0057: How Many More Years - Howlin' Wolf

 

Moanin' In The Moonlight, Howlin' Wolf

     En 1959 se publica bajo el sello discográfico Chess Records, Moanin' In The Moonlight, el primer álbum de estudio de Howlin' Wolf. Dicho disco es un compendio de canciones grabadas y publicadas anteriormente como singles. Nos vamos a detener en el tema del disco titulado How Many More Years, un tema que fue escrito y grabado por primera vez en 1951 bajo el sello discográfico Chess Recrods, y fue lanzado como cara B, ocupando la cara A Moanin' In he Midnight. El tema pese a ocupar la cara B, se convirtió en el tema más exitoso de Howlin' Wolf.

Corre el año 1948, y Howlin' después del servicio militar ya ha conseguido establecerse dentro de la comunidad de Memphis como una celebridad local del blues, y ya ha formado su propia banda llamada The Howlin' Wolf. El tema es grabado en 1951 el Memphis Recording Service de Memphis, que posteriormente se convertiría en los estudios Sun Records, ubicado en 706 Union Avenue, y Howlin' se encarga de las tareas vocales y la armónica, siendo acompañado por Ike Turner al piano, Willie Johnson a la guitarra y Willie Steele a la batería.

Howlin' por entonces trabajaba en un programa local de radio donde tenía un espacio de unos 15 minutos que le ayudaban a publicitarse. El tema es grabado bajo la producción del sello Chess Records en los citados estudios Sun Records, fundados por Sam Phillips, que también había escuchado a Howlin' en su programa de radio radio y sabía de su potencial. Por entonces era habitual que Chess Records alquilara los estudios Sun Records para realizar las grabaciones de sus artistas. El tema se convertirá a la postre en el mayor éxito de Howlin', alcanzando el puesto número 4 en la lista de discos de R&B de Juke Box, y el puesto número 8 en las listas de discos de R&B de Estados Unidos. Gente como el famoso músico, compositor y productor discográfico T-Bone Burnett, citan How Many More Years como el primer tema de Rock and Roll de la historia.

El disco de la semana 214: Los Auténticos Decadentes - Hoy Trasnoche

El disco de la semana 214: Hoy Trasnoche - Los Auténticos Decadentes

Hoy Trasnoche es el sexto álbum de la banda argentina de ska, Los Auténticos Decadentes publicado el 14 de septiembre de 2000, podría poner como nota destacada, pero lo cierto es que sería muy injusto en decir o encasillar a Los Auténticos Decadentes en un solo género.

Y esto se demuestra en este, su sexto álbum que tiene 15 canciones que encierran 14 diferentes géneros, desde el Ska, se podría decir su originario sonido de la banda, más el Pop Rock, Pop, Hard Rock, Ska Punk, Jazz, Reggae y el mismísimo Rock, pero Los Auténticos Decadentes suman muchos más ritmos populares como la Murga, Bossa Nova, Cumbia, Guaracha, o sonidos aún menos convencionales como el Ragtime, que me han costado hasta encontrar, y sin pecar de creerme con un oído muy aguado o preciso no están ausentes la música Disco y las Baladas. 

Ahí están 14 diferentes géneros nos deleita esta banda, que acostumbrados a bandas de rock con 4 o 5 integrantes también se enorgullecen de ser 13 los integrantes, será que la diversidad de sus géneros les obligan a ser un verdadero ejército de músicos. Pero lo cierto es que esta banda fusiona en sus canciones muchos ritmos populares que le hacer única, logrando un alcance mayúsculo entre el público de todos los géneros. 

Hoy Trasnoche es un disco que me cuesta mucho catalogar en mi discografía personal, pero tiene todo lo que llevaría a un fiesta, por ello es la recomendación del disco la semana no podría faltar esta recomendación, con solo seguro de escuchar los tres cortes de promoción que tuvo el disco te enganchara para escucharlo, así que apunta "No puedo" que ocupa el número 2 en la lista de canciones del disco, y los temas "El dinero no es todo" y "Besándote", que son las canciones 6 y 7 respectivamente del disco. 

Así que amigos, no dejar de escuchar esta particular banda de Rock Argentina, que tiene un sonido propio, y tan particular, que sus seguidores podrían ser desde un viejo Heavy Metal como un amante de la cumbia colombiana, así que todo puede pasar. 

Daniel 
Instagram Storyboy

0056: Come Softly To Me - The Fleetwoods

 

Come softly To Me, The Fleetwoods

     En 1958 Gary Troxel, Gretchen Christopher y Barbara Ellis formaban el trío de pop y doo-wop llamado The Fleetwoods, y su primer éxito no se haría esperar, su primera composición antes de formarse, mientras asisten a la escuela secundaria en olympia, Washington, (Estados Unidos).

La gestación de la canción comienza cuando los amigos Gary y Gretchen se encuentran en la escuela esperando a ser recogidos para ir a casa. En un momento dado Gary comienza a tararear algo así como "Dum, dum, domby doo wha...", entonces Gretchen se da cuenta que aquello que Gary tararea tiene la misma sucesión de acordes que una canción que acaba de escribir, "Come softly", por lo que le pide a él que reduzca el ritmo y ella comienza a cantar letra de su tema sobre el tarareo de Gary. Posteriormente ambos se lo muestran a Barbara Ellis, compañera de canto de Gretchen, a quien le gusta mucho. A partir de ahí deciden fromar un trío llamado Two Girls and Guy, que luego acabaría transformándose en The Fleetwoods.

como Two Girls and Guy interpretan el tema dos veces en vivo, en una asamblea de estudiantes de último año y en un baile posterior a un partido de fútbol, y tienen tanto éxito que los compañeros de clase y de escuela les piden copias de la canción para poder aprenderla y escucharla. El trío tardó seis meses en grabarlo, se hizo a capella, sin instrumentación, la cual se añadiría después. Como curiosidad se puede apreciar que la única percusión del tema es la originada por Gary al agitar las llaves de su coche con las manos cerradas. 

Sería el el propietario de la discográfica Dolphin Records, con la que graban el tema, Bob Reisdorf, el que les sugiere que le pongan al grupo un nombre más comercial. Acabarían llamandose The Fleetwoods porque los tres tenían la misma compañía telefónica, Fleetowood. Sería también Bob Reisdorf el que cambia el título de la canción, pues originalmente se llamaba Come Softly, y creyó que podía ser demasiado atrevido, por lo que la transformó en Come Soflty To Me. 

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Canciones que nos emocionan: More Than A Feeling - Boston

 

More Than a Feeling, Boston

     El 25 de agosto de 1976, la Banda estadounidense Boston debutaban con la publicación de su primer álbum de estudio de larga duración, de título homónimo, Boston. El líder de la banda, Tom Scholz, tenía formación clásica y había estudiado piano clásico en su infancia, y se había involucrado en en la escena musical de Boston a finales de la década de los 60. Tom se dedicó a realizar demos de canciones grabadas en el sótano de su apartamento junto con el cantante Brad Delp, las cuales había mandado a principios de los 70 a numerosos sello discográficos, que las habían rechazado. En 1975 cayó un demo en manos de la discográfica CBS Records, y se interesó por ellos firmándoles un contrato con su compañía subsidiaria Epic Records.

