"Blur", el disco con el que dieron portazo al "Britpop" (Mes Blur)

Tras la forzada guerra mediática con Oasis, alimentada y exagerada por las discográficas tras la publicación de "(What's the Story) Morning Glory?" (1995) de los de Manchester y "The Great Escape" (1995) de Blur, estos últimos no estaban por la labor de seguir alimentando aquella maquinaria de marketing hasta quedar estancados en un estilo y una tendencia que habían tenido su momento de esplendor en la primera mitad de los noventa, pero que no daban mucho más de sí. A pesar de haber entregado el mejor disco del género ("Parklife", 1994), las superiores ventas de sus rivales les situaron a nivel mediático como los perdedores de aquella ficticia batalla, y era el momento de un cambio, y como hemos visto posteriormente en las carreras tanto de Damon Albarn como de Graham Coxon, lejos de suponer una dificultad o un contratiempo, ambos se han movido como peces en el agua a la hora de virar el rumbo y hacer cosas diferentes, entregando grandes obras que se alejaban de lo que habían hecho anteriormente.

"Blur" (1997), el quinto álbum de estudio de la banda, fue el segundo de esos cambios drásticos de timón, tras la ruptura que "Modern Life is Rubbish" (1993) supuso respecto al más bien insulso debut de "Leisure" (1991), y para la carrera de Albarn y compañía fue sin duda el más relevante, pues entregaron un disco a la altura de su glorioso "Parklife" pero, al mismo tiempo, totalmente innovador y diferente. Publicado el 10 de febrero de 1997, y fuertemente influenciado por la creciente corriente del rock alternativo estadounidense, y más en concreto del noise rock de bandas como Pavement o Sonic Youth, supuso también un cambio en la manera en la que Damon Albarn enfocó las letras de las canciones, alejándose de las descripciones irónicas de personajes ficticios, y explorando en su lugar terrenos más personales e introspectivos. Por último, y no menos importante, el objetivo dejó de ser encontrar la fórmula mágica que les permitiera facturar grandes hits, y paradójicamente, encontraron el éxito en el camino que tomaron para alejarse de la presión que les suponía.

Un buen ejemplo de ello son las dos canciones con las que comienza "Blur". Ya en "Beetlebum", elegida como single de lanzamiento, encontramos una gran ruptura respecto a los esquemas de canciones anteriores, y es sin duda el mejor single de Blur en varios años. Grabada en parte en Rejkiavik (Islandia), en un ambiente más relajado y una convivencia más tranquila, "Beetlebum" rezuma esa reflexión interna y esa madurez en la construcción de los riffs y las melodías, y en unas letras más crípticas sobre temas más oscuros como la adicción a la heroína. Son claras las influencias de los Beatles (más allá de la referencia en el título), en especial del sonido del "White Album" (1968).

¿Es "Beetlebum" la mejor canción del disco? Probablemente, pero es difícil asegurarlo en un disco tan bueno, y más si a continuación suena "Song 2", segundo single del disco, y el mejor ejemplo de como facturar un hit sin buscarlo, alejándose aún más del estilo que les hizo famosos. En "Song 2" todo parece hecho sin un objetivo claro, desde el desdén en la elección del título, o el ritmo que surgió trasteando con la guitarra y que no sabían bien que hacer con él, y pasando por la letra críptica e inconexa y cantada casi con desgana, pero entonces llega el grito de rabia y el feroz estribillo punk, en mitad de una descarga de guitarras y bajo saturados, y la magia se despliega sin mayor explicación posible en una canción mítica e irrepetible que ya es todo un himno de punk rock salvaje y urgente.

Tras esta potente descarga inicial, el ritmo se vuelve más pausado e introspectivo en "Country Sad Ballad Man", una balada psicodélica y de aire Lo-Fi que comienza de manera rugosa y acústica y va creciendo de manera perezosa a nivel melódico, para explotar en distorsión sonora en el último tramo. Quizá no tuviera los ingredientes para convertirse en un single, pero es una más que destacable rareza y otro de los pilares de la demonstración del cambio en el que estaban inmersos. Funciona además como tregua antes de la llegada de "M.O.R." ("Middle of the Road"), el cuarto single que se extrajo de "Blur", un tema ´muy influenciado por la música de David Bowie, del que toma prestadas progresiones de acordes de "Boys Keep Swinging" y "Fantastic Voyage".

El tercer single fue "On Your Own", tema inspirado en The Kinks, la música de Beck y en los ritmos de hip hop de los años 80. Para recrearla, utilizaron una caja de ritmos antigua y, además de las inevitables guitarras distorsionadas que dan peso a todo el disco, recurrieron al uso de sintetizadores. Otro tema brillante, y solo estamos llegando a la mitad del álbum, marcada por el interludio de la extraña "Theme from Retro", un curioso ejercicio de trip-hop y música espacial que parece sacado de una banda sonora de película de serie B. A veces, y desde un punto de vista de "pop rock académico" siento la tentación de etiquetarla como uno de los pocos temas prescindibles del disco, pero la verdad es que, a su manera, aporta una atmósfera experimental que es también uno de los puntos fuertes de "Blur". La rareza y complejidad de este tema contrasta con la brillante modestia de "You're So Great", compuesta e interpretada por Graham Coxon, una exquisita balada Lo-Fi que nuevamente parece grabada con desgana o escasos medios, pero que es una absoluta e irrepetible obra maestra en su aparente sencillez y en la profunda emoción que despierta su escucha.

"Death of a Party", ahora de nuevo popularizada por su aparición en la película de 2024 "All of us strangers" (titulada "Desconocidos" en España y "Todos somos extraños" en Latinoamérica) es una profunda reflexión sobre la muerte debido a enfermedades de transmisión sexual, y otro de los puntos álgidos de un disco plagado de momentos relevantes. Una maravilla sonora que se acerca mucho a lo que años después Damon Albarn plantearía con Gorillaz, aunque más introspectiva y melancólica. Es curiosa la conexión con el tipo de música que haría en el futuro con su banda paralela virtual, y más si tenemos en cuenta que se trata de una canción antigua que ya le rondaba la cabeza en los tiempos de "Leisure" (1991) y que no cristalizó hasta su grabación final para "Blur". Lástima que tras semejante temazo, el nivel baje puntualmente en "Chinese Bombs", un intento de repetir la fórmula de "Song 2" o de las canciones de corte punk que siempre encontraban su hueco en discos anteriores, que resulta demasiado acelerada y atropellada.

"I'm Just a Killer for Your Love" aporta algo más por su, de nuevo, cadencia lastimosa y dejadez en la voz de Damon Albarn, en contraste con la distorsión y el ritmo de la guitarra de Graham y del resto de instrumentos, y como "Theme from Retro" ayuda a crear la curiosa atmósfera del disco, justo antes de que con la balada "Look Inside America" ofrezcan un inesperado e irónico guiño al britpop de anteriores discos, en los que su estructura y sus arreglos de cuerdas habrían encajado como un guante, pero en la que ahora apuntan hacia el Nuevo Continente en lugar de ensalzar a la Inglaterra que se filtraba a borbotones en los surcos de discos como "Modern Life is Rubbish" o "Parklife".

Y aún hay más, porque "Strange News from Another Star" (título tomado del libro de Hermann Hesse) es un nuevo homenaje a David Bowie, y podría decirse que por temática y sonido, y salvando las distancias, es el "Space Oddity" de Blur, y "Moving On" es un temazo de pop rock en el que deberían haber confiado mucho más y haberlo sacado como un quinto single. No terminaron de verlo claro, al igual que tampoco terminaron de darle el honor de cerrar en todo lo alto el disco, porque finalmente incorporaron al cierre los ocho largos minutos de "Essex Dogs", un tema que en origen era una especie de poema que recitaron en un concierto en el Royal Albert Hall en julio de 1996, para cuya versión de estudio completaron con una gran variedad de extraños sonidos y con guitarras tan caóticas y distorsionadas que por momentos parecen aterradores motores de maquinaria pesada, poniendo cierre y broche a la particular y por momentos inquietante atmósfera vanguardista y oscura de un disco que fue una auténtica ruptura con todo lo que la banda había hecho anteriormente.

