Grandes exitos y tropiezos: Duncan Dhu

 

Con Grandes éxitos y tropiezos iniciamos una nueva sección en 7días7notas, en las que os ayudaremos a elegir los mejores discos de los grupos y artistas más relevantes de la historia de la música, casi como si os estuviéramos acompañando en una de esas viejas tiendas de discos de segunda mano, esas pequeñas y escondidas anomalías que aún pueden encontrarse dentro del Matrix en el que se está convirtiendo este mundo en el que vivimos. Hoy hablamos de Duncan Dhu, una de las mejores bandas que dio el panorama nacional en los años 80,. Fue alla en 1984 cuando tres amigos de San Sebastián, Mikel Erentxun, Diego Vasallo y Juan Ramón Viles, forman una de las bandas a la postre más exitosas de nuestro país. Como cualquier banda novel, empiezan a tocar en distintos cafés y pequeñas salas por poco o nada dinero, con un estilo rockabilly muy original y alejado del rock radical vasco imperante en la época. Se hacían llamar Duncan Dhu, como un personaje de “Las Aventuras de David Balfour (Secuestrado)” (1886) de Robert Louis Stevenson, un jefe de un clan escocés que había fascinado a Mikel por aquel entonces. Vamos a la tienda.

 

 

Estás tardando en comprarlo:

“Autobiografía” fue su tercera entrega y podemos asegurar sin ningún género de dudas que está entre los discos nacionales más importantes de los años 80, seguramente uno de los de más calidad musical y donde podemos escuchar distintos géneros musicales, Popvigorizado, campanillero, sinfónico, afrancesado, garajista, hawaiano, radiofórmula, folk, baladista, jazzero, pianístico, stoniano, beatle, dylaniano, rocanroleante, afrocaribeño...todos brillando con luz propia. No os asustéis a ver que es un doble LP y además muy extenso con 30 canciones que sin duda podría haber sido sometido a un filtrado previo, pero hay muchas buenas, y las que no lo son tanto, tampoco desentonan demasiado, las canciones presentan variedad emocional y temperamental, las hay enérgicas, animosas y extrovertidas; también delicadas, melancólicas o recogidas. Y es un acierto que Diego cante algunas ya que a pesar de poseer una voz muy limitada aporta matices diferentes. Aparecen múltiples instrumentos y voces corales, bajo, batería, guitarras -eléctricas, acústicas, española, de doce cuerdas-, metales, cuerdas, piano, órgano, contrabajo, violines, acordeón, mandolina, armónica.

 

Si te queda pasta, llévate también:

Con poco menos de 3 años de existencia, la banda integrada aun por Juan Ramón Viles, Diego Vasallo y Mikel Erentxun, se lanzaba a la aventura de grabar el que sería su tercer disco (si incluimos su EP de debut) de estudio, "El Grito del Tiempo", que fue la consagración del grupo, vendiendo 400.000 copias. Con este disco la banda toca el cielo en popularidad, incluso en Latinoamérica, es un álbum con el aroma que desprenden los grandes clásicos de los 80. Y es que… ¿quién no ha oído alguna vez aquello de «una calle de París / me recuerda todo aquello que no fuí»? El resultado fue un disco exquisito, en el que el rock y el folk brillan intensamente. La producción está bastante cuidada, logrando una claridad sónica resaltable, sin llegar a sonar sobre producido. El valor de este disco no se limita al hit “En algún lugar”, destacan también “Tú sonrisa”, canción sumamente emotiva, la balada retro “Al caer la noche”, la intensa “La tierra del amor”, la campirana “Dirección sur”, la bellísima “Paloma blanca” y “Una calle en París”.

 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

"Supernova" es la demostración de que habían agotado los últimos restos de inspiración, el dúo donostiarra entrega un disco mediocre, de sonido sintético, dominado por unas baterías tan limpias que me suenan falsas, dominado en definitiva por una higiene que llega a la asepsia. Muy poco que echarse a la boca en la continuación del magnífico "Autobiografía" (1989), un esfuerzo torrencial que aquí se ve que los había dejado totalmente exhaustos. Aquí me quedo con la canción titular, "La casa azul", "Marionetas" y "Oro blanco". Chispazos que captan mi atención en medio de uno de los momentos más grises del dúo. Remontarían un poco con Piedras, sin llegar a la magia de sus tres primeros álbums, un disco pausado, en el que Mikel y Diego saben lo que quieren hacer y lo ejecutan a la perfección lejos de la experimentación que no les dio buenos resultados en Supernova.

Nuestro TOP 5

1.- Una calle de Paris

2.- Rosa Gris

3.- Mujer sobre el papel

4.- En algun lugar

5.- Cien gaviotas.

0405.- The fairest of the seasons - Nico

 

Nacida como Christa Päffgen el 16 de octubre de 1938 en Colonia (Alemania), Nico fue una de las artistas más enigmáticas e inclasificables de la música pop, sigue siendo más conocida por su breve permanencia como cantante en Velvet Underground y su aparición en las películas y producciones teatrales de Andy Warhol durante la década de 1960. Dotada de una voz de contralto inquietantemente profunda, Nico se convirtió en una cantautora, creando un sonido gótico único y austero. Mientras estaba en Inglaterra, Nico conoció al genio del arte pop Andy Warhol, quien la animó a viajar a Nueva York para formar parte de su círculo de "superestrellas". A principios de 1966, Warhol incorporó a Nico a Velvet Underground, un cuarteto de rock de vanguardia que dirigía, conocido por sus canciones decadentes y su sonido abrasivo y cargado de retroalimentación, pero aquello no funciono y Nico comenzó a cantar en el Dom, un club nocturno de Nueva York. Estas actuaciones prepararon el escenario para su primer álbum en solitario, Chelsea Girl, lanzado en 1967 por Verve Records. Ataviada con arreglos barrocos de cuerdas, Chelsea Girl solo insinúa el camino musical que seguiría más tarde.

 

Dentro de ese álbum destacamos “The Fairest of the Season” que fue la pista con la que empezaba su LP Chelsea Girl, una fusión perfecta de estética contracultural genial sin esfuerzo combinada con folk-pop. La canción (junto con varias otras pistas del álbum) fue escrita por un Jackson Browne antes de que saltara a la fama, quien también respalda a Nico en la mayor parte del disco. A él se unen los colaboradores anteriores de Nico, Lou Reed (quien también era su amante), Sterling Morrison y John Cale, todos de la Velvet Underground. La canción tiene unos brillantes arreglos de cuerdas, a cargo de Larry Fallon (quien también trabajó con Van Morrison, The Rolling Stones, Gil Scott-Heron y Jimmy Cliff, jactándose de haber arreglado créditos en discos clave de esos artistas). La canción (y el disco en su conjunto) logra mezclar el folk de cámara con el pop de los 60, y Nico logra darle su propia mirada profundamente iconoclasta al material entregando una música casi única y original. Si bien el disco no vendió muchas copias en 1967, después de aparecer en películas de Wes Anderson y Gus Van Zandt, finalmente encontró la audiencia más amplia que Nico anhelaba (aunque póstumamente), las pocas copias originales del LP son un codiciado objeto de coleccionismo. Temáticamente "The Fairest Of Seasons" nos presenta a Nico que está meditando si su relación amorosa tiene que seguir adelante, aunque ella no está segura. ¿Debería dejarlo mientras las cosas están bien? Parece que los sentimientos se han minimizado y tiene la sensación que no era el amor de su vida lo que estaba buscando, aunque sin duda es una relación muy cómoda que le reconforta. Cuando llega la mañana, comienza a ver las cosas un poco más claras, aunque todavía reconoce que irse será una decisión difícil. ¿Y si ella se arrepiente? Seguro que es joven. Hay mucho tiempo para encontrar a alguien. ¿Quién dice que no podría volver si cambia de opinión de todos modos? Al final, Nico decide que ahora es el momento de irse. Le trae una especie de alivio mientras que antes estaba aterrorizada. Entonces, decide irse en la más bella de las estaciones.

