Disco de la semana 403 - Álbum Obsesionario de Tan Biónica

Disco de la semana 403 - Álbum Obsesionario de Tan Biónica

Recientemente, la banda argentina Tan Biónica pasó por Madrid y ofreció un show memorable en la Sala La Riviera. Y fui al concierto gracias a una amiga fan de la banda, quien me convenció de acompañarla, y la experiencia valió la pena. En honor a su entusiasmo, esta semana quiero invitar a todos a escuchar el álbum Obsesionario de la banda Tan Biónica.

Obsesionario, el segundo álbum de estudio de Tan Biónica, es una pieza esencial del pop-rock argentino lanzada en 2010. La banda, liderada por el carismático Chano Moreno Charpentier, logró captar con este álbum una serie de emociones universales y urbanas, combinando letras profundas con sonidos pegajosos y arreglos innovadores. Obsesionario contiene 12 temas que exploran desde la nostalgia y el desamor hasta la esperanza y el optimismo, consolidando a Tan Biónica como uno de los referentes del género en Argentina.

El disco inicia con "Ella", un tema que encapsula el desamor y el desencuentro. La canción cuenta una historia de abandono y pérdida, en la que el protagonista se enfrenta al dolor de una relación rota. Con una melodía pegajosa y una producción pulida, "Ella" rápidamente se convirtió en una de las favoritas del público. La combinación de letras cargadas de nostalgia y una instrumentación que envuelve, hacen de este tema una apertura contundente que introduce al oyente en el tono melancólico y reflexivo que caracteriza a gran parte del álbum.

En "Beautiful", Tan Biónica opta por un sonido más ligero y esperanzador, aunque manteniendo una lírica introspectiva. La canción habla de la resiliencia y la capacidad de encontrar belleza en la vida a pesar de las adversidades. Es una oda a la positividad, invitando a sus oyentes a disfrutar de los momentos bellos de la vida y a no perder de vista las pequeñas alegrías, incluso en medio de las dificultades. Este tema le da al álbum un toque más luminoso y optimista, contrastando con las canciones más tristes y reflexivas.

"Obsesionario en la mayor", tema que da nombre al disco, es una de las canciones más icónicas del álbum. Con una balada poderosa y emotiva, Tan Biónica captura el sentimiento de obsesión que surge en una relación amorosa intensa. La canción se sumerge en el dolor de un amor no correspondido y en la dificultad de dejar atrás a alguien que ha dejado una marca profunda en el protagonista. La interpretación de Chano se siente particularmente sincera y vulnerable en este tema, lo que permite una conexión especial con quienes han vivido una relación similar.

"Loca" es uno de los temas más populares de Tan Biónica. Con un ritmo pegajoso y una letra que narra el frenesí de una noche urbana, la canción se convirtió en un himno para una generación. "Loca" explora la euforia y la adrenalina de una aventura nocturna, reflejando el deseo de desconexión y libertad. El tono festivo y dinámico del tema, junto con un estribillo memorable, logran captar la energía de una noche sin límites, haciendo de "Loca" una de las canciones más enérgicas y disfrutables del álbum.

Con "El duelo", el tono del álbum regresa a la melancolía. La canción explora el dolor de una separación y la lucha interna por superar a alguien importante. La lírica profundiza en la tristeza y la soledad, creando una atmósfera de introspección y añoranza. Este tema destaca por la sensibilidad con la que Tan Biónica aborda las emociones humanas, logrando transmitir la desolación de una ruptura amorosa y el proceso de duelo que implica dejar ir a alguien que fue importante.

"Dominguicidio" es un tema que se convierte en un reflejo de aquellos domingos solitarios, en los que el tiempo parece detenerse y el vacío emocional se intensifica. A través de una mezcla de melodía suave y letras poéticas, Tan Biónica capta el sentimiento de hastío y monotonía de esos días en los que uno se enfrenta a sí mismo. La letra es un retrato fiel de la melancolía que puede surgir en esos momentos, haciendo de "Dominguicidio" un tema al que muchos pueden identificarse.

"Pastillitas del olvido" es una de las canciones más populares y queridas de Tan Biónica. La canción habla de las maneras en las que intentamos olvidar un amor pasado, en un intento de llenar el vacío que deja esa persona especial. La melodía y el ritmo pegajoso crean un contraste interesante con la temática de la canción, logrando un equilibrio entre lo triste y lo alegre. La narrativa de olvidar y avanzar es universal, y la interpretación de Chano en este tema lo convierte en uno de los puntos más destacados del álbum.

"La suerte está echada" introduce una reflexión sobre el destino y la inevitabilidad de ciertos eventos en la vida. La canción invita a aceptar la realidad tal como es, sin resistirse al curso de las cosas. Con una mezcla de esperanza y resignación, Tan Biónica logra transmitir una sensación de paz en medio de la incertidumbre. Este tema destaca por su mensaje positivo y su invitación a aceptar el destino y vivir la vida con una actitud abierta y resiliente.

"La comunidad" es un himno de pertenencia y conexión. La canción reflexiona sobre la necesidad de encontrar un lugar en el mundo, una comunidad en la que se pueda ser uno mismo y sentirse aceptado. Con una mezcla de pop y rock, el tema invita a ser parte de algo más grande, un mensaje inspirador y emotivo que conecta con aquellos que buscan un sentido de pertenencia en un mundo cada vez más individualista.

"Perdida" explora el sentimiento de desorientación y vacío. Con una melodía calmada y una letra introspectiva, esta canción aborda el miedo a perderse en uno mismo y en la vida. La vulnerabilidad de Chano se refleja en cada verso, creando una atmósfera íntima y personal.

"El color del ayer" es un tema que evoca nostalgia y rememora los buenos momentos del pasado. Tan Biónica pinta con sus palabras y sonidos una imagen de recuerdos y añoranza, logrando que el oyente se sumerja en su propia memoria y reviva sus momentos más especiales.

Por último, "Pétalos" cierra el álbum con una mezcla de dulzura y melancolía. La canción utiliza metáforas florales para hablar de las relaciones y los sentimientos que permanecen, incluso después de que todo haya cambiado. Es una forma delicada y poética de concluir el disco, dejando al oyente con una sensación de paz.

Obsesionario es un álbum que encapsula una gama de emociones humanas universales, desde la euforia hasta la tristeza. Tan Biónica logra conectar con el público a través de letras sinceras y una producción musical que mezcla el pop-rock con toques electrónicos. Es un álbum que sigue siendo relevante y conmovedor, resonando en aquellos que han experimentado las emociones complejas que Tan Biónica describe tan bien.

