And Justice for all - Metallica - #MesMetallica

No soy especialmente fan de Metallica, así que esta no va a ser la típica reseña de admirador entregado, pero tampoco soy un "hater", así que puede que me quede una reseña de lo más equilibrada y objetiva, que haga "Justicia para todos", tanto para los admiradores más acérrimos como para los que llevan camisetas de Metallica a los festivales pero solo han escuchado el "Enter Sadman" o el "Nothing Else Matters", canciones que no forman parte de "...And Justice for All" (1988), el cuarto álbum de estudio de Metallica.

Antes de empezar con lo que importa, las canciones, contaré aunque no sea relevante que he intentado en repetidas ocasiones, sin gran éxito, cogerle el punto a Metallica. La ocasión en la que más cerca estuve de entrar en el círculo de sus miles de seguidores fue en una época en la que quedaba con un compañero todas las mañanas para acercarle al trabajo. Yo tenía un viejo Volkswagen Polo de segunda mano, equipado con un "radio cassette", y mi compañero trajo durante una semana varios cassettes de Metallica para amenizar el trayecto. Esa fue la mayor dosis de "trash metal" que me he metido por vena en la vida, y reconozco que el grupo tiene canciones con grandes desarrollos instrumentales y solos de guitarra que me llamaron poderosamente la atención, y lo que me frenaba y hoy en día me sigue frenando es la voz y la manera de cantar de James Hetfield, demasiado ruda y plana, sin cambios de intensidad o de registro en comparación con un Axl Rose o un Bruce Dickinson, que me llegan más fácilmente.

Voz aparte, y siendo justo y gran amante de los discos completos, me quedé con la copla de que los más relevantes eran, a mi juicio, "Master of Puppets", el disco negro en el que venían las obligatorias y ya mencionadas "Enter Sadman" y "Nothing Else Matters", y el "...And Justice for all" protagonista de esta reseña. Porque a un disco de letras oscuras, que toca temas como la guerra, la censura, la amenaza nuclear y las injusticias judiciales y de abuso de poder de la clase política, bien se le puede perdonar que Hetfield cante los mensajes como si se hubiera tomado demasiadas jarras de hidromiel y tuviera que conducir a gritos un rebaño de cabras hasta el redil por una escarpada montaña.

Esa es la sensación que me produce escucharle en "Blackened", un tema explosivo y tormentoso que impresiona por su grandioso riff de introducción y su temática apocalíptica, con el que firman un gran comienzo de disco. Es un buen aperitivo para degustar a continuación "...And Justice for All", la canción que da título al álbum, una pieza mayor de su discografía y una crítica mordaz a la corrupción y la injusticia del sistema judicial. Tema de gran complejidad sonora y de grandes cambios de ritmo, y plagado de los grandes desarrollos instrumentales que tanto le alabo a la banda.

Eye of the Beholder explora el tema de la censura y la falta de libertad de expresión, con un ritmo metalero y un estribillo pegadizo. Mantiene la intensidad de los temas del comienzo, pero no brilla con la misma incandescencia. No le ayuda estar en medio de los dos mejores temas del álbum, la ya mencionada "...And Justice for All" y la excelsa "One", probablemente la canción más famosa y relevante del disco, una poderosa balada sobre un soldado herido en una guerra. El desarrollo de la canción es impactante, progresando paso a paso desde una introducción suave hasta un clímax explosivo y memorable.

The Shortest Straw centra su temática en la discriminación social. En la línea de la mayor parte del disco, tiene un rápido y guitarras pesadas, pero es uno de los temas en los que más me cuesta escuchar esa voz ruda y nada melódica. Cuestión de gustos, debo remarcar, para de nuevo no ser injusto con este estilo de cantar, y hay que decir además que el solo de guitarra es intenso y acelerado, y como banda son una auténtica locura.

Harvester of Sorrow tiene un ritmo más lento, y una temática más cercana a la locura y la tendencia a la autodestrucción. La guitarra oscura del comienzo y los riffs pesados le dan empaque y la convierten en uno de los temas más sombríos y acertados del álbum. De parecida temática es The Frayed Ends of Sanity, una inquietante reflexión sobre la lucha contra la locura, con un otro de esos complejos desarrollos musicales con los que, cuando Heffield calla, tanto disfruto. Y seguramente pensaréis que, por lo dicho anteriormente y por ser un instrumental, To Live Is to Die es mi canción favorita del disco. No llega a tanto, porque temazos como ...And Justice for All" y, especialmente, "One" estarían por delante, pero se agradece en la escucha esta pista de inicio de toque clásico y de intenso y sentido homenaje musical a Cliff Burton, el fallecido bajista de la banda, que alterna de manera brillante secciones más melódicas con tramos más pesados.

