Parklife - Blur (Mes Blur)

Hablar de Parklife sólo en términos de “britpop”, un término polémico e infamemente elusivo, es quedarse corto. Estamos ante un álbum pop que trasciende las restricciones de esos subgéneros mal definidos, tomemos como ejemplo los dos singles más exitosos del álbum: Girls and Boys y la canción principal Parklife están tan profundamente arraigadas en la cultura actual que es difícil dar un paso atrás y darse cuenta de lo inusuales que son en el contexto de su época. Girls and Boys es una canción indie/disco calculadamente desagradable pero irresistiblemente pegadiza de una época en la que esas cosas empezaban a pasar de moda, mientras que Parklife tiene un destacado estribillo para cantar a coro que se convirtió en un modelo tan común para los imitadores del britpop que es fácil olvidar que es un single exitoso con versos hablados (cortesía del actor Phil Daniels, que interpreta a la perfección el papel de narrador cockney que a Damon le había costado convencer). Girls and Boys y Parklife, rápidamente descartadas como tema 1 y 4 respectivamente, no eclipsan en absoluto el resto del disco. De hecho, dado que Girls and Boys suena más como una fanfarria anómala, el prólogo de los británicos en el extranjero antes de que nos estrellemos de nuevo en Londres en todo su esplendor en Technicolor, es una de las últimas canciones que se me ocurre nombrar si alguien me pregunta qué canciones hay en Parklife. El más típico Parklife es, por supuesto, uno de los primeros, pero esto tiene más que ver con el hecho de que comparte su nombre con su álbum original, el único tema principal que Blur grabó.

El otro single de Parklife, la balada romántica To the End, es un maravilloso momento de grandeza orquestal que aporta un glamour europeo al álbum. El estribillo coral, cantado en francés por la invitada Laetitia Sadier de Stereolab, recuerda al éxito de Serge Gainsborough y Jane Birkin, Je t'aime, y consolida aún más esas influencias omnipresentes de los años 60 que llegaron a caracterizar a la mayoría del britpop. Pero para mí, queda eclipsado por otras dos baladas: la fantástica Badhead una de las canciones más bonitas de Parklife que tiene que ver con el letargo que suele acompañar a una ruptura. Damon Albarn ha afirmado que la canción trataba sobre las resacas, pero creo que estaba siendo un poco descarado cuando dijo eso. El narrador compara la experiencia con una “mala cabeza por la mañana”, pero las líneas anteriores tratan sobre no mantenerse en contacto y sentir lástima por uno mismo: una resaca emocional y la adorada This is a Low, en particular, alcanzó un nivel de popularidad similar al de los singles. La penúltima canción grabada para el álbum, This is a Low, languideció durante mucho tiempo como instrumental mientras Damon luchaba por encontrarle una letra. La banda sabía que la pista musicalmente era muy buena y presionó a Damon, quien, en el último momento, recurrió a un pañuelo con las previsiones de navegación que Alex James le había comprado por Navidad. La desesperación engendró la genialidad, ya que la letra que se le ocurrió a Damon proporcionó la conclusión perfecta para Parklife, alejándose del centro de la ciudad para ofrecer una vista omnisciente y a vista de pájaro de las Islas Británicas. Es impensable que This is a Low casi nunca llegara al álbum. Aunque esas baladas son los momentos en los que Parklife se eleva más, los momentos en los que la banda se deshace en elogios son igual de importantes. Ambas se encuentran orgullosamente entre las mejores canciones que Blur haya escrito jamás, lo que da más credibilidad a mi afirmación de que la clave de la brillantez del catálogo de Blur está en las baladas. El frenesí punk de menos de dos minutos de Bank Holiday es el reflejo perfecto de la confusión frenética en la que pasan esos días libres adicionales, mientras que Jubilee presenta la pesadilla de ser un adolescente desde un punto de vista alejado y ambiguo, gritando juicios sobre vestirse incorrectamente y no hablar con las chicas como tema principal. 

Quizás la parte más subestimada de Parklife llega al principio de su segunda cara con el doble golpe del dúo New Wavey: London Loves y Trouble in the Message Centre, dos canciones fuertes que a menudo se pasan por alto únicamente por la poderosa compañía que las acompaña. London Loves, donde el poder destructivo, creativo y cinético de la gran ciudad se desarrolla en un retrato deliberadamente estereotipado de un hombre que prospera gracias a su energía. Se describe a la ciudad como una ciudad que ama el misterio de un coche que va a toda velocidad (la emoción del peligro), la forma en que la gente se desmorona (el ciclo destructivo), el misterio de un corazón acelerado (atrapado en un bucle de sensibilidad agudizada) y la forma en que simplemente no tenemos ninguna oportunidad (aquellos que se convierten en polvo por la naturaleza aleatoria del capitalismo). El ritmo es disco-sexy, pero la riqueza del arreglo viene en forma de la guitarra de Graham Coxon, con ráfagas de disonancia equilibradas por una distorsión intensa. Trouble in the Message Centre, es una especie de diálogo entre el cerebro y un siervo aparentemente sin alma, entumecido por las drogas o el letargo moderno cuyos “pensamientos simplemente se están desvaneciendo” (según el cerebro, quién debería saberlo). Aunque la letra podría haber sido más nítida y menos opaca, es uno de los dos mejores temas de rock del álbum, con Coxon, James y Dave Rowntree impulsándolos a toda potencia. Tracy Jacks es uno de esos momentos en los que te encanta o lo odias. Sin embargo, incluso ahora, todavía no estoy seguro de qué postura tomar. Quizás lo amo y lo odio. El canto de Tracy Jacks con acento cockney está demasiado acentuado en una canción que aparentemente describe una crisis de mediana edad. End Of A Century se muestra más tranquilo, es la nueva fase de la banda, el descarado encanto británico interpretado con un poco de arrepentimiento por parte de Graham Coxon y compañía. Aun así, suena bien y pegadizo. El eco de Graham Coxon en Clover Over Dover es magnifico, me encanta cuando él aporta su granito de arena a las voces. La letra es increíblemente profunda, habla de saltar por encima de los acantilados blancos de Dover y acabar con todo. La razón de esto es que la persona en cuestión está perdidamente enamorada de alguien, pero esa persona no parece darse cuenta. Es algo que creo que todos sentimos en algún momento de nuestra vida y Damon lo resume perfectamente. Es obvio que este chico está, con suerte, enamorado lo suficiente como para dejar que esta chica lo empuje (tal vez una metáfora para decir que puede tratarlo tan mal como quiera mientras esté con él). Este chico haría cualquier cosa para estar con ella y vale la pena saltar por encima incluso si tuviera un momento con ella.

