Un país, un artista: Reino Unido & Irlanda del Norte - Black Sabbath

 

Black Sabbath

     Elegir entre la infinidad de grandes artistas y grupos que ha concebido a lo largo de la historia Reino Unido & Irlanda del Norte es una misión imposible, no obstante había que elegir un artista de dicho lugar, y en 7dias7notas nos hemos decantado en esta ocasión de uno de los grandes precursores del heavy metal, Black Sabbath, formación creada en Birmingham allá por 1968.

Corría el año 1968 y el guitarrista Tony Iommi y el baterista Bill Ward acaban de dejar el fallido proyecto del grupo Mythology, entonces deciden formar su propia banda y se lanzan a la búsqueda de músicos para completar su nuevo grupo. Iommi y Ward acaban fichando al bajista Geezer Butler y al cantante Ozzy Osbourne, quienes venían ambos de tocar en otro grupo llamado Rare Breed, al guitarrista Jimmy Philips y al saxofonista Alan Clarke. A este nuevo grupo deciden llamarle The Polka Tulk Blues Company, nombre que sacan de una compañía textil india, aunque poco tiempo después acortan el nombre y queda como Polka Tulk. Jimmy Philips y Alan Clarke abandonan el proyecto al poquito de su formación, por lo que el grupo queda conformado por Iommi, Ward, Geezer y Osbourne, quienes deciden cambiar el nombre al grupo y lo llaman Earth. 

El grupo por aquel entonces hace versiones de blues y rock, y se caracteriza por realizar largas improvisaciones bluseras. A finales de ese año, Tony Iommi, tentado por Ian Anderson, abandona Earth y se marcha a Jethro Tull, aunque la experiencia dura apenas un par de meses y Iommi regresa a Earth. Una vez estabilizada la formación, sus componentes se dan cuenta que les están confundiendo con otra banda de rock que tiene el mismo nombre, por lo que deciden cambiarlo. 

Un día se encuentran los cuatro músicos en el local donde ensayan, y Geezer Butler se fija en el cine que hay enfrente del local, en ese cine había una cola enorme para ver una película de Mario Brava. Mario Brava fue un reputado director de cine italiano de terror y uno de los máximos exponentes junto a Dario Argento de la denominada corriente de cine Il Giallo, basada en un característico estilo de películas de terror, suspense, misterios y asesinatos que se producían en Italia. Butler se fijó que la película que tenía esa cola tan larga para ser vista era I Tre Volti Della Pura (Las tres caras del diablo), proagonizada por Boris Karloff y cuyo título se había traducido al inglés como Black Sabbath. Al darse cuenta que la gente acudía en masa y pagaba por ver películas de terror, Geezer Butler decide escribir una canción a la que llama Black Sabbath, inspirado en una visión que había tenido sobre una figura encapuhada que se había postrado a los pies de su cama, y también en los trabajos del escritor ocultista Dennis Wheatley, autor de muchísimos best seller en las décadas de los 50 y 60. El grupo tenía claro ya el nombre de la banda: Black Sabbath. 

Para la composición de la música de la canción Blak Sabbath y de tantas otras que le seguirán y que acabarán marcando a tantos y tantos grupos posteriores que se ven influenciados por su trabajo, el grupo hace famoso el uso del tritono, también conocido como intervalo del diablo, quedando el tema con una música y unas letras muy oscuras. El tritono ya había sido rechazado en la época medieval por su dificultosa entonación, considerando su sonido muy siniestro, lo que hizo que ya en el Renacimiento fuera considerado como inestable y fuera rechazado por la mayoría de los teóricos y eruditos musicales. Butler, Iommi, Ward y Osbourne acaban de encontrar su propio y característico estilo, un estilo que apuesta por un sonido y unas letras más oscuras, y que va en contra de las corrientes musicales que imperan en ese momento, el folk, el flower power y la cultura hippie. 

En febrero de 1970, el grupo consigue publicar bajo la discográfica Vertigo, perteneciente a Philips Records, su primer álbum de estudio titulado Black Sabbath, grabado sólo en dos días con un presupuesto de 600 libras. En un principio el disco no consigue acaparar la atención de la crítica, pero poco a poco y con el tiempo el disco obtiene la certificación de platino en Estados Unidos y de oro en Reino Unido. Debido a la portada del disco y el estilo del grupo, éste recibe la fama de ser una banda satánica, llegando a ser invitados por una secta satánica para que tocara en uno de sus ritos en Stonehenge. La banda lógicamente se niega, pero al parecer son maldecidos por un integrante de la secta. Como medida de protección, el padre de Ozzy Osbourne les fabrica a cada uno de los integrantes una cruz de plata que deben llevar colgada del cuello a todas partes.

Para aprovechar el éxito que el disco ha tenido en estados Unidos el grupo se mete en el estudio en junio de 1970, y en septiembre de 1970 lanzan al mercado su segundo álbum de estudio, Paranoid. Las composiciones de los temas están dotadas de esa oscuridad tan característica del famoso tritono, y las letras de Paranoid se encargan de hablarnos de la parte más negativa y mala de la condición humana. Todas las composiciones de este álbum están acreditadas a los 4 componentes de la banda. Sobre el título del disco, el grupo lo quería llamar War Pigs, pero debido a presiones de la discográfica tuvieron que cambiarlo por Paranoid. De hecho la portada del álbum fue diseñada por Keith Macmillan y fue concebida para el título War Pigs, pues ilustra un cerdo con una espada y un escudo. Con Paranoid el grupo se acaba de sacar de la manga una auténtica obra maestra, un álbum que les posiciona a lo grande dentro de la élite musical y a la cabeza de de los grupos pioneros del heavy metal. 

El grupo inicia a partir de aquí una impresionante carrera que abarca desde 1968 hasta 2006, y posteriormente una reunión en 2011 y un gira de despedida que comienza en 2014 y que finaliza en 2017. El grupo nos ha dejado a lo largo de su historia un impresionante legado de 19 álbumes de estudio, 7 en directo, 1 EP y 45 sencillos editados. Black Sabbath a lo largo de los años también ha sufrido muchos cambios en su formación, y a los fundadores Geezer Butler (bajo), Bill Ward (batería), Tony Iommi (guitarra) y Ozzy Osburne (voz), hay que sumar miembros posteriores y colaboradores que han grabado o bien tocado en directo con Black Sabbat: Dave Walker (voz), Ronnie James Dio (voz), Geoff Nicholls (guitarra y teclados), Vinny Appice (batería), Ian Gillan (voz), Bev Bevan (batería), David Donato (voz), Eric Singer (batería), Dave Spitz (bajo), Jeff Fenholt (voz), Glenn Hughes (voz), Bob Daisley (bajo), Ray Gillen (voz), Jo Burt (bajo), Tony Martin (voz), Terry Chimes (batería), Laurence Cottle (bajo), Cozy Powell (batería), Neil Murray (Bajo), Rob Halford (voz), Bobby Rondinelli (batería), Mike Bordin (batería), Adam Wakeman (guitarra), Brad Wilk (batería) y Tommy Clufetos (batería). 