Con Dyers Eve el álbum llega a su fin, y el último de los muchos argumentos en su defensa bien podría ser que la escucha se me ha hecho bastante más agradable de lo que pensaba que sería cuando me cayó en suerte esta reseña. Buen tema de cierre, en un tono furioso y rápido, y una letra sobre la frustración y la rabia generacional que un hijo siente hacia sus padres.

Como miembro de un imaginario jurado, estaría de acuerdo con un veredicto que ensalzara a este disco como una obra grande, de las mejores de Metallica, y como me ocurrió con Master of Puppets o el disco negro, que llegué a tener en cd y a los que intenté engancharme sin éxito, habría matado por una edición especial de coleccionista en versión rigurosamente instrumental. Si alguien sabe de algún material en este sentido, que me lo cuente en los comentarios, y correré presto a hacerme con una copia. En el fondo es lo que todos buscamos, nuestra propia versión adaptada de la justicia, para que la justicia pueda ser realmente para todos los gustos.

1505.- New Rose - The Damned

En 1976, Gran Bretaña era un páramo cultural con grupos como Genesis y los restos del glam rock. Mick Jones y Tony James (que luego tocarían en The Clash y Generation X respectivamente) estaban empezando una banda llamada London SS. Estábamos todos en un sótano lúgubre haciendo una audición para un baterista llamado Chris Millar, que tenía sarna en ese momento, cuando una rata corrió por el suelo. Así que Chris se convirtió en Rat Scabies. A Mick y Tony les gustó la forma de tocar de Rat, pero dijeron que no se veía bien porque tenía un abrigo gastado y el pelo despeinado. Entonces Rat y yo nos fuimos a formar una banda con otro chico, Ray Burns, a quien Rat conocía porque limpiaba los baños en Fairfield Halls en Croydon. Ray tenía el pelo largo y le gustaba John McLaughlin, un guitarrista de jazz fusión, así que le puse canciones de los Stooges y los Ramones, y se convirtió en nuestro infame guitarrista alocado Captain Sensible. Rat sugirió un cantante llamado Dave Vanian, al que le gustaban las cosas de vampiros. Nuestro nombre surgió de dos películas de los años 60: The Damned , de Luchino Visconti, sobre los nazis, y la película de terror The Village of the Damned. 

El 22 de octubre de 1976, The Damned lanzó su primer single de 7", New Rose. El lado B era una versión de Help! de The Beatles, al público le encanto lo extraños que eran y cómo su sonido no se parecía a nada que hubiera escuchado antes. También jugo a su favor el guiño a Leader of the Pack de The Shangri-Las en la introducción, seguido por el grito de batalla de la batería que se une con un aullido colectivo. Esta icónica introducción de New Rose es una de las mejores que se han escuchado y cada vez que la escuchas, no puedes evitar unirte a ella. Es una canción muy importante para el punk, fue una banda muy importante y encarnaron las frustraciones a su manera y las desataron muy bien en su primer disco que para mí es uno de los mejores discos de punk que se han hecho. Tiene un sonido crudo que fluye a través de él que no se encuentra en muchos de los discos de punk que salieron en esa época. The Damned lo llevaron más allá, lo hicieron espeluznante, siniestro pero accesible, nada en ellos era vulgar ni desagradable (de ninguna manera estoy diciendo que alguna de las otras bandas lo fuera), pero aún podían sorprender a los padres de alguien si no eran del tipo liberal. The Damned fueron y son inadaptados brillantes que te dieron un sonido al que pertenecer. Lo que encontré en su disco debut es algo que no había encontrado en ningún otro lugar antes y New Rose inició todo eso.  Sea lo que sea que The Damned pretendiera hacer con New Rose, estoy bastante seguro de que lo han hecho. Influyeron en una gran cantidad de bandas y todavía lo hacen. Un mes después del lanzamiento de New Rose, los Sex Pistols lanzaron Anarchy In The UK, ambas bandas han jugado un papel vital no solo por lo que hicieron por el punk sino por la música en general, ambas bandas fueron creadas para sonar fuerte y, 50 años después, estamos encontrando formas y razones para tocarlas más fuerte que antes.