Daniel 

Instagram storyboy 

1408.- A Light in the Black - Rainbow

 

A Light in the Black - Rainbow

     Rainbow fue esencialmente la continuación de lo que Ritchie Blackmore había estado haciendo en Deep Purple. Excelente guitarrista, decidió diversificarse, tocar diferentes temas y utilizar diferentes talentos. En Rainbow era menos mecánico, menos pesado y tenía más potencial comercial. Hay muchas bandas de heavy metal, pero pocas con la musicalidad que mostró Blackmore en Rainbow. Con Rainbow ganó aún más impulso. Un álbum y un set en vivo habían sido grabados y lanzados. La banda se embarcó en una extensa gira que la llevó a muchas ciudades importantes. Tenían un público diverso, atraído por una música que tenía un gran atractivo. Deep Purple proporcionó la base del conjunto, pero había rastros distintivos del pasado de Blackmore en el trabajo, como por ejemplo su amor por la música medieval.

Nuevas canciones como A Light in the Black, le dieron a la banda la oportunidad de mostrar su diversidad musical. Ronnie James Dio fue en gran medida el catalizador, el hombre que le dio confianza a la banda y marcó el ritmo, el complemento que a Blackmore le faltaba. Incluida en el segundo álbum de estudio del grupo, Rising (1976), se encuentra precisamente A Light in the Black,  pieza de más de 8 minutos que instrumentalmente sabe mucho a Deep Purple, cosa que no le resta ni un ápice de mérito pues la descarga es brutal. El tema originalmente se llamaba Comin' Home, pero era igual al título de un tema que Deep Purple había sacado el año anterior en su disco Come Taste The Band, así que decidieron cambiarlo por A Light In The Black.

Gorillaz - D-Sides (Mes Gorillaz)

Cuando “Clint Eastwood” de Gorillaz arrasó en las listas de éxitos de ambos lados del charco, era obvio que Albarn estaba yendo más allá de los simples retratos de personajes que habían poblado tanto su trabajo con Blur. Muchos pensaron que esto se debía a su colaboración con el productor de ese álbum, Dan the Automator. Sin embargo, cuando Albarn dejó caer Automator como una piedra caliente para hacerse con el maestro de Grey Album, Danger Mouse, para el segundo trabajo de Gorillaz, era obvio que los simpáticos personajes de dibujos animados en las portadas de los álbumes eran solo una fachada para The Damon Albarn Travelling Hip-Hop Showcase. Los lados B son las canciones que no llegaron a triunfar, Gorillaz ya lo demostró con resultados mediocres en su compilación anterior, G Sides , que incluía solo un puñado de joyas entre "remixes" en su mayoría mediocres. Ahora en de D-Sides nos traen no de uno sino de dos discos, el primero de los cuales está compuesto por lados B y el segundo contiene una serie de remixes de las grabaciones de Demon Days. Es razonable la incertidumbre de este trabajo para el que acaba de llegar al mundo Gorillaz dado el espectro de sonido relativamente impredecible y aparentemente espontáneo que es Gorillaz, después de escucharlo unas cuantas veces empiezo a reconocer un marcado contraste entre lo bueno y lo malo... tomando forma como una división conveniente entre los dos discos, para ser específico.

En el disco uno sorprendentemente, las pistas se presentan de una manera que no solo es fácil de apreciar, sino que incluso cuenta con un mayor sentido de cohesión que el ofrecido en la montaña rusa de locura de ida y vuelta que es el debut homónimo de la banda, se erige como una Dare Part 2 con su similitud flagrante y, sin embargo, de alguna manera, se las arregla para ser igual de agradable. Aunque este no es un territorio inexplorado, otra rareza es cómo encaja el disco a pesar de que varias de las canciones que se ofrecen en este disco parecen orientadas más hacia un género u otro. 68 State, una canción bailable, cinética y serpenteante que suena perfecta para mirar por la ventana a altas horas de la noche mientras estás a bordo de un tren en movimiento o para reproducirla de fondo mientras destruyes a enemigos pixelados en algún videojuego de disparos de naves espaciales (aunque a Albarn probablemente no le importaría de ninguna manera) o Don't Get Lost in Heaven con un coro y suficiente reverberación de Beach Boys para matar a un caballo que pierde el espíritu de la versión demo original que ahora escuchamos en D-Sides, la canción es un himno de compañerismo de fumetas que Danger Mouse intentó romantizar en exceso. Es cierto que D-Sides no puede estar repleto de brillantez (como lo ilustra la canción de reggae completamente formada pero demasiado familiar “Bill Murray”), pero cuando los éxitos superan a los fracasos por un margen tan amplio, es difícil quejarse.

Por supuesto, como colección de caras B, es propensa a tener una serie de pistas que se destacan significativamente en comparación con las demás, pero las que se encuentran aquí brillan de manera bastante agradable. Como el nombre puede implicar, Murdoc is God es un fragmento implacable de golpes de bajos ultra distorsionados que precede y complementa el ritmo funky y considerablemente menos distorsionado de Spitting Out the Demons. En el lado más suave, Hong Kong, que actúa como la canción más larga del primer disco, captura la sutileza maravillosamente inquietante de la que Gorillaz es capaz en una medida que no se ha visto desde el disco homónimo. Aunque la pista de cierre, Stop the Dams, no logra el mismo efecto, sigue este ejemplo con más énfasis en la instrumentación en vivo y es un final agradable de algún modo. En general, el disco uno es un viaje variado pero divertido que da la impresión de que podría, con un poco de trabajo, tal vez pasar como algo más que caras B. Sí, hay algunos deslices en el camino... We Are Happy Landfill es algo así como un desastre ruidoso, y Rockit es como una extraña canción de new wave con letras exgtrañas. 

El disco 2 incluso para aquellos que disfrutan de las remezclas de canciones o son aficionados a Gorillaz se convertirá en uno que se escuche con moderación con el tiempo. De inmediato, el oyente se lanza a la extensión de doce minutos que es el remix de DFA de Dare, una mezcla larga y, sin embargo, escasamente interesante que pide ser saltada. Una buena parte de la pista no suena muy diferente a una licuadora configurada a varias velocidades y acompañada por un ritmo de batería repetitivo y un loop de bajo superpuesto por si acaso. Si logras escuchar la totalidad del remix de DFA (o si simplemente haces trampa y te saltas la pista), te encontrarás con otro representante del disco de remix. La mezcla de Stanton Warriors para Feel Good Inc dura aproximadamente lo mismo que dos Feel Good Inc y resulta la mitad de interesante. La mezcla de Metronomy de El Mañana continúa el tormento y parece un intento de síncopa interesante al colocar mal los doblajes vocales completamente contra el ritmo, pero realmente solo tiene éxito al resultar completamente ruidoso e irritante. En Dirty Harry la mezcla es casi idéntica al original... con una clara excepción: todo está en chino, incluido el "rap", que es, en el mejor de los casos, vergonzosamente gracioso. Kids With Guns incluso se arruina dos veces antes de que esto termine. La mezcla de Jamie T's Turns to Monsters es una mutación dolorosa que presenta lo que suena como un rapero británico adolescente con una tendencia desesperada a parecer una imitación realmente mala de Mike Skinner de The Streets. Afortunadamente, hay algunos casos en los que al menos dos de las mezclas de Demon Days están hechas de una manera que no es inevitablemente aburrida o insoportablemente irritante. El remix de Soulwax para Dare es un viaje oscuramente fascinante que podría rivalizar con el original, entrando tan suave como un suspiro y creciendo a través de fallas, pitidos y un siniestro sintetizador de bajo. El remix de Junior Sanchez va en la dirección opuesta por completo, actuando como un espejo enérgico de la versión inicial, con un toque de énfasis en instrumentos en vivo. Kids With Guns de Hot Chip incluso compensa las dos versiones mediocres con una mezcla que crece gradualmente y silenciosamente hasta un clímax y una conclusión de estilo techno.

