Disco de la semana 330: Hail To The Heroes - Girish And The Chronicles

 

Hail To The Heroes, GATC

     En un país donde prácticamente toda la industria cinematográfica y musical se encuentra eclipsado por el mundo de Bollywood, es donde por casualidad encontré una banda que con un estilo comletamente diferente, está llamada, si no se tuerce por el camino, a ser una de las próximas dominadoras de la escena musical del heavy rock: Girish and the Chronicles.

Nos vamos a remontar a la juventud de los hermanos Pradhan, Girish y Yogesh. Según Girish, cuando su hermano Yogesh estaba aprendiendo a tocar la guitarra, él también se puso, y en el poceso descubrió que podía cantar y hacerlo mucho mejor cuando tocaba dicho instrumento. Así es como Girish comenzó en sus inicios a imitar a artistas como Bon jovi, Steven Tyler o Bruce Dickinson, estos dos últimos sus mayores influencias. En aquellos años, un amigo de Girish subió al famoso canal Youtube una versión que este había hecho de la canción I Don't Want To Miss a Thing de Aerosmith. A raíz de aquel vídeo empezaron a llegar comentarios y visitas de todas partes, lo que impulsó a Girish en 2008 a crear su  propio canal de youtube, un canal que ahora es un canal reservado para la banda.

Un año después es cuando nace Girish and the Chronicles, también conocidos por sus siglas, GATC, en la localidad india de Gangtok en 2009. A Girish (vocalista y guitarra rítmica) y Yogesh (bajo), se unen Suraz Sun (guitarra principal) y Nagen Mongrati (batería). Ese mismo año, en 2009, la banda lanza su primer sencillo promocional, Angel, al que segurían una serie de demos y lanzamientos entre 2011 y 2013, principalmente a través del canal Youtube. 

En el año 2014 llegará el primer álbum de estudio de la banda, su disco debut, Back On Earth. En un país donde por entonces Spotify todavía no se había lanzado al mercado indio e iTunes era algo a lo que no todos tenían acceso, únicamente les quedaba el canal Youtube, y sumado al hecho de que la banda estaba más enfocada en las giras, hizo que el grupo no tuviera excesivo interés en lanzar un disco. A principios de 2013, y sin estar seguros como iban a lanzarlo, la banda se muda a Bangalore para grabar el material del que ya disponían desde el año 2012, junto con algún que otro tema compuesto para la ocasión. A mediados de ese año se ponen en contacto con Universal Music India y consiguen llegar a un acuerdo para lanzar el disco debut. Back On Earth no llegó a tener un gran impacto. La banda conseguiría filmar el disco completo más tarde con Music Mojo (Kappa TV) y fue lanzado en Youtube, lo que ayudó a llegar a un público más amplio.

Después de algun que otro single la banda publica su segundo álbum de estudio en 2020, Rock the Highway. Este disco supone un punto de inlfexión de una banda que sigue creciendo y asentandose en el panorama muical. La revista Rolling Stone se llega a hacer eco de este álbum, llegando a decir del mismo que es "puro caos para cualquier fanático del rock y el metal de los 80", y la revista especializada Metalsucks incluyó este álbum en la tercera posición de su lista "Los 15 mejores álbumes de metal de 2020 de Vince Neilstein".

A principios de 2021 la banda firma un contrato con la discográfica Frontiers Records, convirtiéndose en la primera banda india en ser firmada por el sello. Así llega Hail to the Heroes, el disco recomendado para la ocasión, publicado el 11 de febrero de 2022. Con este tercer trabajo la banda demuestra una solida madurez, no han inventado nada, se mueven como peces en el agua en el heavy rock que tantas alegrías nos dio en la década de los años 80 y principios de los 90, pero con una producción adecuada al siglo XXI. Y nos lo van a demostrar durane los 12 temas que componen este disco. Temas como Primeval Desire, con un sonido muy norteamericano, temas más cañeros, como Children Of the Night, con una sección rítmica mucho más pesada que el tema anterior y con un rollo muy trash, Love's Damnation, que sigue una línea muy similar al tema anterior;, el melódico Clearing The Blur y el también rock melódico Lovers Train; Hail To The Heroes, que contiene una pequeña intro, y que es una clara muestra de las influencias del grupo en el hard rock de los 80, Shamans Of Time, donde Girish nos regala una interpreción vocal brutal, o Rock N' Roll Fever, donde cuentan con la colaboración del percusionista norteamercano Chris Adler, el guitarrista Rowan Robertson y del músico Myrone.

Hail To The Heroes, como su propio título indica, es todo un homenaje a los héroes del rock y de los que la banda se ha nutrido e influeciado en su carrera, rock de la vieja escuela de finales de los ochenta y principios de los noventa. El grupo ya se ha ganado el reconocmiento de la industria de la música dentro de su país, y ahora se encuentran en plena expansión fuera de sus fronteras, habiendo compartido escenario ya para grupos como Skid Row, Kamelot o Bonfire, y han sido sido anunciados como teloneros ni más ni menos que de Guns 'N Roses en el Etihad Arena de Abu Dhabi para su concierto el día 1 de julio de 2023. Este mismo año, la banda ha regrabado, mejorando la producción y el sonido, su álbum debut, Back On Earth, y además tienen anunciados cuatro conciertos en nuestro país, en Madrid (6 de julio, sala Revi Live), Burgos (7 de julio, festival Zurbarán Rock), Santander (8 de julio, Escenario) y Cangas do Morrazo (9 de julio, Salason), por lo que si puedes no deberías perderte el gran potencial de esta banda en directo.

0889.- Bluebird - Bonnie Raitt

Bonnie Raitt nació en uno de los hogares musicales más eminentes de Estados Unidos: su padre era el famoso cantante y actor de Broadway John Raitt, Su madre, Marjorie Haydock, era una pianista consumada. El matrimonio no duró. Ha recibido diez premios Grammy, también figura en el puesto 50 en la lista de los 100 mejores cantantes de todos los tiempos de la revista Rolling Stone y en el puesto 89 en su lista de los 100 mejores guitarristas de todos los tiempos. Ha sido llamada la mejor guitarrista slide viva en la actualidad y aclamada como una de las 25 mejores artistas de blues de los últimos cincuenta años. Cantante de folk, intérprete de blues/roots, rock and roll, especialista de baladas: Bonnie Raitt lo ha visto todo y lo ha hecho todo. Sacó varios discos geniales en la década de 1970 y se convirtió en la niña mimada de la crítica (esto significa, que apenas vendió ningún álbum). Entró y salió del alcoholismo y del abuso de drogas.