Hay cosas que se podrían discutir sobre Parklife. Con la arrogancia del oyente medio que cree que podría secuenciar mejor un álbum, yo habría quitado el tema de cierre Lot 105 y habría movido el otro instrumental, The Debt Collector, a su posición culminante. Aunque muchos lamentan el hecho de que Parklife no termina con la nota dramática de This is a Low, creo que añadir una coda estaba más en consonancia con la atmósfera del álbum y te deja con una mayor impresión general de lo que acabas de experimentar. Lot 105, sin embargo, es una nota final demasiado trivial, mientras que el impresionante vals de The Debt Collector habría proporcionado una conclusión más elegante. Además, moverla erradicaría la ligera calma que surge de su emparejamiento a mitad del álbum con la curiosidad de Alex James Far Out, que parece demasiado peculiar a la vez. Existe la tentación de eliminar Far Out por completo, pero la excelente forma en que se conecta con la apertura de To the End hace que valga la pena mantenerlo. Magic America es un tema alegre que nos trae recuerdos de turistas de todo el mundo que acudían en masa a San Francisco para ver los tranvías, el puente Golden Gate (esperemos que no para suicidarse), la calle más torcida del mundo y… los centros comerciales estadounidenses. Aunque nuestros visitantes eran en su mayoría irlandeses y franceses, se comportaron más o menos como el personaje Bill Barrett de esta canción, fascinado por las maravillas materiales de Estados Unidos, la plétora de opciones televisivas (únicas en la época) y las porciones increíblemente grandes a precios sorprendentemente bajos que se servían en los patios de comidas y en las cadenas de restaurantes. Para Bill y muchos otros, Estados Unidos era un lugar mágico en el que uno podía escapar de las limitadas opciones que ofrecían los conservadores de la época.

En 1990, un Damon engreído y juvenil le había dicho a la prensa: “Cuando salga nuestro tercer álbum, nuestro lugar como la banda inglesa por excelencia de los 90 estará asegurado. Esa es una simple declaración de hechos. Tengo la intención de escribirlo en 1994”. Aunque este es el tipo de declaración arrogante y desagradable que pronto se asociaría más fácilmente con los hermanos Gallagher, la predicción de Damon se hizo realidad. El audaz salto estilístico que habían dado con Modern Life is Rubbish había dado sus frutos y, aunque el jefe de Food Records, Dave Balfe, siguió desaconsejándolo durante la grabación de Parklife, el disco se convirtió en un momento histórico de los 90. La parte complicada ahora era qué hacer a partir de ahí. Parklife de Blur, es tantas cosas, tiene tanto que dar, y realmente no es solo un asunto alegre y animado, aunque la apertura te hace pensar que este álbum se dirige en esta dirección, con todo el trabajo invertido en él, este álbum es asombrosamente fluido, un álbum para seguir y continuar... y que bien vale tu tiempo, diverso, atractivo y escalofriante y emocionante y a la deriva y... bueno, todo en uno... aunque no tan ecléctico ni tan desafiante y sorprendente como Different Class de PULP. Sin embargo, la pregunta es: ¿es mejor pop? bueno, esa es una pregunta difícil, pocos álbumes son tan logrados como Different Class. 

No hace falta decir que Parklife sigue siendo un álbum cálido y de fácil acceso, al mismo tiempo que es fácil de acceder, también es muy reflexivo y muy gratificante, rico en patetismo social y melodía bien trabajada, un lujo poco común. Sí, también tiene el entusiasmo y algo de entusiasmo excesivo, cuando lo deseas. No puedo criticar este álbum, y nadie debería hacerlo, es fácil de disfrutar y es atemporal. Parklife es un disco absolutamente bueno desde todos los ángulos o al menos desde casi todos los ángulos, es difícil hacer un álbum como Parklife. En otro orden de cosas, déjenme decirles que, si les gusta Parklife, no se pierdan el mencionado álbum Different Class de Pulp. Cuando era más joven, recordaba vagamente solo algunos sencillos de ese álbum, pero, como Parklife, es más que solo sencillos pegadizos. Simplemente desearía haberlo escuchado antes, pero bueno, eso es lo que pasa con muchos álbumes bien trabajados, no puedes entenderlo todo de una vez en un instante, de esta manera, Parklife de Blur es un poco similar a la obra maestra de PULP, denle tiempo.

 

1473.- Good Old-Fashioned Lover Boy - Queen

 

 Good Old-Fashioned Lover Boy, Queen

     A Day at the Races es el quinto álbum de estudio de la banda británica de rock Queen. Fue grabado entre el 12 de julio y el 24 de agosto, y entre el 5 de septiembre y el 19 de noviembre en The Manor Studios de Oxfordshire, Inglaterra, los Sam East Studios de Londres, Wessex Sound Studios de Londres y Advision Studios de Londres, bajo la producción del propio grupo, y publicado el 10 de diciembre de 1976 por EMI Records en Reino Unido y por Elektra Records en Estados Unidos. Fue el primer álbum completamente autoproducido de la banda, y el primero completado sin la participación del productor Roy Thomas Baker. De las tareas de ingeniería de producción sew encargó Mike Stone.Este álbum está considerado como un complemento del álbum anterior de Queen, A Night at the Opera (1975), y ambos, además, toman sus nombres de las películas de los Hermanos Marx. El álbum alcanzó la cima de las listas de éxitos en el Reino Unido, Japón y los Países Bajos. Alcanzó el número cinco en la lista Billboard Top LPs & Tape de Estados Unidos y fue el tercer álbum de Queen en conseguir el Disco de Oro en los Estados Unidos, alcanzando posteriormente el estatus de platino en el país.

