco que decir que no se haya dicho ya, obra maestra que arranca con guitarra y voz y progresivamente va creciendo, entra la batería de Bonham y el propio crecimiento sonoro de la canción desemboca en el furioso tramo final con los solos de guitarra de Page y la desatada voz de Plant. 7 minutos para la historia.

"Misty Mountain Hop" abre lo que era la cara B en vinilo. Se repite la fórmula de dos canciones rockeras para tomar después aire con una más acústica y cerrar con un tema épico y denso. En esta predomina el rock pero los teclados de John Paul Jones le dan un toque pop. 4 Non Blondes firmaron una versión de este tema. La letra tiene referencias al "Hobbit" a través del viaje alucinógeno de unos hippies que creyeron estar en la cima de unas montañas entre la niebla.

"Four sticks" la sigue y alterna tramos rockeros con partes más acústicas, en una mezcla de gran complejidad y mérito, el nombre viene de la manera de tocar de Bonham a la batería.

"Going to California" marca la pausa de la cara B y la vuelta a lo acústico. Es un homenaje a Joni Mitchell, gran influencia tanto para Page como para Plant.

Y el disco cierra a lo grande con "When the Leeve Breaks", canción que no terminaba de despegar en las primeras tomas, hasta que decidieron poner la batería en un piso y subir los micrófonos al piso superior, lo que le dió la sonoridad que el tema merecía. Una de las canciones más grandes del disco, y en realidad una versión prácticamente irreconocible de un tema de blues de finales de los años 20. Final a la altura de un disco irrepetible.

El disco de la semana 97: Black Sabbath - Paranoid

 

Paranoid, Black Sabbath

     Birmingham, Inglaterra, corre el año 1968 y el guitarrista Tony Iommi y el baterista Bill Ward acaban de dejar un grupo llamado Mythology, un fallido proyecto, deciden entonces crear su propia banda y se lanzan a la búsqueda de músicos para su nueva aventura. El dúo tras la búsqueda ficha al bajista Geezer Butler y al cantante Ozzy Osbourne, los cuáles venían de tocar juntos en un grupo llamado Rare Breed. También fichan al guitarrista Jimmy Phillips y al saxofonista Alan Clarke, y llaman al grupo The Polka Tulk Blues Company, nombre que copian de una compañía textil de la India, aunque a poco después acortan el nombre quedando sólo en Polka Tulk. Phillips y Clarke duran poco en el proyecto y abandonan la banda, quedando sólo Iommi, Osbourne, Butler y Ward, quienes vuelven a cambiar el nombre del grupo, en esta ocasión el elegido es Earth.

El grupo en sus inicios comienzan haciendo versiones de blues y rock y se caracteriza por realizar largar improvisaciones bluseras. En diciembre de 1968 y por cosas del destino Tony Iommi abandona la banda para fichar por Jethro tull, pero su aventura dura sólo un par de meses, hasta enero de 1969, volviendo a Earth. Una vez estabilizado el grupo, y mientras se encuentra de gira por Inglaterra se da cuenta que está siendo confundido por otro que tiene el mismo nombre por lo que deciden cambiarse el nombre.

Un día, mientras se encuentran los 4 componentes en el local donde ensayaban habitualmente, Butler observa frente al local un cine, en dicho cine había una cola enorme de gente para ver una película de terror, concretamente del director Mario Brava, un reputado director de cine italiano del género, y protagonizada por Boris Karloff. La película databa del año 1963 y se titulaba I Trie Volti Della Pura (Las tres caras del diablo), y en inglés había quedado traducida como Black Sabbath. Iommi, Butler, Osbourne y Ward tenían claro desde ese momento el nombre del grupo, Black Sabbath. En cuanto al sonido del grupo, acaba apostando por el famoso tritono ó intervalo del diablo,  dotando a sus composiciones con una música y unas letras muy oscuras. Sería este estilo el sello de identidad del grupo, precursor del género heavy metal, conviriténdose además en referencia de infinidad de bandas de rock y metal posteriores. El famoso tritono era rechazado ya desde la época medieval por su dificultosa entonación y su sonido se consideraba siniestro. En el Renacimiento se considera que el tritono es inestable y los teóricos y eruditos musicales lo rechazan, quedando este estilo abocado al abandono.

En febrero de 1970 el grupo publica bajo la discográfica Vertigo, perteneciente a Philips Records, su primer álbum de estudio titulado Black Sabbath, grabado sólo en dos días con un presupuesto de 600 libras. En un principio el disco no consiguió acaparar la atención de la crítica, pero poco a poco y con el tiempo el disco, que estuvo mucho tiempo posicionado en las listas, obtuvo certificación de platino en Estados Unidos y de oro en Reino Unido. Debido a la portada del disco y el estilo del grupo, éste recibe la fama de ser una banda satánica, llegando a ser invitados por una secta satánica para que tocara en uno de sus ritos en Stonehenge. La banda lógicamente se negó, pero al parecer fueron maldecidos por un integrante de la secta. Como medida de protección, el padre de Ozzy les fabricó a cada uno de los integrantes una cruz de plata que debían llevar colgada del cuello a todas partes.

Para aprovechar el éxito que el disco ha tenido en estados Unidos el grupo se mete en el estudio en junio de 1970, y en septiembre de 1970 lanzan al mercado su segundo álbum de estudio, Paranoid, el recomendado para la ocasión por 7dias7notas para la semana número 97 de su aventura. Lo cojas por donde lo cojas y lo mires por donde lo mires este disco es una auténtica obra maestra. Las composiciones de los temas están dotadas de esa oscuridad tan característica del famoso tritono, y las letras de Paranoid se encargan de hablarnos de la parte más negativa y mala de la condición humana. Todas las composiciones de este álbum están acreditadas a los 4 componentes de la banda. Sobre el título del disco, el grupo lo quería llamar War Pigs, pero debido a presiones de la discográfica tuvieron que cambiarlo por Paranoid. De hecho la portada del álbum fue diseñada por Keith Macmillan y fue concebida para el título War Pigs, pues ilustra un cerdo con una espada y un escudo.