Tom Scholz se había hecho un estudio en un sótano de Waterbown, Massachusetts, comprando los equipos con las ganancias de su trabajo como ingeniero de diseño de productos en Polaroid Corporation. La intención de Tom era grabar en su propio estudio, pero Epic no estaba por la labor y quería que el disco fuera grabado en Los Ángeles y a las ordenes de un productor discográfico. Para poder salirse con la suya, Tom puso en práctica un elaborado plan, contrató al productor discográfico John Boylan, y luego engañó al sello discográfico haciéndole creer que la banda estaba grabando tal y como Epic Records quería, cuando en realidad todos los instrumentos fueron grabados en el sótano de Tom en Massachusetts. Después hizo que Brad Delp  grabara las parte vocales en el estudio de Los Ángeles que Epic había preparado para tal efecto.

Incluido en el álbum se encuentra otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, More Than A Feeling. La canción fue compuesta por Tom Scholz, y tardo unos cinco años en tenerla completa. La canción nos habla del descontento del autor con el presente y su anhelo por un antiguo amor llamado Marianne. En un momento dado de la canción nuestro protagonista se despierta, es entonces cuando pone algo de música y vuelve a quedar dormido y soñando con los días en los que anhelaba el amor de Marianne. Tom al parecer se inspiró para componer la letra sobre Marianne en una prima que tenía y que era mucho mayor que él. Cuando él tenía  unos 8 o 9 años pensaba que esa prima era la mujer más hermosa que había en el mundo y estaba secretamente enamorado de ella. El sólo de guitarra tiene la particularidad de incorporar elementos que se usaban en la música barroca, poniendo de manifiesto las influencias de Tom en su formación clásica.

I looked out this morning and the sun was gone

Turned on some music to start my day

I lost myself in a familiar song

I closed my eyes and I slipped away

It's more than a feeling (more than a feeling)

When I hear that old song they used to play (more than a feeling)

And I begin dreaming (more than a feeling)

'Til I see Marianne walk away

I see my Marianne walkin' away

So many people have come and gone

Their faces fade as the years go by

Yet I still recall as I wander on

As clear as the sun in the summer sky

It's more than a feeling (more than a feeling)

When I hear that old song they used to play (more than a feeling)

And I begin dreaming (more than a feeling)

'Til I see Marianne walk away

I see my Marianne walkin' away

When I'm tired and thinking cold

I hide in my music, forget the day

And dream of a girl I used to know

I closed my eyes and she slipped away

She slipped away

It's more than a feeling (more than a feeling)

When I hear that old song they used to play (more than a feeling)

And I begin dreaming (more than a feeling)

'Til I see Marianne walk away

0055: Frankie Avalon - Venus

 

Descubrió su afición por el mundo artístico con apenas 9 años época en la cual se inició en el estudio de la trompeta  con el propósito de convertirse en una gran  trompetista al estilo de Louis Armstrong o Harry James, los mejores exponentes del género por aquellos años, está claro que no llegó a eso pero al menos consiguió pequeñas actuaciones en los shows televisivos de Jackie Gleason  y Ray Anthony que le sirvió para convertirse en un “ídolo adolescente” a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, ser conocido en todo el país como cantante y posteriormente estrella de cine, especialmente en películas denominadas de "playa", tenía la estampa del vecinito perfecto, alguien muy familiar. John Wayne había sido su mentor y defensor lo que ayudó a su carrera como cantante y como actor. En verdad, Avalon probablemente era mejor actor que cantante. Dio la casualidad de que se topó con la oportunidad de cantar esta canción muy bien escrita, "Venus", en 1959 y no lo desperdició. Frankie Avalon fue considerado dentro del grupo de los llamados "Caras bonitas", del rock junto a Paul Anka, Bobby Rydells, Fabian o Ricky Nelson entre otros  por su agraciado rostro, situación que contribuía –al menos en aquella época-, de manera importante al éxito comercial de los artistas, especialmente a través de las presentaciones televisivas y actuaciones en directo, pero, como con tantas otras cosas que componían la “escena” de la música pop estadounidense a mediados de la década de 1960, el atractivo de Avalon se desvaneció con la avalancha de la invasión británica.

 

Sociológicamente, "Venus" es un reflejo de una época diferente a la nuestra, una época de valiosa inocencia, tal vez un último reflejo musical pop de la ingenuidad de la posguerra acrecentada por una excelente grabación pop. Escuchar ese clavicémbalo, y por encima de todo, deteneros en esas voces femeninas de acompañamiento de ensueño, una percusión ligera y cambiante, el ritmo inusual, una mezcla de cha-cha y calipso. Era un caramelo que eclipsó todo lo que había hecho antes y por supuesto nunca volveria a cantar otro tema como este, una canción de ídolos adolescentes que trascienda su género. La canción pasó cinco semanas en el número 1 en las listas de éxitos e incluso llegó al número 10 en la lista de R&B, un logro poco común para un cantante pop italoamericano.

Gary Moore - A different beat (Mes Gary Moore)

 

En los últimos años del siglo XX, los avances en las tecnologías de la creación musical, originaron una epidemia que se extendió de forma transversal a todo tipo de músicos, actualmente los amantes dl rock sufrimos todo tipo de sonidos que no llegan a emocionarnos lo que una guitarra tocada con manos expertas nos puede trasmitir, tampoco quizás hayamos explorado demasiado, tampoco seguramente nos interese demasiado, esta nueva música es un paisaje del que realmente se muy poco, lo que sé es que los tecno-beats y otros paisajes sonoros relacionados producidos electrónicamente fueron un terreno tentador para los fuegos artificiales de guitarra, y los músicos de Jeff Beck a Joe Satriani exploraron ese territorio con resultados no demasiado satisfactorios para los puristas. Gary Moore no escapó ileso, y se atrevió a entregarnos un disco donde podemos disfrutar de su guitarra y la voz habituales en otros discos, a los que añadió un bajo adicional y algunas funciones de teclados, el resto es solo programación y sintetizadores y nos vamos a adentrar en terreno peligroso. 

 

Tras una primera pasada por A different beat rápidamente te das cuenta de que lo que tienes delante está muy alejado de lo que ha sido la carrera de Moore, sin embargo a poco que lo intentes es fácil descubrir que los mejores momentos que se dan en el disco es cuando Gary es acompañado por una batería real, por ejemplo en esa versión urgente y demoledora de "Fire" de Hendrix (único tema no original de Moore), o en la cruda y diabólica "Worry no More", alternando entre la fuerza bruta del Hard Rock y las reminiscencias sensuales de Boogie al estilo de J.Lee Hooker, agudizando los sentidos y quedándonos en nuestro ambiente podemos encontrar ecos de los pioneros Delta-Blues en “Bring My Baby Back”, donde el espíritu de Robert Johnson parece flotar sobre ritmos muestreados, sonidos de sintetizador, blips y otros efectos variados que ha decidido incluir, mientras. Otras reminiscencias al sabor añejo del blues, como cuando Gary viaja al terreno de Santana en el Power-Pop con inflexión de "Lost in Your Love" donde descubrimos una interpretación tanto vocal como instrumental apasionada y de gran altura, o cuando es una sensibilidad similar a la de Peter Green la que templa al candidato perfecto y melancólico a la canción favorita de las estaciones de radio "Surrender", una pista de más de 9 minutos con un vago ambiente parecido al de Sade. En “Can't Help Myself”, también podemos escuchar las reverberaciones del héroe de la guitarra que conocemos.

