Resultados canciones favoritas españolas de 1985.

La movida madrileña está en su pleno esplendor, pero aun asi tenemos dos grupos han metido 3 cancion de lujo que juntos copan 6 de los temas…. Bienvenidos al sonido de España en 1985

10.- Baron Rojo.- Hijos de Cain: En el puesto 10 tenemos a una de las bandas de Heavy metal más reconocibles del panorama español de aquel año, en 1985 saco al mercado su mejor y mas reconocido álbum “En un lugar de la marcha” y es que en este disco fue donde mostraton su mejor vena heavy. El tema que habéis elegido para entrar en el TOP 10 de este año fue Hijos de Cain, con una letra muy reveladora y haciendo un juego de metáforas entre textos bíblicos y la situación que se vivía en los años 80 con la imagen que tenia la gente de los seguidores de este tipo de música, una canción melódica pero a la vez muy potente que hace que la batería y la guitarra brillen por si solas sobre todo en ese solo que se marca a mitad de canción.

9.- Radio Futura.- El tonto Simon: Primero de los 3 temas que encontraremos de Radio Futura de su álbum “De un país en llamas”, esta gran canción donde los ritmos latinos se apoderan de la canción y la visión de la España mas rural se hacen con la manija de la canción, un tema que adereza un disco bastante barroco, uno de los grandes clásicos del grupo.

8.- Joaquin Sabina y Viceversa: Princesa. El cantautor de Ubeda se marcó un disco magnifico con el grupo Viceversa. Estamos ante uno de los himnos de esa época y del propio cantautor, la identidad de la “princesa” ha hecho correr ríos de tinta y mil y una elucubraciones, últimamente ha salido a la teoría que se trata de Arianne Sved, teorías aparte estamos ante una canción muy dura, disfrazada de balada, una bajada a los infiernos sin rescate y sin billete de vuelta.

7.- El ultimo de la fila: Querida Milagros. El dúo catalán el Ultimo de la fila formado por Manolo Garcia y Quimi Portet, tenían ya un recorrido bastante amplio en el mundo de la música, anteriormente habían sido miembro de Los Rapidos y posteriormente de Los burros, con desigual suerte, algún tema sonaba pero no era mas que dos personas tratando de hacerse un hueco en el mundo de la música. Con el nuevo grupo algo iba a cambiar con su primer albun titulado “Cuando la pobreza entra por la puerta, el amor salta por la ventana” cuando se pudo escuchar este alegato epistolar antibelicista. El dramatismo de la letra les dio algo que se salía de lo común, acompañado de una fuerza extra en la musicalidad. Es un gran tema.

6.- Rosendo - Loco por incordiar. ¿Una forma de vida del ex componente de leño? No lo sabemos, seguro que su incorformismo le ha llevado a eso pero lo que si sabemos es que esta canción se ha convertido en un leit-motiv de muchos de sus seguidores, que estamos entregados al genio de Rosendo. Encuadrada en su primer álbum le resultó muy complicado publicar este primer trabajo en solitario, pero estamos quizás ante una de las cumbres del rock de ciudad en este país, y nada de lo que hizo y se ha hecho ha sido superior a esto. Primer tema de Rosendo en el top… vienen mas.

5.- Radio Futura - No tocarte. Es quizás esta la canción mas punk del grupo, no lo sabemos, los que hemos bailado de forma “Divina” no dabamos crédito a esta vuelta de tuerca, pero para mejor, es una delicia como la letra de la canción te lleva por unos senderos ocultos que estamos deseando recorrer y como el riff de la guitarra se hace con el tema de manera magnifica. Una joyita mas que encontramos en “En este país en llamas”

4.- Rosendo - Pan de higo. Vuelve el genio del Carabanchel en plan guerrero, pero no os preocupéis que lo único que recibiréis es felicidad. De nuevo las guitarras macarras y esa voz peculiar recorre el tema creado una melodía absolutamente deliciosa y dispuesta para gritarla al viento sin que falte la ironia y la diversión

3.- Siniestro Total: Bailaré sobre tu tumba. Otro de los grandes himnos de los años ochenta, en este caso viene de Vigo de este grupo del grupo de punk-rock más representativo de los años 80 y nos traen un himno irreverente, un himno con muy mala baba, casi un himno soez, o sin el casi, un himno que avergonzaría a mucho puritano, pero joder, menudo himno, es sonar los primeros acordes absolutamente reconocibles y a uno le dan ganas de ponerse a gritar y a saltar a decir todo aquello que te apetece. Una canción donde se rinde homenaje a diversos grupos musicales, los Shadows, los Rolling, las Shangri-Las o las Ronettes, una canción que te da mis maneras con las que vengarte de aquel que te está jodiendo…. Pero mensaje aparte… ojo al órgano punk…. Sin comentarios.

2.- Rosendo: Agradecido. Tercer tema de Rosendo y de nuevo un himno que llevarnos con nosotros agradecidos, es su canción insignia, aquella que todos en sus conciertos cantamos dejándonos el alma, porque si bien el éxito de Rosendo ha sido moderado si que ha tenido la cautela de calar hondo en cada uno de sus seguidores. De nuevo tenemos una canción plagada de rock del bueno, de guitarras sin fin mientras su voz te va dando todo lo que tiene…

1.- Radio Futura - Han caído los dos. Un tema extraño, un tema doloroso, un tema que te escupe a la cara la realidad de lo que a todos nos puede pasar cuando en el amor juegas fuerte, con una instrumentación realmente bárbara, hay que detenerse en los diferentes sonidos que aparecen durante la canción, con una letra que te trae una cadencia magistral, casi parece una película de Hitchcock, rodeada de misterio, de peligro, de terror.

El disco de la semana 152: Serpent Power - Serpent Power

En 1988 John Carpenter estrenó la película "Están vivos", una irreverente producción de Serie B en la que los extraterrestres vivían entre los humanos, copando los altos cargos y los mejores empleos, mientras los humanos realizaban las tareas más penosas y vivían bajo una falsa ilusión de libertad y color. El protagonista y accidental héroe de esta surrealista fábula se encuentra unas gafas de sol negras, y al ponérselas descubre que puede ver la realidad tal y como es, un mundo en blanco y negro, plagado de mensajes subliminales de obediencia y mansedumbre, en el que seres de aspecto cadavérico conviven con los humanos y tienen bajo control el planeta.