1504.- Songs From the Wood - Jethro Tull

 

Song From the Wood, Jethro Tull

     El lanzamiento del álbum Songs from the Wood en 1977 supuso el regreso a la forma y al estilo después de los ambiciosos proyectos y, para algunos oídos, menos exitosos, anteriores a este. El grupo cambió el sello discográfico de Chrysalis por el recién formado por Ian Anderson/Terry Ellis, llamado SST y relacionado con EMI, y formó equipo con el veterano productor Robin Black, el cual se hizo cargo de toda la ingeniería de sonido. El grupo aparecía con una formación renovada y revitalizada, ahora compuesta por el bajista John Glascock, el guitarrista Martin Barre que regresaba, y el polifacético compositor y provocador Ian Anderson además de del tecladista John Evan y el percusionista Barriemore Barlow. También sería incluído en este álbum Dee Palmer como miembro oficial de la banda después de ocho años de servir como arreglista orquestal de la banda. Palmer se había unido como segundo teclista a principios de 1976. El grupo se reforzó en otrs aspectos y contrató al diseñador de iluminación Bruce MacPherson para encargarse del diseño y la ejecución de los aspectos visuales de los próximos conciertos, con el objetivo de un espectáculo de luces integrado que fuera manejado y controlado. 

Songs from the Wood fue el  décimo álbum de estudio dela banda, grabdo ente septiembre y noviembre de 1976 en los Morgan Studios de Londres, bajo la producción de Ian Anderson, y publicado el 11 de febrero de 1977. El disco está considerado como una vuela a las raíces y el primero de tres álbumes de folk rock lanzados por la banda a finales de la década de 1970, seguidos de Heavy Horses (1978) y Stormwatch (1979). Inspirándose en el folclore inglés y la vida en el campo, el álbum marcó una reanudación del amplio estilo folk rock de la banda, que combinaba instrumentos y melodías tradicionales con tambores de hard rock , sintetizadores y guitarras eléctricas, todo ello dentro del complejo estilo de rock progresivo de la banda. 

Incluído en el álbum se encuentra el tema que da nombre al ábum, Songs From the Wood, escrita por el líder del grupo Ian Anderson. Fue inspirada en la tradición folclórica inglesa, y su creador, Ian Anderson consideraba esta como una de sus mejores canciones de Jethro Tull. La canción recibió bonanzas de la crítica especializada y fue lanzada como sencillo en Nueva Zelanda en 1977. La canción, más concretamente, se inspiró en un libro de cuentos populares ingleses que le habían regalado a Ian Anderson. Él explicó: "Escribí 'Songs From the Wood' basándome en elementos del folclore y cuentos fantásticos y tradiciones del entorno rural británico. Nuestra encargada de relaciones públicas, Jo Lustig, me había regalado un libro sobre el folclore inglés como regalo de Navidad, y lo hojeé y encontré un montón de ideas, personajes, historias y cosas interesantes que decidí convertir en una serie de canciones". La canción comienza con voces a capela antes de que aparezcan la flauta y las guitarras acústicas. Después, entra el resto de la banda. Cuando le preguntaron sobre la canción unos año más tarde, concretamente en 2015, Anderson dijo: "Esta, la canción principal de nuestro álbum de 1977, era descaradamente cursi. Es folk rock decorativo. Ensalza abiertamente las virtudes del campo y los valores que quieres transmitir a través de esto a otras personas. Supongo que es country rock, pero en el sentido británico. Todo está entregado con una buena cantidad de música fuerte. Hay grandes riffs de guitarra y mucha flauta también. Y se enoja un poco, pero con un propósito". Clasificó la canción como una de sus 10 mejores canciones de Jethro Tull.

1503.- Go Your Own Way - Fleetwood Mac

 

Go Your Own Way, Fleetwood Mac

     Aunque han tenido varias formaciones a lo largo de los años, la versión de Fleetwood Mac que alcanzó lo que entonces era su nivel más alto de fama también estuvo plagada de los desafíos internos más estimulados por las relaciones personales. Esa formación estaba compuesta por los miembros "clásicos": Stevie Nicks, Christine McVie, Lindsey Buckingham, Mick Fleetwood y John McVie. Los músicos de la banda durante esta fase jugaron con sus relaciones personales entre sí: salieron, se casaron, se pelearon, se divorciaron y tocaron juntos de la misma manera. Plasmaron brillantemente todas estas vivencias personales en Rumours, publicado en 1977.

