El disco de la semana 185: Beth Hart & Joe Bonamassa - Don't Explain

Don't Explain

     Para la recomendación de esta semana en 7dias7notas vamos a hablar de dos artistas que cuando se conocieron lo tuvieron claro, tenían que grabar algo juntos, y no se equivocaban porque cuando se juntan son capaces de regalarnos temas maravillosos para nuestros oídos, con todos vosotros Beth Hart y Joe Bonamassa y su primer trabajo juntos, Don't Explain.

Beth Hart es una cantante y compositora estadounidense que goza de una gran popularidad ahora gracias a su calidad, pero hasta llegar ahí no lo tuvo nada fácil. Nace en Los Ángeles, California (Estados Unidos), y desde bien pequeñita se siente atraida por el piano, de hecho al ver en la televisión la pieza Sonata para piano nº 14 de Beethoven, más conocida como Claro de Luna, esa misma noche se sienta en un piano que sus padres tenían y es capaz de reproducirla, sólo tenía 4 años. Sus padres lógicamente le apuntan a clases de piano, pero Beth no se molesta en aprender a leer partituras, finge que las lee y las toca de oído.

En su jueventud se dedica a participar en concursos de canto y televisión al mismo tiempo que toca en locales en Los Ángeles. Consigue ganar un concurso en 1993, lo que le vale dar el salto y consigue publicar su primer álbum de estudio, Hart And The Ocean Of Souls en 1993. Beth iniciaba una brillante carrera como intérprete de blues, rock, soul y jazz. Pero no lo tiene fácil, pues padece problemas con las drogas desde los once años de edad, sumado al hecho de que de pequeña es diagnosticada de trastorno bipolar. Su madre consideraba ridículo que una niña pequeña tuviera que medicarse y no seguía tratamiento alguno.

Cuando Beth tiene 20 años su hermana Sharon, con quien Beth consumía drogas, fallece a causa del VIH por compartir jeringuillas. Beth se encuentra sumergidsa en una espiral de alcohol y drogas. el punto de inflexión llega en 1999, pierde su contrato discográfico con la discográfica Atlantic Records e ingresa en un hospital debido al abuso continuado de alcohol y drogas. Es allí cuando se entera que sus adicciones son debidas a su trastorno bipolar. Es en ese momento cuando deja de consumir dichas sustancias y se pone en tratamiento. Parte de culpa que Beth consiga centrarse la tiene su representante, Scott Guetzkow, con quien se acabará casando en el año 2000, pues le ayuda a poner los pies en la tierra. En 2003, y después de tres discos publicados e infinidad de problemas debidos a su enfermedad y adicciones, Beth regresa centrada y en forma y publica Leave The Light On. Beth Hart en forma y libre de adicciones es una artista maravillosa, y nada la detendrá, labrándose una excelente carrera de aquí en adelante.

Joe Bonamassa nace en 1977 en la localidad de Utica, Nueva York (Estados Unidos). Al igual que Beth, Joe empieza a tocar la guitarra a edad muy temprana, a los cuatro años animado por su padre, quien además de melómano empedernido es también representante de guitarras. A los once años ya recibía clases de guitarra de Danny Gatton, famoso guitarrista que fusionó los estilos blues, rockabilly, jazz y country. A los doce años Joe ya tiene su propia banda, Smokin' Joe Bonamassa, pero sólo toca los fines de semana pues durante el resto de la semana tiene que asistir a clase como los demás niños.

Es con doce años cuando abre en aproximadamente una veintena de conciertos de BB King, siendo apadrinado por el mismísimo BB. Antes de cumplir los 18 años tocaba en una formación llamada Bloodline, compuesta además de por el mísmo, por los hijos de Miles Davis, Robbie Krieger y Berry Oakley. En el año 2000 publica su primer álbum de estudio, A New Day Yesterday, donde presenta composiciones propias y covers de Rory Gallagher, Jethro Tull y Warren Haynes, además de contar con la colaboración del mismísimo Gregg Allman en el tema If Heartaches Were Nickels. El álbum supone todo un éxito, alcanzando el puesto número 9 en la famosa lista americana Billboard Blues. Se daba el pistoletazo de salida a la fulgurante carrera de Joe Bonamassa.

El destino obrará su magia y hará que Beth y Joe coincidan. Joe Bonamassa había visto varias actuaciones de Beth Hart en televisión, además los dos se habían cruzado en Europa durante los espectáculos que ambos daban por separado. Definitivamente Joe queda muy impresionado al ver el espectáculo in situ de Beth en el Festival Blue Balls de Lucerna, Suiza. La idea de trabajar juntos se gesta cuando ambos coinciden en el bar de un hotel en Dublín y Bonamassa le plantea la idea a Beth de hacer algo juntos, algo que ella acepta de inmediato. En un principio Beth se pensaba que lo que Bonamassa le había pedido es que le hiciera las voces de respaldo, pero no, Joe le había propuesto hacer un disco juntos, al 50%.

Para la grabación de su primer álbum juntos recurren al productor Kevin Shirley, más conocido como The Caveman, quien ha trabajado con artistas de la talla de Journey, Iron Maiden, Led Zeppelin, Dream Theater, Mr. Big, HIM ó Europe entre otros. El álbum que Joe Y Beth quieren sacar adelante son covers de temas que siempre habían querido grabar, y en un principio escogen escogido 12 temas, si bien al final sólo serán grabados 10. La selección de los temas se hace de la siguiente forma, Beth escoge cinco de los temas que serán grabados y Joe los otros cinco.

El resultado es Don't Explain, su primer álbum juntos grabado en 2011, un compendio de versiones que están hechas con un cuidado y una calidad exquisitas.
La selección de Beth y Joe para éste álbum es la siguiente: Sinner's Prayer, una de las elecciones de Beth. Tema compuesto por Lowell Fulson y Lloyd Glenn y grabado por Ray Charles en 1957. Chocolate jesus, compuesta por Tom Waits y Kathleen Brenann y grabada por el mismo Tom Waits en su disco Mule Variations en 1999. Llegamos a Your Heart Is A Black As Night, para mí una de las joyas del disco, compuesta y grabada por la magnífica cantante y compositora de jazz Melody Gardot en 2009 para su álbum My One And Only Thrill. For My friend, otra de las elegidas por Beth, compuesta y grabada por el famoso compositor y cantautor estadounidense Bill Withers en 1973 en su álbum en directo Live At Carnegie Hall. Cierra la cara A el tema que da título a esta selecta recopilación, Don't Explain, compuesta por la cantante de jazz y swing Billie Holiday y el compositor Arthur Herzog Jr. (famosos ambos por sus composicionesde temas de jazz juntos), y grabada por Billie Holiday en 1946.