Igualmente ficticia es la ilusión de que vivimos en un mundo globalizado en el que podemos acceder a cualquier contenido con un solo clic, cuando en realidad los contenidos están ordenadamente segmentados en función de, entre otras variables, la localización geográfica. Mientras estuve viviendo en Londres, las búsquedas de grupos y canciones en Spotify o Youtube me devolvían, además del grupo o canción concretos, una cantidad de recomendaciones de grupos ingleses tan desconocidos, que nunca habrían salido en las mismas búsquedas de haber estado en España.

Así fue como descubrí, en una noche de insomnio a pocos días de Halloween, a los Serpent Power, grupo de pop rock psicodélico surgido en 2014 de la colaboración entre Ian Skelly (The Coral) y Paul Molloy (The Zutons), que fruto de la química compositiva que surgió entre ambos, entregaron en 2016 un álbum plagado de extrañas canciones que proyectaban psicodélicas imágenes de locura y atmósferas de comics de terror, sin que con ello la escucha pierda la alegría y la luz de unas composiciones que juegan con sonidos folk y pop de los años 60, al tiempo que evocan un universo friki plagado de referencias a abduciones de aliens, fantasmas estremecedores, sirenas tentadoras, vampiros enamorados y asesinos en serie. Todos ellos fueron la banda sonora del Halloween que viví en la capital inglesa, llamando con los niños a las puertas de las casas para conseguir caramelos, y que con el paso de los años se ha mantenido como uno de los mejores recuerdos de aquella época.



Orgulloso de haber encontrado las gafas negras que me llevaron hasta Serpent Power, aprovecho que Halloween está aún reciente para mostraros hasta dónde puede llegar el poder imaginativo de esta caleidoscópica serpiente:


SERPENT POWER: EL DISCO

El disco abre con Dr. Lovecraft's Asylum (El asilo del Dr. LoveCraft), un tema de aires psicodélicos que nos recuerda a los primeros Pink Floyd o a las composiciones en solitario de Syd Barrett, con una temática oscura sobre un asilo digno del mismísimo Dr. Lovecraft. El cambio de ritmo final nos introduce en una atmósfera muy conseguida, mezcla de locura y tristeza en la que, detrás de la melancólica guitarra, pueden incluso oírse los zumbidos del electro-shock al que el protagonista es sometido.

Le sigue The man who shrunk the world (El hombre que agitó al mundo), con una aparente carga de homenaje, tanto en el título como en el tratamiento de los coros que acompañan al tema, a la canción de similar título de David Bowie. Los coros ya mencionados, y los efectos de sitar junto a la guitarra, le dan un toque psicódelico y fresco a un tema brillante.

El arranque de Lucifer's Dreambox (La caja de sueños de Lucifer) da más peso a las guitarras, como antesala a un ritmo sesentero, entrecortado por extraños sonidos de teclado más propios de una invasión alienígena que del famoso inquilino del infierno. Eso sí, la invasión nos pillaría en pleno guateque, y los invasores nos dejarían paralizados en una pose ridícula con nuestros pantalones de campana. Y es que el objetivo del disco, como el de la celebración de Halloween, no es otro que poder reírse de nuestros miedos más absurdos, y con Candyman (El hombre de los caramelos) lo llevan a la máxima expresión. El inquietante personaje al que no debemos aceptar caramelos, intenta convencernos con el señuelo de un piano de cabaret y un alegre estribillo de cantina.

Seguimos sumergidos en un cuento, con el sabor a vieja canción de marineros que tiene Syren (Sirena), en la que un superviviente canta con tristeza por la añoranza de la sirena amada, sin importarle que poder llegar a amarla significaría la muerte. Con tono menos lúgubre y más animado, de nuevo el amor es el protagonista en Vampire for your love (Vampiro por tu amor), tema que tiene todo lo necesario para convertirse en un éxito si pudiéramos viajar en el tiempo y ponerlo a competir con otros singles de los años 60. Pegadizo y con buenas guitarras y teclados, queda sin embargo en el anonimato comercial y sin un mal cuello de señorita que llevarse a la boca.

El disco sigue desplegando su caleidoscópico colorido, como en la psicodelia setentera de Last ape in space (el último primate en el espacio) o en el ritmo de satén del teclado y los metales de Killer Cherry Pie (La tarta de cereza asesina), hasta llegar a Just a broken heart (Simplemente un corazón roto), que por su título podría parecer la canción más alejada de la temática "made in Halloween" del disco, pero que incluye unos impactantes teclados de película de terror de los años 50 en su tramo central que la enganchan al conjunto con la facilidad con la que se juntan dos piezas de Lego.

Tras una nueva vuelta al alegre bodevil y al piano juguetón de humeante cantina de Life is a ball (La vida es una bola), en el tramo final del disco aún nos queda la canción que le da título, Serpent Power (El poder de la Serpiente), el tema más cercano a los esquemas clásicos de canción de rock clásico, y el cierre con The Vision (La Visión), que nos pilla por sorpresa por su sonido moderno y actual, la única canción del disco cuya inspiración no les llegó procedente de un capítulo de Scooby Doo o a bordo de un Delorean, una visión hacia el futuro que aprueba el examen individual pero que está en las Antípodas del sonido y el sabor del resto del disco. Preferimos quedarnos con el truco o trato, que el futuro no sabemos si será tan divertido.

Historia del rock and roll: 21.- Año 1961

Un año sin demasiadas novedades con respecto al anterior, pero si encontramos cosas que anticipan lo que está por venir. Elvis está metido en el cine, y los grandes referentes del rock de los años 50 han muerto, se han retirado, tienen problemas con la justicia o simplemente desaparecieron. Los Beatles hacen sus primeras grabaciones en Hamburgo. Pero este año seria el del nacimiento de “The beach boys”, uno de los grupos más importantes de los años 60.