#MesTheBeatles: Help - The Beatles

 

A mediados de los años 60, la Beatlemanía se había apoderado de todo el planeta después de que se completara la invasión británica en estados Unidos y los “Fab Four” no podían producir suficiente producto como para satisfacer a un público rabioso obsesionado con sus íconos favoritos. Después de que la película "A Hard Day's Night" demostrara ser un éxito rotundo, había pocas dudas de que THE BEATLES continuarían con sus aventuras de comedia musical en forma cinematográfica mientras pudieran salirse con la suya. La banda no perdió tiempo en concebir una secuela en forma de Help! que vio a THE BEATLES alejarse de las travesuras de baja produccion de su primera película a un tipo de película encaminada al éxito de taquilla multicolor con un alto presupuesto que se filmó en una variedad de lugares extranjeros exóticos. Si bien “A Hard Day's Night” se basó en la locura que había con la Beatlemania que se desarrollaba en torno a los integrantes del grupo y sus reacciones al respecto, Help! se tomó libertades al establecer una trama artificial sobre un culto oriental que necesitaba sacrificar una mujer a la diosa Kaili, pero se dio cuenta de que no llevaba el anillo de sacrificio que de alguna manera se envió a Ringo Starr en una carta de fan. La película se desarrolla a través de una serie de travesuras caricaturescas que giran en torno al culto malvado que sigue a THE BEATLES para recuperar el anillo perdido y poder llevar a cabo sus prácticas rituales. Si bien podría extenderme mucho sobre la película, el tema de esta reseña es la banda sonora musical que la acompaña, que de acuerdo con el año de 1965 variaba según el lado del Atlántico en el que residías, sin mencionar que la banda sonora de la película es bastante diferente al álbum del mismo nombre.

 

Help! Sirvió para abrir el álbum y titular la película y el álbum, el título original de la canción y la película era "Eight Arms To Hold You". Las primeras copias del sencillo decían que era de la película "Eight Arms to Hold You". En una entrevista de 1971 con Rolling Stone, Lennon dijo que este es uno de sus discos favoritos de los Beatles porque "lo decía todo en serio, era real". El ex Beatle agregó: "La letra es tan buena ahora como lo era entonces. No es diferente, y me hace sentir seguro saber que era tan consciente de mí mismo entonces. Era solo yo cantando “ayuda” y solo quería decir eso ya que Help! reflejaba el estado de ánimo de un Lennon abrumado por el vertiginoso éxito de los Beatles, y agobiado por la espiral de acoso que vivían tanto por parte de los fans como de los medios. Es, por tanto, una de las canciones más personales y honestas que escribió para los Beatles, y una de sus favoritas de aquella época. Lennon concibió la canción en un tiempo más lento que el que finalmente tuvo, pero al ser un encargo para el disco y la película, la aceleraron y edulcoraron para convertirla en el inmenso hit que llegó a ser. Él siempre consideró que al cambiarla la cargaron de una ligereza que impidió que el mensaje original llegara de una manera más clara a los que la escucharan, porque lejos de estar escribiendo una canción bailable, en palabras del propio Lennon: "En realidad estaba pidiendo ayuda a gritos...". The Night Before es una de las canciones menos conocidas de los Beatles, muchos fanáticos la consideran una de sus piezas más subestimadas. Es una canción pop ligera sobre problemas en las relaciones, con las armonías de John Lennon y George Harrison respaldando la voz principal de Paul McCartney que fue el autor de la canción. La canción sale interpretada en Salisbury Plain en la película, Help!. John Lennon tocó un piano eléctrico Hohner Pianet en esta pista y se le puede ver en la película. 

You've Got to Hide Your Love Away es una clara muestra de la influencia de Bob Dylan sobre las composiciones de Lennon, y una de las primeras donde participa otro músico ajeno a la banda (tocando la flauta). El texto de la canción tiene referencias a la homosexualidad entre líneas, estando indirectamente dedicado al gerente del grupo, Brian Epstein. En apoyo de esta idea lo sostuvo el músico / cantante Tom Robinson, quien señaló que, de hecho, Epstein tuvo que "esconder su amor" en un momento en que la homosexualidad todavía era un crimen en Gran Bretaña. Escrita por John Lennon (pero también acreditado a Paul McCartney), es una de las primeras grabaciones del grupo en verse afectada por la influencia del folk americano y Bob Dylan, contaminación presente en muchas de las canciones del propio álbum, así como futuros, como por ejemplo Norwegian Wood, contenida en Rubber Soul. Lennon, en el momento de la grabación del álbum Help! estaba impresionado por Bob Dylan, tanto por la composición como por la forma de cantar, y se inspiró en una canción de él de 1964 titulada I Don't Believe You. You've Got to Hide Your Love Away suena en la película Help!, cuando el jefe de la secta Clang (Leo McKern) aparece debajo de los alcantarillados de la Ailsa Avenue, Londres. La canción es interpretada en el apartamento de Lennon, donde la banda está vigilada por Ahme (Eleanor Bron). Al final de la canción, George se desmaya al ver la jeringa gigante que Ahme saca para Ringo, el portador del anillo. 

I need you fue escrita por George Harrison para su novia Pattie Boyd que ha sido la inspirado par muchas canciones como Something y Eric Clapton escribió "Layla" y "Wonderful Tonight" para ella. Ella y Harrison se divorciaron oficialmente en 1977. Ella y Clapton estuvieron casados ​​entre 1979 y 1988. El extraño sonido de guitarra es Harrison tocando con un pedal de tono. Dado que esta fue la única canción suya en la película. Another Girl nos da la oportunidad de escuchar a Paul con buen humor y es sorpresa en sí misma. Las armonías son fuertes, la voz segura de sí mismo de Paul es divertida, pero el verdadero deleite aquí es la guitarra. You're Going To Lose That Girl tiene un gran arreglo y nos cuent como un tipo va a robarte a tu novia que abandonastes Me encanta la alegría en sus voces cuando exclaman "Me aseguraré de quitártela", a lo que Paul y George siguen. "mira lo que haces". Incluso aquellos que no han visto la película seguramente notarán el debut de Ringo en uno de mis instrumentos favoritos, los bongos, que en sí mismo lleva a esta canción a la grandeza. Ticket To Ride es un medio tiempo, amargo y disonante, con un ritmo pesado repleto de guitarras eléctricas y timbales, de hecho, este tema fue considerado por John Lennon como "Una de las primeras grabaciones de heavy metal". El tema tiene el honor de ser la primera grabación de los Beatles que sobrepasaba la barrera de los tres minutos. En cuanto a la temática del tema, ha sido objeto de multitud de interpretaciones a lo largo de los años. Hay quien sostiene que hacía referencia a los ferrocarriles británicos y "ticket" se refería a boleto y "Ride" se refería a la ciudad de Ryde, en la isla de Wight, donde la prima de McCartney y su marido regentaban un pub que los Beatles habían visitado. También hay otra teoría que apunta a que el tema se refiere a las enfermedades de transmisión sexual y que fue inspirado por las prostitutas que el grupo había conocido en una gira anterior por Alemania. En cualquier caso, Paul McCartney comentó sobre el tema que si bien trataba principalmente de una chica que al sentirse atada abandonaba al narrador, era consciente del potencial doble sentido del tema.

