


Fleet Foxes es una de las mejores bandas surgidas en la
década de 2000 y este álbum es también uno de los mejores debuts que he
escuchado, es algo es muy diferente a todo lo demás, igual que sucede con el
grupo, un sonido nuevo que es emocionalmente hermoso que debería ser amado por
todo el mundo.
En el comienzo de Sun
It Rises, parece que todos están borrachos cantando melodías de
espectáculos, después hay variedades extremas de música, como las guitarras en
el medio y las armonías vocales del final, quizás no es su mejor canción, pero
comienza el álbum con una nota inquietante y misteriosa. White
Winter Hymnal es una verdadera joya, una de las mejores que he escuchado,
aunque la canción es muy corta, cada segundo es genial, especialmente al final,
cuando Pecknold aúlla más fuerte y los instrumentos alcanzan su clímax junto
con el rápido ritmo de la batería, luego tranquilidad mientras las voces se
desvanecen maravillosamente. Quiet
Houses es en cambio, ruidosa y con algo punk, pero consigue transmitir
belleza, además esta muy bien escrita, les sale muy bien agregar un poco de
punk ya que en ningún momento arruina las raíces folks indie, y consigue que el
ritmo de esta canción te haa aplaudir como si estuvieras cantando en un
estadio. Heard Them Stirring, es una canción
rockera y las armonías son muy poderosas, aun así, es un tema relajante ideal
para cualquier amante de la naturaleza, el sonido te puede llegar a adormecer
mientras viajas con las armonías para luego despertar con lágrimas en los ojos..
Blue Ridge Mountains es mi canción
favorita de este álbum con diferencia, bellísimo comienzo con la guitarra suave
y la voz pegadiza y cargada de nubes de Robin Pecknold, la canción se vuelve
más rápida y adorable, emotiva y celestial con la gran historia de su hermano y
cómo lo ama, el coro también es fenomenal y sorprendente.
Debido a que es un álbum principalmente instrumental, excepto por algunas grabaciones de campo de personas hablando, la composición es el pan y la mantequilla de este álbum y es increíble. Es abstracto y por ahí, es post rock después de todo, por lo que podría ser un impedimento, pero realmente creo que te va a gustar (aunque podría ser muy pretencioso). Es lo más parecido a una sinfonía clásica que puede tener un álbum de rock y si eso es lo tuyo, te va a encantar. Como dije, es un álbum instrumental prácticamente sin letra, por lo que claramente la interpretación será un poco más difícil de entender y quizás más abierta de lo que estoy acostumbrado, pero definitivamente hay un significado en esta música poderosa y urgente. ¡Siéntate y disfruta del viaje! Es abstracto y por ahí, es post rock después de todo, por lo que podría ser un impedimento para ti, pero realmente me gusta Esta canción se siente como anticipación de descubrir algo; arañando la tierra, cavando, tratando de poner tus manos en cualquier tesoro que haya quedado generaciones atrás. Mientras los címbalos resuenan y patean el tambor en cada latido, los cuernos en su registro más alto, las cuerdas gritando, llegamos al crescendo de esta sección solo para descubrir que no había nada bajo tierra. Nos quedamos en una mezcla vacía, llena de nada más que llanto, cuerdas distantes y un zumbido sutil.
StormTiene probablemente la música más hermosa que he escuchado.
El movimiento inicial expresa un asombro infantil ante las maravillas del
mundo, una vulnerabilidad inocente ante la belleza y la ignorancia ante el
sufrimiento. Una larga secuencia de cuerdas y metales acompañada por tambores
para crear seis minutos de opulencia musical orgásmica. Todo es perfecto, todo
es feliz, comienza en voz baja, lentamente, solo con el sonido de una guitarra
y una trompeta. Obtienes una sensación de pureza e inocencia, como un niño
pequeño que da sus primeros pasos en el mundo, lleno de asombro y asombro.