 

Beach Boys en 1961

Chuck Berry seguía metido en líos con la justicia, pero continuaba componiendo temas históricos como este “Talking about you” o el editado meses después “Come On” una verdadera bestia del rock and roll al que no le paraba sus problemas con la justicia, aunque lo cierto que este fue el último single editado antes de que entrara a la cárcel. Elvis Presley publica este verano la que es quizás su mejor tema de la década, una canción muy rockera a su estilo, con un riff de guitarra a su altura, podemos ver en esta canción al primer Elvis, nos referimos a “Little Sister” a continuación publicó “(Marie´s The name) His latest flame” que sin estar a la altura es una buena canción. The Beach boys nacen en 1961, pero con el nombre de The Pendletones y presentan un single titulado “Surfin” la discográfica queda encantada y publican el single, pero cambian el nombre del grupo por otro más comercial como era The Beach Boys, había nacido uno de los pilares del rock de los años 60. The temptations fue uno de los buques insignia de la Motown, este año debutaron en el mundo de la musica aunque no gozaría de ningún éxito, “Oh mother of mine” era el título de este debut totalmente prescindible. Ike and Tina Turner publica “It´s gonna work out fine” canción con la que ganarían el Grammy y una absoluta exhibición de la voz de Tina Turner.  Después de disfrutar de cierto éxito Dion abandonó su grupo e inicio una carrera en solitario por desavenencias con el resto de componentes en el estilo, él quería más rock and roll y desde luego nos lo iba a dar con este “Runaround Sue”, y ese mismo año también publicaría “The Wanderer”. Después del éxito del Twist, Chubby Checker y su casa discográfica no pierden la oportunidad y sacan un nuevo baile, el “Pony Time” que sin llegar a las cotas de su anterior tema si que fue un pelotazo en las listas y pistas de baile, y como no se encontraba satisfecho con el resultado, que mejor que volver a lo conocido con esta secuela del éxito del año anterior “Let´s Twist again”. The Drifters publican “Sweets for my sweet” otro clásico para este año.

The Marvelettes

The Marvelettes era un grupo de chicas que se formaron en Detroit, el año anterior, una vez fichada por la Motown, estas chicas con “Mr Postman” le iba a dar a la discográfica su primer numero 1. Posteriormente fue versionada por The Beatles. The Marcells fue un grupo de doo-wap con su primer tema consiguieron su mayor éxito de su carrera, llegando el número 1 con este “Blue Moon”. The supremes cuyo componente más famoso era Diana Ross publica su primer single en la Motown “I want a guy”, muy lejos de su sonido característico, más tarde publicaría “Buttered Popcorn” con un estilo Soul que tampoco llegaría a ser su sonido característico, Diana Ross aún seguía en los coros y no había conseguido ser la voz solista del grupo. The regents un grupo formado en el Bronx en 1958 componen varias canciones, pero el éxito no les sonríe, en 1961 una casa de discos recupera uno de esos temas y los lanza al éxito, nos estamos refiriendo al posteriormente versionado por The Beach Boys “Barbara Ann”. Barry Mann conocido por ser el creador de muchos éxitos para otros grupos también intentó hacer carrera, quizás su mayor éxito fue “Who put the bomp”.  

Freddie King

Freddie King nació en Texas y fue un guitarrista y cantante de blues, de niño le enseñaron a tocar la guitarra y se fue a Chicago iniciándose en la música, y compartiendo escenario con muchas estrellas, pero no fue hasta este 1961 cuando publica “Hideaway” y llego al número 5.

Una de las grandes figuras del Blues, Howlin’ Wolf en junio publicaría “The red Rooster” que años más tarde versionarían The Rolling Stone. Benjamin E King, en 1961 publica una de las mejores canciones del siglo XX, comentan que hay mas de 400 versiones de la misma, nos estamos refiriendo a “Stand by me”. Lee Dorsey primero fue boxeador, pero al ver que aquello no era lo suyo se plantó una guitarra y rompió en las listas de éxitos con “Ya ya” que seria su mayor éxito.

The Shadows publican uno de sus temas más conocidos titulado “F.B.I.” de nuevo una canción instrumental para ponernos a bailar, fue su cuarto single. Y es que la dictadura de este grupo en Inglaterra era absoluta, aunque ya no contaran con Cliff Richards, meses después podíamos disfrutar de “Kon-Tiki”. Este año The Beatles a Hamburgo y realizarían una grabación de encargo para Tony Sheridan. Allí graban 2 canciones ellos solos, estas son las primeras 2 canciones serias de The Beatles la primera “Ain´t she sweet”, una versión del clásico americano, la segunda “Cry for a Shadow” un tema instrumental escrito por Lennon y Harrison.

Ray Charles ya era una estrella rutilante en el panorama musical y este año nos iba a regalar uno de sus buques insignias “Hit the road Jack” un diablo endiablado para este numero 1, a finales del año también publicaría “Unchain my heart” que posteriormente versionaria Joe cocker. Del Shannon invento un instrumento que llamo musitron y que se considera el antecedente de los sintetizadores, usando este instrumento en la parte central de la canción publico este “Runaway” el mayor éxito de su carrera. The shirelles era el máximo representante de las girlgroups, en este año publican “Mama said” y “Baby it´s you” que versionarian The Beatles.

Un motivo, 10 canciones: Cielo

Iniciamos el quinto de ciclo de canciones que contienen una palabra con una de las canciones más míticas del rock de la historia compuesta por Jimmy Page y Robert Plant en 1970, nos estamos refiriendo a “Stairway to heaven” del grupo Led Zeppelin. La introducción de guitarra acústica es todo un clásico, y una de las melodías más repetidas por quienes empiezan a tocar la guitarra, el tema además no tiene una estructura clásica, sino que va del estribillo a estrofa entremezclándose entre ellos. La simbología es sumamente rica, y va desde el esoterismo y la metafísica, pasando por distintas mitologías como ya señalamos, hasta las religiones antiguas y sus ritos sobre la naturaleza, proyectado todo ello en las prácticas del mundo contemporáneo.

Volvemos a España y a uno de nuestros clásicos, en esta ocasión nos trasladamos al álbum Palosanto de Enrique Bunbury donde podemos encontrar “Mas alto que nosotros el cielo” una brillante canción con un video musical verdaderamente brillante rodado en blanco negro. Se ha convertido en uno de los himnos y de las canciones que más suenan en los conciertos en los últimos años de Bunbury, una canción que trasmite una extraña sensación de liberación y felicidad.

El grupo Ingles Queen está viviendo una segunda juventud de éxito tras la película Bohemian Rapsody, si bien ha sido un grupo de los favoritos de quienes aman el rock, es cierto que esta vuelta a la primera plana hace que vuelvan a surgir perlas que estaban semi escondidas. Es el caso de este “Heaven for everyone”. Escrita por Roger Taylor y lanzada en su primer disco con su grupo The Cross, fue recuperada para la discografía de Queen un año después. Un tema sin duda lleno de fuerza y donde Freedie Mercury da otra exhibición vocal.