La crítica de la época acogió con mucha tibieza esta obra, sin perdonar al artista el giro decisivo hacia otros caminos, aunque a la vez gratificado por escenarios aún rebosantes de sus interpretaciones. Personalmente escucho a Gary Moore por su rock, que básicamente dejó de publicar después de 1990. Desde entonces, ha sido el blues, o versiones del blues, en lo que se ha concentrado. Este álbum fue en realidad un poco experimental, usando lo que supongo que podría llamarse fusión de blues, junto con elementos de muestreo y rap. A veces lento, otras veces simplemente irritante, pero, al final del día, una forma diferente de escuchar a Gary Moore en busca de formas alternativas de encender su sensibilidad Blues única en su tipo; puede ser gratificante, definitivamente es una experiencia auditiva digna, he escuchado cosas menos interesantes de nuestro guitarrista irlandés, y una cosa es segura: no se le puede acusar de repetirse. En general, y como concepto, tiene su mérito. Gary Moore nunca ha tenido miedo de probar cosas diferentes o abordar las cosas desde un ángulo diferente, y esto es lo que hace en este álbum.

 

0054: That´s all right - Elvis Presley

 

Vamos a dar un salto hacia atrás en el tiempo, en nuestro recorrido por la historia de la música en canciones, nos encontramos en el 6 de febrero de 1959, momento en el que sale a la venta el primer recopilatorio de ese chico de Memphis que había roto las barreras del éxito y había puesto el rock and roll en boca de todos, porque si bien el rock and roll llevaba varios años escuchándose en círculos más pequeños, fue Elvis quien logro darle el empujón que le hizo accesible a todo el mundo. Como íbamos contando en 1959 Elvis se encontraba realizando el servicio militar en Alemania, por lo que Sun Records decidió sacar un Lp recopilatorio con las primeras grabaciones del rey, para tratar de mantener en el mercado a su cantante, abriendo ese disco encontramos el tema “That´s all right”. 

 

Pero para hablar de la canción nos tenemos que trasladar al año 1954, Sam Phillips, el patrón de la discográfica Sun Records, buscaba desesperadamente “un blanco que tuviera un sonido negro y un sentimiento negro“, Elvis Aaron Presley, se había pasado por sus estudios, quería grabar un disco con dos temas, aunque fuera pagándolo de su bolsillo, para regalárselo a su madre, de esta manera también le daba la opción de que alguien de allí le gustara y pudiera iniciar una carrera como interprete de rock and roll actividad que compaginaba con su trabajo de camionero. Tras la grabación los trabajadores de Sun Records le dijeron que tratara de conservar su trabajo, ya que no tenía futuro en el mundo de la música, pero el disco en manos de Sam Phillips que pensó que aquel chico de Tupelo era ideal para cantar baladas y decidió montar una sesión de grabación con el guitarrista Winfield “Scotty” Moore, el contrabajista Bill Black y el propio Elvis.

 

La jornada 5 de julio de 1954, estaba siendo desesperante hasta que Elvis en un descanso tomó su guitarra y tocó “That’s All Right”, un viejo blues grabado inicialmente por Arthur “Big Boy” Crudup en 1946. El guitarrista Moore, que se encontraba allí comenta que “De golpe, Elvis comenzó simplemente a tocar la canción, saltando y haciendo tonterías, pero después Bill tomó su contrabajo y comenzó también a tocar y a hacer tonterías, hasta que comencé a tocar con ellos. Creo que Sam tenía la puerta de la cabina de control abierta, (…) sacó su cabeza afuera y dijo: ‘¿Qué estáis haciendo?’ y le contestamos ‘no lo sabemos'”. Sam Philips les pidió que volvieran a hacerlo y grabarlo, tres días después envió esta grabación a la radio; los oyentes llamaron a la emisora para conocer el nombre del cantante “negro” que interpretaba aquella canción. El 19 de julio de 1954, se publicó el primer single de Elvis Presley: ‘That’s All Right’. Distribuido por Sun Records con una tirada de 7.000 copias, se convirtió en un éxito, aunque solo local en la zona de Memphis, aun así, tiene el honor de ser la primera canción editada de una leyenda llamada Elvis Presley.

Un país, un artista: Finlandia - Sonata Arctica

 

Hoy os traemos un grupo Finlandes fuera de los que más fama han tenido fuera de sus fronteras, Him y Nightwish y nos quedaremos en su primera etapa que es la más conocida, nos referimos a Sonata Arctica banda que nació en 1996 en Kemi, una ciudad en el norte de Finlandia en el borde del mundo. Inicialmente, estuvo activo bajo el nombre de la banda Tricky Beans y produjo tres demos ("Friend till the End", "Agre Pamppers" y "PeaceMaker").

 

En 1999, publicaron una demo, "FullMoon" para Tycho Tycho Studio en Chemi. Los miembros en ese momento eran Tony Kakko (voz / teclados), Jani Liimatainen (guitarras), Tommy Portimo (batería) y Janne Kivilahti. Kivilahti] (bajo). Nació en esta época la marca que reconoce a Sonata Arctica, composición sonora rápida, melódica, centrada en el teclado y con una voz clara de tono alto, unas premisas que gustaron entre los fans del heavy metal. Ahti Kortelainen de Tycho Tycho Studio abrió la puerta al prestigioso sello finlandés de heavy metal Spinefarm y firmaron un contrato discográfico, momento en el que la banda pasó a llamarse Sonata Arctica.

 

En el verano de 1999, lanzó su primer sencillo "UnOpened / Mary-Lou", y en el otoño, lanzó su primer álbum completo "Ecliptica". También participaron en el álbum tributo de Halloween "Keepers of Jericho" con "I Want Out" y en el álbum tributo de Scorpions "A Tribute to the Scorpions" con "Still Loving You". Su nombre de repente se hizo conocido en toda Europa. Poco después del lanzamiento de "Ecliptica", Mikko Härkin (llaves) se unió al grupo, formando un grupo de cinco miembros. Con este cambio mejoraron sensiblemente la actuación en vivo de la banda. Tony Kakko pudo concentrarse en la voz / líder, y los dos teclistas de la banda permitieron tener una música aún más compleja. Siguen en racha y fueron nominados como banda de apoyo para esa gira europea de Stradivarius. Como resultado, Sonata Arctica visitó 10 países en una gira de dos meses desde finales de 1999 hasta principios de 2000, y ha realizado conciertos en solitario en más de 30 ciudades, logrando aumentar significativamente el reconocimiento de su nombre ...