Parece que el niño no ha sido tocado por la oscuridad que existe en la vida,
aún mantiene su ignorancia de cómo es el mundo. Luego, lentamente, más y más
cuerdas y cuernos comienzan a unirse a la imagen, puedes escuchar la batería y
todos los instrumentos juntos en esta increíble acumulación de 6 minutos que
solo puedes entender si escuchas la canción. Este movimiento musical representa
la felicidad, la esperanza para la humanidad y la paz. El siguiente segmento
comienza con un tono más oscuro y siniestro que el anterior. Las percusiones y
las guitarras toman protagonismo señalando el alejamiento de la inocencia. Sin
embargo, todavía queda un elemento de esperanza mientras los instrumentos
luchan entre sí. Todo esto para representar la adolescencia. La ignorancia
infantil se ha ido, ahora conocemos las dificultades y el sufrimiento de la
vida: la ansiedad, la ira y la incertidumbre reemplazan lo que una vez fue
felicidad y asombro. Una perfecta representaciom del estado de la juventud en los
años 90, angustiado y enojado con el mundo. Estados Unidos había estado en un
estado de paz y prosperidad, pero en una sociedad posterior a la Guerra Fría,
la vida es incierta y las tensiones aumentan. Finalmente, se puede escuchar la
primera “letra” del disco en forma de anuncio hecho en una gasolinera:
“Bienvenidos al
minimercado Arco AM/PM. Nos gustaría informar a nuestros clientes que cualquier
persona que se ofrezca a bombear gasolina, lavar ventanas o solicitar productos
no es empleada ni está asociada con esta instalación. Desaconsejamos cualquier
contacto con estas personas y le pedimos que informe cualquier problema al
personal uniformado que se encuentra dentro. Gracias por comprar en Arco AM/PM,
y que tenga un feliz día”
El siguiente y último segmento presenta algunas
conversaciones indistinguibles acompañadas de un piano sombrío. Lo único que
puedes entender de todas estas divagaciones es "va a ser un largo
tiempo", que se repite dos veces. Esto parece significar el estado en el
que nos encontramos en medio del sufrimiento, o cuando estamos pasando por una
lucha. Lo único que anhelamos es el final de esta lucha, deseamos
desesperadamente que nuestro sufrimiento termine, y así todo lo demás pierde
importancia, tenemos una visión de túnel esperando la luz al final del túnel,
incluso si esa luz nunca aparece. Esa es la triste realidad de la vida a veces.
Confusión, ansiedad e incertidumbre son el comienzo de la
segunda canción. Los instrumentos en realidad crean lo que dice el título, No
hay un camino claro, ninguna decisión distinta que el adolescente deba tomar.
Todo es brumoso, el futuro parece incierto y la búsqueda de sentido es oscura.
Pero luego, de repente, cuerdas lúgubres se apoderan de la pieza y nos llevan
al siguiente segmento que se combina con un sermón. No intentaré analizar todas
las palabras y su significado porque, francamente, hay demasiado que analizar,
pero si me voy a detener en estas frases:
“Se necesitan detalles minuciosos
Se necesita
una vida santa
Se necesita
dedicación
Se necesita
dedicación
Se necesita
una muerte
Y solo Dios
puede permitirlo...”
Estas son las primeras palabras distinguibles del sermón. Note que dije distinguibles, porque no son el comienzo real. El sermón habla de otras vías para ver a Dios. Las drogas, las drogas te mostrarán a Dios, pero no de una manera pura. Te hace creer que sientes plenitud, como si pudieras ver el significado, pero no es real. Cuando verdaderamente veas el rostro de Dios, “Creerás que estás loco. Creerás que te has vuelto loco”, ya que el fenómeno de la perfección, de la actualización, es demasiado extraño para nosotros ahora. Si bien la grabación de este sermón realmente habla de Dios, en un contexto religioso, el álbum no lo es. El álbum está usando a Dios, usando el cielo al que levantamos nuestros puños, como símbolo. Un símbolo de un mundo puro de unión, pureza, virtud y propósito que alguna vez conocimos, pero no más. Cuando Nietzsche dijo “Dios ha muerto”, no se refería a la figura religiosa, sino a lo representado en la idea. La pureza del espíritu humano y las virtudes que sostienen la sociedad para prosperar. Eso es lo que ha muerto.
Sleep
La canción se abre inmediatamente con otro monólogo. Esta
vez es un anciano que recuerda Coney Island, también conocido como "el
patio de recreo del mundo", como él dice.
Nuevamente aquí podemos ver claramente la representación de
un mundo que alguna vez fue hermoso y puro. Todos estaban felices, unidos unos
con otros “aquí venía gente de todo el mundo... era el patio de recreo, lo
llamaban el patio de recreo del mundo, por aquí...”
“Y solíamos dormir en
la playa aquí, dormir toda la noche. Ya no hacen eso. Las cosas cambiaron, ya
ves. Ya no duermen en la playa...”