Ese cambio fue tan drástico, y a la vez tan premeditado y deseado, que los trucos y guiños de la banda van más allá incluso de la música, y en la portada nos encontramos una imagen borrosa de un paciente en una camilla, siendo trasladado de urgencia por los pasillos de un hospital. Es inevitable pensar que ese paciente eran los propios Blur, en situación crítica tras varios discos bajo la presión de las ventas y de llevar a cuestas el San Benito del britpop y la rivalidad con Oasis. La imagen es turbia e inquietante, pero al mismo tiempo alentadora, por los colores anaranjados de la portada, que transmiten positividad y esperanza. Y no es casual que el disco se llame precisamente "Blur" a secas. Al contrario, parece toda una declaración de intenciones, como si quisieran reivindicarse a través de aquella nueva música, libres de etiquetas y estilos anteriores, pero sin perder por ello su identidad y su lugar privilegiado en la música de los noventa y de las décadas posteriores.

1480.- Libertad sin ira - Jarcha

A pesar de que durante años fueron un grupo de éxito, con conciertos multitudinarios, Jarcha no siempre tuvieron el viento a su favor. Algunos de sus temas más comprometidos fueron prohibidos pero la leyenda del grupo fue creciendo y llegaron a grabar 14 discos. Pero con los años 80 llegaron otros sonidos, otra forma de cantar, otras voces, es entonces cuando Ángel Corpa deja de tirar del carro y Jarcha no pudo competir con la Movida madrileña y la música que venía de fuera, tanto pop como rock. "Era música carente de contenidos", dice Ángel Corpa, Jarcha intentó adaptarse, por dentro y por fuera. "Íbamos creciendo y fuimos cambiando, íbamos vestidos más mirados, más estudiados, tocábamos otras canciones, otros sones y esto no interesó a la gente". Pepe Roca incide en el cambio que se dio en esos años, dominados por una radio poderosa "que se movía por otros intereses".

«Libertad sin ira» se erige como una de las canciones más emblemáticas de la Transición española, este tema ha logrado articular, durante sus más de cuatro décadas de existencia, discursos y prácticas contrapuestas, vinculadas a destacados acontecimientos políticos y sociales. Compuesta por Pablo Herrero y José Luis Armenteros, con letra de Rafael Baladés, fue grabada y publicada por el grupo andaluz Jarcha en 1976. La canción formaba parte de una campaña publicitaria para el lanzamiento de un nuevo periódico español, Diario 16 —del que Baladés era su publicista— que aparecía al calor de los primeros meses tras la muerte de Francisco Franco. El 9 de octubre de 1976, pocos días después del lanzamiento de este tema de Jarcha, el director general de Radiodifusión y Televisión, dependiente del Ministerio de Información y Turismo, catalogaba la canción como «no radiable». Una semana después, el 18 de octubre, desde la misma instancia ministerial —y también desde Televisión Española (TVE)— se informó que se trataba de un «error administrativo»‍‍. La canción alcanzó gran popularidad en los días que circundaron al denominado Proyecto de Ley para la Reforma Política, celebrado el 15 de diciembre de 1976, y a la altura de junio de 1977, durante las primeras elecciones generales en España tras la dictadura, «Libertad sin ira» se había convertido en la banda sonora de estos comicios.

Desde aquellos años hasta nuestros días esta canción ha venido articulando narrativas y discursos, prácticas e instrumentalizaciones políticas de diverso signo en la España democrática. Su entidad como el himno no oficial de la Transición española (1975-‍1982)‍‍ es constatable, precisamente, por las múltiples vidas de «Libertad sin ira». Su poder evocador de la Transición y la consecución de las libertades es tan notable que ha sido el eje sonoro de acontecimientos político-sociales destacados en la historia reciente de España, desde su presencia significativa como música de repulsa en relación con los sucesos relativos al secuestro y asesinato del concejal del Partido Popular (PP) Miguel Ángel Blanco por parte de la banda terrorista ETA (1997) hasta las interpretaciones de su estribillo en manifestaciones de diferente signo ideológico. Sin embargo, esta canción también ha sido observada de forma crítica, tratada con recelo y analizada como el resultado de una forma concreta de entender el proceso de la Transición sustentada en una lógica del consenso que propicia el olvido de la memoria de la Guerra Civil y el franquismo. No es tan solo objeto de mirada nostálgica de una Transición modélica, sino también entendida como icono del borrón y cuenta nueva. «Libertad sin ira» conforma, por tanto, un lugar del pasado capturado en forma de fonograma y en cuyos surcos se disputan ideas y valores contrapuestos sobre la idea de la España democrática.

1479.- Save your kisses for me - Brotherhood of man

Save Your Kisses for Me» (traducible como Guarda tus besos para mí) fue la canción que venció en el Festival de la Canción de Eurovisión 1976. El tema fue interpretado en representación del Reino Unido por Brotherhood of Man, y se convirtió en su canción más reconocida al conseguir el Disco de Platino. 'Save Your Kisses For Me' se le atribuye a tres autores: uno es el creador y productor del grupo, Tony Hiller, compositor y productor que también coescribió y produjo el éxito "original" de Brotherhood of Man de 1970, 'United We Stand'. Los otros coautores fueron Lee Sheriden y Martin Lee, miembros de la banda en su formación "clásica". "Save Your Kisses For Me" fue escrita principalmente por Sheridan en agosto de 1974, pero cuando se la presentó al grupo no les gustó y la reelaboraron en una canción llamada "Oceans of Love". A Sheridan, a su vez, no le gustaron los cambios y la canción quedó olvidada durante otro año, hasta cuando la formación preparaba su nuevo álbum de estudio, los productores descubrieron que necesitaban una canción más para completarlo y lo aceptaron en esta ocasión, con el título Save Your Kisses for Me.

Sheriden aprovechó el tiempo para introducir arreglos instrumentales, como un juego de timbres al principio. Otro de los cambios fue la interpretación, que a petición de la discográfica corrió a cargo de la otra voz masculina del grupo, Martin Lee. "Tuve un año para pensarlo, sabía exactamente lo que quería hacer en el arreglo, el glockenspiel al principio y la gran guitarra acústica de 12 cuerdas y las cuerdas, y luego llegó el día de grabar la canción". Si estás escuchandola con atención, "Save Your Kisses For Me" te parecera una canción demasiado cursi sobre alguien que deja atrás a su amor ("Aunque duele irse, es imposible quedarse") porque tiene que ir a trabajar ("Que tengo que trabajar cada día y por eso me voy"). Si todo esto suena un poco empalagoso ("But you keep me hangin' on for one more smile"), hay un giro en la última línea que hace que el tono empalagoso sea completamente apropiado. La persona a la que se insta a guardar sus besos es el hijo de tres años de la cantante. 