Tenía veintiún años cuando lanzó su primer disco en 1971. Fue un asunto bastante tranquilo, considerando su herencia musical, pero Bonnie estaba siguiendo su propio camino: el camino del blues. En retrospectiva, su primer álbum nos mostró todo lo que iba a ser. La canción de apertura 'Bluebird' fue escrita por Stephen Stills y lanzada por él como miembro de Buffalo Springfield a mediados de la década de 1960. Stills lo interpretó como un deslumbrante folk-rockero que enfatizó su forma virtuosa de tocar la guitarra y su inclinación por la construcción tipo suite que resultó ser la base de Crosby, Stills y Hash (juego de palabras). Era una melodía hipnótica en el arreglo original que incluía banjo, psicodélicos y una gran cantidad de noodles, pero Bonnie tenía una visión diferente de la pista y entregó algo sorprendente, algo deliberadamente discreto, sin solo de guitarra, pero con un ritmo funky de Nueva Orleans. complementado con

0888 - Neil Diamond - I am I said

0889 - Neil Diamond - I am I said

"I Am... I Said" es una canción icónica del cantante y compositor estadounidense Neil Diamond. Fue lanzada en 1971 como parte de su álbum "Stones". La canción destaca por su emotiva letra y la poderosa interpretación vocal de Neil Diamond, convirtiéndose en uno de sus mayores éxitos.

La letra de "I Am... I Said" refleja la sensación de soledad y desorientación de un individuo en busca de su lugar en el mundo. Neil Diamond canta sobre un sentido de desarraigo y una búsqueda interna de identidad. La frase repetitiva "I am... I said" (Yo soy... dije) se convierte en un estribillo pegadizo y se convierte en el leitmotiv de la canción, reforzando el tema central.

La melodía de la canción es melancólica y evocadora, con un piano y una guitarra acústica que brindan un acompañamiento sencillo pero efectivo. La voz distintiva de Neil Diamond transmite una profunda emoción y vulnerabilidad, capturando la angustia y la determinación del narrador mientras lucha con su propio sentido de identidad y propósito.

"I Am... I Said" ha perdurado en el tiempo como una de las canciones más memorables de Neil Diamond. Su resonancia emocional y la habilidad del cantante para transmitir sus sentimientos de manera auténtica la han convertido en un clásico atemporal. La canción ha sido interpretada en conciertos y continúa siendo apreciada por sus seguidores, ya que se conecta con la experiencia humana universal de buscar un sentido de pertenencia y autenticidad.

"I Am... I Said" es una poderosa balada de Neil Diamond que explora temas de identidad y búsqueda de propósito. Con una melodía emotiva y una interpretación vocal conmovedora, la canción ha dejado una huella duradera en la música popular y sigue siendo admirada como una de las obras maestras de Neil Diamond.

Daniel
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King Creole de Elvis Presley: Una joya del rock and roll en el reinado del Rey #mesElvisPresley

King Creole de Elvis Presley: Una joya del rock and roll en el reinado del Rey #mesElvisPresley

King Creole es un álbum icónico lanzado por el legendario artista Elvis Presley en 1958. Fue la banda sonora de la película homónima y se convirtió en uno de los trabajos más destacados de su carrera. Con una combinación de rock and roll, blues y baladas cautivadoras, King Creole muestra la versatilidad y el talento innato de Elvis Presley como cantante y performer. En este análisis, exploraremos las distintas facetas de este álbum y su impacto en la música popular.

El álbum abre con la enérgica canción que lleva el mismo nombre, King Creole, una pista que establece el tono rockero y rebelde del álbum. Elvis Presley demuestra su habilidad vocal excepcional y su habilidad para transmitir la pasión en cada nota. La instrumentación en esta canción es poderosa, con destacados solos de guitarra y un ritmo contagioso que invita a bailar.

Otra canción destacada es Hard Headed Woman, un clásico del rock and roll que muestra la destreza vocal y el carisma de Elvis Presley. Con su voz única y su entrega apasionada, logra transmitir la historia de una mujer testaruda y desafiante. La fusión de rock and roll y blues en esta pista es perfecta, creando una atmósfera enérgica y cautivadora.

En contraste, Don't Ask Me Why es una balada conmovedora que destaca por la emotividad y vulnerabilidad en la interpretación de Elvis Presley. Su voz suave y melódica transmite una sensación de nostalgia y anhelo, y la instrumentación suave y los arreglos de cuerda complementan perfectamente el tono romántico de la canción.

El álbum continúa con Lover Doll, una canción más alegre y optimista que muestra la versatilidad de Elvis Presley. Aquí, su voz se mezcla con armonías vocales y melodías pegadizas, creando un ambiente festivo y alegre. La canción es un escaparate del talento de Elvis Presley como intérprete, mostrando su capacidad para abordar diferentes estilos con facilidad.

Una de las joyas del álbum es Trouble, una canción emblemática que encapsula el espíritu rebelde y seductor de Elvis Presley. Con una introducción de guitarra inolvidable y una interpretación vocal intensa, Elvis Presley demuestra su dominio del género rockabilly. La letra atrevida y la energía contagiosa hacen de esta pista una de las más memorables del álbum.

Además de las canciones destacadas mencionadas, el álbum también incluye otras gemas como Dixieland Rock, una pista animada con influencias del jazz, y Young Dreams, una balada melódica que muestra la sensibilidad lírica de Elvis Presley.

King Creole de Elvis Presley es un álbum que destaca por su diversidad musical y la maestría vocal de su intérprete. Elvis Presley demuestra una vez más por qué es conocido como el Rey del rock and roll, con su habilidad para abordar diferentes estilos musicales y su capacidad para transmitir emociones a través de su voz única.

El álbum captura la esencia del sonido de los años 50 y establece a Elvis Presley como una figura dominante en la música popular de la época. King Creole es un testimonio del talento y la influencia duradera de Elvis Presley en la historia de la música.

King Creole es una joya del rock and roll que merece un lugar destacado en la discografía de Elvis Presley. Con su combinación de canciones enérgicas, baladas emotivas y un estilo único, este álbum sigue siendo una prueba del talento y el legado perdurable del Rey del rock and roll.

Daniel

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0887.- Without you - Harry Nilsson

"Without You" era una canción original de Pete Ham y Tom Evans, del grupo inglés de rock Badfinger, que la grabó por primera vez en 1970 para su álbum "No Dice". Cuando Harry Nilsson la escuchó por primera vez en 1971, creyó estar oyendo una canción de The Beatles, pero cuando se dio cuenta de que los que cantaban no eran los chicos de Liverpool, se atrevió a grabar su propia versión para su disco "Nilsson Schmilsson", y la lanzó como single en Octubre de 1971, con la canción "Gotta get up" en la cara B.

El single alcanzó los primeros puestos de las listas de ventas, convirtiéndose en una de las canciones más emblemáticas de toda su carrera, manteniéndose en lo más alto del Billboard estadounidense y las listas de singles de UK durante varias semanas. Fue también número 1 de ventas en países como Australia, Irlanda o Nueva Zelanda, coronándose como una de las baladas de rock más comerciales de todos los tiempos, eclipsando a la versión original hasta el punto de que muchos creyeran erróneamente que se trataba de un tema original suyo.

La idea inicial de Nilsson era convertir la canción de Badfinger en una pieza de piano, pero el productor Richard Perry le convención de que la transformara en una gran balada apoyada en los arreglos de una orquesta completa. Entre los músicos que participaron en la grabación de la remozada e histórica versión de "Without You" estaban Gary Wright (que había trabajado previamente con Badfinger y George Harrison) al piano, Klaus Voormann al bajo, Jim Keltner a la batería y John Uribe a la guitarra acústica.