Y nos ponemos románticos con el siguiente tema, nos vamos literalmente al cielo de amor y es que este “Heaven” de Brian Adams es una de las baladas más bonitas que podemos escuchar y uno de los grandes éxitos del cantante. La canción apareció por primera vez en una película malísima titulada A night in heaven, por supuesto paso desapercibida, pero la rescataron para el siguiente álbum de Brian Adams y apoyada en un video musical muy potente.

Tontxu es un cantautor nacido en Bilbao que tuvo unos años de éxito y de estar en boca de muchos amantes de este tipo de música, sin duda ha sido con quien hemos echado mas partidas de Risk, aunque la canción que nos ocupa sea otra, “Para tocar el cielo”, de la cual podemos destacar la versión en dúo que hace con Antonio Vega y que para mí es una de las cumbres de este tipo de música. La canción estaba encuadrada dentro del primer disco del cantautor.

“Heaven is a place on Earth” es una canción de Belinda Carlisle, con un sonido muy ochentero que fue un éxito rutilante en aquella época. Tiene un video musical muy interesante que está dirigido por la actriz Diane Keaton. Personalmente me parece una gran canción y me evoca cierto aire de libertad. Para los amantes de las series esta canción fue protagonista en uno de los mejores capítulos de Black Mirrow titulado San Junipero.

Vamos con otros de los platos fuertes del artículo, me estoy refiriendo a “Knocking on Heaven door” y como no podía ser de otra manera nos vamos a detener en la versión original, aquella que está interpretada por Bob Dylan, aunque como no, tenemos que hacer referencia a la versión que Guns & Roses en clave heavy realizaron muchos años después. Esta canción está escrita desde la perspectiva de un sheriff moribundo:

Mamá, quítame esta placa.

Ya no puedo usarla.

Está oscureciendo, demasiado oscura para que vea

que siento que estoy tocando la puerta del cielo,

Dylan escribió la canción para la película de 1973, Pat Garrett y Billy The Kid, una gran película dirigida por Sam Peckinpah y en la que el cantante tiene un pequeño papel

Que 091 es uno de los grupos mas potentes que peor le ha tratado el mundo musical lo saben aquí y en la cima del Everest, pero no es cuestión de lamentarse, mas bien vamos a ir descubriendo lo que se ha quedado en el tintero del conocimiento musical de los que no hayan rascado un poco más allá de las radioformulas y porque no empezar por este “Un cielo color vino” una canción potentísima y llena de la fuerza que caracteriza al grupo de Granada.

Volvemos a las bandas sonoras y en esta ocasión nos toca una película bastante más irregular protagonizada por Tom Cruise y que tenía por título Dias de Trueno, pues bien, en esa película en uno de los momentos cumbres suena “Show me heaven” interpretado por Maria McKee, una cantante Norteamericana que solo tuvo este éxito a pesar de que tiene una gran voz.

Para terminar uno de los mayores genios que ha parido la música, nos estamos refiriendo a Prince, que en pleno apogeo del éxito publico una álbum maravilloso donde podemos encontrar este “I wish you heaven” una preciosa balada con una profunda carga religiosa que deja entrever en el video musical. Una masterpiece más para el de Minneapolis.

Nuestros amigos nos han dejado las siguiente opciones… muchísimas gracias a todos

A idade do Céu – Paulinho Moska

A Little piece of heaven – Avenged Sevenfold

Cielo – Esclarecidos

Cielo del sur – La frontera

El cielo de los nuestro – Los piratas

En el cielo no hay alcohol – Pabellon psiquiátrico

Espera en el cielo – Asfalto

Everybody wants to go to heaven – Albert King

Fire in the sky – Saxon

Heaven – Depeche Mode

Heaven – Rolling Stone

Heaven – The lonely boys

Heaven – The psychedelic Furs

Heaven and hell – Black Sabbath

Heaven can wait – Iron Maiden

Heaven help us all – Ray Charles

Heaven in this hell – Orianthi

Heaven is one step away – Eric Clapton

Heaven knows i´m miserable now – The smiths

Heaven on their minds – A.Lloyd Weber

Heaven Tonight – Yngwie J. Malmsteen

Heaven´s gate – Rory Gallagher

Heaven´s is Here – David Bowie

Heavens of fire – Kiss

Heavens open – Mike Oldfield

Heavens to megatroid – Funkadelic

Hog Heaven – Frank Zappa

If you all get to heaven – Sananda Maitreya

Judgement of heaven – Iron Maiden

Just like a heaven – The cure

La edad del cielo – Jorge Drexler

Meadows of heaven – Nightwish

Mirando al cielo – Fito y fitipaldis

Monkey gone to heaven – Pixies

Near wild Heaven – REM

Pennies from heaven – Frank Sinatra

Place called Heaven – Escape with Romeo

Something happened on the way to heaven – Phil Collins

Tears in heaven – Eric Clapton

Writing in heaven – The Cure

You’re the nearest thing to heaven

Canciones que nos emocionan: Las 5 canciones de The Doors

En los primeros años de relación con mi entonces novia y actual pareja, decidimos que, en materia de ocio, seríamos democráticos y equitativos. Si una semana íbamos al cine a ver una película que yo quería ver, la semana siguiente la película era exclusivamente de su gusto y elección. Este acuerdo democrático se extendió a los viajes que hicimos en aquella época, y entre ellos hubo una escapada de unos días a la romántica París. Los preparativos del viaje incluyeron, por tanto, una conversación para asegurar que los sitios preferidos de ambos estuvieran incluidos de manera equitativa en la hoja de ruta del viaje.


De su lado, surgieron citas que consideraba ineludibles como la Torre Eiffel, Notre-Dame o el Louvre, a las que por supuesto no puse la menor objeción. Pero cuando me preguntó por lo que yo quería ver en aquel viaje, no esperaba que mi rotunda y segura respuesta fuera: "El cementerio de Pere-Lachaise". Sorprendida y extrañada, me preguntó por qué, de todas las cosas bonitas que tenía la ciudad del amor, yo quería ir a ver un cementerio. La respuesta fue igualmente rotunda: "Porque allí está la tumba de Jim Morrison.