Por todo ello, creemos que Black Sabbath es un más que digno representante del país en cuestión, primero por ser una banda que buscó y encontró su propio estilo y sonido, después por ser una de las grandes bandas pioneras del heavy metal, y por último, por el legado y la influencia que la banda ha dejado en multitud de grandes bandas que posteriormente han aparecido en la escena del heavy metal a lo largo de los años. 

Un país, un artista: Portugal - Dulce Pontes

Dulce José Silva Pontes, nacida en Montijo, Portugal en 1969, localidad del distrito de Setúbal, cerca de Lisboa. Inicio una carrera como bailarina, pero en la escuela de danza pensaron que a los catorce años, era demasiado mayor para emprender una gran carrera, tomo la senda del canto y en un principio realizo trabajos para anuncios hasta que alguien descubrió que podía dar un paso mas y su voz podría hacer un mayor servicio a la música que a la publicidad. Se formó como pianista y participo en un concurso en su ciudad natal a la edad de 18 años, esto le sirvió para convertirse en actriz de televisión y el teatro portugués aunque sus sueños estaban en la música, fue asi como en 1991, ganó el festival nacional de música con su canción "Lusitana Paixão", que se traduce como "Pasion Lusitana", (conocida en inglés como "Tell Me"), lo que la llevó a representar a Portugal en el Festival de Eurovisión. Terminó octava en la competicion, que hasta la fecha es el cuarto mejor resultado para una intérprete portuguesa. Era la primera vez que Europa escuchaba cantar a Dulce Pontes, y desde ese momento su voz ya no pertenecía a los programas de televisión de los domingos por la tarde, donde cantaba música de los 60 y 70 en inglés.

Fue a partir de ese momento que su vida dio un giro. Dulce Pontes abandonó su repertorio de baladas de rock y se puso en marcha en busca de su propia identidad y repertorio. Se sumergió en las raíces de la música popular portuguesa, incluido el fado tradicional. Algunos rápidamente la vieron como la sucesora de la mítica Amalia Rodrigues, el alma del fado portugués, y de quien Dulce se confiesa una gran admiradora. Pero esta calificación resultaría errónea, como se demostraría con el paso de los años y el estilo musical que estaba desarrollando, lo que estaba haciendo era mucho más que reinterpretar lo que ya se había hecho. Su voz y su canto son únicos e inconfundibles, ya sea que cante rock, fado o una canción de Angola.

En 1992 lanza su primer disco Lusitana, y al año siguiente, lanza su segundo disco Lagrimas, Dulce Pontes se convierte en ciudadana del mundo. España, Francia, Bélgica, Holanda, Alemania, Italia, Estados Unidos, Japón, Brasil, Dulce Pontes estaba por todas partes, cantando en un idioma extraño para el espectador que acudía a verla en el escenario y lograba el milagro de demostrar que la buena música es un idioma universal. El álbum Lagrimas se convirtió en uno de los discos más vendidos de todos los tiempos en Portugal, y uno de sus temas "A cancon do mar", originalmente cantada por Amalia Rodrigues, llegó a Hollywood en la película "Las dos caras de la verdad", protagonizada por Richard Gere, y cuyo productor, Gregory Hoblit, incluyó la pista cuatro veces en la banda sonora de la película. Tuvo también la ocasión de grabar A Brisa do Coracao con el maestro Ennio Morricone. Tras este éxito publico un disco doble grabado en directo, Caminhos, en 1996, y O Primeiro Canto. Publica tambine un disco de duetos, donde están presentes cantantes como Andrea Bocelli, o los brasileños Simone y Caetano Veloso, y el gaitero Carlos Núñez de la vecina Galicia (España). Durante esos años, su vida giraba en torno a las giras, de concierto en concierto, de ciudad en ciudad, por todo el mundo. “Los conciertos son los momentos más felices e intensos de mi vida… Es la sensación de tener un regalo, tengo una razón para vivir mi vida ”.

En 2003, Dulce lanzó Focus, una colaboración con el compositor italiano Ennio Morricone. Un álbum doble en vivo titulado O Coração Tem Três Portas (El corazón tiene tres puertas) fue lanzado en 2006. Fue grabado en vivo sin audiencia en el Convento de la Orden de Cristo en Tomar y en la Iglesia de Santa María en Óbidos. En 2009, lanzó Momentos, una antología de doble disco que incluía temas inéditos.

Dulce Pontes comenzó su carrera como artista pop convencional, pero a lo largo de los años ha evolucionado hasta convertirse en una cantante de músicas del mundo. Combina el fado tradicional con estilos contemporáneos y busca nuevas formas de expresión musical. Introdujo tradiciones musicales de la Península Ibérica en su trabajo, redescubrió muchas melodías populares olvidadas y encontró uso para instrumentos musicales obsoletos. Su obra está inspirada e influenciada no solo por la tradición musical ibérica, sino también por los sonidos árabes, africanos, brasileños y búlgaros. Canta principalmente en su portugués nativo. Dulce Pontes ha colaborado con Cesária Évora, Caetano Veloso, Marisa Monte, Carlos Núñez, The Chieftains, Kepa Junkera, Eleftheria Arvanitaki, George Dalaras, Andrea Bocelli ( O Mar e Tu , a dúo de Pontes en portugués y Bocelli en napolitano, por su 1999 álbum Sogno) , Christopher Tin por sus álbumes Calling All Dawns (para la canción Se É Pra Vir Que Venha ) y The Drop That Contained the Sea (para la canción Passou o Verão ) y otros.

Un país, un artista: Panamá - Billy Cobham

Billy Cobham

     William Emanuel Cobham Jr., más conocido como Billy Cobham es un baterista de jazz panameño-estadounidense que saltó la fama a finales de la década de los 60 y principios de los 70 por acompañar primero a Miles Davis y posteriormente por ser uno de los fundadores de la maravillosa banda de jazz fusión The Mahavishnu Orchestra.

Billy nace en Colón, Panamá el 6 de mayo de 1944, y se muda con su familia a Nueva York cuando tiene únicamente tres años. El padre de Cobham trabaja como estadístico en un hospital y toca el piano los fines de semana, por lo que no es raro que Billy comience a tocar la batería a los 4 años y con 8 ya se una y acompañe a su padre en sus actuaciones. A la edad de 14 años es aceptado en la prestigiosa The High School of Music & Art de Nueva York y recibe su primera batería como regalo.

 

En 1965 es reclutado por el ejército estadounidense y toca en una banda de dicho ejército. Después del ejército fue miembro del quinteto del pianista, compositor y arreglista de jazz Horace Silver. Por aquella época también fue músico de sesión para los sellos discográficos Atlantic Records y CTI (sello discográfico de jazz). Por aquellos años Billy funda un grupo de jazz rock llamado Dreams, y realiza una gira con Miles Davis, grabando dos de sus álbumes Bitches Brew (1970) y A Tribute to Jack Johnson (1971). 