Act naturally fue originalmente grabada por Buck Owens, y era una canción de Country y Western que llego al número 1 en 1963. Esta canción fue escrita por Johnny Russell y Voni Morrison. Russell fue un prolífico compositor de música country y Morrison fue miembro de la banda de respaldo de Owens. La letra de Russell se inspiró en lo que le dijo a su novia cuando ella le preguntó por qué se fue a Los Ángeles: "Me van a poner en el cine, me van a convertir en una gran estrella". Ringo cantó el plomo en esto. Era fanático de la música country, y esta se convirtió en su canción principal. Los Beatles tocaron esto en su tercera aparición en vivo en el Ed Sullivan Show. Le dio a Ringo la oportunidad de cantar en el programa. Grabado poco después de la filmación de Help!, la letra trata sobre aparecer en películas. Sobre It's Only Love John Lennon dijo una vez que esta era la única canción que escribió que realmente odiaba. Lennon le dijo al periodista británico Ray Connolly: "Es la canción más vergonzosa que he escrito. Todo rimaba. Letras repugnantes. Incluso entonces estaba tan avergonzado de las letras que apenas podía cantarlas. You like me too much, la composición de canciones de George Harrison evolucionaría en los próximos años y florecería con composiciones introspectivas como "Something" y "Within You Without You", pero en esta canción, escribió sobre estar enamorado de una chica y saber que, a pesar de sus amenazas, ella se enamorara de ti, nunca dejes de intentarlo, después de todo, a ella le gustas demasiado. En esta canción se utilizaron tanto un piano de cola Steinway como un piano eléctrico Hohner Pianet. Tell Me What You See es una pista de relleno, quizás la peor del álbum, está escrita por John y Paul. Tanto Ringo como George aportan una interesante percusión, en claves y guiro respectivamente, al servicio de una canción que no merece tanta atención. I've Just Seen a Face, suena revolucionada en su prisa por describir a la chica de la que te has enamorado instantáneamente, y la melodía basada en guitarra acústica tiene que darse prisa para alcanzarlo. 

Yesterday es uno de los muchos himnos, y porque no, el más reconocible que nos dejó como legado la banda de Liverpool, es una de esas canciones que captura de una forma u otra, los momentos más grandiosos de sus vidas e incluso tiene la capacidad de disolverlos en la realidad del presente. Es todo un logro, la capacidad que tienen sus notas para lograr una fotografía brillante del pasado y ponerla en valor de nuevo, sintiendo como el amor, la verdad o el deseo permanecen por mucho que las personas asociadas a ellos se hayan ido de nuestras vidas. La magia que siempre vuelve y que nos deja ante el poder imborrable de las marcas del tiempo en nuestra memoria. Lunes 14 de junio de 1965, era el momento de grabar Yesterday y una melodía con la que Paul se despertó un día en su cabeza y que no lograba recordar donde la había escuchado, hasta el punto que estaba convencido que la melodía le vino en un sueño, con más miedo que ilusión se la toco al grupo, y les explico que, seguro que esta melodía tan perfecta tiene dueño, pero nadie del grupo la conocía y decidieron tirar hacia adelante. Paul tenía la melodía, pero faltaba acompañarla de un letra a su altura, letra que no llegaba así que las primeras pruebas las hizo con la frase “Scrambled eggs, oh baby how I love your legs” ("huevos revueltos, oh baby, como amo tus piernas")… vale, no estaba a la altura pero casaba perfectamente con la melodía, finalmente Paul McCartney compuso la mayor parte de la letra durante un viaje en carretera de cinco horas a Portugal en 1965 cuando estaba de vacaciones con Jane Asher que en aquel año era su novia, pero aún faltaba el título y quería que fuese solo una palabra, había considerado Yesterday como una opción, cursi, pero una opción, hasta que George Martin lo convenció de que esta era la opción correcta. Y de paso le impuso una locura, incluir un cuarteto de cuerdas clásico para acompañar el tema, Paul no estaba muy convencido. “Oh no, George. Somos una banda de rock 'n' roll y no creo que sea una buena idea”, dijo. Finalmente cedió y Yesterday se convirtió en una de las primeras canciones de pop en incluir elementos de música clásica en su melodía. La letra, ensalza la añoranza del ayer, el amor perdido y las oportunidades que no vuelven, se convirtió en el emblema de toda una generación, incluyendo la cultura hippie, esta inocente canción, que apunta al ayer con un dejo de melancolía, realmente se inspira en que el ayer es como una especie de animal salvaje, que asalta el pensamiento y los recuerdos cuando uno menos se espera. Yesterday sigue siendo una de las canciones más populares del siglo XX, de hecho, es la canción con más versiones de la historia, así a bote pronto estamos ante una canción de la que han hecho su propia versión los siguientes artistas: Ray Charles, Elvis Presley, Aretha Franklin, Marvin Gaye, Frank Sinatra, Bob Dylan ... podríamos seguir mencionado a los más de 1600 artistas que la han hecho suya, pero con esta retahíla sobran lo demás…. Disfruten del ayer, disfruten de The Beatles y dejen correr una lagrimita de emoción cuando escuchen los primeros acordes…. Los recuerdos nos hacen sentir más vivos.

0404.- Waterloo Sunset - The Kinks

Waterloo Sunset ("Anochecer de Waterloo") es uno de los temas más famosos e universales de la banda británica The Kinks. Su temática local y cercana (el paseo de dos amantes por un puente del Támesis, hacia la estación de Waterloo), la convirtieron además en todo un himno del modo de vida y el orgullo británico, hasta el punto de ser una de las canciones elegidas para ser interpretada en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Londres en 2012.

Lanzada como single en mayo de 1967, e incluida en Something Else, el sexto álbum de estudio de la banda, se convirtió en uno de los éxitos más grandes del grupo en el Reino Unido, y se vio además impulsada por el rumor de que los dos amantes estaban inspirados en personalidades reales del momento, en concreto la relación entre los actores Terence Stamp y Julie Christie, lo cual fue posteriormente negado por Ray Davies, compositor de la canción, desmontando aquel castillo de naipes mediático al desvelar que la misteriosa pareja estaba formada, en realidad, por su hermana y su novio.

La grabación de la canción no fue especialmente compleja, pese a que dedicaron muchas horas a la búsqueda de un nuevo sonido para las guitarras, que le diera al tema un toque diferencial con respecto a otras grabaciones anteriores de la banda. Lo consiguieron utilizando efectos de eco, al estilo del que se empleaba en los viejos hits del rock and roll de los años cincuenta, que aplicados a la estructura de su canción, le dieron el componente de novedad y distinción que habían estado buscando para la descripción de un amanecer tan bello como el que puede verse desde un puente del Támesis, cerca de la estación de Waterloo.

0403.- Sunshine of Your Love - Cream

 

Sunshine of Your Love, Cream

     En 1967 la formación británica Cream publica su segundo álbum de estudio, Disraeli Gears. Un álbum donde la banda mezcla el blues con un sonido más psicodélico. La portada del álbum fue creada por Martin Sharp, un conocido artista, dibujante, compositor y cineasta australiano. Sharp además crearía posteriormente también la portada del álbum de la banda Wheels Of Fire, y co-escribió Tales Of Brave Ulysses junto con Eric Clapton. La portada del disco consiste en un collage psicodélico con el título centrado y el nombre del grupo a continuación, rodeado de un arreglo floral. Lo que Martin Sharp intentó fue captar el sonido de la música de la banda en la portada del disco, un sonido que definió como "sonido fluorescente clásico".

Disraeli Gears fue grabado en los Atlantic Studios deNueva York en el mes de mayo de 1967, ya que el sello discográfico de Cream, ATCO, no era más que una subsidiaria que pertenecía al poderoso sello Atlantic Records. De la producción del disco se encargaría Felix Pappalardi, quien luego se forjaría una brillante carrera como miembro del grupo Mountain junto con Leslie West. En cuanto al título del álbum, este fue concebido a partir de que el roadie de la banda Mike Turner pronunciara mal una palabra. El roadie al parecer, cuando se encontraba hablando de bicicletas, para referirse al cambio de las mismas, el cual se pronunciaba Di-rail-yer (un cambio que se usaba frecuentemente en las bicicletas de 10 velocidades que había por entonces), pronunció la palabra de la siguiente manera, Disraeli, y curiosamente Disraeli hacía referencia a un primer ministro británico del siglo XIX, Benjamin Disraeli. El grupo en ese instante tuvo claro cuál debía ser el título del álbum. El álbum fue publicado en noviembre de 1967 en Reino Unido y en diciembre de 1967 en Estados Unidos bajo el sello discográfico Atco Records.

