0101: Song to Woody - Bob Dylan

Una de las primeras canciones que escribió y grabó Bob Dylan fue este Song to Woody que incluyó en su álbum debut, Bob Dylan, en 1962 cuando Dylan tenía solo 20 años, hay que tener en cuenta que la mayor de las composiciones de ese álbum eran versiones de temas clásicos del folk americano y únicamente esta canción y “Talkin' New York” eran originales del artista. La canción fue escrita después de que Dylan visitara a Woody Guthrie (uno de los pioneros del folk en Estados Unidos) en un hospital psiquiátrico de Nueva Jersey, donde Guthrie (de 48 años) estaba muriendo de la enfermedad de Huntington. Woody, significaba mucho para Dylan, representó un raro híbrido de un compositor brillante e ingenioso y un hombre de conciencia, fue un modelo para el compositor en que se convirtió, las canciones de Dylan, como las de Woody, son siempre bellamente poéticas, pero sin separarse de la verdad de la vida. A simple vista la canción parece bastante simple, pero su uso cuidadoso del lenguaje transmite tanto un sentido de reverencia hacia Guthrie como una apreciación por la incertidumbre de la vida. Al titularse "Canción para Woody", sugiere que la canción de Dylan fue creada a Guthrie desde una posición de privilegio, en cambio en cuanto empiezas a escuchar la letra rápidamente descubres que lo que Dylan está haciendo es un homenaje en forma de canción hacia Guthrie desde la admiración absoluta. 

 

Eh, eh, Woody Guthrie, te he escrito una canción

Sobre un divertido viejo mundo que va dando vueltas

Que parece enfermo y está hambriento, cansado y roto

Que parece como muriéndose y apenas ha nacido

 

Eh, Woody Guthrie, pero yo sé que tú sabes

Todas las cosas que estoy diciendo

Y las que otras veces pueda decir

Te estoy cantando una canción,

Pero no puedo cantarte lo suficiente

porque no hay muchos hombres que hayan hecho lo que tú

 

La canción toma prestada la melodía de la canción de Guthrie "1913 Massacre" que apareció por primera vez en 1941, una de las muchas canciones que Guthrie grabó para el sello discográfico Folkways. Es una canción sobre la muerte de los mineros y sus familias el 24 de diciembre de 1913 en el “Desastre del Salón Italiano”. La canción se vuelve bastante mejor con el paso del tiempo. Por supuesto, Dylan posiblemente se ha convertido en el individuo más famoso e influyente de la tradición musical estadounidense. A lo largo de los años, sus composiciones se han vuelto extremadamente ambiciosas, ya que se ha dedicado a describir el "viejo y divertido mundo" que nos rodea.

La música en historias: Around The World In A Day - #MesPrince

 

Around The World In A Day, Prince

Con Purple Rain, publicado en 1984, Prince había alcanzado por fin el estatus de super-estrella, un titulo reservado a un pequeño grupo de artistas. Con dicho disco vendió nada menos que 13 millones de copias en Estados Unidos, permaneciendo 24 semanas consecutivas en el puesto número 1 de la lista estadounidense Billboard 200. Pero además, la película de dicho álbum, ganó un premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora Original y recaudó más de 68 millones de dólares en Estados Unidos.

La discográfica de Prince, Warner Bros., se frotaba las manos esperando su próximo disco de éxito, imaginando algo parecido a una continuación de Purple Rain. Pero Prince tenía otros planes, y estos no tenían nada que ver con los de Warner. El genio de Minneapolis ya había conquistado el mundo, y en vez de consolidar esa conquista, decidió que era el momento de progresar creativamente y abrirse a nuevas tendencias e influencias. Prince decide apartarse del funk clásico y se marca un disco caleidoscópico, se aparta del sonido más comercial del género y experimenta con otros estilos más psicodélicos y otras texturas para enriquecer su sonido. 

Prince va macerando los temas que compondrán este álbum entre febrero y diciembre de 1984 en diversos estudios entre Minneapolis y Los Ángeles. El resultado es Around The World In A Day, trabajo publicado paralelamente por Warner Bros, y por la discográfica creada por el propio Prince, Paisley Park, en abril de 1985, y bajo el nombre de Prince and The Revolution, incluyendo así en la autoría a su banda de acompañamiento. Fue deseo expreso de Prince, que se negó, a sacar single previo al lanzamiento del álbum, para que según él, el disco fuera entendido como un todo. Por ese motivo, el primer sencillo del disco estuvo retenido hasta casi un mes después del lanzamiento del álbum. 

Around The World In A Day, debido a su estilo caleidoscópico y psicodélico, y a su portada llena de personajes del universo Prince, fue considerado por la crítica como el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band de Prince, pero su autor siempre negó esa comparación con los Beatles, apuntando hacia otros lados las influencias del disco. En cuanto a la portada, fue obra del artista estadounidense Jim Warren, conocido por las ilustraciones de portadas de libros y el arte de fantasía surrealista. Prince simplemente tomó la decisión pensando que la gente estaría cansada de verle la cara a él en las portadas de sus discos. Como ya hemos comentado, la relación entre la discográfica y Prince siempre había tenido tiras y aflojas, y en esta ocasión no iba a ser menos. Ya había dejado claro su parecer, desoyendo los consejos y recomendaciones de la discográfica y marcándose un disco completamente diferente a lo que Warner esperaba. La discográfica echaba en falta hits más claros y con mayor carga de guitarras, pero la idea de Prince era la de jugar con sonidos más experimentales, con percusiones a base de darbukas y tamborinas, y con cellos, violines y flautas salpicando la práctica totalidad de las canciones.

Para muestra, la anécdota del día que Prince presentó el trabajo a la discográfica. Ese día, Prince se presentó en limusina y toda la parafernalia que aquello conllevaba en el recinto donde iba a presentar el material a Warner, los invitados tomaron asiento, se apagaron las luces, y el trabajo de Prince empezó a sonar. Una vez acabó la última nota y se encendieron las luces, los directivos de la compañía observaron incrédulos como Prince ya no se encontraba allí. El mensaje estaba claro: "Este es el material de mi nuevo disco, y no es negociable, es lo que hay". La discográfica quedó en una situación bastante incomoda y tuvo que tragar. Pero la relación, como ya comentaremos más adelante, se iba a tensar aún más. A pesar de la escasa promoción del álbum, y del material que contenía mismo, no muy comercial precisamente, el disco se vendió realmente bien, convirtiéndose después de Purple Rain, en el segundo disco del artista en alcanzar el puesto número 1 en la lista Billboard Hot 200. Dos de los cuatro sencillos lanzados posteriormente, Raspberry Beret y Pop Life, alcanzaron el top 10 en la lista Billboard Hot 100. 