Es en 1971 cuando Billy y el guitarrista John McLaughlin, quienes tocan con Miles Davis, deciden dejar a éste para fundar The Mahavishnu Orchestra junto al bajista irlandés Rick Laird, el teclista checoslovaco Jan Hammer y el violinista estadounidense Jerry Goodman. El grupo abarca un amplio espectro de sonidos que abarcan jazz fusión, jazz rock, rock progresivo y funk entre otros. 

En 1973 Billy deja The Mahavishnu Orchestra y debuta con su primer disco en solitario, Spectrum, álbum que sorprende tanto a su sello discográfico como al propio Billy, ya que consigue alcanzar el puesto número 1 en la lista Billboard de álbumes de jazz y el el puesto 26 en la lista Billboard 200. El legendario baterista, a partir de ahí, inicia una brillante carrera en solitario que compagina con proyectos paralelos y que sigue hasta día de hoy. Una carrera que abarca 38 álbumes en solitario además de innumerables colaboraciones con artistas de la talla de Stanley Turrentine, Mose Alisson, Ray Baretto, George Benson, The Brothers Johnson, James Brown, Ron Carter, Stanley Clarke, Miles Davis, Richard Davis Gil Evans, Roberta Flack, Peter Gabriel, Quincy Jones, John McLaughlin, Carly Simon, Gábor Zsabó, y Randy Weston, Jack Bruce, New York Jazz Quartet, Jazz is Dead, Mark Almond y George Duke entre otros muchos. 

En 7dias7notas creemos que es un digno representante del país panameño este descomunal baterista que además de tocar la batería imparte clases en línea desde el año 2011 en Billy School of Drums, escuela englobada en la ArtistWorks Drum Academy. Grandes son la influencia y legado que Billy ha dejado a lo largo de los años con su magnífico estilo a la batería, y muchos son los músicos que le han señalado como claro referente, entre los que se encuentran, sólo por citar algunos, Keny Aronoff, Danny Carey, Jimmy Chamberlain, Thomas Lang, Opeth, Chris Pennie, Mike Portny, Sivamani, Bill Stevenson, Jon Theodore y Tony Thompson. 

Un país, un artista: Nueva Zelanda - Split Enz

 

Split Enz

     Si hablamos de Nueva Zelanda, uno de los grupos que nos vienen a la mente inmediatamente es Split Enz, grupo que mezclaba música rock, vodevil, swing, pop y punk, y que fue además el primer grupo Kiwi que se dió a conocer en Europa y América.

A principios de 1970 Tim Finn conoce a Johnatan Chunn en el Sacred Heart College, donde cursan sus estudios y se hace buenos amigos. Apasionados ambos por la música se dedican a escribir canciones, y cuando tienen un buen puñado de ellas escritas deciden formar un grupo junto a Noel Crombie, Philip Judd y Rob Gillies, todos estudiantes de arte de la Universidad de Aukland, y deciden llamarse Split Enz. En abril de 1973, gracias al amigo de la banda y primer mánager Barry Coburn, consiguen publicar su primer single, For You / Split Ends. El grupo comienza a tocar en diferentes programas de televisión a pesar de que que Philip Judd se muestra reacio. 

En 1974 se incorpora al grupo el tecladista Eddie Rayner "The Proof", quien además de permanecer en el grupo hasta el final fue determinante para la definición del estilo y el sonido del grupo. El grupo a partir de ese momento empieza a elaborar una estética que consiste en peinados, trajes y maquillajes muy llamativos, consiguiendo así provocar un gran impacto visual en sus actuaciones. Tim Finn y Phil Judd eran los encargados de crear canciones y Noel Crombie del diseño de trajes, carteles, insignias, etc,. El grupo empieza a añadir a sus conciertos elementos teatrales inspirados en el cine expresionista, el circo o el mundo gótico. 

En 1975 el grupo decide dar el salto a Australia, obteniendo una acogida irregular, pero para entonces ya se han convertido en un grupo de culto entre sus seguidores. La compañía discográfica Mushroom Records, sello independiente australiano, se fija en ellos y los contrata. Bajo este sello discográfico publican su primer álbum de estudio, Mental Notes, el cual sólo consigue alcanza un discreto séptimo puesto en las listas de ventas de Nueva Zelanda. A pesar de no conseguir despegar, el guitarrista y productos británico Phil Manzanera se ha fija en ellos y se muestra impresionado, ofreciéndose a producir su siguiente álbum en Londres. Así ve la luz su segundo disco, Second Troughs, publicado en Reino Unido y Australia. La extraña apariencia y sus controvertidas actuaciones desconciertan a la crítica y público británico mientras que en Australia y Nueva Zelanda van ganando cada vez más adeptos. 

En 1977 el grupo se embarca en una gira de 23 días por Estados Unidos con la idea de consolidar el grupo, pero sucede todo lo contrario, pues dos de los miembros fundadores, Phil Judd y Mike Chunn, deciden abandonar el grupo. Tim Finn decide entonces asumir más responsabilidad en el grupo. Los músicos son sustituidos por el bajista Neil Griggs y por el vocalista y guitarrista Neil Finn, hermano menor de Tim, quien con el tiempo acabará cogiendo las riendas del grupo junto a su hermano. Ese mismo año, 1977, el grupo publica su tercer álbum de estudio, Dizrythmia, grabado también en Londres, consiguiendo nuevamente un mayor éxito en Australia y pasando ciertamente de puntillas en Reino Unido. 

1978 es un año difícil para la formación, pues tienen muchas deudas y no pueden conseguir actuaciones ni contratos de grabación, sin embargo continúan ensayando y componiendo temas. El premio a tanta persistencia les llega con una subvención de parte del Consejo de las Artes de Nueva Zelanda. Gracias a esto consiguen grabar varios sencillos y publicar su cuarto álbum de estudio, Fenzy (1979), grabado en los Manor Studios de Oxford, Inglaterra. 

Pero será en 1980, con la publicación de su quinto álbum de estudio, True Colors, cuando consiguen un gran éxito. El disco es considerado como uno de los álbumes pop más importantes e influyentes de la historia de Nueva Zelanda. Incluido en True Colors se encuentra el sencillo I Got You, tema compuesto por Neil Finn y que además de su gran éxito en Australia y Nueva Zelanda sería el que les situaría en el plano internacional consiguiendo un gran éxito. La portada del disco fue editada en distintos colores, y la más reconocida en verde, naranja, blanco y negro. Para el diseño del dibujo del vinilo se utilizó la técnica llamada "laser-etching", que hacía que se reflejara la luz alrededor de la habitación donde sonara el LP, y además dificultaba su falsificación.

