sábado, 16 de marzo de 2024
1171.- Sweet Home Alabama - Lynyrd Skynyrd
viernes, 15 de marzo de 2024
1170.- Romance de Curro el Palmo - Joan Manuel Serrat
De todas las canciones de Serrat el «Romance de Curro el Palmo» es tal vez una de las más cautivadoras y tiernas. La historia que cuenta, digna de un poema de Lorca, a través de unos hexasílabos impecables, no es más que la desgracia de un hombre vulgar, alguien que se enamoró de la persona equivocada, y que ese mismo amor llevó a la tumba. El ambiente que consigue crear Serrat en la primera parte de la canción, nocturno, de fiestas y bailes, se contrapone al dolor del protagonista. La belleza de las estrofas finales no puede dejar de sorprender, porque Curro, como ya expresaría Quevedo, sigue amando más allá de la muerte, como polvo enamorado, y sigue sufriendo. Pero la historia no pasaría de ser una hermosa canción si no fuera por ese estribillo que nos hace temblar de emoción.
En 1974 se editaba esta magnífica copla en un disco titulado “Canción infantil”, su epopeya literaria no resulta excesiva cuando se entiende necesaria para el desarrollo del argumento, la pieza se inicia con una introducción-marcha que nos recuerda a los grandes clásicos, cuenta la historia entre Merceditas y un personaje popular llamado El Palmo (por ser palmero de los tablaos flamencos). Curro El Palmo sufre de amor por Merceditas y deja clara evidencia de ello en algunos versos que dicen: “Ay mi amor / que me desvela la verdad / entre tú y yo la soledad / y un manojillo de escarcha”. Curro acaba intentando olvidarla dándose a la bebida, pero el final es trágico. El Palmo muere tras saber que Merceditas se va con otro y Serrat nos lo cuenta: “Quizá fue la pena / o falta de hierro / el caso es que un día / nos tocó ir de entierro”.
Además Serrat revela un paisanaje muy concreto: una galería de personas que casi pueden verse a lo largo de los más de siete minutos de duración de la canción, todos del mundo del flamenco, una muestra de giros, expresiones e incluso gramática propios del andaluz. Por ejemplo, que el tablao de la canción sea propiedad de un tipo apodado "El Lacio" llama la atención: un hombre lacio, en andaluz, es un tipo soso, sin gracia de poco espíritu. "Alcahuete", palabra andaluza de origen árabe, sí, "alcahuete noble". ¿Se puede ser alcahuete y noble a la vez? luego está la bella sentencia con la que "Merceditas" despacha al Palmo: "Carita gitana, ¿cómo hacer buen vino de una cepa enana?". ¿Se puede tener más arte?. Serrat se recrea en estos dos personajes. Por un lado, la mujer del guardarropa, una belleza española, la imaginamos, de mediado el siglo XX, descarada y muy suya. Por otro, ese pobre cantaor, palmero de los grandes, de segunda fila y que "no hizo la mili por no dar la talla", pobre Curro. Se nos presenta el arquetipo de señorito andaluz, un médico que no es buen médico, y que su fortuna la ha conseguido gracias al contrabando, con esa imagen del Rolls Royce tan añeja. A la par, el Palmo va palmando, va muriéndose, y lo hace al son de soleares, el palo trianero del flamenco sobre el que Serrat había levantado una de sus primeras canciones y que tanto gustaba a los hermanos Machado. La pena negra andaluza, tan bien retratada por Lorca, tiene aquí su culmen: un entierro, con falsas lágrimas, con su "cajita", sus pésames y sus flores. Para culminar con una expresión también muy andaluza: se va todo de frente y luego te metes a mano derecha, suele decirse para dar una indicación a alguien. Allí, donde nos dice Serrat, sigue el Palmo, ya muerto, con un mito como Frascuelo, haciendo lo que probablemente sólo hacía bien en vida: dando palmas entre cantares por celestiales. Por cierto, se dice, se comenta que, aunque Curro El Palmo es un personaje inventado, Serrat se inspiró en el Nano de Jerez para llevarlo a la canción.
No querría despedirme sin hacer referencia a la enorme versión que hizo Antonio Vega, tengo debilidad por él y las dos versiones rallan a una altura sublime.
Disco de la semana 369: Payin' the Dues - The Hellcopters
Payin' th Dues, The Hellacopters |
Payin' the Dues es el segundo álbum de estudio de la banda sueca The Hellacopters, y el último que presenta a su guitarrista fundador Dregen antes de su salida de la banda para centrarse a tiempo completo en su otra banda, Backyard Babies. Fue grabado en febrero de 1997 en los Sunlight Studios de Esctocolmo, Suecia, bajo la producción del propio grupo, de Andrew Shit y de Tomas Skogsberg, y publicado el 1 de octubre de 1997 por el sello discográfico White Jazz Records. Fue lanzado simultáneamente tanto en CD como en vinilo, sin embargo la canción City Slang únicamente estaba disponible en la edición de vinilo. Las ediciones iniciales fueron de 2000 unidades de humo transparente y 2500 unidades de vinilo violeta. Posteriormente estuvieron disponibles dos ediciones adicionales en dos versiones diferentes de vinilo negro.