0886.- A pillow of winds - Pink Floyd

Pink Floyd es uno de los nombres más importantes en el mundo de la música y sus canciones son amadas por millones de fanáticos en todo el mundo. Una de las canciones más populares de la banda es A Pillow of Winds, que fue lanzada en 1971 como parte de su álbum Meddle. La canción es una de las piezas musicales más icónicas y duraderas jamás grabadas. A pillow of winds es una canción de amor acústica suave, que puede ser poco comun en el repertorio del grupo, considerando el material anterior (y futuro) de la banda. El guitarrista David Gilmour compuso la secuencia de acordes, tocada en una serie de arpegios, y Roger Waters escribió la melodía y la letra. Esta canción también presenta el trabajo de guitarra deslizante de Gilmour, así como un bajo sin trastes interpretado por Waters, es una canción de amor, pero mucho más rica que las canciones de amor populares que llenan las listas de éxitos. La letra de A Pillow of Winds es poética y enigmática, lo cual es típico del estilo de Pink Floyd. En esencia, la canción trata de encontrar paz y comodidad en el mundo natural, lejos del caos y el ruido de la sociedad moderna. El verso inicial encuentra a los amantes acurrucados juntos en la cama a la luz de las velas que se desvanecen. Además de la letra poética, A Pillow of Winds tiene un estilo musical distintivo que complementa perfectamente la letra. La canción presenta una melodía lenta y soñadora con un ritmo fluido que crea un tono relajado y calmante. El uso de guitarras acústicas, percusión sutil y armonías vocales en capas dan a la canción una sensación cálida y orgánica que refleja los temas de la naturaleza y la paz.S egún Nick Mason, el título de la canción se origina en una posible mano en el juego de mahjong, del que la banda se había enamorado durante la gira. El título de la canción es una metáfora de la sensación de ser llevado por la vida, como una almohada en el viento. La idea de una almohada sugiere una sensación de comodidad y seguridad, que es algo que muchas personas encuentran en la naturaleza.

0885.- Echoes - Pink Floyd

"Echoes" es la canción principal del disco Meddle (1971) de Pink Floyd y su esfuerzo musical más encomiable para el disco. Hablamos de, probablemente, la composición más elaborada de la historia de la banda, por encima de otras ambiciosas aventuras musicales como Atom Heart Mother o Shine on you crazy diamond, precisamente los únicos dos temas que, por poco (y considerando las dos partes de Shine on you crazy diamond como el tema único que en un principio concibieron) la superarían en duración.

Estratégicamente situada como cierre del disco (ocupando toda la segunda cara en el formato de vinilo), en los más de 23 minutos de Echoes, asistimos a un impresionante despliegue de tramos instrumentales y atmosféricos efectos de sonido, en una composición que corrió a cargo de todos los miembros de Pink Floyd. La creación de un tema tan largo estuvo inevitablemente basada en composiciones e improvisaciones más pequeñas, que se fueron insertando en el conjunto, pero a diferencia de Atom Heart Mother, de la que se diferenciaron y nombraron sus diferentes partes, Echoes se presentó al mundo como un todo cohesionado y cerrado, y solamente se dividió en dos partes para utilizarla como apertura y cierre del filme del concierto Live at Pompeii.

La canción comienza con el solitario sonido de una nota de Richard Wright al piano, extrañamente amplificado y tratado para que suene como el sonar de un submarino. A partir de ese sonido aislado, Wright se lanza a una improvisación de piano, a la que se une David Gilmour con un delicado solo de guitarra. Según el tema va creciendo, se van incorporando el bajo de Roger Waters y la batería de Nick Mason, arropados por la intensidad de un órgano Hammond, y la evocadora letra cantada por Wright y Gilmour. Éste último aporta al tema una impresionante capa de múltiples guitarras en superposición, repartiendo solos distorsionados y efectivos riffs de fondo a diestro y siniestro.

Elvis - #MesElvisPresley

 

Elvis Elvis Presley

     Elvis, también conocido como Elvis Presley No. 2, es el segundo álbum de estudio del cantante de Rock & Roll estadounidense Elvis Presley. El disco fue grabado entre enero y septiembre de 1956 en los  Radio Recorders Studio de Los Ángeles y los RCA Victor Studios de Nueva York, bajo la producción de Steve Sholes, y publicado el 19 de octubre de 1956 por el sello discográfico RCA Victor. El personal que colabora con Elvis en este disco son Scotty Moore a la guitarra, Shoty Long  y Gordon Stoker al piano, Bill Black al bajo, D. J. Fontana a la batería, y el formidable grupo The Jordanaires a los coros. En un principio, el pianista de este disco no fu registrado en los archivos oficiales de RCA Victor, a excepción de la canción So Glad You're Mine. En una entrevista realizada en 1984, Gordon Stoker, del grupo The Jordanaires, afirmó ser el pianista que grabó la mayoría e las canciones del álbum.

Fue lanzado originalmente en el Reino Unido en 1957 bajo el título Elvis Presley No. 2 con una portada diferente. Este fue el primer disco que utilizó la práctica durante los primeros años de acreditar a Presley solo por su nombre en carátulas de los  álbumes, Elvis, aunque su nombre completo continuó usándose en las etiquetas. El disco pasó cuatro semanas instalado en el puesto número 1 en la lista estadounidense Billboard Top Pop Albums Chart, convirtiendo al artista en el primero en tener dos discos dirctamente en el número uno en el mismo año, el disco debut, Elvis Presley y éste segundo, Elvis. 

Será el productor Steve Sholes quien encargue el tema Paralyzed, escrita por Otis Blackwell para este segundo álbum de Elvis, donde además el cantante recibió crédito parcial como compositor del tema. También tiró de un tema de Jerry Leiber y Mike Stoller, los autores el éxito del verano de Elvis, Hound Dog, así surge  y se graba Love Me, concebida como una parodia de la música country y del oeste, fue grabada por primera vez en 1954 por el dúo de R&B Willy & Ruth. La canción no fue lanzada como sencillo para evitar confusiones con Love Me Tender.

Elvis se decantó para este segundo disco por tres versiones de Little Richard, de las que destacan Long Tall sally, escrita por Robert Blackwell, Enotris Johnson y el propio Little Richard, quien la lanzó como sencillo en marzo de 1956. Esta canción figura en la lista de Rolling Stone de "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos", y ha sido muy versionada por otros ilustres, como Fleetwood Mac, The Kinks o The Beatles; y Ready Teddy, escrita por John Marascalco y Robert Blackwell, y grabada por Richard por primera vez también en 1956. Otro clásico muy versionado a lo largo de la historia por artistas como Buddy Holly, The Tornados o Tony Sheridan entre otros muchos. 