　

Tras la gira, en el otoño del mismo año, tuvieron el lanzamiento del mini-álbum "Successor", la salida de Janne Kivillafiti por motivos personales y la incorporación de un nuevo miembro: Marko Paasikoski con quien comenzaron la producción del 2do álbum. A principios de 2001, participaron en el "Monsters of the Millennium 2001 Tour" con Alice Cooper, Dio, Rat y otros. Y en mayo del mismo año, finalmente se anunció el nuevo single "Wolf and Raven", preludio del su segundo álbum aparecido en Junio "Silence" y lanzado con anticipación en Japón ya que allí tenían una gran legion de fans y vendieron más copias que en ningún otro país. Si bien este álbum, es más completo que el anterior, siguen con su estilo personal. El inicio de la nueva gira empezó en Japón en septiembre del mismo año. Después de eso, participó en 28 conciertos en 12 países como acto de apoyo para la gira europea de Gamma Ray con Vanishing Point. Esta gira continuó hasta la gira sudamericana de Brasil a Chile a principios de 2002, y el último día de la actuación de regreso triunfal en. Aprovecharon para lanzar su primer álbum en vivo "Songs Of Silence-Live in TOKYO (Songs Of Silence)". Se grabó en Tokio en septiembre de 2001 y se lanzó en marzo de 2002 en Japón y en julio-agosto en otras áreas.

　Al final la gira Silence, Mikko Härkin (llaves) anunció que dejaría la banda por motivos personales. Era hora de empezar a producir el siguiente trabajo, pero la selección de nuevos teclistas se hizo con cuidado. Jens Johansen de Stradivarius se ofreció a unirse como miembro de ayuda, y la grabación se desarrolló sin problemas, con Jens haciendo un solo de cuatro canciones. Antes del lanzamiento del tercer álbum "Winterhearts Guild" en marzo de 2003, se anunció que Henrik Klingenberg se incorporaría en febrero como nuevo teclista, era miembro de Silent Voices y Requiem. La interpretación dinámica y la técnica del teclado portátil de Henrik han logrado inyectar nueva energía y efectos visuales a la banda.

El primer sencillo "Victoria's Secret" de "Winter Hearts Guild" llegó en el número 1 en la lista de éxitos de Finlandia. Rompió el auto-récord del 3er lugar más alto en el sencillo "Last Drop Falls" del trabajo anterior "Silence". En la primera semana del lanzamiento, el álbum también superó a The Las Mass, Eminem y TATU para ocupar el tercer lugar, manteniéndose en el top 10 durante cinco semanas consecutivas. En el Swedish Rock Festival, estuvo a la par de Queensrÿche, Jesus y Whitesnake. En 2003, lanzó un sencillo "BROKEN" que incluía dos canciones inéditas grabadas cuando estaba inscrito en Mikko, y un mini álbum "Takatarvi" exclusivo de Japón.

　Sonata Arctica, que ha firmado un contrato con Spinefarm por tres trabajos hasta "Winterhearts Guild", pasará al sello Nuclear Blast en busca de nuevos desarrollos. Al día siguiente, a principios de 2004, acompañó a Iron Maiden en una gira por Japón, y luego completó la producción de su cuarto álbum mientras aparecía en numerosos festivales. Y el primer sencillo "Don't Say A Word" lanzado en agosto de 2004 alcanzó brillantemente la cima de la lista finlandesa y se ubicó entre los 10 primeros durante 6 semanas consecutivas. El cuarto álbum "Reckoning Night" lanzado en octubre también tuvo éxito en el segundo lugar en Finlandia.

0053: My baby just cares for me - Nina Simone

 

Para definir la experiencia de escuchar "Little Girl Blue", el que fuera disco de debut de Nina Simone en 1959, nada mejor que el subtítulo con el que, en ocasiones, se conoce y se nombra a este disco: "Jazz como se tocaría en un exclusivo club de Side Street". La atmósfera del álbum es precisamente esa, la de un pequeño local lleno de mesas redondas, iluminadas por la luz de las velas, mientras en un pequeño escenario una banda de jazz deleita a los asistentes con, por ejemplo, My baby just cares for me, el tema más famoso del disco, y una deslumbrante pieza en las manos de una pianista por entonces veinteañera, que aún se debatía entre dedicarse al jazz o continuar con su formación como concertista clásica.

My baby just cares for me fue escrita por Walter Donaldson y Gus Kahn en 1930 para la película Whoopee!, pero fue con la versión de Nina Simone con la que se convirtió en un auténtico himno del jazz, sobre todo desde que, en 1987 alcanzara el éxito masivo al ser usada como canción para un anuncio de Chanel Nº5, y ser promocionada en su versión completa a través de un vídeo musical en "claymation" que fue dirigido por Peter Lord.​

Pero volviendo a Little girl blue, la joven e inexperta Nina vendió los derechos del disco a Bethlehem Records por tan sólo tres mil dólares, sin saber que los beneficios que acabaría generando superarían ampliamente el millón, lo que le llevó finalmente a abandonar la discográfica, descontenta con las condiciones del acuerdo y la insuficiente promoción de su primera obra. Bethlehem Records aún llegó a publicar, sin permiso de la artista, el álbum "Nina Simone and her friends" con material sobrante y grabaciones inéditas disponibles del período en el que Nina trabajó con ellos, en un último intento de explotar a la gallina de los huevos de oro, que convertida ya en ave majestuosa, desplegaría sus alas y volaría en busca de su sueño, el de escapar de la melancolía de sentirse sólo una "pequeña chica triste".

0052: You are my destiny - Paul Anka

Paul Anka grabó su primer sencillo, "I Confess", cuando tenía 14 años. En 1957 fue a la ciudad de Nueva York donde hizo una audición para Don Costa en ABC, cantando lo que se creía que era un verso enamorado que había escrito a un ex niñera. En una entrevista con Terry Gross de NPR en 2005, declaró que se trataba de una chica de su iglesia a la que apenas conocía. Del pop adolescente al swing, pasando por el rock y el jazz, ha interpretado himnos imperecederos de calado intergeneracional que siguen habitando en nuestra memoria colectiva. Es el caso de «Diana» (que le convirtió en uno de los primeros ídolos juveniles de la música) «Put Your Head On My Shoulder», «Lonely Boy», «She’s A Lady», «(You’re) Having My Baby» o la mítica «My way», reinterpretación de la canción francesa «Comme d’habitude». Conviene saber que Paul Anka fue el encargado de trasformara My way en el mercado anglosajon para Frank Sinatra dándoles uno de los mayores éxitos a la voz. 

"You Are My Destiny" es una canción escrita e interpretada por Paul Anka. Fue lanzado en 1958 y alcanzó el número siete en el Billboard 100 de Estados Unidos a principios de ese año y el número catorce en la lista de R&B. La canción también fue lanzada en el Reino Unido, donde alcanzó el número seis.