El grupo edita en 1981 su siguiente trabajo, Waiaita/Corroboree, el cual obtiene buenas ventas pero no se acerca a True Colors, que ha dejado el listón muy alto. A este disco le seguirá en 1982 Time and Tide, disco que se ve envuelto en cierta polémica, pues al tema incluido Six Months In A Leaky Boat, fue retirado de las radios inglesas al creer que era una crítica a la Guerra de las Malvinas, algo que el grupo siempre negó. En 1984 publican Conflict Emotions, disco que sería el último donde uno de los hermanos y fundador del grupo, Tim Finn, decide abandonar Esplit Enz, quedando al frente de una banda donde no quedaba ya ningún miembro fundador Neil Finn. Con Neil al frente el grupo publica Se Ya 'Round, disco concebido para ser la despedida de grupo. Éste útimo trabajo de la banda no obtiene demasiado éxito y es publicado únicamente en Australia, Nueva Zelanda y Canadá. Una vez acabado el proyecto de Split Enz, Neil Finn forma una nueva banda llamada Crowed House junto a  los australianos Paul Hester y Nick Seymour. 

Tras la separación, Split Enz han tenido varias reuniones a lo largo de los años 90, y posteriormente en 2006 y en 2008. La reunión de 2008 contó con la formación más exitosa de la banda, Neil Finn, Tim Finn, Noel Crombie, Eddie Rayner, Malcolm Green y Nigel Griggs. Durante los aproximadamente 12 años de vida, Split Enz consiguió convertirse en uno de los grupos más importantes de Nueva Zelanda y Australia, donde son considerados como un grupo de culto, además de conseguir abrir fronteras internacionalmente en países como Reino Unido, Estados Unidos y Canadá. 

Un país, un artista: Noruega, Turbonegro

Para el artista de Noruega, no puedo evitar recordar una visita a una tienda de discos del centro de Oslo, tarea obligada en todos y cada uno de los sitios en los que voy de vacaciones. Cuando le dije al chico de la tienda que buscaba discos de grupos de rock noruegos, no dudó un momento en ofrecerme en primer lugar el disco Apocalypse Dudes de Turbonegro. Y no solo me mostró el álbum, sino que lo puso en el equipo de sonido de la tienda para que pudiera escucharlo. Me bastaron sólo unas notas del tema de arranque (el épico Age of Pamparius) para que el disco dejara la tienda a buen recaudo en mis alforjas.

Turbonegro fue fundado precisamente en Oslo en 1989, con una primera formación en la que estaban el estadounidense Thomas Seltzer (conocido como Happy Tom) al bajo, Pål Erik Carlin (voz), Carlos Carrasco (batería) y Vegard Heskestad, Pål Bøttger Kjærnes (conocido como Pål Pot Pamparius) y Rune Grønn (conocido como Rune Rebellion) a las guitarras. Desde su nacimiento, y con una separación en 1998 que se prolongó hasta 2002, Turbonegro ha publicado una decena larga de discos de lo que ellos mismos denominan deathpunk, una mezcla de punk rock y hard rock con toques glam rock (no en vano en el disco Apocalypse Dudes rinden tributo a David Bowie con una potente versión de Suffragette City.

En 1989 graban su sencillo debut Route Zero, y en 1990, después de una gira por Estados Unidos, la banda sufre su primera reconversión con Thomas Seltzer pasando a la batería, Pål Bøttger y Rune Rebellion en las guitarras, Bengt Calmeyer (conocido como Bingo) al bajo y el fichaje de Harald Fossberg de la banda punk Hærverk como cantante. De esta nueva formación son el sencillo Vaya con Satan y el álbum Hot cars and spent contraceptives. La segunda formación durará hasta 1993, momento en el que el cantante abandona la banda aquejado de un cáncer, siendo reemplazado en el micrófono por Hans Erik Husby (conocido como Hank von Helvete).

En 1996 fichan al guitarrista Knut Schreiner (conocido como Euroboy) para sustituir temporalmente a Pål Pot Pamparius, y manteniéndose en la banda cuando éste retornó a Turbonegro un año después. Esta tercera formación es la que grabó Apocalypse dudes, considerado su obra cumbre, el disco que el dependiente de aquella tienda de discos de Oslo puso en mis manos y en el tocadiscos del local, descubriéndome a una banda de primer nivel, con influencias de grupos como AC/DC, Motorhead, Ramones, Iron Maiden e incluso el ya mencionado David Bowie.

Tras el mencionado adiós de 1998, deciden volver en 2002 y preparar el disco Scandinavian Leather que vería la luz en 2003. A partir de ahí, se suceden en igual medida los discos y las idas y venidas de miembros de la banda, y en 2010 hay un nuevo amago de disolución, pero acaban reflotándose una vez más en 2011, en una muestra más de que la nave Turbonegro sigue surcando los tempestuosos mares del hard rock, pese a estar más de una vez al borde del naufragio, llevando a bordo a los Colegas del Apocalipsis desde los tiempos remotos de la Era de Pamparius, preparados para la siguiente aventura que el destino les depare.

Un pais, un artista: Mozambique

 

Afric Simone (nacido como Henrique Simone, el 17 de julio de 1956) es un cantante, músico de Mozambique que entró en las listas europeas con su primer éxito "Ramaya" en 1975, al que siguió otra conocida canción "Hafanana" (1975). Fue muy popular entre 1975 y 1980 en ambos lados del telón de acero. Simone realizó una gira por la URSS, Polonia, la RDA y Checoslovaquia en el Bloque del Este. Nació en Brasil, de padre brasileño y madre de origen mozambiqueño, pero a la edad de 9 años (después de la muerte de su padre) él y su madre tuvieron que mudarse a su tierra natal Mozambique en la costa este de África, en Xipamanine en el la capital Lourenço Marques, ahora Maputo. Una vez, cuando apareció en el escenario de Maputo, su manager le pidió que fuera a Londres. Con sus primeros pasos en el mundo del espectáculo en Londres, acumuló una experiencia para dar el salto a otras capitales europeas. En plena Guerra Fría y en países como en la antigua Unión Soviética, República Democrática Alemana y Checoslovaquia, se rumoreó que Simone era un agente secreto y que tenía ciertas conexiones con los servicios secretos occidentales que al final no fueron probados. Adquirió experiencia haciendo conciertos en toda Europa. Tuvo suerte de que Eddie Barclay, el magnate discográfico francés, fuera a ver un espectáculo en París. Inmediatamente firmaron el contrato.

Afric Simone habla alemán, inglés, portugués, francés, español y varios idiomas africanos, sin embargo sus canciones están escritas en una mezcla de swahili y pocas palabras de otros idiomas. Esta idea resultó en una mezcla de su propia lengua materna. También se dice que Simone fue pionero en las artes del Break Dancing y Beat Boxing, como se puede ver en sus presentaciones en vivo, por ejemplo, en la presentación televisada de su canción Playa Blanca c. 1975. Simone es uno de los músicos africanos más destacados, siendo uno de los pocos músicos de etnia mozambiqueña que agotó las entradas para espectáculos en los principales lugares internacionales como L'Olympia , The Royal Albert Hall y el Carnegie Hall. Recientemente se instaló en Alemania (en Berlín) con una esposa rusa a la que conoció hace unos años en el festival de música "Discoteque 80's" en Moscú, y ha aparecido en programas de televisión en Francia, Italia, Alemania y Lituania.