La cara B llega con otro de las grandes joyas de este disco, I'd Rather Go Blind, compuesta por Etta james, Ellington Jordan y Billy Foster, y grabada y publicada por Etta James en 1968 en los famosos estudios FAME, en Muscle Shoals, Alabama. Cerrad los ojos y dejaros llevar porque Joe con la guitarra y Beth con la voz están sublimes. Something's Got A Hold On Me, compuesta por Etta James, Leroy Kirkland y Pearl Woods, y al igual que la anterior, grabada por Etta james en 1962. Turno para la que es para mí la tercera joya absoluta del disco, I'll Take Care Of You, una de las escogidas por Bonamassa, compuesta por el famoso compositor estadounidense de los años 50 y 60 Brook Benton y grabada por el bluesman Bobby Bland en 1959. Turno para otra de las elecciones de Joe, Well, Well, compuesta por el compositor y productor Delaney Bramlett y grabada por el mísmo y por su mujer Bonnie Bramlett en 1972 e incluida en el álbum de ambos D&B Together. El álbum cierra con el tema Ain't No Way, tema que para mí no sólo cierra el álbum, también cierra el poker de joyas del disco junto con Your Heart Is As Black As Night, I'd Rather Go Blind y I'll Take Care Of You (todos los temas del disco son muy buenos, pero estos cuatro son maravillosos). Compuesto por Carolyn Franklin (hermana de Aretha Franklin), y grabada por Aretha Franklin en 1968.

Don't Explain es un maravilloso álbum de versiones realizado por Beth Hart y Joe Bonamassa, un trabajo realizado con un gran cuidado, exquisitez y respeto hacia los temas originales. Para la escucha de este disco nada mejor que hacerlo escuchando primero los temas originales y seguidamente los covers de Beth y Joe, así sacáis vosotros conclusiones, os garantizo que no os van a defraudar...

La musica en historias: Fontaines DC

¿Punk irlandés? A simple vista una tierra de tanta tradición y sobre todo de guitarra nos puede echar para atrás esta proposición, pero a poco que vayamos descubriendo el sonido que esta banda de Dublin nos ofrece sin duda disfrutaremos desde el minuto uno y es que empezando por la manera en que se formó la banda tan típicamente irlandesa. Los cinco componentes, Grian, Carlos O'Connell, Tom Coll, Conor Curley y Conor Deegan, se conocieron en la universidad de Dublín, donde estudiaban música. Comenzaron a salir a tomar algo después de clase y a compartir poesía. Primero fue el amor que sentían todos por Jack Kerouac y otros escritores de Beat, y rápidamente las conversaciones giraron en torno a Yeats, Lorca y James Joyce. Los cinco incluso escribieron algo de poesía juntos: dos pequeños volúmenes, Vroom y The Winding, momento en el que decidieron formar una banda, un tanto alejada de la musicalidad de la poesía, pero con un fondo totalmente poético. Y desde que su primer sencillo 'Liberty Belle' lanzado a principios de 2017, han destacado en la escena musical indie-punk-garage-rock. Es empezar a escucharlo y rápidamente, te das cuenta que Fontaines DC son descaradamente irlandeses. DC al final de su nombre significa Dublin City (aunque lo añadieron después de darse cuenta de que ya había una banda de Los Ángeles llamada Fontaines).

Quizas Dogrel es su gran disco, con una energía y corazón tan evidente desde los primeros compases y aunque Fontaines DC habian dicho que pretendían ser una especie de 'punk Beatles', estuvieron muy influenciados por el grupo Dublines “Girl Band” y por el álbum debut de The Pogues en 1984, “Red Roses for Me”. El título del disco, es también un guiño a sus raíces irlandesas de clase trabajadora. Es un término utilizado, en su mayoría negativamente, para describir un tipo de poesía que alguna vez fue popular en Irlanda, era como la poesía de bar y eso estaba muy mal visto por la elite de la sociedad, mientras que para el trabajador era un combustible más en su día a día. Las primeras líneas del tema 'Big' son: 'Dublín bajo la lluvia es mío / Una ciudad embarazada con una mente católica'. Preguntados los autores sobre su música explicaron que "muchos de nuestros sonidos musicales son como autobuses, trenes y gentío en calles particulares de Dublín", además concretó “que somos el trasero de ninguna parte en Irlanda”. Junto a las baterías tensas y las guitarras de conducción, hay una poesía que se destila a través de cada canción. En 'Boys in the Better Land', Grian se refiere a alguien 'con una cara como el pecado y un corazón como una novela de James Joyce'. En 'Chequeless Reckless' mira directamente hacia la cámara y recita: 'Un vendido es alguien que se vuelve hipócrita en nombre del dinero / Un idiota es alguien que deja que su educación haga todo lo que piensa / Un falso es alguien que exige respeto por los principios que aplican / Un diletante es alguien que no puede distinguir la diferencia entre moda y estilo ''. 'The Lotts' se trata de una calle de no más de 50 metros de largo donde no se puede caminar por jeringas usadas. Las tradiciones folklóricas realmente se arraigan en la pista de cierre del álbum, 'Dublin City Sky'. Suena un poco como un triste canto de Nochevieja para los desilusionados y marginados.

Como Grian decía: 'Si quieres aprender sobre la vida a través de los ojos de un cínico romántico, ve a cualquier bar en Dublín. Hay tanta poesía de forma innata en los coloquialismos de las personas en Irlanda. Realmente no tienes que esforzarte por hablar poéticamente si estás hablando en la jerga de Dublín. Soy consciente del hecho de que el Dublín sobre el que estábamos escribiendo en el album Dogrel era un Dublín visto a través de los ojos de personas que lo habían perdido absolutamente todo, y eran la escoria de la jodida tierra. Tenían un piso que no podían pagar, trabajos a tiempo completo con un salario mínimo. Incluso hace referencia a tuvo un jefe que chiscaba sus dedos en vez de llamarle por su  nombre. A los chicos de Fontaines les gustaba escribir, beber y divagar por nuestro Dublin, éramos libres, en el sentido de que una rata es libre. Ese es el Dublín que vimos, y ya no tenemos ahora “es cierto que somos más afortunados y estamos mejor en el sentido de que estamos haciendo algo que nos encanta. Pero ya no hay esa desesperación que se presta a la creatividad y también te da mucha energía. Te da hambre de todo. La lluvia vuelve a caer, estamos empapados. Esto no parece necesariamente el retrato de una banda feliz, sino una banda que ha comenzado a reconocer el valor de su hogar, de su musa y su familiaridad, creo que es algo triste de alguna manera. Creo que extrañaré tener esa libertad que viene de ser una rata".