En 1976 Brotherhood of Man se presentó al festival de la canción Europea (Eurovision) para competir ese año con 'Save Your Kisses For Me' como uno de los 12 finalistas. Se impuso al segundo clasificado, Co-Co, con su canción 'Wake Up' por solo dos puntos, lo que significa que Brotherhood of Man estaba en camino al Nederlands Congresgebouw en La Haya. Como todos sabemos, 'Save Your Kisses For Me' triunfó el 3 de abril de 1976, obteniendo nada menos que 164 puntos tras obtener los doce puntos necesarios de siete países votantes. El éxito provocó que el tema fuera la canción de apertura del exitoso álbum de la banda Love and Kisses de Brotherhood of Man, y el éxito en Eurovision ayudó a impulsar las canciones a ventas de más de seis millones de copias y al estatus de número uno en todo el continente. Fue el sencillo más vendido de 1976, e incluso llegó al número 27 en los EE. UU. La canción siguió siendo una de las favoritas de Eurovisión y el grupo la cantó en los especiales de Eurovisión de 1981, 2005 y 2015

Disco de la semana 413: Airbag – El debut que sacudió al rock argentino.

Disco de la semana 413: Airbag – El debut que sacudió al rock argentino

En esta semana queremos recomendar un disco que marcó a toda una generación y que sigue siendo un referente del rock argentino juvenil: el álbum debut de Airbag, lanzado en 2004. Esta primera entrega de los hermanos Patricio, Guido y Gastón Sardelli no solo presentó a una banda con un talento innato, sino que también nos regaló una colección de canciones que conectan emocionalmente con cualquiera que las escuche. Este álbum marcó el inicio de una carrera prometedora y consolidó a Airbag como una de las bandas más influyentes de su generación.

Si buscas un disco que combine rock clásico, baladas conmovedoras y una energía juvenil inconfundible, Airbag es la elección perfecta para esta semana.

¿Quiénes son Airbag?

Airbag es una banda formada en Don Torcuato, provincia de Buenos Aires, Argentina, por los hermanos Sardelli. Desde sus inicios, lograron capturar la atención del público con una propuesta que combinaba la frescura de la juventud con la madurez musical. Su música, profundamente influenciada por bandas legendarias como Queen, The Beatles y referentes del rock argentino como Soda Stereo, combina melodías clásicas con un sonido moderno que los distingue de otras bandas contemporáneas.

Su debut homónimo no fue solo un álbum más; fue una declaración de intenciones. Los Sardelli demostraron que tenían no solo talento, sino también una visión clara de lo que querían lograr: conectar con su audiencia a través de letras honestas y una energía que traspasa las grabaciones.

¿Qué hace especial a este álbum?

El disco Airbag está compuesto por 11 canciones que exploran temas universales como el amor, el desamor, la juventud y la búsqueda de identidad. Es un álbum que equilibra perfectamente la intensidad del rock con momentos de introspección que llegan al corazón.

Lo que realmente destaca en este trabajo es su capacidad para conectar con públicos diversos. Tanto si eras un adolescente en los 2000 como si estás descubriendo la banda por primera vez, este disco tiene algo que ofrecerte. Las canciones, repletas de melodías pegajosas y letras emotivas, tienen una calidad atemporal que hace que cada escucha sea especial.

La producción del álbum también es un punto fuerte. Desde la intensidad de las guitarras hasta la delicadeza de los arreglos vocales, todo está cuidadosamente diseñado para crear una experiencia auditiva completa. Este cuidado por los detalles muestra la seriedad con la que los Sardelli afrontaron su debut, a pesar de su juventud.

Canciones que no puedes dejar pasar

1. "La partida de la gitana"

Este sencillo icónico es el himno definitivo del álbum. Con su energía explosiva, un estribillo memorable y una letra cargada de misticismo, se convirtió rápidamente en una de las canciones favoritas de los fans. Su mezcla de ritmos vibrantes y una interpretación vocal apasionada la hacen inolvidable.

2. "Solo aquí"

Si hay una balada que define el alma introspectiva de Airbag, es esta. Con un delicado piano como base y una interpretación vocal que destila emoción, "Solo aquí" es ideal para esos momentos en los que necesitas conectar con tus pensamientos más profundos.

3. "Quiero estar contigo"

Con una atmósfera más ligera y optimista, esta canción es un respiro en medio de la intensidad del álbum. Las guitarras acústicas y el estribillo pegajoso la convierten en un recordatorio de los momentos felices y del poder del amor en su forma más pura.

4. "Ya no recuerdo"

Este tema muestra el lado más rockero de Airbag, con riffs de guitarra que evocan el sonido de los años 70. Es una canción directa, sin pretensiones, perfecta para quienes disfrutan del rock clásico.

5. "Amor de verano"

Una joya nostálgica que captura la esencia de los romances fugaces y emocionantes del verano. Con una melodía envolvente, este tema te transporta a esos días en los que todo parecía más simple.

El legado del debut de Airbag

Más allá de las canciones individuales, Airbag es un álbum que brilla por su autenticidad. Es una obra que captura la esencia de una banda en su punto de partida, llena de energía, emoción y un hambre insaciable por hacer música. Pero también es un trabajo que trasciende su tiempo. Aunque fue lanzado hace más de dos décadas, su frescura y relevancia se mantienen intactas.

Escuchar este disco es como abrir una ventana a los primeros años 2000, una época marcada por la transición entre lo analógico y lo digital, y donde la música seguía siendo una herramienta poderosa para conectar con los demás. Las canciones de Airbag no solo son un reflejo de esa era, sino también un testimonio de la capacidad de los Sardelli para hablar de temas universales que siguen resonando hoy.

El impacto en el rock argentino

En una escena musical donde el rock parecía estar perdiendo terreno frente a otros géneros, Airbag irrumpió con una propuesta que combinaba respeto por la tradición con un enfoque fresco y moderno. Su debut ayudó a revitalizar el interés por el rock entre los jóvenes y demostró que había espacio para nuevas voces en un género dominado por figuras consolidadas.

Este álbum no solo consolidó a Airbag como una banda prometedora, sino que también marcó el inicio de una carrera llena de éxitos y evolución constante. Los Sardelli supieron aprovechar el impulso de su debut para explorar nuevos sonidos y madurar como artistas, sin perder nunca la esencia que los hizo destacar.

Si eres fan del rock argentino o simplemente te gusta descubrir música con alma, Airbag merece un lugar en tu lista de reproducción. Es un álbum que mezcla perfectamente las vibraciones intensas del rock con momentos de introspección que calan hondo. Además, es la puerta de entrada perfecta para entender cómo Airbag evolucionó desde sus inicios juveniles hasta convertirse en una de las bandas más importantes de la región.

Así que, ¿qué estás esperando? Dale play a Airbag, déjate llevar por sus letras y sus melodías, y prepárate para descubrir por qué este debut sigue siendo tan relevante hoy como lo fue en 2004.

Daniel

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1478.- Portsmouth - Mike Oldfield

 

"Portsmouth" es una melodía de danza folclórica tradicional inglesa, originalmente creada para ser tocada con una flauta. La primera versión grabada que se conoce es la de la 11ª edición de "The Dancing Master" de John Playford en 1701. Otras obras en las que estuvo contenida esta melodía son las "Sea Songs" del compositor inglés Ralph Vaughan Williams, en el segundo movimiento de una suite de canciones folclóricas inglesas adaptadas al formato de una banda militar en 1923, o la grabación instrumental que se realizó para que "Portsmouth" fuera la banda sonora de la serie de televisión de la BBC "Billy Bunter" en los años cincuenta.

Ya en 1976, y buscando continuar el éxito que había obtenido con la grabación del single "In Dulci Jubilo" (1975), Mike Oldfield grabó una versión instrumental de "Portsmouth" en la que el talentoso instrumentista tocó guitarra acústica, bajo, acordeón, mandolina, sintetizadores, pandereta, tambor y timbales, y repitió la fórmula de llevar la melodía principal con una flauta dulce, interpretada por Leslie Penning (al que también se acredita junto a Oldfield como responsable de dar golpes en el suelo con los pies).