 

DISCOGRAFIA

Individual

1974 - "Barracuda" / cara B "Hûmbala" Ariola 1974

1975 - "Ramaya" / "Piranha" (Barclay, BRCNP 40066)

1976 - Hafanana / "Sahara" (Barclay, BRCNP 40072)

1976 - Aloha-Wamayeh / "Al Capone" (Hansa, 17 586 AT)

1977 - Maria Madalena / "Aloha" (Barclay)

1977 - Playa Blanca / "Que Pasa Mombasa" Musart, MI 30387

1978 - "Playa Blanca" / Marabu (Barclay)

1980 - China Girl / "Salomé" (Barclay)

Un país, un artista: México - Carlos Santana

Carlos Santana

     En 1947 nace en Autlán de Navarro, Jalisco (México) Carlos Humberto Santana Barragán, más conocido como Carlos Santana. Carlos, que ya desde pequeño toca el violín, se empieza a interesar por la guitarra con 8 años, los mismos que tiene cuando en 1955 se muda con su familia a Tijuana, Baja California. Es en Tijuana donde bajo la tutela del guitarrista y precursor del rock en México Javier Bátiz, se dedica a estudiar guitarra y a emular a artistas como BB King, T-Bone Walker y John Lee Hooker. Después de estar fogueándose en multitud de localesde Tijuana, en 1961 decide seguir los pasos de su familia que ya se ha mudado a San Francisco, California (Estados Unidos), donde empieza a estudiar inglés y a sumergirse en el ambiente cultural y musical de la ciudad. Por aquél entonces la actividad cultural y musical en en el área de la Bahía de San Francisco, cuna del movimiento hippie, es frenética. En 1965 Carlos recibe la nacionalidad estadunidense.

     Nos encontramos en 1966, y Carlos decide dejar su empleo de lavaplatos para dedicarse por entero y perseguir su sueño, la música. Carlos era asíduo del mítico club Filmore East, y allí, con su sonido y su estilo tan personal consiguió llamar la atención del mismísimo dueño del local, Bill Graham, que quedó prendando la primera vez que lo escuchó en directo.  Animado por este hecho, Carlos Santana decide formar su primera banda, que tras más de cincuenta años en activo, sigue dando caña a día de hoy. La primera formación, y que sufrirá numerosos cambios a lo largo de la historia, estaba formada por David Brown (bajo), Marcus Malone (percusión) y Gregg Rolie (voz y teclados). Con esta formación consigue firmar un contrato discográfico con Columbia Records, y el grupo en principio se llama Santana Blues Band, nombre que le dura muy poco, pues acabará llamándose Santana. Es tanta la calidad que atesora la banda, que Bill Graham intercede y consigue que sean invitados a tocar en el Festival de Woodstock de 1969, y sin tener ningún disco ni material grabado todavía, si bien es cierto que por entonces estaban preparando su primer álbum pero todavía no había visto la luz. Santana tocaría en el mítico festival a mediados de agosto, y su primer álbum de estudio, titulado Santana, sería publicado el 30 de agosto de ese memorable año. Bendita la apuesta de Bill Graham.

     Este primer álbum, Santana es un diamante en bruto, y con sus siguientes trabajos, Abraxas (1970) y Santana III (1971), llega la madurez y el ascenso al éxito de la formación de Carlos. La banda se mueve como pez en el agua fusionando rock, jazz, ritmos latinos y ritmos africanos, convirténdose en precursores en aquella época de un estilo novedoso. En 1972 la banda Santana publica Caravanserai, disco marcado por un fuerte cambio musical orientado hacia el jazz. Si bien los ejecutivos de su compañía discográfica en aquel momento, CBS, advierten a Carlos que ese giro hará que las ventas se resientan, el álbum acabar alcanzando el disco de platino. !973 es un año iportante para Carlos Santana, pues obtiene los derechos legales del nombre de la banda Santana, haciéndose con el control total de la misma y renovándola.

     A Caravanserai le seguirán esa década Welcome (1973) y Borboletta (1974), que siguen la tendencia marcada hacia el jazz rock. En los siguiente trabajos de la década volverá a orientar su sonido más al rock y rock latino, Amigos (1976), Festivál (1977), Moonflower (1978) y Marathon (1979). Paralelamente en esa década, concretamente en 1972, Carlos se interesa en el trabajo de la banda Mahavishnu Orchestra, y de su guitarrista John McLaughlin. En 1973, Carlos Santana y John McLaughlin graban juntos el disco Love, Devotion, Surrender, con miembros de las bandas Santana y Mahavishnu Orchestra. En 1974 bajo el nombre Devadip (nombre que el gurú Sri Chinmoy dio a Carlos Santana. Carlos se había interesado por la meditación años atrás) publica en solitario Illuminations, disco orientado hacia el free jazz. Como Devadip publicará en solitario sus dos siguientes trabajos, Oneness: Silver Dreams - golden Reality (1979), orientado hacia el rock, y The Swing of Delight (1980), orientado hacia el jazz y el rock. 

     La década de los 80 siguió siendo muy prolífica artísticamente para Carlos, algo que no se vio reflejado en las listas de ventas. Con la agrupación Santana, durante esta década publica Zebop! (1981), disco que contiene el tema Winning, el último gran éxito comercial hasta bien entrada la década de los 90; Shangó (1982), Beyond Appearances (1985), y Freedom (1987), disco que se aleja del sonido más orientado hacia el pop rock de trabajos anteriores y se acerca al rock latino original que tantas alegría había dado a la banda. En solitario, ademas del anteriormente citado The Swing of Delight en 1980, publica dos álbumes más, Havana Moon (1983), donde Carlos recupera algunas de su primeras experiencias musicales cuando se encontraba en Tijuana, con versiones de temas de Bo Diddley y Chuck Berry, y cuenta con invitados de la talla de Booker T. Jones, The Fabulou Thunderbirds, Willie Nelson y la orquesta de mariachis de su padre. En 1987 compone la banda sonora de la película La Bamba, basada en la vida de uno de sus ídolos de juventud, Ritchie Valens; y en 1987 publica Blues for Salvador, dedicado a su por entonces esposa Deborah y su hijo Salvador, trabajo con el que gana un premio Grammy a la "Mejor interpretación de rock". Sin embargo ésta década no es muy prolífica en cuanto a ventas de sus trabajos, y Carlos, que cada vez se siente más presionado por las compañía discográficas para que componga material comercial de éxito, trata de apaciguar los ánimos de las mismas realizando colaboraciones aquí y allá con artistas de renombre. Pero todo tiene un límite y Carlos en 1990 finaliza contrato con Columbia Records, con la que ha estado ligado 22 años y ficha por Polygram.