No todo en el album es de color esmeralda. La música tiene un carácter áspero, la energía desafectada se vuelve a veces hiriente y más con frases como: "un taxista se mea en el volante de su propio automóvil" o "la brisa en la noche te dejaría muerto como una piedra" Incluso mientras homenajean los muchos de su ciudad, reconocen lo rápido que está cambiando y lloran lo que ya se ha perdido. Así este álbum ha logrado capturar muchos de los sentimientos de la juventud del Dublin actual y como dijeron sobre su álbum: "Dogrel resume la esperanza y la trampa que siente cualquier persona con al menos una pizca de conciencia, y particularmente los millennials que tienen toda su vida por delante, pero que tienen que vivir en un mundo construido por generaciones anteriores que se volvieron locas sin tener en cuenta las consecuencias”

Escuchen este álbum de contradicciones: descarado y ruidoso; tierno y romántico; a la vez irlandés tradicional y post-punk. Es limpio, un poco crudo, la creación de un grupo de jóvenes tratando de descubrir su camino en un mundo nuevo y extraño. "Todo esto es esencialmente un experimento de autenticidad", dijo Grian "Si alguna vez no es auténtico, lo dejaremos". Antes de que suceda traten de descubrirlos.

Joaquín Sabina - Yo, mi, me, contigo (Mes Joaquín Sabina)

Momento de hacer referencia a uno de los discos que no goza de gran estima por parte de público y crítica pero que encontramos en él distintas joyas. Se inicia el álbum con “El rock and roll de los idiotas” donde encontramos otra historia de amor extraña, correspondida o no tiene ese sello inconfundible, porque al final las relaciones entre perdedores, entre gente que ha tirado su vida y su ilusión es una de las temáticas favoritas en las canciones de Sabina, y este tema tiene para dar y tomar, además personalmente creo que tiene un estribillo excelso, y una contraposición acertadísima vistiendo a esos dos pobre y triste protagonistas con una canción luminosa y que invita a la alegría…..Un gran tema

“.. Yo no venía de ningún país,

tú ibas camino de cualquier lugar,

conmigo no contaba el porvenir,

de ti no se acordaba el verbo amar.

Yo no jugaba para no perder,

tú hacías trampas para no ganar,

yo no rezaba para no creer,

tú no besabas para no soñar…”

“Contigo” a mi entender, aunque tiene una letra bastante buena, le falta magia, emoción, no te llega a tocar la fibra, no sé si es ausencia de una musicalidad trabajada o ese estribillo tan ñoño a pesar del coro, pero se me queda muy corta para todo lo que nos ha ido dejando. “Jugar por jugar” es otra pieza maravillosa, que junto a El rock and roll de los idiotas encajan un optimismo oculto, a ritmo de vals nos entrega una serie de conductas con las que refundar nuestra vida, me parece un tema impecable y poco estimado en su discografía, déjate guiar por este tema y adapta tu actitud en la vida a ella, ganaremos. Con “Es mentira” vuelve el rock and roll a Sabina, y es en cierto modo una forma de reivindicarse y sobre todo de hacerse respetar, es cierto que 1996 no es este terrible año 2020 con sus redes sociales donde cualquier cosa que digas es criticada y apaleada, pero en aquella época también había sus cosas y es perfecto. Con “Mi primo el Nano” rinde homenaje a uno de los suyos, a otro grande, es una canción emocionante aunque musicalmente sea una rumba catalana que lejos de ser un estilo de música emotiva sino para la fiesta, Sabina impregna la música de tantos detalles y metáforas del gran Joan Manuel Serrat. Se me queda corto, y mira que Sabina tiene ingenio, pero es que lo significa Serrat para muchos no puede resumirse en una canción, aunque el que la haga este casi, casi a su altura. “Aves de paso” es un homenaje a cada una de las mujeres que en algún momento en nuestra vida se han hecho un hueco a nuestro lado, cada una con su particular idiosincrasia pero todas merecen ese homenaje y respeto. A ritmo de rock and roll nos brinda otra gran canción. “El capitán de su calle” es otra de sus historias ¿biográfica? Pues no lo sabemos, pero se parece mucho y tiene un ritmo delicioso y más si tiene como autor a Pedro Guerra. Con “Postales del Habana” nos trae esos ritmos caribeños tan chulos, y un homenaje a la música de aquella zona y sobre todo a su gente, pero también una reivindicación a la Cuba que vive el ciudadano en contraposición a la idílica que se encuentra el turista. En esta ocasión se hace acompañar de Caco Senante.

Palabras mayores llega la mejor parte del disco, y comienza echándole morro y es que este “Y sin embargo”, es una canción superlativa, pero tiene el tío morro de poner los cuernos y pensar que aquí no pasa nada y pobrecita en el fondo mi pareja, pero bueno, es Sabina, no vamos a tratar de enseñarle a comportarse en el oficio del amor. Tematica aparte es excelso el tema, tanto en poesía como en música, una joya tocada por la varita de alguna musa a la que esperamos no le ponga los cuernos… ojo al look Leonard Cohen del video.“Y me envenenan los besos que voy dando y, sin embargo, cuando duermo sin ti contigo sueño, y con todas si duermes a mi lado, y si te vas me voy por los tejados como un gato sin dueño perdido en el pañuelo de amargura que empaña sin mancharla tu hermosura”. Próxima estación “Viridiana” que además de ser una de las obras maestras de D.Luis Buñuel, parece ser que era el nombre de una de sus amigas nocturnas. Este tema a ritmo de ranchera no te deja respiro, canción escrita mano a mano con Ariel Rot y a la voz dándole la replica a quien encontramos…. Al gran Andres Calamaro, joder que temazo y que recuerdos nos trae en Bro Cooper, tendrías que verte danzado y pegando saltos a las notas de este tema. Esto no es un no parar, y ahora a ritmo de rock and roll puro otro temazo, “Seis de la mañana”, un tema que no puedes parar de bailar y gritar, un tema que quizás nos lleva al Sabina primigenio…. 

Y otra joya absoluta y es que “No sopor… no sopor” es una puta genialidad desde el ritmo, hasta esa letra con mil y un dardos que tenemos los perdedores, bastardos quien no ha tenido una noche como esa, bueno parecida al menos, todo tan alejado de Sabina y a la vez tan cerca…. Y todo con ayuda del gran Manu Chao… la disfruto a tope. Cierra el disco la melancolía en forma de canción, porque “Tan joven y tan viejo” trasmite es justamente eso melancolía de tiempos lejanos, de tiempos cercanos, una canción profunda y que te hace volar en la imaginación…. Que gran final de disco, que segunda parte nos han reservado el bueno de Joaquin Sabina y el gran Pancho Varona, solo gracias…. Seguir volando tan deprisa hasta que perdáis de vista vuestra sombra, con discos como este a nosotros nos dais alas.

Canciones que nos emocionan: Ace Of Spades, Motörhead

Ace Of Spades, Motörhead

     Año 1979, la banda Motörhead con Lemmy Kilmister al frente había lanzado dos álbumes muy fructíferos y exitosos, Overkill y Bomber, y se habían ganado el respeto de una fiel manada de seguidores que disfrutaban con el estilo musical de la banda, una de las primeras bandas y precursoras del género trash metal, con un estilo muy particular que ganaba adeptos procedentes del punk y del heavy metal. De hecho, según la banda, ésta no encajaba en ninguna categoría y se definían como una banda de Rock 'N' Roll que ya nadie sabía comercializar.