Comenzamos este viaje por la oscuridad de la condición humana con War Pigs, una auténtica joya, un trallazo donde el grupo habla de los horrores de las guerras y lanza una dura crítica a éstas, concretamente a la guerra de Vietnam, a los militares y a los políticos, a los que califican como "Cerdos de guerra". Al grupo se le ocurrió la idea de escribir el tema mientras se encontraban tocando por Europa en una base de la Fuerza Aérea Estadounidense. El tema fue escrito en algún lugar de un desierto de Zurich, Suiza, cuando aún se encontraban tocando para audiencias más pequeñas. Paranoid, nos encontramos ante uno de los riffs más famosos del heavy metal. El bajo, la guitarra  y la voz de Ozzy crean una atmósfera vertiginosa y paranoica, aunque realmente el tema hace alusión a la depresión. Geezer Butler escribió la letra, y el reconocía que en el momento de escribirla no sabía la diferencia entre una persona paranoica y una deprimida. según él tenía que ver con las drogas y la relación que hay entre la paranoia que te entra cuando tomas drogas y la depresión posterior después de haberlas consumido. En cuanto al origen del famoso riff, al parecer en un descanso durante las grabaciones y mientras el grupo se había ido a por cervezas se quedó solo en el estudio Iommi, quien empezó a tocar el famoso riff, y como en ese momento no había grabadoras y para que no se le olvidara, estuvo tocándolo continuamente hasta que el resto del grupo volvió. Planet Caravan, un relajado tema que trata de un hombre que flota junto con su amante por el universo. Ozzy utilizó un micrófono Leslie para lograr los efectos de vibración y los agudos del tema. Las partes de piano fueron grabadas por el ingeniero del álbum Tom Allom, y Iommi utilizó un sonido de flauta que luego invirtieron y trataron con retardo estéreo. Cierra la cara A Iron Man, tema que trata de un hombre que viaja a través del tiempo y ve el fín del mundo, y en su camino de regreso a la Tierra para advertir a la humanidad de dicho fín atraviesa una tormenta magnética y se convierte en un hombre de hierro. Nadie le cree sobre el fín del mundo, por lo que enfurece y descarga su rabia sobre la Tierra, provocando él mismo ese fín del mundo que él había visto. Este tema contiene a demás un hipnótico y singular de riff de guitarra que se repite de forma constante, que además se ha convertido en otro de los más famosos del grupo y de la historia.

El tema que se encarga de abrir la cara B es Electric Funeral, quizás uno de los temas más siniestros del grupo por su tono apocalíptico y su ritmo lento y pesimista. El tema trata de la devastación producida por un holocausto nuclear. Hand Of Doom, tema que habla sobre la adicción a la heroína. El tema fue ideado por la banda al ver como muchos soldados estadounidenses que regresaban de Vietnam, llegaban a Inglaterra con graves adicciones a las drogas. y Butler se inspiró para la letra al ver las jeringuillas dejadas y abandonadas en el suelo por la audiencia que iba a verles tras acabar los conciertos. Ratad Salad, nos encontramos con el único tema instrumental del disco, un tema de apenas dos minutos y medio donde la batería de Ward y la guitarra de Iommi son los protagonistas y nos regalan detalles que por momentos rozan el rock progresivo. Esta obra mestra cierra la cara B y el disco con Fairies Wear Boots, temazo del que no está claro su procedencia pues Ozzy ha llegado a afirmar que escribió la letra sobre el LSD, y también ha llegado a afirmar que realmente no recuerda sobre que escribió la canción. Y por otro lado Geezer Butler afirma que la letra del tema trata de los Skinheads, y que fue compuesta a raíz de un incidente con un  grupo de estos tras un concierto donde a Ozzy lo llamaron "Hada" por su largo cabello y al final se produjera un pelea en la que Iommi resultó herido, por lo que se vieron obligados a cancelar su siguiente concierto. Quizás la respuesta a este tema la tenga Iommi, que declaró en su momento que durante esa época fumaban mucha droga, y ese podría ser el motivo por el que algunas de sus letras son algo inusuales, como puede ser el caso de este tema.

El disco de la semana 96: The Presidents of the United States of America - The Presidents of the United States of America

 

 

 

El Presidente de los Estados Unidos es el cargo político más alto del país de las barras y estrellas. Ostenta los poderes de Jefe de Estado y de Gobierno, y lidera el poder ejecutivo. O sea, que el puesto no es moco de pavo. Hasta la fecha, ha habido cuarenta y cuatro presidentes. Entre los más famosos, podemos destacar al primero (George Washington), al que fue actor (Ronald Reagan) y al que, sin serlo, conocemos por decenas de películas de la II Guerra Mundial (Franklin D. Roosevelt). No podemos dejar sin mencionar al primer presidente afroamericano (Barack Obama), y como nos está quedando un poco largo, cerramos el capítulo de menciones con el actual presidente Donald J. Trump, en el cargo desde 2017.

 

Sin embargo, repasando la lista completa, y pese a encontrar hasta un presidente que le cogió gustillo al cargo y repitió años después (Grover Cleveland), no hemos encontrado rastro alguno de Chris Ballew y Dave Dederer, los auténticos "Presidentes de los Estados Unidos de América" para 7días7notas, esos que a una edad muy temprana, se conocieron mientras esperaban el autobús escolar en Seattle en los ochenta. Años después, en el verano de 1993, Ballew volvió a Seattle y se reencontró con su amigo, formando un dúo musical al que, tras esos primeros comienzos, incorporaron a Jason Finn a la batería. Habían nacido los Presidentes de los Estados Unidos de América, sin haber sido elegidos mediante sufragio indirecto por un colegio electoral.

 

 

La Constitución de los Estados Unidos otorga a los presidentes la ejecución de la ley federal, y les autoriza a nombrar a los poderes ejecutivos y judiciales con la aprobación del Senado. Ellos no sabían muy bien como hacer todo eso, así que optaron por hacer lo que sabían, que no era otra cosa que grabar un disco. A principios de 1994, grabaron Froggystyle (Estilo rana) una cassette con diez demos, que vendían en los conciertos o en la barra del bar en el que Jason Finn trabajaba. Allí estaban algunos de los temas que acabarían formando su homónimo disco de debut de 1995, un sorprendente éxito de ventas, a pesar de haberlo publicado sin la aprobación explícita del Senado.

La crítica también les acompañó en ese momento, describiendo los singles "Kitty", "Lump" y "Peaches" como canciones altamente irónicas, divertidas y pegadizas, y provistas de un sonido limpio y sencillo que se alejaba totalmente de la tendencia grunge dominante. Kitty abría el disco, seguida de una Feather Pluckn que en la versión original del disco, que sufrió varias remezclas y reediciones, incluía un verso que era un guiño al "I got a feeling" de los Beatles, una influencia en las Antípodas de sus grupos vecinos de Seattle. La referencia desapareció de ediciones posteriores, así como la foto interior del disco en la que los Presidentes de los Estados Unidos de América aparecían junto a Bill Clinton, el "otro" presidente de los Estados Unidos de entonces, que no tocó el saxofón en el disco.

Lump es, sin duda, su tema más redondo y significativo, y una de las pocas canciones de las que se haya documentado que surgieran de los efectos de un tratamiento contra la neumonía. Según Chris Ballew, los antibióticos del tratamiento le generaron una reacción alérgica y varias noches de sueños muy locos, de los que acabaría surgiendo la letra de la canción. No sabemos si, durante su convalecencia, se planteó que en caso de muerte del presidente, el vicepresidente asumiera la presidencia, pero afortunadamente la neumonía pasó, dejando como recuerdo la canción más emblemática del grupo, que no la más exitosa.

 

Porque las mieles del éxito se las llevo realmente Peaches, un tema sobre una chica de la que Ballew estaba enamorado. La chica tenía un melocotonero en su jardín, y el día en que por fin Ballew se armó de valor, entró en el jardín y se dirigió con firmeza hacia la puerta de la casa, dispuesto a confesarle a la chica su amor incondicional, pero las dudas le frenaron bajo el melocotonero, y aplastó nervioso varios melocotones con el puño, hasta desistir y darse la vuelta sin decirle nada a la chica. Más allá de la divertida letra y la arrolladora música, el éxito vino de la mano de un impactante y enloquecido vídeo en el que los Presidentes de los Estados Unidos de América se enfrentan a un ejército ninja en un jardín lleno de melocotoneros. Algo nada sorprendente, si tenemos en cuenta que, como comandantes en jefe de las fuerzas armadas, podían embarcar al país en una guerra si lo consideraban necesario.