La letra narra cómo le dice a su amante que es su destino ser amado porque es capaz de compartir su soledad, sus sueños y sólo un tonto rechazaría a alguien como él/ella. Un poco ñoña, o mucho, la canción ha quedado casi como un himno de esos que te gusta escuchar al lado de la persona que amas, (o imaginarte que la escuchas) a pesar que rebose el azúcar por cada nota musical. 

Gary moore - After Hours (Mes Gary Moore)

 

After Hours, Gary Moore

     Con Still Got The Blues (1990), Gary además de volver a las raíces, había conseguido situarlo como el más exitoso de su carrera, vendiendo más de tres millones de copias en todo el mundo. Acababa de sentar los cimientos de su retorno a un estilo que siempre le había acompañado, no en vano, durante  la gira de apoyo del último álbum de hard rock que publicó, After the War (1989), en los camerinos solía tocar blues para calentar.

Gary tenía claro la senda que quería seguir, la senda del blues, y publica su siguiente trabajo seguido orientado a este género musical. Con Still Got the Blues había sentado los cimientos de un género que conocía desde hace mucho tiempo ya, de hecho, ya coqueteaba con él en su inicios. Cómo olvidar su etapa con la formación irlandesa Skid Row, y su primer disco de estudio, Grinding Stone, el gran olvidado de su carrera, muy recomendable. Con su valiente decisión de volver a las raíces muchos pensaron que Still Got The Blues sería fruto de una noche de pasión, no podían estar más equivocados, y con After Hours se encargaría de demostrarlo. Un disco a la altura de su anterior trabajo, Still Got The Blues, y en mi humilde opinión, en su conjunto, mejor incluso.

Para la grabación del álbum, Gary cuenta con los ya habituales bajistas Bob Daisley y Andy Pyle además de Will Lee y Johnny B. Gaydon, con Grahm Walker y Anton Fig a la batería, y Tommy Eyre a los teclados. Y la sección de viento de la que se rodea no puede ser mejor, Martin Drover a la trompeta, Richard Morgan al oboe, Frank Mead, Nick Pentelow y Nick Pain al saxofón, y el dúo de los maravillosos Memphis Horns, Andrew Love (saxofón) y Wayne Jackson (trompeta). Los coros del disco corren a cargo de Carol Kenyon y Linda Taylor. Gary, además contó con la colaboración de BB King y Albert Collins en un par de temas. El resultado es After Hours, publicado el 10 de marzo de 1992 bajo el sello discográfico propiedad de Virgin, Charisma Records.  El disco consigue buenas cifras en las listas de ventas, consiguiendo la certificación de platino en Suecia y la de oro en el Reino Unido, además de conseguir buenas cifras también en España, Francia, Australia y Nueva Zelanda. 

En el disco apreciamos la importancia que van a tener, además de la guitarra de Moore, las interpretaciones de las secciones de viento de los Memphis Horns y compañía. Encontraremos brillantes versiones que Moore hace suyas como los marchosos Don't You Lie To Me (Hudson Whittaker), Key To Love (John Mayall) y The Blues Is Alright (Milton Campbell), tema éste último donde colabora Albert Collins. También se marca un maravilloso cover de la balada compuesta por Duster Bennett, Jumpin' At Shadows, y es que cuando Moore se pode sentimental lo clava como pocos con su guitarra. Podremos disfrutar de composiciones suyas llenas de ritmo como Cold Day In Hell, con los coros magníficos de Kenyon y Taylor, Only Fool In Town, uno de los temas más cañeros del álbum, y Since I Met You Baby, donde cuenta con la colaboración del maestro BB King, y cuyo single alcanzó el puesto numero 4 en las listas de ventas del Reino Unido. Encontraremos Brillantes baladas, como The Hurt Inside, con esas sobresaientes secciones de viento y Noting's The Same, donde Moore, armado únicamente con su voz y su guitarra nos hará soñar. Mención aparte para dos temas que en mi opinión elevan el nivel de un álbum de por sí ya muy bueno, Story Of The Blues y Separate Ways, temas donde se combinan todos los elementos para regalarnos dos maravillas composiciones, los músicos, la potente sección de viento de la que Moore sabe sacar partido, y cómo no, esa guitarra de la que sabe cómo lanzar notas llenas de sentimiento que se clavan en nuestro corazón y nos hacen vibrar, sentir, disfrutar...

En 2002 se reedita After Hours en formato CD con cinco temas extras All Time Low y Movin' On Down The Road, ambas composiciones de Moore, dos versiones, Woke Up This Morning (BB King, Jules Taub) y Don't Start Me Talkin (Sonny Boy Williamson), y Once In A Blue Mood, compuesta por Moore junto con Anton Fig, Will Lee y Tommy Eyre, un instrumental donde volvía a contar con la colaboración de Albert Collins.

Con After Hours Gary seguía recorriendo la senda del blues, una senda que ya había iniciado en sus comienzos como músico, y que siempre le acompañó, pues fue uno de los géneros musicales que le acompañaron siempre y del que estaba fuertemente influenciado.

0051: The Twist - Hank Ballard & The Midnighters

 

The Twist, Hank Ballard & The Miidnighters

     Hank Ballard fue un cantante y compositor estadounidense de R&B, uno de los primeros artistas de Rock and roll que surgieron en al década de los años 50, y que además jugó un importante papel en el desarrollo de éste género musical, tocándolo y mezclándolo con otros géneros como rock, gospel y country. De hecho, fue el padre del popular tema llamado The Twist, que a su vez es la canción originaria del baile del  mismo nombre, que se basa en el rock and roll, y es básicamente un baile de pareja donde ésta no tiene contacto alguno mientras transcurre dicho baile.

Hank Ballard tuvo la idea de la canción al fijarse en su grupo en el escenario, The Midnighters, pues bailaban sobre él como si estuvieran tratando de apagar un cigarrillo. De ahí el título, pues en cierto modo, se movían retorciéndose y haciendo giros. El tema es grabado por Hank Ballard & The Mindnighters el 11 de noviembre de 1958, y publicado por la discográfica Cameo-Parkway Records en 1959 como cara B del sencillo Teardrops On Your Letter, que ocupa la cara A. La canción alcanzó un éxito moderado, consiguiendo el puesto número 28 en la lista estadounidense Billboard Hot 100. 

Curiosamente habría que esperar al año siguiente para que el tema consiguiera un éxito absoluto, cantado por otro artista, Chubby Checker. La canción se había hecho popular en un programa de televisión de Baltimore presentado por el presentador local Buddy Deane. Éste presentador recomienda la canción al por entonces famoso presentador del programa nacional American Bandstand, Dick Clark. Al parecer a Clark, que tiene intereses en varias discográficas, le encanta la canción, pero entre que Ballard no está disponible, y que tampoco se fía demasiado de él porque es conocido por tener varias canciones consideradas obscenas, decide buscar a alguien con la voz similar a la de Ballard. Clark realiza unas audiciones y encuentra a un joven desplumador de pollos llamado Earnest Evans, que clava el registro vocal de Ballard. En junio de 1960, el joven, bajo el pseudónimo de Chubby Checker, graba y publica bajo el sello discográfico Parkway la versión de la canción The Twist, y en julio la interpreta por primera vez en vivo en el Rainbow Club de Wildwood, Nueva Jersey. La canción rápidamente se convierte en un gran éxito, y el 6 de agosto de 1960 Chubby Checker la interpreta en el programa American Bandstand de Dirk Clark. 