La apuesta funcionó una vez más, porque el single de "Portsmouth" publicado el 29 de octubre de 1976 (con la canción "Argiers" en la cara B) llegó al tercer puesto de las listas de ventas en el Reino Unido y al segundo puesto de las de Irlanda, en lo que fue el mayor éxito de Mike Oldfield en las Islas Británicas hasta que la célebre "Moonlight Shadow" estuvo una semana en el primer puesto de las listas de ventas irlandesas en 1983.

1477.- Rosa María - Camarón de la Isla

 

Rosa María, Camarón de la Isla 

     Camarón de la Isla con este nuevo proyecto deseaba resarcirse de un nuevo fracaso tras su anterior intento comercial, y lo cierto es que lo consiguió con Rosa María. En este trabajo se apostó por darle un enfoque más comercial, y aun así logró sin problema plasmar el inigualable talento artístico de Camarón de la Isla. La canción no estuvo exenta de cierta polemica y paradoja, pues Camarón y paco de Lucía, quien le acompña en la guitarra, decidieron proponer en aquellos tiempos una nueva aventura en forma e tangos, dando como resultado Rosa María. Es cierto que hoy en día los tangos son muy admirados, pero en la épocasellegó a hablar de un nuevo intento de revolución así como de un lanzamiento excesivamente comercial.

En la década de 1970, el flamenco atravesaba una etapa de transformación y modernización. Camarón de la Isla, junto con su guitarrista habitual y amigo, Paco de Lucía, jugó un papel crucial en esta evolución. La letra de la canción Rosa María fue compuesta por el algecireño Antonio Sánchez Pecino, padre de Paco de Lucía, que era quien acompañaba al genio de la Isla a la guitarra. La grabación en aquel entonces, allá por el año 1976, fue realizada en Madrid y de la la producción se hizo cargo el propio padre de Paco de Lucía.

El resultado fue una poética y emotiva canción que nos habla de amor, pena y deseo, temas recurrentes en el flamenco. La canción cuenta la historia de un hombre enamorado de una mujer llamada Rosa María, a quien canta su amor y su dolor. Camarón interpreta, sin lugar a duda, los versos de la canción con su sentimiento, y se le nota el temor de perder a esa persona que ha dado su vida por él y, al mismo tiempo, la esperanza de la fe. La canción combina ritmos tradicionales del flamenco con innovaciones modernas, creando un sonido que es a la vez auténtico y fresco. La guitarra flamenca de Paco de Lucía realza la voz de Camarón, elevando la canción a otro nivel.

1476.- Tu Mirá - Lole y Manuel

Tu Mirá, Lole y Manuel

Lole y Manuel fue un dúo de flamenco formado en 1972 por los músicos andaluces Dolores Montoya Rodríguez y Manuel Molina Jiménez. A mediados de los años setenta se convirtieron en uno de los principales renovadores del flamenco, en un momento de efervescencia contracultural en Andalucía y de surgimiento del rock andaluz.​ Por su incorporación al género de influencias diversas de otros géneros del momento, son considerados uno de los iniciadores del nuevo flamenco.

Su carrera se inició, tras su breve pero marcado paso por el grupo Triana, con la publicación de Nuevo Día (1975), editado sin promoción y eventualmente convertido en un éxito de crítica y comercial.​ El disco definió gran parte de su sonido posterior, con un cante crudo, letras poéticas de Juan Manuel Flores y producciones de Ricardo Pachón, así como el uso de instrumentos que nunca antes habían sido utilizados en el género, como el mellotron. ​Esta obra influyó en obras posteriores del nuevo flamenco como Veneno (1977) de Kiko Veneno o La leyenda del tiempo (1978) de Camarón de la Isla, ambos producidos también por Pachón. La música de Lole y Manuel no fue flamenco convencional y clásico, se trataba de un flamenco vanguardista, con ritmica diferente y con una grandes letras poéticas repletas de sensibilidad. A las letras había que anyadir la voz dulce agitanada y serena de Lole que siempre estaba arropada por la guitarra de Manuel. Llevaron el flamenco a un nivel más personal, imprimieron su propio estilo y como muy bien decía Manuel: "Yo no toco la guitarra como mi padre ni Lole canta como su madre. Ellos no oyeron a Joplin ni a Hendrix".

En 1976 Lole Y Manuel publican Pasaje del Agua, disco con el que continúan esa senda de experimentación, introduciendo además elementos árabes.​ Incluído en este álbum se encuentra el tema Tu Mirá, una obra maestra del flamenco que explora el dolor y la intensidad del amor no correspondido. Para el recuerdo queda ya la frase "Y tu mirá se me clava en los ojos como una espá" una maravillosa metáfora que compara la mirada de la persona amada con una espada que hiere profundamente y que nos produce un sentimiento de sufrimiento y desesperación, mostrando cómo el amor puede ser tanto una fuente de alegría como de dolor. La letra también utiliza imágenes poéticas y naturales para profundizar en estos sentimientos, nos habla de fragilidad, de la belleza del amor, de la mariposa como símbolo de transformación y delicadeza o de la alondra como símbolo de la búsqueda de lo inalcanzable. Con esta canción Lole y Manuel nos recordaban que el amor tiene dos caras, una parte donde todo es maravilloso y otra parte donde todo se torna en tristeza y agonía.

1475.- Somebody to Love - Queen

"Somebody to Love" fue escrita por Freddie Mercury al piano, y grabada después junto al resto de integrantes de Queen para el disco "A Day at the Races" (1976). Está considerada como una canción emparentada con la célebre "Bohemian Rhapsody", con la que habían logrado un gran éxito solo un año antes, por la utilización de arreglos clásicos, complejas armonías y cambios de ritmo e impactantes solos de guitarra.

Como en "Bohemian Rhapsody", Freddie Mercury buscó también que "Somebody to Love" se sustentara en una melodía compleja y un nuevo despliegue de superposición de pistas vocales, pero mientras que "Bohemian Rhapsody" viraba claramente hacia lo operístico, en "Somebody to Love" el objetivo principal fue recrear un coro góspel de más de cien voces (duplicando su voz y las de Brian May y Roger Taylor hasta llegar a lograr ese multitudinario efecto), con el que rendir un sentido homenaje musical a su admirada Aretha Franklin.

"Somebody to Love" fue el primer single de "A Day at the Races", y la fórmula de canción grandiosa y cambiante volvió a funcionar una vez más, logrando alcanzar el nº 2 en las listas de ventas del Reino Unido y el puesto 13 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos, y muchos años después experimentó un nuevo resurgir cuando, en el concierto tributo a Freddie Mercury en el estadio londinense de Wembley, fue interpretada por el resto de componentes de Queen con George Michael, que realizó una impresionante interpretación vocal de la canción, lo que motivó que la grabación de la misma se relanzara en 1993 como tema principal de un EP llamado "Five Live", que fue nº 1 en el Reino Unido.

1474.- New Kid in Town - Eagles

 

"New Kid in Town" fue escrita por Don Henley, Glenn Frey y J.D. Souther para formar parte de "Hotel California" (1976), el célebre disco de estudio de The Eagles, y aunque la canción más famosa de aquel disco es precisamente la que le daba título, lo cierto es que fue "New Kid in Town" y no "Hotel California" la elegida para ser lanzada como primer single promocional del álbum, alcanzando el primer puesto de las listas de ventas en Estados Unidos y llegando hasta el puesto 20 de las del Reino Unido.

JD Souther fue quién, en un primer momento, escribió el germen de la canción, que correspondía con lo que finalmente serían los coros de la misma. Todos estaban de acuerdo en que aquello tenía mimbres de posible éxito, pero no supieron como desarrollarlo, y quedó aparcado hasta un año después, cuando empezaron las sesiones para componer "Hotel California" y Henley, Frey y Souther retomaron aquella posible canción sobre la ansiedad de sentir que nada es eterno, y que antes o después, la fama, el dinero y el amor desaparecerían, y otros recién llegados ocuparían el lugar que hasta entonces creíamos nuestro.