El disco obtuvo críticas positivas por parte de la prensa especializada, y la banda realizó un gira por Escandinavia para promocionar el álbum, que les llevó por Suecia, Dinamarca y Noruega. Payin' the Dues fue relanzado en Estados Unidos en octubre de 1999 con un disco adicional de pistas extras en vivo, la cuales fueron grabadas en The Starfish Room en Vancouver el 28 de mayo de 1999 y contaron con Scott Morgan como invitado especial.
La banda había comenzado en sus inicios con un sonido que se movía entre un punk y un speed metal muy agresivos. Disco a disco y con el tiempo The Hellacopters fueron evolucionando hacia un rock and roll menos cacofónico, más clásico y más elegante, y Payin' the Dues marcó el inicio de esa transición, con un sonido y un estilo entre punk y el metal, y todo ello con una gran solvencia musical. De hecho estamos ante un álbum que apenas llega a los 30 minutos de duración, y no nos vamos a aburrir en absoluto con la descarga que nos espera. Todas las canciones están acreditadas a la banda, y vamos a poder disfrutar de temazos como You Are Nothin, Hey!, Where the Adcition o Soulseller.
Desde el primer acorde, el álbum desata una tormenta de riffs abrasadores, ritmos contundentes y melodías contagiosas que llevan a los oyentes en un viaje nostálgico a la época dorada del género. Desde el principio del álbum y hasta el final, la banda realiza toda una declaración de intenciones, con su energía implacable y su actitud desafiante. La voz ronca y poderosa del vocalista Nicke Andersson se eleva sobre la cacofonía de guitarras distorsionadas y la sección rítmica implacable, creando una sensación de urgencia palpable que se mantiene durante todo el álbum.
A lo largo de Payin' the Dues, el grupo demuestra su habilidad para fusionar influencias clásicas con un enfoque moderno y fresco. A lo largo de todo el disco canalizan la ferocidad del garage rock de los años 60, siendo capaces de añadir en otros momentos un toque de psicodelia y experimentación sónica. Otra de las cosas que hace que Payin' the Dues sea verdaderamente notable es su sinceridad y autenticidad, en un momento en que el rock comercial estaba dominado por sonidos pulidos y producciones excesivamente elaboradas, The Hellacopters optaron por abrazar la crudeza y la imperfección. Este enfoque se refleja en la producción del álbum, que captura la energía cruda y la intensidad visceral de la banda en su forma más pura.
A pesar de su lanzamiento hace más de dos décadas, su influencia se extiende mucho más allá de su país de origen, sirviendo como inspiración para una nueva generación de músicos que buscan mantener viva la llama del rock and roll. Payin' the Dues es un recordatorio de que, incluso en un mundo en constante cambio, nos queda el poder del rock and roll para emocionar, inspirar y liberar. Y una última reflexión, ante este gran trabajo uno tiene que preguntarse que hubiera pasado si esta banda en vez de sueca fuera estadounidense.
jueves, 14 de marzo de 2024
1169.- Señora azul - Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán
Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán o CRAG fue un grupo de música de los años 70 de la vertiente del pop, rock, el grupo nació en 1974 con la disolución del grupo Solera, donde se encontraba Rodrigo García y José María Guzmán, Juan Robles Cánovas había estado tocando la batería con Franklin y Adolfo Rodríguez había sido cantante de Los Íberos. Con un nombre así es difícil ocultar las influencias de Crosby, Stills, Nash & Young, al igual que ellos tenían categoría y cualidades como músicos y como cantantes, y al igual que ellos, sus personalidades chocaron provocando la disolución del supergrupo a la española. Sus primeros singles ('Sólo pienso en ti', 'Señora azul') fueron destacables y prometedores, así lo reconoció la crítica, aunque no el público. Y lo mismo sucedió con sus elepés: 'Señora azul' (1974) y 'Queridos Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán'. Sus canciones eran más elaboradas e intimistas de lo habitual en la época, y seguramente la promoción no fue la adecuada y su actitud con el público demasiado estelar.
"Señora Azul" es una pieza emblemática que forma parte del álbum homónimo lanzado en 1974, compuesto por Juan Carlos Calderón y arreglado por el propio grupo, destaca por su poesía lírica y su melodía cautivadora y presenta una narrativa enigmática que evoca imágenes sugerentes y emotivas. La letra describe a una figura femenina misteriosa, la "señora azul", que encarna la nostalgia y la melancolía, a través de metáforas poéticas y una prosa cuidadosamente elaborada, la canción invita al oyente a sumergirse en un mundo de sueños y deseos insatisfechos. La ambigüedad del texto permite interpretaciones diversas, desde la representación de un amor perdido hasta la personificación de un estado de ánimo introspectivo. José María Guzmán comentó lo siguiente en una entrevista:
“En 1974 dijeron que si era un tema contra la censura. Pues no, la letra habla de los críticos musicales, esas personas que ven los toros desde la barrera y que hacen todo lo posible por joderte la vida. Esos con un ego sin medida”. Y periodistas mal informados llegaron a decir que “apuntaba a un falangista, pero cuya bilis parece que se derramaba sobre algún ejecutivo discográfico”.