Ella nunca ha llegado a entenderlo completamente, pero a regañadientes me acompañó hasta el cementerio, y así fue como visitamos uno de los santuarios del rock, a la altura de otras visitas icónicas de mitos caídos que han tenido un hueco en la agenda de mis viajes, como la del edificio Dakota de John Lennon en Nueva York, o el más reciente David Bowie Memorial (mural pintado en la salida de la estación de metro de Brixton (Londres).


Tampoco ayudó a que ella lo entendiera cuando le expliqué que, en realidad, el malogrado cantante y poeta no estaba realmente enterrado allí, lo cuál nunca evitó que en torno a su lápida siempre haya flores y mensajes, e incluso gente cantando en voz baja sus canciones, con sus suaves cánticos entremezclándose con la brisa que sopla y juguetea entre los grandes árboles. En la quietud de aquel plácido lugar para el descanso eterno, casi con toda seguridad habrá sonado alguna de las 5 canciones que de los Doors habéis elegido:


LAS 5 CANCIONES DE LOS DOORS



En el nº 5, Roadhouse Blues, del disco Morrison's Hotel (1970), toda una declaración de intenciones y un decálogo de modo de vida al más puro estilo Morrison. "Cuando me levanto cada mañana, me sirvo una cerveza, el futuro es incierto el final está siempre cerca, enróllate, cariño, enróllate toda la noche". Uno de los temas más redondos e inspirados del grupo, que no siempre conseguían el mismo resultado al trasladar las poesías y textos de Morrison al formato de canciones rock. En esta ocasión el resultado es excelente, cómo demuestra que por ponerla en este quinto puesto habéis dejado fuera temas de la talla de Light my fire o When the music is over, grandes himnos del grupo californiano.


En el nº4, Break on through, del disco "The Doors" (1967), el que probablemente contiene el mayor número de temas icónicos de la banda. Estamos ante otro momento sublime, en el que los textos de Morrison se convierten en una canción tan urgente como eterna, la canción que nos abrió los ojos y nos hizo mirar a las puertas de la percepción, en la que Morrison nos mostró que "el día destruye a la noche, la noche divide al día" y nos gritó que intentáramos correr, y escondernos, y abrirnos paso hacia el otro lado.

 En el nº 3, L.A Woman, del disco del mismo nombre publicado en 1971, es un icónico retrato de las dificultades y vivencias de la "mujer de Los Ángeles" y el duro camino para abrirse paso en la ciudad. "¿Eres una pequeña señorita afortunada en la ciudad de la luz, o sólo otro ángel perdido...?" Aquí podríamos encontrar algunas similitudes temáticas con la posterior "Welcome to the Jungle" de los también californianos Guns and Roses, ambos describen una ciudad corrupta y peligrosa, de la que Morrison acabó cansado, marchándose a París en la que a la postre sería su última parada, su final.

En el nº 2, The End, del disco "The Doors" (1967), el final premonitorio al que hizo mención en muchas de sus composiciones, y que acabaría encontrando en la bañera de un hotel de París. The End es una larga oda lisérgica, un gran viaje psicodélico hacia ese final, temido y atrayente a partes iguales, al que menciona como un "amigo maravilloso, mi único amigo, el final". La complejidad de su temática y mensaje va más allá de la propia canción, y aparece en canciones posteriores como si de segundas partes se tratara. Especialmente inquietantes y premonitorios son los versos de "Hyacinth House":

"Veo que el baño está libre
Como si alguien estuviera cerca
Estoy seguro de que alguien me sigue
¿Por que tiraste la Sota de Corazones?
Era la única carta de la baraja
Que me quedaba por jugar
Y lo diré otra vez, necesito un nuevo amigo: El final"
 

La segunda conexión posterior la encontramos en el tramo final de la canción, en la parte más famosa y polémica en la que Morrison recita sobre un asesino que mata a sus padres en mitad de la noche:
"El asesino se levantó antes del amanecer, se puso las botas, y caminó por el pasillo..." No será la única ocasión en la que "el asesino" aparezca en una canción de The Doors, ya que volvió a hacer de las suyas en la que para vosotros es su mejor canción:


En el nº 1, Riders on the Storm, del disco "L.A Woman" (1971). Uno de los típicos temas largos y épicos de los angelinos, con la particularidad de que, así como en "Light my Fire" es Ray Manzarek el que lleva el peso y se corona vencedor a los teclados, en "Riders on the Storm" es la guitarra de Robbie Krieger la que predomina y sale vencedora. La letra es la representación de un miedo recurrente de Morrison, que en un viaje en coche con sus padres, atravesando el desierto, vió otro coche tirado en la cuneta tras un accidente. Personificó el impacto de aquella escena en la figura del asesino, que en esta ocasión hacía autostop en la carretera:

"Hay un asesino en la carretera
Su cerebro se retuerce como un sapo
Tomad unas largas vacaciones
Que vuestros hijos jueguen,
Si le recogéis para llevarle
vuestra familia morirá"

Perdí aquellas fotos que hice en el cementerio de Pere-Lachaise, eran tiempos de revelado analógico en las que las fotos eran "físicas" y no se guardaban en móviles, ordenadores o discos duros portátiles, así que me gustaría volver de nuevo, en alguna ocasión, y por absurdo que parezca, a visitar una tumba vacía en la que no está enterrada una gran estrella del rock, que atravesó a su manera la tormenta por la que todos pasamos desde que nacemos, desde que "en este mundo hemos sido arrojados, como un perro sin hueso o un actor fuera de papel, como Jinetes en la tormenta".


Otras canciones de la votación:

6. Light my fire 63
7. People are Strange 59
8. Love me two times 34
9. The Crystal Ship 21
10. Love her madly 2
11. Strange Days 20
12. The Soft Parade y When the music is over 18
13. Peace Frog y Soul Kitchen 14
14. Touch me 12
15. Hyacinth House y Love Street 10
16. Alabama Song (Whiskey Bar) 9
17. Hello, I love you 8
18. Moonlight Drive 7
19. Back Door Man, Spanish Caravan, The Changeling 6

20. Ghost Song, Indian Summer, Cars hiss by my window 5
21. Crawling King Snake, Not to touch the Earth, Queen of the Highway, Take it as it comes, Unknown Soldier, Waiting for the Sun, Wishful Sinful 3
22. Easy Ride, I'll never be untrue, Shaman's blues, Tell all the People 2
23. Five to One, Maggie McGill, You make me real 1

Canciones que nos emocionan: Black Lung Heartache

Dust Bowl (2011), Joe Bonamassa

   

      El Blues Rock es un género musical que combina elementos del blues y el rock y que normalmente utiliza como elemento transmisor una guitarra eléctrica. Uno de los máximos referentes, exponentes y precursores del blues rock en la actualidad es sin duda Joe Bonamassa, el magnífico guitarrista de Nueva York que creció rodeado entre guitarras. En 7dias7notas ya hicimos en su momento una reseña para recomendar su noveno álbum de estudio, The Ballad of  John Henry, un magnífico disco que publicó allá por el año 2009.