     La década de los noventa verán el resurgir del éxito comercial del guitarrista mexicano. Durante esta decada con Santana publica Spirit Dancing in the Flesh (1990), el cual se asoma tímidamente en las listas de ventas y Milagro (1992), disco dedicado a la figura de Miles Davis y del productor Bill Graham. En 1993 se publica el álbum en vivo Sacred Fire: Live in South América, dedicado a la vida del líder campesino y activista de los derechos civiles estadounidense César Chávez, el cual alcanza el puesto número 181 en la lista Billboard Hot 200 de Estados Unidos. En 1994 publica fuera de la agrupación Santana el disco Santana Brothers, en colaboración on su hermano Jorge Santana y su sobrino Carlos Hernández. Los resultados de todos estos discos siguen siendo bastante escasos para las perspectivas tanto del artista como de la compañía Polydor, pero todo esto cambiará en 1999, cuando Clive Davis, de Arista Records, y que había trabajado con Carlos en su época en Columbia Records, le anima a que grabe un álbum con colaboraciones con artistas de renombre y que sean mayoritariamente jóvenes, artistas con gran proyección. El resultado es Supernatural, publicado por Arista 

Records en 1999, el decimoctavo álbum de estudio con su banda, y con el que rompe records. El disco cuenta con la colaboración de Dave Matthews, Everlast, Rob Thomas, Lauryn Hill, Cee Lo Green, Maná, Eagle Eye Cherry y Eric Clapton. En Estados Unidos consigue nada menos que quince certificaciones como disco de platino, gana nueve premios Grammy y tres premios Grammy Latino, llegando al puesto número uno en la lista Billboard, y manteniéndose en dicha lista durante doce meses. 

     La fórmula de hacer discos con colaboraciones con otros artistas y que resulta tan exitosa será repetida por la banda en Shaman (2002) y All That I Am (2005). En 2010 publica Guitar Heaven, el cual contiene versiones de tema como Back in Black (AC/DC) y Whole Lotta Love (Led Zeppelin). En 2012 sale Shape Shifter, que sigue la buena tendencia en la listas de ventas de todos sus trabajos a partir de Supernatural, disco que supone un punto de inflexión en la carrera del artista y de la banda. En 2014 retoma la fórmula de las colaboraciones con la publicación de Corazón, que cuenta con la colaboración de músicos latinos de la talla de Gloria Estefan, Juanes, Diego Torres, Wyne Shorter, Romeo Santos y Los Fabulosos Cadillacs. En 2016 Carlos reúne con los antiguos miembros de la banda de principios de la década de los 70 Gregg Rollie, Michael Carabello, Michael Shrieve y Neal Schon para publicar el álbum Santana IV y realizar una pequeña gira. Su último trabajo hasta la fecha, Africa Speaks, publicado en 2019, es producido por el mago de la producción Rick Rubin, y es un disco inspirado en el continente africano, con una fusión de estilos: rock, música latina, música africana y jazz. Para la grabación del disco se pusieron encima de la mesa un montón de artistas para hacer colaboraciones, pero Carlos eligió únicamente a dos, Laura Mvula y la cantante española Buika. 

     A toda la obra del guitarrista con la banda Santana y en solitario hay que sumarle la infinidad de colaboraciones que ha realizado con multitud de artistas durante sus más de cincuenta años de carrera. Una carrera donde Carlos también se ha acordado de los jóvenes, con los cuales no ha dudado en subirse a un escenario para ayudarles a dar sus primeros pasos en este difícil mundo, el de la música. La australiana Orianthi, o un jovencísimo y prometedor guitarrista de 12 años también australiano llamado Taj Farrant pueden dar fe de ello. Es Carlos Santana, sin duda, uno digno representante musical del país de México, sus más de 50 años de carrera con más de 100 millones de disco vendidos, diez premios Grammy y tres premios Grammy latino, y la innovadora fusión con su banda en los años 70 de rock, música latina, música africana y jazz le avalan. 

Un país, un artista: Z.W.M, La primera "banda punk" de Marruecos

Durante los años 70 y 80, el punk y el heavy metal se esparcieron con rapidez por la mayor parte del mundo, pero en Marruecos hubo que esperar a bien entrada la década de los noventa para encontrar rastros de bandas de heavy metal, y hasta mediados de la década de los 2000 para encontrar una banda de punk rock. Aquellos "pioneros" se llamaron Z.W.M ("Zlaq Wlla Moot", traducido como "deslizarse o morir", o "montar o morir", en referencia al mantra común de motociclistas, patinadores y deportistas de riesgo).

Z.W.M se formó en 2004 a partir de dos bandas anteriores llamadas Flowers y No Name. Ambas formaciones iniciales interpretaban versiones de canciones de grupos de punk y rock alternativo como Rancid, Green Day o NOFX, entre otros. Los componentes iniciales de la banda abandonaron sus grupos de origen insatisfechos con el camino que llevaban, y con el deseo de formar una banda de punk rock. Hablamos de Zohair Abdellaoui (voz principal), Mohammed Bousanna (bajo) Youness Jaberr y Amine Jalal (guitarras), Zakariah Bembaze (coros y percusión). Todos se conocían desde mucho tiempo atrás, del día a día de los barrios adyacentes de Rabat, Mabella y Youssoufia, y como el nombre del grupo indica, compartían también el gusto por el skate y los deportes de riesgo.

Zohair de ZWM

Al principio, continuaron con la dinámica de tocar versiones de canciones punk, pero al poco tiempo ya tenían algunas canciones propias, como "Crazy Love" o "Sorrow", temas de un marcado estilo "skate punk". Tras estas primeras canciones en inglés, se propusieron escribir canciones en árabe, y en concreto en darija, su dialecto local, algo a lo que ninguna banda de Marruecos se había atrevido anteriormente. Empezaron adaptando al árabe una versión del tema "Time bomb" de Rancid (rebautizado como "Marruecos"), y Zohair escribió una letra totalmente nueva, sobre la vida de los jóvenes de Marruecos y sus problemas sociales y de desempleo. Al tema de Rancid le siguieron las primeras canciones propias en darija.

El camino no fue fácil, y los sectores más conservadores se mostraron contrarios a la existencia de una banda de punk marroquí que cantaba en árabe, pero el grupo se lanzó a dar sus primeros conciertos en los alrededores de Rabat, organizados por asociaciones locales, y fue creciendo hasta conseguir participar en el concurso del Festival Boulevard, pese a las reticencias de los organizadores a incluir una banda de punk con canciones en árabe. No solo lograron participar, sino que ganaron el concurso del festival, lo que les consiguió mucha publicidad en las radios locales. Dos años después, en 2008, volvieron a tocar en el Boulevard, pero esta vez ya asistieron como grupo invitado, en un cartel en el que por primera vez participaban bandas de fuera de Marruecos como los franceses Dirty Fonzie, o grupos como Moon Spell, De La Soul y los escoceses The Exploited, con los que Zohair se unió en el escenario para interpretar el tema "Sex and violence".

Portada del disco MTKD

El siguiente paso fue empezar a trabajar en lo que querían que fuera su primer disco, "M.T.K.D." (siglas de su canción "Ma Tsibch Ki Dir", traducido como "No puedes hacer nada", y que habla de la impotencia de pertenecer a los estratos más bajos de la sociedad de su país). En un estudio de Casablanca, grabaron las dos primeras canciones, "Ila l’Hhegti l’Wednik Mangeha" y "Khalti l’Bitala", pero no quedaron satisfechos con el resultado. El estudio no tenía experiencia en grabaciones punk, y por miedo a que pudieran estropear el material, no dejaron que los músicos elevaran el volumen al máximo ni que utilizaran la distorsión en sus instrumentos, por lo que el sonido quedo excesivamente limpio y alejado del sonido crudo necesario para cualquier tema punk.