También figuran delicias como When My Blue Moon Turns to Gold again, una canción que data de 1940, cuando la compusieron Wiley Walker y Gene Sullivan en 1940, y que fue grabada por primera vez en 1941; la triste y quejumbrosa balada First in Line, escrita por Aaron Schroeder y Ben Weisman. Esta fue la primera canción que Weisman escribió para Elvis Presley; y Old Shep, compuesta por Red Foley, con letra de Arthur Willis, y graba por Foley en 1935. La canción trata sobre un perro que Foley tenía cuando era niño. El perro, un pastor alemán llamado Hoover, fue envenenado por un vecino. Esta canción fue interpretada por Elvis por primera vez el 3 de octubre de 1945, con diez años de edad, para un concurso de canto en una feria de Mississippi, en el estado de Alabama. En aquel concurso quedó quinto y recibió un premio de cinco dólares y un boleto gratis para las atracciones de la feria. En 1951, contando con dieciséis años, volvió a realizarla para un concurso de talentos en la escuela de secundaria LC Humes, donde estudiaba. Finalmente, y como no podía ser de otra forma, acabaría grabándola en este su segundo álbum de estudio.

Estamos ante un disco que tuvo un gran impacto en la industria musical y la cultura popular de la época, siendo uno de los primeros discos de rock and roll en alcanzar una gran popularidad entre el público, y empezando a proyectar la figura de Elvis Presley como un icono y líder del género. Con sus exitosas canciones, este disco ayudó a situar la figura de Elvis como uno de los grandes exponentes de un género musical que revolucionaría la industria musical.

0884-. Fearless Pink Floyd

 

Fearless, Pink Floyd

     El sexto álbum de estudio de Pink Floyd, Meddle, sería el que confirmaría el cambio de dirección del grupo hacia los designios del rock progresivo. David Gilmour, Roger Waters, Richard Wright y Nick Mason dejan de lado los sonidos orquestales que tanto protagonismo habían tenido en Atom Heart Mother para dar paso a las improvisaciones y la experimentación en el estudio.

Así nace Meddle, grabado entre enero y agosto de 1971 en varios estudios de grabción de londres, entre los que se encuentran los Abbey Road Studios. En cuanto a composición del material, este disco muestra un esfuerzo de todo el grupo a la hora de aportar, si bien en posteriores discos sería Roger Waters el que asumiría la mayoría de la responsabilidad a la hora de escribir las letras. El disco fue publicado, bajo el sello discográfico Harvest el 31 de octubre de 1971 en Estados Unidos, y el 13 de noviembre de 1971 en Reino Unido. Para concebir Meddle, el grupo no tenía ningún tema central en el que apoyarse para el proyecto, por lo que decidieron usar varios experimentos en un intento de estimular el proceso creativo. El disco se grabó a ratos entre las multiples obligaciones de la banda, por lo cual la produción delmismo se alargó mucho. A pesar de las buenas reseñas por parte de la crítica musical del momento y de conseguir muy buenas cifras en Reino Unido, la pésima publicidad por parte de la distribuidora en Estados Unidos condenó al fracaso de este excelente álbum en dicho país.

Incluido en este incomprendido trabajo de la banda se encuentra Fearless, acreditada a Gilmour y Waters, tema lento y acústico con el sonido de una guitarra afinada a la española. En la canción podemos escuchar el mítico I'll Never Walk Alone, compuesto por Rodgers y Hammerstein, grabado a pie de campo por los aficionados durante un partido de fútbol, concretamente los del Liverpool, quienes usan este tema como himno de su equipo.

Disco de la semana 329: Chulahoma - The Black Keys

 

Siempre he sido bastante fan de The Black Keys por su fuerza y la diversión que trasmiten, es por eso que me he sorbido sus disco pero un buen día llego a mi conocimiento la existencia de un EP de The Black Keys que aún no había escuchado y que consistía en canciones escritas originalmente por Junior Kimbrough, tenia que poner solución así que les propuse que para empezar el mes de junio no íbamos a tener disco de la semana, sino que se transformaría en el EP de la semana, ellos al comprobar el artista que proponía me dieron su beneplácito y bueno, 7 canciones y casi media hora es un buen EP, hemos reseñado discos con menos canciones.

Lo primero es presentar a Junior Kimbrough, que fue una de las primeras influencias del pionero del rockabilly Charlie Feathers, y representaba la visión modélica e hipnótica del bluesman del Delta del Mississippi, a pesar de que su carrera no trascendió mas allá de su región hasta que a principios de los 90, cuando apareció en la película de 1991 'Deep Blues'. Junior Kimbrough nació y creció en Hudsonville, Mississippi, donde aprendió a tocar la guitarra escuchando discos de los bluesmen del Delta. En 1968, cortó su primer sencillo, 'Tramp', para el sello local Philwood. Durante los años 70 y 80, Kimbrough toco a lo largo del Mississippi, donde el periodista musical Robert Palmer lo descubrió a finales de los años 80. Palmer presentó a Kimbrough en su documental 'Deep Blues'. Esto le condujo a un contrato discográfico nacional con Fat Possum y lanzó su primer álbum de larga duración, 'All Night Long', en 1992. El disco fue aclamado por la crítica tanto de ambientes blues como de otras tendencias. Después de una oleada hiperactiva en 1992, Junior Kimbrough volvió a tocar por el Delta, grabando su segundo álbum, 'Sad Days, Lonely Nights', en 1993. Las cosas empezaron a no ir bien en 1997, y un año después Kimbrough regresó con 'God Knows I Tried'. Murió de un ataque al corazón el 17 de enero de 1998.

Muchos álbumes tributo parecen nada más que artistas que han perdido la inspiración y deciden extraer viejos discos por un falso sentido de lo nuevo, pero en Chulahoma: The Songs of Junior Kimbrough, Dan Auerbach y Patrick Carney, conocidos juntos como The Black Keys , canalizan el espíritu del difunto Kimbrough con inmensa dedicación y precisión, sin apropiarse nunca de las canciones pero logrando dejar su propia huella en ellas. En las breves notas que acompañan al álbum, Auerbach habla de su fascinación por Kimbrough que lo inspiró a dejar la escuela para trabajar en su técnica de guitarra y ese amor es evidente aquí con el trato cálido y expresivo que él y Carney le dan a algunas de las mejores canciones de Kimbrough, como la suave y bellamente sentida “Meet Me In The City”. La canción está llena de afecto y romance, como los que son raros en la música blues y The Keys, que no rehúyen lo extraño y psicodélico, la tocan con la delicadeza y el detalle que la música de Kimbrough merece. La versión de Black Key de "My Mind is Ramblin" es como las luces de la calle que brillan en una carretera mojada: una canción llena de imágenes nítidas y contrastes audaces. Todo en este EP es poderoso y conmovedor. Otro de los momentos brillantes del EP es probablemente el minuto 2:15 en "Have Mercy On Me" cuando Dan comienza a hacer un solo de guitarra (que llega a su clímax alrededor de las 3:15). Solo cierro los ojos, empiezo a mecer todo mi cuerpo al ritmo del tambor y dejo qu e el tono de su guitarra me transporte a lugares lejanos. El órgano que entra en el minuto 1:04 es impresionante y no demasiado autoritario como para quitarle la sensación de blues de la canción.