En su segundo mandato, publicado como "II" en 1996, siguieron mostrando su gracias y talento a partes iguales, pero el disco no alcanzó los niveles de éxito de su debut. Otros discos les siguieron, pero la crítica les estaba ya esperando con las manos llenas de arrojadizos melocotones, por lo que el grupo entró en una dinámica de idas, venidas y abandonos, para acabar reuniéndose de nuevo en 2004, con el lanzamiento de una edición especial del disco de debut con motivo del décimo aniversario de su publicación, con temas inéditos, demos  y caras B, a pesar de que, de acuerdo con la ley electoral, no pudieran presentarse a una reelección después de dos mandatos de cuatro años. Y es que fueron demasiadas las normas que acarreaba la responsabilidad del cargo, para unos tipos que sólo seguían los dictados de los sueños de su cabeza, y que pese a salvar a la "tierra de los valientes y las oportunidades" de una invasión ninja en un solitario jardín de melocotoneros, fueron condenados al destierro y al olvido, en lugar de darles su merecido hueco en la historia, o al menos en la lista de los cuarenta y cuatro Presidentes de los Estados Unidos de América.

La música en historias: El músico pintor

Ronald David Wood, más conocido cómo Ronnie Wood nació en 1947 en Inglaterra, hijo de una humilde familia de Gitanos del Agua. Junto a sus hermanos, fueron los primeros en nacer en tierra firme, pues sus padre habían venido al mundo en las barcazas que había orilladas en Paddinton Basin, al oeste de Londres. Desde su infancia estuvo rodeado del ambiente musical, pues en su casa era muy común que sus hermanos montaran fiestas  donde tocaban música, pues también eran amantes del blues y del jazz.

    

No era de extrañar que Ronnie se acabara haciendo una carrera musical, y que carrera. En 1964 empieza su carrera como guitarrista del grupo "The Birds". Posteriormente, en 1967 Ronnie se une, pero esta vez como bajista, a la banda de Jeff Beck "The Jeff Beck Group", grupo con el que realiza varias giras y graba dos álbumes. Mientras estaba en esta banda también trabaja paralelamente con el grupo "The Creation"

En 1969 Steve Marriot abandona el grupo "Small Faces" y Ronnie empieza a colaborar con los miembros restantes de la banda, Rod Stewart y Kim Gardner, a los que se une el hermano de Ronnie, "Art Wood". Con el tiempo esta formación acaban fundando el grupo "The Faces". Con ellos, Ronnie, toca la guitarra y graba cuatro discos, además de tocar la armónica, cantar y tocar el bajo en varios temas.

    

Y llega el año 1974, y Mick Taylor deja los "Rolling Stones" y llaman a Ronnie, que colabora en la grabación del álbum "Black and Blue", convirtiéndose en miembro oficial de los Rolling en 1976.

A partir de aquí, la historia de Ronnie Wood con los Rolling Stones es de sobra conocida.

    

Pero sabían que Ronnie también es un reputado pintor? Se podría suponer que Ronnie, gracias a la fama y el tirón que se creó por su exitosa carrera con los Rolling Stones, aprovechó este hecho para hacerse un hueco en el mundo del arte. Pues no, nada que ver, Ronnie estudió desde los 7 años en el "Art College" de Londres, al igual que sus dos hermanos, y gracias a su talento ganó un concurso de pintura de la cadena de televisión británica BBC. Creó la portada del álbum "Crossroads" de Eric Clapton en 1988 entre otras obras. Varios de sus trabajos han sido expuestos en reputadas galerías, y es propietario junto a sus hijos Jamie y Tyrone de una galería de arte en Londres llamada "Scream".

    

Me atrevería a decir, que la carrera del Ronnie Wood pintor empezó incluso antes, si cabe, que la carrera del Wood guitarrista y compositor. Y tampoco le fue nada mal, porque de talento va sobrado.

Crossroads by Ronnie Wood



    

El disco de la semana 95: The Smiths - The Queen Is Dead

 

The Queen Is Dead, The Smiths

     En la semana 95 de nuestra aventura nos fuimos al Reino Unido, de donde proviene el grupo al que vamos a dedicar este espacio, concretamente a Manchester, lugar donde se gesta una banda que llevando el rock alternativo por bandera, tocando además otros palos como la música indie ó el post-punk. The Smiths se convirtieron en la formación más importante en la década de los 80 dentro de la escena británica de música independiente. 

Corría el año 1982 y un joven llamado Johnny Marr se encuentra buscando personal para formar una banda, entonces unos amigos suyos le hablan de un tal Morrissey, un chico que vivía cerca de él y que poseía un estilo muy personal y particular a la hora de escribir, pero con un carácter difícil. Por otro lado Morrissey es un gran aficionado a la literatura, y uno de sus autores preferidos es Oscar Wilde, al que se referirá en muchas de sus composiciones posteriormente. Morrissey había formado parte de un proyecto, una banda punk llamada The Nosebleeds, pero por su particular estilo no acaba de encajar. También había probado fortuna en el periodismo musical sin suerte. Una vez juntos Marr y Morrissey reclutan al baterista Mike Joyce tras una audición, y al bajista Dale Hibbert, si bien éste dura muy poco y es sustituido por Andy Rourke. The Smiths quedaba conformada por Johnny Marr (guitarra), Morrissey (voz), Andy Rourke (bajo) y Mike Joyce (batería), una banda que marcaría una época dentro de la escena musical británica.

Se creía que el origen del nombre de la banda fue sacado de una historia que impactó en su juventud a Morrissey, la de David Smiths, que denunció ante la policía de Manchester la identidad de los asesinos de los páramos, una pareja de asesinos que se hicieron célebres en la década de los 60. Sin embargo fue el mismo Morrissey quén aclaró en una entrevista que el nombre de la banda surgió porque ese era el apellido más corriente y común y era hora de que la gente más corriente se mostrara al mundo.

En 1984 debutan con su primer álbum de estudio, The smiths, con el que llegan a los primeros puestos de las listas británicas. Un disco con multitud de referencias a la literatura y la cultura pop. después de su magnífico debut, el grupo publica un año depués, 1985, su segundo disco, Meat Is Murder, un disco con connotaciones políticas y con alusiones a favor del estilo de vida vegetariano, de hecho Morrisssey había prohibido al resto del grupo ser fotografiados comiendo carne. El disco alcanza el puesto número 1 en las listas del Reino Unido.

Y llegamos a 1986, año en el que la banda publica The Queen Is Dead, el disco recomendado para la semana 95 de la aventura de 7dias7notas. si la banda ya había dado muestras de una gran sensibilidad artística y creativa, con este disco se iban a doctorar, pues es una obra maestra que contiene 10 fascinantes temas que van desde las piezas lentas a temas más bailables con ritmos frenéticos. Durante 1985 el grupo se ecuentra de gira por Reino Unido y Estados Unidos, tarea que alternan con la grabación de éste tercer disco. Un álbum donde donde se entremezclan lo sombrío y lo humorístico con una gran maestría.