La canción continúa en un torbellino oscuro y tumultuoso de drones, batería y guitarra distorsionada. Esta es musicalmente una de las partes más intensas del álbum y representa la destrucción de “Dios”. La música continúa y busca emular la idea de la nostalgia. La nostalgia es una idea abrumadora para las personas cuando miramos hacia atrás a los momentos más significativos y agradables de la vida con asombro de los recuerdos que apreciamos. Lo triste de la nostalgia es que esos recuerdos se han ido. Como si pasara un año, la curiosa esperanza de la primavera y el paraíso del verano llegan a su fin, pasando al otoño, el período de la humanidad en el que la banda cree que estamos ahora.
Antennas to Heaven:
La canción comienza con otra canción sonando en ella. Cuyas
letras son dementes y absurdas.
¿Qué haremos
con el bebé?
¿Qué haremos
con el bebé?
Envuélvelo
en un mantel
Tíralo en el
viejo pajar...
Cada vez que
el bebe llora
Dale a mi
bebe otra botella de ginebra
Eso es lo
que hacemos con el bebe...
Cada vez que
el bebe llora
Ponle mi
dedo en los ojos del bebe
Eso es lo
que hacemos con el bebe...”
Una vez más, lo que significa nuestro contentamiento con
hacer lo fácil en lugar de lo justo. ¿El bebé está siendo una molestia? Tíralo
al granero. ¿Está llorando? Sácale los ojos para que se detenga. Mata la
inocencia. Después de que termina esta parte, la música toma un giro oscuro por
un rato, hasta que se escucha el sonido del glockenspiel. Junto a ello, podemos
escuchar a unos niños cantando en francés ya uno de ellos decir “C'était un
idiot” que significa “era un imbécil”. Esto podría tratarse de muchas personas,
pero creo que se refería a la canción que sonaba al principio, al hombre que
elige silenciar al bebé en lugar de cuidarlo. Por fin, podemos ver que todavía
hay pureza en el mundo, todavía hay belleza en este mundo oscuro. No todo el
mundo es resentido y amargado, la inocencia se puede encontrar en las personas.
Y la triste realidad es que nos hemos desviado de eso. De la belleza, la
maravilla, la falta de odio y resentimiento, la honestidad. El camino de menor
resistencia nos ha sacado del camino de la rectitud.
Y esto es lo que el álbum intenta decirnos. Es un álbum de
luto, de añoranza por un mundo perdido en el pasado. Pero también, es un álbum
de esperanza. Esperanza por el regreso de ese mundo perdido. El odio, la
incertidumbre y la codicia nos han consumido. Nuestro enfoque e interés están
en lo fácil, en la gratificación instantánea. Con un clic en nuestras
computadoras, o un toque en nuestros teléfonos inteligentes, queremos que el
producto llegue a nuestra puerta. No en un mes, o una semana, sino en el mismo
día. Constantemente buscamos “secretos” o “maneras fáciles” de hacer algo.
“Aprenda este truco secreto para perder peso a la velocidad del rayo” o “Aquí
está esta guía para hacerse rico rápidamente”. ¿Son éticos? ¿Son moralmente
correctos o autodestructivos? A quién le importa, siempre y cuando sean rápidos
y fáciles de hacer. Sin embargo, hay luz al final del túnel, como sugiere el
final del álbum con su tono esperanzador y edificante. Al final, podemos
esperar volver a experimentar lo que una vez fue, para algún día poder volver a
dormir en la playa de Coney Island.
En abril de 1970 Led Zeppelin terminó otra gira por Estados Unidos, ya la quinta. En dos años, Led Zeppelin se convirtió en una de las bandas más populares del planeta que podía llenar todos los escenarios del mundo. La banda ya había lanzado dos álbumes innovadores en ese momento, pero la banda quería hacer algo más. Algunas personas llamaron a Led Zeppelin una banda de Heavy Metal, un término que se extendió en esta época, pero la banda quería demostrar que su música es más que "solo" Heavy Metal. El primer indicio del cambio de sonido de la banda es el set acústico y la épica de blues “Since I've Been Loving You” que la banda toca en algunos conciertos al final de la gira por Estados Unidos. La banda ni siquiera intentó grabar otro “Whole Lotta Love”, su canción más conocida en ese momento.