Glenn Frey cantó la voz principal y tocó la guitarra acústica en "New Kid in Town", con Don Henley arropándole con las armonías principales además de la batería, y su efectivo juego de voces les hizo conseguir el Grammy al "Mejor arreglo vocal para dos o más voces". La canción se beneficia también del buen hacer de Don Felder con las guitarras eléctricas y de Joe Walsh al piano eléctrico y órgano, y cuenta además con la curiosidad de que el bajo de Randy Meisner es en realidad un "guitarrón" mexicano, un típico instrumento acústico muy habitual en las bandas de mariachis.

Parklife - Blur (Mes Blur)

Hablar de Parklife sólo en términos de “britpop”, un término polémico e infamemente elusivo, es quedarse corto. Estamos ante un álbum pop que trasciende las restricciones de esos subgéneros mal definidos, tomemos como ejemplo los dos singles más exitosos del álbum: Girls and Boys y la canción principal Parklife están tan profundamente arraigadas en la cultura actual que es difícil dar un paso atrás y darse cuenta de lo inusuales que son en el contexto de su época. Girls and Boys es una canción indie/disco calculadamente desagradable pero irresistiblemente pegadiza de una época en la que esas cosas empezaban a pasar de moda, mientras que Parklife tiene un destacado estribillo para cantar a coro que se convirtió en un modelo tan común para los imitadores del britpop que es fácil olvidar que es un single exitoso con versos hablados (cortesía del actor Phil Daniels, que interpreta a la perfección el papel de narrador cockney que a Damon le había costado convencer). Girls and Boys y Parklife, rápidamente descartadas como tema 1 y 4 respectivamente, no eclipsan en absoluto el resto del disco. De hecho, dado que Girls and Boys suena más como una fanfarria anómala, el prólogo de los británicos en el extranjero antes de que nos estrellemos de nuevo en Londres en todo su esplendor en Technicolor, es una de las últimas canciones que se me ocurre nombrar si alguien me pregunta qué canciones hay en Parklife. El más típico Parklife es, por supuesto, uno de los primeros, pero esto tiene más que ver con el hecho de que comparte su nombre con su álbum original, el único tema principal que Blur grabó.

El otro single de Parklife, la balada romántica To the End, es un maravilloso momento de grandeza orquestal que aporta un glamour europeo al álbum. El estribillo coral, cantado en francés por la invitada Laetitia Sadier de Stereolab, recuerda al éxito de Serge Gainsborough y Jane Birkin, Je t'aime, y consolida aún más esas influencias omnipresentes de los años 60 que llegaron a caracterizar a la mayoría del britpop. Pero para mí, queda eclipsado por otras dos baladas: la fantástica Badhead una de las canciones más bonitas de Parklife que tiene que ver con el letargo que suele acompañar a una ruptura. Damon Albarn ha afirmado que la canción trataba sobre las resacas, pero creo que estaba siendo un poco descarado cuando dijo eso. El narrador compara la experiencia con una “mala cabeza por la mañana”, pero las líneas anteriores tratan sobre no mantenerse en contacto y sentir lástima por uno mismo: una resaca emocional y la adorada This is a Low, en particular, alcanzó un nivel de popularidad similar al de los singles. La penúltima canción grabada para el álbum, This is a Low, languideció durante mucho tiempo como instrumental mientras Damon luchaba por encontrarle una letra. La banda sabía que la pista musicalmente era muy buena y presionó a Damon, quien, en el último momento, recurrió a un pañuelo con las previsiones de navegación que Alex James le había comprado por Navidad. La desesperación engendró la genialidad, ya que la letra que se le ocurrió a Damon proporcionó la conclusión perfecta para Parklife, alejándose del centro de la ciudad para ofrecer una vista omnisciente y a vista de pájaro de las Islas Británicas. Es impensable que This is a Low casi nunca llegara al álbum. Aunque esas baladas son los momentos en los que Parklife se eleva más, los momentos en los que la banda se deshace en elogios son igual de importantes. Ambas se encuentran orgullosamente entre las mejores canciones que Blur haya escrito jamás, lo que da más credibilidad a mi afirmación de que la clave de la brillantez del catálogo de Blur está en las baladas. El frenesí punk de menos de dos minutos de Bank Holiday es el reflejo perfecto de la confusión frenética en la que pasan esos días libres adicionales, mientras que Jubilee presenta la pesadilla de ser un adolescente desde un punto de vista alejado y ambiguo, gritando juicios sobre vestirse incorrectamente y no hablar con las chicas como tema principal. 

Quizás la parte más subestimada de Parklife llega al principio de su segunda cara con el doble golpe del dúo New Wavey: London Loves y Trouble in the Message Centre, dos canciones fuertes que a menudo se pasan por alto únicamente por la poderosa compañía que las acompaña. London Loves, donde el poder destructivo, creativo y cinético de la gran ciudad se desarrolla en un retrato deliberadamente estereotipado de un hombre que prospera gracias a su energía. Se describe a la ciudad como una ciudad que ama el misterio de un coche que va a toda velocidad (la emoción del peligro), la forma en que la gente se desmorona (el ciclo destructivo), el misterio de un corazón acelerado (atrapado en un bucle de sensibilidad agudizada) y la forma en que simplemente no tenemos ninguna oportunidad (aquellos que se convierten en polvo por la naturaleza aleatoria del capitalismo). El ritmo es disco-sexy, pero la riqueza del arreglo viene en forma de la guitarra de Graham Coxon, con ráfagas de disonancia equilibradas por una distorsión intensa. Trouble in the Message Centre, es una especie de diálogo entre el cerebro y un siervo aparentemente sin alma, entumecido por las drogas o el letargo moderno cuyos “pensamientos simplemente se están desvaneciendo” (según el cerebro, quién debería saberlo). Aunque la letra podría haber sido más nítida y menos opaca, es uno de los dos mejores temas de rock del álbum, con Coxon, James y Dave Rowntree impulsándolos a toda potencia. Tracy Jacks es uno de esos momentos en los que te encanta o lo odias. Sin embargo, incluso ahora, todavía no estoy seguro de qué postura tomar. Quizás lo amo y lo odio. El canto de Tracy Jacks con acento cockney está demasiado acentuado en una canción que aparentemente describe una crisis de mediana edad. End Of A Century se muestra más tranquilo, es la nueva fase de la banda, el descarado encanto británico interpretado con un poco de arrepentimiento por parte de Graham Coxon y compañía. Aun así, suena bien y pegadizo. El eco de Graham Coxon en Clover Over Dover es magnifico, me encanta cuando él aporta su granito de arena a las voces. La letra es increíblemente profunda, habla de saltar por encima de los acantilados blancos de Dover y acabar con todo. La razón de esto es que la persona en cuestión está perdidamente enamorada de alguien, pero esa persona no parece darse cuenta. Es algo que creo que todos sentimos en algún momento de nuestra vida y Damon lo resume perfectamente. Es obvio que este chico está, con suerte, enamorado lo suficiente como para dejar que esta chica lo empuje (tal vez una metáfora para decir que puede tratarlo tan mal como quiera mientras esté con él). Este chico haría cualquier cosa para estar con ella y vale la pena saltar por encima incluso si tuviera un momento con ella.