El 25 de abril de 1976, la banda se instaló de nuevo en Londres después de una gira exhaustiva de cuatro etapas y seis meses de su exitoso álbum A Night At The Opera, grabado durante el verano de 1975. La banda había decidido tomarse un descanso de dos meses, y única y ocasionalmente realizaban actividades relacionadas con los negocios.  Durante junio, la banda comenzó a planear las sesiones de grabación para el álbum, visitando estudios de grabación alrededor de Londres para determinar dónde producirían el álbum. Los ensayos comenzaron el 17 de junio en Ridge Farm Studio, donde la banda había ensayado para su álbum anterior en julio de 1975. Debido a problemas con el equipo durante la primera semana, la banda contrató a Pete Cornish el 25 de junio para ayudar en el mantenimiento del equipo. Cornish y la banda habían tenido una participación previa, ya que su compañía había ayudado a reparar y construir nuevos equipos para la banda en enero de 1972. La grabación del álbum se completaría durante los meses siguientes entre varios estudios de Londres.

Incluido en este álbum se encuentra Good Old-Fashioned Lover Boy, escrita por Mercury. Comienza con una introducción de piano y voz de Mercury, y el bajo y la batería se unen al comienzo del coro. Parte del puente de la canción es cantada por Mike Stone (los versos: "Hey chico, ¿de dónde lo sacaste? Oye, chico, ¿a dónde fuiste?"). La grabación se ve reforzada por las voces multipista, así como por los coros de guitarras de May. La canción fue interpretada en vivo en el famosos programa Top of the Pops en junio de 1977, con Taylor cantando la parte de Stone. La mayor parte de la canción fue un elemento básico de los conciertos de la banda en las giras A Day at the Races Tour y News of the World Tour. Fue una de varias canciones inspiradas en el "music hall" británico que la banda compuso y llegó a alcanzar el puesto número 17 en la lista de singles del Reino Unido. La canción describe cómo "un buen chico amante a la antigua" espera con ansias una noche de juerga y romance. En una entrevista dirigida por Kenny Everett en su programa de radio, Freddie Mercury afirmó sobre la canción lo siguiente: "Es en mi estado de ánimo de 'ragtime' (estilo musical popularizado en Estados Unidos en el siglo XIX) que tengo la oportunidad de hacer en cada álbum y esto es algo que se me ha ocurrido esta vez". En otra publicación, Mercury, reafirmaba su deseo de hacer más canciones estilo 'Vodevil' en el futuro. 

1472.- Life In The Fast Line - Eagles

 

Life In The Fast Lane

     El 8 de diciembre salía al mercado uno de los álbumes más exitosos de la hsitoria del rock, Hotel California, el quinto disco de estudio de la banda estadounidense The Eagles. Fue grabado entre marzo y octubre de 1976 en los Criteria Studios de Miami y en los Record Plant Studios de Los Angeles bajo la producción de Bill Szymczyk, y publicado bajo el sello discográfico Asylum Records. Sue el primer álbum de la banda con el guitarrista Joe Walsh , quien había reemplazado al miembro fundador Bernie Leadon, y el último en contar con el bajista fundador Randy Meisner. La mítica portada del álbum presenta una fotografía del Beverly Hills Hotel , tomada por David Alexander. El álbum fue un éxito comercial y crítico inmediato, encabezando la lista Billboard 200 de Estados Unidos . En la 20.ª edición de los premios Grammy , la canción principal, Hotel California, ganó el premio a la grabación del año y New Kid in Town  ganó el premio al mejor arreglo para voces . El álbum también fue nominado a Álbum del año , pero perdió ante Rumours (1977) de Fleetwood Mac . Se lanzaron tres sencillos del álbum, Hotel California, New Kid in Town y Life in the Fast Lane.

Hotel California es uno de los álbumes más vendidos de todos los tiempos . Ha sido certificado 26 veces Platino por la Recording Industry Association of America (RIAA) en los EE. UU. y ha vendido más de 32 millones de unidades en todo el mundo, lo que lo convierte en el segundo álbum más vendido de del recopilatorio Their Greatest Hits (1971–1975) (1976). Ha sido clasificado por varias publicaciones como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos.

Incluido en este álbum se encuentra Life in the Fast Lane, escrita por Joe Walsh , Glenn Frey y Don Henley. Fue el tercer sencillo lanzado de este álbum y alcanzó el puesto número 11 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos. La canción cuenta la historia de una pareja que lleva su estilo de vida excesivo al límite. En "In the Studio with Redbeard", Glenn Frey reveló que el título se le ocurrió un día cuando iba en la autopista con un traficante de drogas conocido como "El Conde".  Frey le pidió al traficante que fuera más despacio y la respuesta fue: "¿Qué quieres decir? ¡Es la vida en el carril rápido!". En esa misma entrevista, Frey indicó que el riff central de la canción fue tocado por Walsh mientras la banda estaba calentando en los ensayos y le dijeron a Walsh que "se quedara con eso; es una canción". Don Henley recordó que la "canción en realidad surgió del riff de guitarra inicial. Un día, en el ensayo, Walsh simplemente soltó ese riff loco y dije '¿Qué diablos es eso? Tenemos que encontrar la manera de hacer una canción a partir de eso". Henley y Frey, los principales letristas de la banda, escribieron luego la letra de la canción. 

Disco de la semana 412: Synchronicity - The Police

La gran máquina de The Police se estaba deteniendo de forma paulatina, sin excesivo ruido y, sin embargo, triunfante. Synchronicity es un tentador último vals, justo en el borde de donde esta banda probablemente hubiera empezado a apestar, todos y cada uno de los problemas a los que estaban sometidos están aquí, pero en su mayoría flotan en los bordes en lugar de afectar al disco en sí. Lo que significa que, en lugar de dañarlo, nos deja con una sensación de satisfacción de "Sí, aquí es exactamente donde deberían haber parado" aunque en realidad la banda continuó existiendo hasta al menos 1986, pero solo de nombre. Los propios miembros definitivamente se dieron cuenta de que se había llegado a una especie de límite, y su paciencia entre ellos se estaba agotando. Sin embargo, su canto de cisne, Synchronicity sigue siendo un álbum un tanto extraño como dije, y no quedo completamente libre de enfrentarse a límites y tensiones. Está el sonido, ese es el cambio más grande, al escucharlo uno tiene la sensación de que Sting estaba ansioso por comenzar su carrera en solitario y encantar a las amas de casa de mediana edad con jazz falso y música del mundo. Si lees las entrevistas con Andy y Stewart, te darás cuenta de que, a pesar de su brillante estilo y composición, Sting, al igual que McCartney, tenía la ventaja de contar con habilidades de composicion extras. Copeland y Summers básicamente tuvieron que luchar contra Sting para evitar que su lado adulto contemporáneo, aparentemente natural, se apoderara de la banda, y se aseguraron de que la banda siguiera existiendo.