Incluido en este álbum se encuentra Go Your Own Way, compuesta por el guitarrista, cantante y compositor Lindsey Buckingham, una de esas miradas a sus experiencias.  Buckingham escribió la canción sobre su entonces novia Stevie Nicks y su complicada separación. La canción fue lanzada como su primer sencillo del álbum en diciembre de 1977 a través de la discográfica Warner Bros. Records. Obtuvo el puesto 10 en la lista Billboard Hot 100 de los Estados Unidos, mientras que en el Reino Unido alcanzó la posición 38 en la lista UK Singles Chart. 

Mentras se grababa Rumours, el matrimonio de John y Christine McVie, ambos miembros de la banda, estaba llegando a su fín al igual que la relación entre Buckinham y Nicks. Con dos parejas que seestaban separando durante las sesiones, la grabación del álbum podía intuirse bastante tensa, pero gracias en gran parte a los productores Richard Dashut y Ken Caillat, consiguieron que el grupo canalizara todo los sentimientos y resentimientos y los canalizaran a través de las canciones. En ese contexto escribió Buckingham Go Your Own Way y describía su ruptura, con frases como "Empacar y vivir juntos es todo lo que quieres hacer". y concluía: "él está mejor sin ella - ella puede seguir su propio camino en lo que a él respecta". Stevie Nicks siempre insistió en que ella nunca había mantenido una relación con nadie más mientras salían y quería que Lindsey Buckingham quitara la frase, pero él se negó. Sobre la canción, en el año 2009 Nicks afrimó a la revisyta Q: "Ciertamente era un mensaje dentro de una canción, y no muy agradable, por cierto".

1502.- Lost in France - Bonnie Tyler

"Lost in France" es uno de los grandes éxitos de la cantante galesa Bonnie Tyler, para muchos la canción refleja la esencia de la transición musical de los años 70, fusionando el pop con toques de rock, y marcando el inicio de la carrera internacional de Tyler. La canción fue compuesta por Roger Ferris y David Mackay, se convirtió en un emblema de la música pop y rock de la época, y puso a Bonnie Tyler como una de las artistas más prometedoras de la escena musical británica, marcando un punto de inflexión para Bonnie Tyler en su carrera, "Lost in France" la catapultó al ámbito internacional. Su éxito fue particularmente notable en Europa, donde la canción alcanzó posiciones destacadas en las listas de popularidad.

La canción es un relato de una mujer que se encuentra atrapada en una situación de confusión tanto emocional como donde esta, ya que se siente completamente perdida en un lugar extranjero, en este caso, Francia. El tema trata de la búsqueda del amor y la sensación de desconcierto al estar lejos de casa, en un entorno desconocido, a través de sus letras, Tyler transmite una sensación de vulnerabilidad, pero también de fortaleza, en medio de la confusión y el desamparo. Desde el inicio, la energía hace acto de presencia y se hace con la canción, la voz potente de Bonnie Tyler destaca, sin duda es una de las características más destacada, Tyler es conocida por su timbre rasposo y emotivo, y en esta canción, esa cualidad vocal se convierte en una de las fuerzas principales que dan vida al tema. La interpretación vocal de Tyler es apasionada y desbordante de sentimiento, la intensidad de su voz subraya la sensación de desesperación y anhelo que recorre la letra de la canción, donde la protagonista está atrapada en la encrucijada de sentirse sola y perdida, pero también con la esperanza de encontrar algo o alguien que la ayude a encontrar su camino. La música tambien juega un papel crucial en la atmósfera de la canción, la base combina el sonido de guitarras eléctricas, batería y teclados, creando un contraste entre la suavidad de las melodías y la potencia de los riffs de guitarra. Es una mezcla de pop y rock suave, que con el paso de los años se consolidaría como un estilo característico de la cantante. Otra de las particularidades es que la introducción es tranquila y atmosférica, mientras que el estribillo se convierte en un estallido emocional, que se repite para acentuar el sentimiento de pérdida y desesperación. 

Aunque a lo largo de los años Bonnie Tyler ha evolucionado como artista, "Lost in France" permanece como una de sus canciones más queridas, una muestra de la honestidad y el poder de su música. La capacidad de esta canción para conectar con el oyente, tanto a nivel emocional como sonoro, es lo que la mantiene relevante incluso después de tantos años desde su lanzamiento.