Ante este revés, decidieron que sólo conseguirían el sonido que querían para su disco si lograban grabar fuera de Marruecos. Habían actuado periódicamente en el salón de actos del Instituto Francés, y el director les ayudó a conseguir los visados para viajar a Francia. Allí completaron M.T.K.D., pero el disco no llegó a publicarse físicamente, y sólo lo hizo en formato digital en 2012, quedando sólo disponible en webs de descargas y streaming en Internet (por ejemplo Youtube.com). 

Con la ayuda del Director del Instituto Francés, consiguieron visados de mayor duración y acabaron estableciendo el centro de su actividad en Toulouse, dónde participaron de la escena punk francesa del momento. Llegaron a actuar como teloneros de la banda de rock francesa Parabellum, pero las esperanzas de publicación física de M.T.K.D u otros nuevos trabajos se fueron diluyendo, y sus miembros se fueron bajando poco a poco del carro para buscar trabajos más estables, hasta llegar a la separación (casi) definitiva.

Pongo el "casi" entre paréntesis, porque finalmente volvieron a juntarse y a reflotar la banda como trío en 2014, con Zak a la batería, Amine al bajo y Zohair a la guitarra y voz, y tuvieron la ocasión de regresar a Marruecos en 2016 para actuar en el festival Hardzazat. En 2019, la versión física del disco M.T.K.D vio por fin la luz en formato CD, quedando por fin como legado musical de una banda de auténticos "pioneros", todo un ejemplo de superación ante la adversidad, y de la persecución incansable de un sueño, hasta acabar contradiciendo el "no puedes hacer nada" con el que titularon el disco. Sí que se puede.

Un país, un artista: Malta - Abysmal Torment

 

Abysmal Torment

     Abysmal Torment es un banda de death metal de Malta, y fue fundada en el año 2000 por Nick Farrugia. El grupo actualmente está compuesto por Nick Farrugia (voz), Melchio Borg (voz), David Depasquale (guitarra), Max Vasallo (batería) y Claudio Toscano (bajo).

Los orígenes de la banda se remontan al año 2000, cuando surge como una banda de death metal extremo, bajo el nombre de Molested. El grupo se caracteriza por hacer una música tocada a gran velocidad, con multitud de riffs técnicos y por el dúo de voces guturales de sus dos vocalistas. En cuanto a la temática de los temas del grupo, estos se caracterizan por la opacidad y oscuridad de sus mensajes, que a menudo incluyen temas de muerte y sangre. 

El primer concierto de cierta entidad que la banda realiza es en el años 2002, pero no será hasta el año 2004 cuando consigan grabar su primer material de estudio, concretamente un EP autoeditado por la propia banda llamado Incised Wound Suicide. Dicho álbum consigue críticas bastante positivas, lo que le le vale para firmar un contrato de tres años con el sello Underground Brutal Bands de los Estados Unidos. Lo primero que hace dicho sello es reeditar Incised Wound Suicide y relanzarlo al mercado ese mismo año.

En febrero de 2006, la banda publica con Brutal Bands su primer disco de larga duración, Epoch of Methodic Carnage. El lugar elegido para grabar son los Temple Studios de Malta, lugar donde ya habían grabado su primer EP. El disco fue distribuido por los principales sellos discográficos por Europa, Estados Unidos y el resto del mundo. Parecía que las cosas iban sobre ruedas para el grupo, pero en el año 2006 sufren un importante revés al ver como tienen que cancelar por completo la gira americana que tienen contratada, además de varios festivales de importante entidad. A mediados de 2007 el grupo conseguirá revertir la situación al conseguir tocar en un importante festival en Italia, y posteriormente tocar en 23 fechas más por Europa, encabezando importantes festivales como Ludwigshafen Deathfest o el Slovak Deathfest. 

El grupo sigue asentándose como una importante banda dentro de la escena del death metal y graba su siguiente disco de larga duración, Omnicide. El disco es publicado y lanzado bajo el sello Brutal Bands en 2009, y vuelven a embarcarse en una gira que les llevará por varios países europeos, incluidos varios de los mejores festivales de la escena del death metal de Alemania y Suiza.

En 2014 la banda publica bajo el sello discográfico Willowtip Records su tercer álbum de estudio de larga duración, Cultivate the Apostate. Seguidamente a la publicación del disco la banda, como es habitual se embarca en numerosas giras y conciertos por Europa, batiéndose el cobre en numerosos festivales y asentándose dentro del género. En 2018 la banda repite con el sello discográfico Willowtip y publica su siguiente trabajo y último hasta la fecha, The Misanthrope. Con este disco la banda da un giro de tuerca a su estilo y decide endurecer su sonido utilizando guitarras de ocho cuerdas, lo que da más dureza y profundidad a su sonido.

Abysmal Torment ha jugado un importantísimo papel para el establecimiento y difusión del death metal en su país de orígen Malta, y es, en definitiva, una interesante banda que no debes perder de vista si te gusta este género musical.

Un país un artista: Madagascar - Les Surfs

 

Les Surfs

     Si hablamos de música en Madagascar, inmediatamente nos viene a la cabeza Les Surfs, un grupo que se hizo muy popular durante la década de los 60 en el mundo francófono y de habla hispana.

La formación del grupo se gesta cuando cuatro hermanos y dos hermanas, Coco, Pat, Rocky, Davis, Monique y Nicole, se juntan a finales de los años 50 bajo el nombre de Rabaraona Brothers and Sisters, y participan en octubre de 1958 en un concurso de canto organizado por Radio Tananarive. En el concurso interpretan las canciones de The Platters "Only You" y "The Great Pretender", y ganan el primer premio. A partir de ahí empiezan a actuar bajo el nombre de The Beryl y realizan una gira con Henry Ratsimbarazy ans the CCC. En ese periodo graban sus tres primeros sencillos, Little Flower, Marin y The Three Bells.

En septiembre de 1963 son elegidos para representar a Madagascar en la inauguración de la segunda cadena de la televisión francesa. En aquella actuación se ganan la simpatía la aceptación del público francés, lo que provoca que, a instancias de Jean-Louis Rafidy, quien se convierte en su representante, sean inmediatamente contratados por Roger Marouani para el sello discográfico Disques Festival con la intención de hacerles grabar un sencillo inmediatamente. 

Con un contrato en el bolsillo, deciden cambiar el nombre del grupo, pasando a llamarse Les Surfs, en honor al nuevo ritmo, el surf rock, que había hecho aparición en aquellos años. Su primer éxito fue Reviens Vite et Oublie, lo que les permite hacer una gira junto a la cantante francesa Sheila. Pero su mayor éxito y más recordado es la versión que hicieron del tema Be My Baby / Tú serás mi baby, con el que alcanzaron una gran repercusión en los países de habla hispana. Esto sumado a su creciente popularidad en Francia, donde ya son considerados por ídolos por la juventud, les permite realizar giras por Europa (Francia, España, Italia, Rumania), Oriente Medio, África y América. 