Un año después, concretamente en agosto de 1980 la agrupación se marcha a los Jackson's Studios de Rickmansworth, Hertfordshire (Inglaterra), y allí preparan y graban el que supondrá su cuarto disco de estudio con  Vic Maile al frente de la producción, finalizando la grabación en septiembre de 1980. El 8 de noviembre de 1980 salía publicado el disco Ace Of Spades bajo el sello discográfico Bronze Records.

El disco gozó de muy buena crítica por parte de la prensa especializada y gran aceptación por parte de los fans. A pesar de que la banda siempre defendió que ellos hacían rock 'N' Roll éste disco se convirtió uno de los más influyentes para el desarrollo del género trash metal.
Incluido en el álbum se encuentra el tema que da título al disco, Ace Of spades, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. El tema salió publicado como single y adelanto del disco en octubre de 1980 y alcanzó el puesto número 15 en la lista de singles del Reino Unido, convirtiéndose además en uno de los mas famosos e icónicos de la carrera de Motörhead.

La canción Ace Of Spades aparece acreditada a los por entonces tres componentes de la formación, Lemmy Kilmister, Eddie Clarke y Phil Taylor. Famosa es ya la introducción del tema con ese solo de bajo saturado a cargo de Lemmy. En cuanto a la letra del tema son metáforas y juegos de palabras sobre los juegos de azar, sobre todo cartas y dardos, aunque Lemmy afirmaba que le hubiera gustado más incluir en la letra las típicas máquinas recreativas de fruta que había en los casinos pero no lo hicieron porque no quedaría bien cantar sobre la fruta que gira y las ruedas que bajan.

Ace Of Spades (As de espadas) era conocida como la mano del hombre muerto, ya que esta era la mano que llevaba el famoso Sheriff Wild Bill Hancock cuando fue asesinado a tiros durante el transcurso de una partida de póker. Wild Bill Hancock (1837 - 1876) fue un famoso explorador, aventurero, jugador, pistolero y sheriff del Oeste de Estados Unidos .
El tema tardó en convertirse en un éxito pues al principio Lemmy y Cia. llevaban tocando el tema durante dos años y medio y nadie había reparado en él. También afirmaba Lemmy que si bien estaban cansados de tocar el tema decidieron mantenerlo en el repertorio porque no sería correcto quitarlo, haciendo un símil: "Si yo voy a ver a Little Richard espero escuchar Good Golly, Miss Molly, y si no la escucho me cabrearía mucho".

If you like to gamble, I tell you I'm your man

You win some, lose some, all the same to me

The pleasure is to play, makes no difference what you say

I don't share your greed, the only card I need is the Ace of Spades

The Ace of Spades

Playing for the high one, dancing with the devil

Going with the flow, it's all a game to me

Seven or eleven, snake eyes watching you

Double up or quit, double stake or split, the Ace of Spades

The Ace of Spades

You know I'm born to lose, and gambling's for fools

But that's the way I like it baby

I don't wanna live for ever

And don't forget the joker!

Pushing up the ante, I know you gotta see me

Read 'em and weep, the dead man's hand again

I see it in your eyes, take one look and die

The only thing you see, you know it's gonna be the Ace of Spades

The Ace of Spades

Joaquín Sabina - Esta Boca Es Mía (Mes Joaquín Sabina)

Esta boca es mía

     1989 fue un año muy importante para Joaquín Sabina, ese año junto a su inseparable amigo y guitarrista Pancho Varona funda la empresa Ripio, una empresa editorial que entre otras cosas se dedica a registrar todos los temas compuestos por el genio de Úbeda. Nos adentramos en la década de los 90 y los discos y las giras se suceden, la fama y el el éxito crecen y elevan a la élite del panorama musical español al artista. Así llegarán Mentiras Piadosas (1990), Física y Química (1992) ó Esta Boca es Mía (1994), disco al que vamos a dedicar esta reseña.

En 1994 y bajo el sello discográfico BMG / Ariola se publica el noveno álbum de estudio de Joaquín Sabina, Esta Boca Es Mía. Un disco producido por Pancho Varona y Antonio García de Diego y que cuenta con la colaboración de artistas de la talla de Álvaro Urquijo, Javier Ruibal, Pablo Milanés o Rosendo entre otros. Es un disco que tiene además la particularidad de ser uno de los discos más variados en cuanto a géneros musicales, pues se atreve con el rock, la salsa, el bolero, la música de cantautor, la rumba o el pop entre otros También cuenta con la colaboración en los coros de la excelente compositora y cantante de jazz y música latinoamericana Olga Román.

Empieza el disco mostrándonos el estilo de cantautor tan particular al que Sabina nos tiene acostumbrados con Esta Noche Contigo. Inmediatamente después llega un de los temas que se han convertido en una de los grandes éxitos del maestro, Por el Bulevar de los Sueños Rotos, un tema homenaje a la gran artista mexicana Chavela Vargas  y que contiene además referencias a más artistas mexicanos que fueron contracorriente y rompieron los moldes preestablecidos por entonces. El tema fue compuesto por Joaquín Sabina y Álvaro Urquijo. Turno para la desenfadada y traviesa Incluso en Estos Tiempos, tema  que dará paso al Sabina más melancólico en Siete Crisantemos, donde durante algo más de cinco minutos conseguirá que nos contagiemos y nos pongamos melancólicos con él, "siete versos tristes para una canción". En Besos Con Sal es capaz de jugar con maestría con los ritmos latinos con una percusión muy buena y mezclarlo con unos arreglos se saxofón sobresalientes. Le llega el turno a otro de los momentos álgidos del disco, Ruido, compuesta por Sabina y Pedro Guerra. Pedro Guerra había dado la letra de la canción a Pancho Varona para que le pusiera música, y Sabina al oírla le gustó tanto que le dió una vueltas al texto pero manteniendo la idea original.