 

1407.- Stargazer - Rainbow

 

Stargazer, Rainbow

     Corre el año 1975, Ritchie Blackmore estaba cansado del cambo de sonido que Deep Purple estaba dando desde la llegada de David Coverdale y Glenn Hughes, el grupo se estaba acercando a un sonido más funk y soul, esto hacía que Blackmore no se sintiera cómodo pues pensaba que se le estaba escapando el control del grupo, por todo esto Ritchie decide abandonar Deep Purple. Ritchie Blackmore se había dado cuenta de la calidad que ELF tenía, ya que habían sido teloneros de Deep Purple en Europa y Estados Unidos y Canadá. Así que decide contar con todo el grupo y los ficha (a todos menos al guitarrista) para un proyecto en solitario que tiene, y así en 1975 Blackmore junto a ELF publica su primer trabajo bajo el título Ritchie Balckmore's Rainbow, un disco que consiguió cierto éxito en las listas de ventas con el tema Man on the Silver Mountain, y que a la postre nos dejaría clásicos de la talla del citado tema y Temple of the King ó Catch the Rainbow. En este disco todas las composiciones excepto dos (Black Sheep of the Family y Still I'm Sad) son escritas por Dio y Blackmore, los dos se entienden muy bien a la hora de componer. 

Para su siguiente trabajo, Ritchie Blackmore ya tiene claro su siguiente paso, se queda con Dio y despide a todos los demás, y los sustituye por Cozy Powell a la batería, Jimmy Bain al bajo y Tony Carey a los teclados. Blackmore decide llamar al grupo Rainbow, y en 1976 el grupo saca a la luz Rising, un disco donde Blackmore y Dio componen la música y Dio la letra. Un álbum que contiene sólo 6 temas, pero que acabaría convirtiéndose en uno de los mejores y más influyentes discos de rock de la historia. Fue producido por Martin Birch (conocido por sus trabajos con grupos de la talla de Iron Maiden ó Deep Purple) y grabado en los Musicland Studios de Munich (Alemania) en menos de un mes. Incluido en este álbum se encuentra Stargazer, un tema de más de 8 minutos donde colaboró la Orquesta Filarmónica de Munich tocando a la par con el grupo. El comienzo con el solo de batería de Cozy es demoledor, te hipnotiza y te deja enganchado para lo que se avecina, la letra es una historia de moralidad vista desde el punto de vista de un esclavo en tiempos egipcios, un mago le ha esclavizado a él y a más personas y les obliga a construir una torre de piedra para él, y mientras construyen la torre tanto él como los demás esclavos esperan el día en que su miserias y pesares acaben . También se especuló en que la letra de este tema tiene un significado encubierto y hace referencia a una advertencia a no creer en falsos mesías.

1406.- Achilles Last Stand - Led Zeppelin

"Achilles Last Stand" ("La última batalla de Aquiles") de la banda británica de rock Led Zeppelin, es el tema más largo y más destacado de su disco "Presence" (1976), un disco que ya no pertenece a la época más recordada del grupo. pero que tiene varios temas destacables y que abre fuego con este épico tema de más de diez minutos de duración.

Escrita por Robert Plant y Jimmy Page, la letra de la canción cuenta la leyenda de Aquiles, héroe de la mitología griega, centrándose en el último momento de su vida, cuando herido ya de muerte por Paris, que descubre su único punto débil y le lanza una flecha al talón, rememora los lugares a los que ha viajado, antiguos amores y las batallas que ha librado. La temática de la canción puede esconder también, metafóricamente, una experiencia personal del propio Plant, que había sufrido un accidente automovilístico en el que se había roto el tobillo.

En cuanto a lo musical, destaca sobremanera la poderosa sección rítmica que forman John Bonham a la batería y John Paul Jones con un bajo de ocho cuerdas, dándole a Jimmy Page el escenario perfecto para desplegar impactantes tramos de guitarra de marcado aire orquestal, en la que siempre ha considerado su canción favorita de Led Zeppelin.

Canciones escondidas: Smoke Signals - Phoebe Bridgers (2017)

Phoebe Bridgers nació el 17 de Agosto de 1994 en Pasadena, California. Comenzó a cantar a una edad temprana y se unió a bandas en la escuela secundaria. Después de conocer al cantautor Ryan Adams cuando tenía 20 años, lanzó "Killer", su primer sencillo, en 2015. Su álbum debut, "Stranger in the Alps", llegó en 2017 y alcanzó el puesto número 82 en el Billboard 200. Su segundo álbum, "Punisher", llegó en 2020 y alcanzó el puesto número 43. Entre sus dos primeros álbumes, formó la banda Boygenius con Lucy Dacus y Julien Baker, lanzando su EP debut homónimo en 2018; alcanzó el puesto número 4. Además de ser un tercio del supergrupo, Bridgers también ha tenido otras colaboraciones importantes, incluida "Nothing New (Taylor's Version)" (From the Vault) en 2021 y "Ghost in the Machine" con SZA en 2022. Ha recibido múltiples nominaciones a los premios Grammy, entre ellas, mejor artista nuevo, mejor canción de rock por "Kyoto" y mejor álbum alternativo por "Punisher".