     En 2011, dos años después Joe Bonamassa publica Dust Bowl, considerado por la crítica y también por el que les escribe otro de sus mejores trabajos. El disco en cuestión fue producido por Kevin Shirley más conocido por The Caveman. Journey, Iron Maiden, The Black Crowes, Rush, Led Zeppelin, Beth Hart, Dream Theater ó Mr. Big son sólo algunos de los artistas con los que este prolífico productor ha trabajado. Para la grabación del disco Bonamassa utilizó hasta cuatro estudios de grabación diferentes, los Black Rock Studios en Santorini (Grecia), el Ben's Studio en Nashville (Tennessee), The Cave en Malibú (California) y The village en Los Ángeles (California).

     Para la portada del álbum Joe utilizó la famosa fotografía que el famoso fotógrafo estadounidense Arthur Rothstein tomó en 1936. Dicha fotografía muestra a un granjero y a sus dos hijos durante una tormenta de polvo en el condado de Cimarrón, Oklahoma (Estados Unidos). Dicha fotografía rápidamente se convirtió en un icono del famoso fenómeno conocido como Dust Bowl, y que además es el título de éste álbum de Joe.

     El fenómeno Dust Bowl fue uno de los peores desastres ecológicos que se dieron a principios del siglo XX y que consistió en una fuerte sequía que afectó a las llanuras y praderas americanas desde el Golfo de México hasta Canadá y que se prolongó desde 1932 hasta 1939. Esta sequía provocaba que el suelo, el cuál se encontraba completamente seco, sin humedad alguna, fuera levantado por las fuertes ventiscas que convertían el suelo en inmensas y espesas nubes de polvo que escondían hasta el sol. Este fenómeno sumado al de la Gran Depresión del 29 hizo que se produjera el mayor desplazamiento población de la región que ha habido en un corto periodo de tiempo en la historia de Estados Unidos.

     Pues bien, dentro de éste más que recomendable disco de Joe Bonamassa se encuentra otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, Black Lung Heartache, tema compuesto por el mismo joe Bonamassa y donde quiso abordar la situación de los mineros de carbón de la zona del Oeste de virginia, los cuáles tienen que tomar la decisión de realizar todos los días un trabajo que saben que los matará lentamente pero con el cuál podrán alimentar a su familia, ó por el contrario no hacerlo mirando por su salud pero no poder pagar las facturas ni alimentar a su familia. Un tema con un sonido country blues americano que le da al tema un toque magnífico.

Well I'm a man of the mountain

I'm just made of dirt

Of this Earth I traveled

Like a shepherd and his herd

And I said hang on, hang on

Black lung heartache

I sleep in a modest house

These green hills I mind

And if I plow tend my children

Who will be by the side?

And I said hang on, hang on

Black Lung Heartache

I've shed many tears

Seems I can't shed no more

You can see them on the table

You can see 'em on the floor

Now I said hang on, hang on

Black lung heartache

I've seen many men

They become hard as nails

Carrying the hammers like keys to a jail

Now I said hang on, hang on

Black lung heartache

Now I said so long, so long

Black lung heartache

     Black Lung Heartache es un temazo, la excusa perfecta para volver a hablaros de Joe Bonamassa y recomendar otro de sus magníficos discos, Dust Bowl, donde al contrario que en su anterior trabajo The Ballad of John Henry, se aleja un poco si cabe de su característico sonido blues rock para acercarse y ahondar más en el género country blues.

El disco de la semana 151: UFO - Phenomenon

UFO, Phenomenon (1974)

     1968, Londres, una banda llamada Hocus Pocus, que había visto la luz ese mismo año y que estaba compuesta por Phil Mogg (vocalista), Mick Bolton (guitarrista), Pete Way (bajista) y Andy Parker (batería), da un concierto en una sala londinense llamada UFO Club. Ese día entre el público que vio aquella actuación se encontraba Noel Moore, el cuál era propietario del sello discográfico Beacon Records. Noel al ver a aquel grupo y convencido de su potencial les ofrece un contrato discográfico.
Poco después de firmar el contrato con Beacon Records y para homenajear al club donde habían sido descubiertos el grupo decide cambiarse el nombre, acababa de nacer UFO.

     En 1970 la banda publica su primer álbum de estudio, UFO 1,

con un sonido hard rock que combina elementos de rock psicodélico y el llamado rock espacial. Este primer disco obtiene buenos resultados en Japón,  Francia y Alemania Occidental, de hecho alcanzan en Japón el primer lugar en las listas con la versión del tema de disco Eddie Crochan C'mon Everybody.
Siguiendo la misma línea de sonido el grupo publica un 1971 su segundo disco de estudio, UFO 2: Flying, un álbum que vuelve a tener una gran recepción en Japón y en algunos países de Europa, pero no en el mercado americano ni en el mercado inglés  que se le resiste a la formación. Aprovechando que UFO tenía una gran recepción en el mercado japones ese mismo año se lanza solo para el país nipón su primer disco en vivo titulado Live.

     En 1972 el guitarrista Mick Bolton abandona la formación por motivos personales y el grupo se ve obligado a contratar sustitutos para acabar la gira en la que estaban metidos. El primer sustituto fue Larry Wallis, el cual estuvo en UFO desde febrero de 1972 hasta noviembre de ese mismo año, y posteriormente en diciembre contrataron a Bernie Marsden.
Aprovechan ese mes de diciembre con Marsden para grabar una maqueta que sería publicada en 1973 llamada Give Her The Gun. Ese mismo año el grupo se encontraba de gira por Alemania Occidental, y como teloneros llevaban a una joven banda llamada Scorpions. Durante la gira al grupo le había llamado mucho la atención el guitarrista del grupo, Michael Schenker que por entonces contaba con 18 años.
     Cuenta la leyenda que al iniciar aquella gira en 1973 por Alemania Occidental, Bernie Marsden había olvidado su pasaporte y no podía tocar en el primer concierto, los miembros de UFO que necesitaban un guitarrista de urgencia, habían visto la prueba de sonido de la banda telonera Scorpions,  y el guitarrista Michael Schenker les había gustado muchísimo, por lo que le inivitan a tocar junto a ellos esa noche en sustitución de Marsden.