Musicalmente se distingue por su elegante armonía y su refinada instrumentación, la melodía con sus acordes suaves y su ritmo envolvente, crea una atmósfera de serenidad y contemplación, los arreglos vocales de CRAG añaden una capa de profundidad emocional a la interpretación. En el contexto de la música española de los años 70, "Señora Azul" representa una síntesis única de influencias internacionales y tradiciones locales. CRAG, junto con otros grupos de la época, contribuyó a la revitalización del pop español, incorporando elementos de rock, folk y música clásica en su obra. Este tema ha dejado una marca perdurable en la historia de la música española, siendo reconocida como una de las canciones más emblemáticas del repertorio nacional, su influencia se ha extendido más allá de España, llegando a audiencias internacionales y la canción ha sido versionada por Alejo Stivel.
miércoles, 13 de marzo de 2024
1168 - Invisible - Jugo de Lucuma
Red Hot Chili Peppers - One Hot Minute (Mes Red Hot Chili Peppers)
martes, 12 de marzo de 2024
1167.- Don't Eat the Yellow Snow - Frank Zappa
Don't Eat the Yellow Snow, Frank Zappa |
Apostrophe es el sexto álbum en solitario y el decimoctavo en total del polifacético músico Frank Zappa. El material del disco fue grabado entre 1969 y 1974 entre los Electric Lady Studios de Nueva York, Bolic Sound de Inglewood, California y los Paramount Recording Studios de Hollywood, California. Fue producido por el mismo Frank Zappa y publicado el 22 de marzo de 1974 por el sello discográfico DiscReet Records. Apostrophe fue grabado tanto en formato estéreo como cuadrafónico. Este trabajo llegó a alcanzar el puesto número 10 en la lista estadounidense Billboard 200, convirtiéndose en el mayor éxito comercial de la carrera de Zappa. Como pasó en muchos álbumes de Zappa, Apostrophe fue una mezcla de grabciones recientes con otras de archivo; La cara A de Apostrophe y el álbum Over-Nite Sensation se grabaron simultáneamente. Las canciones de la cara B proceden de varias versiones de 1972 con sobregrabaciones grabadas en 1973 y 1974, excepto Excentrifugal Forz, donde la pista de batería provino originalmente de las sesions de Hot Rats (1969), y Stinkfoot, donde la pista original de donde surgió, The Bass & Drum Song, data de las sesiones de Chunga's Revenge (1970).
Incluido en este disco se encuentra la canción que abre el mismo, Don't Eat the Yellow Snow, que llegó a ocupar el puesto 86 en las lista estadounidense Billboard Top 100. En esta canción Zappa nos relata una historia sobre el sueño de ser un bebe esquimal. Esta canción es el comienzo de una historia que continúa con las canciones que siguen, Nanook Rubs It y St. Alphonzo's Pancake Breakfast. Las tres canciones se combinan para contarnos la historia completa del anhelo de Zappa. Zappa se llama a sí mismo Nanook, nombre que proviene de una leyenda del pueblo Inuit. La leyenda es todo un homenaje a la supervivencia humana y en concreto al pueblo Inuit, reflejado en el personaje de Nanook, un simple esquimal que luchaba por sobrevivir y ganarse la vida. Zappa menciona en la historia haber tomado represalias contra un cazador de pieles en venganza por el abuso que éste había hecho contra una cría de foca. Las crías de foca fueron la causa de movimientos de celebridades a mediados de la década de 1970, junto con la difícil situación de las ballenas y la matanza de animales en general por su cotizada piel, lo que convierte esta la canción en otra brillante sátira social de Zappa.
lunes, 11 de marzo de 2024
1166 - ABBA - Waterloo
domingo, 10 de marzo de 2024
1165 - Chicago - (I've Been) Searchin' So Long
Red Hot Chili Peppers - Mother's Milk (Mes Red Hot Chili Peppers)
Mother's Milk, Red Hot Chili Peppers |
Tendrían que esperar Red Hot Chili Peppers hasta su cuarto álbum de estudio para recibir la atención de la crítica y del público. Sería con Mother's Milk, con el que llegarían a alcanzar el puesto número 52 en la lista estadounidense Billboard 200, siendo además su primer disco en alcanzar el Disco de Oro. Fue grabado entre noviembre de 1988 y marzo de 1989 en los Ocean Way and Image Studios de Hollywood bajo la producción Michael Beinhorm, y publicado el 16 de agosto de 1989 por el sello discográfico EMI Records.