Incluido en el este disco se encuentra Sunshine of Your Love, tema escrito por Eric Clapton, Jack Bruce y Pete Brown, éste último un poeta beat amigo de Ginger Baker y Jack Bruce . El sencillo se convirtió en la canción más comercial y más vendida del grupo y de la discográfica Atlantic Records a través de su sello Atco Records en aquel momento. Fue grabada en en mayo de 1967 y publicada como sencillo en enero de 1968. La famosa primera línea de la letra fue escrita por Pete Brown después de estar toda la noche trabajando con Jack Bruce en el tema al ver la salida del sol. La canción fue ideada después de que Jack Bruce y Eric Clapton asistieran a un concierto de Jimi Hendrix en el Saville Theatre de Londres. Jack Bruce al regresar a casa se le ocurrió el riff de guitarra el cual está basado en un riff de bajo, luego Pete Brown y Bruce escribieron la letra en una sola sesión que duró toda la noche, Bruce y Clapton se encargaron de la música y Clapton ideó y escribió el estribillo.

0402.- Heroes and Villains - The Beach Boys

0402 Heroes and Villains - The Beach Boys

Heroes and Villains es una canción de la banda de rock estadounidense The Beach Boys que fue incluida en su álbum Smiley Smile de 1967. 

Escrita por Brian Wilson y Van Dyke Parks, Brian Wilson imaginó la canción como una comedia musical con temática del Viejo Oeste. Y su sencillo fue el primer lanzamiento de la discografíca Brother Records, pero no cumplió las expectativas comerciales y de la crítica, aunque fue un disco de éxito, alcanzando el número 12 en Estados Unidos y el número 8 en el Reino Unido.

Brian Wilson había estado trabajando en Heroes and Villains durante un tiempo antes de pedirle a Van Dyke Parks que le ayudará con la letra en de julio de 1966. 

De este modo Heroes and Villains fue la primera canción que Wilson y Parks escribieron juntos. Al igual que con las demás que escribieron para el álbum Smile, Parks escribió la letra mientras Wilson componía la música, dicen que cuando le presentaron la melodía, Parks recordó la canción "El Paso" de Marty Robbins de 1959 e inmediatamente concibió la línea inicial: "Llevo tanto tiempo en este pueblo que en la ciudad me han dado por perdido y desaparecido y desconocido durante mucho, mucho tiempo". 

Antes del lanzamiento de Smiley Smile, the Beach Boys intentaron grabar un álbum en directo conocido como Lei'd in Hawaii. Debido a las dificultades técnicas, decidieron grabar el álbum en los estudios Wally Heider, una sesión que incluía un ensayo de Heroes and Villains. Una cinta de audio que se conserva de esta actuación incluye un monólogo hablado sobregrabado, a cargo de Mike Love, en el que ridiculiza la canción, ya que los comentarios de Mike Love pasan de ser burlones y amargamente sarcásticos y se vuelve aún más mordaz a medida que avanza en la crítica de la canción. Se supone que otra voz risueña en el audio pertenecía a Wilson, y que éste podría haber coordinado la grabación él mismo.

Daniel 

Instagram storyboy 

#MesTheBeatles: A hard day´s nigh - The Beatles

A Hard Day's Night - The Beatles #mesTheBeatles 

Amigos vamos con una de las bandas de rock que ha revolucionado la escena de la música, y en este mes de febrero que hemos denominado el #mesTheBeatles.

Y hoy hablaremos de A Hard Day's Night que es el tercer álbum de estudio, The Beatles, publicado este álbum el 10 de julio de 1964 bajo la discográfica Parlophone.

La fama que ya tienen en la década de los '60, hace que The Beatles alcanzará la posición número uno y superará su anterior álbum, y permaneciendo en esa posición durante veintiún semanas de las treinta y ocho que se mantuvo en lista.

El álbum, fue un gran éxito, y ya se veía el talento de los cuatro de Liverpool, este fue el primer disco del grupo en contener solo composiciones originales y el único en que el catálogo musical estuviera firmado enteramente por Lennon-McCartney. Normalmente, John Lennon y Paul McCartney contribuían a partes iguales con sus canciones en la confección de cada álbum de The Beatles, pero en A Hard Day's Night fue preponderante la autoría de Lennon en la composición de los temas, siendo el responsable de la mayoría de las trece canciones que se presentaron en este disco. 

Este fue también uno de los tres álbumes de The Beatles, junto con Let It Be y Magical Mystery Tour; en que Ringo Starr no aparecía en ningún tema como vocalista principal, aunque sí lo haría en la canción «Matchbox», una versión de un tema de Carl Perkins grabado simultáneamente con las canciones del álbum A Hard Day's Night, y que fue publicado en el EP Long Tall Sally, editado el 19 de junio de 1964.

El álbum contenía algunas de sus canciones más famosas, incluida la que le daba título y Can't Buy Me Love, las dos número uno a ambos lados del Atlántico. Tanto el álbum como la película retrataba perfectamente la clásica imagen del grupo, tal como se les veía en la cúspide de la Beatlemanía.

El sonido de la guitarra solista de 12 cuerdas de George Harrison tendría una enorme influencia en los demás grupos musicales, este álbum llevó a la fama también con la película hizo que los Byrds, entonces intérpretes de música folk, decidiesen asimilar el género del rock and roll en su grupo, creando así el género del folk rock, que tanta influencia tendría después en los mismísimos The Beatles a partir de 1965. Igualmente, el éxito de The Beatles en los Estados Unidos hizo que se abriesen las puertas estadounidenses a otros grupos musicales británicos, como The Rolling Stones, los Animals, o los Kinks. Inspiraron a su vez a grupos jóvenes estadounidenses como los Beau Brummels, los Lovin' Spoonful, y otros, a escribir sus propias canciones, tomando ejemplo de lo que hacían Lennon y McCartney.

El título del álbum y de la película fue, al parecer, una creación accidental del baterista Ringo Starr. Aunque la frase ya constaba por entonces en el libro contemporáneo de John Lennon In His Own Write, y aparentemente ya había sido usada por él en sus días de Hamburgo.

La cara uno del álbum contenía las canciones que aparecían en la película interpretada por ellos, A Hard Day's Night. La cara dos incluía temas que fueron grabados para la película, pero que finalmente no se llegaron a usar en ella, aunque una edición del filme en los años 80 incluía un prólogo antes de los títulos de crédito, en el que sonaba el tema I'll Cry Instead. Este fue asimismo el primer álbum de The Beatles en grabarse sobre cintas de cuatro pistas, y permitió así un mejor mezclado de las canciones para su posterior edición estereofónica.

El álbum incluía los temas Can't Buy Me Love y You Can't Do That, aparecidos previamente en formato sencillo el 20 de marzo de 1964. El mismo día en que se había publicado el álbum, también se editó el sencillo A Hard Day's Night/Things We Said Today.

El éxito de The Beatles es indiscutible, y lo demuestran en toda su carrera artística, realmente son los creadores de una cultura musical que a marcado la historia del rock. 

Daniel 

Instagram storyboy 

0401.- Massachusetts - The Bee Gees

 

Massachusetts, The Bee Gees

     Entra en escena uno de los grupos musicales británicos de pop rock que más exito cosechó entre las décadas de los  60 y 70: Bee Gees. En 1967 los hermanos Barry, Robyn y Maurice Gibb escriben la canción Massachusetts, que luego sería incluida en el álbum Horizontal, el cual sería publicado a comienzos de 1968. La canción fue grabada entre el 9 y el 17 de agosto de 1967 en los estudios IBC de Londres, y publicada por el sello Polydor en Reino Unido y pulicado en septiembre de 1967. En Estados Unidos fue publicado en noviembre de 1967y por el sello Atco Records.

Robin Gibb se encargó de de la voz proncipal esta canción, siendo el primer tema del grupo donde se atrevió a hacerlo. La canción se convirtió en una fija en prácticamente todos los conciertos del trío. Massachusetts se convirtió en el primer gran éxito de Bee Gees, alcanzando el puesto número 1 en las listas del Reino Unido y de doce países europeos más. En Estados Unidos llegó a alcanzar el puesto número 11 en la lista Billboard Hot 100. 