Nos adentramos en la segunda parte del disco con El Blues de lo que Pasa en Mi Escalera, un tema alegre y desenfadado y que cuenta con la colaboración de otro maestro, Rosendo Mercado, donde nos relata Sabina que en la vida hay ricos, hay pobres, los hay con mucha suerte y los hay con menos suerte, pero el sigue siendo el mismo, el mismo que es capaz de encandilarnos con  un bolero o con su lado más canalla con un rock. Como un Explorador, tema acústico donde de nuevo por encima de todo vuelven a destacar esas grandes letras a las que nos tiene acostumbrados, "De par en par he abierto los balcones, he sacudido el polvo a todos los rincones de mi alma...". En Mujeres Fatal cataloga los distintos tipos de mujeres que existen según la visión del propio  artista, "...Hay mujeres que bailan desnudas en cárceles de oro / Hay mujeres que buscan deseo y encuentran piedad...". A ritmo de Rhythm and Blues se pone filosófico y compartirá esos momentos con los oyentes con el tema Ganas de..., "Cada mañana salto de la cama pisando arenas movedizas / Cuesta vivir cuando lo que se ama se llena de ceniza...". En La Casa por la Ventana retoma los ritmos cubanos con la colaboración de Pablo Milanés y nos regala una gran canción protesta y crítica sobre la situación de los inmigrantes en España. En Más de Cien Mentiras nos hablará de realidades y placeres de la vida cotidiana. Y cierra el disco con otro de los grandes temas del álbum y que además da título al mismo, Esta Boca Es Mía, una balada donde Sabina es capaz de envolver la letra en esa atmósfera en la que se siente tan cómodo y nos regala una letra muy íntima donde nos pone de manifiesto la dureza de la vida cotidiana y nos habla de una sociedad poco comprometida con ciertos aspectos del ser humano. Una delicia de tema que sirve para poner el broche de oro a otro gran trabajo del maestro de Úbeda.

Contraportada Esta Boca Es Mía

Canciones que nos emocionan: 2112, Rush

2112, Rush

     Hace mucho tiempo ya que me interesé por el rock progresivo, y como no podía ser de otra forma todas las busquedas, pesquisas e indagaciones sobre grupos de éste género me acabaron conduciendo Rush, el genial trío canadiense.

Año 1968, en un barrio de Toronto, Ontario (Canadá) llamado Willowdale se gesta Rush, conformado originalmente por tres amigos, Alex Lifeson (guitarra), Jeff Jones (voz y bajo) y John Rutsey (batería). Una formación que dura apenás dos semanas pues el bajista Jones dura poco y es sustituido por un amigo del colegio de Lifeson, Geddy Lee, que ocupará el puesto de bajista, teclista y vocalista. El grupo empieza a curtirse y forjarse dentro del circuito de pequeños locales y bares hasta que en 1973 publican su primer sencillo, Not Fade Away en la cara A, cover del tema de Buddy Holly, y una composición propia del grupo en la cara B, You Can't Fight It. El sencillo recibe una floja acogida, lo que sumado a las diferencias del grupo con la discográfica hace que abandonen ésta.

Los chicos de Rush deciden crear su propio sello discográfico independiente llamado Moon Records. Con la ayuda de su por entonces mánager Ray Danniels y el ingeniero de sonido Terry Brown consiguen lanzar su primer álbum de estudio titulado Rush, disco con grandes influencias de Led Zeppelin. En un principio el disco pasa inadvertido hasta que en Cleveland, Ohio (Estados Unidos) la emisora de radio WMMS de la mano de su disc jockey y directiva por entonces Donna Halper empieza a pinchar habitualmente el tema Working Man. El álbum rápidamente empieza a gozar del popularidad y reconocimiento dentro del mundo del rock hasta el punto que es relanzado por el sello discográfico Mercury Records en Estado Unidos.

Después del lanzamiento del álbum debút el batería John Rutsey tiene que ser sustituido por problemas de salud. Despues de diversas audiciones, el 24 de julio de 1974 el batería Neal Peart pasa oficialmente a formar parte de Rush. A partir de aquí se forjará la leyenda de una de las mejores bandas de rock progresivo de la historia, una banda que se caracteriza por sus complejas composiciones y por el eclecticísmo de sus letras donde predominan la fantasía, la ciencia ficción y la filosofía, si bien también tienen hueco para la temática social, humanitaria y medioambiental. En cuanto a sonido han ido evolucionando, y partiendo de influencias del heavy metal y el blues fueron virando hacia el hard rock y el rock progresivo. De hecho estos canadienses han sido fuente de inspiración para bandas como Metallica, The Smashing Pumpkins, Primus, Dream Theater ó Queensrÿche entre otras.

Nos vamos al año 1976, el grupo tiene serios problemas financieros y su sello discográfico Mercury Records tiene la intención de dejarlos abandonados a su suerte, pero el máger Ray Danniels consigue que la discográfica les de cuartel y les concede la grabación de otro álbum, pero les exige que graben material más comercial. Lejos de arrugarse, Geddy Lee (bajo y voz), Alex Lifeson (guitarra) y Neil Peart (batería y percusión) publican el que será su cuarto álbum de estudio titulado 2112 con la ayuda en la producción de su productor habitual Terry Brown. En marzo / abril de 1976 salía publicado el álbum.

Y digo lejos de arrugarse porque porque estos chicos en un momento crucial para el futuro de la banda decidieron hacer lo que realmente querían hacer, seguir evolucionando pasase lo que pasase. Y así nace 2112, una de las obras maestras del rock progresivo. Incluido en el álbum nos encontramos con el primer corte del disco, de título homónimo 2112, el cuál ocupa todo el lado de la cara A del disco pues tiene una duración de más de 20 minutos. La letra del tema está basada en la novela Himno del novelista judío-estadounidense nacido en Rusia Ayn Rand. El tema nos cuenta una historia ambientada en la ciudad de Megadon en el año 2112, donde el individualismo y la creatividad están prohibidos y penados. Una ciudad que está controlada por unos sacerdotes malvados que residen en los Templos de Syrinx. Hay una guerra en la galaxia que provoca que todos los planetas se unan para luchar contra la Federación Solar, que se encuentra simbolizada por la Estrella Roja de la portada del álbum.

El tema como si de una suite se tratase se divide en siete partes, La primera Obertura, es la introducción al año 2122 que comienza con la letra "Y los humildes heredarán la tierra...", referencia a los pasajes del Libro de Salmos 37:11 y San mateo 5:5; la segunda Los Templos de Syrinx, trata de estos mismos y los sacerdotes que los habitan; la tercera Descubrimiento, relata el descubrimiento por parte de un hombre de un artilugio antíguo que en realidad es una guitarra; la cuarta Presentación, relata la presentación de ese artilugio a los sacerdotes y éstos destrozan la guitarra considerando que no es necesario ese camino; la quinta Oráculo, relata como el hombre vuelve a su cueva a dormir y sueña con que el Oráculo ó raza mayor lo lleve de vuelta a su mundo, lejos de los lazos implacables de la Federación controlada por los sacerdotes; la sexta Soliloquio, nos relata como el hombre ya no puede más y no quiere estar bajo el control de la Federación, y para ello su única esperanza es la muerte. Cree que así se librará del control de los sacerdotes; y la séptima y última parte Gran Final, que deja paso al final del tema con un gran final instrumental.

2112 es una obra maestra, tanto el tema como el álbum, y si te gusta el rock progresivo lo debes de escuchar al menos una vez en la vida, si no lo has hecho ya...