Todos los temas del disco son compuestos por la dupla Marr/Morrissey excepto el tema Take My Back To Dear Old Blighty, tema que fue muy popular durante la I Guerra Mundial y cuenta la hsitoria de tres soldados ficticios. Este tema realmente es una introducción al primer tema, The Queen Is Dead, tema que muestra la disconformidad con la realeza británica, un ataque en toda regla contra la realeza británica. Morrissey comentaba sobre este tema que si bien no quería atacar a la realeza británica, a medida que pasaba el tiempo iba perdiendo la confianza y la fé en esta misma. Frankly, Mr. shankly, tema del que se dice questaba dirigido a Geoff Travis, quien era el director del sello discográfico de la banda por entonces, Rough Trade, sello con el que la banda había tenido una disputa legal y que había provocado que la salida del disco se retrasara unos meses. En este tema fue invitada a tocar el piano Linda McCartney pero ella declinó la invitación. I Know It's Over, una sombría balada donde un moribundo hombre reflexiona sobre lo que ha sido su solitaria vida y como la ha desperdiciado. Never Had No One Ever, tema donde Morrissey expresa que nunca se sisntió a gusto en su Manchester natal, pues durante 20 años siete meses y 27 días que estuvo allí viviendo nunca tuvo a nadie, siempre estuvo solo. Cierra la cara A Cemetry Gates, tema donde el narrador mientras pasea por un cementerio nos cuenta lo triste que se siente por todas las personas que han muerto y con ellas sus pasiones, amores, ilusiones y odios. 

Comenzamos la cara B con Bigmouth Strikes Again, un claro ataque a los medios de comunicación y sus tácticas exigentes y agresivas. Hay un verso que alude al "audífono de Juana de Arco que se derrite"; en el momento del lanzamiento de la canción Morrissey había empezado a usar audífonos cuando actuaba en una muestra de apoyo a un fan con problemas de audición que le había escrito recientemente. The Boy With The Thorn In His Side, tema que fue el primer sencillo de la banda acompañado de un video promocional. La banda se negaba a hacer videos de sus temas, pero al final accedieron para apaciguar los ánimos con su sello Rough Trade,con el que no había buena sintonía. Sobre la temática Morrissey afirmaba que el tema hacía alusión a la industria de la música, pues el título, El niño de la espina en el costado, reflejaba a la industria de la música personificada en la espina, y como se había intentado deshacer de él, de aquel niño. Vicar In A Tutu, tema donde Morrissey habla sobre no ser aceptado por la sociedad. aunque la letra se burla de los valores religiosos y su mentalidad cerrada, Morrissey es católico de nacimiento y ha afirmado muchas veces que nunca ha abandonado su fe en Dios. There Is a Light That Never Goes Out, joya y obra mestra de la banda. Sobre este tema Marr decía que era la mejor canción que jamás había escuchado. Es maravilloso escuchar a Morrissey como desde el asiento del pasajero del coche le suplica a su pareja que se encuentra en el lado del conductor que no le deje en casa, y que está tan agusto que no el importaría que un autobus de dos pisos se estrellara contra ellos, ya que morir al lado de su amada pareja sería una experiencia celestial. Sencillamente Magnífico. y cerramos la cara B y esta obra maestra con Some Girls Are Bigger Than Others, donde Morrissey explora el concepto de la feminidad en la mujer, tema sobre el que reconocía que estaba en gran parte inexplorado por él.

La musica en el cine: John Barry - James Bond Theme

Otra de las sintonias inconfundibles es el tema que acompañaba al agente 007, Bond.... James Bond. El autor de este tema superconocido el John Barry y fue utilizado en 22 peliculas del agente 007, si bien como tema principal sonaba en 11 de ellas, usándose en el resto como Leitmotiv en momentos de peligro del agente.

 Pero detrás de esta canción hay mucho mas ya que Monty Norman ha sido acreditado como el creador del Tema de James Bond contra el Dr. No, a pesar que finalmente el tema fue orquestado por John Barry, ya que los productores no estaban satisfechos con el arreglo de Norman, fue John Barry reorganizó el tema. Más tarde, Barry afirmó que fue él quien escribió el tema, pero Norman ganó dos acciones por difamación contra los editores por afirmar que Barry era el compositor. Barry fue posteriormente el encargado de componer la música de 11 filmes para la serie de James Bond y aunque legalmente Norman es reconocido como el creador del Tema de James Bond, la mayoría de los aficionados reconocen a Barry como el verdadero creador del tema al ser él quien le dio el sonido y la orquestación definitiva.



Barry tiene en su haber cinco premios Oscar: mejor Banda sonora y Canción por Nacida Libre (1966), mejor Banda Sonora por El León en Invierno (1968), y Mejor Banda sonora por Memorias de África (1985) y Bailando con lobos (1990).
Empezo su carrera estudiando piano y trompeta, y posteriormente hizo un curso de composición por correspondencia mientras hacía su servicio militar.
En 1957 montó un grupo de rock and roll, "The John Barry Seven", que triunfaria en la televisión y luego rápidamente dio el salto al cine, donde fue uno de los primeros en utilizar los sintetizadores para las bandas sonoras.

El disco de la semana 94: Andres Calamaro - Honestidad brutal

 

“La honestidad no es una virtud, es una obligación” ….. Eso puede leer nada más abrir la locura del poeta loco, la vomitona de un ser dolido y medio muerto que trata mediante la música de seguir adelante utilizándola como un bálsamo que cure sus heridas físicas y sobre todo las del corazón…. Le entiendo, siendo joven tuve una crisis con mi actual mujer, y este disco fue bálsamo y a la vez punto de partida para retorcerme en el dolor de aquella situación, porque como poeta loco nos gusta soplarnos con gasolina en las heridas. Una locura donde encontramos 37 canciones, algunas mejores, otra muy malas, muchas excelsas y es justo en esas donde voy a pararme a escribir, a recordar, a volver a sentir. Pero tener claro, este viaje va a tocar muchos palos… blues, reggae, funk, ska, tango, dub, rancheras, bossa nova, soul y pop. Honestidad Bruta’ está repleto de frases que me marcaron de por vida, me voy a hinchar a marcarlas en este texto, disculpen la pesadez.

 