'Tangerine' es la primera de tres pistas folk en gran parte acústicas teñidas de country creadas para este album y personalmente para mí es casi la mejor de las tres. La melodía y el tono, que son hermosos, comenzaron como 'Knowing I'm Losing You', una canción de Yardbirds. Con la excepción de una línea, Page reescribió completamente la letra para esta versión. Page toca una guitarra de pedal de acero y Jones toca la mandolina, lo que le da a la canción una sensación agradable. Plant ofrece una voz melancólica de ensueño y el ritmo de batería agudo y nítido de Bonham mantiene la canción unida magníficamente y le da un dinamismo inesperado. Es la última canción de Zeppelin escrita íntegramente por Jimmy Page una de las canciones de amor más bellas de la banda, con un magnífico solo de pedal steel de Page. Simplemente encantador. En Led Zeppelin: The Definitive Biography de Ritchie Yorkie, también afirma que escribió la letra, y agrega que la escribió después de un antiguo trastorno emocional y que solo cambió algunas partes de la letra para la nueva versión. En otra entrevista con Total Guitar, Page todavía afirma que escribió la canción en los Yardbirds y esperó un tiempo hasta que pensó que encajaba en la textura correcta como en el tercer álbum.
Robert Plant a veces presentaba la cancion en los conciertos diciendo: “Esta canción es para nuestras familias, amigos y personas cercanas. Es una canción de amor en sus etapas más inocentes”. Según Jimmy Page, esta canción estaba dedicada a Jackie DeShannon, quien era su novia cuando escribió la canción. DeShannon, miembro del Salón de la Fama de la Composición de Canciones, tuvo éxitos como cantante con "What the World Needs Now Is Love" y "Put a Little Love in Your Heart". Es una candidata digna para desbancar a 'Since I've Been Loving You' por el galardón de lo más destacado del álbum.
El álbum del que hablamos hoy es el noveno disco de estudio del laureado Sir Paul McCartney como solista y el número 16 si incluimos los siete trabajos con Wings en los 70. Éste album, marcó su retorno a los escenarios después de más de diez años de ausencia y fue recibido con beneplácito por la acuciosa prensa especializada. Para este regreso se rodeó de una extensa lista de músicos legendarios como David Gilmour, David Foster, Trevor Horn, Elvis Costello y Nicky Hopkins, sumaban sus talentos para construir este disco que logró llegar a lo más alto en Reino Unido y Noruega. Flowers In The Dirt a menudo suena a la era de la producción de los años 80, desde el go-go inspirado en "Rough Ride" hasta las voces empapadas en "Motor Of Love". Mirando hacia atrás en su carrera posterior a los Beatles, cae en el nivel medio superior de su trabajo, detrás de trabajos como Band On The Run, Flaming Pie , Tug Of War y Chaos And Creation In The Backyard . Lo que sucedía a su alrededor en el ámbito de la música pop de 1989 era una escena dominada por una competencia mucho más joven que tenía como protagonistas a gente como Motley Crue, Bobby Brown, Prince, Madonna, Debbie Gibson y Janet Jackson, todos en la cima del Billboard 200 durante varias semanas.
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Since I've Be Loving You, Led Zeppelin |
Cuando Robert Plant (vocalista), Jimmy Page (guitarra), John Paul Jones (bajo) y John Bonham (batería) publican bajo la compañía Atlantic Records el disco Led Zeppelin III, lo hacen presentándolo como una evolución de su sonido, apostando por sonidos folk y acústicos que si bien ya estaban presentes en sus dos anteriores discos ahora intensifican perdiendo peso en el disco ese sonido rockero que les caracterizaba y que tanto gustaba a los fans. Este hecho no pasó desapercibido en un principio, pues tanto fans como la crítica mostraron bastante indiferencia y desinterés por este disco. Con este disco el grupo dejó muy claro que no era una banda convencional y que eran capaces de moverse entre géneros y estilos completamente diferentes al rock y además hacerlo de forma magistral.
Los guerreros no eran otros que los vikingos, pues la canción está dedicada a Leif Erikson (970 - 1020), un explorador vikingo conocido como "El afortunado", y protagonista de una teoría que le considera uno de los primeros europeos que llegó a América del Norte, siglos antes del descubrimiento de América. La letra hace referencia a la mitología vikinga ("El martillo de los Dioses" se convirtió incluso en un sobrenombre no oficial de la banda), mientras que los gritos emulan los de los vikingos, remando decididos en su búsqueda de nuevas tierras que conquistar.