Para su último álbum, The Police se adentra cada vez más en la experimentación, al mismo tiempo que consolida su estatus como banda pop, el álbum, a pesar de algunos excesos, termina siendo una obra maestra casi perfecta. Lo asombroso de Synchronicity es su visión holística de la banda, nunca han sonado tan seguros y atrevidos. Desde sus inicios, The Police ha crecido mucho. En Outlandos d'Amour, eran jóvenes punks listos para cambiar el mundo, aquí, son un trío maduro y talentoso que ya ha cambiado el mundo y lo miran desde dentro y desde fuera; pasado, presente y futuro. Nunca los tres músicos han sonado tan bien en lo que hacen, tanto de forma independiente como en conjunto. Sting cantando todo tipo de música, su rango vocal es increíble, gritos alimentados por la urgencia hasta pop, cantos jazzeros y actuaciones en solitario. Andy Summers es perfecto, ss capaz de crear riffs crujientes, crear paisajes sonoros de fondo y también tocar solos de guitarra fantásticos como en Miss Gradenko. Stewart Copeland está en su mejor forma, quizás incluso mejor que en Zenyatta mondatta, mantiene el ritmo, mostrando que es un baterista fantástico, siempre haciendo que su bateria hable y las canciones se muevan, vibren o exploten.

El álbum comienza con Synchronicity I, una canción basada en el libro homónimo de Carl Jung que analiza los conceptos de "principio de conexión" y "spiritus mundi". Sting usa este libro como inspiración para esta canción y la mayor parte del álbum. El uso intensivo del teclado Fairlight más la fuerte batería de Stewart Copeland y los magníficos riffs de guitarra de Andy Summers le dan el toque de calidad extra a la canción, en Walking In Your Footsteps Sting canta sobre los dinosaurios como la especie dominante, que eventualmente sería reemplazada por la raza humana, ya que ellos (los dinosaurios) se extinguirían. Nuevamente, la canción presenta un uso intensivo de teclados Fairlight, con Stewart Copeland tocando algo de percusión auxiliar, el trabajo de guitarra de Andy Summers está algo atenuado por lo que parece ser un tambor tribal africano. Sting reutiliza la línea "dicen que los mansos heredarán la tierra" tomada de "Visions of The Night", originalmente grabada por un proyecto anterior a Police llamado Strontium 90. O My God habla sobre la relación entre Dios y la raza humana. Una vez más, Sting recicló algunas de las líneas de una canción de Strontium 90 llamada "3-O`Clock Shot" (Everyone I know is alone/And God is so far away/My heart belongs to no one/So now sometimes I pray/Take the space between us/And fill it up some way) y de "Every Little Thing She Does Is Magic" (la línea de los cien días lluviosos que todo fan de Police se sabe de memoria) que aparece al final de la melodía. La canción contiene una melodía de jazz/pop/rock, donde se utiliza mucho el saxofón, e incluye una batería boombástica de Stewart Copeland y un trabajo de guitarra aceptable de Andy Summers. 

Mother a diferencia de las tres pistas anteriores parece ser la más débil, tanto lírica como musicalmente hablando. La melodía, escrita, compuesta y cantada por Andy Summers, trata sobre un hombre que ve a su madre reflejada en cada mujer que conoce (¿Edipo Rey?). Inconexa en muchos sentidos (incluida la voz de Andy), Mother es fácilmente la peor canción de The Police que han hecho (honestamente, nunca pensé que The Police pudiera hacer una mala melodía en este punto de su carrera, pero finalmente lo hicieron. Miss Gradenko esta escrita íntegramente por Stewart Copeland y cantada en parte por Sting y el propio Copeland, Miss Gradenko es una reflexión sobre los espías de la Unión Soviética que se sentían asustados e inseguros de abandonar ese país entonces comunista. En mi humilde opinión, suena un poco mejor que Mother, tanto musical como líricamente hablando, pero aun así, está por detrás de las tres primeras pistas. Synchronicity II es una de las mejores canciones que The Police ha hecho, ademas viene acompañada de un maravilloso vídeo que tuvo una gran repercusion en MTV. Temáticamente hablando, no tiene conexión con Synchronicity I, en esta ocasión la cancion trata de un hombre que se ocupa de una familia disfuncional y su trabajo en una fábrica, pero que tiene miedo de ser perseguido por el monstruo del Lago Ness (en sus sueños, por supuesto).

La cara B abre con Every Breath You Take, esta canción es una de los temas que combaten por ser el título con la mejor melodía de The Police, como en otras canciones de Police, la composición de Sting tiene un tono oscuro, esta vez, ahondando en la mente enferma de un hombre que acecha a un ser querido (ex esposa, ex novia, ex amante, etc.). La mayoría de la gente no entiende el tono oscuro de la canción, al pensar erróneamente que es una canción de amor que se puede tocar en las bodas, ni de coña por favor, no caigan en la trampa. Aparte de esto, EBYT viene con el famoso video de cine negro que se reprodujo mucho en MTV en su época. 

King of Pain en una canción brillante con un tono mucho más oscuro que EBYT, musicalmente hablando, ofrece un paisaje musical con muchos instrumentos diferentes involucrados, debo destacar particularmente el maravilloso solo de guitarra de Andy Summers y la batería de Stewart Copeland (también toca la marimba al comienzo de la canción). Wrapped Around Your Finger, su titulo define a la canción, al principio, no parecía ser extremadamente poderosa, luego después de varias escuchas para evaluar completamente la canción te das cuenta de que estas ante una de las mejores melodías y que Sting escribió una de las mejores letras hasta ese momento. Tea In The Sahara esta inspirada en la novela de Peter Bowles "The Sheltering Sky", la canción es una melodía atmosférica de jazz-reggae-pop con tintes norteafricanos sobre el viaje de dos hermanas al desierto del Sahara, donde podrían tomar una taza de té, divertirse y repetir la misma experiencia, todos los años, hasta el día de su muerte, debo admitir que no me gustó la primera vez que la escuché, uego, volví a escuchar la misma canción en "Bring On The Night" de Sting y volví a la versión original de Police y me fue gustando, ahora es una de mis canciones favoritas de Police. Murder By Numbers es una colaboración de Sting y Andy Summers publicada originalmente como el lado B de Every Breath You Take, interpretada como una melodía de jazz-rock, es tratada principalmente como una guía didáctica pero humorística de 3 pasos para perpetrar un asesinato: 1. ser un tipo de corazón frío, 2. dejar caer una o dos pastillas en el café de alguien, solo para evitar cualquier derramamiento de sangre, y 3. ser parte de la élite criminal. La canción enfatiza fuertemente el trabajo de guitarra de Andy Summers, combinado con la maravillosa batería de Stewart Copeland y, por supuesto, todavía tenemos la brillante voz de Sting.