     Bernie Marsden en junio de 1973 abandona UFO, el grupo que lo tiene claro le ofrece el puesto a Michael schenker, Michael no se lo piensa y dice que sí.
Cómo podía encajar un alemán que no tenía ni idea de hablar inglés con un grupo inglés que no tenía ni idea de hablar alemán? La repuesta es Phenomenon, el tercer álbum de estudio de formación inglesa y el recomendado para ésta semana número 151 de la aventura de 7dias7notas.
A pesar de la falta de entendimiento en cuanto al idioma, pues los ingleses no hablaban alemán y Schenker no hablaba inglés, esto no fue obstáculo para que Michael Schenker y Phil Mogg se entendieran a la perfección para componer Phenomenon, pues fueron los dos compositores principales del disco. El grupo había cambiado de discográfica, fichando por Chrysalis Records y graba el álbum en los Estudios Morgan de Londres, produciéndolo Leo Lyons, bajista de la banda Ten Years After.

     El disco comienza con Oh My, tema de apertura con un ritmo pegadizo y unos contundentes riffs guitarreros llenos de energía. En Crystal Ligth dan un giro de 90º y se marcan una balada en plan acústica donde Mogg nos deja encandilados con su registro vocal. Una vez que estos chicos ya han llamado toda nuestra atención y nos tienen completamente enganchados van y se marcan uno de los famosos temas y buque insignia de la banda, Doctor Doctor, uno de los himnos de la banda, coescrito por Mogg y Schenker, y donde una mujer roba completamente el corazón a un hombre, "¿Qué clase de mujer hace eso a un hombre"?.

Cuando todavía no nos hemos repuesto de Doctor Doctor nos vuelven a impactar, esta vez con Space Child, no tan conocida quizás, pero toda una balada con mayúsculas donde Mogg nos demuestra el magnífico vocalista que es y Schenker nos regala un sólo espectacular.
Después de esta maravillosa balada llega Rock Bottom, temazo donde los chicos de UFO van al grano, sin rodeos, y el tema va creciendo y los casi 7 minutos del tema se nos hacen cortos. Memorables las diabluras de Schenker a la guitarra en éste tema con sólo 19 añitos.
Too Young To Know, Schenker marca los tiempos marcando la melodía y Mogg lo clava en la parte vocal, quizás uno de los temas más comerciales del disco, pero no exento de calidad.
Si todavía no te han enamorado estos chicos, en Time On My Hands ya has caído rendido a sus pies, un tema melódico donde Mogg está maravilloso y Schenker demuestra que cuando hace falta templar también va sobrado.
Built for comfort es el único cover que aparece en el disco, composición blusera del genial Willie Dixon. Mogg, Schenker, Way y Parker logran mantener la esencia blusera del tema y llevárselo a su terreno para dotarle un toque rockero.
Lipstick Traces, instrumental hecha a la medida de Schenker, donde éste nos demuestra que sabe manejar perfectamente los tempos y ponerse melódico y meloso cuando la ocasión lo requiere. Magistral Schenker.
Queen of the Deep, tema que cierra el disco y donde Schenker a mitad de tema se vuelve a despachar a gusto para regalarnos otro genial sólo. Mogg vuelve a estar sobresaliente en el apartado vocal.

     Phenomenon, significó el despegue de UFO, que encontraron en un chico de 19 años el componente perfecto que le hacía falta a Mogg, Way y Parker para llevar su "Objeto Volante no Identificado" a cotas inimaginables. UFO con este disco se convertiría en una de las banda claves y de referencia para las bandas de rock británico que fueron surgiendo a finales de los años setenta.
 Ni el problema del idioma les detuvo porque para eso utilizaron el maravilloso lenguaje universal de la música.

Historia del rock and roll: 20.- James Brown

James Joseph Brown Jr., conocido artísticamente como James Brown, nació en Barnwell, Carolina del Sur, el 3 de marzo de 1933 aunque no existe ninguna evidencia en ningún registro que esa sea su fecha de nacimiento, él siempre ha asegurado que es la correcta. Vino al mundo en una familia muy pobre, como muchas de las que en aquella época trataban de subsistir como podian, este y un posible caso de malos tratos hizo que su madre abandonara el hogar familiar, por lo que fue criado por su padre y por una tía que regentaba una especie de pensión que también era burdel. Antes de cumplir los 20 años fue arrestado varias veces por robo a mano armada por lo que fue condenado a 8 años de prisión, aunque finalmente cumplió 3 por buen comportamiento, después de dejar la escuela secundaria, James aún probó como boxeador y jugador de béisbol, sin obtener ningún éxito.

En 1953, acogido por la familia del cantante Bobby Byrd, probo suerte en el mundo musical, y ese mismo año se unió al grupo de música gospel "The Starlighters". El grupo pronto se inclino hacia el rock and blues teniendo algún éxito. Fue en 1962 y una vez que habían cambiado su nombre por “The Flames” cuando realizaron un concierto en el Teatro Apollo de Nueva York, y lanzó al año siguiente el álbum "Live at the Apollo" siendo un éxito rotundo, arrancando una carrera en solitario que le llevo a publicar en 1964 el álbum "Out of Sight", que alcanzó el número 24 en las listas de éxitos y le encamino claramente al sonido funk. Es en este año cuando publica 2 de sus grandes éxitos "I Got You" (I Feel Good) la que es quizas la cancion mas emblematica y conocida de James Brown y de la que tenemos un articulo de canciones que no soporto, es quizas una de la canciones mas funky de la historia y "Papa's Got a Brand New Bag" ganando el Grammy a la mejor canción de Blues. El tema "Say It Loud, I'm Black and I'm Proud" se convirtió en un simbolo de la lucha por la igualdad de la comunidad negra, y la lucha por la igualdad de los derechos de los afroamericanos, la canción surgió cuando Brown fue testigo de las luchas internas entre los negros en Los Ángeles. "Hemos perdido nuestro orgullo", pensó. Fue a su habitación de hotel y escribió la letra en una servilleta, la cancio fue censurada por diversas emisoras radiofónicas. James Brown se manifestó más claramente en favor de la igualdad en 1968, cuando dos días después del asesinato de Martin Luther King, el artista acordó actuar en Boston para ayudar a las autoridades a aliviar las tensiones frente a los disturbios que se estaban produciendo.