Al escuchar estas canciones, es evidente lo arraigadas que están en la mente y el alma de Auerbach, pero en lugar de recrear las canciones de su héroe, tomó la inspiración de su juventud y la usó para reinterpretar estas canciones a través de su propia voz, permitiéndoles solo coquetear brevemente con los originales crudos de Kimbrough. Es un tributo hermoso, a menudo extraño, a un gigante del blues moderno que es perfecto para una noche de sábado oscura, solitaria y tranquila; una noche en la que el propio Kimbrough probablemente habría estado en su Juke Joint, en Chulahoma, Mississippi, manteniendo las caderas y los corazones de su público moviéndose y palpitando. En lo que respecta a los Keys, Chulahoma es, con mucho, uno de sus trabajos más singulares y menos apreciados y se deslizará en sus corazones como Kimbrough se deslizó en los Keys. En ese sentido, si te gusta Chulahoma, asegúrate de respetar a la leyenda que inspiró el álbum tributo y echa un vistazo a algunos de los trabajos de Junior. Ninguno defraudará.

0883.- One of these days - Pink Floyd

"One of These Days" es la pista instrumental que da comienzo a "Meddle" (1971), uno de los mejores discos publicados por la banda británica Pink Floyd, y es junto a "Echoes" el tema más destacado y más progresivo del disco. Creada en su mayor parte a base de improvisaciones en el estudio y con la participación de toda la banda al completo, posee un sonido rotundo y fuertemente marcado por la línea de bajo de Roger Waters, y una atmósfera muy particular e hipnótica, a pesar de dejar un poco a un lado las estructuras psicodélicas de discos anteriores, para adentrarse con fuerza en terrenos más progresivos y rockeros.

Comienza con el mencionado bajo de Roger Waters, al que se van poco a poco uniendo el resto de instrumentos y efectos, haciendo que la tensión musical del tema vaya cada vez más en aumento. Pese a no tener letra, la canción incluye la voz distorsionada del batería Nick Mason diciendo "One of these days, I'm going to cut you into little pieces" ("Uno de estos días, te voy a cortar en pedacitos"). Más allá del impactante y poco tranquilizador mensaje, son la fuerza y la tensión de la música las que han hecho de "One of These Days" una de las canciones más aclamadas de la banda, y una pieza imprescindible en la mayor parte de sus conciertos.

0882-. I'd love to Change the World- Ten Years After

 

I'd Love to Change the World, Ten Years After

     En agosto de 1971 se publica el sexto álbum de estudio de la banda británica Ten Years After, titulado A Space in Time. El disco es grabado en los Olympic Studios de Londres bajo la producción misma del grupo y publicado por el sello discográfico Chrysalis Records para el mercado europeo y por Columbia Records para Estados Unidos. Este trabajo se caracteriza por tener un sonido menos pesado que discos anteriores, incluyendo más guitarra acústica. El disco llegó a alcanzar el puesto 17 en la lista estadounidense Billboard 200.

De todos los temas, destaca sobremanera la tercera pista del álbum, I'd Love to Change the World, que combina un coro acústico y melódico con potentes riffs de guitarra ejecutados por el gran Alvin Lee. Este tema llegó a alcanzar el puesto número 10 en las listas de Canadá y el puesto 40 en las listas de Estados Unidos. Fue escrito por Alvin Lee y presenta un patrón de acordes inspirado en el folk para apoyar la melodía. El eco de las voces y la guitarra de Alvin Lee se mezclan para dar un gran aire a la canción.

La canción es un gran alegato sobre los grandes problemas que existían en aquellos años, la superpoblación, desigualdad económica, contaminación o la guerra, en especial la de Vietnam. Alvin Lee consideraba que esta canción sería igual de relevante con el paso del tiempo, ya que muchos de los problemas iban a seguir ahí. "Frikis" o "Peludos" fueron algunos de los calificativos que usaron los detractores para describir a una banda que había tocado en Woodsock y que aunque no quisieran reconocerlo, tenía mucha razón.

Iggy Pop - Every loser (Mes Iggy Pop)

 

El legendario padrino del punk, Iggy Pop, regresa a la escena musical en 2003 con Every loser, su decimonoveno álbum de estudio en una larga trayectoria, probablemente equiparable a la de artistas igual de longevos como Bob Dylan, Elvis Costello, Bruce Springsteen o Neil Young, que también sigue en activo. Este lanzamiento es llamativo, pues se convierte en el primer gran estreno musical del 2023, además de que álbumes tardíos como "Post Pop Depression" volvieron la atención hacia él, y de que en este proyecto cuenta con una enorme cantidad de instrumentistas y colaboradores de renombre. Cada perdedor necesita una advertencia similar porque es, gracias a Dios, no solo 'otro' disco de Iggy Pop (este es su 19º álbum en solitario), sino un muy buen disco de Iggy Pop y está a la altura de los mejores. Está actualizado y listo para rockear. Iggy ha trabajado con muchos grandes músicos a lo largo de los años. Mientras que David Bowie es el más mencionado, Andy McCoy (Hanoi Rocks) y Steve Jones (Sex Pistols, Professionals y más) se encuentran entre la larga lista de co-conspiradores con los que ha unido fuerzas para hacer música. Para este álbum contamos con Duff McKagan (Guns n' Roses), Chad Smith (Red Hot Chilli Peppers) y Taylor Hawkins RIP (Foo Fighters). Todos ayudan a aumentar la energía y establecer el tono musical. El álbum está producido por Andrew Watt (responsable de los últimos lanzamientos en solitario de Ozzy), quien también toca la guitarra y hace un excelente trabajo en ambos aspectos.

La música de Iggy a veces es difícil de categorizar, ya que varía su estilo y ritmo musical. Este álbum no es una excepción con una mezcla de estilos, pero para los punks y rockeros comienza con Frenzy, una canción llena de bilis e ira y definitivamente no muy recomendable para las radioformulas, es un comienzo que eecuerda a los Stooges, no parece que Iggy (que tiene 75 años) se haya suavizado mucho. Strung Out Johnny ralentiza el álbum pero ciertamente no se anda con rodeos, trata temas de la adicción y las consecuencias, esta es una melodía sobresaliente e Iggy está vocalmente en buena forma, el tema toca parte de los dilemas amorosos sobre una notable combinación de New Wave y Post-Punk con ciertos aires góticos que recuerdan a los Joy Division. New Atlantis mantiene el ritmo lento y malhumorado mientras Iggy canta una carta de amor a su ciudad adoptiva de Miami, pero nos recuerda el aumento del nivel del mar que amenaza a la ciudad, así como a los gánsteres y otros maleantes, sirve además como una variación de Hard Rock que recuerda un poco a los Guns 'N' Roses. Los niveles de energía aumentan de nuevo con Modern Day Rip Off, una voz burlona y agresiva de Iggy nos mantiene enganchados y saltando (¿o debería ser pogo?) y toda la canción continúa mantiendo un cierto estilo personalizado del Glam Rock. 