Al parecer, la canción fue escrita en el Hotel Regis de Nueva York durante una gira de la banda por Estados Unidos. La canción pretendía ser una antítesis de de las canciones de la época que representaban el movimiento del Flower Power, tales como Let's Go To San francisco o San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair), temas donde los protagonistas contaban que habían estado en San Francisco para unirse al movimiento hippie. En Massachusetts el cantante, Robin, nos relata que tiene añoranza por regresar a Massachusetts, lugar donde dejó a una chica con el corazón roto. Curiosamente los hermanos no habían estado nunca en Massachusetts, pero les gustó el sonido del nombre.

Disco de la semana 261: No need to argue - The Cranberries

Escrito en gran parte durante una gira para apoyar a Everybody Else Is Doing It en 1993, No Need To Argue encontró a O'Riordan en un mal momento emocional a causa de una ruptura reciente mientras lidiaba con el éxito de su primer álbum. Pero también se expandió más allá de esta introspección para examinar los eventos del mundo que la rodeaba, lo que le dio al álbum una composición temática más amplia que su predecesor.

El álbum comienza con “Ode To My Family”, la canción habla sobre "tener éxito de repente y mirar hacia atrás a casa y preguntarse dónde quedo mi infancia", como reflexionó O'Riordan para Rolling Stone , la canción es un recuerdo lento y sombrío pero teñido de nostalgia de su juventud donde enfrenta las dificultades de su presente con los de su pasado, y específicamente con la percepción del público que tiene de ella, como se evidencia en el segundo verso de la canción. El ritmo se acelera con "I Can't Be With You", una canción de ruptura llena de arrepentimiento que encuentra a O'Riordan añorando un amor pasado y la historia que compartieron juntos. Sin embargo, funciona como una declaración de desafío e independencia, ya que reconoce que la relación no está diseñada para la longevidad y que no puede prolongar lo inevitable, aunque todavía alberga fuertes sentimientos por su pareja. 

"Twenty One" es una mirada hacia O'Riordan, que tenía solo 21 años cuando publicó el álbum debut de su banda en marzo de 1993, y en la canción enfrenta la relación entre su pasado y su presente y celebra la libertad que acompaña la transición de la adolescencia a la edad adulta, que puede, al menos simbólicamente, protegerla de las dificultades del pasado y ayudarla a seguir adelante con su vida. Llegamos al gran tema del álbum “Zombie” esta inspirada en el atentado con bomba del IRA de 1993 en Warrington, Inglaterra, que mató a dos niños e hirió a decenas más, la mencionada "Zombie" es una apasionada canción de protesta. Denuncia toda la violencia sin sentido y la victimización, “Podría hacer que la gente reflexione un poco sobre nuestra sociedad y en lo que nos hemos convertido”, explicó O'Riordan durante una entrevista de Los Angeles Times en noviembre de 1994 . “Sé que la guerra ha estado ocurriendo durante siglos y siglos, pero se supone que debemos volvernos más civilizados”. Según cuenta la historia, Island Records inicialmente intentó disuadir a la banda de dar luz verde a "Zombie" como el primer sencillo debido a su gran contenido, pero finalmente no lograron convencer a una firme O'Riordan y sus compañeros de banda. La sinfónica "Empty" es una reflexión inquietantemente hermosa sobre el arrepentimiento y la pérdida que conduce a emociones vacías, un hilo temático que resurge más tarde en las tristes "Everything I Said" y "Disappointment".

 

El momento más conmovedor del álbum llega con "The Icicle Melts", inspirado en el asesinato desmedidamente trágico de 1993 de un niño de dos años (James Bulger) en Liverpool, Inglaterra. A pesar de la profunda tristeza del tema de la canción, O'Riordan ofrece un mensaje de esperanza y redención en el coro, mientras canta: "Hay un lugar para el bebé que murió / Y hay un tiempo para la madre que lloró / Y ella lo sostendrá en sus brazos en algún momento / Porque nueve meses es demasiado, demasiado, demasiado tiempo”. "No creerías cuántos hombres hay en la industria de la música que miran a una mujer en un sentido sexual y solo quieren conocerte para llevarte a la cama", reveló O'Riordan durante un Hot Press de enero de 1994, al hacer referencia el ímpetu de "Ridiculous Thoughts". “Incluso personas que alguna vez respetaste y que creías que te valoraban por tu mente, tu alma, tu talento, terminan queriéndote por una sola cosa y eso realmente puede ser decepcionante… Y peor aún, algunos de ellos quieren poseerte, lo cual es aún más aterrador”. El punto culminante supremo del álbum, en mi opinión, la introducción etérea de la canción da paso a un trabajo de guitarra cargado en el que O'Riordan muestra su amplio rango vocal, mientras exorciza el desencanto que surge al encontrar el engaño y la traición entre personas en las que alguna vez confiaste. Sin embargo, no todo es pesimismo a lo largo de No Need To Argue , ya que la entrañable y melancólica canción de amor "Dreaming My Dreams" es optimista y repleta de cuerdas dedicada a su entonces esposo Don Burton, el ex gerente de gira de Duran Duran y el responsable de producción de The Cranberries en ese momento. “Yeats' Grave" traen algo de folk-rock celta a la mesa y presentan una interpretación vocal fuerte y sorprendente en un elegante homenaje al famoso poeta del siglo XX, W. B. Yeats. “Daffodil Lament”, es un tema donde la voz de O'Riordan trasciende por encima de la música donde escuchamos a O’Riordan describir una decisión difícil de terminar un romance con una pareja que no es agradable. La canción es más larga del álbum, ya que contiene una acumulación inquietante al principio con una transición a una canción más alegre in crescendo y se nota que es importante para Dolores. Una de las cualidades brillantes de la banda se muestra en esta canción en particular, y esa es la poderosa presencia femenina que O’Riordan aporta al álbum, y aportaría a muchos más, ya que sus letras comienzan a agregar un tema fuerte y desafiante al grupo. Música para hacer historia y dejar otro gran lugar para la música de Irlanda junto a campeones de la talla de U2 o Thin Lizzy. “No need to argue”, la canción, engarza, como un guante con el final de Daffodil Lament, pero ofrece el colosal registro de voz de la hoy fallecida intérprete, acompañado, únicamente, con un órgano. Con ese final que pone los pelos como escarpias… Una canción para los momentos malos que, singularmente, refuerza el ánimo.

 No Need to Argue sigue siendo el álbum más vendido y ampliamente aclamado del grupo y no es difícil ver por qué. Se mantienen los tonos del álbum anterior, pero hay un poco más de oscuridad en cuanto a las letras y la pesadez de algunas pistas que se centran en los resultados de la guerra y el dolor. Si bien el último álbum tuvo megaéxitos que se destacan como sus firmas, de principio a fin encuentro que No Need to argue es más disfrutable con pistas que nunca me dejan con ganas de un poco más, estoy satisfecho.