El álbum empieza con El día de la mujer mundial a ritmo de guitarras afiladas, a ritmo casi de grunge y nos mete en una especie de viaje físico y mental, metido en un coche….. y esa primera frase lapidaria con la que nos recibe. “¿Quién escribirá la historia de lo que pudo haber sido? Yo que soñaba despierto ya no sueño dormido”. El siguiente tema es quizás uno de los más famosos del disco Te quiero igual, quizás uno de los más happys que vamos a encontrar, aunque escondido encontramos una vez más el desamor, una canción en la que se reta a decir cuantas más veces posibles “te quiero”, esa expresión tan poco chic, y que en su propia contradicción termina por vertebrar un corte al más puro estilo Dylan, porque si Dylan de una manera u otra tuvo su parte de culpa en este disco. Confieso que La parte de adelante es quizás uno de mis favoritos del álbum, y posiblemente uno de los menos trascendentales temáticamente, pero el gusanillo que nos mete dentro con ese ritmo cadencioso y chisposo a la vez te embruja, comentó Andres sobre esta canción que fue una de las que primero escribió, pero de las ultimas que cerró y que para él es especial… “Es una canción de varón domado y feliz, escrita mientras ves a tu chica pasearse por la casa y ni se te pasa por la cabeza que esa chica va a abandonarte. Tal vez por eso es una de las favoritas de las mujeres" porque al fin y al cabo “Que más quisiera que pasar la vida entera, como estudiante el día de la primavera, siempre viajando en un asiento de primera, el mejor carpintero de tu balsa de madera” Clonazepan y el circo es su gran critica a su país natal Argentina. Los Aviones llega a ser dolorosa cuando descubres a un Calamaro medio susurrando con un ritmo muy brasileño “…Se acabó todo lo que había, queda un cigarro mojado, porque quiero dormir y soñar con ella mientras por afuera pasan los aviones….”  Mas duele es psicodelia pura, una de las prescindibles. Calamaro escribió Cuando te conocí en un avión mientras leía la letra de “Tangled Up In Blue” de Bob Dylan y después, según sus palabras, se estrelló.  Es claro que se tratan de dos canciones hermanas, la temática es similar: un recuerdo de un amor, de esos esquivos, jodidos y un tipo envuelto en la tristeza. Prefiero dormir comienza como una especie de jazz para desembocar en una especie de rap a medias. Jugar con fuego es un brillante tango, como no, de desamor, otra de las canciones en las que colgarse de lo que has llegado a ser “Es inmoral sentirse mal, por haber querido tanto, debería estar prohibido haber vivido y no haber amado” .. que nos quiten lo bailado.. para vos, reina. Maradona son dos minutos festivos como siempre fue el juego del astro Argentino, merecido homenajes y un poco de respiro para el corazon. Una bomba, parece un reggae, no me hace gracia.  Socio de la soledad, es un pequeño cuento con un ritmo muy divertido, que esconde la resignación en sus notas. Son las nueve es una puta locura de canción, se deshace en cada una de sus notas y en su voz el dolor del trabajo que puede llegar a ser la composición, es quizás el gran HIT del álbum, aunque haya quedado sepultada por temas más comerciales y fáciles. Con Las dos cosas vuelve a los ritmos extraños, otro tema prescindible a mi entender al igual que Veneno. Preludio de otra gran cancion, esta Ansia en Plaza Francia, un tema donde la calidad vocal de Andres sale a relucir. Llega otra brutalidad, Paloma, una cancion de una belleza lirica y musical casi inigualable, un tema circular y en perpetuo crescendo mientras las guitarras vuelven a estar afiladas y la armonica pone orden en todo ello, con una letra en la que detenerse en cada verso.

Quiero vivir dos veces 
Para poder olvidarte
Quiero llevarte conmigo
Y no voy a ninguna parte
No te preocupes paloma
Hoy no estoy adentro mío
Tu amor es mi enfermedad
Soy un envase vació
No te preocupes paloma
No hay pájaros en el nido
Dos ilusiones se irán a volar
Pero otras dos han venido
…..
Te bajaría del cielo mujer
La luna hasta tu cama
Porque es muy poco de amor
Solo una vez por semana

Con Abuelo es el homenaje a un compañero muerto, Miguel Angel Peralta. Miguel Abuelo, era el líder del grupo Los abuelos de la nada, e hizo que Andrés formara parte del grupo. Miguel murió de Sida, y Calamaro creó esta obra maestra, en homenaje a su compañero y amigo. Es una especie de carta que le manda, dándole las gracias, alabándole por su obra y contándole como siguen las cosas por aquí. No tan Buenos Aires es otro tema dedicado a su país, un poco largo pero interesante. Con El tren que pasa volvemos al reggae con toques de música autóctona de su argentina, muy interesante. Victoria y Soledad es una una cancion festiva, un tema muy divertido donde juega de forma muy interesante con esos dos nombres. Con Mi propia trampa vuelve el dolor, otra cancion excelsa “Prefiero solamente un beso tuyo, antes que el amor de mil mujeres, es el beso que núnca te dí, cuando mis alas se quemaron y caí” Negrita una cancion de admiración a tu pareja que te ha dejado, dolorosa en si misma. Voy a dormir vuelve a las fumadas que me aburren.  Eclipsado parece un rock and roll made in Tequila, normalita. Mi quebranto es un rock and roll clásico no es redondo pero te lleva un poquito a esos tiempos donde las guitarras empezaron a sonar. Volvemos al dolor y a la pena son Me pierdo, otra de mis favoritas, hay que detenerse y disfrutar de ella. Hacer el tonto sirve para tratar de relajar, esta ranchera con mucha guasa. Naranjo en flor es uno de los grandes tangos argentinos, que aquí borda junto a Victor Exposito. Aquellos besos es tierna y romántica, pero se queda corta después de la montaña de sensaciones que hemos pasado. No son horas es otra de las maravillas del álbum, la canción del resurgimiento, después de sufrir y llorar por amor es el momento de levantar el vuelo, con el viento en las venas, y volver a respirar, volver a mirarse a uno y sentir la alegría de lo que eres. Masterpiece. Las heridas, vuelven los porros a las canciones, cuando le pone tan extraño me saca un poco de quicio. Misma impresión para Hay queremos innovar y hacer locuras y no sale bien. El ritmo del Lunes es un hibrido bastante interesante aunque no llega al nivel de otros temas. Con Para que se desastas de nuevo el rock and roll aunque de forma estrafalaria. No va mas podía haber sido la despedida del álbum, pero sinceramente no hubiera sido digno esta especie de jazz de taberna, como remedio cierra el disco con una versión mas pausada de su magnifica La Parte de adelante a la que titula La parte de atrás, no llega al nivel de la anterior pero es muy buena.

37 canciones es un burrada, seguramente quitando mas de la mitad hubiera tenido un disco redondo pero yo a Andres, le quiero de cualquier manera

El Navegador del Rock: Heddon Street, David Bowie "Ziggy Stardust"

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HEDDON STREET

Nuestra siguiente parada en el Navegador del Rock es en el callejón de la portada de "The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars", la obra maestra de David Bowie sobre su famoso personaje extraterrestre.

En la portada se ve a David Bowie frente a un portal en una fría noche londinense. Tanto es así que en un principio se llegó a plantear que otros miembros de la banda posaran también junto al portal, pero finalmente fue solo Bowie el que aguantó el frío durante el tiempo que duró la sesión fotográfica, embutido en uno de sus provocativos trajes poco adecuados para el clima de la capital inglesa. 

Poco queda de la fisonomía del callejón que recuerde a la portada del mítico disco de Bowie, ya que actualmente es peatonal y junto al portal de la portada hay bares con terrazas para los turistas. Tan solo una placa sobre la puerta recuerda que allí se hicieron las fotos de Ziggy Stardust, una de las famosas placas azules que están repartidas por todo Londres y que marcan los lugares en los que han ocurrido hechos relevantes relacionados con la música o el arte en general.

Sin embargo lo que sí han mantenido es la cabina de teléfono que sale en la contraportada, está situada en el mismo callejón, a la derecha del emblemático portal.

Llegar es muy fácil ya que este callejón sale de una de las calles más famosas de Londres, Regent Street, situada en el mismo centro del West End londinense, plagada de tiendas de primeras marcas y que desemboca directamente en Piccadilly Circus.