Hay cosas que se podrían discutir sobre Parklife. Con la arrogancia del oyente medio que cree que podría secuenciar mejor un álbum, yo habría quitado el tema de cierre Lot 105 y habría movido el otro instrumental, The Debt Collector, a su posición culminante. Aunque muchos lamentan el hecho de que Parklife no termina con la nota dramática de This is a Low, creo que añadir una coda estaba más en consonancia con la atmósfera del álbum y te deja con una mayor impresión general de lo que acabas de experimentar. Lot 105, sin embargo, es una nota final demasiado trivial, mientras que el impresionante vals de The Debt Collector habría proporcionado una conclusión más elegante. Además, moverla erradicaría la ligera calma que surge de su emparejamiento a mitad del álbum con la curiosidad de Alex James Far Out, que parece demasiado peculiar a la vez. Existe la tentación de eliminar Far Out por completo, pero la excelente forma en que se conecta con la apertura de To the End hace que valga la pena mantenerlo. Magic America es un tema alegre que nos trae recuerdos de turistas de todo el mundo que acudían en masa a San Francisco para ver los tranvías, el puente Golden Gate (esperemos que no para suicidarse), la calle más torcida del mundo y… los centros comerciales estadounidenses. Aunque nuestros visitantes eran en su mayoría irlandeses y franceses, se comportaron más o menos como el personaje Bill Barrett de esta canción, fascinado por las maravillas materiales de Estados Unidos, la plétora de opciones televisivas (únicas en la época) y las porciones increíblemente grandes a precios sorprendentemente bajos que se servían en los patios de comidas y en las cadenas de restaurantes. Para Bill y muchos otros, Estados Unidos era un lugar mágico en el que uno podía escapar de las limitadas opciones que ofrecían los conservadores de la época.

En 1990, un Damon engreído y juvenil le había dicho a la prensa: “Cuando salga nuestro tercer álbum, nuestro lugar como la banda inglesa por excelencia de los 90 estará asegurado. Esa es una simple declaración de hechos. Tengo la intención de escribirlo en 1994”. Aunque este es el tipo de declaración arrogante y desagradable que pronto se asociaría más fácilmente con los hermanos Gallagher, la predicción de Damon se hizo realidad. El audaz salto estilístico que habían dado con Modern Life is Rubbish había dado sus frutos y, aunque el jefe de Food Records, Dave Balfe, siguió desaconsejándolo durante la grabación de Parklife, el disco se convirtió en un momento histórico de los 90. La parte complicada ahora era qué hacer a partir de ahí. Parklife de Blur, es tantas cosas, tiene tanto que dar, y realmente no es solo un asunto alegre y animado, aunque la apertura te hace pensar que este álbum se dirige en esta dirección, con todo el trabajo invertido en él, este álbum es asombrosamente fluido, un álbum para seguir y continuar... y que bien vale tu tiempo, diverso, atractivo y escalofriante y emocionante y a la deriva y... bueno, todo en uno... aunque no tan ecléctico ni tan desafiante y sorprendente como Different Class de PULP. Sin embargo, la pregunta es: ¿es mejor pop? bueno, esa es una pregunta difícil, pocos álbumes son tan logrados como Different Class. 

No hace falta decir que Parklife sigue siendo un álbum cálido y de fácil acceso, al mismo tiempo que es fácil de acceder, también es muy reflexivo y muy gratificante, rico en patetismo social y melodía bien trabajada, un lujo poco común. Sí, también tiene el entusiasmo y algo de entusiasmo excesivo, cuando lo deseas. No puedo criticar este álbum, y nadie debería hacerlo, es fácil de disfrutar y es atemporal. Parklife es un disco absolutamente bueno desde todos los ángulos o al menos desde casi todos los ángulos, es difícil hacer un álbum como Parklife. En otro orden de cosas, déjenme decirles que, si les gusta Parklife, no se pierdan el mencionado álbum Different Class de Pulp. Cuando era más joven, recordaba vagamente solo algunos sencillos de ese álbum, pero, como Parklife, es más que solo sencillos pegadizos. Simplemente desearía haberlo escuchado antes, pero bueno, eso es lo que pasa con muchos álbumes bien trabajados, no puedes entenderlo todo de una vez en un instante, de esta manera, Parklife de Blur es un poco similar a la obra maestra de PULP, denle tiempo.

 

1473.- Good Old-Fashioned Lover Boy - Queen

 

 Good Old-Fashioned Lover Boy, Queen

     A Day at the Races es el quinto álbum de estudio de la banda británica de rock Queen. Fue grabado entre el 12 de julio y el 24 de agosto, y entre el 5 de septiembre y el 19 de noviembre en The Manor Studios de Oxfordshire, Inglaterra, los Sam East Studios de Londres, Wessex Sound Studios de Londres y Advision Studios de Londres, bajo la producción del propio grupo, y publicado el 10 de diciembre de 1976 por EMI Records en Reino Unido y por Elektra Records en Estados Unidos. Fue el primer álbum completamente autoproducido de la banda, y el primero completado sin la participación del productor Roy Thomas Baker. De las tareas de ingeniería de producción sew encargó Mike Stone.Este álbum está considerado como un complemento del álbum anterior de Queen, A Night at the Opera (1975), y ambos, además, toman sus nombres de las películas de los Hermanos Marx. El álbum alcanzó la cima de las listas de éxitos en el Reino Unido, Japón y los Países Bajos. Alcanzó el número cinco en la lista Billboard Top LPs & Tape de Estados Unidos y fue el tercer álbum de Queen en conseguir el Disco de Oro en los Estados Unidos, alcanzando posteriormente el estatus de platino en el país.

El 25 de abril de 1976, la banda se instaló de nuevo en Londres después de una gira exhaustiva de cuatro etapas y seis meses de su exitoso álbum A Night At The Opera, grabado durante el verano de 1975. La banda había decidido tomarse un descanso de dos meses, y única y ocasionalmente realizaban actividades relacionadas con los negocios.  Durante junio, la banda comenzó a planear las sesiones de grabación para el álbum, visitando estudios de grabación alrededor de Londres para determinar dónde producirían el álbum. Los ensayos comenzaron el 17 de junio en Ridge Farm Studio, donde la banda había ensayado para su álbum anterior en julio de 1975. Debido a problemas con el equipo durante la primera semana, la banda contrató a Pete Cornish el 25 de junio para ayudar en el mantenimiento del equipo. Cornish y la banda habían tenido una participación previa, ya que su compañía había ayudado a reparar y construir nuevos equipos para la banda en enero de 1972. La grabación del álbum se completaría durante los meses siguientes entre varios estudios de Londres.

Incluido en este álbum se encuentra Good Old-Fashioned Lover Boy, escrita por Mercury. Comienza con una introducción de piano y voz de Mercury, y el bajo y la batería se unen al comienzo del coro. Parte del puente de la canción es cantada por Mike Stone (los versos: "Hey chico, ¿de dónde lo sacaste? Oye, chico, ¿a dónde fuiste?"). La grabación se ve reforzada por las voces multipista, así como por los coros de guitarras de May. La canción fue interpretada en vivo en el famosos programa Top of the Pops en junio de 1977, con Taylor cantando la parte de Stone. La mayor parte de la canción fue un elemento básico de los conciertos de la banda en las giras A Day at the Races Tour y News of the World Tour. Fue una de varias canciones inspiradas en el "music hall" británico que la banda compuso y llegó a alcanzar el puesto número 17 en la lista de singles del Reino Unido. La canción describe cómo "un buen chico amante a la antigua" espera con ansias una noche de juerga y romance. En una entrevista dirigida por Kenny Everett en su programa de radio, Freddie Mercury afirmó sobre la canción lo siguiente: "Es en mi estado de ánimo de 'ragtime' (estilo musical popularizado en Estados Unidos en el siglo XIX) que tengo la oportunidad de hacer en cada álbum y esto es algo que se me ha ocurrido esta vez". En otra publicación, Mercury, reafirmaba su deseo de hacer más canciones estilo 'Vodevil' en el futuro. 