 Este resultó ser el último álbum publicado por The Police, y en muchos sentidos es apropiado que así fuera. No hay duda de que los miembros de la banda divergían en sus gustos musicales, y el hecho de que no pudieran hacer nada más juntos no es una sorpresa, sin importar cuán decepcionante fuera en ese momento, como compensación tenemos este monumento que se erige como el final de su carrera, y si bien nuevamente tiene diferencias con cada uno de sus álbumes anteriores, es el que marca su grandeza para siempre.

1471 - Crucis - Los delirios del Mariscal

1471 - Crucis - Los delirios del Mariscal

"Los Delirios del Mariscal", pieza instrumental y homónima del segundo álbum de Crucis, es un verdadero hito del rock progresivo argentino. Publicada en 1976, esta obra refleja el virtuosismo y la visión artística de la banda, consolidándola como una de las propuestas más audaces y sofisticadas del rock en español.

Desde el primer acorde, la canción establece una atmósfera cautivadora. Con una duración que supera los diez minutos, "Los Delirios del Mariscal" se despliega en secciones que exploran diversas emociones y texturas sonoras, evidenciando la influencia de bandas como Yes y Emerson, Lake & Palmer, pero con un sello único que combina la tradición argentina con un enfoque universal.

La pieza inicia con un delicado trabajo en los teclados de Aníbal Kerpel, quien crea una introducción melancólica y misteriosa. A medida que avanza, la guitarra de Pino Marrone toma protagonismo con melodías que oscilan entre la introspección y la fuerza, mientras la batería de Gonzalo Farrugia y el bajo de Gustavo Montesano construyen una base rítmica compleja y cambiante. La interacción entre los instrumentos es impecable, mostrando no solo el virtuosismo individual de cada miembro, sino también una cohesión grupal excepcional.

Una de las características más destacadas de la canción es su narrativa musical. A pesar de no tener letra, "Los Delirios del Mariscal" cuenta una historia que puede interpretarse de múltiples formas. Los pasajes melódicos suaves y los estallidos de energía transmiten sensaciones de introspección, lucha y trascendencia. Es una obra que invita al oyente a un viaje emocional y mental, característica distintiva del rock progresivo de la época.

El uso de dinámicas y cambios de ritmo es magistral. La banda alterna entre momentos de calma y explosiones de intensidad, manteniendo al oyente cautivado de principio a fin. Marrone brilla con solos emotivos y técnicamente complejos, mientras Kerpel teje capas de armonía que enriquecen cada sección. Farrugia, con su precisión y energía, aporta una batería vibrante que guía los cambios de dirección, y Montesano añade profundidad con un bajo melódico y sólido.

"Los Delirios del Mariscal" no solo es una muestra del talento de Crucis, sino también una obra que trasciende su tiempo. Aunque la banda tuvo una carrera breve, canciones como esta dejaron una marca indeleble en la música argentina y latinoamericana. Es un ejemplo perfecto de cómo el arte puede trascender las barreras idiomáticas y culturales, ofreciendo una experiencia que sigue siendo relevante y emocionante casi cinco décadas después de su creación.

Daniel 

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1470.- I Wish - Stevie Wonder

"I Wish" es uno de los grandes temas del aclamado disco "Songs in the Key of Life" (1976) del músico y cantante estadounidense Stevie Wonder, y como ejemplo de su relevancia dentro de la que es probablemente su obra maestra, cabe mencionar que, de hecho, fue la canción elegida como single de lanzamiento de aquel álbum. Publicada como single a finales de 1976, y escrita y producida por el propio Stevie Wonder, alcanzó el nº1 en el Billboard Hot 100 y en la lista de sencillos de soul de Estados Unidos.

La letra de "I Wish" es un canto de añoranza de la infancia y la adolescencia, con un animado y poderoso estribillo que proclamaba a los cuatro vientos el deseo de volver a vivirlas de nuevo ("Desearía que esos días volvieran una vez más"). Solo con la energía y la positividad de la letra, y con la potente base rítmica y la calidad sonora, ya habría ingredientes suficientes para garantizar el gran éxito que tuvo la canción, pero es que además Wonder se entregó y dio el máximo a nivel vocal, logrando hacerse con el premio a la mejor interpretación vocal en la decimonovena edición de los Grammy. 

Modern Life Is Rubbish - Blur (Mes Blur)

 

Modern Life Is Rubbish, Blur

      Todavía andaba enfrascado dentro de la maquinaria de las grandes ligas del britpop Blur cuando publicó Modern Life is Rubbish, su segundo álbum de estudio. Dicho trabajo fue grabado entre octubre de 1991 y marzo de 1993, bajo la producción del propio grupo, y de John Smith, Steve Lovell y Stephen Street, y publicado el 10 de mayo de 1993 bajo el sello discográfico Food Records en Reino Unido, y de SBK Records en Estados Unidos. . Aunque su álbum debut Leisure (1991) había sido un éxito comercial, Blur produjo una severa reacción de los medios poco después de su lanzamiento y cayó en desgracia del público. Después de que el grupo regresara de una gira infructuosa por los Estados Unidos, las actuaciones en vivo mal recibidas y la creciente popularidad de la banda rival Suede disminuyeron aún más el estatus del grupo en el Reino Unido.