Paisley Park

Entramos en materia, y el primer tema que abre el álbum es precisamente el que da título al mismo, Around the World In a Day, tema que está acreditado a David Coleman, hermano de Lisa Coleman e integrante de la banda The Revolution, a John L. Nelson, padre de Prince, y al propio Prince. Esta fue una de las únicas canciones que el artista no escribió por su cuenta. El tema partió de una canción grabada por Coleman, al cual Prince dió como regalo de cumpleaños algo de tiempo de grabación en los estudios Sunset Sound de Los Ángeles. Posteriormente Prince re-elaboró la canción manteniendo el título de la misma. También acreditó en el tema su padre, pues incluyó melodías y matices que recordaba habérselos oído a él, y era una forma de agradecérselo. En este tema Prince nos invita a a mirar más allá de uno mismo y a no ponernos limitaciones, ¿Realmente no se puede dar la vuelta al mundo en un día?, en tu mente tu puedes, y nos lo recordaba diciendo "Abre tu corazón, abre tu mente".

Paisley Park, el tema fue uno de los cuatro sencillos que se lanzaron posteriormente, y Prince se encargó de interpretar toda la canción excepto el violín (Novi Nvog) y los coros (Wendy y Lisa). El tema es uno de los únicos que se asemejan y acercan algo al estilo de su anterior disco, Purple Rain. Si nos fijamos en algunas notas de la solapa del álbum, nos dice que algunas canciones del disco fueron grabadas en Paisley Park, lo que en aquel momento era una fantasía de Prince, pero que en 1988 se haría realidad, pues Paisley Park pasaría a ser la mítica casa, estudio, sala de conciertos y cuartel general de artista donde centralizaría todas sus futuras operaciones.

Raspberry Beret

Condition of the Heart, es un tema al que Prince le da un enfoque de música clásica barroca y exhuberante con una primera parte instrumental a piano. En el tema muestra su interés por la historia de Hollywood, de ahí sus claras referencias a la famosa actriz estadounidense de los años 20 Clara Bow. También se dice que el tema fue compuesto para la cantante y compositora Susannah Melvoin, quien era hermana de Lisa, y que para Prince fue una musa que inspiró muchos de sus grandes trabajos. Raspberry Beret, uno de los grandes clásicos de Prince y que se editó también en single. De este tema Prince hizo una versión extendida donde incorporó instrumentos de cuerda, platillos de dedo del Medio Oriente y una armónica. El tema habla de la primera experiencia sexual de un adolescente con un chica. El joven es un humilde empleado de una tienda, y tiene una difícil relación con su jefe. De repente, entra esta chica, alegre, alocada y rebelde por la puerta de la tienda portando en la cabeza una llamativa gorra de color frambuesa.

America

 

Tamborine, es el tema que cierra la cara A del álbum. Quizás el tema más raro del disco, de corte muy experimental, con percusiones a base de darbukas y tamborinas. Todos los instrumentos de este tema son tocados por prince. America se encarga de abrir la cara B, el tema más guitarrero del disco, con una base rock and roll donde va incorporando toques étnicos. De este tema hay una versión extendida de más de 20 minutos donde la melodía principal de rock and roll desaparece y comienza una explosión de puro funk. Este fue otro de los cuatro sencillos que se publicaron del disco.

 

Pop Life

Pop Life, fue junto a America, Raspeberry Beret y Paisley Park el otro de los únicos cuatro temas del disco que fueron editados en single posteriormente. Como muy bien dice el título, el tema es el de corte más pop del disco, y alcanzó el puesto número 7 en las listas de ventas de Estados Unidos, convirtiéndose en el octavo éxito de Prince en colarse entre los diez primeros en un lapso de de dos años. La canción incluye una parte que representa el sonido de una campana en un combate seguido por el sonido de una multitud inquieta. Se rumoreaba que esto fue sacado de un concierto en Los Ángeles en 1981 donde Prince abrió para los Rolling Stones. En realidad fue sacado de una biblioteca de efectos de sonido.

The Ladder, es junto el tema que da título al disco, el otro tema donde Prince acredita a su padre, John L. Nelson. En éste tema también incorporó matices que recordaba habérselos escuchado a su padre. Se trata de una balada donde mete una extraña distorsión y donde Prince nos canta una historia medieval, un tema lleno de pura psicodelia. y cierra la cara B y por tanto este gran disco Temptation, un tema de algo más de ocho minutos donde Prince nos regala una primera parte muy cañera que va transformando en pura psicodelia en la segunda parte. En cuanto a la letra del tema, aquí Prince mantiene una conversación con Dios el cuál acaba perdonando al artista al final de la misma. Quien no perdonaría al artista sería su discográfica, Warner Bros., que esperando otro disco superventas al estilo Purple Rain, se encontró con algo completamente diferente. La cuerda se seguía tensando...

0100: In my time of dying - Bob Dylan

In My Time of Dying, también conocida como Jesus Make Up My Dying Bed es una canción tradicional góspel cuyo origen se remonta a 1925. Ya en ese año, la letra "Jesus goin 'a-make up my dyin' bed" aparece mencionada en A Chronicle of Unknown Singers, del historiador Robert Emmet Kennedy Mellows, y en el Índice de Espirituales de la Biblioteca de Cleveland. Desde entonces y hasta ahora, ha sido versionada por una gran cantidad de músicos y cantantes. El primero en versionarla fue Blind Willie Nelson, primero como Jesus Make Up My Dying Bed y posteriormente en 1927 en una versión góspel con guitarra slide, pero fue la versión de Bob Dylan la que hizo que este tema fuera mundialmente conocido.

Incluida en su álbum de debut homónimo de 1962, In my time of dying comparte con las canciones de ese disco el hilo conductor de la muerte como temática en las letras. El arreglo de la canción de Dylan se aleja definitivamente del góspel para adentrarse en el terreno del folk rápido, y se inspira a su vez en el de otra versión del tema, la del músico Josh White, que en 1933 la grabó inicialmente como Jesus Gonna Make Up My Dying Bed, y que más tarde, entre 1944 y 1946, la grabaría de nuevo como In My Time of Dying.

Mucho tiempo ha pasado desde entonces, hasta el punto que el propio Dylan no recuerda donde aprendió la canción, pero de acuerdo con las notas del disco, la versión registrada fue la primera vez que el músico de Minnesotta la había tocado, por lo que en aquel momento tuvo mucho de improvisación. Entre las versiones posteriores de otros artistas, la más relevante es la de la Led Zeppelin, que la incluyeron en su doble álbum Physical Graffiti de 1975, otorgándole el honor de ser el tema de mayor duración de toda su discografía. Ni más ni menos que 11:06 minutos de blues rock o, lo que es lo mismo, y siendo fieles a la mística y los mensajes esotéricos que rodeaban a muchas de sus canciones, exactamente 666 demoníacos segundos.

La música en historias: Blind Faith y la portada de la discordia

 

Blind Faith

     Blind Faith fue uno de esos llamados supergrupos británicos que a pesar de sus corta vida musical, entre 1968 y 1969, y con un sólo álbum a sus espaldas, ayudaron a poner los cimientos de la fusión entre el blues y el rock. La banda nace a mediados de 1968. Por un lado, Eric Clapton se encontraba ya cansado de mediar entre los conflictos que surgían constantemente en Cream entre Jack Bruce y Ginger Baker, además del hastío que le generaba tener que tocar siempre blues comercial sin posibilidad de experimentar con otros sonidos. Por otro lado, Steve Winwood tenía un problema similar en la banda donde estaba, The Spencer Davis Group, donde quería fusionar elementos de la música blues con el jazz, pero como no le dejaban, había formado Traffic.