También participaron en cuatro ediciones del Festival de San Remo, tres veces en el Festival de Montreux de Suiza, y realizaron varias incursiones en la televisión, lo que les valió para ganar más popularidad todavía en países como España, Italia y Alemania. 

La aventura de los seis hermanos se da por concluida en 1971 tras una gira por Antillas y Canadá. Los motivos: los hermanos han formado sus propias familias y las modas musicales cambiantes han limitado us actuaciones musicales. Si bien, posteriormente algunos prosiguieron realizando música, como Monique y Rocky, que formaron el dúo Rocky et Monique (1979-1982), o la misma Monique, que en 1989 se reunió con cuatro de su hermanos (Roland, Remy, Luc y Dominique) y se lanzaron a actuar bajo el nombre de Surfs-Feedback. Tras la muerte de Monique (19939 y Nicole (2000), Rocky siguió actuando en solitario como Rocky des Surfs, y más tarde reformaría el grupo Les Surfs bajo el nombre Les Surfs2, integrando a sus hermanos Dady, Dominique y Luc, y a sus dos sobrinas Jackya y Mirana. 

Aunque su carrera como Les Surfs abarca desde 1963 hasta 1971, se puede decir que realmente la carrera de estos hermanos de Antananarivo, la capital de Madagascar, comenzó en 1958 bajo el nombre de Rabaraona Brothers and Sisters.

Un pais, un artista: Lituania - Alina Orlova

Alina es de ascendencia polaca (padre) y rusa (madre). Su padre, un polaco lituano, nació en Lituania y su madre en Voronezh. Más tarde, sus familias se trasladaron a Kazajstán y vivieron en la misma casa. Después del matrimonio se trasladaron a Lituania, a la ciudad de Visaginas que daba servicio a la central nuclear de Ignalina, donde el padre de Alina fue a trabajar. La ciudad tenía una población predominantemente rusa, la familia de Alina hablaba ruso, pero Alina y su hermano fueron enviados a la única escuela de habla lituana de la ciudad. Cuando se le preguntó sobre su origen étnico (en 2010), Alina dijo que definitivamente no se sentía lituana o rusa, pero que su mentalidad era definitivamente báltica. En su infancia fue a una escuela musical especial y tocaba el piano.

Orlova compone sus propias canciones y realiza versiones de versiones de otros músicos. Por lo general, actúa en tres idiomas: lituano, ruso e inglés. La fama de Orlova precedió a su primer álbum de estudio cuando recibió un premio de música alternativa A.LT en su país de origen, mientras que al mismo tiempo también fue nombrada "Revelacion del año 2006". Su canción Nesvarbu fue votada por los lectores de la popular revista juvenil lituana Pravda como el mejor debut del año.

El primer album de Alina no es oficial, "publicado" en 2005 es simplemente una serie de demos, acytuaciones y versiones en vivo de sus canciones. Ya en 2008 salió a la venta Laukinis Šuo Dingo el primer álbum de estudio de la cantante lituana. El título del álbum está tomado de la obra homónima de Ruvim Fraerman, pero el título contiene un juego de palabras: su traducción exacta del lituano es "The Wild Dog is Lost" (mientras que el título del libro de Fraerman sería más correcto para escribir en lituano como Laukinis šuo dingas). La mayoría de las composiciones del álbum se interpretan en lituano, pero la cantante cantó dos canciones en ruso (Sleep and Tired Sun) y varias en inglés (Twinkle, Twinkle Little Star; Love Song; Transatlantic Love) en él Orlova escribe los poemas más maravillosos, tuvo la suerte de nacer con una hermosa voz. "Laukinis šuo dingo" es un álbum imperfecto, algo ingenuo, pero sorprendentemente tierno y conmovedor, lleno de una especie de tristeza frágil y ligera, como una despedida del verano o de la infancia. 

En 2010 publica Mutabor y se basa en el cuento de Wilhelm Hauff "La historia de la cigüeña califa". "Mutabor" es un hechizo mágico mediante el cual una persona puede convertirse en cualquier animal. Alina Orlova comenta el título del álbum de la siguiente manera: “Me gustan las transformaciones, esta es una forma de perder la paciencia. Siempre hay transformaciones en la vida, esto es movimiento ".El álbum se presentó el 9 de septiembre en el club Cosmonaut de San Petersburgo y el 10 de septiembre en la Casa Central de Artistas de Moscú. Presenta una composición más madura y arreglos más sofisticados y profesionales. Donde en "Laukinis šuo dingo" solo hay un piano desnudo, solo ocasionalmente acompañado por violines estridentes, aquí hay arreglos de estudio completos; Aparecen tambores (en "Laukinis" presentado solo en forma de un loop de batería sin pretensiones pero inesperado en "Slepynes"), Orlova (o su productor) no desdeña los efectos especiales electrónicos - como resultado, las comparaciones se vuelven inevitables no solo con Tori Amos y Regina Spektor, pero y con, por ejemplo, Bjork o Kate Bush y realzado por letras surrealistas y una dirección general de fantasía freak-folk. El sabor "eslavo" se ha desvanecido y casi ha desaparecido; por el contrario, el álbum salió con un sentimiento muy "europeo" parece que podría ser un album procedente de Francia o Suecia. En una palabra, si "Laukinis šuo dingo" es la actuación amateur de una chica tan dulce, conmovedora por su ingenuidad e imperfección, entonces "Mutabor" es una obra completamente pensada y profesional. ¿Es esto bueno o malo, y la música de Alinina ha perdido algo de su encanto, junto con esa espontaneidad tan ingenua? No lo sé. Pero el disco es bastante decente.

En 2015 publica 88, en este álbum, la música pop electrónica ha reemplazado el sonido acústico habitual. El álbum incluye diez canciones completamente nuevas en tres idiomas: inglés, lituano y ruso, y Alina hizo la portada ella misma. "88" es un número que simboliza el año de nacimiento de Alina y el doble infinito. En el tercer disco, la chica empezó a sonar más de moda, y, sin embargo, Alina, tal vez, no encaja realmente en este sistema en bucle; tal vez sea más un sentido "bjork": hágalo usted mismo, su propia personalidad como el prisma principal de la creatividad, etc. solo que esta personalidad es bastante común, por supuesto, agradable, dulce, probablemente llena de méritos, pero aún así bastante predecible, y esta eterna pregunta incómoda: ¿puede la música ser simplemente acariciar melodiosamente tus oídos y engrosar tu cerebro? 

Amanecer publicado en 2018 estuvo acompañado de un largo período preparatorio. “Mi nuevo álbum es el punto. Con ellos quiero cerrar mi "ciclo juvenil", que me lleva desde hace una década. - dice Alina. - Siento que este período ha pasado. Tienes que hacer algo nuevo. O hazlo de otra manera. O de alguna manera cambiar tu vida por completo ".