El álbum debut de Blur, Leisure (1991), fue un disco que llegó al Top 10 del Reino Unido, Sin embargo, el efecto del álbum pronto comenzó a desvanecerse, y el grupo fue rápidamente expuesto como falsos saltadores de tendencias, recibiendo la ira y la reacción violenta de las escena musical de Manchester. Además, tras la pérdida del favor del público, el grupo descubrió que tenía una deuda de 60.000 libras, principalmente debido a la mala gestión. Blur contrató a un nuevo manager, Chris Morrison, y para recuperar las pérdidas, su sello discográfico Food los envió a los Estados Unidos como parte de la gira Rollercoaster.  Para coincidir con el inicio de la gira, el grupo lanzó el sencillo Popscene. El nuevo lanzamiento mostró un cambio significativo en la dirección musical, ya que Blur cambió su sonido derivado del género shoegaze (subgénero de indie y rock alternativo caracterizado por su mezcla etérea de voces oscurecidas, distorsión de guitarra y efectos, retroalimentación y volumen abrumador) por uno influenciado por el pop de guitarra británico de los años 60. Sin embargo, el sencillo no logró entrar en el top 30 del Reino Unido, lo que disminuyó aún más el perfil del grupo en las islas británicas. 

Por si esto no fuera poco, la gira de 44 fechas por los Estados Unidos fue un completo desastre. Consternado por la fascinación del público estadounidense con el grunge y la respuesta mediocre a su música, el grupo bebía con frecuencia y los miembros a menudo se peleaban a puñetazos entre ellos. Empezó a surgir la nostalgia, así por ejemplo, el líder Damon Albarn,  comenzó a extrañar cosas realmente simples sobre su Inglaterra, y escuchó una cinta del grupo pop inglés The Kinks durante la gira. Más tarde declaró que el único recuerdo agradable que tenía de la gira fue el tiempo que pasó escuchando el sencillo de 1967 de los Kinks  "Waterloo Sunset".  A su regreso a Inglaterra, el grupo descubrió que la atención de la prensa musical se había desplazado hacia Suede. Esto disgusto mucho al grupo, pues consideraba que cada disco que Suede vendía era una "afrenta a la decencia humana". Después de muchos shows en vivo dando una imagen poco más que pobre, ya que los miembros de Blur a menudo actuaban borrachos (en particular uno en un concierto de 1992 que incluyó una actuación bien recibida de Suede en el mismo cartel), no era de extrañar que el sello discográfico Food Records se planteara la posibilidad de prescindir de ellos.

Ante la amenaza de ser despedidos por Food Records, para su siguiente álbum Blur se sometió a un cambio de imagen impulsado por el líder Damon Albarn. La banda incorporó influencias de grupos tradicionales de pop de guitarra británicos como The Kinks y Small Faces, y el sonido resultante fue melódico y producido de manera exuberante, con instrumentos de viento, de madera y coros. Las letras de Albarn en Modern Life Is Rubbish utilizan un hilarante humor para investigar los sueños, las tradiciones y los prejuicios de la Inglaterra suburbana. Damon Albarn, en una entrevista con Mojo en 2000 , dijo que "Suede y América alimentaron mi deseo de demostrarle a todos que Blur valía la pena... No había nada más importante en mi vida". Sintió que la popularidad que la música grunge estadounidense disfrutaba en Gran Bretaña en ese momento pronto se desvanecería, y argumentó que Blur encarnaría un renacimiento del pop británico clásico en su próximo álbum. El dueño de Food Records, David Balfe , no estaba tan de acuerdo y discutió con Albarn sobre el cambio propuesto en la imagen de Blur. Al final Balfe, todavía escéptico, acabó cediendo, y Food le dio cautelosamente el visto bueno a Blur para trabajar en su segundo álbum con un productor elegido por Albarn, el líder de XTC, Andy Partridge. Partridge dijo que no estaba satisfecho con las canciones, pero que aceptó porque Blur le  gustaba musicalmente, además de "por las razones equivocadas, los halagos y el dinero". 

Blur comenzó a trabajar en el álbum con Partridge en The Church, el estudio situado en Crouch End propiedad de David A. Stewart. Sin embargo, las sesiones terminaron prematuramente. El bajista Alex James describió las sesiones como un "desastre"; agregando además que "mientras se juntaba todo, todas eran buenas partes, pero simplemente no era ... sexy". Partridge recordaba: "Me sentí bastante paternal y creo que hice un trabajo excelente. Hicieron que Dave Balfe escuchara algunas mezclas y él se movía por ahí diciendo, 'Esto es fantástico, tú eres George Martin y ellos son The Beatles'. Al día siguiente decía, 'Francamente, Andy, esto es una mierda'". La banda grabó con éxito cuatro canciones, pero se mostraron cautelosos sobre trabajar en las mismas condiciones nuevamente. Las pistas producidas por Partridge fueron abandonadas; tres de ellas se incluyeron más tarde en el box set de 2012 Blur 21.

El trabajo en el álbum se reanudó debido a un encuentro casual con el productor Stephen Street, quien había trabajado previamente con la banda en su sencillo de 1991 "There's No Other Way". Con Street ahora produciendo el álbum, Blur grabó una mezcla de material que abarcaba tanto el período inmediatamente posterior al lanzamiento de Leisure como su gira de 1992. Si bien los miembros de la banda estaban satisfechos con los resultados de la sesión de grabación, el jefazo de Food  Records, Balfe, después de escuchar las canciones, le dijo a la banda que estaban cometiendo un suicidio artístico. Aunque abatido por su respuesta, Blur le dio a Food el álbum completo en diciembre de 1992. El sello rechazó el álbum y le dio instrucciones a la banda para grabar más sencillos potenciales. Albarn cumplió, y el día de Navidad escribió la canción "For Tomorrow".  Aunque esta canción calmó las preocupaciones de Food, el sello estadounidense de Blur, SBK Records, el otro sello discográfico con intereses en el otro lado del charco, expresó su descontento al escuchar las cintas terminadas del álbum. Para apaciguar a SBK, la banda grabó "Chemical World", pensando que aplacaría al sello discográfico y aumentaría el atractivo estadounidense del disco. Sin embargo, SBK  instó al grupo a volver a grabar el álbum con el productor estadounidense Butch Vig, quien era popular en aquel momento por su trabajo con Nirvana. Lógicamente Albarn y compañía se negaron. En este difícil contexto nació Modern Life Is Rubbish, obteniendo un moderado éxito en las listas de éxitos del Reino Unido; el álbum alcanzó el puesto número 15, mientras que los sencillos extraídos del álbum se posicionaron en el Top 30. El álbum rejuveneció la suerte del grupo después de su caída posterior a Leisure. Modern Life Is Rubbish acabó siendo considerado como uno de los lanzamientos que definen la escena del britpop, y sus siguientes álbumes que encabezaron las listas de éxitos, Parklife y The Great Escape, vieron a Blur emerger como uno de los principales grupos de la escena britpop de Gran Bretaña.