La parada de metro más cercana es precisamente Piccadilly Circus, solo hay que andar un poco desde la parada ya que está muy cerca de este centro neurálgico del Londres comercial con las famosas pantallas gigantes. El callejón está en el lado izquierdo de Regent Street si vamos desde Piccadilly Circus por Regent Street hacia Oxford Circus.

El disco de la semana 93: Foxboro Hot Tubs - Stop, Drop and Roll

"La única similitud entre Green Day y Foxboro Hot Tubs es que somos la misma banda"

Con esta frase, Billie Joe Armstrong zanjaba el misterio de quién estaba realmente detrás de esta banda inventada, con la que sorprendieron a todos en 2008 con el disco Stop, Drop and Roll. Los "Foxboro Hot Tubs" surgieron como un vehículo con el que huir de las restricciones y la exposición pública que les generaba la nave nodriza de Green Day. Para ello, los tres integrantes Green Day (Mike Drent al bajo, Tré Cool a la batería y el mencionado Armstrong, cantante y guitarrista de la banda) se reforzaron con Kevin Preston (guitarra), Jason White (guitarra) y Jason Freese (teclado, saxofón y flauta).

Sin abandonar sus señas de identidad, en Stop, Drop and roll dieron rienda suelta a composiciones más básicas y directas, más orientadas al garaje rock y al rock and roll. Las canciones surgieron en el estudio a horas intempestivas y con la ayuda de varias botellas de vino, mientras ensayaban antiguas canciones de rock and roll, que acabaron retorciendo y modificando hasta convertirlas en canciones diferentes, lo cual no implica que no dejaran "pistas" dentro de cada tema para que los oídos mas avispados pudieran encontrar los referentes en los que se habían basado.

STOP, DROP AND ROLL

El disco fue grabado en 2007, durante los descansos de la grabación del disco 21st Century Breakdown (2009) de Green Day, y publicado finalmente en 2008, pero antes algunas de las canciones estuvieron colgadas en la web del grupo. Aquellas primeras canciones incluían fragmentos de películas de los años sesenta y setenta, que fueron eliminados en las versiones del disco. Una de esas canciones, Highway 1, fue sustituida en el disco por la canción Broadway, para terminar conformando la lista de doce canciones de rock and roll garajero que componen este disco directo y urgente. Puro divertimento y actitud rockera.

El disco arranca con el rock and roll acelerado de Stop, Drop and Roll, la canción que le da título y uno de los tres singles que se lanzaron al mercado. Toda una declaración de intenciones, del tipo de música desenfadada y rotunda con la que homenajearán a los clásicos de los sesenta y setenta en los que el disco está basado. Probablemente inspirada en el tema Strychnine de los Sonics. Le sigue Mother Mary, elegida como el single de lanzamiento del disco, basada en el ritmo del Lust for life de Iggy Pop, y con un tono más pausado y un fresco sabor a años cincuenta, de la mano de unos añejos coros al más puro estilo doo-wop. La energía garajera vuelve de la mano de Ruby Room, y ya en Red Tide encontramos los primeros vestigios de las canciones en las que se inspiraron. En este caso, las conexiones con Tired of waiting for you de los Kinks son claras.

El siguiente tema, Broadway, siendo una buena canción, carga con la losa de ser la pieza elegida en lugar de Highway 1, que personalmente me parece mucho más directa y rotunda. Se la echa de menos en el conjunto, aunque la elegida en su lugar no desmerezca dentro del todo. She's a Saint, not a celebrity mantiene el buen tono general del disco, con efectivos ramalazos de guitarra y, de nuevo, una interpretación urgente y directa. Sally, el siguiente tema, sabe al I'm not your stepping stone de los Monkees, que fue también versionada en su momento por los Sex Pistols, otra de las referencias de Green Day. La conexión es tan evidente, como la de Alligator con el mítico You really got me de, de nuevo, The Kinks.


Con The Pedestrian, el tercero de los temas que salieron como sencillos, llega uno de los momentos más brillantes del disco, pero aún quedará más tiempo para más guiños a clásicos, ya que 27th Avenue Shuffle tiene matices del Run Run Run de The Who y del Over, Under, Sideways, Down de los Yardbirds, con lo que también juegan en Dark side of night, que parece basarse en Heart full of soul, y que acaba siendo uno de los mejores temas del disco, merced a la efectiva atmósfera sesentera, conseguida con unos certeros arreglos de flauta.

Y para terminar, vuelve la potencia de las guitarras en Pieces of truth, un final a la altura de un álbum desenfadado, directo y divertido, uno de esos discos hechos para ser disfrutados por los que lo tocan, pero que de paso, consiguen que los que lo escuchan se queden con un buen sabor de boca, y una razonable dosis de sorpresa, al ver a los tres miembros de Green Day alejarse de esquemas de punk rock de estadios, para sumergirse en el rock and roll de garaje de treinta años atrás. Para el lejano día en que el rock deje de ser divertido, recordad lo que Billie Joe Armstrong y compañía nos recomendaron en 2008: Detente, suéltalo, y enróllate. Puede que no consigas nada nuevo, pero disfrutarás de lo que significa volver a empezar.

El disco de la semana 92: The Rumjacks - Gangs of New Holland

 

Gangs Of New Holland, The Rumjacks

     Para la semana 92 de la aventura de 7dias7notas quisimos adentrarnos en el sonido punk rock con aires celtas y para ello nos fuimos a la localidad australiana de Sydney (Australia). Corre el año 2008 cuando el cantante Frankie McLaughlin y el bajista Johnny McKelvey deciden formar un grupo, The Rumjacks, y para ello incorporan a Gabriel Whitbourne (guitarra), Anthony Matters (batería) y Adam Kenny (banjo, mandolina y bouzouki). El grupo se adentra en los donidos punk rock, celtic punk, folk punk e incluso en el hardcore punk.

Tras foguearse aquí y allá la banda en 2009 publica un primer EP titulado Hung, Drawn & Portered, y antes de que termine el año lanzan un segundo EP llamado Sound As A Pound, demostrando la frenética actividad de la banda. Tan frenética que al año siguiente se lían la manta a la cabeza y publican su primer álbum de estudio de larga duración, Gangs Of New Holland (2010), el disco recomendado en la semana número 92 de la aventura de 7dias7notas. Un álbum con el que vieron como su popularidad y fama crecía exponencialmente causada por el tema An Irish Pub Song, tema donde nos recuerdan que podemos encontrar un pub irlandés en algún rincón de cualquier ciudad del mundo, y de cuyo tema lanzaron un video en Youtube, el cuál acumula hasta la fecha más de 65 millones de visitas, casi nada.

El tema An Irish Pub Song fue el catalizador para que el álbum alcanzara bastante popularidad y la fama del grupo se extendiera a Estados Unidos Y Europa. Pero además de este himno cervecero por excelencia, el disco es muy bueno y muy redondo, y vamos a encontrar muchos más temas interesantes, como Uncle Tommy, otra auténtica canción de taberna, las  geniales y acústicas The Black Matilda ó Bar The Door Casey, y temas más cañeros y punks como Big Man Down, Green ginger wine ó Spit In The street. 