Acompañando a los icónicos gritos de un pletórico Robert Plant, la excelsa guitarra de Jimmy Page y la base rítmica del bajo de John Paul Jones y la batería de John Bonham son también tan poderosas como un barco lleno de fieros vikingos listos para el abordaje, creando una pieza irrepetible que combina a la perfección la fiereza con el ritmo, una barbaridad sólo al alcance del "martillo de los Dioses" de Led Zeppelin.
La historia de Vashti Bunyan es una de las más increíbles de toda la música. Bunyan, abandonó la escuela de arte de Londres, grabó algunos sencillos durante su breve flirteo con el swing de Londres, pero estaba desanimada por la forma en que iban las cosas. Entonces, en lugar de pasar el rato y estancarse con las tonterías de la contracultura a su alrededor, desapareció del ambiente en el que se movia. En el verano del 68, Bunyan y su socio Robert engancharon un caballo a un carro y partieron de Londres hacia la Isla de Skye en la costa escocesa. Les tomó dos años llegar allí, teniendo que detenerse cada 20 millas para herrar el caballo. Estaban buscando una existencia rural retrospectiva, una vida tradicional en un lugar tranquilo para criar a sus hijos, para cultivar sus alimentos. En el transcurso de su viaje de dos años al pasado rural, Bunyan estuvo escribiendo canciones sobre su viaje en un carro tirado por caballos y sobre la vida que imaginaban cuando llegaran. El legendario productor Joe Boyd se enteró de esto y logró que Bunyan regresara a Londres para una semana de sesiones con miembros de The Incredible String Band y Fairport Convention, junto con Robert Kirby, quien había compuesto la música del álbum de Nick Drake. Solo se imprimieron 500 copias de "Just Another Diamond Day" y, según Joe Boyd, solo se vendieron unas 150. Bunyan estaba molesta porque el álbum fue ignorado y nada publicitado y se echó la música por encima del hombro. No volvería a grabar ni a actuar durante tres décadas mientras se retiraba a una idílica vida privada criando a sus tres hijos en las zonas rurales de Escocia e Irlanda.
Just Another Diamond Day fue ese disco, en él disfrutamos de su voz fantasmalmente frágil e inquietantemente hermosa, tan suave que a menudo es poco más que un susurro. La acompaña su guitarra acústica y flauta dulce, mandolina, cuerdas y palabras que reflejan una vida de familia y ética de trabajo, aire fresco y belleza natural. Las canciones son muy cortas y aparentemente infantiles, pero esto no es "música para niños" en un sentido superficial. Después de grabar su voz, tuvo poco que ver con la mezcla musical y en realidad no quedo contenta con los arreglos folclóricos en ese momento estaban de moda. No se consideraba una folclórica tradicional, sino algo más único. Tenía ideas diferentes sobre cómo debería sonar, pero carecía de la firmeza para involucrarse. El álbum se abre con la melodía tranquila y etérea pero pegadiza, Diamond Day, con guitarra y flauta, esta canción es algo brillante y tierna que se te graba en el cerebro, la canción huele a labanda y está bañado en rocío mañanero, Vashti, con un registro vocal muy parecido al que por la época tenía Marianne Faithfull, desarma a cualquiera que se acerque con el escepticismo por delante y convierte cualquier mueca burlona de desprecio apriorístico en una sonrisita de beatitud perfecta. Sin duda, una de las obras cumbre del buenrollismo hippie más extremo. Casi genial.
Atom Heart Mother es el tema que da título al quinto álbum de estudio de Pink Floyd, y la pieza central del mismo por sus más de veintitrés minutos de duración, a lo largo de los cuales la banda comparte protagonismo con la Abbey Road Session Pops Orchestra. La dificultad de ensamblaje y coordinación de la banda con las partes orquestales dirigidas por el compositor y multi instrumentista Ron Geesin dificultó mucho el proceso de grabación de lo que supuso una clara transición del rock psicodélico que habían realizado hasta entonces, a la propuesta de rock sinfónico y progresivo que significaba una pieza tan desmedida como Atom Heart Mother.
El tema iba a llamarse originalmente The Amazing Pudding, un título con el que nadie parecía estar convencido, y fue el propio Ron Geesin el que les planteó a los miembros de Pink Floyd que buscasen titulares o frases en periódicos que pudieran encajar mejor. Roger Waters encontró una noticia sobre una mujer embarazada a la que habían tenido que implantarle un marcapasos atómico, y la canción pasó instantáneamente a llamarse Atom Heart Mother. Los nombres con los que se identifican las seis partes de la canción deberían haber estado relacionados con el título, pero entonces entró en juego la portada elegida para el disco. Por falta de tiempo, enviaron a un fotógrafo a la campiña inglesa para que fotografiara lo primero que viera, y lo que vio fue una vaca, y en consonancia con la foto, algunas de las partes fueron bautizadas con nombres tan curiosos como Breast Milky (Pecho lechoso) o Funky Dung (Estiércol funky).