0400.- Pata Pata - Miriam Makeba

Miriam Makeba fue una cantante sudafricana que con su voz cálida y agresiva se consolidó a nivel internacional gracias a un repertorio compuesto tanto por cantos populares africanos y afroamericanos como por canción ligera. Conocida como Mamá África, fue además una destacada activista antiapartheid condenada al exilio durante más de tres décadas. Hija de un sangoma o chamán de la tribu xhosa, Miriam Makeba pasó su infancia en Pretoria y comenzó a cantar en Sophiatown, un suburbio de Johannesburgo famoso por ser un vibrante centro multicultural antes de que el gobierno del apartheid obligara a sus residentes negros a abandonar la zona bajo los términos de la Ley de Áreas de Grupos. Grabó su primer single, Lakutshona Llange, en el año 1953, como vocalista del grupo Manhattan Brothers, donde conocería al trompetista Hugh Masekela, quien más tarde se convertiría en su primer marido. En 1958 fundó su propia banda, The Skylarks, una formación íntegramente femenina que mezclaba jazz con música tradicional sudafricana. La gran oportunidad le llegó en 1959 cuando, junto a los Manhattan Brothers, protagonizó el musical King Kong. En una de sus actuaciones llamó la atención del cineasta estadounidense Lionel Rogosin, quien la incluyó en el controvertido documental Come Back, Africa, un alegato antiapartheid que causó conmoción ese mismo año en el Festival Internacional de Cine de Venecia y que dio a la cantante renombre internacional. Tras el éxito del filme, Makeba fue invitada a dar conciertos en Europa y Estados Unidos, donde el cantante y activista social afroamericano Harry Belafonte le pidió que lo acompañara en una serie de actuaciones en el Carnegie Hall de Nueva York. Cuando intentó regresar a su país para asistir al funeral de su madre, descubrió que le habían revocado el pasaporte. Comenzaba así un largo exilio (Venecia, Londres, Estados Unidos, Guinea-Conakry) que duraría más de tres décadas. Su aparición ante la Asamblea General de las Naciones Unidas en 1963 denunciando la política del apartheid suscitó aún más las iras del gobierno sudafricano, que respondió prohibiendo sus grabaciones.

La canción en la que nos vamos a detener, Pata Pata, es un tema de pop soberbio, exuberante y alegre que debería estar junto a lo mejor de Southern Soul y Motown como uno de los grandes sencillos pop de la década de 1960. Miriam Makeba hizo una adaptación muy bailable de un tema popular sudafricano antiguo, y realizó una grabación superexitosa en el año 1967. La letra (en lengua Xhosa) es prácticamente intraducible, ya que se trata más bien de palabras sueltas de sentido onomatopéyico, que no tienen ningún sentido textual. Por eso Miriam Makeba introdujo, a mitad de la canción un recitado libre en el que, en inglés, viene a invitar a todo el mundo a bailar y divertirse con la música. La canción popular original es una danza de "toca, toca" que es lo que viene a significar PATA PATA. Si bien, la letra no tiene un significado textual concreto en el contexto tradicional de la danza sugiere la representación de un joven que le gustaría tocar a la chica de sus sueños, y a pesar de que la chica es huidiza el chico sigue insistiendo, pero al final la chica grita pidiendo ayuda a su madre.

0399.- Soul Man - Sam & Dave

 

Soul Man, Sam & Dave

     El 26 de octubre de 1967 el dúo de R&B Sam & Dave pubica el álbum Soul Men. El disco, de género soul, es grabado entre el 10 de agosto y el 4 de octubre bajo la producción de Isaac Hayes y David Porter, y publicado el 26 de octubre de 1967. Soul Men llegó a alcanzar un notable quinto puesto en la lista estdounidense Black Album Chart, y el puesto número 62 en la también lista estadounidense Pop Album Chart. De todos los temas incluidos en este disco encontramos Soul Man, tema al que dedicamos esta reseña y que acabarían de popularizar The Blues Brothers en 1978. 

Escrito en 1967 por David Porter e Isaac Hayes para el sello discográfico Stax, Soul Man surge a raíz de una ocurrencia de Isaac Hayes en julio de 1967 al ver en televisión las noticias sobre los famosos disturbios de la Calle 12 de Detroit, Michigan (Estados Unidos). Isaac se da cuenta que los edificios que no han sido destruidos, y que en su mayoría son propiedad de instituciones y gente afroamericana estan marcados en su fachada por la palabra "alma". David Porter escribe la letra basándose en la idea inicial de Isaac Hayes, una historia sobre la lucha de uno mismo por superar sus condiciones actuales, por salir adelante y mejorar, soy un "Soul Man" (hombre de alma), es una cuestión de orgullo.

     El tema fue grabado por el dúo Samuel "Sam" Moore y David "Dave" Prater, más conocido como Same & Dave, y publicado en septiembre de 1967 por el sello discográfico Stax. El sello Stax, para la grabación, y como solía ser habitual, puso a disposición del dúo la banda de los estudios, Booker T. And The MG's, con la particularidad que el propio Booker no pudo participar en la grabación por encontrarse en la universidad, siendo sustituido por Isaac Hayes.

     Este tema se convirtió rápidamente en aquellas fechas en el single más exitoso del sello discográfico Stax, alcanzando el puesto número 1 en la famosa lista americana Billboard Hot Black Singles,  y el puesto número 2 en Canadá y en la lista Billboard Hot 100 también de Estados Unidos. En 1968 el tema gana el premio Grammy a la mejor interpretación de grupo de Rythm & Blues vocal ó instrumental.

0398.- What a wonderful world - Louis Armstrong

Escrita por Bob Thiele y George David Weiss, y ofrecida sin éxito a varios artistas, fue grabada finalmente por primera vez por Louis Armstrong en 1967, surgió como una proclama contra el racismo, que planteaba la necesidad de valorar de manera positiva las cosas simples de cada día, como camino hacia la convivencia y el bienestar. La versión de Armstrong no tuvo éxito en Estados Unidos en el momento del lanzamiento del sencillo, pero alcanzó el nº1 en las listas del Reino Unido.

Veinte años después, y tras ser incluida en la banda sonora de la película Good Morning, Vietnam, se convirtió en un éxito a nivel mundial, con una influencia que perdura hasta hoy, especialmente en lo que al celuloide se refiere, apareciendo en películas de la talla de Doce monos, ¿Conoces a Joe Black?, Madagascar o el documental Bowling for Columbine.

Otras versiones relevantes fueron las de Natalie Cole en 1995 (con Plácido Domingo y José Carreras), Tony Bennett (2002), Joey Ramone (2002), B.B. King (2003), Rod Stewart y Stevie Wonder (2004),  Keane (2007), Katie Melua con Eva Cassidy (2008), o la versión que se interpretó en directo durante la ceremonia de clausura de los Juegos Paralímpicos de Tokio 2020.

#MesTheBeatles: Please, please me - The Beatles

La cualidad más importante de este álbum es que es muy divertido de escuchar. Claro, carece de la producción elegante y la composición innovadora de los álbumes posteriores más aclamados del grupo, pero lo que le falta en pulido lo compensa con encanto y calidez. No es casualidad que algunas de las canciones más queridas de los Beatles estén en este debut. Lo que realmente distingue a este álbum de la discografía posterior de la banda es la forma en que se interpretan las canciones: como una banda. En lugar de asuntos complejos e intrincados con muchas partes deslavazadas, estas canciones se tocan en vivo, de hecho, las canciones de este disco comprenden lo que entonces era su espectáculo en el escenario, y el álbum completo (salvo algunas sobregrabaciones) se grabó en unas 13 horas.

Mucha de la energía que irradia el álbum fue porque fue grabado en un solo día, sin concesiones, siendo ellos mismos y aunque parece absolutamente imposible de creer para aquellos de nosotros que hemos vivido con música como el metal y el punk nuestra vida, este fue el álbum de estudio más ruidoso y estridente que la mayoría los británicos, habían escuchado hasta ese momento. Esto se resume en Lennon "cantando hasta quedarse ronco" en la primera toma de la canción final, su versión de "Twist and Shout", algo que estaba completamente fuera de lugar para un cantante de rock británico en ese momento. Los Beatles escribieron ocho de las catorce canciones, incluidas las cuatro originales que ya se habían lanzado en sencillos, y estas originales abarcaban toda la gama de estilos en ese momento.