La versión de Chubby Checker es prácticamente un clon de la versión original de Hank Ballard. De hecho, Ballard, la primera vez que le escuchó pensó que era él mismo quien la estaba interpretando. como hemos comentado anteriormente, el tema originó la locura por el singular baile del mismo nombre. Un baile que además de ser muy sencillo de bailar, pues no requería ninguna habilidad extraordinaria, ayudó a romper barreras generacionales, pues era bailada tanto por niños como por adultos.

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La música en historias: Los músicos de sesión XXI

 

     En el capítulo anterior hicimos referencia a los llamados músicos y cantantes de fuera del escenario, esos músicos que sin ser visibles, realizan una gran contribución musical al artista de turno con su voz o sus instrumentos. Por ejemplo, el técnico de bajos de Iron Maiden, Michael Kenney, toca los teclados de la banda fuera del escenario; Derek Sherinian hizo lo propio con el mismo instrumento con Kiss; Alan Fitzgerald hizo lo propio con Van Halen en diferentes épocas además de con Bruce Springsteen; Mott The Hoople tenía como road manager al que fuera vocalista original de la banda, Stan Tippins, algo que también aprovecharon para que reforzara partes vocales fuera del escenario en los conciertos de la banda. Vamos con  la vigesimoprimera entrega dedicada a los músicos de sesión.

Darrin Mooney, baterista y percusionista de sesión inglés, nacido en la localidad de Merry, Londres, en 1967. Mooney comenzó a tocar a la edad de 12 años, cuando todavía se encontraba en la escuela. Es en la escuela donde se va fojando, tocando la batería y la pecusión en numerosas bandas y orquestas escolares. A los 18 años asiste a un ensayo de la National Youth Jazz Orchestra, una conocida orquesta de jazz británica, algo que le marcaría de cara al futuro. En 1997 Mooney se une a la banda escocesa Primal Scream, en la cual permanece todavía a día de hoy. Paralelamente, en 2001 empezó a trabajar con Gary Moore, colaborando con él asiduamente hasta el fallecimiento de éste. Por si esto no fuera suficiente, ha tenido todavía  tiempo de colborar con artistas de la talla de Matt Bianco, China Black, Bonnie Tyler, Martin Barre, Ian Anderson, Queens Of The Stone Age, Don Airey, Wonderland y Dionne Bromfield entre otros.

Michael Rhodes, bajista estadounidense nacido en 1953 en Monroes, Lousiana. Empezó aprendiendo a tocar la guitarra a los 13 años de forma autodidacta y posteriormente también el bajo. a principios de los 70 Rhodes se muda a Austin, Texas, donde suele tocar con bandas locales. Dicha eperiencia dura unos 4 años, lo que tarda Rhodes en volver a mudarse, esta vez a Memphis, Tennessee. En 1977 vuelve a mudarse, en esta oacsión a Nashville, donde se une a una banda local llamda The Nerve, y además comienza a trabajar como músico de demostración primero, y de sesión después para Tree Publishing Company. Además de su trabajo como músico de sesión desde entonces, también ha formado parte de numerosos proyectos, como The Cicaras o The Notorious Cherry Bombs. Ha trabajdo con artistas de la talla de Joe Bonamassa, Pat McLaughlin, Doug Stone, Steve Winwood, Larry Carlton, Hank Williams, Vince Gill, Dolly Parton, Randy Travis y Toby Keith entre otros. Además de su trabjo como músico de sesión suele tocar con numerosas bandas locales del área de Nashville. 

Fred Below (Frederick Below Jr.), baterista de blues estadounidense nacido en 1926 en Chicago, Illinois, y fallecido en 1988. Este músico fue muy conocido sobretodo por su trabajo para la discográfica Chess Records y para Little Walter en la década de los 50. También es considerado como uno de los creadores de la estructura rítmica del blues de Chicago, concretamente el rtimo de fondo. Podemos escucharle a la batería en la famosa Johnny B. Goode de Chuck Berry. Below nace en Chicago, en la escuela secundaria aprende a tocar la batería, y con 14 años forma su primera banda, una especie de grupo de jazz, con sus amigos de la escuela secundaria, Johnny Griffin y Eugene Wright. En 1946, y después de servir dos veces en el ejército, regresa a Chicago y asiste a la prestigosa escuela de percusión de Roy C. Knapp, finalizando sus estudios en 1948 y recibiendo una completísima formación musical. En 1948 vuelve a alistarse, sirviendo como parte de los servicios especiales del ejército estadounidense en Alemania, donde permane hasta 195, cuando vuelve a Chicago. Una vez en Chicago se enrola en el grupo The Aces, formado por los hermanos Louis y  Dave Myers, y Junior Wells. En 1952 Little Walter deja a Muddy Waters, puesto que ocupa Junior Wells, y Little se marcha a The Aces, formando con los hermanos Myers y Below una de las mejores bandas de blues eléctrico de Chicago. En 1955 deja la banda The Aces para trabajar como músico de sesión para Chess Records, pero sigue colaborando tambien con Little Walter. Chuck Berry, Little Walter, Jimmy Rogers, Elmore James, Otis Rush, Howlin 'Wolf y Willie Dixon son algunos de los artistas que pudieron disfrutar trabajando con este genial baterista. 

Jim Horn (James Ronald Horn), saxofonista estadounidense nacido en 1940 en Los Ángeles, California. En 1959, con tan sólo 19 años ya estaba tocando el saxofón para el famoso guitarrista Duane Eddy tanto en actuaciones en vivo como en grabaciones en estudio, papel que desempeña durante 5 años. Junto con Bobby Keys y Jim Price se convirtió en uno de los músicos de sesión de viento más solicitados durate las décadas de los 70 y 80. Ha colaborado en discos en solitario de tres miembros de los Beatles, Ringo Starr, George Harrison y Paul McCartney. También estuvo de gira con John Denver asiduamente entre 1978 y 1993. Fue miembro del famoso grupo de músicos de sesión The Wrecking Crew. Ha colaborado durante su carrera, entre otros, con Canned Heat, The Rolling Stones, Badfinger, Billy Joel, Buffalo Springfield, Bozz Scaggs, The Beach Boys, The Carpenters, Dizzy Gillespie, Frank Sinatra, Garth Brooks, George Benson, Harry Nilson, Johnny Rivers, Linoel Richie, Little Richard, Joni Mitchell, Michael Jackson, The Mamas & The Papas, Roy Orbison, Steely Dan, Stevie Wonder, Tom Petty, Toto y Traveling Wilburys.