Stranger in the Alps es el álbum debut de Phoebe Bridgers y desde la portada del álbum hasta la música misma, hay un cierto espíritu inquietante. Para grabar las voces del álbum, Bridgers apagó todas las luces del estudio y cantó en la oscuridad. “Cuando puedes ver a todos mirándote, es una experiencia diferente a cantar para ti mismo”, explicó más tarde. Entre las canciones que relatan su relación con un hombre mayor y abusivo y cómo la reciente muerte de sus íconos afectó su salud mental, es fácil entender las motivaciones de Bridgers para no querer mirar a nadie mientras canta. Este sentimiento es pertinente a todos los temas de Strange in the Alps, un álbum con letras tristes endulzadas por la ligereza de sus canturreos. Pero incluso dentro de la atmósfera sombría y melancólica del LP, todavía se pueden ver puntos de luz aquí y allá, el sentido del humor de Brigers brillando a través de sus versos confesionales y referencias culturales sobre arreglos folk e indie-rock. La ira y la ferocidad en gran parte de la composición de Stranger in the Alps llegan transformadas, alquimizadas en calma por la dulce entrega de Brigers. El álbum reúne fragmentos de su vida como una entonces cantante emergente en la escena de Los Ángeles, alguien que dio oportunidad a diferentes caminos hasta encontrar el correcto. Al mismo tiempo, muchas de las canciones de Stranger in the Alps tratan sobre estar conscientemente enamorado de la persona equivocada y permanecer en esas malditas relaciones por una razón u otra. Estas contemplaciones se ponen en perspectiva a través de una vision muy morbosa: cada canción del álbum tiene la palabra muerte o palabras relacionadas con ella. Esta atmósfera sombría sugiere a Bridgers en un dormitorio oscuro con solo una guitarra, insomnio y pensamientos como compañía, mirando su calle desierta a través de la ventana en las primeras horas de la madrugada.

En el primer tema, Smoke Signals, establece el tono de inmediato, mezclando guitarras limpias envueltas en ecos con el brillo suave de las cuerdas sinfónicas que suenan como si vinieran directamente de Vespertine. Desde el primer segundo la melodía triste y agotadora llega a los oídos, la mezcla de tristeza y belleza es embriagadora. Bridgers canta sobre una relación desconectada mientras explica el impacto que tuvieron en ella las muertes de los ídolos David Bowie y Lemmy de Motörhead. En una frase de 10 segundos, Phoebe Bridgers desata una ola de dolor y ansiedad que había encerrado durante casi dos años, muchos hemos experimentado el dolor antes de personas mucho más cercanas que fallecen a las megaestrellas, pero también ocurre que cuando falta alguien famoso que de una manera u otra te ha acompañado en tu vida el mundo se desconecta y no puedes evitar sentir que una parte de ti muere con él. ¿Hiperbole? Tal vez. Pero esto que expresa Phoebe son sentimientos reales, sentimientos profundos que quizás los entierras rápidamente para no mirar demasiado de cerca un futuro solitario. Smoke Signals ayudó a reconectar las partes rotas ocultas y a enfrentar verdades incómodas, confundiendo para siempre la experiencia de su sonido con mi recuerdo de la música. Existe en mi mente como una densa losa interconectada de emoción catártica, tanto buena como mala, algo por lo que estaré eternamente agradecido. Pero, de nuevo, soy afortunado. Tengo a alguien que resuelve todos nuestros problemas mientras yo corro de copiloto. Acelerando porque, bueno, ya saben por qué. Sé que podemos volver a conectar el mundo, solo que puede que lleve un poco de tiempo.

1405.- Starstruck - Rainbow

 

Starstruck, Rainbow

     Rising (también conocido como Rainbow Rising)  es el segundo álbum de estudio de la banda de rock británico-estadounidense Rainbow. Fue lanzado el 17 de mayo de 1976. El líder de la banda, Ritchie Blackmore, retuvo solo al cantante Ronnie James Dio de la alineación del álbum anterior, y reclutó al baterista Cozy Powell, al bajista Jimmy Bain y al tecladista Tony Carey para completar la nueva alineación. Grabado en Múnich en menos de un mes, el álbum fue supervisado por el productor de rock e ingeniero Martin Birch. La banda fue originalmente anunciada como Ritchie Blackmore's Rainbow en los Estados Unidos, se tituló simplemente Rainbow en este lanzamiento. En 1996, Cozy Powell afirmó a la revista Record Collector que gran parte del álbum se grabó en una o dos tomas, con algunas sobregrabaciones posteriores, lo que explica por qué no existen versiones alternativas o demos, solo las mezclas originales o en bruto.

El lanzamiento original de vinilo era una funda plegable, que contenía una foto de la banda en el interior, con una funda interior genérica del sello discográfico Polydor Records. Rising alcanzó el número 48 en la lista Billboard Pop Albums.  En el Reino Unido alcanzó el número 11. La primera edición en CD tenía una mezcla ligeramente diferente a la del LP original, incluyendo un retraso más largo antes de que la banda entrara después del solo de apertura de Carey en Tarot Woman, y una reproducción más larga en Run with the Wolf. La pista Stargazer tenía las voces mezcladas sin el retraso, el sintetizador adicional eliminado y algunos de los sonidos en fase eliminados. Cuando se remasterizó en 1999, se restauró la mezcla original de vinilo

Incluido en este álbum se encuentra Starstruck, tema que está dedicada a una fan francesa que estuvo siguiendo a Blackmore durante una de las giras europeas en las que estuvo, un día encontrándose Blackmore en casa observó cómo los arbustos de fuera se movían, era la fan y había encontrado su casa, así que decidió soltar sus perros los cuales fueron a recibirla alegremente pues no eran agresivos, más bien todo lo contrario, empezaron a lamerle la cara pero ella salió huyendo asustada del lugar.

1404.- T.N.T. - AC/DC

 

T.N.T., AC/DC

     T.N.T es un verdadero petardazo, de esos que nos suben la adrenalina y hace que el pulso se nos acelere como si el mismísimo demonio hubiera venido a visitarnos. AC/DC se crea en 1973 de la mano de los hermanos Young, y ya en en 1975 publican su primer disco de larga duración, de título High Voltage, un disco que graban en tan sólo diez días y que básicamente se trata de diez temas dónde la composición de la letra corrió a cargo de Angus y Malcolm Young, y la letra a cargo de Bon Scott. A finales de 1975, la formación, que está compuesta por Malcolm y Angus Young a las guitarras, Bon Scott como vocalista, Mark Evans al bajo y Phil Rudd a la batería, publican el que sería su segundo LP, T.N.T., publicado también sólo en Australia. Más tarde, a comienzos de 1976, bajo el sello Atlantic Records, publican el álbum High Voltage para el resto del mundo, dicho disco eran temas escogidos de sus dos primeros discos editados sólo en Australia.