Separada temporalmente Traffic y definitivamente Cream, Winwood y Clapton empiezan a trabajar juntos realizando sesiones de improvisación. Los dos se sienten muy bien trabajando juntos y valoran la posibilidad de formar un trío, ahora sólo falta un baterista, y ahí llega Ginger Baker, quien se ofrece para el puesto. Al principio Clapton se muestra reticente, pues el proyecto podía parecer una nueva reunión de Cream, y éste le había prometido a Jack Bruce que si pasaba estos, los tres tenían que participar. Al final Winwood consigue convencer a Clapton para que el puesto lo ocupe Baker, pues encontrar un baterista de esa calidad iba a ser harto difícil. En mayo de 1969 es invitado unirse a la banda el bajista Ric Grech, integrante del grupo Family, al que abandona en mitad de una gira. 

La mayor parte del material del que será el primer y único álbum de la banda, de título homónimo, Blind Faith, es cocinado en los Olympic Studios de Londres, bajo la supervisión del productor Jimmy Miller. El material es grabado entre febrero y junio de 1969, y publicado en agosto de 1969 por Polydor Records en Reino Unido y Canadá y por Atco Records en Estados Unidos. 

Este disco supuso un gran éxito, alcanzando ya en la primera semanas los puestos más altos de las listas británicas y estadounidenses. Sin embargo hay un detalle que generó una fuerte polémica, la portada del disco, una portada que ahora está considerada como una de las más icónicas del rock a nivel mundial. En dicha portada aparece una menor de edad sosteniendo un jet futurista mientras mira al espectador con la boca semiabierta. La portada, nada más ser lanzada, generó una fuerte polémica entre lo medios de comunicación, incluida la empresa que tenía los derechos de la grabación de la misma en Estados Unidos. Nadie quería hacerse responsable de una portada donde aparentemente se promovía la sexualidad adolescente de la mano de una menor de edad que además portaba en una de sus manos un símbolo fálico. 

La portada fue obra del célebre fotógrafo y artista visual Bob Seidemann, famoso por sus trabajos junto a Janis Joplin y Grateful Dead, quién frente a toda ésta polémica, declaró que toda esa teoría de la menor de edad y el símbolo fálico era completamente absurda. Seidemann aseguraba que la menor simbolizaba la inocencia, y lo que sostenía en su mano era fruta del conocimiento. Si Seidemann tenía razón o no, no importó mucho en aquel momento, pues la discográfica decidió sacar en el último momento una portada alternativa donde se ve a los integrantes del grupo en un recorte fotográfico en blanco y negro tras una sesión de estudio. En España, inmersa en aquel momento en plena dictadura, decidieron cortar por la sano y prohibieron directamete la publicación del disco en el país. 

0099: Spoonful - Howlin' Wolf

Spoonful, Howlin' Wolf

     En el capítulo anterior ya hacíamos referencia a un tema cuyos dos protagonistas se repiten también en este, y cuya importancia para el desarrollo del blues de Chicago fue fundamental, pues nos regalaron varios temas que son considerados clásicos de la historia del blues, Howlin' Wolf y Willie Dixon. 

Spoonful fue compuesta por el bajista, cantante, compositor y productor musical Willie Dixon, considerado como uno de los máximos exponentes del blues de Chicago, y que durante su carrera compuso material para artistas de la talla de Muddy Waters, Led Zeppelin, Otis Rush, Koko Taylor, Sonny Boy Williamson, Bo Diddley, Chuck Berry o Howlin' Wolf entre otros.

Esta composición de Dixon fue grabada por primera vez por el gran bluesman Howlin' Wolf, y fue publicada como sencillo por el sello Chess Records en junio de 1960. Posteriormente, el sello Chess Records juntaría este tema y otras grabaciones más hechas por Howlin' Wolf entre 1960 y 1962, y las recopilaría en el álbum titulado Howlin' wolf. Spoonful es un blues lento donde la guitarra eléctrica predomina sobre los demás instrumentos. Willie se basó para componerlo en los temas All I Want Is A Spoonful (1925) de Papa Charlie Jackson, Cocaine (1927) de Luke Jordan, y A Spoonful Blues (1929) de Charlie Patton.

La temática del tema, cuyo título significa "Cucharada", es interpretado como una metáfora y de los extremos que las personas pueden alcanzar para satisfacer sus placeres, tales como el sexo, el alcohol o las drogas. Para la grabación del tema Howlin' fue respaldado por Hubert Sumlin a la guitarra, Freddy Robinson como segunda guitarra, Otis Spann al piano, Fred Below a la batería, y el propio Willie Dixon al contrabajo. Se llegó a especular sobre si Freddie King era realmente quien había aportado la grabación de una de las guitarras, pero tanto Hubert Sumlin como Freddy Robinson lo desmintieron y siempre confirmaron que las guitarras fueron grabadas por ellos dos. 

El disco de la semana 220: La paciencia de la araña - Los caballeros de la quema

El disco de la semana 220: La paciencia de la araña - Los caballeros de la quema

Hola!, esta semana volvemos con un disco Argentino de una banda que vio la luz principio de la década de los '90, esta banda se llama Los caballeros de la quema una banda de rock alternativo, que tras publicar 4 álbumes, su 5to. álbum de estudio editado en 1998, La paciencia de la araña llego para alcanzar su pico de popularidad.

Este nuevo disco de la banda obtendrá gran popularidad con el corte "Avanti Morocha", tema que se instalara en radios y televisores, pero este disco tendrá muchos más temas tan fuertes como "Rajá Rata" y "Malvenido" que abren la placa de manera potente, con arreglos de vientos que lo acercan al reggae y a estilos que no eran frecuentes para la banda.

Estos temas fueron los primeros cortes del disco, que si bien tuvo su momento, pasó totalmente desapercibido después de que "Avanti Morocha" y "Oxidado" salieran a la calle como segundo y tercer corte respectivamente para la promo del disco. La siguiente canción del álbum es "Todos atrás y Dios de 9", una de las mejores del disco, con la poesía futbolera de Iván Noble su vocalista, en su máxima expresión que nunca falla y que tanto nos cautiva.

"Oxidado", otro de los hits y otra canción de amor de esas que a Noble le salen tan bien en su etapa de Caballeros, y también en la solista, claro. Un rock simple, pero que abrió puertas y portones. "Mas de lo menos", es en lado B del disco esta el costado crudo de la banda, ese que otros discos como Manos vacías y Sangrando nos dieron a conocer.

La segunda parte tiene una trilogía que marca el mejor momento del disco de La Paciencia de la araña, "De mala muerte", una balada para poner en un marco y escucharla con una buena bebida en la mano; y otros temas que notan popularidad son "Huelga de princesas", y "Me voy yendo", un reggae perfectamente ejecutado y que renovó credenciales luego de "No chamulles" (del disco Perros, Perros y Perros).