El disco de la semana 184: Los Piojos - Maquina de Sangre

El disco de la semana 183: Maquina de Sangre - Los piojos

Hoy les traigo nuevamente una recomendación de la banda Argentina "Los Piojos", buscando en mi discografia un disco para esta semana, dije porque no volver a traer esta banda que tanto me gusta, y he logrado atraer a unos nuevos fans, que no habían escuchado de Los Piojos en su vida, y con Civilización les cree esa curiosidad inicial por esta banda. 

Y creo que con Maquina de Sangre he logrado despertar aun más esta curiosidad, a ver si a los lectores de 7dias7notas, puedo generarles este mismo efectos, con este sexto disco de estudio que ha sacado la banda en el año 2003, y cuya presentación en el estadio Monumental de la ciudad de Buenos Aires, en el barrio de Nuñez, donde lograron convocar a más de 70.000 almas en busca de rock and roll, donde pocas bandas han logrado juntar semejante cantidad de publico en un show. 

Este disco compuesto de 13 canciones, que comienza con un tema muy rockero que se titula "Fantasma" que logra captar la atención de los oyentes, los temas siguientes al primer corte del disco son un Rock Latino en sus diversas formas, "Guadalupe", "Matumbo", "Entrando en la ciudad", entre otros temas que tiene el disco, pero sin perder de vista "Como Ali" el corte de difusión del disco que acaparo las radios de la época sonado sin secar. 

Pero la banda no pierde la esencia de la música Argentina, y esto es un ejemplo de fusión "Solo y en paz" con ritmos de Tango, también la banda introduce los sonidos del Jazz y bolero en "Sudestada" y "Amor de perros" respectivamente, lejos de estos ritmos en "Langostas" la banda apuesta por un sonido más experimental. 

Desde luego en un disco de rock no pueden faltar dos aspectos que hacen que sea una banda de rock, y más en la cultura del rock Argentino, uno de ellos la critica a una sociedad del momento, que se ven reflejadas en  "Dientes de Cordero" y "Al desierto", el segundo una balada directamente asociado al amor de Ciro como padre, en "Canción de Cuna" que ya la hemos comentado en este blog en canciones que nos emocionan. 

Para el final la banda se despide con un tema que titula "No pares" que me traer por momentos un ritmo de murga. 

Los piojos en este disco no solo muestran su ya infinita dedicación al rock, sino que fusiona y prueba con nuevos ritmos, que muestran que en su sexto álbum de estudio la banda goza de un estado de madurez artística excepcional, y se consolida como una de las banda que fue y que es líder en la escena del rock argentino. 

Así que en la recomendación del disco de la semana atrévete a escuchar "Maquina de Sangre" de Los Piojos. 

Daniel 

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Historia del rock and roll: 33.- The beach boys

Los Beach Boys nacieron de una idea simple pero brillante, una de esas ideas que terminan influyendo en toda una era: fusionar grupos vocales y rock and roll. A Brian Wilson le fascinaron tanto las armonías en cuatro partes de Four Freshmen como los riffs de guitarra y el ritmo febril de Chuck Berry y se convirtieron en una mezcla de los dos convirtiéndose en la chispa que provocó una revolución musical y social, que daría a luz a los Beatles y Byrds , que cambiaría para siempre el concepto de música melódica, representaron el comienzo de la edad de oro de la música californiana que se convirtió después de su éxito. Se dice que la música de los Beach Boys era esencialmente la música de la burguesía blanca que había rechazado y criminalizado el rock and roll y sus estrellas delincuentes y con esa imagen buenista aparecieron en la escena de la música surf en diciembre de 1961 como un grupo familiar típico de la América conservadora. Habían elegido cantar sobre el surf porque Dick Dale era el fenómeno del momento en Los Ángeles, pero en realidad ni siquiera eran surfistas.

El grupo representaba la continuidad con los grupos vocales de la década de 1950 y no preocupaba a la América burguesa como lo habían hecho los rockeros. Su estilo era inofensivo, sus canciones eran incluso de una simplicidad casi sonrojante: un estribillo pegadizo y textos adolescentes usando todas las voces para aumentar su efecto. La instrumentación importaba poco o nada, era un estilo puramente vocal. Desde el punto de vista del marketing, la idea fue ingeniosa: por primera vez, un género musical se dedicó por completo a la diversión adolescente más inocente y representó su entusiasmo sonoramente. El rock and roll no había sido tan inocente, y ciertamente no tan sereno y alegre.

Brian Wilson componía las canciones, rara vez consultaba a sus compañeros, Carl Wilson tocaba la guitarra y tiene el mérito de haber acuñado un sonido típico para ese instrumento. Mike Love, primo de Brian, era el "líder" oficial. El hermano de Brian, Dennis, era el batería. Al principio, el tema de sus canciones era el deporte del surf, pero pronto Wilson comenzó a deambular por todo el universo de la diversión juvenil, que en California era particularmente inocente y despreocupada.

Los primeros tres álbumes llevan el nombre de la canción que querían convertir en un éxito. Los dos primeros son Surfin 'Safari (1962) y Surfin' USA (Capitol, 1963) fue el disco que los catapultó al éxito y las ventas, el tema principal titulado como el álbum “Surfin' USA” fue una adaptación de Sweet Little Sixteen de Chuck Berry. Surfer Girl (1963) es un álbum más maduro, que contiene las románticas baladas lentas “In My Room” y “Surfer Girl”. A estas alturas, Brian Wilson ya estaba escribiendo casi todo el material del grupo. Little Deuce Coupe (1963) contiene el éxito “Be True To Your School”. En 1964 ya tenían detrás de ellos varios discos de oro, publican Shut Down Volume 2 (1964), “Fun Fun Fun” es un tema brillante, con la típica introducción de guitarra "resonante" a Chuck Berry y contrapuntos corales doo-wop. El disco Don't Worry Baby (1964), con Hal Blaine en la batería, es Wilson en su pop más aburrido, pero una obra maestra para los que gustan compararlos con The Beatles. Llega All Summer Long (1964) su primer álbum "experimental", en el sentido de que no solo contiene canciones de surf, alli donde podemos encontrar “I Get Around”, una de las cimas de su carrera musical. “Wendy” y “All Summer Long” son pequeñas joyas, pero con una melodía ingenua.

Brian Wilson se había convertido en el compositor del grupo y ya no estaba interesado en la tocar el bajo. Tras una crisis nerviosa (era adicto a las drogas), Wilson se retiró de la escena y redujo su papel al de compositor y se retiró de los escenarios, aprovechando para estudiar nuevas técnicas de producción y escribió canciones cada vez más extrañas.

Today (1965) contiene “When I Grow Up”, “Please Let Me Wonder”, y sobre todo “Help Me Rhonda”, otra obra maestra del contrapunto, “Dance Dance Dance” fue un puente hacia el pasado, una brida de rock and roll con las clásicas armonías vocales de tres partes.