  

 

De todas las canciones del álbum debut de los Beatles, "I Saw Her Standing There" es la única canción original de Lennon-McCartney que todavía se reproduce regularmente fuera de las estaciones de radio antiguas, la razón de esto puede ser que estemos ante la canción más rockera del álbum. Estábamos a principios de 1963 y por comparar escuchas Surfin' USA, que salió el mismo mes y la dinámica de esta canción, la velocidad, la energía, todo es significativamente diferente de lo que era común para ese año, y ese detalle es tan emocionante como lo fue la música rock a principios de 1963. La canción es un testimonio de John y Paul como equipo de composición, la melodía está a la altura del inmortal texto, una explosión de adrenalina pura de los gritos de Paul y el grito previo al solo al trabajo de guitarra primordialmente afectivo de George. “Misery” fue escrita por John Lennon y Paul McCartney para Helen Shapiro, una joven de 16 años que estuvo de gira con The Beatles en 1963, su representante rechazó la canción, pero otro cantante de esa gira, Kenny Lynch, la grabó, convirtiéndose en la primera persona que cantó una canción de Lennon/McCartney. El tema es muy similar a “PS I Love You” y una pista de que los Beatles aún no habían llegado al punto en el que abordarían un estilo diferente con cada canción. Pero debemos notar la diferencia en los comienzos de las dos primeras canciones: una comienza rápidamente mientras que la otra comienza más lenta, una yuxtaposición extremadamente extraña para la época. Hay un extraño contraste entre las letras relativamente pesimistas y el estado de ánimo optimista de la música, el piano descendente de George Martin es divertido, y las improvisaciones de John nos hacen saber que se trata de una parodia.

 Arthur Alexander escribió “Anna (Go to him)” y se convirtió en la única persona que escribió canciones que fueron grabadas por Bob Dylan, The Rolling Stones y The Beatles. La canción fue presentada a los disc-jockeys estadounidenses en 1963 en un sencillo con "Ask Me Why" y el disco promocional se ha convertido en un raro y muy deseado artículo de coleccionista. A John Lennon le encantaba esta canción, por eso los Beatles la grabaron. Según el historiador de los Beatles, Mark Lewisohn, John Lennon tuvo un terrible resfriado durante las grabaciones, lo que provocó su extraña voz en la canción. El subtítulo (Go to Him) es un poco confuso, ya que en las versiones de la canción de Alexander y The Beatles, cantan "Go with him". Quizás el primer momento que nos chirria en el álbum es "Chains" porque la voz principal la pone George y quizás no es la más adecuada para los sentimientos que canta "I want to tell you pretty baby/I think you're fine", reconozco que el solo de armónica al principio es muy bueno, pero en conjunto la canción me parece cursi. Aun así, la canción tiene un gran ritmo y las armonías suenan muy bien como siempre. “Boys” fue grabada originalmente por The Shirelles, un popular cuarteto vocal femenino que fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1996. John Lennon era un gran admirador de The Shirelles y decidió hacer una versión, pero posiblemente no quedo como ellos esperaban, es más sencilla, sin piano, sin saxofón, con una letra ligeramente diferente. Como compensación queda en la historia como la primera actuación vocal de Ringo Star (y comenzó su tradición de cantar los números de comedia), John y Paul hacen una imitación pasable de las Shirelles en el coro. “Ask me why” es una canción de amor muy común pero lo que la hace especial es que fue en esta canción cuando John Lennon y Paul McCartney escribieron una canción juntos. Fue publicada como cara B de "Please, please me", en el primer sencillo estadounidense de los Beatles y una copia del sencillo promocional entregado a los disc-jockeys en 1964 es ahora un artículo de colección con un valor de al menos 10.000 dólares. "Please, please me" fue el segundo sencillo de los Beatles y es quizás la mejor demostración de lo rápido que crecían los Beatles. Lanzado solo un par de meses después de “Love Me Do”, está en otro planeta desde su debut en términos de escritura, arreglos e interpretación. La letra, por ejemplo, tiene un punto de vista diferente al de la canción promedio de la época, casi como si estuvieras escuchando una conversación. Y la música también es mucho mejor: los acordes son más extraños, el gancho es ciertamente más único, la interpretación es más enérgico, fue un consejo más de George Martin que quiso acelerar la balada influenciada por Roy Orbison que John tenía en mente. Todo encaja, desde la armonía vocal de una sola nota de Paul en los versos hasta el lick de guitarra previo al coro de George y una de las mejores primeras actuaciones de Ringo.

Y llegamos a “Love me Do” John Lennon y Paul McCartney escribieron este tema en 1958, cuando John tenía 17 años y Paul 16 habían escrito otras canciones antes, pero esta fue la primera que les gustó lo suficiente como para grabarla. La letra es de McCartney y la escribió pensando en la que era su novia en ese momento, Iris Caldwell. Love me do se convirtió en el primer sencillo de los Beatles y fue lanzado en Inglaterra por Parlophone Records. En 1962, los Beatles tocaban regularmente en un club de Hamburgo, Alemania. Tocaron muchas versiones de Blues de artistas estadounidenses famosos, y fue un gran problema para ellos cuando lo introdujeron en su repertorio, ya que no sabían cómo quedaría con las versiones que hacían de Little Richard y Ray Charles, inesperadamente la canción fue bien recibida y les dio mucha confianza a The Beatles, lo que los llevó a escribir e interpretar más canciones originales. Cuando la tocaron para una audición con Parlophone Records, el que estaba en la discográfica era George Martin, quien se convirtió en una figura clave en la historia de los Beatles al ayudar a dar forma a su sonido. Comenzó a jugar con la canción de inmediato, agregando la parte de la armónica. Cuando se lanzó en Inglaterra, no fue un gran éxito. El mánager de los Beatles, Brian Epstein, tenía tanta confianza en el grupo que le dio al sencillo un gran impulso de marketing al comprar un montón de copias (algunos dicen 10,000) para su tienda de discos, lo que ayudó a colocarlo en las listas de éxitos y aseguro que se hablara en la calle del grupo. Antes de la grabación para el disco, Lennon siempre cantaba la voz principal, pero cuando se agregó su parte de armónica, McCartney tuvo que cantarla porque Lennon tenía en la boca la armónica. 

Paul McCartney escribió "PS I Love You" en Hamburgo, mientras The Beatles eran la banda de la casa en The Star Club. Los Beatles interpretaron esto en su audición de Parlophone Records el 6 de junio de 1962. Se utilizó como cara B de "Love Me Do", el primer lanzamiento de los Beatles en Inglaterra. Iba a ser su primer sencillo, pero Peggy Lee había lanzado una canción con el mismo título, por lo que la compañía discográfica decidió lanzar "Love Me Do" en su lugar. "Baby It's You" es otra versión de una canción de Shirelles, esta vez de los talentosos escritores de Bacharach y David, John, como de costumbre, suena completamente desesperado en la agonía del amor: sus extensos "wha-oe" después de cada verso hacen de esta una de las mejores pistas aquí por sí mismas. Con los coros acusatorios de George y Paul de "trampa, trampa" y ese momento de silencio antes de la frase del título John Lennon afirmó que “Do you want to know a secret” se le ocurrió basándose en la melodía "I'm Wishing" que su madre solía cantarle de la película de Disney Blancanieves. Al comienzo de la canción de Disney, Blancanieves les canta a las palomas: "¿Quieres saber un secreto? ¿Prometes no contarlo? Estamos junto a un pozo de los deseos". Es quizás la canción más floja de los originales compuestos por Lennon-McCartney para el álbum ya que carece de gran parte de la innovación que se ve en otras canciones. Pero sigue siendo un signo de su versatilidad, ya que es estilísticamente diferente del resto del álbum no solo porque Harrison lo canta sino por el riff de guitarra acústica y es una de las pocas canciones de los Beatles que no canta la persona que la escribió. Lennon dijo en entrevistas de 1971 y 1980 que escribió esta canción a tiempo para su boda en agosto de 1962. La mayoría de las canciones de los Beatles fueron atribuidas a Lennon/McCartney, y mientras la banda estaba junta, rara vez discutían quién escribió realmente qué canciones, por lo que era no fue hasta después de su ruptura que Lennon reveló que él era el compositor de esta canción. "A Taste Of Honey" ha sido grabado por aproximadamente 200 artistas, a nivel internacional, incluidos The Beatles, Herb Alpert & The Tijuana Brass, Barbra Streisand, Tony Bennett, Johnny Mathis, solo por nombrar algunos. Era un tema musical de una adaptación de Broadway de una obra de teatro británica, a la que finalmente un cantante le había puesto letra para una grabación. Es quizás el mayor indicio entre las portadas de que los Beatles no se limitaron a la música rock and roll tradicional. “There´s a place” fue uno de los primeros intentos de John Lennon de escribir una canción al estilo de los grupos de chicas Motown. En esta canción, Lennon canta sobre los lugares a los que viaja con su mente y es probablemente la primera canción de los Beatles que no tiene el tema chico/chica/amor. Llegamos al cierre con otra de las joyas absolutas “Twist and shout” la canción original es de un grupo de R&B de Filadelfia llamado The Top Notes y la grabó en 1961 pero cuando salto a la fama fue en 1962 siendo un éxito para The Isley Brothers, y esta es la versión en la que se basaron los Beatles. El ingeniero Norman Smith explicó cómo surgió la versión de The Beatles: "Alguien sugirió que hicieran 'Twist and Shout' con John como vocalista principal. Pero en ese momento todos tenían dolor de garganta; habían pasado 12 horas desde que comenzamos a trabajar. John's, en particular, se había ido casi por completo, así que realmente teníamos que hacerlo bien la primera vez. John chupó un par más de Zubes (una marca de pastillas para la garganta), hizo un poco de gárgaras con leche y arrancamos la grabacion". Los Beatles usaron esto para terminar muchas de sus primeras presentaciones en vivo. Mucha gente piensa que la canción se grabó una vez, una sola vez. De hecho, hicieron dos tomas y se quedaron con la primera. John estaba totalmente hecho polvo, enfermo como un perro y se había quitado la camisa porque estaba sudando a causa de la fiebre.