Después de la muerte del guitarrista fundador Hillel Slovak y la posterior salida del baterista Jack Irons, el vocalista Anthony Kiedis y el bajista Flea se hicieron con los servicios del guitarrista John Frusciante y el baterista Chad Smith. La influencia de Frusciante en el grupo será fundamental a partir de aquí, pues además de tocar la guitarra compone, y en este álbum el sonido de la banda empieza a sufrir variaciones, poniendo más énfasis en la melodía que en el ritmo, el cual había predominado hasta entonces. La llegada del productor Michael Bienhorm favoreció un sonido con riffs de guitarra orientados hacia el heavy metal y las sobregrabaciones, hecho que produjo contínuas confrontaciones entre el productor y el grupo, espcialmente John Frusciante, quien consideraba excesivo el gusto de Bienhorm por las capas y las sobregrabaciones.
Hasta la grabación de este disco, el grupo tuvo que recorrer un tortuoso camino. Slovak había muerto por sobredosis de heroína y el resto de la banda se encontraba en shock. A raíz de este hecho, el baterista Jack Irons, desolado e incapaz de afrontarlo, decide renunciar. Kiedis y Flea se encontraban devastados también, pero deciden continuar a pesar de la pérdida de Slovak y de la renuncia de Irons. En septiembre de 1988 eligen al guitarritsa DeWayne "Blackbyrd" McNight, amigo de George Clinton y ex miembro del grupo Parliament, para sustituir a Slovak, y para sustituir a Irons se decantan por el baterista DH Peligro, ex miembro del grupo de punk rock Dead Kennedys. Esta nueva formación no cuaja, ya que después de tres conciertos deciden despedir a McNight ya que no encaja en la banda. McNigiht no se lo tomó muy bien, pues amenazó con quemar la casa de Kiedis. En octubre de 1988 Kiedis y Flea deciden apostar por un joven adolescente llamado John Frusciante, quien ya había coincidido anteriormente con Flea. Flea lo había dirigido en una audiión para la banda Thelonius Monster. Frusciante era un gran fan de Red Hot Chili Peppers y era muy disciplinado, pero hasta entonces no había tocado nada de funk. Será Flea quien le enseñe todo lo que necesite saber sobre el género a parte de estudiar la forma de tocar de Slovak.
Con Frusciante ya en la banda el grupo se embarca en una pequeña gira y empieza a trabajar en el siguiente album. Sin embargo deciden prescindir de Peligro, quien hasta el momento ha ayudado a coescribir Stone Cold Bush, Taste the Pain y Sexy Mexican Maid para el nuevo disco. Kiedis y Flea consideraban a Peligro un buen amigo, pero sus numerosos problemas, entre los que se encuentran las drogas, pesaron en la decisión. El grupo se decanta para el puesto de baterista por el último músico que audicionan, un alto baterista llamado Chad Smith que proviene de un mundo diferente a sus tres compañeros de grupo. Mientras que Kiedis, Flea y Frusciante están más interesados en la escena punk-rock, a Smith le gusta más el rock clásico y el heavy metal. Smith es contratado en diciembre de 1988.
Las sesiones de grabación no estuvieron exentas de problemas y estrés, pues existieron constantes conflictos durante las sesiones de grabación de Mother's Milk, gracias, en gran medida, al incesante deseo del productor Beinhorn de crear un éxito. Frusciante chocaba constantemente con el productor por los efectos de guitarra. En cuanto al estilo musical, la llegada de Frusciante va a hacer que este se desarrolle y evolucione. A parte de su estilo con la guitarra, las aportaciones de Frusciante en la composición van a convertir al guitarrista en una figura fundamental en el seno de la banda. El guitarrista alteró el sonido de la banda introduciendo melodías, armonías y estructuras más complejas que en sus discos anteriores, los cuales presentaban composiciones más simples basadas en ritmos y ritmos.