Philip Upchurch, guitarrista estadounidense de jazz y blues, nacido en 1941 en chicago, Illinios. Este guitarrista empezó su carrera tocando fuera de Chicago con Kool Gents, el quinteto vocal The Dells, y con el grupo de doo-wop The Spaniels, para posteriormente trabajar con Curtys Mayfield, Otis Rush y Jimmy Reed. Posteriormente regresa a Chicago donde graba con artistas como Stan Gentz, Dizzy Gillespie y BB King entre otros. A  principios de la década de los 60, con la formación Philip Uchurch Combo, vende más de un millón de copias de su disco You Can't Sit Down, y con su siguiente trabajo, You Can't Sit Down, Part 2, alcanza el puesto número 29 en las listas Billboard de Estados Unidos. A mediados de la década de los 60 ficha para Chess Records, grabando para artistas del sello, entre los que se encuentan  The Dells, Howlin 'Wolf y Muddy Waters. También graba en aquella época con John Lee Hooker, Grover Washington Jr., y Cannonball Adderley. En la déacada de los 70, además de tener su propio cuarteto, trabaja con Donny Hathaway, Harvey Mason, Quincy Jones y Ramsey Lewis. Entre mediados de la década de los 70 y la década de los 80, Philip trabaja con George Benson, Gary Burton, Chaka Khan, Cat Stevens y Michael Jackson entre otros. En la década de los 90 sigue con su obra en solitario, alternando con trabajos para artistas como Jimmy Smith y Jack McDuff. Posteriormente ha colaborado con artistas como Anita Baker, Bob Dylan, Red Holloway y Natalie Cole entre otros. 

0050: Smoke gets in your eyes - The Platters

 

Que te entre humo en los ojos no es, hoy en día, una imagen demasiado placentera, pero The Platters supieron encontrarle el punto romántico a esa situación en 1958, y lo plasmaron en Smoke gets in your eyes, uno de sus singles de mayor éxito a lo largo de una carrera que iniciaron en 1953 como un grupo de cinco voces que hacían "doo wop" convencional.

Tras varias grabaciones en las que no lograron un sonido que les diferenciara de otras bandas del momento, fue Buck Ram (manager, productor y profesor vocal entre otras muchas ocupaciones, que podrían agruparse en la de gran "mentor" del grupo) el que obró el milagro y les convirtió en un grupo de éxito, utilizando sus contactos en el mercado y tomando decisiones en el seno del grupo, como la de darle la voz principal a Tony Williams, dueño de una voz muy característica y emocional, y dar un giro musical hacia el R&B. La combinación de melodías con gancho y efectivas voces logró pronto el efecto deseado en temas como "Only You", "The Great Pretender" y, sobre todo, Smoke gets in your eyes, una versión de un viejo tema escrito en 1933 por Jerome Kern y Otto Harbach.

Con el abandono del grupo por parte de Tony Williams a principios de los sesenta, comenzó el principio del fin de los Platters, que acabarían por disolverse durante esa década. Más de cincuenta años después, entraría en vigor la prohibición de fumar en locales y espacios cerrados, así que si veis que, de repente, os entra humo en los ojos, fijaros bien en quién tenéis delante porque os podríais estar enamorando, porque como dice la inmortal letra de Smoke gets in your eyes: "Cuando tu corazón arde, debes darte cuenta, el humo entra en tus ojos..."

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El disco de la semana 213: Colosseum II - Strange New Flesh (Mes Gary Moore)

 

Strange New Flesh, Colosseum II

     Nos encontramos en el mes de febrero, un mes que estamos dedicando a la figura del guitarrista irlandés Gary Moore. Si bien nos estamos haciendo eco de su discografía en solitario, no podíamos dejar pasar la oportunidad de hablar de una etapa en la que se involucró en el jazz Rock y jazz fusión. Una etapa que sirvió al genial guitarrista para elevar su nivel con el domino de las seis cuerdas con su trabajo en la formación Colosseum II, en la que ingresó en 1975 y la cual dejó en 1978 con 3 discos grabados en su haber.

Para hablar de Colosseum II tenemos que hablar de John Hiseman, el genial baterísta que había formado parte del grupo Colosseum (1968-1971), una de las primeras formaciones en fusionar jazz, rock y blues. Cuando desparace ésta en 1972, Hiseman junto con su compañero en la desparecida banda Mark Clarke, forman Tempest, formación con la que publica 2 discos, hasta la desaparición de ésta en 1974. 

En noviembre de 1974 Hiseman anuncia un nuevo proyecto, y para éste ficha a Gary Moore. Hiseman y Moore, bajo el nombre de Ghosts se pasan desde noviembre de 1974 hasta mayo de 1975, fecha en la que queda conformada la formación permanente del grupo, ensayando y audicionando a otros músicos para el proyecto a la vez que intentan conseguir un contrato con alguna discográfica. Tras los 18 meses de auiciones, el grupo queda formado por John Hiseman (batería), Gary Moore (guitarra), Don Airey (teclados), Neil Murray (bajo) y Mike Starrs (voz). Tras varios meses en busca de una discográfica, consiguen que el jefe de Bronze Records, Gerry Bron, se interese por ellos y su material. Gerry les ofrece un contrato a la vez que les aconseja encarecidamente que cambien el nombre del grupo, el cual acabrá llamándose entonces Colosseum II. El sonido del grupo se moverá entre el jazz rock y el rock progresivo, si bien tendrá poco que ver con el sonido de la primera formación de Colosseum (1968-1971), pues el sonido de esta nueva formación es un sonido más contundente y endurecido sin perder la esencia de la fusión del jazz y el rock, en el cual Moore tiene gran parte de culpa con el afilado sonido de su guitarra.

Con el grupo consolidado y con un contrato en el bolsillo con Bronze Records, Hiseman, Moore y los demás se encierran en el estudio y graban 6 temas, de los cuales 5 son cosecha propia y el restante una versión de un tema de Joni Mitchell. Así se gesta Strange New Flesh, publicado el 19 de abril de 1976. Seis temas, apenas unos 40 minutos donde estos grandes y talentosos músicos que influenciarán más adelante a infinidad de músicos y en multitud de géneros, conciben un gran álbum que entonces pasó ciertamente inadvertido y fue bastante infravalorado.

Abre el disco Dark Side Of The Moog, instrumental compuesta por Gary Moore y Don Airey. Todo un burlesco guiño a la oda de Pink Floyd donde además de mostrar lo excelentemente engrasado y el funcionamiento como una sola unidad de la banda con los pasajes melódicos, podemos deleitarnos con la maestría de Airey y Moore a los teclados y a la guitarra respectivamente, que nos regalan unos duelos fabulosos. Down To You, el único cover incluido en el disco. Tomando el tema de la gran Joni Mitchell como base, Mike Starr consigue estar a la altura del grupo con su trabajo vocal en un tema que alargan durante más de 9 minutos y que contiene una sección instrumental intermedia donde Don Airey demuestra el por qué es uno de los mejores tecladistas que hay. Gemini and Leo, compuesta por Hiseman y Moore. Magnífico tema compuesto sobre una base funky donde el grupo suena más que bien y sin ninguna fisura. Secret Places, compuesto por Hiseman y Moore. Tema con un rítmo acelerado donde Mike Starr está más que bien secundado por la destreza rítmica y armónica de unos músicos que suenan más que compenetrados. One Second Troughts, compuesto por Moore. Podemos apreciar la característica mano de Moore en la composición, un tema lento donde Mike Starrs se desata con sus virtudes vocales, que son adornadas por esos característicos toques de guitarra de Moore y los magníficos efectos de los teclados de Airey. Cierra el disco Winds, una composición de más de 10 minutos obra de Moore y Hiseman. La apertura a toda pastilla de batería de Hiseman es sencillamente espectacular, y el tema es sencillamente una fusión de estilos perfecta. 