Tanto en la edición australiana del álbum T.N.T. cómo en la edición internacional del disco High Voltage aparece el tema T.N.T, un tema que fue compuesto por los hermanos Young y por Bon Scott, y la letra hace alusión al típico chico malo, el cuál es puro "T.N.T" (trinitrotolueno), el terror de todos los hombres e irresistible para todas las mujeres. La edición internacional de High Voltage tuvo muy buena acogida en Europa, pero no tanto en Estados Unidos donde se encontró con más dificultades. La revista Rolling Stone llegó a realizar una voraz crítica de éste álbum, algo que en ese momento mucho no ayudó. La grabación del disco es AC/DC en estado puro, con un sonido muy crudo, directo y enérgico, el cuál fue suavizado en la producción por el famoso dúo de productores Harry Vanda y George Young (hermano de Angus y Malcolm), los cuáles eran en ese momento miembros del famoso grupo The Easybeats.

Gorillaz - Gorillaz (Mes Gorillaz)

 

Dedicamos el mes de noviembre a la discografía del grupo virtual Gorillaz, uno de los proyectos paralelos del siempre inquieto y versátil Damon Albarn, frontman de la banda británica Blur. Creada en 1998 por Damon Albarn y el diseñador gráfico Jamie Hewlett, la banda de Gorillaz está compuesta por cuatro miembros ficticios llamados 2-D (representado en la voz por Albarn), Noodle (guitarra), Murdoc Niccals (bajo) y Russel Hobbs (batería), personajes animados alrededor de los cuales Albarn y Hewlett construyen un universo ficticio musical y audiovisual.

En lo musical, Albarn es en realidad el único miembro permanente de la banda, asumiendo en la mayoría de las canciones la interpretación de la mayor parte de los instrumentos, y considerando Blur como la "nave nodriza" principal de Albarn, tengo la teoría de que Gorillaz no iba a ser más que una excentricidad destinada a dar salida a sus composiciones más electrónicas y menos introspectivas, una travesura visual y sonora con la que mover los hilos desde dentro y alejarse del foco mediático y de la presión de estar en una banda tan conocida como Blur. Sin embargo, el desmesurado éxito de aquella innovadora propuesta, hizo que Gorillaz se convirtiera en un proyecto paralelo y de larga duración, eclipsando en muchos momentos a su anterior banda, con la que fue espaciando cada vez más las entregas de nuevos discos, mientras seguía publicando álbumes nuevos con Gorillaz.

El principal culpable de este inesperado éxito fue su disco homónimo "Gorillaz", lanzado con el sello Parlophone en el año 2001. Para la grabación de las canciones del álbum, Albarn contó con la colaboración de Del the Funky Homosapien, Dan the Automator y Kid Koala, con los que lanzó en primer lugar el EP "Tomorrow Comes Today" a finales del año 2000. Con el lanzamiento del disco, salió también la canción "Clint Eastwood" como primer single promocional, alcanzando el cuarto puesto de las listas de Reino Unido y desatando la locura mediática y el consumo de merchandising relacionado con los cuatro dibujos animados de aspecto zombie y desaliñado. Pero lo nuestro es hablar de música, y de la buena, como la que emana a borbotones de las canciones del disco "Gorillaz".

El álbum comienza con "Re-Hash", un efectivo tema que bien habría encajado en alguno de los discos de Blur de aquella época, en la que ya se habían alejado de la etiqueta del "britpop" que tanto éxito les había dado, pero que a la vez les había encorsetado y encerrado en un estilo del que habían estado huyendo en sus últimas publicaciones. En realidad, a lo que suena "Re-Hash" es a Damon Albarn en estado de gracia, y por eso esta canción de afilado ritmo de guitarras acústicas y suaves melodías encajaría bien en cualquiera de sus transformaciones creativas. "5/4" es más machacona y caricaturesca, pero igualmente conocida en el ya amplio "universo Gorillaz", y con la excelsa "Tomorrow Comes Today", un tema tan relevante para esta primera aventura que, como ya he mencionado, tuvo su lanzamiento previo en formato EP, conforman el poderoso arranque del disco.

Como travesura sonora de un artista inquieto y, por aquel entonces, afrontando una crisis tanto personal como al frente de un grupo que daba cierta sensación de hastío y declive, "Gorillaz" es un disco imperfecto y con altibajos, y en esa última categoría podríamos incluir a "New Genious (Brother)" un tema atrevido y arriesgado, en el que Albarn canta en falsete, y aunque la atmósfera que genera es muy Gorillaz, la escucha se hace algo pesada y es uno de los temas que suelo saltar habitualmente.

Nada que ver con la siguiente canción, la ya mencionada "Clint Eastwood", auténtico himno de la banda y posiblemente la mejor canción que Albarn ha firmado como Gorillaz. El estribillo es simplemente memorable, y la combinación de este con los rapeados de las estrofas (a cargo de Del the Funky Homosapien) es absolutamente genial. Recientemente, Albarn reconoció en un documental que el ritmo de la canción lo había sacado de uno de los ritmos programados de un teclado de juguete, y lejos de restar con ello méritos a su composición, le dio aun más un aura de genialidad y atrevimiento a una canción mítica. 

El falsete y la psicodelia sonora son las señas de identidad de "Man Research (Clapper)", otro de los momentos descartables y de difícil digestión del disco. Más asequible es el urgente y guitarrero "Punk", otros de los temas que habrían pegado más en un disco de Blur que de Gorillaz. Le siguen "Sound Check (Gravity)", que alterna tramos en los que su título (Prueba de sonido) desvela el origen creativo del tema, con otras partes más melódicas, y Double Bass, tema prácticamente instrumental de aire oscuro y electrónico, y lo de "prácticamente" es porque tiene un corte abrupto tras el que Damon Albarn recita "All of which makes me anxious, at times, unbearably so" ("Todo lo cual me pone ansioso, a veces, insoportablemente").

Tras este tramo central oscuro y experimental, el disco remonta el vuelo con el también single "Rock the House", de nuevo con la voz de Del the Funky Homosapien rapeando en otro de los temas más famosos de esta primera entrega de la banda, y muy especialmente con "19-2000", otro de los singles y el mejor momento del disco junto a "Clint Eastwood", en el que 2-D (Albarn) alterna las voces con la pequeña guitarrista japonesa Noodle, que aporta un toque de mágica frescura al ya de por sí animado ritmo electrónico de una canción que tiene todos los ingredientes de un gran hit.

En posteriores discos de Gorillaz se hizo habitual que una larga lista de colaboradores de postín aparecieran cantando junto a Albarn, pero en el que fuera primer disco de Gorillaz fue toda una agradable e irreverente sorpresa que "Latin Simone (¿Qué pasa contigo?)" estuviera interpretada en castellano por el músico cubano  (con Ibrahim Ferrer). Lástima que sea el colofón de este nuevo tramo brillante, porque con Starshine el disco vuelve por derroteros sonoros extraños y oscuros, y aunque el sencillo y agradable ritmo de teclado y la melodía base de Slow Country sean apreciables, está claro que la experimentación y la rareza han vuelto a adueñarse de los surcos de "Gorillaz", que se recupera a tiempo para cerrar en todo lo alto con "M1A1", el tercero de los temas que se desvían hacia un rock más emparentado con Blur que con Gorillaz.