Metallica - Master of Puppets (Mes Metallica)

 

Master of Puppets, Metallica

     El álbum Master of Puppets de la banda estadounidense Metallica está considerado como uno de los mejores espectáculos de heavy metal de toda la historia. Este álbum demuestra un equilibrio perfecto entre un tempo alto y toques de guitarra moderados con potentes y perturbardores ritmos. Estamos ante una de las bandas de heavy metal de mayor éxito comercial en el mundo. Se estima que ha vendido 120 millones de copias de álbumes, además de haber obtenido varios premios Grammy.

Master of Puppets es su tercer álbum de estudio. Fue grabado entre el 1 de septiembre y el 27 de diciembre de 1985, en los Sweet Silence Studios de Copenhague, Dinamarca, bajo la producción de Flemming Rasmussen y del propio grupo, y publicado el 2 de marzo de 1986 por el sello discográfico Elektra Records. Este fue el útlimo aparecería el bajista Cliff Burton, pues fallecería, mientras se encontraba de gira de apoyo del disco, el 27 de septiembre de 1986 después de que el autobús de gira de la banda se viera involucrado en un accidente en la localidad de Dörarp, Suecia. 

Master of Puppets alcanzó el puesto número 29 en el Billboard 200 y recibió elogios generalizados de los críticos, que elogiaron su música y sus letras comprometidas politicamente. Está considerado como uno de los mejores y más influyentes álbumes de metal de todos los tiempos, y se le considera fundamental para la consolidación de la escena del thrash metal estadounidense . En el año 2003 Fue certificado seis veces platino por la Recording Industry Association of America (RIAA) por vender seis millones de copias en los Estados Unidos, y más tarde fue certificado seis veces platino por Music Canada y platino por la British Phonographic Industry (BPI). En 2015, Master of Puppets se convirtió en la primera grabación de metal en ser seleccionada por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos para su preservación en el Registro Nacional de Grabaciones por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". 

En el proceso de creación del álbum, La banda no estaba satisfecha con la acústica de los estudios estadounidenses que estaban sondeando para grabar, y decidieron hacerlo en la Dinamarca natal de Ulrich. Ulrich se puso en contacto con el bajista y vocalista de Rush, Geddy Lee, para producir el álbum, pero la colaboración nunca se materializó debido a la problematica de poder cuadrar las agendas.  Metallica al final se decantó para grabar el álbum por el productor Flemming Rasmussen. La escritura de todas las canciones excepto Orion y The Thing That Should Not Be fue completada antes de la llegada de la banda a los estudios de Copenhague. El productor Rasmussen comentó que la banda había traído las demos de las canciones bien preparadas y solo se tuvieron que hacer ligeros cambios a las composiciones en el estudio. La evolución y sentido de mejorar de la banda quedó patente en este disco, que tardó bastante más tiempo que su disco anterior en grabarse, pues habían desarrollado un gran sentido de perfeccionismo. Sus ambiciones musicales habían crecido, y buen ejemplo de ello fue que Ulrich tomara lecciones de batería y Hammett se pusiera a trabajar con Joe Satriani para aprender a grabar de manera más eficiente.

El grupo quiso evitar la producción pulida y los sintetizadores de los álbumes contemporáneos de hard rock y glam metal, y sus componentes, que tenían reputación de bebedores, decidieron mantenerse sobrios los días de grabación. Hammett recordaba al respecto: "simplemente estaba haciendo otro álbum en ese momento y no tenía idea de que el disco tendría una gama de influencias tan amplia como la que tuvo". También dijo que el grupo estaba "definitivamente en su apogeo" en ese momento y que el álbum tenía "el sonido de una banda que realmente se estaba consolidando, que realmente estaba aprendiendo a trabajar bien en conjunto". 

El diseño de la portada fue obra de Metallica y del mánager musical estadounidense Peter Mensch,  y pintado por Don Brautigam. Dicha portada muestra un cementerio con cruces blancas atadas a cuerdas, manipuladas por un par de manos en un cielo nublado y rojo sangre, con un resplandor naranja intenso en el horizonte. En lugar de lanzar un sencillo o un video antes del lanzamiento del álbum, el grupo se embarcó en una gira estadounidense de cinco meses en apoyo de Ozzy Osbourne. La etapa europea se canceló después de la muerte de Burton en septiembre de 1986, y la banda regresó a casa para audicionar a un nuevo bajista. La banda decidió burlarse de las pegatinas de advertencia promocionadas por el PMRC (Centro de Recursos Musicales para Padres), colocando una burlona etiqueta que rezaba: "La única canción que probablemente no querrás reproducir es 'Damage, Inc.'" "debido al uso repetido de la infame palabra "F". Por lo demás, no hay " mierdas", "jode", "mea", "coño", "hijo de puta" ni "chupapollas" en ningún lugar de este disco".