Entramos en materia, y la canción que abre el álbum es Good Time Boys, la cual contiene extractos de las canciones "Bonin' in the Boneyard" de Fishbone, "Try" de Thelonious Monster y "White Girl" de X. En los coros aparece el guitarrista Jack Sherman, quien había sido despedido de la banda en 1985. No fue lanzada nunca como single, pero sin embargo se filmó y lanzó un video de la misma en 1989 para promocionar el disco. Se decantaron por la versión de Higher Ground, originalmente escrita y grabada por el cantante Stevie Wonder. El grupo tuvo que reelaborarla y adaptarla para una banda más pequeña que la que solía grabar con Stevie Wonder. La parte de teclado fue reemplazada por el potente bajo de Flea, y John Frusciante se marca un popurrí con la guitarra diferente del tema original. Esta versión se ha convertido en una de las preferidas de los bajistas debido a su prominente línea de bajo slap. Turno para Subway to Venus, que nos invita al movimiento y la diversión gracias a su frenético ritmo y a su estilo único. Las letras exploran temas como el amor y el deseo con metáforas extravagantes que añaden un toque de misterio y fantasía a la canción. Magic Johnon es una canción que escribieron sobre el jugador de baloncesto y estrella de Los Angeles Lakers, Magic Johnson. Kiedis y Flea eran grandes fans de los Lakers y a menudo se podía encontrar a Flea jugando partidos informales por las calles de la ciudad. Kedis tenía una particular afinidad por Johnson, pues ambos se habían criado en Michigan antes de establecerse en Los Ángeles. Nobody Weird Like Me tiene un distintio riff de guitarra que es capaz de capturar la esencia funk rock del grupo. Las letras hablan sobre la individualidad y la singularidad de cada persona, alabando precisamente esas diferencias que los hacen únicos. Cierra la cara A Knock Me Down, que se convirtió en una canción con uno de los cambios de estilo más radicales del grupo. Las letras introspectivas analizan la muerte de Slovak y el efecto devastador que las drogas pueden tener en la vida. Sin embargo Kiedis no quería que se asociara como una canción antidrogas, afirmando que "trata sobre hacerles saber a tus amigos que necesitas ayuda y luego estar dispuesto a aceptar la ayuda de los demás cando la necesitas. Ya sea por las drogas o por una serie de otros problemas personales". Musicalmente la canción tiene las influencias punk típicas del grupo, pero aporta un mayor énfasis en la melodía y las armonías que conducen hcia un sonido más alternativo.
La cara B comienza con Taste the Pain, donde Frusciante introduce progresiones de guitarra psicodélicas en el verso, mientras que la letra aborda temas de amor y pérdida. Fue el tercer y último sencillo del álbum, y se grabó un video musical donde la banda tocaba en una sala de arte donde los artistas estaban pintando una obra de arte en un mural. Kiedis estaba conmocionado por la muerte de Slovak y además tenía su propia lucha contra la adicción a las drogas en ese momento. Alquiló un cobertizo para botes y se encerró allí durante tres meses mientras trataba de dejar la heroína. Allí es donde escribió esta canción, donde expresaba su sentir y dolor sobre la muerte de Slovak y su propia adicción a las drogas. Curiosidad, el verso al revés al comienzo de la canción es Anthony Kiedis cantando el coro. Stone Cold Bush destaca por un ritmo frenético y unas letras crudas que exploran temas sociales como la prostitución y temas políticos. Las letras critican el sistema y la injusticia social, con un mensaje de rebeldía y resistencia ante la opresión. Todos conocemos el ejercicio de soul y Rock psicodélico que Jimi Hendrix se marcó en Fire. El grupo había comenzado a tocar este tema en 1983 y la grabaron como cara B de su sencillo "Fight Like a Brave" de 1987, y un año después la lanzaron en el EP The Abbey Road. Fue incluida posteriormente en este álbum como un tributo al guitarrista fundador Hillel Slovak. Esta versión del disco presenta algunas variaciones en la letras. Llega el turno para la instrumental Pretty Littl Ditty es una de las únicas canciones que no presentaba capas de guitarra, y contiene además unos dulces y hábiles solos de Frusciante entrelazados con toques de trompeta de Flea. Es uno de los mejores ejemplos del eclecticismo que estaba aflorando en el grupo. Punk Rock Classic contiene una improvisación del "Sweet Child o' Mine" de Guns N' Roses. También es una emulación de canciones típicas de punk rock de Black Flag y The Germs, bandas que habían influido en los RHCP. En cuanto a la letra de esta sencilla canción, la banda pedía simplemente que los pusieran en la MTV. Sexy Mexican Maid destaca por su ritmo funk y sus letras picantes que juegan con estereotipos culturales, la cuales exploran temas como el deseo y la atracción, y todo ccon un toque de humor y sensualidad. Johnny, Kick a Hol in the Sky es la canción que se encarga de cerrar el disco. Combina elementos de rock y funk con unas letras introspectivas y enérgicas que nos hablan sobre la búsqueda de significado y propósto en la vida, con un mensaje de esperanza y determinación ante los desafíos del mundo.
Mother's Milk marcó un punto de inflexión para Red Hot Chili Peppers al consolidar su sonido funk rock característico y establecerlos como una de las bandas más influyentes de la escena musical alternativa de los años 90. La incorporación de John Frusciante y Chad Smith fue todo un acierto, y revitalizó una banda que fue capaz de fusionar, con mucho acierto, su estilo punk con el funk y el rock, dando como resultado un sonido fresco y enérgico. con este álbum, Red Hot Chili Peppers habían llegado para quedarse y dominar la década de los 90, dejando una huella perdurable en la historia del rock.