Desafortunadamente este genial disco pasó comletamente inadvertido y el grupo fue despedido por la discográfica Bronze Records. El grupo todavía tendría tiempo de regalarnos dos álbumes más, pero eso es otra historia. En 2005 se reeditaría el álbúm como un set compuesto por un doble CD con material de estudio de la banda que abarca más de una hora de estudio y un concierto grabado en vivo por la BBC en 1976, material muy recomendable para los amantes del jazz rock y el rock progresivo. Quizás, una de las claves del fracaso de éste álbum lo podemos encontrar en el hecho de que los seguidores esperaban que Strange New Flesh tuviera las hechuras y el característico sonido de la primera formación de Colosseum, pero Hiseman, Moore, Airey, Murray y Starrs no eran Colossseum, eran colossseum II...

0049: Rama Lama Ding Dong - The Edsels

 

Conocidos hoy en día principalmente por su sencillo "Rama Lama Ding Dong", los Edsels se formaron en Ohio a mediados de la década de 1950. El grupo estaba compuesto por George Jones, Jr. James Reynolds, Marshall Sewell, Harry y Larry Greene. En un principio se llamaron The Essos, por la compañía petrolifera Esso que tenía muchos intereses comerciales en su localidad de Ohio, pero cuando los de coches Ford sacaron el nuevo modelo Edsel decidieron tomar ese nombre. Las primeras grabaciones de los Edsels fueron "Bone Shaker Joe", "What Brought Us Together", "Do You Love Me" y "Rama Lama Ding Dong", la última de las cuales se lanzó en 1958. The Edsels se convertirían en el primer grupo de doo-wop en firmar con un sello importante (Capitol), mientras que el resto de grupos encontraron éxito en sellos pequeños, pero fue "Rama Lama Ding Dong" lo que realmente puso a los Edsels en el mapa. Y esa canción resistió la prueba del tiempo y eclipsó la fama momentánea de la banda.

 

"Rama Lama Ding Dong", fue escrito por Jones Jr. y lanzada originalmente en 1957 con el título incorrecto de "Lama Rama Ding Dong". En cualquier caso, fue un éxito a nivel local pero no llegó a ningún otro lado, si exceptuamos que les permitió salir en el programa televisivo American Bandstand y que la discográfica Roulette les ficharon solo para editar una canción similar, "Rink-A-Din-Ki-Do", que fue un fracaso diluyéndo la fama del grupo. En 1961, un disc jockey local de Nueva York empezó a poner en la emisora "Rama Lama Ding Dong" ya que por aquel entonces estaba de moda una canción de The Marcels (Blue Moon) que tenía un sonido idéntico. Gracias a ese disc jockey, todo el mundo empezó a solicitar ese tema lo que llevó al relanzamiento de la canción como single. Y esta vez, "Rama Lama Ding Dong" fue lanzado en su título correcto. Desafortunadamente, los Edsels no habían seguido adelante (se disolvieron en 1961) y no pudieron aprovechar el que fue su único éxito catalogándolos como una de las primeras bandas con el sobrenombre de “One Hit Wonder” (cantante de un solo éxito). Sin embargo, hay han dejado su legado, la canción se volvió bastante influyente y ha sido objeto de varias versiones de artistas. Se ha llegado a escuchar en el Show de los Muppets, donde “Rama Lama Ding Dong” fue cantada por un gran elenco que incluía a Mark Hamill, C-3PO, R2-D2 y Chewbacca de Star Wars asi como en distintas películas y programas de televisión convirtiéndose en el paradigma del doo-wop. Fue versionada por multitud de grupos vocales entre los que cabe destacar a Rocky Sharpe & the Replays, que la auparon al número uno de las listas de media Europa en 1979, cuando estaba en todo lo alto el punk.

La música en el cine: Who Wants To Live Forever (Queen) - Los Inmortales

 

Who Wants To Live Forever, Queen

     En 1986 se estrenaba la película Los Inmortales, una producción estadounidense y británica dirigida por el director de cine australiano Russell Mulcahy, y protagonizada por Christopher Lambert, Sean Connery y Clancy Brown entre otros. 

La película cuenta la historia de los inmortales, seres humanos que ha existido a lo largo de los tiempos y que sólo pueden morir si son decapitados. La trama se desarrolla en este contexto, y el protagonista, Connor McLeod (Lambert), mientras intenta llevar una vida común, debe hacer frente a su destino, combatir con los demás inmortales que hay en la tierra, pues el destino de los inmortales es combatir entre ellos hasta que únicamente quede uno, el cual será recompensado con un poder y sabiduría que permitirá guiar al mundo a una nueva era, ya sea de paz u oscuridad, dependiendo de la naturaleza del vencedor. 

En la banda sonora de la película se encuentra el tema Who Wants To Live Forever, el cual aparece publicado en el décimosegundo álbum de estudio de la banda británica Queen, A Kind of Magic. El tema se gesta cuando Queen recibe el encargo de escribir un tema para la película Los Inmortales. El encargado de escribirla fue Brian May, que la escribió después de ver el primer corte de la película. De regreso a casa en taxi después de ver la película escribió la primera línea, Who wants to live forever (¿Quién quiere vivir para siempre?), y la inspiración le vino al ver la escena en la que el protagonista Connor McLeod tiene a su esposa entre los brazos mientras a ésta se le apaga la vida. De hecho la canción fue colocada precisamente en ese instante de la película.

Para la grabación del tema, Mercury, Deacon, May y Taylor fueron respaldados por las orquestaciones del co-compositor de la banda sonora de la película Michael Kamen. Hay una curiosidad más, en la versión de la película Freddie Mercury interpreta todo el tema, mientras que en la versión del disco Brian May canta el primer verso y Mercury se encarga de cantar el resto. La canción obtuvo el puesto número 24 en las listas de ventas del Reino Unido. 

There's no time for us

There's no place for us

What is this thing that builds our dreams

Yet tips 'em 'way from us

Who wants to live forever?

Who wants to live forever?

There's no chance for us

It's all decided for us

This world has only one sweet moment

Set aside for us

Who wants to live forever?

Who wants to live forever?

Who?

Who dares to love forever? (Oh, whoa!)

When love must die

But touch my tears with your lips

Touch my world with your fingertips

And we can have forever

And we can love forever

Forever is our today

Who wants to live forever?

Who wants to live forever?

Forever is our today

Who waits forever anyway?