Once son las canciones de este disco: la 10 es "Avanti morocha", de la cual no vale la pena hablar mucho, la número 9 es "Cerrá bien cuando te vayas", otra de las letras furiosas que nacieron de un momento de ira de la pareja. La banda tocando al palo y mostrando que no se dejaron de lado las raíces. El último apela a lo emotivo "Madres", y es el homenaje a las Madres de Plaza de mayo, dando un cierre a una placa que vale la pena repasar todo el tiempo.

La Paciencia de la Araña representa un pico creativo de una de las bandas insignia de los ‘90, una de las tantas que se perdieron y que nos privaron de muchos buenos discos, gracias a lucha de egos o a la razón que sea. Iván Noble estaba en un momento único, lo que siguió fue Fulanos de Nadie, otro material repleto de buenas canciones, pero que marcaron el adiós de la banda, Caballeros de la quema una banda de rock con un estilo único que ha marcado un estilo en la música argentina.

Daniel 

Instagram Storyboy

0098: Back Door Man - Howlin' Wolf

 

Howin' Wolf álbum

     En 1962 el sello discográfico Chess Records recopila varias canciones grabadas  por Howlin' Wolf y que ya habían sido publicadas por el propio sello como sencillos, y las publica todas juntas conformando el álbum titulado Howlin' Wolf. El disco contiene 12 temas de los cuales 10 habían sido compuestos por Willie Dixon, quedando de manifiesto la importancia que este tenía dentro de Chess Records, pues se había convertido en uno de sus grandes valuartes, tanto en la composición de temas, como en la interpretación. 

Incluido en el disco se encuentra Back Door Man, el cual fue grabado en junio de 1960 en los estudios del sello Chess en Chicago, y publicado por primera vez como sencillo en 1961. Howlin' fue respaldado en las sesiones de grabación del tema por Otis Spann (piano), Hubert Sumlin (guitarra), Freddy Robinson (guitarra), Fred Below (batería) y Willie Dixon (contrabajo), quien además de compositor del sello, también realizaba por aquel entonces las funciones de músico de sesión. 

En cuanto a la temática de este blues, Willie Dixon lo compuso en referencia a la frase Back door man (hombre de la puerta trasera), que en la cultura sureña hacía referencia a cuando un hombre tenía una aventura con una mujer casada, siempre usaba la puerta trasera para escapar antes de que el marido regresara a casa. De hecho la temática del hombre de la puerta trasera fue bastante recurrente en muchas otras canciones de blues de la época.

Se ponía de manifiesto la importancia que tuvieron para el blues de Chicago tanto Howlin' Wolf como Willie Dixon, quienes son considerados dos de los grandes precursores del género, y que colaboraron en numerosos temas, Dixon a la composición, y Wolf a la intepretación, y que queda ya para los anales de la historia del blues.

0097: Gin House Blues - Nina Simone

 

Gin House Blues, Nina Simone

     Forbidden Fruit fue el segundo álbum de estudio de la cantante Nina Simone para el sello discográfico Colpix. El disco fue grabado en Nueva York entre 1960 y 1961 por Nina Simone, que estuvo respaldada por Al Shackman a la guitarra, Chris White al bajo y Bobby Hamilton a la batería. Incluido en este álbum se encuentra el tema Gin House Blues. Gin House Blues es el título de dos canciones de blues diferente que a menudo se suelen confundir, y en el caso de Nina Simone así ocurrió.

La canción que originalmente se tituló Gin House Blues, fue compuesta por Fletcher Henderson, con letras de Henry Troy, y fue grabada por primera vez por Bessie Smith junto con el propio Henderson en marzo de 1926. El tema comienza así: "I've a sad story today / I'm goin' to the gin when the whistle blows...".

Pero realmente, la canción a la que nos estamos refiriendo en esta ocasión, cuyo título es el mismo, Gin House Blues, y que Nina grabó, comienza con las siguientes líneas: "Stay away from me 'cause i'm in my sin / If this place gets raided, it's just me and my gin...". Se trata de un tema que se tituló originalmente Me and My Gin, y fue escrita por Harry Burke, del cual se cree que es un pseudónimo del pianista y compositor estadounidense James C. Johnson. La gente acabaría conociendo el tema como Gin House o Gin House Blues. Curiosamente fue grabada por primera vez también por Bessie Smith, concretamente en agosto de 1925 y publicada por Columbia Records. Esta fue la canción que realmente grabó Nina Simone, y que erroneamente se confunde con la otra canción anteriormente mencionada, confundiéndose en ocasiones también la autoría de la misma, pues en la grabación de Nina hay lugares donde se acredita a Henderson y Troy, cuando en realidad su autor fue Harry Burke.

Prince -1999 (Mes Prince)

 

1999, Prince

El genio de Mineapolis, más conocido como Prince, publicaba en 1982 su quinto trabajo de estudio, 1999, considerado por la revista Rolling Stone como su álbum más influyente, ya que sentaba las bases de lo que más tarde sería conocido como sonido Minneapolis. El personal acreditado junto a Prince en la grabación del álbum está compuesto por Dez Dickerson (voz, guitarra y coros), Lisa Coleman (voz y coros), Jill Jones (Voz y coros), Vanity (coros) y Wendy Melvoin (coros). Doctor Fink (teclados), Bobby Z. (batería) y Brown Mark (bajo), si bien no aparecen acreditados en el estudio, aparecen en los vídeos musicales. De todos estos músicos nace el embrión que acabará convirtiéndose en The Revolution, la banda de Prince.

Está claro que Prince era un genio, y por eso su cerebro funcionaba a otro ritmo diferente al de la gente normal. Desde que fichara a finales de los años 70 con la discográfica Warner Bros., siempre habían surgido pequeños tira y afloja entre la discográfica y él a la hora de ver ciertas cosas, y en 1999 no iba a ser menos. Prince tenía el firme propósito de lanzar un doble álbum, mientras que los responsables de Warner querían lanzar un disco sencillo. Al final fue Prince quien se llevó el gato al agua, consiguiendo que Warner publicara el álbum como doble, un trabajo que realmente sólo tenía once temas, pero con la mayoría de los temas excediendo ampliamente de los 5 minutos, sumando entre todos poco más de 70 minutos de duración.

El material que compone este doble disco es grabado entre el estudio casero de Prince, el Kiowa Trail Home, instalado en su residencia de Chanhassen, Minnesota, y en los Sunset Sound Records, de Hollywood, California, entre enero y agosto de 1982. 1999 es publicado el 27 de octubre de 1982, y supone el punto de inflexión que lanza al estrellato a Prince, siendo el primer álbum del artista que alcanza el Top 10, consiguiendo el puesto número 9 en la famosa lista estadounidense Billboard Hot 200, y el quinto en la Billboard Year-End Abums of 1983. El disco consigue además la gran aceptación de la crítica, que lo considera innovador y revolucionario, llegando a ser calificado posteriormente por varias publicaciones y organizaciones como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. 