 

Con más de 7 millones de copias vendidas a nivel mundial, la broma de Gorillaz se convirtió en algo muy serio. El disco fue triple platino en el Reino Unido, donde alcanzó el tercer puesto de las listas de ventas, y platino en los Estados Unidos, siendo tal el éxito que la ficticia banda fue incluida en el Libro Guinness de los Récords como la banda virtual más exitosa del mundo. La crítica fue también unánime al respecto, alabando la habilidad de Albarn para experimentar con una enorme variedad de géneros musicales, que iban desde el trip hop, el rap y la psicodelia, pasando por el punk rock y el britpop marca de la casa, y llegando incluso a experimentar con el dub, el reggae y la música latina. Tal habilidad para mezclar estilos no podía realmente considerarse una broma, y acabó convirtiendo a Gorillaz en una banda de larga duración, con una carrera discográfica tan amplia y variada como para merecer una revisión exhaustiva en el "mes Gorillaz" que, con este primer disco, comienza oficialmente aquí, en 7dias7notas.com.

1403.- It's a Long Way to the Top (If You Wanna Rock 'N' Roll) - AC/DC

 

 It's a Long Way to the Top (If You Wanna Rock 'N' Roll)

     AC/DC llevaba desde 1973, el año de su formación, peleando muy duro por hacerse un hueco en el difícil mundo de la música, y ese año tanto trabajo duro daría sus frutos en forma de su primer disco de estudio, High Voltage, lanzado por el sello Albert Productions, y sólo para el mercado australiano. Unos meses después, concretamente el 1 de diciembre de 1975 veía la luz el segundo disco del grupo, también sólo para el mercado australiano, T.N.T.. Cuando el grupo graba y publica T.N.T., está compuesto por Bon Scott (vocalista), Angus Young (guitarra solista), Malcolm Young (guitarra rítmica y coros), Mark Evans (bajo), y Phil Rudd (batería). En los temas High Voltage, y la versión de Chuck Berry de School Days, el bajo es tocado por el hermano de mayor de los Young, George, y la batería es tocada por Toni Currrenti. El grupo repetía la misma formula que en el disco debut, High Voltage, contando con la producción de Harry Vanda y George Young. Este disco también marcaría la dirección del grupo a la hora de los roles de interpretación, quedando definido que Angus se encargaría sólo de la guitarra solista, Malcolm de la rítmica.

Incluido en T.N.T. y abriendo además el disco, encontramos I'ts A Long Way To The Top (If You Wanna Rock 'N' Roll), tema compuesto por Bon Scott y los dos hermanos Young. Es un tema autobiográfico que nos describe las dificultades que tuvo que pasar la banda, tocando en locales cutres y de mala muerte noche tras noche hasta que la banda despegó y empezó a tocar ante audiencias más numerosas. A este respecto Angus Young comentaba que fue precisamente ese duro trabajo noche tras noche el que les permitió irse labrando una reputación y conseguir grabar en el estudio.
Este tema fue el mejor colocado en las listas de ventas hasta la fecha, consiguiendo alcanzar el puesto número 5 en las listas australianas. Si nos fijamos en el tema vamos a encontrar algo bastante inusual para el grupo y cualquier banda de rock que se precie, en vez de un sólo de guitarra, el grupo introduce la guitarra de Angus, la cual va interactuando con el sonido de una gaita que es tocada por Bon Scott.
La idea de introducir gaitas en el tema fue del productor George Young, que además sugirió que fueran tocadas por Bon Scott. Curiosamente el instrumento que dominaba Bon era la batería y no la gaita, pero como era un chico hábil aprendió rápidamente, y no sólo la tocó para la grabación de este disco, seguiría tocando la gaita y también la flauta posteriormente en sus actuaciones en vivo.

     La banda grabó un video para promocionar tanto el sencillo cómo el álbum. Un vídeo que sería grabado el 23 de febrero de 1976, y que consistía en la banda aupada en un camión descubierto atravesando el centro de Melbourne. En 2004, una de las calles de Melbourne,  la Corporation Lane, cerca de donde se grabó el video promocional del tema, pasaría a llamarse AC/DC Lane. En 1976 se publicaría otro disco, esta vez para ser vendido fuera de las fronteras australianas, llamado exactamente igual que el primero editado para el mercado australiano, High Voltage, y se trataba ni más ni menos que un compendio de los dos discos anteriores del grupo, y que habían publicado sólo para el mercado australiano, High Voltage y T.N.T., este último el que incluía también este tema.

1402 - Chicago - If You Leave Me Now

1402 - Chicago - If You Leave Me Now

“If You Leave Me Now”, lanzada en 1976, es una de las baladas más emblemáticas de la banda estadounidense Chicago, caracterizada por su estilo suave y sentimental. La canción, que forma parte del álbum Chicago X, fue un éxito rotundo, llegando al primer lugar en las listas de Billboard y consolidando a Chicago como una de las bandas más importantes de la década. Compuesta por el bajista Peter Cetera, esta balada romántica es un testimonio de su habilidad para escribir letras conmovedoras y crear una atmósfera emotiva a través de su voz cálida y aguda.

Uno de los aspectos más destacados de “If You Leave Me Now” es su sonido distintivo, que se aleja de las raíces más rockeras y experimentales de Chicago. En esta ocasión, la banda apuesta por un estilo más cercano al soft rock, con una instrumentación rica en cuerdas y una producción pulida que resalta la melancolía de la letra. La sección de vientos, usualmente una de las marcas registradas de Chicago, tiene un rol más sutil en esta canción, permitiendo que la melodía se centre en las cuerdas y en la interpretación vocal de Cetera. Este enfoque más minimalista fue clave para el éxito de la canción, ya que logró una conexión emocional profunda con el público.

La letra de la canción habla de la desesperación de un amante que ruega a su pareja que no lo abandone. Cetera logra capturar la vulnerabilidad y la tristeza de alguien que siente que, si su relación se termina, no será capaz de seguir adelante. Frases como “If you leave me now, you'll take away the biggest part of me” (Si me dejas ahora, te llevarás la parte más grande de mí) expresan la dependencia emocional y el miedo al abandono, temas universales que resonaron con oyentes de todo el mundo. La sencillez y honestidad de la letra permiten que la audiencia conecte con sus propios sentimientos de pérdida y desamor.