El título del álbum deriva de un grafiti pintado con plantilla a lo largo de Bayswater Road en Londres, creado por un grupo anarquista. Para Albarn, la frase reflejaba la "basura" del pasado que se acumulaba con el tiempo, sofocando la creatividad. Albarn pensaba que era "el comentario más significativo sobre la cultura popular desde ' Anarchy in the UK '". Debido a la difícil relación de Blur con Estados Unidos en ese momento, el título provisional del álbum fue Britain Versus America. La pintura de la locomotora de vapor Mallard en la portada del álbum era una imagen de archivo que se obtuvo de una biblioteca de fotos en Halifax. La pintura "evocaba la sensación de la Gran Bretaña de antes de la guerra de un colegial de Just William ". Dentro del embalaje del álbum había un óleo sobre lienzo de la banda vestidos como skinheads en un tren subterráneo. Las hojas de letras del álbum también presentaban las progresiones de acordes de las canciones, escritas a mano por el guitarrista Graham Coxon. Mientras que Albarn explicaba que era un intento de hacer saber a la gente que, por anticuado que parezca, escribimos canciones",  la revista Total Guitar creía que era por otro motivo, la inclusión de los acordes eran debidos al "entusiasmo de Coxon por desmitificar la forma de tocar la guitarra".

El álbum era una respuesta al predominio del grunge en el Reino Unido y a su propio perfil decreciente en su tierra natal, y también una respuesta a la repentina popularidad de Suede. Blur se reinventó con este segundo álbum, Modern Life Is Rubbish, abandonando las influencias shoegazing y baggy (género de baile alternativo británico popular a finales de la década de 1980 y principios de la de 1990 y generalmente asociado con la escena del norte del Reino Unido. En este estilo, las bandas de rock alternativo se inspiran en la psicodelia y en la música de baile) que dominaron Leisure, y apostando por un pop más tradicional. A primera vista, este disco puede parecer un homenaje a los Kinks, David Bowie , los Beatles y Syd Barrett, pero no es una reafirmación, es una revitalización. Blur utiliza el pop de guitarra británico desde los Beatles hasta My Bloody Valentine como base, tejiendo historias de desesperación contemporánea. La guitarra de Graham Coxon abre cada canción, ya sea con líneas melódicas impredecibles o con capas de efectos translúcidos e hipnóticos, proporcionando a Albarn un fondo vibrante para sus sátiras sociales y sus comentarios mordaces. 

Casi todas las canciones están cuidadosamente construidas, comenzando por For tomorrow, una oda a Londres y la vida cotidiana. Esta canción surgió en respuesta a la presión del sello para tener un sencillo exitoso. Destaca por su ambiente melancólico y su referencia al Primrose Hill, un parque icónico en la capital británica. Continúa con Advert, que habla sobre el consumismo desenfrenado y la influencia de la publicidad en la sociedad moderna. Musicalmente, tiene un ritmo frenético que refuerza su mensaje satírico. Colin Zeal es un retrato de un hombre promedio obsesionado con la conformidad y la autoimagen. La canción mezcla ironía con un ritmo pesado y repetitivo. Turno para Preassure on Julian, tema más experimental que combina guitarras distorsionadas y letras crípticas. Se cree que hace referencia a Julian Cope, una figura excéntrica en la escena musical británica. Star Shaped es toda una crítica a la rutina laboral y a la falta de autenticidad en las ambiciones modernas. Musicalmente, es alegre, pero las letras tienen un tono sarcástico. Blue Jeans es una de las canciones más suaves del álbum, con un aire nostálgico. Trata sobre la simplicidad de los momentos cotidianos y la alienación. Cierra la cara A Chemical World, que habla sobre la monotonía y los problemas sociales en la Inglaterra de clase media. Tiene una melodía pegadiza y un tono un tanto sombrío.

Turno para la cara B, que abre con Sunday Sunday, con una mirada satírica a las tradiciones británicas de los domingos, como los asados familiares y las caminatas por el parque. Es una de las canciones más enérgicas del álbum. pasamos a la oscura y atmosférica Oily Water, que aborda temas como la contaminación y la deshumanización. Tiene un sonido más cercano al grunge, y nos recuerda algo a su álbum anterior. Miss America, canción lenta y minimalista que mezcla melancolía con observaciones sobre la cultura estadounidense. Villa Rosie trata sobre una experiencia en un club nocturno. Su sonido es alegre, pero hay un trasfondo de caos en las letras. Coping nos invita a lidiar con la presión y la ansiedad. Es una de las canciones más directas y optimistas del álbum. Turn It Up, con una energía despreocupada, es una de las canciones menos complejas del álbum. Habla de la necesidad de escapar de los problemas cotidianos. Resigned, la canción que cierra el álbum, retoma la nostalgia y la oscuridad para actuar como gran cierre del disco, aunque aún haya espacio para la anecdótica Commercial Break, tan breve como peculiar, y que sirve como comentario final sobre el consumismo y la superficialidad de la vida moderna, que hacen de ella una auténtica basura, tal y como reflejaba la popular pintada con la que empezó el concepto de todo el disco. 

1469.- Sir Duke - Stevie Wonder

"Sir Duke", compuesta e interpretada por Stevie Wonder para su álbum "Songs in the Key of Life" (1976), fue lanzada como single promocional del disco ya entrado el año 1977, y consiguió llegar al nº1 tanto del Billboard Hot 100 como de la lista paralela de singles de música negra en Estados Unidos. Su éxito no fue menor en Reino Unido, donde alcanzó la segunda posición de las listas de ventas, en un mercado en el que, hasta entonces, nunca había llegado a unos registros tan altos con ninguna otra canción en ese momento.

La letra de "Sir Duke" es principalmente un homenaje a la leyenda del jazz Duke Ellington, compositor, director de orquesta y pianista fallecido tan solo dos años antes, en 1974, al que Wonder quería honrar y agradecer la enorme influencia que había tenido en su música, aunque a lo largo de la canción aparecen también referencias a otros grandes músicos de jazz como Count Basie, Glenn Miller, Louis Armstrong o Ella Fitzgerald, a los que también quiso mencionar y mostrar agradecimiento.