En cuanto a la portada, es una ilustración del propio Prince, que esconde varias cosas interesantes. Por un lado, presenta elementos de la portada de su álbum anterior, Controversy (1981), los ojos de Prince y el pin de Rude Boy que porta en la chaqueta aparecen en los "9" de 1999, mientras las tachuelas de la hombrera de la chaqueta aparecen en la "R" de Prince. Y si nos fijamos en la "I" de Prince, ésta contiene las palabras "And The Revolution" escritas al revés, en reconocimiento a su banda de apoyo, presagiando la carrera que se avecinaba con dicha banda durante los siguientes años. La portada contiene un detalle más que quizás pasó inadvertido a los señores de la censura, si nos fijamos detenidamente en el "1" de 1999, se asemeja mucho a lo que viene a ser un pene. 

En cuanto al hecho de empezar a dejar pistas sobre The Revolution, Prince no quería formar una banda, el tenía la idea de formar un movimiento, y quizás la razón de no presentar 1999 como un trabajo de The Revolution fue que realmente éste había sido un trabajo prácticamente individual donde grabó el mismo prácticamente todos los instrumentos, y las colaboraciones de la banda se resumían básicamente a la participación en los coros. Pero ya estaba avisando y preparando al público y la crítica de lo que se avecinaba, The Revolution.

El tema que abre este doble álbum es precisamente la que da título al disco, 1999, compuesta, al igual que todas las demás, por Prince. El tema fue publicado como sencillo principal del disco, y el éxito tanto de crítica como de público marcó el comienzo del exitoso ascenso de la carrera del artista. Comienza el tema con unas tranquilizadoras palabras de Prince, con voz distorsionada: "No te preocupes, no te haré daño. Sólo quiero que te diviertas un poco". En este tema, Prince comparte las voces principales con los miembros de su banda, Dez Dickerson, Lisa Coleman y Jill Jones. Originalmente fue concebido para ser una armonía de tres partes, pero finalmente se decidió separar las voces que comenzaban cada verso. Little Red Corvette, es un tema que rápidamente se convirtió en uno de los estándares del artista, y su mayor éxito hasta la fecha, siendo el primero en alcanzar el Top 10 en Estados Unidos. El tema combina un ritmo de batería con un ritmo lento de sintetizador y un coro en clave de rock, sobre el cual Prince, usando metáforas de automóviles, recuerda una aventura que tuvo una noche con una hermosa mujer, a la que se refiere cuando habla del "pequeño Corvette rojo". El tema contiene un sólo de guitarra de Dez Dickerson, la única instrumentación del disco que no fue realizada por el propio Prince. Prince tuvo la idea de la canción mientras dormía en un coche Mercury Montclair Marauder de 1964, propiedad de la componente de la banda Lisa Coleman. Prince se quedó dormido en el coche después de una agotadora sesión de grabación que duró toda la noche. La letra fue compuesta a pedazos, entre el material obtenido en varias siestas más del artista. Cierra la cara A del primer disco Delirious, que fue además el tercer sencillo publicado, aprovechando el éxito y el tirón que supuso Little Red Corvette. Está compuesto sobre un blues estándar de 8 compases, y Prince, a través de sugerentes y sutiles metáforas sexuales, nos relata como una hermosa mujer lo está volviendo loco.

Abre la cara B del primer disco Let's Pretend We're Married. compuesta básicamente de teclados y cajas de ritmos, y dos versos seguidos de coros forman la base principal de la canción. En este tema, el genio de Minneapolis no se corta y le dice a su nueva amante, Marsha, que necesita una felación brutal si eso le va ayudar a olvidar a la mujer que acaba de dejar. El tema que cierra la cara B del primer disco es D.M.S.R., un tema de más de ocho minutos que aparecerá posteriormente en la banda sonora de la película Risky Business. Es un tema que dejaba a Prince y The Revolution espacio para realizar largas jams improvisadas en directo.

Abre la cara A del segundo disco Automatic, tema donde Prince juega con el personaje sumiso que solemos encontrarnos en sus primeros discos. El video musical está protagonizado por Jill Jones teñida de rubio y mientras baila con ropa interior de color negro y enciende los cigarros a Lisa Coleman. Después de unos minutos, las dos se acuestan en una cama con Prince con el torso desnudo y lo atan, fustigándolo mientras él se retuerce y da patadas. En Something In the Water (Does Not Compute), Prince laza un grito al aire y protesta por su condición de niño rechazado en su infancia. Cierra la cara A de éste segundo disco Free. uno de los temas más ligeros del álbum.

Comienza la cara B del segundo disco con Lady Cab Driver, otra canción donde Prince junta los coches y el sexo. Prince, mientras es llevado en coche por una atractiva taxista, papel interpretado por la integrante de la banda Jill Jones, decide que es el momento de compensar todas las injusticias sociales, biológicas y económicas que ha sufrido en la vida con un buen "polvo tranformador". All The Critics Love U In New York, fue el primer tema que Prince compuso con la idea de ser parte del material de 1999. Lo presentó en directo en Minneapolis, en el club First Avenue, y dijo al público presente que el tema no saldría editado en un año, o tal vez seis, cosas del genio. Al final vería la luz en el álbum, pero en una versión más suave que en el tema presentado ante el público de sus localidad natal.

Cierra la cara B del segundo disco, y por tanto el álbum, International Lover, que fue la primera canción de Prince que consiguió una nominación a los premios Grammy. Bajo una letra seductora, Prince, capitán de un avión llamado Seduction 747, invita a una hermosa mujer a subirse en él, ya que el avión está completamente equipado con todo lo que necesita ella para su propia satisfacción. Una metáfora en toda regla, donde el sexo son los viajes en avión, y el capitán Prince está al mando. Además de ser uno de los temas que catapultaron a Prince al estrellato, por su nominación a los Grammy, es una buena muestra del dominio y registro vocal de Prince, que a lo largo del tema juega tanto con los tonos más bajos como con el agudo y característico falsete marca de la casa. Y así acaba 1999, el álbum con el que Prince inició su viaje al estrellato, a bordo de su particular avión, un ascenso que ya no abandonaría hasta que un 21 de abril de 2016, el Seduction 747 tuvo un inesperado y forzoso aterrizaje, del que ya no volvería a despegar. 

0096: Can't Help Falling In Love - Elvis Presley

Estamos antes una de las canciones más atemporales y duraderas de todos los tiempos que haya lanzado el rey del rock and roll, la escalofriante balada de amor, "Can't Help Falling in Love". En la primavera de 1961 Elvis Presley triunfaba en todos los cines con Blue Hawai, una comedia musical que se convertiría en el éxito cinematográfico más recordado del Rey del Rock. En la película, Elvis interpreta al hijo de una familia que tiene una plantación de piñas en este archipiélago del Pacífico que reniega del negocio familiar para hacer de guía turístico. 