sábado, 9 de marzo de 2024
1164.- Seven Seas of Rhye - Queen
viernes, 8 de marzo de 2024
1163.- The March of the Black Queen - Queen
Disco de la semana 368: Destinología - Tan Biónica
jueves, 7 de marzo de 2024
1162.- They Say I'm Different - Betty Davis
They Say I'm Different, Betty Davis |
Betty Davis, con apellido Marby de soltera, nace el 26 de julio de 1945 (aunque ella afirma que nació en 1944) en Durham, Carolina del Norte (Estados Unidos). Es en la granja de su abuela, en Reidsville, Carolina del Norte, donde empieza a escuchar a grandes músicos de blues como BB King, Jimmy Reed y Elmore James entre otros, lo que hace que se interese muy pronto por la música. A los 12 años de edad ya compone su primera canción, I'm Going to Bake That Cake of Love. Es a esa edad cuando se muda con su familia Pittsburgh. Betty se marcha con 16 años de Pittsburgh y pone rumbo a Nueva York para vivir con su tía. Es en la ciudad neoyorkina donde se inscribe en el Fashion Institute of Technology, que es la parte de la Universidad Estatal de Nueva York que está enfocada en el arte, los negocios, el diseño y todo lo relacionado con la moda. Mientras cursa sus estudios, durante la década de los 60 se empapa de la cultura y la música folclórica de Greenwich Village. Betty trabaja como modelo, llegando a aparecer en revistas como Seventeen, Ebony y Glamour, y también frecuenta uno de los clubs de moda de la ciudad, The Cellar, un club frecuentado por una multitud artística y multirracial de modelos, estudiantes de diseño, actores y cantantes. En el Cellar solía pinchar discos y charlar con la gente. En su etapa en Nueva York conoce a varios músicos, haciendo gran amistad con Sly Stone y Jimi Hendrix. La influencia de la música de estos dos plantarán la semilla del estilo y la carrera musical de Betty. También hace amistad con el cantante y compositor de soul Lou Courtney, que será quien produzca su primer sencillo en 1963, The Cellar, inspirado en el local donde trabaja.
Mientras trabaja como modelo conoce al músico de jazz Miles Davis, quien es 19 años mayor que ella. Miles Davis se estaba separando en ese momento de su primera esposa, la bailarina Frances Davis, y estaba saliendo con la actriz Cicely Tyson. Bety y Miles comienzan a salir a comienzos de 1968 y en septiembre de ese mismo año contraen matrimonio. En sólo un año, lo que dura su matrimonio, Betty influirá Miles tanto en cuestiones de moda como en tendencias de la música popular de la época, algo que el mismo músico reconocerá posteriormente en su autobiografía. Según Miles, Betty le ayudó a plantar las semillas de sus futuras exploraciones musicales al presentarle al innovador del funk Sly Stone y a un psicodélico guitarrista llamado Jimi Hendrix. El matrimonio dura un año, Miles definía a Betty como "demasiado joven y salvaje", y la acusó de tener una aventura con Jimi Hendrix. Betty siempre lo negó y lo consideró una gran falta de respeto hacia ella y hacia su amigo Hendrix. La influencia de Betty en Miles fue un hecho, pues Miles se mantuvo en contacto con Hendrix, y los dos planeaban grabar algo juntos, pero la muerte de Hendrix lo impidió. Y la influencia de Sly Stone en Miles se puede ver reflejada en el álbum de Miles, Bitches Brew (1970), que marcaría el comienzo de la era del jazz fusión. Su primer gran logro de Betty lo consigue al escribir para los Chambers Brothers la canción Uptown (to Harlem) en 1967, y en 1968 comienza a colaborar con el trompetista, cantante y compositor sudafricano Hugh Masekela, con quien graba varias canciones para Columbia Records. Posteriormente Betty graba varias demos con Miles Davis y Teo Macero como productores, y son utilizadas por Miles Davis para intentar conseguir un contrato discográfico con Columbia Records y con Atlantic Records para Betty, pero ninguna de las dos discográficas muestra interés.
Finalizado su matrimonio con Miles Davis, Betty se muda a Londres, alrededor de 1971, para trabajar como modelo, y también se dedica a escribir música. Un año después aproximadamente, regresa a Estados Unidos para grabar con Santana, pero al final graba sus propias canciones con un grupo e músicos de sesión de la Costa Oeste. Así, Betty graba su primer disco, donde todas las canciones son escritas y arregladas por ella, llamado Betty Davis en 1973, bajo el sello discográfico Just Sunshine. Con la misma fórmula y bajo el mismo sello discográfico graba y publica su segundo álbum de estudio en 1974, They Say I'm Different. dicho álbum es grabado en los Record Plant Studios bajo la producción de la propia artista, y publicado por el sello discográfico Just Sunshine Records. Estamos ante un álbum con melodías grandes y explosivas, con ritmos funk y con Davis mostrando todo su potencial musical sin tapujos.