Pese a ser un tributo al jazz y a sus intérpretes más reconocidos, la música de "Sir Duke" tiene un ritmo a medio camino entre el jazz y el funk, y el funk, con la impactante voz de Wonder magistralmente secundada por una impresionante sección de vientos. Es, sin duda, uno de los grandes temas de "Songs in the key of life", pero además es uno de los temas más legendarios de la carrera de "Sir Wonder", un artista que llegó por méritos propios a sentarse a la mesa de los músicos a los que tanto admiraba. 

1468 - Eagles - Hotel California

1468 - Eagles - Hotel California

Lanzada en 1976, "Hotel California" es probablemente la canción más icónica de la banda estadounidense Eagles. Esta obra maestra del rock clásico se convirtió rápidamente en un himno cultural, destacando tanto por su sofisticación musical como por sus letras enigmáticas. Incluida en el álbum homónimo, la canción ha resistido la prueba del tiempo, siendo tan relevante y cautivadora hoy como lo fue hace casi cinco décadas.

Desde el primer acorde de guitarra acústica, "Hotel California" transporta al oyente a un mundo cargado de misterio y simbolismo. La estructura musical de la canción, con su mezcla de rock, country y un toque de influencias flamencas, es un ejemplo brillante de la capacidad de los Eagles para trascender géneros. El solo de guitarra al final, interpretado por Don Felder y Joe Walsh, es considerado uno de los mejores en la historia del rock, con un fraseo melódico y una intensidad emocional que elevan la canción a un nivel épico.

La letra, escrita por Don Henley y Glenn Frey, ha sido objeto de innumerables interpretaciones. Narra la historia de un viajero que llega a un hotel aparentemente lujoso pero inquietante, donde "puedes registrarte cuando quieras, pero nunca puedes salir". Más allá de lo literal, muchos ven en esta metáfora una crítica al estilo de vida hedonista de California en la década de 1970, con alusiones al exceso, la adicción y la pérdida de identidad. La frase "This could be Heaven or this could be Hell" encapsula el contraste entre las promesas de glamour y las sombras que acechan detrás del brillo.

La interpretación vocal de Don Henley es impecable, transmitiendo un tono melancólico que refuerza la atmósfera de intriga. Combinada con los arreglos instrumentales minuciosamente elaborados, la canción tiene un magnetismo hipnótico que atrapa al oyente desde el principio hasta el final.

"Hotel California" no solo consolidó a Eagles como una de las bandas más influyentes de su tiempo, sino que también dejó un legado cultural que sigue inspirando a músicos y cautivando a nuevas generaciones. Su capacidad para abordar temas profundos y ambiguos, junto con su virtuosismo musical, la convierten en mucho más que una simple canción: es una obra de arte que invita a reflexionar sobre la naturaleza de los sueños y las trampas que pueden esconderse detrás de ellos.

"Hotel California" es una experiencia sonora y lírica inolvidable, una de esas raras composiciones que no solo se escuchan, sino que se sienten.

Daniel 

Instagram storyboy 

1467.- Isn't She Lovely - Stevie Wonder

 

Isn't She Lovely, Stevie Wonder 

     Songs in the Key of Life es el decimoctavo álbum de estudio del cantante, compositor y músico estadounidense Stevie Wonder .Fue lanzado como un álbum doble el 28 de septiembre de 1976 por Tamla Records , sello discográfico subsidiario de Motown Records . Fue grabado principalmente en el estudio Crystal Sound en Hollywood , con algunas sesiones grabadas en los Record Plant Studios de Hollywood, los Record Plant de Sausalito y los The Hit Factory de Nueva York; la mezcla final se realizó en Crystal Sound. El álbum ha sido considerado por los periodistas musicales como la culminación del "período clásico" de Stevie Wonder.

En 1974, Wonder era una de las figuras más exitosas de la música; sus álbumes anteriores Music of My Mind (1972), Talking Book (1972), Innervisions (1973) y Fulfillingness' First Finale (1974) fueron éxitos de crítica consecutivos. Sin embargo, en marzo de 1975, Wonder consideró seriamente abandonar la industria musical y emigrar al país africano Ghana para ayudar a niños con discapacidades. Cuando los planes para un concierto de despedida ya habían comenzado, Wonder cambió de opinión y firmó un nuevo contrato con Motown Records el 5 de agosto de 1975. Este esbozaba un acuerdo de siete años y siete álbumes, con control artístico completo. En ese momento, fue el acuerdo de grabación más grande de la historia.

Songs in the Key of Life fue lanzado como un LP doble con un EP extra de cuatro canciones. Debutó en el número uno en la lista Billboard 200, convirtiéndose en el tercer álbum en lograr esa hazaña, y el primero de un artista estadounidense. El álbum pasó trece semanas consecutivas en el número uno en el Billboard 200, convirtiéndose en el álbum con más semanas en el número uno durante el año, y fue el segundo álbum más vendido de 1977 en los EE. UU.

Incluido en este ĺbum se encuentra el tema Isn't She Lovely. Wonder escribió esto para celebrar el nacimiento de su hija, Aisha. 

La canción comienza con el llanto de un bebé recién nacido. Ese no es el tema de la canción, Aisha, pero al final de la canción, cuando Stevie dice: "Vamos, Aisha. Sal del agua, nena", el chapoteo y las protestas (familiares para muchos padres a la hora del baño) son en realidad de ella, grabados durante un momento memorable entre Stevie y su hija. Wonder tenía a Aisha con Yolanda Simmons, a quien menciona cerca del final de la canción. El músico tocó todos los instrumentos en esta canción, excepto algunos de los teclados, que fueron realizados por Greg Phillinganes. La canción dura 6:34 minutos con un fundido largo en el que Wonder interactúa con su hija. Gracias a un contrato que le permitía tener el control total de su música, firmado con Motown Records, pudo hacer que la canción se editara y se lanzara como sencillo en Estados Unidos, aunque no llegó a colarse en el Billboard Hot 100 de las listas de ventas a pesar de ser una de sus canciones más populares. La canción fue lanzada como sencillo en el Reino Unido, donde se redujo a 3:26.