Gangs Of New Holland es definitiva un excelente álbum con una mezcla de sonido punk y rock con música celta que consigue trasladarnos a la barra de algún pub irlandés, Y The Rumjacks uno de los mejores exponentes de éste estilo, cuyo reconocimiento y fama se ha visto lastrado por culpa de los episodios de violencia doméstica del cantante Frankie McLaughlin entre 2010 y 2012. El detonante que causó que fuera apartado de la banda en abril de este año fue  su comportamiento y actos violentos hacia los demás integrantes de la banda y equipo de apoyo, siendo sustituido por el vocalista Mike Rivkees.

El disco de la semana 91: The Right ons - Volcan

The Right Ons es una banda madrileña de garaje rock, con cuatro discos ya a sus espaldas. El último de ellos, Volcán, tiene el aliciente de ser el primero de ellos interpretado en castellano. Hasta su formación actual, la banda adoptó formaciones y nombres diferentes. El germen del grupo estuvo en la banda Anyones, que pasaría posteriormente a denominarse The Nuggets. Algunos de sus miembros pasaron a formar parte de Jet Lag, pero durante la grabación del tercer disco de esta banda, surgió en ellos, de nuevo y con mucha fuerza, la ilusión de repescar su banda original, que resurgió en 2006 como el Ave Fénix y bajo su denominación actual: The Right Ons.

Fruto de ese retorno al trabajo conjunto y al estudio, en 2007 publicaron su primer álbum, titulado "80.81", tras el cual se marcharon a Estados Unidos para la grabación de su siguiente trabajo, Look Inside Now! (2009). Tras un período de descanso, habría que esperar hasta 2011 para poder escuchar su tercer trabajo de estudio, Get Out, grabado en Madrid, tras el cuál llegaría este Volcán, lleno de garaje rock en plena erupción, y por primera vez en su lengua materna.

El disco arranca con Quiere bailar, con corrosivas guitarras guah-guah y un pegajoso y psicodélico teclado. Más magmática y blues-rockera es Aturdido, con toques en el pegadizo ritmo y en la manera de tratar las guitarras que nos recuerdan a los Black Keys. Día Perfecto deriva más hacia el indie-rock pero el sonido de las guitarras sigue siendo contundente y garajero, pero el primer gran cambio abrupto está en Adiós, con el bajo saturado llevando el ritmo en un tema más experimental y pausado.

Estamos ya Dentro del volcán, y nos encontramos con la canción más indie del disco, con el prototípico modo de cantar del género y los recurrentes "nananás" de acompañamiento. Mucho más inspirada, y del color Rojo intenso de la lava volcánica, es el sexto corte del álbum, dónde guitarras y teclados se entrelazan para construir un tema tan lisérgico como rotundo, y tras el que llegamos al que casi es el tema que da título al álbum, el Pequeño volcán. 

El tono indie y las reminiscencias de los sesenta y los setenta vuelven con temas como Inconsciencia, y el disco transita por caminos más tranquilos en la pausada y atmosférica Montaña, meciéndonos suavemente hacia el Lento final, tras el que atravesaremos el Más allá en un riff tan áspero como urgente que nos guiará finalmente hacia el Omnicordio, el críptico nombre con el que bautizar a la última canción de este puñado de abrasivas salvas de ceniza y lava en castellano que nos lanzaron los Right Ons desde su metafórico y musical Volcán.

El disco de la semana 90: Saurom - Vida

Vida, Saurom

     Para la semana número 90 de la aventura de 7dias7notas nos fuimos al sur, concretamente a San Fernando, Cádiz, localidad donde nació la formación de la cual vamos a recomendar un disco. Siendo de San Fernando rápidamente nos viene a la mente el género flamenco, pero el grupo nada tiene que ver con este género pues éste se ha movido entre el folk, el rock y la música celta. El grupo: Saurom, y el disco recomendado: Vida.

Tras la ruptura en 1996 de la formación Rapid Heavy Flamenc, de sus restos nace en San Fernando, Cádiz el grupo Saurom Lamderth, posteriormente conocido como Saurom. sus fundadores son Narci Lara (voz, guitarra rítmica y flauta) y José Luis Godoy (guitarra solista), a los que se unen Antonio Ruíz (batería) y Abraham Reyes Facio (bajo).
El sonido que hace el grupo es denominado por ellos como juglar metal, un conglomerado de sonidos que abarcan folk metal, power metal, heavy metal, folk rock, rock celta ó metal sinfónico entre otros. En cuanto a las letras y la temática de la banda está orientada hacia la fascinación de sus integrantes por el mundo fantástico y el sentimiento de nostalgia por la pérdida de ilusión y fantasía en las generaciones posteriores y venideras. Durante su extensa carrera también nos encontraremos con temáticas relacionadas con la novela El Señor de los Anillos de J. R. R. Tolkien y la literatura clásica y tradicional andaluza.

Una vez formado el grupo, entre septiembre y diciembre de 1996 el grupo trabaja en su primera maqueta, La Cripta del Duende, donde podemos apreciar la temática y la música que adoptará el grupo de aquí en adelante. En 1997 el grupo graba y publica la maqueta Regreso a las Tierras Medias, tema de donde nacen gran parte de los personajes inventados que aparecerán en posteriores trabajos de la banda. Posteriormente Abraham Reyes decide dejar el grupo, siendo sustituido por Juan Garrido (bajo, voz y coros), incorporándose también a la formación su hermano Francisco Garrido (teclado, violín, gaita gallega y flauta). Es con esta formación con la que graban en 1998 la maqueta Legado de juglares, lo que les permite vender varios miles de copias en pocos meses. En 2000 ya han ganado varios concursos a nivel regional y publican su siguiente maqueta, Orígenes, trabajo con el que experimentan con nuevos sonidos para la banda.

Después de cuatro años de duro trabajo la formación ha cambiado, ya que se encuentra formada por Narci lara (voz, guitarra, flauta), Antonio ruíz (batería), Raúl rueda (guitarra). Francisco Garrido (teclados, violín, flauta, gaita) y José A. gil (bajo), y por fín le llega la oportunidad de grabar su primer disco de estudio de larga duración. Y así en 2001 ve la luz bajo el sello discográfico Avispa records El Guardián de las Melodías Perdidas, trabajo que les abre las puertas de su primera gira por toda España, llamada Juglar Tour. En 2002 publican su segundo disco de estudio, Sombras del Este, disco basado en la novela El Señor de los Anillos, de J. R. R. Tolkien, concretamente en el primer libro, La Comunidad del Anillo, contando además con la colaboración de la Sociedad Tolkien Española.

Debido a problemas de salud en unos casos y a otras cuestiones en otros, el grupo sufre varios cambios, quedando conformado por Miguel A. Franco (voz), Raul Rueda (guitarra), José A. Gallardo (bajo), Narci Lara (guitarra, flauta, percusiones, coros) y antonio Ruíz (batería). El grupo publica en 2003 su tercer disco, Legado de Juglares, titulado como su maqueta de 1998. Con este disco inician otra importante gira llamada Historias del Juglar Tour, gira en la que incluyen e incorporan un espectáculo que consta de malabaristas, actores, pirotecnia y saltimbanquis.