Summer Days (1965), estuvo influenciado por las producciones de Phil Spector, muestra en “California Girls”, uno de los ejemplos de su modelo de vida, pero Wilson se vuelve cada vez más excéntrico con canciones como “Let Him Run Wild” y “I'm Bugged At My Old”. Beach Boys Today! (1965) contiene a “Barbara Ann”, otra de sus más famosas de todos los tiempos versión de la original de 1961 publicada por The regents.

The Beach Boys se movían en el éxito y con unas canciones nada agresivas, no había rastro de la canción de protesta, el suyo era un mundo hogareño, compuesto por las pequeñas cosas estúpidas de todos los días. Sus éxitos fueron miniaturas melódicas sobre las diversiones de los jóvenes de clase media. Con los Beach Boys, el sueño americano estaba teñido de playas, picnics, fiestas y veranos interminables. La jugada de Brian Wilson fue completamente innovadora, puso al fresco un microcosmos, el de la clase media californiana, y lo elevó a "Tierra Prometida" con una operación que fue mitológica y casi bíblica, eso era lo importante, aunque su música era producida de una manera casi aficionada en un mundo en el que los estudios de grabación ponían la tecnología al servicio de la música, a ellos no le hacía falta sonar mejor, la imagen y el mensaje bucolico era lo importante. Pero apareció en el mercado Rubber Soul de los Beatles y cambiaron las reglas del juego, Wilson sabía que su estilo tenia los días contados en un mundo musical cada vez más "eléctrico". 

Pet Sounds (1966), fue un nuevo concepto de álbum (una colección de "motetes de rock", según el autor, que describe la maduración de un joven a través de sus experiencias amorosas y amistades, con un mensaje de fondo pesimista), lleno de sonidos excéntricos y las canciones parecían casi, haciendo incluso uso de una pequeña orquesta (trombón, armónica, clavicordio, campanas, violines). Las canciones se suceden como en una fantasía melódica, alternando el romántico Brian Wilson de “Wouldn't It Be Nice”, “Caroline No” , “You Still Believe In Me”, “God Only Knows “ (que Paul McCartney considera la mejor canción de la historia, con trompa, clavicordio, sonajas, flautas y clarinete), con el neurótico autobiográfico Brian Wilson de “I Just Wasn't Made for These Times” y “That's Not Me”. La instrumental “Let's Go Away For Awhile” es una sonata de cámara para 12 violines.

Ese nuevo estilo fue el estribillo apremiante de Good Vibrations (1966), orquestado de manera revolucionaria para la época, gracias al sintetizador. Alistó a una multitud de hombres de sesión del séquito de Phil Spector, además de músicos de jazz y música clásica, Wilson pasó meses en el estudio de grabación, terminando sus composiciones de una manera maniática. La crítica se refieren a “Good Vibrations” como el single de todos los tiempos.

Smile (1967), es un álbum perdido realizado con el productor Van Dyke Parks, que Wilson definió como "una sinfonía adolescente para Dios", originalmente tenía la intención de ser acapella, luego se convirtió en una obsesión de Brian Wilson con la experimentación en el estudio, y finalmente desapareció en un agujero negro de problemas personales y legales. En compensación publicaron Smiley Smile (1967), un álbum que destaca por la experimentación vocal pero que fue un completo fracaso comercial. La leyenda dice que Brian Wilson, de 24 años, estaba psicológicamente destruido por la pérdida de Smile. Ya con 62 años, lanzó su versión 38 años después, había perdido a sus hermanos Dennis y Carl y sonó completamente diferente no usó ninguna de las grabaciones originales y las nuevas versiones sonaban más tradicionales, la de 1967 era más revolucionaria. Quizás como consecuencia de esa temporada turbulenta, Wild Honey (1967) marcó un regreso a la simplicidad y probablemente una rebelión contra la excentricidad de Brian Wilson por el resto de la banda. Heroes And Villains (1967) es un juego altamente sofisticado de voces y clavecín con el que la banda adoptó temporalmente la religión psicodélica. Se puede decir que fue el fin de su época aunque aún tenían tiempo de tener otros dos destellos de genialidad con Sunflower (1970) el último álbum experimental de la banda, y aclamado como el sargento Pepper del grupo y Surf's Up (1971) otro de esos fogonazos y una de las obras maestras de la banda (pero por primera vez fue Carl, no Brian, quien produjo), con la publicación de este disco se inicia una época de decadencia y fracasos y no volverían a brillar hasta 1988, año en que los Beach Boys se reunieron y regresaron a la cima de las listas con Kokomo la banda sonora de una película, pero fue un destello en la oscuridad, hasta nuestros días, han vivido de sus primeros discos y las experimentaciones con nuevos albums y versiones no han sido nada buenas.

Joaquín Sabina - Ni tan joven ni tan viejo (Mes Joaquín Sabina)

Ni tan joven ni tan viejo #mesJoaquinSabina

Si me hubiese imaginado un disco tributo a Sabina, me lo habría imaginado así, donde 38 artistas tocarán algunas de las canciones más emblemáticas de Sabina.

Y no solo estos artistas interpretaran cada uno de las canciones de Sabina, sino que dejaran un sello particular en cada una de ellas, dando la sensación que estamos escuchando una nueva versión de una canción que todos ya conocemos, será acaso eso de "ni tan joven ni tan viejo", el nombre con el cual han bautizado a este álbum tributo a Sabina, un juego de palabras que invita a re descubrir 25 canciones memorables del autor.

Es solo comenzar y escuchar "Ruido" una versión interpretada por "Fito y Fitipaldis" y Coque Malla, sabes que perfectamente Fito podría haberla cantado en cualquiera de sus recitales, y que Coque Malla ha estado ahí con el siempre, al igual que un Alejandro Sanz, irreconocible por la puesta intima que le da a "Contigo", y que decir de un Bumbury en "Donde habita el olvido" con una interpretación solemne sin desperdicios.

Me olvidaba de "Con la frente marchita", será que Amaral y Manolo Garcia, me llevan a cada uno de los mismo lugares que Sabina sabe llevarte en sus canciones, lo tenemos a Leiva detras de "el caso de la rubia platino", interpretando un rock and roll.

Pero debo decir que "19 días y 500 noches después" de Travis Birds y Benjamin Prado, es un sello particular de una historia contada, también el grupo Estopo interpretando "Pacto entre caballeros" otro rock and roll que se las trae, y hablando de traer "Princesa" nos trae a unos Rodriguez que se unen para cantarla, Andrés Calamaro, Ariel Rot y Germán Vilella.

Hemos dicho 38 artistas, y no he llevado ningún orden, solo a medida que recuerdo las canciones del disco me vuelvo a entusiasmar, con lo que han logrado estos artistas, obviamente no podía faltar su compañero y amigo Joan Manuel Serrat, en un duo con Rozalén interpretando "A la orilla de la chimenea"

Ya lo he dicho un disco que vale la pena escuchar, una y otra vez, como un juego de las 7 diferencias, y luego te invito a escuchar las versiones interpretadas por Sabina, solo por el placer de descubrir ese toque particular que ha puesto cada artista. Para el final "Y nos dieron las diez" donde se unen todas las voces para interpretar esta canción.