1472.- Life In The Fast Line - Eagles

 

Life In The Fast Lane

     El 8 de diciembre salía al mercado uno de los álbumes más exitosos de la hsitoria del rock, Hotel California, el quinto disco de estudio de la banda estadounidense The Eagles. Fue grabado entre marzo y octubre de 1976 en los Criteria Studios de Miami y en los Record Plant Studios de Los Angeles bajo la producción de Bill Szymczyk, y publicado bajo el sello discográfico Asylum Records. Sue el primer álbum de la banda con el guitarrista Joe Walsh , quien había reemplazado al miembro fundador Bernie Leadon, y el último en contar con el bajista fundador Randy Meisner. La mítica portada del álbum presenta una fotografía del Beverly Hills Hotel , tomada por David Alexander. El álbum fue un éxito comercial y crítico inmediato, encabezando la lista Billboard 200 de Estados Unidos . En la 20.ª edición de los premios Grammy , la canción principal, Hotel California, ganó el premio a la grabación del año y New Kid in Town  ganó el premio al mejor arreglo para voces . El álbum también fue nominado a Álbum del año , pero perdió ante Rumours (1977) de Fleetwood Mac . Se lanzaron tres sencillos del álbum, Hotel California, New Kid in Town y Life in the Fast Lane.

Hotel California es uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos . Ha sido certificado 26 veces Platino por la Recording Industry Association of America (RIAA) en los EE. UU. y ha vendido más de 32 millones de unidades en todo el mundo, lo que lo convierte en el segundo álbum más vendido de del recopilatorio Their Greatest Hits (1971–1975) (1976). Ha sido clasificado por varias publicaciones como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos.

Incluido en este álbum se encuentra Life in the Fast Lane, escrita por Joe Walsh , Glenn Frey y Don Henley. Fue el tercer sencillo lanzado de este álbum y alcanzó el puesto número 11 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos. La canción cuenta la historia de una pareja que lleva su estilo de vida excesivo al límite. En "In the Studio with Redbeard", Glenn Frey reveló que el título se le ocurrió un día cuando iba en la autopista con un traficante de drogas conocido como "El Conde".  Frey le pidió al traficante que fuera más despacio y la respuesta fue: "¿Qué quieres decir? ¡Es la vida en el carril rápido!". En esa misma entrevista, Frey indicó que el riff central de la canción fue tocado por Walsh mientras la banda estaba calentando en los ensayos y le dijeron a Walsh que "se quedara con eso; es una canción". Don Henley recordó que la "canción en realidad surgió del riff de guitarra inicial. Un día, en el ensayo, Walsh simplemente soltó ese riff loco y dije '¿Qué diablos es eso? Tenemos que encontrar la manera de hacer una canción a partir de eso". Henley y Frey, los principales letristas de la banda, escribieron luego la letra de la canción. 

Disco de la semana 412: Synchronicity - The Police

La gran máquina de The Police se estaba deteniendo de forma paulatina, sin excesivo ruido y, sin embargo, triunfante. Synchronicity es un tentador último vals, justo en el borde de donde esta banda probablemente hubiera empezado a apestar, todos y cada uno de los problemas a los que estaban sometidos están aquí, pero en su mayoría flotan en los bordes en lugar de afectar al disco en sí. Lo que significa que, en lugar de dañarlo, nos deja con una sensación de satisfacción de "Sí, aquí es exactamente donde deberían haber parado" aunque en realidad la banda continuó existiendo hasta al menos 1986, pero solo de nombre. Los propios miembros definitivamente se dieron cuenta de que se había llegado a una especie de límite, y su paciencia entre ellos se estaba agotando. Sin embargo, su canto de cisne, Synchronicity sigue siendo un álbum un tanto extraño como dije, y no quedo completamente libre de enfrentarse a límites y tensiones. Está el sonido, ese es el cambio más grande, al escucharlo uno tiene la sensación de que Sting estaba ansioso por comenzar su carrera en solitario y encantar a las amas de casa de mediana edad con jazz falso y música del mundo. Si lees las entrevistas con Andy y Stewart, te darás cuenta de que, a pesar de su brillante estilo y composición, Sting, al igual que McCartney, tenía la ventaja de contar con habilidades de composicion extras. Copeland y Summers básicamente tuvieron que luchar contra Sting para evitar que su lado adulto contemporáneo, aparentemente natural, se apoderara de la banda, y se aseguraron de que la banda siguiera existiendo.

Para su último álbum, The Police se adentra cada vez más en la experimentación, al mismo tiempo que consolida su estatus como banda pop, el álbum, a pesar de algunos excesos, termina siendo una obra maestra casi perfecta. Lo asombroso de Synchronicity es su visión holística de la banda, nunca han sonado tan seguros y atrevidos. Desde sus inicios, The Police ha crecido mucho. En Outlandos d'Amour, eran jóvenes punks listos para cambiar el mundo, aquí, son un trío maduro y talentoso que ya ha cambiado el mundo y lo miran desde dentro y desde fuera; pasado, presente y futuro. Nunca los tres músicos han sonado tan bien en lo que hacen, tanto de forma independiente como en conjunto. Sting cantando todo tipo de música, su rango vocal es increíble, gritos alimentados por la urgencia hasta pop, cantos jazzeros y actuaciones en solitario. Andy Summers es perfecto, ss capaz de crear riffs crujientes, crear paisajes sonoros de fondo y también tocar solos de guitarra fantásticos como en Miss Gradenko. Stewart Copeland está en su mejor forma, quizás incluso mejor que en Zenyatta mondatta, mantiene el ritmo, mostrando que es un baterista fantástico, siempre haciendo que su bateria hable y las canciones se muevan, vibren o exploten.

El álbum comienza con Synchronicity I, una canción basada en el libro homónimo de Carl Jung que analiza los conceptos de "principio de conexión" y "spiritus mundi". Sting usa este libro como inspiración para esta canción y la mayor parte del álbum. El uso intensivo del teclado Fairlight más la fuerte batería de Stewart Copeland y los magníficos riffs de guitarra de Andy Summers le dan el toque de calidad extra a la canción, en Walking In Your Footsteps Sting canta sobre los dinosaurios como la especie dominante, que eventualmente sería reemplazada por la raza humana, ya que ellos (los dinosaurios) se extinguirían. Nuevamente, la canción presenta un uso intensivo de teclados Fairlight, con Stewart Copeland tocando algo de percusión auxiliar, el trabajo de guitarra de Andy Summers está algo atenuado por lo que parece ser un tambor tribal africano. Sting reutiliza la línea "dicen que los mansos heredarán la tierra" tomada de "Visions of The Night", originalmente grabada por un proyecto anterior a Police llamado Strontium 90. O My God habla sobre la relación entre Dios y la raza humana. Una vez más, Sting recicló algunas de las líneas de una canción de Strontium 90 llamada "3-O`Clock Shot" (Everyone I know is alone/And God is so far away/My heart belongs to no one/So now sometimes I pray/Take the space between us/And fill it up some way) y de "Every Little Thing She Does Is Magic" (la línea de los cien días lluviosos que todo fan de Police se sabe de memoria) que aparece al final de la melodía. La canción contiene una melodía de jazz/pop/rock, donde se utiliza mucho el saxofón, e incluye una batería boombástica de Stewart Copeland y un trabajo de guitarra aceptable de Andy Summers. 