La canicón que da título al disco, They Say I'm Different, es una potente y extravagante canción donde Betty Davis recuerda su infancia y se compara a sí misma con espíritus afines del pasado, una sucesión de leyendas del blues a las que tiene gran aprecio, y de las que se ha nutrido e influenciado: Bessie Smith, Chuck Berry, John Lee Hooker, Jimmy Reed, Big Mama Thornton, Son House o Robert Johnson. La canción es un fiel reflejo de la audacia y la independencia de Betty Davis, desafiando las convenciones sociales y de género de la época. Su estilo único y su energía cruda y explosiva, que aplicó en canciones como esta, influyeron en muchos músicos posteriores, convirtiéndola en una figura de culto en la historia de la música.
miércoles, 6 de marzo de 2024
Red Hot Chili Peppers - Freaky Styley (Mes Red Hot Chili Peppers)
1161 - The Hollies - The air that I Breathe
1161 - The Hollies - The air that I Breathe
Hoy les vengo a contar sobre una joyita de la música que nos llega bien al corazón. Se trata de la canción "The Air That I Breathe" de la banda británica The Hollies. Agárrense fuerte que esto va a ser un viaje emocional de aquellos.
Esta balada, lanzada allá por los '70, tiene un poder único para atraparnos en su atmósfera melódica desde el primer acorde. El quinteto inglés supo capturar la esencia de la época, y aún hoy, nos sigue transportando a un lugar lleno de nostalgia y sentimientos profundos.
La canción se abre con esos acordes de guitarra que son como un suspiro nostálgico, esos que te llevan directo al corazón de la melodía. El aire se llena de una suave armonía que nos envuelve y nos prepara para lo que está por venir. Desde el principio, los coros empastados del grupo nos envuelven como un abrazo musical, dándole un toque celestial a la experiencia auditiva.
La letra, escrita con maestría, nos habla de la intensidad de un amor profundo, de esa conexión que va más allá de las palabras. Las frases son como versos poéticos que nos hacen reflexionar sobre el valor de lo más esencial en la vida: el amor y la respiración misma. La voz del cantante, llena de sentimiento, logra transmitir la vulnerabilidad y la pasión que encierran estas palabras.
Pero lo que realmente hace brillar a "The Air That I Breathe" es su capacidad para perdurar en el tiempo. A pesar de los años transcurridos, la canción conserva su frescura y su capacidad para conmover. La producción impecable y la ejecución magistral de los instrumentos aseguran que cada nota resuene con la misma intensidad que cuando salió por primera vez.
Esta pieza musical ha trascendido generaciones, convirtiéndose en un himno atemporal que sigue tocando las fibras más sensibles de quienes la escuchan. No importa si estás en el auto, en tu casa o en una cita romántica; "The Air That I Breathe" siempre encuentra la manera de conectarse con tus emociones y llevarte en un viaje introspectivo.
Amigos, esta canción es más que una simple melodía. Es un pedacito de la historia musical que nos recuerda la belleza de los sentimientos profundos y la importancia del amor en nuestras vidas. Así que si están buscando una experiencia sonora que los haga sentir vivos, dense una vuelta por "The Air That I Breathe" de The Hollies. ¡Les aseguro que no se van a arrepentir!
Daniel
Instagram storyboy
martes, 5 de marzo de 2024
1160 - Grand Funk Railroad - The loco motion
1160 - Grand Funk Railroad - The loco motion
¡Embarquemonos en un viaje musical en el tiempo junto a Grand Funk Railroad y su icónica canción "The Loco-Motion"! Pero la historia no termina ahí, ya que esta joya musical ha vivido diversas reinterpretaciones, incluyendo las versiones de Kylie Minogue y Ana Belén.
Nos sumergimos en la nostalgia de los años 70 con Grand Funk Railroad, esa banda estadounidense de rock que dejó una huella indeleble en nuestro corazón con su sonido distintivo y sus actuaciones llenas de energía. Conocidos por su presencia enérgica y su habilidad para encender el escenario, estos chicos se ganaron un lugar especial en nuestra memoria musical compartida.
En el epicentro de su legado musical se encuentra la famosa canción "The Loco-Motion", que no solo conquistó las listas de éxitos en su lanzamiento en 1974, sino que también se convirtió en un himno que resuena en nuestros recuerdos colectivos. La banda demostró su versatilidad al tomar la canción originalmente escrita por Gerry Goffin y Carole King en la década de 1960 y darle un giro único lleno de energía.
Con esas guitarras potentes, ritmos pegajosos y la inconfundible voz de Mark Farner, Grand Funk Railroad transformó "The Loco-Motion" en una experiencia auditiva que aún resuena en nuestras almas. La canción se convirtió rápidamente en un éxito radial, atrapándonos con su contagioso ritmo y letras pegajosas que todos recordamos de memoria.
Grand Funk Railroad no solo fue una banda pionera en el rock de la década de 1970, sino que también dejó su huella en nuestra historia musical compartida con su enfoque fresco y lleno de vida. Su capacidad para reinventar canciones clásicas como "The Loco-Motion" demostró su destreza artística y su habilidad para conectar con audiencias diversas, incluida la nuestra.