Habiendo hecho latir nuestros corazones, Morning Show lo ralentiza de nuevo con una canción reflexiva sobre el envejecimiento y cómo seguir poniendo cara despreocupada, una maravillosa pieza de reflexión humana, una balada Garage Rock lo suficientemente sentimental como para equilibrar el caos anterior. The News For Andy, que viene a continuación, y My Animus Interlude, que se coloca antes de la pista final, 'The Regency', son piezas experimentales de tipo relleno, pueden entretenerte o puede que no. Vamos con Neo Punk que suena como toda la ola de 'punk' que surgió a fines de la década de 1990 y que había sido influenciada por los punks que vinieron antes, incluido, por supuesto, el propio Iggy, piense en Green Day Sum 41, etc., y tiene mucha energía y fuego para respaldarlo. Iggy realmente se está divirtiendo en este tema. All the Way Down me recuerda brevemente a la entrega vocal de Alice Cooper antes de desviarse hacia el territorio típico de Iggy, es una gran melodía con una excelente ruptura de guitarra que consigue sonar sórdido. En Comments, la voz de Iggy canta por encima de un acompañamiento de sintetizadores, guitarra y batería que brindan deliciosas ondas de sonido para crear un ritmo de principios de la década de 1980. The Regency es otra melodía no amigable con la radio, llena de ira y desesperacion, pero en algunos lugares el sonido me hace pensar en Teardrop Explodes, Iggy se burla de su camino a través de la letra como solo él puede hacerlo.

 

La voz de Iggy es capaz de transformarse para adaptarse al sonido de cada género y puede extenderse para ir desde graznidos cacofónicos hasta gruñidos monótonos. Si bien todas las canciones siguen una estructura de canción similar, Iggy Pop es capaz de crear un gancho dulce en cada una de estas canciones sin quitarle el protagonismo al elenco de apoyo, que muestr una actitud rebelde con impresionantes riffs y líneas de bajo tarareantes. A lo largo de estas pistas, se puede decir que "EVERY LOSER" es un resumen de la carrera de Iggy Pop, pues a nivel lírico, él mismo se encarga de refrendar su histórico lugar en la escena del Punk Rock, mientras que a nivel musical emplea ese sonido agresivo y crudo que tanto lo caracteriza, balanceando de vez en cuando con algo de Post-Punk, New Wave y Garage Rock. El apartado lírico no es el mejor, pues al revisar sus letras es fácil percatarse de que recurre a los típicos vicios del Punk, mucha mayormente en palabrotas y vulgaridades, las cuales pesan más sobre el ejercicio crítico; de igual manera, hay cierto desbalance en los temas más Hardcore, pues estos carecen de un gancho melódico que les lleve a buen puerto. Al final, Iggy Pop nos entrega un producto coherente que se sostiene gracias a su apartado instrumental, además es lo suficientemente disfrutable para sus fanáticos, aunque para el resto probablemente no trascenderá más allá.

0881.- Vincent - Don McLean

Don McLean se sintió atraído por la música folk desde muy joven y, mientras estaba en la universidad, comenzó a actuar en locales especializados en el género. La fama le alcanza con su segundo disco American Pie en 1971, del que se extraen sus dos grandes éxitos el homónimo American Pie (donde narra la tristeza por la muerte de los cantantes en El Día Que Murió La Música) y la canción que hoy traemos Vincent, que le convierten en una figura mundial que recorrerá todos los platós de televisión occidentales y dará numerosos conciertos.

Un 29 de julio de 1890, el famoso pintor Vincent Van Gogh, perdió la vida. Existe la versión de que intentó quitarse la vida, pero 21 años después, apareció otra versión deduciendo que la herida en el pecho fue producto de una bala perdida de René Secrétan, un adolescente quien junto con su hermano Gastón, se encontraba veraneando en Auvers. Como eran conocidos del pintor, no quiso incriminarlos y se echó la culpa del accidente. Pensando quizás que la herida no era grave, llegó a su domicilio en el sur de Francia, muriendo 2 días después. Don McLean se sintió conmovido por la lucha del pintor para mantener su cordura y por su deseo de ser amado y comprendido y que murió con apenas 37 años de trágica manera en el sur de Francia.  La canción lanzada en 1971 está inspirada en el pintor Vincent Van Gogh, una noche mientras el cantante contemplaba el cuadro del artista holandés Noche estrellada (Starry Night), que se encuentra en el Museo de Arte Moderno o MOMA de Nueva York, sintió gran curiosidad y quiso saber más sobre su obra. Después de haber leído su biografía, le puso letra y música a la excelente canción VINCENT, también conocida como Starry Starry Night, (el mismo nombre del cuadro de Van Gogh) la cual, por supuesto, es dedicada al artista y donde muestra las contrariedades del genio y pintor. Una de las estrofas dice: ”Ojos que conocen la oscuridad que hay en mi alma…” y otra que admira al artista “Vincent, este mundo nunca fue hecho para alguien tan bello como tú”. Vincent a menudo se conoce por su primera línea, “Starry starry night”, aunque la letra contiene referencias a otras obras del artista: "campos matutinos de grano de ámbar", "flores llameantes que brillan intensamente" y más, creo que es seguro decir que The Starry Night es la única obra de arte que la canción mejor resume. Los remolinos de color que se despliegan en la pintura se reflejan en los movimientos de una melodía nostálgica que parece hacer una pregunta en cada línea, y las notas de la guitarra acústica de McLean capturan la textura ondulante de las pinceladas de Van Gogh.

En los dos primeros estribillos hay referencias a la cordura de Van Gogh y luego a su suicidio. A lo largo de su vida, Van Gogh estuvo plagado de trastornos mentales, que incluían depresión severa, alucinaciones y delirios de que estaba siendo envenenado: fue diagnosticado como loco y encarcelado en un manicomio entre 1889 y 1890. Pero McLean se da cuenta de que el sufrimiento de Van Gogh solo empeoró con el confinamiento, durante el cual produjo muchas pinturas, incluidas "Irises" y "La noche estrellada" que inspiraron esta canción. “Cómo sufriste por tu cordura” se refiere al trastorno esquizofrénico que padecía Van Gogh. (Eventualmente "se quitó la vida como suelen hacer los amantes"). Sin embargo, a través de su arte, el artista trató de iluminar a otros, "para liberarlos". Las dos últimas líneas recuerdan un cuento de Oscar Wilde (su contemporáneo): “El ruiseñor y la rosa” que habla de la prenda poco apreciada de un amante. El ruiseñor sacrifica su vida cuando una espina atraviesa su corazón para que el rosal estéril pueda producir una rosa roja. Esto puede ser una alusión al famoso acto de van Gogh de sacrificar su oreja por un amor no correspondido y luego presentársela a una prostituta. También puede significar que sus obras artísticas fueron su regalo poco apreciado para el mundo. También sacrificó su vida después de haber tratado de mostrar y enseñar a otros, quienes “no querían escucharlo”.

0880 - Don McLean - American Pie

0880 - Don McLean - American Pie

American Pie es una canción icónica escrita e interpretada por Don McLean, lanzada en 1971. Esta canción ha dejado una huella indeleble en la historia de la música popular y se ha convertido en un himno que evoca la nostalgia de una época y captura el espíritu de una generación.