En 2006 publican su cuarto trabajo, Juglarmetal, considerado por los fans y la crítica como el mejor trabajo de la banda. Este disco supone un antes y un después ya que la banda acorta el nombre y pasa de llamarse Saurom Lamderth a sólo Saurom. Con sus dos siguientes trabajos se mueven en sonidos más duros, metiendo un sonido más potente, con matices power metal y heavy metal. En esta etapa el grupo publica dos trabajos más, Once romances desde Al-Ándalus (2008), trabajo basado en la literatura y la cultura andaluza, y Maryam (2010), disco conceptual donde el grupo se hace eco de forma metafórica de la Pasión de Cristo y el sufrimiento de su madre María (Maryam), y donde reivindican la igualdad entre géneros.

En 2012 el grupo decide volver a sus raíces más folk y publican su séptimo disco de estudio, vida, el disco recomendado en la semana 90 de la aventura de 7dias7notas. Un disco que les permite realizar giras en el continente americano (Costa Rica, México, Colombia, Estados Unidos, Ecuador, Chile, Bolivia, Ecuador, Panamá y Guatemala).
Los catorce temas que componen el disco nos vuelven a acercar a sus inicios, con un sonido más folk y más melódico pero aderezándolo con ese toque de rock duro que tan bien saben hacer.

Durante los catorce temas del disco, la banda nos hablará de la ayuda que necesita la madre tierra en Cambia el Mundo, harán un homenaje a la Noche de Halloween, nos hablarán de la necesidad de la Magia, nos hablarán de los orígenes del Rey de la cerveza en La Noche de Gambrinus, Nos enternecerán con su gran balada El Hada y la Luna, nos regalarán el breve tema instrumental Emperatriz, nos citarán unos Íntimos Recuerdos muy celtas, nos hablarán en tono muy cañero de esos Ángeles que se cruzan en nuestra vida cuando más lo necesitamos. Con La Poetisa nos reglarán un dulce y suave tema a medio tiempo con toques celtas, en Mírame nos deleitarán con un tema lleno de cambios de ritmo mientras nos hablan de amores imposibles, harán un alegato en contra de los malos tratos en El Príncipe. Con Vida, tema que título al álbum, nos reglarán el tema más popero del disco, En Se Acerca el Invierno nos regalarán el tema más épico del disco con multitud de cambios, unas contundentes guitarras y muchísima instrumentación. Tema basado en la saga de novelas Juego de Trono donde Miguel interpreta el papel de Ned Stark y Rosa Luque Valle interpreta el de la mujer de Ned, Catelyn Tully. Y cerrarán con El Cristal, tema que está dedicado por su autor (Narci Lara) a todas esas personas que han pasado por su vida, y que además es la segunda parte del tema Non Culpa, incluido en su anterior disco Maryam.

El disco de la semana 89: The Beatles - Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

Considerado el mejor álbum hecho por el hombre no sé si con razón o no, pero sin duda es de lo mejor que puedes escuchar. The Beatles desaparecieron durante más de 6 meses después de publicar Revolver la mayoría de la gente pensó que la carreara de los Beatles había terminado y se habían separado, pero llegó 1967 como un gusano saliendo de su crisálida para convertirse en una mariposa, nos dieron otra pildorita y una vuelta de tuerca mas en su carrera. Se habían reinventado artística y visualmente y se habían convertido en personas adelantadas a su tiempo ¿razones? Muchas, desde el extraño sonido de ese acorde de guitarra en " Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band " que no deja de ser Rock (en mayúsculas) que sin embargo, no hace ni dice mucho pero se acaba rápidamente y se fusiona de manera brillantes con " With A Little Help From My Friends” de Ringo Starr que puede parecer sencilla al principio pero es absolutamente encantadora y sincera, cosa que ayuda la interpretación vocal de Ringo sin duda la mejor suya hasta el momento .Lucy In The Sky With Diamonds, nos trae una obra completamente evocadora y con un tono inquietante, se la menciona a menudo cada vez que alguien comienza una discusión sobre cuál es la peor canción de los Beatles, no creo que sea tan mala, incluso me atrevo a decir que está bien. Hay peores canciones en este álbum. Getting Better tiene algunas voces con muy buena armonía y nos trae ese estilo británico que solo Paul puede lograr con total facilidad, que también se descubre en la siguiente pista, Fixing A Hole, con clavecines y todo. 

She is leaving home nos trae la melodía vocal y clásica de una naturaleza melancólica, están tratando de utilizar su voz como una unidad por primera vez como en un estilo Beach Boys pero más refinado. Aquí el énfasis está en la voz y en el tono lento de sus voces. Casi como si estuvieran cantando una canción de cuna y un llanto al mismo tiempo, convirtiéndose en una continuación perfecta de Eleanor Rigby ya que comparte con ella un contenido lírico que logra evocar el pequeño norte ciudades de Inglaterra con un buen ojo para los detalles y una calidez genuina por sus habitantes aparentemente insignificantes. Being for the Benefit of Mr. Kite muestra algo que sólo John Lennon puede concebir y llevarnos a través de los sonidos más extraños, todo con un poco de ayuda de George Martin, por supuesto, órganos y cintas de una manera nunca habíamos escuchado una puñalada de John por el surrealismo en el álbum, basada en un póster de un circo The Fabs, consiguen el ambiente perfecto y evocan perfectamente la atmósfera de un circo, la letra de Lennon captura lo absurdo y maravilloso que es un evento así. La música india es la influencia en la que se mueve Within You Without You acompañada de muy buenas letras, no la disfruto demasiado pero la aprecio como lo que es, experimental y artística, ojalá me hubiera gustado más ya que aprecio la diversidad.

When I'm Sixty-Four muestra que Paul puede ser artísticamente intrigante en todas sus formas. Esta no es una canción de un joven de veinte años, sino la de un hombre del pasado. 

Lovely Rita es más un regreso a ese viejo sonido de los Beatles, pero mejorado acústicamente. Good Morning Good Morning es una continuación de los Beatles pasados ​​en un nuevo Beatles que suena más. Digo esto porque arreglado acústicamente es similar a canciones más antiguas de los Beatles, pero con la excepción de los arreglos y la tonalidad que se emplean en ellas, les da más espacio, se podría decir más reforzadas si lo desea, y definitivamente más refinada, puede llegar a ser pesada, pero tiene su punto de genialidad. Sgt Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise) es un regreso más feliz al tema original, más juguetón y más bonito que el original, la parte más importante de esta canción es el patrón de ritmo de bombo muy notable empleado por Ringo. A Day In The Life es una pieza de diseño y sonido enorme que debe haber sonado extremadamente complejo en ese momento, esta canción te atrapa en el psique de la mente y te mantiene pensando mientras estás recorriendo la canción, te hace esperar por tu vida mientras te subes a la montaña rusa hacia un final muy culminante de ese acorde explosivo e inesperado que solo te deja sin palabras, cinco minutos de perfección pop experimental, que resume todas las cualidades que hicieron grande a la banda.

Es obvio que los Beatles han madurado creativa y artísticamente a una forma superior y completamente por delante del resto. No es de extrañar que muchas personas se asustaran por los extraños sonidos o se quedaron con la boca abierta durante meses después de su lanzamiento. Desde su portada completamente moderna hasta su sonido final de ese silbato de perro nadie puede negar el poder que ha alcanzado este disco.