 

Can’t Help Falling in Love es el tema más famoso de Blue Hawai, pero la historia de esta canción se remonta un par de siglos atrás, ya que está basada en una obra musical de 1784 titulada La Romance du Chevrie. Este es un tema de Jean Paul Égide Martini, un compositor francés de origen alemán conocido por ser el autor de la música de la boda de Napoleón Bonaparte y Josefina de Beauharnais. Martini creó La romance du Chevrie a partir de un poema de Jean-Pierre Claris de Florian recogido en la novela Nouvelle Célestine y el tema, convertido en un clásico de la época, ha llegado a nuestros días como Plaisir d’Amour. El hacer la versión de una especie de rock and roll de esta canción no fue fácil, el tempo original era demasiado lento, lo que requería que Presley hiciera una pausa entre cada palabra de la letra. Se sintió cada vez más frustrado a medida que aumentaba el número de grabaciones en falso o abandonadas por lo que decidieron aumentar el tempo lo que finalmente permitió a Elvis establecer una pista vocal suave que lo dejo satisfecho.

 

En  Blue Hawaii , Elvis no cantó esta canción de amor a su novia, sino a su abuela en su fiesta de cumpleaños. Cuando abrió la caja de música que le había dado, Elvis cantó “Can't Help Falling in Love” mientras sonaba la música. Desde el lanzamiento de la canción, Presley cantó "Can't Help Falling in Love" en vivo cientos de veces. Lo interpretó en directo durante la grabación de su especial de 1968 "Comeback" en la televisión NBC. Y con el comienzo de su compromiso de 1969 en Las Vegas en el International Hotel. Cabe señalar que "Can't Help Falling in Love" fue la última canción que Elvis cantó en público antes de su muerte en 1977. Fue el cierre de su último concierto en Market Square Arena en Indianápolis el 26 de junio de 1977. Pasa el tiempo y "Can't Help Falling in Love" sigue siendo la canción más versionada de Elvis. Entre las docenas de otros artistas que lo grabaron se encuentran Keely Smith, Andy Williams, Al Martino, Bob Dylan, The Stylistics, Shirley Bassey y U2. Además de Blue Hawaii , la canción ha aparecido en muchas otras películas, como  Coyote Ugly  (2000) y Lilo & Stich de Disney   (2002).

0095: Moon River - Henry Mancini

 

Pocas canciones podrán presumir de haber enarbolado la bandera del romanticismo en el cine con mayor firmeza que Moon River, la composición de 1961 de Henry Mancini, con letra de Johnny Mercer, para la película Breakfast at Tiffany's (Desayuno con diamantes), en la que era interpretada por Audrey Hepburn. Una composición tan brillante no escapó a la mirada de los jueces de los Oscars de Hollywood, y la corriente del "río Luna" se llevó la preciada estatuilla, en la categoría de mejor canción original. No sería el único gran premio, ya que un año después se llevó dos premios Grammy a la mejor canción y la mejor grabación del año.

Más allá de su enorme trascendencia en su versión para el celuloide, la composición de Henry Mancini ha tenido una larga vida en el mundo de la música, a través de las múltiples versiones de otros artistas que, década tras década, se han encargado de adaptar la melodía de Moon River al devenir de los nuevos tiempos, para que las nuevas generaciones de enamorados pudieran disfrutarla, con la misma intensidad que sus antecesores. Así, el río Luna ha seguido fluyendo, en las voces de artistas como Andy Williams, el primero en versionarla en 1962, o como el propio Johnny Mercer, autor de la letra, que utilizó las aguas de Moon River para reverdecer su por entonces apagada carrera. La cosa funcionó, y tanto como para que una ensenada de Savannah, su ciudad natal, fuera rebautizada como Moon River en su honor.

No fueron los únicos. La lista es tan grande que ya adelanto que ocupará la mayor parte de este párrafo final sobre Moon River. Como si de un desfile de cientos de embarcaciones se tratase, artistas como Frank Sinatra, Judy Garland, Louis Armstrong, Rod Stewart, Barbara Streisand, The Killers, R.E.M., Morrissey, Aretha Franklin, Paul Anka, Ben E. King, Dr.John, Willie Nelson, Katie Melua, Terence Trent DÁrby o Eric Clapton, por mencionar solo algunos, han vadeado, en estudio o en directo, las aguas del río Luna. Un río del que no se conoce desembocadura ni fecha de caducidad, pues sigue fluyendo con el mismo brillo e intensidad que el de los diamantes de aquel desayuno de enamorados en Tiffany's.

La musica en canciones: Canciones reseñadas de 1960

La música es como el amor, bueno, es amor, todos tenemos el nuestro y no a todos nos tiene que gustar lo mismo, esta lista no son las mejores canciones, ni siquiera tus favoritas o nuestras favoritas (bueno eso casi que si), simplemente nuestras elegidas, y a modo de índice os dejamos una lista de todas las canciones de 1960 reseñadas para que puedas conocer mas sobre la canción, además de una lista creada en Spotify con todos los temas para escucharlas. 

Clickea sobre el titulo de la canción y te llevara al articulo de cada una de las 18 canciones reseñadas de 1960. Disfrútenlas

Apache - The Shadows
Are You Lonesome Tonight - Elvis Presley
At Last! - Etta James
Donna donna - Joan Baez
Georgia on My Mind - Ray Charles
I just want to make love to you - Etta James
I´m your Hoochie, Coochie man - Muddy Waters
I'm sorry  - Brenda Lee
It's now or never - Elvis Presley
Let it rocks - Chuck Berry
Love hurts - The Everly Brothers 
Only the Lonely - Roy Orbison
The girl of my best friénd - Elvis Presley
The Twist - Chubby Checker
Save the Last Dance for Me - The Drifters
Stay - Maurice Williams
(What a) Wonderful World - Sam Cooke
You mean Everything to me - Neil Sedaka

0094: Crazy - Patsy Cline

 

Crazy, Patsy Cline

     El 16 de cotubre de 1961, Patsy Cline publica bajo el sello discográfico Decca Records, Crazy, tema que rápidamente se convierte en otro éxito para la cantante estaounidense, considerada como una de las cantantes más influyentes del siglo XX. El tema es grabado el 21 de agosto de 1961 en los Bradley Film and Recording Studio de Nashville, Tennessee (Estados Unidos), bajo la producción de Owen Bradley.

Para la grabación del tema, Patsy cuenta con la colaboración de Harold Bradley al bajo de seis cuerdas, Owen Bradley al órgano, Floyd Cramer al piano, Buddy Harman a la batería, Walter hayners, Randy Hughes y Grady Martin a las guitarras, Bob Moore al bajo, y del grupo The Jordanaires a los coros. El tema había sido compuesto por un deconocido todavía Willie Nelson.

Wilie Nelson, quien por entonces era conocido como Hugh Nelson, por aquel entonces era un compositor en apuros que solía frecuentar el famoso local de música country Tootsie's Orchid Lounge de Nashville, junto con sus amigos Kris Kristofferson y Roger Miller, también desconocidos por entonces. Una noche Nelson conoció al marido de Patsy Cline, Charlie Dick, y decidió mostrarle el tema Crazy  aquella misma noche. Dick esa misma noche se la mostró a su esposa Patsy, quien la descartó automáticamente por no adaptarse a su estilo. Pero a quien si le gustó el tema fue al  porductor Owen Bradley, que cogió el tema y lo adaptó arreglándólo en forma de balada para que Patsy la pudiera interpretar. 