Con una duración de más de ocho minutos, American Pie es una epopeya musical que narra una serie de eventos y cambios culturales significativos que tuvieron lugar en Estados Unidos desde finales de la década de 1950 hasta principios de la década de 1970. La canción es famosa por su rica y poética letra, que combina metáforas, referencias históricas y personajes emblemáticos de la cultura popular.

La canción comienza con la noticia de la trágica muerte de Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper en un accidente aéreo en 1959, que se ha convertido en conocido como "El día en que murió la música". Este evento marca el inicio de una narrativa que recorre la historia del rock and roll, los movimientos sociales y políticos, y el espíritu de una nación.

A lo largo de American Pie, Don McLean alude a numerosos momentos emblemáticos de la historia estadounidense, como el asesinato de John F. Kennedy, los disturbios raciales, la Guerra de Vietnam y la contracultura de los años 60. McLean utiliza imágenes vívidas y alegorías para transmitir tanto la pérdida de inocencia como el anhelo de una era pasada.

La melodía de la canción es pegadiza y evoluciona a medida que avanza, creando un ambiente emotivo que refuerza la narrativa lírica. La voz suave y distintiva de Don McLean añade una capa adicional de profundidad y emoción a la interpretación de la canción.

American Pie se ha convertido en un clásico atemporal y ha dejado una marca duradera en la cultura musical. Ha sido versionada por numerosos artistas a lo largo de los años, pero la versión original de Don McLean sigue siendo la más querida y reconocible. La canción sigue siendo objeto de debate y análisis, con diversos intérpretes e historiadores tratando de descifrar su significado completo.

American Pie es una canción extraordinaria y conmovedora que captura el espíritu de una época y ofrece una mirada melancólica pero esperanzadora a la historia y la cultura de Estados Unidos. Su letra poética y su melodía inolvidable la han convertido en un hito en la música popular y un himno perdurable para generaciones de oyentes.

Daniel
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0879 - Grateful Dead - Playing in the band

0879 - Grateful Dead - Playing in the band

Playing in the Band es una icónica canción de la legendaria banda de rock estadounidense Grateful Dead. Fue escrita por Bob Weir y Robert Hunter, y se lanzó por primera vez en 1971 en su álbum Skull & Roses. Esta canción se convirtió rápidamente en un elemento básico de sus actuaciones en vivo y se mantuvo en su repertorio durante décadas.

Playing in the Band es un ejemplo perfecto del estilo musical único y característico de Grateful Dead. La canción comienza con un ritmo enérgico y pegadizo, impulsado por el baterista Bill Kreutzmann y el bajista Phil Lesh. La guitarra rítmica de Bob Weir proporciona una base sólida mientras el tecladista Ron "Pigpen" McKernan agrega texturas y capas con su órgano Hammond. La letra, escrita por Robert Hunter, es enigmática y evocadora, típica de su estilo poético.

Lo que hace que Playing in the Band sea verdaderamente especial es su capacidad para extenderse y explorar diferentes territorios durante las actuaciones en vivo. La canción se convierte en un vehículo para la improvisación, permitiendo que los músicos de Grateful Dead se adentren en largos pasajes instrumentales llenos de exploración musical. Estos momentos de improvisación en vivo son únicos en cada interpretación, lo que hace que cada versión de Playing in the Band sea única y emocionante.

Con su duración variable y su naturaleza impredecible, Playing in the Band se convirtió en una de las piezas centrales de los conciertos de Grateful Dead. La banda podía llevar a los fanáticos a un viaje musical, llevándolos a través de diferentes estados de ánimo y emociones a medida que la canción se desarrollaba. Estas interpretaciones en vivo a menudo involucraban a la audiencia, creando una experiencia colectiva y trascendental.

Playing in the Band de Grateful Dead es una canción emblemática que captura la esencia de la banda y su estilo musical único. Con su ritmo pegadizo, letras enigmáticas y largos pasajes de improvisación en vivo, la canción representa el espíritu aventurero y la conexión profunda que Grateful Dead tenía con su audiencia. Es un clásico atemporal que continúa deleitando a los fanáticos y mostrando la grandeza de esta legendaria banda de rock.

Daniel
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Iggy Pop - Brick by Brick (Mes Iggy Pop)

Como muchos de los lanzamientos de Iggy Pop, 'Brick by Brick' de 1990 es una escucha inconsistente, redimida solo en esos momentos en los que la entrañable rareza de Pop se asoma a través del brillo del estudio. Líricamente, durante aproximadamente la mitad del tiempo, el pop está en un estado de ánimo maduro, casi religioso. En todo momento, Iggy reúne una colección de veteranos sólidos como una roca (Waddy Wachtel, Kenny Aronoff, John Hiatt, David Lindley), y agrega algunas armas jóvenes para algunos toques de guitarra, todo ensamblado por la marchita mano pop de Don Was. , quien deja un poco de lado sus inclinaciones de producción de finales de los 80. Un poco. Los golpes de caja omnipresentes de los 80 pueden chirriar a veces (aunque eso podría decirse de casi todos los lanzamientos de sellos importantes de 1983 a 1989). La portada de Brick By Brick es excelente. Abandonando el omnipresente retrato de Iggy, en su lugar contrató al dibujante de cómics más popular del momento, Charles Burns, para diseñar una explosión de tipos de monstruos callejeros, el tipo en el que Iggy siempre se ha deslizado. Los tonos coloridos son una explosión de colores primarios de la década de 1980 que se profundiza en un callejón oscuro hacia la nueva década desconocida.

"Home", es uno de los mejores sencillos en solitario de Iggy donde canta sobre la obligación de trabajar duro y pagar tus deudas, su necesidad de convencerte de eso es completamente injustificada, pero la pura desesperación en ella es un recordatorio de la batalla interminable de Iggy contra lo aburrido y lo aburrido. El estribillo "todo el mundo necesita una casa" es divertido, un guiño a la jerga pasada de moda, Iggy como bromea como tu padre, bueno casi porque es el jodido Iggy Pop. “Main Street Eyes” es una balada líricamente nerviosa, con toques de violín, hay un arco temático más amplio en este álbum, un buen viaje de ida y vuelta y estados de ánimo debido a algunas de las letras más desarrolladas de Iggy. "I Won't Crap Out" es otro ejemplo de su desafío desesperado. “Me alegro de estar loco, me mantiene intentándolo”, una promesa de melódica a maníaca que es una de sus mejores canciones del disco, a eso hay que sumar un rastro de algunas de sus habilidades de canto. El gran éxito fue la sorprendentemente tierna "Candy", un dúo brillante con la cantante de B-52, Kate Pierson, justo cuando su banda estaba en su mejor momento en las listas de éxitos. Oírlo te hace desear que Iggy hubiera probado un álbum completo de duetos, sin duda fue uno de los mejores singles de verano de esa década. La vigilancia sórdida de la gran ciudad mala en "Butt Town" recibe su crujido de Slash y Duff McKagan, que también transmiten hábilmente en dos peones al servicio del sexo más leal, "Pussy Power" y "My Baby Wants to Rock and Roll". ”, que podrían ser restos de Instinct , aunque mejor que la mayoría de Instinct . Esos chicos de Guns N' Roses tuvieron que disfrutar aquí, probablemente felices de salir del aburrimiento de esperar a que Axl Rose tomara una decisión, y ser protagonistas.