En la década de 1970, Brown tuvo un superéxito con “Sex Machine”, que alcanzó el número 1 en 1970, firmó un nuevo contrato con Polydor: entre los éxitos de la nueva década se destaca el sencillo "Get on the good foot" (un millones de copias) y el álbum "The payback", el único en la carrera en superar el medio millón de piezas vendidas y ganar un disco de oro. En 1974, el Sr. Dynamite (uno de sus numerosas denominaciones) actuó frente a 120 mil personas en Kinshasa (Zaire) junto a Etta James, BB King, Bill Withers y otros artistas contratados para un mega concierto organizado con motivo de la histórica reunión de boxeo entre Cassius Clay y George Foreman. La explosión de la música disco lo desplaza como tantos otros pesos pesados del alma de los años sesenta: los primeros intentos de adaptarse a los nuevos sonidos son torpes, de muy mala calidad y el mercado mercado le da la espalda, pero no todo estaba perdido la vuelta a la fama le llega de forma inesperada con la breve pero significativa aparición en la película "Blues Brothers" junto a John Belushi y Dan Aykroyd, en la que Brown interpreta el papel de un predicador poseído en la imaginación colectiva de una generación. Comienza una inesperada epoca de nuevos éxitos: en 1984, el rapero Afrika Bambaataa le pone otra vez en el mercado al grabar juntos  "Unity", dos años después grabaria "Living in America" (de la banda sonora de "Rocky IV") y alcanzaria el número 4 en el Billboard Hot 100, convirtiéndose en su mayor éxito desde "I feel good”. A partir de ese momento, la carrera y la vida personal de Brown comienza a caer en picado, mas cuando en 1988 es condenado a seis años de prisión tras ser condenado por intentar agredir a unos policías, agravado por el consumo y posesión de drogas. Despues de salir en 1991 de la cárcel ya no es nadie en el mundo de la música, él intenta enderezar su carrera pero fracasa en cada una de las acciones que toma, relegando su música a festivales de Lucha Libre o como fondo musical en algún videojuego. Sus últimas apariciones públicas fueron en el festival Foggfest en San Francisco el 20 de agosto de 2006 en el Roundhouse de Londres el 27 de octubre del mismo año y en la ceremonia en el Alexandra Palace de Londres, donde fue reconocido por su entrada al Salón de la Fama. del Reino Unido. James Brown moriria en Atlanta, Estados Unidos, el 25 de diciembre de 2006 a causa de un cáncer que le habían diagnosticado.

La música en historias: La crisis de los escorpiones

Scorpions

    

     En marzo de 1981 Scorpions, que en esos momentos cuenta en sus filas con Klaus Meine (voz), Rudolf Schenker (guitarra rítmica y coros), Matthias Jabs (guitarra solista y coros), Francis Buchholz (bajo y coros) y Herman Rarebell (batería y coros), se embarcan en la gira promocional de su séptimo álbum de estudio, Animal Magnetism, que supondría su séptima gira mundial. Una gira que comenzarían en Tokio (Japón) y que acabarían en el Hammersmith Odeon de Londres (Inglaterra) con más de cien fechas en total y habiendo tocado por primera vez en Canadá. Una gira más que exitosa y que permitiría al grupo seguir creciendo a nivel mundial.
     A finales de 1981 y depués de cerrar dicha gira exitosa el grupo decide regresar a Alemania para preparar y grabar el que sería su octavo álbum de estudio Blackout. El grupo se mete en los Dierks Studios de colonia (Alemania) propiedad de Dieter Dierks que además sería el productor del disco.

     Durante la grabación del disco sucedió un hecho que puso en peligro incluso la continuidad del grupo. El vocalista Klaus Meine empezó a tener problemas en su voz que le impedían mantener su registro y mantener tonos altos, llegando incluso momentos en los que no podía ni pronunciar palabra.
Klaus preocupado por los problemas de su voz decidió acudir a un médico, el cuál tras valorarle le dijo que no tenía solución y que lo mejor que podía hacer era cambiar de profesión. Klaus hundido y frustrado por el diagnostico decide reunir a la banda y les plantea la posibilidad de renunciar al grupo para que busquen otro vocalista. Sobre éste hecho Rudolf Schenker siempre afirmó que nunca se les pasó por la cabeza reemplazar a Klaus y que esperarían el tiempo que hiciera falta para que éste se recuperara, no importaba si el disco se retrasaba o incluso si la banda se tenía que separar, pues tenían muy claro que Scorpions sólo seguirían con Klaus Meine como vocalista, al que consideraban una pieza fundamental del grupo.

     Animado por el apoyo de sus compañeros Klaus decide buscar una segunda opinión médica, y para ello acaba viajando a Austria y se pone en manos de un doctor que estaba especializado en tratar a varios cantantes de ópera. Después de dos cirugías vocales y un riguroso y metódico entrenamiento pudo volver a trabajar con sus compañeros, consiguiendo además después del tratamiento tener una voz mucho más cristalina y un rango vocal mucho más amplio.

     Durante los problemas de salud de Klaus Meine, el grupo fue obligado por el contrato que tenían suscrito con la discográfica Mercury Records a grabar con otro vocalista el material de Blackout, para ello recurrieron a un vocalista amigo del grupo llamado Don Dokken. Afortunadamente no hizo falta, de la voz principal se ocupó Klaus Meine gracias a no darse por vencido, al exitoso tratamiento y al apoyo incondicional de sus compañeros que demostraron ser más una familia que un grupo. El material que había grabado Don Dokken se aprovechó y fue utilizado para incorporar las segundas voces al disco. De hecho en la primera versión original que se publicó Don Dokken no apareció en los créditos, pero si en las remasterizaciones posteriores que se han hecho del disco.

     Blackout se convertiría en uno de los mejores trabajos de Scorpions. Tras su publicación se convirtió en su disco más exitoso hasta la fecha llegando a posicionarse dentro del top quince en varios países, alcanzando incluso el número uno en Francia. Además esto les permitió tocar por primera vez en la gira promocional del álbum en Italia, España y Dinamarca.