La temática del tema nos habla de una mujer abatida después de perder a su amor quien se ha marcado con otra mujer. En el fondo ella siempre supo que aquello nunca funcionaría, y aún así le cuesta superarlo. Willie Nelson había llamado en un pincipio al tema Stupid, pero lo descartó después de ver la reacción del público al interpretarlo la primera vez. Willie Nelson grabaría posteriormente su propia versión, que se incluiría en su álbum debut, And Then I Wrote (1962).

Dos meses ante de grabarla, Patsy Cline había sufrido un accidente de coche, atravesando el parabrisas del mismo. En la primera sesión de grabación del tema no pudo grabr las notas altas, pues todavía padecía las secuelas de alguna que otra costilla rota. Entonces se decidió que los músicos grabaran sus partes de la canción, y dos semanas después Patsy volvió al estudio y grabó las parte vocales, de píes sujeta por una muletas.

Prince - Controversy (Mes Prince)

En este mes de monográfico de Prince, vamos con el álbum Controversy, su cuarto disco de estudio, lanzado el 14 de octubre de 1981 por la discográfica Warner Bros. Records. El disco fue producido, arreglado, compuesto e interpretado por el propio Prince, salvo en la canción Jack U Off, en la que se acompañaría por primera vez de su banda. Para la portada, Prince pasó de la provocación de su disco anterior a un primer plano y la mirada de seguridad de un artista que ya sujetaba con fuerza el timón de su ascendente carrera. Controversy es un disco que incide de nuevo en la visión de Prince sobre la sexualidad y la provocación, aunque en un tono más suavizado que el que empleó en las letras de Dirty Mind, su disco anterior.

Comienza con Controversy, canción que da título al disco, con una duración de más de siete minutos, una de sus barbaridades en las que mezcla funk, rock y esos teclados electrónicos y futuristas tan característicos. Poderosamente adictiva, su ritmo se te clava y ya no te suelta, una canción que también tuvo sus dosis de "controversia" por su letra, en la que en el tramo final incluso se recita el Padre Nuestro. Luego llega Sexuality, en la que acentúa el falsete, seña de identidad de buena parte del disco, de nuevo en clave de funk con reminiscencias de rock clásico en el sonido y los fraseos de la guitarra. En  Do Me, Baby se va por encima de los ocho minutos en una balada muy sensual, muy de las suyas, intensa y muy poderosa. Private Joy es el tema mas Pop del disco, con un sonido más luminoso, sin dejar de lado los sintetizadores y un punto Disco que hace que la canción te entre directamente.

Ronnie, Talk to Russia es una canción muy de la época, un alegato de menos de dos minutos en el qeu pide al presidente Ronald Reagan que dialogue con la URSS, en clave de rock and roll acelerado. Let’s Work  es otro tema de sonido funk futurista con influencias de la New Wave, con los sintetizadores de nuevo como elemento predominante. En cuanto a Annie Christian, es la canción menos conseguida del disco en comparación con el resto, igual tiene un punto más experimental y futurista, con un ritmo minimalista aunque incorpora riffs de guitarra, y con una letra que hace referencia a sucesos de la época como el asesinato de Lennon, el atentado contra Reagan o los secuestros y asesinatos de niños afroamericanos en Atalanta, convirtiéndose en una crítica contra todo tipo de extremismos. Y el cierre es para  Jack U Off,  en la que de nuevo aparece el Prince más divertido y provocador, con un sonido de nuevo ecléctico y a medio camino entre el funk y el rock.

La canción Controversy alcanzó el número tres en la lista Billboard y fue disco de platino. El álbum fue votado como el octavo mejor álbum del año en 1981. Considerado a menudo como "el menos relevante de sus discos más relevantes", Controversy marca la transición entre la grata sorpresa de Dirty Mind y la explosión de color y ritmo de 1999 y discos posteriores, que elevarían su carrera hasta lo más alto, pero los ingredientes de su peculiar fórmula sonora están aquí ya presentes, y es probablemente el disco más "político" de Prince, lo que mezclado con los habituales temas de contenido sexual, hace del conjunto una de esas rarezas con las que tanto le gustaba sorprender y desviarse de cualquier tentación de acomodarse en un mensaje o un estilo. Él prefirió la Controversia.

Daniel 

Instagram Storyboy

0093: Mr Postman - The Marvelettes

 

The Marvelettes eran conocidas como The Marvels cuando realizaron su segunda audición para el sello Tamla de Motown en la primavera de 1961, cantando una canción de blues sobre la espera de una carta. Fue escrito por William Garrett, un amigo del grupo, y retocada por la entonces cantante principal Georgia Dobbins. Estamos ante el grupo que abanderó el nacimiento de las girl groups (grupos de chicas) en el mundo del pop añadiendo composiciones de frenesí juvenil y arreglos sobresalientes que marcaron una época en los dorados sesenta en estados Unidos. Este Please Mr. Postman no es solo la canción más representativa de su discografía, sino que ostenta el honor de ser el primer nº 1 de Tamla Records, subsidiaria de Motown, gracias a su ritmo y estribillo contagiosos, acompañados con palmas y dulces coros, el tema fue toda una sensación nacional. Conquistaron con música negra sofisticada al público joven y blanco, capaz de gastarse los dólares, era el pistoletazo de salida para el sonido de la joven América y la leyenda del pop con marca de la casa Motown. A mediados de los 60, Wanda Young asumió la voz principal del grupo, con estas dos importantes cantantes The Marvelettes pasaron por cinco formaciones distintas, manteniendo siempre un estilo similar y un alto nivel en sus grabaciones, aunque poco a poco fueron decayendo por la falta de apoyo desde la Motown, especialmente después de la aparición de The Supremes con Diana Ross. 

 

Al frente del grupo y como cantante principal encontramos a Gladys Horton, una canción construida sobre una idea simple, y esas son a menudo las mejores. Gladys Horton, la quejumbrosa cantante principal de The Marvelettes, está esperando una carta de su novio que está muy lejos o aunque sea simplemente una tarjeta, cualquier tipo de señal de vida le serviría. Ansiosa, temerosa y sola, la voz de Horton te deja preguntándote si está esperando en vano, incluso hay momentos que no puedes evitar sentir pena por el pobre cartero enfadado ante tanta insistencia, y a la vez resignado porque todo lo que puede hacer es entregar lo que tiene.  El disco fue una obra maestra de R&B, transmitió su mensaje directo y podías sentir tristeza en cada palabra, además estaba compuesto astutamente para incluir líneas en las que algunos de los instrumentos desaparecieran para que las súplicas de Horton parezcan aún más solitarias y desesperadas, “Please Mr. Postman” pasó casi medio año en la lista de Estados Unidos, alcanzando el número 1 en diciembre de 1961, un resultado impresionante para un grupo de chicas de Inkster, Michigan, en su primera visita a un estudio de grabación. El baterista de la sesión era otro intérprete sin experiencia, un flaco aspirante de 22 años llamado Marvin Gaye. Esta canción ha sido versionada frecuentemente, quizás la que todos conocemos es la versión a cargo de The Beatles para su segundo álbum británico With the Beatles, publicado en 1963.