Hay un rockero de raíces tintineante del tipo que poblaba la radio universitaria en ese momento "The Undefeated", y la arrogante "Neon Forest" y un canto sólido en "Moonlight Lady", que mantienen las cosas en linea. Gran parte del álbum tiene a Iggy ofreciendo comentarios astutos sobre el alboroto con el que tiene que lidiar en las calles de Los Ángeles o Nueva York en las que vivía, o exaltaciones para aquellos que se quedan en la cuneta mirando las estrellas. Durante "Starry Night", una especie de tontería caribeña, él, por el contrario, realmente se enfrenta a los idiotas que pueblan nuestra rutina capitalista, al igual que leyendas similares como Lou Reed y Neil Young, quienes también lanzaron álbumes semi-regreso ese mismo año, Iggy usó una "crítica de Estados Unidos" como tema general, aunque lo hace con mucho más humor que esos dos contemporáneos: humor que a menudo se olvida. "Living on the Edge of the Night", es una versión de pantalla ancha de todo lo que sucedió antes, con sintetizadores de los años 80 extra atrevidos y ese título genérico, y deja un regusto extraño. Fue el último sencillo del álbum y realmente suena como un sencillo de 1989. Pero las poderosas baladas de barrido de sintetizadores estaban en sus últimas etapas en las listas en ese momento. Bandas nuevas y más ruidosas, que pronto elogiarían a Iggy al territorio de los estadistas mayores, surgían del subsuelo, mientras que "Living on the Edge of the Night" todavía estaba nadando en las piscinas más agradables del patio trasero de Butt Town.

Si esperas a Iggy con una aproximación al sonido de los viejos títeres, te llevarás una decepción. El equipo de estudio de Was es súper profesional y está respaldado por slash and duff de Guns n Roses. Le dan a Iggy un respaldo sólido, aunque poco espectacular, con el que demuestra que es un vocalista mucho más versátil de lo que quizás se le atribuye. Mierda, incluso hay algunos números acústicos aquí. Esta fue la era de la explosión de CD donde todo el mundo pasó repentinamente de 10 canciones por álbum a 14 o más, lo que a menudo resultaba en relleno. En su mayor parte, Brick By Brick esquiva la trampa de esa era. Como es el caso de muchos rockeros boomers envejecidos que se han vuelto solitarios, el peso de las primeras expectativas y luego las inestables cifras de ventas se convirtieron en preocupaciones menos opresivas a fines de la década de 1980. E irónicamente, justo cuando Iggy llegó a ese punto relajado, se le ocurrió su disco en solitario más vendido. Allí estaba, de nuevo a la vanguardia, ya que la ironía se convertiría en el talismán de los 90 e Iggy se convertiría en el espíritu animal del rock alternativo.

0878.- You Know, You Know - Mahavishnu Orchestra

 

You Know, You Know, Mahavishnu Orchestra

     Reunámos a 5 auténticos virtuosos de 5 países diferentes y juntémoslos en un estudio, el resultado no puede ser otro que la agrupación Mahavishnu Orchestra con su magnífico e influyente álbum debut The Inner Mounting Flame. Este disco, una gran obra de jazz fusión, fue grabada en agosto de 1971 por John McLaughlin a la guitarra (quien ya había tocado con Miles Davis y Tony Williams), el violinista Jerry Goodman, el tecladista Jan Hammer, el bajista Rick Laird y el baterista Billy Cobham, en los CBS Studios de Nueva York, bajo la producción de John McLaughlin, y publicado ese mismo año por el sello discográfico Columbia Records. Estamos ante un disco con un sonido innovador que combina con maestría elementos de jazz, rock y música clásica, y que además del gran álbum Bitches Brew de Miles Davis, ayudó a definir la fusión del jazz con el rock. El disco combina composiciones originales y arreglos de canciones tradicionales indias y occidentales.

Incluido en este álbum se encuentra You Know, Yow Know, tema instrumental acreditado a McLaughlin y que se caracteriza por su gran complejidad en la estructura musical. La canción comienza con un rabioso riff de guitarra que se convierte en la base y eje principal de la canción, y sobre ese riff la batería de Cobham y el bajo de Laird construyen un magnífico groove rítmico (Muy popular en el jazz, se llama así a la sensación y sentido del swing creado por la interpretación de la música interpretada por la sección rítmica de una banda: bajo eléctrico o contrabajo, guitarra y teclados).Durante la canción experimentamos varios cambios de tempo y ritmo, y presenta partes con solos de guitarra de McLaughlin espectaculares, donde deja muestras de su gran capacidad y habilidad técnica. No en vano, este tema se ha convertido en una de las canciones más icónicas de Mahavishmu Orchestra y de John McLaughlin, y en un claro ejemplo de la influencia de esta banda dentro de la música fusión.

0877 - Emerson Lake and Palmer - Are you ready Eddie

0877 - Emerson Lake and Palmer - Are you ready Eddie

"Are You Ready, Eddie?" es una canción cómica e improvisada de la banda británica de rock progresivo Emerson, Lake & Palmer. La canción se hizo famosa por su humor absurdo y por ser una burla hacia su ingeniero de sonido Eddie Offord.

La canción comienza con una introducción misteriosa del tecladista Keith Emerson, seguida de la letra repetitiva "Are you ready, Eddie?" del bajista Greg Lake. La canción continúa con la banda improvisando solos instrumentales mientras Lake hace alusiones a una supuesta "mujer maravilla".

El clímax de la canción es cuando Lake y Emerson comienzan a burlarse de Eddie Offord. Lake canta sobre la supuesta maravilla de Eddie, mientras que Emerson reproduce una grabación de Offord diciendo "¿Qué?", seguido de una carcajada de la audiencia. Los dos músicos continúan improvisando y haciendo referencias humorísticas a Offord.

"Are You Ready, Eddie?" es una muestra de la capacidad de Emerson, Lake & Palmer para improvisar y divertir a su audiencia. La canción muestra la habilidad de la banda para no tomarse demasiado en serio, y para crear música que sea divertida y única.

La canción también destaca el talento de los miembros de la banda. La improvisación de Emerson en el sintetizador y el órgano Hammond es impresionante, mientras que la habilidad de Lake para seguir la improvisación es evidente. La canción es un testimonio de la química entre los tres miembros de la banda y de su capacidad para tocar juntos y crear música innovadora.

"Are You Ready, Eddie?" es una canción divertida e improvisada que se destaca en la discografía de Emerson, Lake & Palmer. La canción es un ejemplo de la capacidad de la banda para improvisar y crear música única y divertida, y para no tomarse demasiado en serio. Además, la canción muestra el talento de los miembros de la banda y su capacidad para tocar juntos y crear música innovadora.

Daniel
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