En términos de producción, “If You Leave Me Now” es un ejemplo excelente de cómo una balada puede mantener una estructura musical sencilla pero efectiva. La melodía, apoyada por una orquesta de cuerdas y una suave percusión, fluye con naturalidad, permitiendo que la canción se sienta orgánica y emocionalmente resonante. La elección de Cetera como la voz principal fue crucial, ya que su tono agudo y emotivo encapsula perfectamente la tristeza de la letra.

“If You Leave Me Now” es un clásico atemporal que marcó un antes y un después en la carrera de Chicago. Con su delicada instrumentación, su emotiva interpretación vocal y su letra sencilla pero poderosa, la canción sigue siendo una de las baladas más queridas de la música popular, un testamento a la habilidad de la banda para crear música que toca el corazón.

Daniel 

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Disco de la semana 402 - Unknown Pleasures - Joy Division

 

Joy Division es la banda post-punk por excelencia, todos su integrantes se conocieron en una noche fatídica en un concierto de los Sex Pistols, después de eso, formaron una pequeña banda punk y se llamaron Warsaw, en honor a una canción de David Bowie, grabaron algunos sencillos bajo el nombre de Warsaw, luego, para no confundirse con otra banda inglesa, se rebautizaron como Joy Division, los tacharon de neonazis por llamarse así. Larga historia, chicos. En fin, se instalaron en su famosa ciudad de Manchester y contrataron a Martin Hannett para producir el álbum. Hannett será conocido más tarde como el hombre que creó el sonido "Manchester". El álbum, desde el principio, suena como si fuera una especie de oscuridad. Sí, la música se acelera, pero Ian Curtis brama con su famoso estilo vocal característico, el bajo de Hook y la guitarra de Summers forman uno de los mejores dúos de guitarra/bajo de la historia, se intercambian ideas a lo largo de todo el disco, especialmente en "Disorder”. Es oscuro, es teatral y emocional, para el debut de una banda es absolutamente notable y probablemente la definición de lo que debería ser el post-punk. Todo el lirismo oscuro y la temática dejan un mayor impacto debido al suicidio del cantante principal Ian Curtis un año después con solo 24 años. Pero todos han recordado su legado con todas las grandes canciones que hicieron en este corto tiempo.

 

Abre el disco con Disorder el tema más famoso de este álbum hace lo que hacen todos los grandes temas de apertura, no solo es un single fantástico, sino que también muestra de qué se trata el álbum. Aunque no siempre he considerado este álbum tan bien como lo hago ahora, siempre he sabido que esta canción tiene una de las mejores líneas de bajo de la historia, presenta un dúo punk casi tradicional de una línea de bajo y un patrón de batería simples, aunque más lentos y con más reverberación, y luego se sorprende de inmediato por las guitarras estridentes que tocan esta melodía retorcida pero simple con poca o ninguna dinámica. Mientras Curtis entra y se presentan su voz inquietante y letras que impregnan el resto de este álbum. Al final, hay un colapso total y una liberación de la tensión que se ha ido acumulando a lo largo de la canción a medida que el bajo pierde su equilibrio, los sintetizadores comienzan a gemir y las guitarras chillan; todo rematado con el grito disonante pero convicto de Ian Curtis, que da pausa y hace que esta pista atrevida sea más perturbadora e interesante y despierta el interés por las canciones que vendrán. Un comienzo brillante y que se merece su estatus. Day of the Lords sigue una estructura similar de presión que va aumentando lentamente y se va liberando hacia la segunda mitad del tema, sin embargo aquí el desarrollo es mucho más controlado e interesante los temas líricos son lo que más se está desarrollando y es esta frustración con una dificultad estática la que crea la tensión, en lugar de la tensión instrumental. El pasaje de guitarra que va escalando a lo largo del disco es tan escalofriante que parece un milagro que puedan encontrar algún sentido de armonía con el bajo que avanza lentamente sin el swing o el rango que atraviesa la guitarra. En Disorder, cuando canta "las luces están destellando, los autos chocan, ahora es cada vez más frecuente", interpreto que es el mismo enfoque de posiblemente extender sus problemas con la epilepsia a algo tan general como malas noticias como los autos chocando. Para él, el mundo se está desmoronando por todos lados, no solo en su cabeza. Independientemente de lo que se pueda hacer con las letras, su verborrea y su entrega cada vez más angustiada son increíbles y uno de los puntos más tensos de este álbum. Candidate solo se grabó para completar la lista de canciones, pero se le ocurrió a la banda de inmediato cuando estaban tratando de componer una canción para ese propósito. Si bien la mayoría de las canciones siguen la fórmula de creación de tensión, desarrollo de instrumentos y aumento de intensidad vocal presente en las dos primeras canciones, esta y I Remember Nothing se destacan como particularmente escalofriantes para mí porque en las otras tienes algunas ideas de convención y transición que te hacen deambular por ellas como si fuera una película triste. Sin embargo, para estas dos canciones, casi se siente como si estuvieras deambulando por una casa embrujada. Hay muy poco desarrollo o musicalidad para llenar esta pista, es solo una línea de bajo descendente simple, el suave lamento cambiado de Curtis y un sintetizador extremadamente aterrador que suena casi como una escucha profunda en la forma en que gime y cae en cascada a lo largo de cualquier edificio abandonado en el que suene como si hubiera sido grabado. Insight, al igual que la canción anterior surge de la nada y tiene un Curtis casi esperanzado, un rango medio sintetizado animado y notas graves que no suenan como si estuvieran en el fondo de la fosa de las Marianas. Esto no solo funciona muy bien como un agradable cambio de ritmo con respecto a la melancolía de las primeras tres pistas, sino que también muestra la versatilidad de la banda, esta euforia recién descubierta que surge de la liberación del miedo y el dolor no proviene de algún recurso que sea la panacea para los problemas de Curtis, sino que está devaluando toda su vida y viéndola como volátil y rechazando todo lo que quiere. New Dawn Fades es la última canción del lado A, esta canción es probablemente la más cercana a una balada que se puede encontrar en este álbum, y Curtis se siente más seguro aquí que en cualquier otro lugar, ya que se lamenta una vez más sobre sí mismo y sus errores y su incapacidad para hacer algo al respecto. ya sea terminar su relación o para, literalmente, acabar con sí mismo. Los acordes de bajo y guitarra son extremadamente amargos como se esperaba con la producción de las pistas circundantes. Una tremenda pista en la que Joy Division puede una vez más hacer que sus voces trabajen de la mano con el instrumental para transmitir un mensaje. Pueden contar una historia con instrumentos que pueden sonar pretenciosos, pero realmente disfruto de lo mucho que todo concuerda entre sí. Se puede decir que tenían una buena comprensión de lo que querían, a pesar de lo cruda que es la producción en algunos puntos.