Mother a diferencia de las tres pistas anteriores parece ser la más débil, tanto lírica como musicalmente hablando. La melodía, escrita, compuesta y cantada por Andy Summers, trata sobre un hombre que ve a su madre reflejada en cada mujer que conoce (¿Edipo Rey?). Inconexa en muchos sentidos (incluida la voz de Andy), Mother es fácilmente la peor canción de The Police que han hecho (honestamente, nunca pensé que The Police pudiera hacer una mala melodía en este punto de su carrera, pero finalmente lo hicieron. Miss Gradenko esta escrita íntegramente por Stewart Copeland y cantada en parte por Sting y el propio Copeland, Miss Gradenko es una reflexión sobre los espías de la Unión Soviética que se sentían asustados e inseguros de abandonar ese país entonces comunista. En mi humilde opinión, suena un poco mejor que Mother, tanto musical como líricamente hablando, pero aun así, está por detrás de las tres primeras pistas. Synchronicity II es una de las mejores canciones que The Police ha hecho, ademas viene acompañada de un maravilloso vídeo que tuvo una gran repercusion en MTV. Temáticamente hablando, no tiene conexión con Synchronicity I, en esta ocasión la cancion trata de un hombre que se ocupa de una familia disfuncional y su trabajo en una fábrica, pero que tiene miedo de ser perseguido por el monstruo del Lago Ness (en sus sueños, por supuesto).

La cara B abre con Every Breath You Take, esta canción es una de los temas que combaten por ser el título con la mejor melodía de The Police, como en otras canciones de Police, la composición de Sting tiene un tono oscuro, esta vez, ahondando en la mente enferma de un hombre que acecha a un ser querido (ex esposa, ex novia, ex amante, etc.). La mayoría de la gente no entiende el tono oscuro de la canción, al pensar erróneamente que es una canción de amor que se puede tocar en las bodas, ni de coña por favor, no caigan en la trampa. Aparte de esto, EBYT viene con el famoso video de cine negro que se reprodujo mucho en MTV en su época. 

King of Pain en una canción brillante con un tono mucho más oscuro que EBYT, musicalmente hablando, ofrece un paisaje musical con muchos instrumentos diferentes involucrados, debo destacar particularmente el maravilloso solo de guitarra de Andy Summers y la batería de Stewart Copeland (también toca la marimba al comienzo de la canción). Wrapped Around Your Finger, su titulo define a la canción, al principio, no parecía ser extremadamente poderosa, luego después de varias escuchas para evaluar completamente la canción te das cuenta de que estas ante una de las mejores melodías y que Sting escribió una de las mejores letras hasta ese momento. Tea In The Sahara esta inspirada en la novela de Peter Bowles "The Sheltering Sky", la canción es una melodía atmosférica de jazz-reggae-pop con tintes norteafricanos sobre el viaje de dos hermanas al desierto del Sahara, donde podrían tomar una taza de té, divertirse y repetir la misma experiencia, todos los años, hasta el día de su muerte, debo admitir que no me gustó la primera vez que la escuché, uego, volví a escuchar la misma canción en "Bring On The Night" de Sting y volví a la versión original de Police y me fue gustando, ahora es una de mis canciones favoritas de Police. Murder By Numbers es una colaboración de Sting y Andy Summers publicada originalmente como el lado B de Every Breath You Take, interpretada como una melodía de jazz-rock, es tratada principalmente como una guía didáctica pero humorística de 3 pasos para perpetrar un asesinato: 1. ser un tipo de corazón frío, 2. dejar caer una o dos pastillas en el café de alguien, solo para evitar cualquier derramamiento de sangre, y 3. ser parte de la élite criminal. La canción enfatiza fuertemente el trabajo de guitarra de Andy Summers, combinado con la maravillosa batería de Stewart Copeland y, por supuesto, todavía tenemos la brillante voz de Sting.

 Este resultó ser el último álbum publicado por The Police, y en muchos sentidos es apropiado que así fuera. No hay duda de que los miembros de la banda divergían en sus gustos musicales, y el hecho de que no pudieran hacer nada más juntos no es una sorpresa, sin importar cuán decepcionante fuera en ese momento, como compensación tenemos este monumento que se erige como el final de su carrera, y si bien nuevamente tiene diferencias con cada uno de sus álbumes anteriores, es el que marca su grandeza para siempre.

1471 - Crucis - Los delirios del Mariscal

1471 - Crucis - Los delirios del Mariscal

"Los Delirios del Mariscal", pieza instrumental y homónima del segundo álbum de Crucis, es un verdadero hito del rock progresivo argentino. Publicada en 1976, esta obra refleja el virtuosismo y la visión artística de la banda, consolidándola como una de las propuestas más audaces y sofisticadas del rock en español.

Desde el primer acorde, la canción establece una atmósfera cautivadora. Con una duración que supera los diez minutos, "Los Delirios del Mariscal" se despliega en secciones que exploran diversas emociones y texturas sonoras, evidenciando la influencia de bandas como Yes y Emerson, Lake & Palmer, pero con un sello único que combina la tradición argentina con un enfoque universal.

La pieza inicia con un delicado trabajo en los teclados de Aníbal Kerpel, quien crea una introducción melancólica y misteriosa. A medida que avanza, la guitarra de Pino Marrone toma protagonismo con melodías que oscilan entre la introspección y la fuerza, mientras la batería de Gonzalo Farrugia y el bajo de Gustavo Montesano construyen una base rítmica compleja y cambiante. La interacción entre los instrumentos es impecable, mostrando no solo el virtuosismo individual de cada miembro, sino también una cohesión grupal excepcional.

Una de las características más destacadas de la canción es su narrativa musical. A pesar de no tener letra, "Los Delirios del Mariscal" cuenta una historia que puede interpretarse de múltiples formas. Los pasajes melódicos suaves y los estallidos de energía transmiten sensaciones de introspección, lucha y trascendencia. Es una obra que invita al oyente a un viaje emocional y mental, característica distintiva del rock progresivo de la época.

El uso de dinámicas y cambios de ritmo es magistral. La banda alterna entre momentos de calma y explosiones de intensidad, manteniendo al oyente cautivado de principio a fin. Marrone brilla con solos emotivos y técnicamente complejos, mientras Kerpel teje capas de armonía que enriquecen cada sección. Farrugia, con su precisión y energía, aporta una batería vibrante que guía los cambios de dirección, y Montesano añade profundidad con un bajo melódico y sólido.

"Los Delirios del Mariscal" no solo es una muestra del talento de Crucis, sino también una obra que trasciende su tiempo. Aunque la banda tuvo una carrera breve, canciones como esta dejaron una marca indeleble en la música argentina y latinoamericana. Es un ejemplo perfecto de cómo el arte puede trascender las barreras idiomáticas y culturales, ofreciendo una experiencia que sigue siendo relevante y emocionante casi cinco décadas después de su creación.

Daniel 

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1470.- I Wish - Stevie Wonder

"I Wish" es uno de los grandes temas del aclamado disco "Songs in the Key of Life" (1976) del músico y cantante estadounidense Stevie Wonder, y como ejemplo de su relevancia dentro de la que es probablemente su obra maestra, cabe mencionar que, de hecho, fue la canción elegida como single de lanzamiento de aquel álbum. Publicada como single a finales de 1976, y escrita y producida por el propio Stevie Wonder, alcanzó el nº1 en el Billboard Hot 100 y en la lista de sencillos de soul de Estados Unidos.

La letra de "I Wish" es un canto de añoranza de la infancia y la adolescencia, con un animado y poderoso estribillo que proclamaba a los cuatro vientos el deseo de volver a vivirlas de nuevo ("Desearía que esos días volvieran una vez más"). Solo con la energía y la positividad de la letra, y con la potente base rítmica y la calidad sonora, ya habría ingredientes suficientes para garantizar el gran éxito que tuvo la canción, pero es que además Wonder se entregó y dio el máximo a nivel vocal, logrando hacerse con el premio a la mejor interpretación vocal en la decimonovena edición de los Grammy.