El conocido popularmente como "disco de la vaca" de Pink Floyd fue publicado el 2 de octubre de 1970 en el sello discográfico Harvest, llegando a alcanzar el primer puesto en las listas de ventas del Reino Unido, y un más modesto nº 55 en las listas de Estados Unidos. A pesar del éxito de Atom Heart Mother, tiene el honor de ser una de las pocas cosas en las que tanto David Gilmour como Roger Waters estuvieron de acuerdo. Tras la difícil grabación del disco, Gilmour lo calificó de "montón de basura", mientras el segundo dijo que no le importaría que "lo tiraran a la basura y que nadie volviera a escucharlo". Ambos fueron muy injustos al lanzar semejantes piedras contra el tejado del establo de una vaca que protagonizaba uno de los discos que, no siendo de los mejores del grupo, sí que ha perdurado como uno de los más peculiares de los años setenta y de la discografía de la banda.
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Chains and Things, B B King |
En octubre de 1970 aparece publicado el decimoctavo álbum de estudio de la leyenda del blues B. B. King, Indianola Mississippi Seeds. El disco es grabado en los Record Plant Studios de Los Ángeles, California, a excepción del tema Go Underground, que es grabado en los estudios Hit Factory de Nueva York. Es producido Por Bill Szymczyk y publicado por el sello discográfico ABC Records. En este disco B. B. King entremezcló elementos del blues y el rock, y el productor Bill Szymczyk tuvo claro que debía continuar, como había hecho anteriormente produciendo The Thrill Is Gone, con la fórmula de emparejar a King con un numeroso elenco de estrellas musicales. El resultado no pudo ser mejor, siendo este álbum uno de los más aclamados por la crítica y más respetados de todos los tiempos.
Indianola Mississippi Seeds consiguió introducirse en varias listas de la famosa lista estadounidense Billboard, tan dispares como la de Pop, jazz o black albums. De hecho este disco es quizá, según el propio B. B. King su mejor trabajo artístico de siempre: "Sé que los críticos siempre mencionan Live & Well o Live at the Regal, pero creo que Indianola Mississippi Seed fue el mejor álbum que he hecho artísticamente". Además, como el mismo título indica, es todo un tributo allugar donde King se crió, Indianola, Mississippi. Aunque King nació entre los pueblos de Itta Bena y Berclair, los cuales están más cerca de Greewood, el siempre ha considerado Indianola como su ciudad natal.
Esa consideración de King hacia Indianola a sido recíproca, pues la ciudad le ha devuelto esos respetos. En 2008 se inauguró el B. B. King Museum and Delta Interpretive Center (Museo B. B. King y Centro de Interpretación Delta) en Indianola, con la misión de "preservar y compartir el legado y los valores de B. B. King, celebar la rica herenca cultural del Delta del Mississipi y prmover el orgullo, la esperanza y la comprension a través de exhibiciones y programas educatvos".
El álbum contiene varios sencillos que generaron éxito, y uno de ellos es Chains and Things, una de las mejores canciones que te puedes encontrar n el vasto y extenso repertoro de B. B. King. Fue compuesta por el propio B. B.King y por Dave Clark, músico, compositor y productor musical británico que en la década de los 60 lideró la banda The Dave Clark Five, en la que ejerció de batería y mánager. Esta banda es considerada la primera de la llamada Britsh Invasion, llegando a Estados Unidos en 1964. Para la grabación de Chains and Things, B. B. King se encargó de la guitarra y las partes vocales, estando muy ben acompañado por Carole King al piano, Bryan Garofalo al bajo y Russ Kunkel a la batería.