Una canción brillante para comenzar la segunda cara de este álbum, She's Lost Control, que muestra el plan en el que creo que bandas contemporáneas como Black Midi han basado toda su discografía. Vuelven a su construcción de tensión, pero esta vez hay un énfasis especial en la repetición tanto en las letras como en el instrumental. Si bien esta canción trata sobre Curtis viendo a otra persona experimentar un ataque de epilepsia, obviamente con sus letras expansivas y su propia experiencia con eso, postulo que está hablando consigo mismo. La canción parece tener una incapacidad para alejarse de este riff repetitivo y todo lo que hace es empeorar a medida que avanza. Expresa brillantemente la condición de Curtis, donde se agita durante un ataque sin forma de ayudarse a sí mismo y solo lo hace más intenso. Shadowplay es una de las pistas más sencillas, con solo un par de versos y un estribillo compuesto completamente de un pasaje de guitarra que es tan pegadizo que ha obtenido un estatus casi legendario. El resto de la canción suena más a un tipo de punk rock reprimido con notas de guitarra mucho menos duras que en muchas de las otras pistas. Hay suficiente uso de efectos de sonido en esta pista que de alguna manera construyen hacia este tipo de paisaje infernal industrial o atmósfera espeluznante que establece la letra. Creo que se supone que esto trata sobre la desrealización; "I was moving through the silence without motion" o "In a room with a window in the corner" me parecen ser él en su espacio mental tratando de volver al "centro de la ciudad", convertirse en el centro de sus decisiones una vez más y convertirse en la persona que solía ser, finalmente dándose cuenta de que se dejó llevar por una transformación y fue utilizado por otras personas de una manera que lo hizo incapaz de vivir su vida de una manera en la que no estuviera alienado de todo. Wilderness, es para mi la pista más débil de este álbum, creo que si bien Wilderness tiene muchos aspectos redentores, como un nuevo territorio lírico de un ángulo antirreligioso y una línea de bajo bastante buena de Hook, la canción simplemente no es lo suficientemente larga como para desarrollarse o tener las complejidades de muchas de las otras canciones aquí, ya que creo que es solo una buena canción en general, mientras que las otras aquí realmente logran algo. 

Interzone es otra pista fenomenal donde Joy Division vuelve a sus raíces punk británicas de los años 70 y saca fácilmente la canción más simplista de todo este asunto, con un riff de guitarra y una línea de bajo simples pero pegadizos y una entrega vocal casi himno de Hook con Curtis respaldándolo. Es una canción muy satisfactoria en la que Joy Division vuelve a lo probado y verdadero y puede hacer una canción muy buena con ella. También es sorprendente el hecho de que 9 pistas después todavía sean capaces de sacar ases de la manga de manera constante como esta. Cierra con I Remember Nothing, engañoso y furtivo, en las esquinas de callejones torcidos y calles secundarias, la banda juega su ultimo truco, el zumbido del sintetizador es constante y espeluznante, mientras el bajo y las guitarras hacen riffs sobre una nota, cambiando solo una vez cada dos o tres compases sin intentar encontrar ninguna melodía. Los tambores se arrastran a través de este desagüe de paisaje sonoro de manera muy metódica, aunque la cadencia no es demasiado lenta, y Curtis ofrece una interpretación vocal más desgarradora que martilla los sentimientos generales que flotan en todo el álbum sobre la alienación, la angustia, la rabia y sus consecuencias. Como muchos grandes temas finales, esta canción te hace reflexionar y te arranca de cualquier familiaridad que hayas formado con los riffs más simplistas y digeribles de la segunda cara del álbum y refuerza la tragedia y el horror subyacentes que alberga todo el álbum.

 

Es un álbum esencial que es demasiado fácil de pasar por alto. Creo que hay algunos álbumes a los que realmente no se les pueden dar suficientes oportunidades y este es uno en el que comprender el contexto, la composición y lo que estaban tratando de hacer con la instrumentación es extremadamente gratificante.

1401 - The Rolling Stones - Hot Stuff

1401 - The Rolling Stones - Hot Stuff

"Hot Stuff" es una canción de la legendaria banda británica The Rolling Stones, incluida en su álbum Black and Blue de 1976. Esta canción marca una desviación interesante del sonido habitual de la banda, con una mezcla de géneros que refleja la apertura de los Stones a las influencias musicales que estaban en auge en la década de los 70, particularmente el funk y la disco music. Escrita principalmente por Mick Jagger y Keith Richards, “Hot Stuff” representa una experimentación audaz con ritmos y sonidos que se alejaban del tradicional rock 'n' roll por el que la banda era más conocida.

Lo primero que llama la atención de "Hot Stuff" es su groove pegajoso y su riff de guitarra, que establece un ambiente cargado de ritmo desde los primeros compases. El riff, construido sobre una base funk, es sostenido por una sólida línea de bajo y una batería que mantiene un patrón repetitivo pero efectivo, cortesía de Charlie Watts. La canción presenta una sección rítmica pronunciada y dinámica que es fundamental para mantener su energía y vitalidad.

Uno de los aspectos más destacados de "Hot Stuff" es la participación de los músicos adicionales que le dan un aire fresco al sonido de los Stones. El guitarrista Harvey Mandel, quien colaboró con la banda en el álbum, aporta su característico estilo con un solo de guitarra que fusiona elementos de blues y rock con la cadencia más suelta del funk. Además, la inclusión de Billy Preston en los teclados agrega una capa extra de soul y energía al track, realzando su enfoque bailable y movido.

En cuanto a la voz, Mick Jagger despliega su carisma habitual, pero con un tono más relajado y sensual que en otros temas. Su interpretación se ajusta a la atmósfera lúdica y ligera de la canción, ofreciendo un enfoque más centrado en el ritmo que en la melodía vocal tradicional. Las letras, como muchas de sus canciones de esta época, exploran temas de deseo y atracción física, manteniendo el tono provocativo característico de Jagger.

"Hot Stuff" fue lanzada como sencillo, pero no alcanzó el mismo éxito que algunos de los grandes clásicos de la banda. Sin embargo, destaca por ser un ejemplo de cómo los Stones fueron capaces de adaptarse y experimentar con las corrientes musicales del momento sin perder su esencia. A pesar de que muchos fanáticos del rock más tradicional de los Stones pueden haberla visto como una desviación, "Hot Stuff" fue un precursor de la dirección más variada y ecléctica que la banda seguiría en álbumes posteriores.

"Hot Stuff" es una pieza clave dentro de la discografía de The Rolling Stones, no tanto por su popularidad, sino por ser una muestra de su capacidad de reinvención. La combinación de rock, funk y disco convierte a este tema en una curiosidad musical que refleja la versatilidad de la banda en una era de transformación sonora.

Daniel 

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