Siempre es un placer escuchar las canciones de Sabina, y esperamos que se encuentre bien, que ya este recuperado de su caída, que lo estamos esperando con ansias que vuelva a los escenarios.

Lista de canciones "Ni tan joven ni tan viejo" Disco Tributo Sabina

CD1

1. Ruido (Fito y Fitipaldis / Coque Malla)

2. Contigo (Alejandro Sanz)

3. Con la frente marchita (Amaral / Manolo García)

4. Donde habita el olvido (Bunbury)

5. El caso de la rubia platino (Leiva)

6. Peces de ciudad (Pablo Alborán / Pablo López)

7. Calle Melancolía (Robe)

8. La canción más hermosa del mundo (Manuel Carrasco)

9. 19 días y 500 noches después (Travis Birds /Benjamin Prado)

10. Cerrado por derribo (Niño de Elche/ Guitarricadelafuente)

11. Y sin embargo (Dani Martín / Zahara)

12. A la orilla de la chimenea (Joan Manuel Serrat / Rozalén)

CD2

1. Princesa (Los Rodríguez)

2. Yo también sé jugarme la boca (Vanesa Martín)

3. Amor se llama el juego (Melendi)

4. Quién me ha robado el mes de abril (Pablo López)

5. Pacto entre caballeros (Estopa)

6. A mis cuarenta y diez (M Clan / Alejo Stivel)

7. Eclipse de mar (Ismael Serrano / Funambulista)

8. Nos sobran los motivos (Marwan / Kany García)

9. Lo niego todo (Mikel Erentxun / Rufus T. Firefly)

10. Pongamos que hablo de Madrid (Rubén Pozo / Lichis)

11. Ganas de... (Macaco / Carlos Sadness)

12. Una canción para la Magdalena (Andres Suárez / Elvira Sastre)

13. Y nos dieron las diez (Varios)

Artistas:

Serrat, Rufus T. Firefly, Amaral, Leiva, Rozalén, Ismael Serrano, Fito y Fitipaldis, Coque Malla, Alejandro Sanz, Manolo García, Bunbury, Pablo Alborán, Pablo López, Robe, Manuel Carrasco, Travis Birds, Benjamín Prado, Niño de Elche, Guitarricadelafuente, Dani Martín, Zahara, Vanesa Martín, Melendi, Estopa, M Clan, Alejo Stivel, Funambulista, Marwan, Kany García, Mikel Erentxun, Rubén Pozo, Lichis, Macaco, Carlos Sadness, Mara Barros, Andrés Suárez y Elvira Sastre y a Los Rodríguez, reunidos para la ocasión.

Daniel 
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Canciones que nos emocionan: Ghost Riders In The Sky (A Cowboy Legend)

Stan Jones

     En 1914 nace en Douglas, Arizona (Estados Unidos) Stanley Davis Jones, más conocido como Stan Jones. Su infancia la pasa criándose en un rancho hasta la muerte de su padre, momento en el que su madre dedcide trasladarse junto con toda su familia a Los Ángeles, California. Es allí donde Stan cursa sus estudios universitarios en la Universidad de Berkeley a la vez que compite en el rodeo por razones meramente económicas.

Sin embargo Stan no llega a finalizar sus estudios universitarios y se alista en 1943 en la Armada de los Estados Unidos. Tras licenciarse de la Armada Stan desempeña diversos trabajos para ganarse la vida, tan dispares como minero, bombero ó guardabosques. Stan en sus ratos libere escribe canciones, y trabajando como asesor técnico de rodaje hace amistad con el director de cine John Ford, lo que le abre las puertas de Hollywood. Stan llegaría a grabar más de 100 composiciones suyas, además escribe numerosas canciones para varias películas del género western. Llegó a interpretar pequeños papeles en el cine del género western y llegó a trabajar componiendo canciones para la trodopoderosa Walt Disney.

Stan llegó a hacerse un nombre dentro del género de la música para western y country. Uno de esos numerosos temas que compuso en sus ratos libres llegará a hascerse mundialmente famosa, siendo versionada hasta la saciedad por infinidad de aritstas de renombre. Ocurre en 1948 mientras trabaja como guardabosques para Servicio de Parques Nacionales en el conocido Valle de la Muerte en California, cuando compone Ghost Riders In The Sky (A Cowboy Legend), otro de esos temas que a mí tanto me emocionan.

El tema aparece publicado por primera vez por el propio Stan en octubre de 1948 bajo el sello discográfico Mercury Records. La temática del tema habla de un vaquero que tiene una extraña visión: un gigantesco rebaño de vacas con los ojos rojos va cruzando el cielo al galope y unos vaqueros fantasmas que están malditos van conduciéndolas. En un momento dado uno de ellos avisa a nuestro protagonista que tenga cuidado porque si no cambia su actitud terminará persiguiendo al ganado del diablo a lo largo y ancho del infinito cielo cuán vaquero maldito como el que le habla.

En cuanto a la melodía del tema este se basa en el tema When Johnny Comes Marching Home, el cual es una canción popular de la Guerra de Secesión de Estadoos Unidos y que expresaba el deseo de la gente de que sus familiares y amigos allegados regresaran de la cruel guerra en la que se encontraban combatiendo. Un tema que a lo largo de la historia ha sido cubierto por artistas de la talla de Johnny Cash, Bing Crosby, Frankie Laine ó Tom Jones. Incluso artistas españoles como Raphael ó los Pekenikes llegaron a hacerse eco del tema y no dejaron pasar la oportunidad de rendierle homenaje con sus propios covers.

An old cowboy went riding out one dark and windy day

Upon a ridge he rested as he went along his way

When all at once a mighty herd of red eyed cows he saw

A-plowing through the ragged sky and up the cloudy draw

Their brands were still on fire and their hooves were made of steel

Their horns were black and shiny and their hot breath he could feel

A bolt of fear went through him as they thundered through the sky

For he saw the riders coming hard and he heard their mournful cry

Yippie yi ooh

Yippie yi yay

Ghost riders in the sky

Their faces gaunt, their eyes were blurred, their shirts all soaked with sweat

He's riding hard to catch that herd, but he ain't caught 'em yet

'Cause they've got to ride forever on that range up in the sky

On horses snorting fire

As they ride on hear their cry

As the riders loped on by him he heard one call his name

If you want to save your soul from hell a-riding on our range

Then cowboy change your ways today or with us you will ride

Trying to catch the devil's herd, across these endless skies

Yippie yi ooh

Yippie yi yay

Ghost riders in the sky

Ghost riders in the sky

Ghost Riders in the sky