La música en el cine: Mrs. Robinson (Simon & Garfunkel) - El Graduado

 

Mr. Robinson, Simon & Garfunkel

     En 1967 se estrenaba la película El Graduado, película estadounidense dirigida por el director estadounidense nacido en Berlín, Mike Nichols. La película estaba basada en la novela homónima de Charles Webb. El film ganó un premio Oscar además de tener seis candidaturas más, entre las que se encontraban Anne Bancroft como mejor actriz y Dustin Hoffman como mejor actor. La película fue seleccionada en 1996 por la Biblioteca Nacional del Congreso de Estados Unidos para ser preservada en el National Film Registry por ser considerada cultural, histórica y estéticamente significativa.

La trama de la película gira en torno a la figura de Benjamin Braddock, interpretado por Dustin Hoffman, quien mantiene una relación con una mujer casada mucho mayor que él, la señora Robinson, intepretada por Anne Bancroft. 

La banda sonora de la película estaba comprendida por un compendio de canciones, de las cuales la mayoría fueron compuestas por el dúo Simon & Garfunkel. En 1967 el director de la película, Mike Nichols, le encargó al dúo que compusieran una serie de temas para una película que iba a dirigir. Según cuenta el propio director de la película, Nichols, cuando solicitaron a Simon y Garfunkel que compusieran temas para la banda sonora, Simon, estaba muy ocupado debido a una gira que tenía en curso. Pasado el tiempo, Nichols le solicitó a Simon que le mostrara lo que había compuesto, y Simon sólo le mostró una canción, la cual trataba de Mrs. Roosevelt (Eleanor) y Joe Dimaggio, del cual Simon era gran admirador como buen fan del equipo de beísbol de los Yankees. Nichols al escuchar el tema consideró que este reflejaba la personalidad de uno de los personajes de la película, Mrs. Robinson (la señora Robinson), por lo que aquel tema compuesto por Paul Simon acabó titulándose Mrs. Robinson.

Una de las curiosidades del tema es que nunca se escucha completo en la película, a lo largo de la segunda parte de la película podemos escuchar varios fragmentos del tema según va transcurriendo ésta. La banda sonora de la película tuvo un gran éxito, ocupando durante nueve semanas la primera posción de las listas de éxitos del país, y el tema Mrs. Robinson además acabó ganando dos premios Grammy. 

And here's to you, Mrs. Robinson

Jesus loves you more than you will know

Whoa, whoa, whoa

God bless you, please, Mrs. Robinson

Heaven holds a place for those who pray

Hey, hey, hey

Hey, hey, hey

We'd like to know a little bit about you for our files

We'd like to help you learn to help yourself

Look around you all you see are sympathetic eyes

Stroll around the grounds until you feel at home

And here's to you, Mrs. Robinson

Jesus loves you more than you will know

Whoa, whoa, whoa

God bless you, please, Mrs. Robinson

Heaven holds a place for those who pray

Hey, hey, hey

Hey, hey, hey

Hide it in the hiding place where no one ever goes

Put it in your pantry with your cupcakes

It's a little secret just the Robinson's affair

Most of all you've got to hide it from the kids

Koo-koo-ka-choo, Mrs. Robinson

Jesus loves you more than you will know

Whoa, whoa, whoa

God bless you, please, Mrs. Robinson

Heaven holds a place for those who pray

Hey, hey, hey

Hey, hey, hey

Sitting on a sofa on a Sunday afternoon

Going to the candidates' debate

Laugh about it, shout about it

When you've got to choose

Every way you look at this you lose

Where have you gone, Joe DiMaggio?

Our nation turns its lonely eyes to you

Woo, woo, woo

What's that you say, Mrs. Robinson?

Jolting Joe has left and gone away

Hey, hey, hey

Hey, hey, hey

0092: Let´s twist again - Chubby Checker

Tercer acercamiento al twist, ya hablamos de la original, interpretada por Hank Ballard, de la versión que dos años después hizo Chubby Checker y que le trajo un éxito inesperado y mundial en todas las pistas de baile de la que también hemos hablado, es hora de cerrar el círculo con este “Let´s Twist again”.

 

El éxito había sonreído a Checker con The twist, era el protagonista de aquel tipo de música que volvía locos a los jóvenes en la pista y sin duda no había que desaprovechar esa ola que recorría el mundo entero y de la que Chubby Checker era el gran responsable, da igual quedar colgado en un tipo de canciones, había que darle a la gente lo que quería, y tras dos singles, del mismo estilo y siempre con la palabra twist en el titulo (For twister only, King of the twist) volvía a dar con la tecla y este tema consiguió hacer las delicias de los fans. Y es que multitud de grupos se habían entregado a este ritmo en busca de su porción de éxito (incluso el gran Bob Didley probó a componer este ritmo y aquí en España, Miguel Rios tuvo su momento de gloria con este ritmo y se impuso en España como José Ramón Pardo, reconocido comentarista y autor de varios libros relacionados con la música pop cuenta: “Las discográficas ficharon a todos los conjuntos y solistas medianamente decentes, pero les hacían cantar versiones de temas extranjeros, no creían en su creatividad. Las producciones solían ser pobres”). El ostracismo del swing tras la llegada del rock and roll había dejado huérfanos a muchos fans de las pistas de baile, y la forma de contentarlos era hacer una especie de baile, basado en un rock and roll muy simplificado y con connotaciones tribales. Además, la llegada del tocadiscos origino que ese ritmo te lo pudieras llevar a casa, ya no era necesario ir a los clubs a bailar, simplemente lo ponías en tu casa y te encerrabas a bailar y ya si podías aprovechar e invitar a tus amigos te montabas la fiesta privada, me río de las Rave de ahora cuando en cualquier vivienda sonaba Chubby Checker a todo el volumen que les permitían la tecnología

 

Pero vamos a tratar de explicar antes de despedir este estilo efímero que era el baile del twist: En apariencia, muy sencillo, mueves un pie hacia un lado y el otro para el lado contrario, ayudándose del cuerpo para seguir el ritmo de las canciones, parece fácil pero no es asi, hasta este momento las jóvenes parejas bailaban “agarradas”, cogidos de una o de las dos manos, todo el tiempo, mientras ejecutaban una serie de pasos establecidos, esto era el no va más. Se desarrolló una pequeña industria del Twist con múltiples escuelas, manuales y profesores, ya que aquel que no fuera capaz de seguir el ritmo se quedaba fuera. Y Checker desde su cima observándolo todo, él era sin duda el responsable de este frenesí, que llegó incluso a influenciar en el grupo más grande que ha dado Gran Bretaña. Posteriormente y tras el agotamiento del estilo Checker decidió darle la vuelta a su música y con los mismos mimbres, pero distinta esencia, se lanzó a crear ritmos, pero ni The fly, el Limbo Rock o el Ponny Time llegaron a las cotas del Twist.