Please Please Me fue el nacimiento de la banda de rock más grande que ha dado la música, sino que fue el nacimiento del "rock" en oposición al "rock and roll". Con eso quiero decir que, antes de Please Please Me, el rock and roll denotaba un estilo específico de R&B, pero la marca de rock and roll que propusieron los Beatles abarcaba mucho más que solo este estilo de música, incorporó soul, pop, Motown, musicales, aparentemente todo lo que se consideraba música popular excepto folk y country. Sin embargo, los Beatles fueron sin duda una banda de rock and roll, por la forma en que tocaban y vestían. El resultado fue que, comenzando con los primeros álbumes de los Beatles y siguiendo las ideas musicales en constante expansión de ellos, los Beach Boys, Dylan, los Rolling Stones, los Kinks, los Who, los Byrds y otras bandas de rock, se unieron a ese estilo, es el nacimiento del rock como el supragénero de música Popular.

0397.- Both Sides, Now - Judy Collins

0397 - Both Sides, Now - Judy Collins

Both Sides, Now es una de las canciones más conocidas de la cantautora canadiense Joni Mitchell.

Grabada por primera vez por la artista Judy Collins, su singles producido en los Estados Unidos fue lanzado durante el año 1968, y al año siguiente se incluyó en un álbum de Mitchell Clouds. 

Desde entonces ha sido grabada por decenas de artistas, como Frank Sinatra, Glen Campbell, Willie Nelson, Gang of Youths, Herbie Hancock y la propia Mitchell, que volvió a grabar la canción con un arreglo orquestal en su álbum de 2000 Both Sides Now. Bob Dylan interpretó la canción a dúo con Mitchell cuando apareció como invitado sorpresa en su concierto en Austin, Texas, en 1976.

Poco después de que Mitchell escribiera la canción, Judy Collins grabó la primera versión comercial para su álbum Wildflowers de 1967. 

En octubre de 1968, la misma versión se lanzó como single, alcanzando el número 8 en las listas de singles de Estados Unidos. A principios de 1969 ganó un premio Grammy a la mejor interpretación folclórica El disco alcanzó el número 3 en la encuesta Easy Listening de Billboard y Both Sides, Now se ha convertido en una de las canciones emblemáticas de Judy Collins. A Mitchell no le gustó la grabación de la canción por parte de Judy Collins, a pesar de la publicidad que su éxito generó para la propia carrera de Mitchell La versión de Collins aparece como música de apertura de la comedia romántica de 2014 And So It Goes, y como música de final de la película de terror sobrenatural de 2018 Hereditary.  También aparece en el primer tráiler de Toy Story 4. La canción ocupa un lugar destacado en el final de la sexta temporada de la serie de televisión Mad Men, y señala un momento de anagnórisis entre Don Draper y su hija Sally.

Daniel 

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Grandes éxitos y tropiezos: Depeche Mode

Grandes éxitos y tropiezos: Depeche Mode

Depeche Mode, para mi unas de las bandas británicas de música electrónica más populares de la historia, y según los expertos son los padres de la música electrónica.

Pero como toda banda, ellos vivieron su esplendor y su ocaso a través de sus discos, por ello en esto que denominamos  Grandes éxitos y tropiezos, recorreremos algunos de los mayores éxitos de la banda y donde han tenido un tropiezo. 

Vamos a comenzar con uno de los mejores discos de la banda donde están sus mejores canciones. 

Violator es el séptimo álbum de estudio de la banda británica Depeche Mode, producido durante 1989-90 y publicado en marzo de 1990 por Mute en el Reino Unido, y Sire Records en los Estados Unidos. 

Todo lo aprendido en los años ochenta desembocó en la obra más completa de Depeche Mode, con 14 millones de copias vendidas, algo solo al alcance de los padres del rock electrónico. La sola enumeración de las canciones transmite la grandeza que tiene este disco. 'World in my eyes', 'Sweetest perfection', 'Personal Jesus', 'Halo', 'Waiting for the night', 'Enjoy the silence', 'Policy of truth', 'Blue dress' y 'Clean'.

Si no conoces nada de la banda este es un muy buen comienzo. 

Songs of Faith and Devotion es el octavo álbum del grupo inglés de música electrónica, Depeche Mode, producido durante 1992-93 y publicado en 1993.

No se puede dudar de la capacidad de Depeche Mode para adaptarse a unos noventa liderados por el grunge y el rock alternativo. 

De hecho, ya eran una banda de rock a estas alturas, sin perder un ápice de su opresiva oscuridad (y muy comparados con los U2 de 'Achtung Baby'). La nueva imagen de Dave Gahan, ya entregado a las adicciones y viviendo su propio infierno de estrella, apuntalaba canciones tan enormes como 'I feel you', 'Walking in my shoes', 'In your room', 'Mercy in you' y el gospel 'Condemnation'. 

Este su siguiente álbum es como una continuación de Violator. 

Black Celebration es el quinto álbum del grupo inglés de música electrónica, Depeche Mode (David Gahan, Andrew Fletcher, Martin Gore, Alan Wilder), producido durante 1985-86 y publicado en 1986.

Al menos cuatro canciones de 'Black celebration' siguen excitando a las masas treinta años después. Hablamos de 'Stripped', 'A question of time', 'A question of lust' y el tema titular repleto de oscura espiritualidad cercana al gospel. Además, el grupo encontró su imagen perfecta gracias a las fotografías en blanco y negro de Anton Corbijn, colaborador fijo desde entonces.

Aunque anterior a los otros dos álbumes, ya se veía el éxito, por ello si quieres conocer a esta banda de música electrónica, con sólo estos tres álbumes podrán conocerlos perfectamente. 

Delta Machine es el tredécimo álbum del grupo inglés de música electrónica Depeche Mode (Andrew Fletcher, David Gahan, Martin Gore), producido durante 2012-13 y publicado en 2013.

No es el mejor de los álbumes de la banda por todo lo hecho durante años, se podría decir que contiene todo lo que se puede esperar de Depeche Mode a estas alturas pero palidecen al ser comparadas con su propio legado. Pero sus conciertos son ceremonias de nostalgia de los años de esplendor. Y son álbumes que sólo muestran o marcan una época. 

Depeche Mode, unas de las banda más importante de su de género y la cual ha alcanzado el máximo explendor el cual hemos dejado demostrado en estos cuatro álbumes, aunque el último de ellos no lo consideremos un éxito, pero de los fracasos también se aprende. 

Pero bueno esto es una mera percepción de un servidor, están en todo su derecho de opinar.  

Daniel 

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