Pero la historia no termina aquí, ya que "The Loco-Motion" ha sido reinventada en manos de otras talentosas artistas. Kylie Minogue, la icónica cantante australiana, lanzó su versión en 1987, convirtiéndola en un éxito global. La voz dulce y el estilo energético de Kylie le dieron una nueva vida a esta canción clásica, conquistando a una nueva generación de fanáticos.
Además, la talentosa Ana Belén, una de las voces más destacadas de la música en español, también se sumó a la lista de artistas que han interpretado "The Loco-Motion". Su versión en español, cargada de emotividad y estilo único, añadió un toque especial a esta joya musical, mostrando cómo una canción puede trascender fronteras lingüísticas y culturales.
Grand Funk Railroad y su inolvidable "The Loco-Motion" nos llevan en un viaje nostálgico a través de los vibrantes sonidos de la década de 1970, pero también nos recuerdan que la música es un lenguaje universal que puede ser reinterpretado de diversas maneras. Desde la energía del rock clásico de Grand Funk hasta las versiones vibrantes de Kylie Minogue y Ana Belén, esta canción sigue siendo un himno que resuena en nuestros corazones. ¡Prepárense para dejarse llevar por el inconfundible ritmo de "The Loco-Motion" en todas sus facetas!
DanielInstagram storyboy
lunes, 4 de marzo de 2024
1159.- Working Man - Rush
Working Man, Rush |
Rush es el álbum debut de la banda de rock canadiense del mismo nombre. El disco fue grabado en noviembre de 1973 en los Eastern Sound y Toronto Sound Studios de Toronto, bajo la producción de la banda, y publicado el 18 de marzo de 1974 por el sello discográfico Moon Records, el propio sello del grupo, antes de que Mercury Records lo lanzara internacionalmente ese mismo año. Este álbum fue grabado cinco años después de la formación de la banda, y muestra gran parte del sonido hard rock de las bandas populares que surgieron a principios de la década. Un sonido que cambiarían en álbumes posteriores virando hacia el rock progresivo que tan famosa ha hecho a la banda. Rush eran grandes admiradores de Led Zeppelin, Yes o Cream entre otros grupos, y estas influencias se notan en este disco.
El baterista del grupo John Rutsey interpretó todas las partes de batería del disco, pero no pudo realizar giras prolongadas debido a sus problemas con la diabetes, por lo que se retiró de la banda después del lanzamiento de este álbum. Rutsey había trabajado en las letras del disco, pero nunca se las envió a los demás miembros de la banda, el bajista y vocalista Geddy Lee y el guitarrista Alex Lifeson, quienes se encargaron de componer las letras del álbum. John Rutsey sería sustituido por Neil Peart, quien a partir de ese momento se convertiría en el baterista y letrista principal del grupo en todos los discos posteriores de la agrupación.
Incluido en este álbum se encuentra Working Man, canción que según Geddy Lee es su favorita para interpretar en vivo. La canción se ha convertido en una de las favoritas entre los fans de la banda, y el solo de guitarra de Alex Lifeson ha llegado aparecer en la lista de los 100 mejores solos de guitarra de la revista Guitar World. La letra de la canción nos relata la historia del típico trabajador que mantiene su rutina de ira trabajar para luego volver a casa, y así día tras día. Tiene mayores ambiciones, pero lo que no parece tener es voluntad para actuar en consecuencia y dar un giro a su situacón.
La canción adquirió notoriedad gracias a una DJ llamada Donna Halper, quien trabajaba para la emisora WMMS en Cleveland, Ohio (Estados Unidos). La canción le encantaba y la empezó a pinchar en las ondas, lo que ayudó, y mucho, al despegue de la banda. Era muy extraño que alguien se decidiera a poner en las ondas una canción de más de 7 minutos pues no se ajustaba, aparentemente, a los criterios de de las ondas, Pero para Donna Halper era perfecta por tres razones, la primera porque Cleveland era una ciudad de clase obrera y la letra se identificaba perfectamente con su audiencia y la ciudad; la segunda porque WMMS era una emisora de rock orientada a álbumes, por lo que buscaban canciones que otras emisoras no reprodujeran; y la tercera porque con sus más de 7 minutos era ideal para que a la DJ le diera el tiempo suficiente para ir al baño o a fumar. Inmediatamente después de ponerla en las ondas la emisora recibió muchas llamadas de personas que preguntaban cuándo saldría el nuevo álbum de Led Zeppelin, sorprendiéndose posteriormente porque no fueran ellos y porque el vocalista no fuera Robert Plant. Gracias a la difusión por parte de WMMS el disco llamó la atención del sello discográfico Mercury Records que decidió relanzarlo fuera de Canadá, convirtiendo a Rush en una de las bandas más populares en Estados Unidos y Canadá.