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Venus And Mars, Wings |
Después de grabar Band on the Run, disco grabado como un trío integrado por Paul y Linda McCartney y el guitarrista Denny Laine, Paul contrató a Jimmy McCulloch como guitarrista principal y a Geoff Britton como batería para consolidar la nueva formación de Wings. Para la grabación de este nuevo trabajo Paul decidió establecerse en Nueva Orleans y que el resto de la banda le acompañara posteriormente para trabajar en el material del mismo. Pero las sesiones de grabación no fueron precisamente fáciles al principio, pues el choque de personalidades entre McCulloch y Britton acabaría provocando el abandono de Britton cuando únicamente habían trabajado en tres temas. Paul contrataría a Joe English para suplirle y finalizar el álbum. Paul, además de dar continuidad al álbum con respecto a Band on the Run, decidió enlazar también varias canciones.
El disco fue grabado en dos periodos comprendidos entre el 5 y el 13 de noviembre de 1974 (con Britton) y enero y febrero de 1975 (con English), entre los Sea Saint Studios de Nueva Orleans, Wally Heider's studio de Los Ángeles y Abbey Road de Londres, bajo la producción del propio McCartney, y publicado el 30 de mayo por el sello discográfico Capitol Records bajo el control de MPL Communications, un holding empresarial que el propio Paul había fundado. El disco obtuvo buenas críticas por parte de la prensa especializada, si bien siempre existió cierta comparación con su antecesor, Band on the Run. Y no es porque Venus and Mars fuera malo, en absoluto, la cuestión es que el anterior disco había dejado el listón muy alto, un trabajo de muchos quilates. También obtuvo muy buena aceptación por parte del público, consiguiendo alcanzar el puesto número uno en países como Estados Unidos, Reino Unido, Francia, Canadá y Nueva Zelanda, llegando a vender varios millones de copias durante la década de los 70, y consiguiendo la certificación de platino en Estados Unidos y Reino Unido.
La portada de Venus and Mars, unas esferas rojas y amarillas que simbolizan los planetas Venus y Marte, fue diseñada por el reconocido grupo de diseño gráfico Hipgnosis, usando una fotografía de Linda McCartney. Otra curiosidad es que el disco fue publicado en forma de libro, con un póster desplegable en su interior y una fotografía del grupo en el interior tomada en el desierto de Carolina del Norte. El diseño de la portada ganó el premio a la mejor portada del año que concedía por entonces la revista especializada Music Week.
Venus and Mars es un magnífico disco, con una cara A brillante y con un par de bajones en la cara B que de no haberse producido podrían haber elevado esta obra a la categoría de "masterpiece".
The Allman Brothers Band inventó el rock sureño en su álbum debut de 1969 , y todavía estaba a un año de su innovador álbum en vivo que consolidó a la banda en la historia de la música, entonces, ¿qué pasó entre estos dos momentos decisivos? ¡Otro álbum de estudio, por supuesto! ¿Alguna vez has oído hablar de la depresión de segundo año? Creo que Idlewild South es un ejemplo predominante de esta teoría; simplemente no tiene el mismo nivel de consistencia y calidad que tuvo su debut histórico, esto, por supuesto, puede parecer que estoy llamando a este disco malo o una decepción, pero eso está lejos de ser el caso. En última instancia, Idlewild South se las arregla para ser un lanzamiento distinto en el catálogo del grupo con un sentimiento mucho más pulido en comparación con el sonido improvisado de su debut. Uno de los principales cambios fue la incorporación de Tom Dowd como productor, Dowd fue uno de los mejores productores de la historia del rock y su trabajo con The Allman Brothers daría sus frutos con tres de los álbumes mas legendarios de la década de 1970. El segundo cambio fue la aparición de Dickey Betts como compositor, que sería tan importante para el futuro éxito de la banda. Su “In Memory Of Elizabeth Reed” se convertiría en una parte importante del acto escénico del grupo durante décadas. Sin ser un gran disco escuece un poco la relativa brevedad del álbum, poco menos de 31 minutos, lo opuesto a su espectáculo en el escenario donde las canciones se alargaron a través de la improvisación.
"Please Call Home" es quizas la canción que más influencia de blues tienen de las que han grabado hasta este momento y en muchas ocasiones la nombran como una de las favoritas del grupo, es imposible no estremecerse con la sentida voz que escuchamos y esos finísimos punteos, quizás no sea tan famosa, pero es indiscutiblemente una de mis favoritas, reconozco que no tiene ni de cerca la grandilocuencia de los cortes anteriores, pero muestra a la banda con un sentimiento especial que no me quedó mas remedio que decantarme por ella, te extrañara ya que no es de las mas relevantes, pero como nos cantan ellos, “Pero recuerda lo que te dije antes. Por favor, llama a casa si cambias de opinión.”