Master of Puppets presenta un enfoque y una interpretación más refinados en comparación con los dos álbumes anteriores, con canciones con múltiples capas y dotadas de una gran destreza técnica. Aunque hay una gran similitud en la secuencia de las pistas con su álbum anterior, Ride the Lightning (ambos abren con una canción de ritmo rápido con una introducción acústica, seguida de una larga canción principal y una cuarta pista con cualidades de balada), la musicalidad en Master of Puppets es más poderosa y épica en alcance, con ritmos ajustados y delicados solos de guitarra, introduciendo un nuevo nivel de pesadez y complejidad en el thrash metal, mostrando canciones atmosféricas y ejecutadas con gran precisión. La voz de Hetfield había madurado desde el grito ronco de los primeros dos álbumes a un estilo más profundo y controlado, pero agresivo.

Las canciones exploran temas como el control y el abuso de poder, y sus letras describen las consecuencias de la alienación, la opresión y los sentimientos de iimpotencia. Comienza el álbum con Battery, que hace referencia a la violencia furiosa. Algunos críticos sostuvieron que el título en realidad se refiere a una batería de artillería, y lo interpretaron como "Hetfield [cantando] una táctica de guerra como el agresor" personificando la destrucción. La canción comienza con guitarras acústicas con un bajo muy pesado que se construyen sobre capas multipistas hasta que se unen a una pared sónica de guitarras eléctricas distorsionadas, para luego romper con riffs rápidos y agresivos . Hetfield improvisó el riff mientras se encontrab de relax en Londres. Master of Puppets es la canción que da título al disco y consta consta de varios riffs con compases irregulares y una sección central bien elegida con un solo melódico. La canción es una clara alusión a las drogas, "el Maestro está moviendo tu hilos, retorciendo tu mente y destrozando tus sueños". Las drogas son el Maestro mientras que el consumidor es el títere. The Thing That Should Not Be está inspirada en el Mito de Cthulhu creado por el famoso escritor de terror HP Lovecraft, con notables referencias directas a La sombra sobre Innsmouth y al propio Cthulhu, que es el tema del estribillo de la canción. Se considera la pista más pesada del álbum, con el riff principal emulando a una bestia arrastrándose hacia el mar. Se perciben las influencias de Black Sabbath en las guitarras, que están afinadas hacia abajo, creando un ambiente lento y melancólico. Cierra la cara B Welcome Home (Sanitarium). La canción se basa en la novela One Flew Over the Cuckoo's Nest de Ken Kesey y transmite los pensamientos de un paciente injustamente enjaulado en una institución mental. La canción está estructurada con guitarras sombrías y limpias alternadas en los versos y riffs pesados ​​y distorsionados en los coros, que se desarrollan en un final agresivo.

Abre la cara B Disposable Heroes, una canción contra la guerra sobre un joven soldado cuyo destino está controlado por sus superiores. Con secciones interpretadas a 220 pulsaciones por minuto, es una de las pistas más intensas del disco. El pasaje de guitarra al final de cada verso era la imitación que hacía la guitarra de Hammett del tipo de música que encontraba en las películas de guerra. El riff sincopado de Leper Messiah desafía la hipocresía del teleevangelismo que surgió en la década de 1980. La canción describe cómo las personas se convierten voluntariamente en seguidores religiosos ciegos que hacen sin pensar lo que se les dice. Orion es una pieza instrumental de varias partes donde destaca sobremanera el bajo de Burton. Comienza con una sección de bajo con fundido de entrada, muy procesada para parecerse a una orquesta. Continúa con un riff de medio tiempo, seguido de un riff de bajo a medio tiempo. El tempo se acelera durante la última parte y termina con la música desvaneciéndose. Burton arregló la sección central, que presenta su línea de bajo melancólica y armonías de guitarra de varias partes. Cierra este gran álbum Damage, Inc., que se dedica a despotricar sobre la violencia sin sentido. Comienza con una serie de acordes de bajo invertidos basados ​​en el preludio coral de "Come, Sweet Death" de Bach. La canción luego salta a un ritmo rápido con un riff de pedal en E tocado por Hammet. Para dicho riff Hammet fue influenciado y se basó en el grupo Deep Purple.

Aunque Master of Puppets no supuso un paso tan gigantesco como Ride the Lightning (1984), fue el mayor logro de la banda, siendo aclamado como una obra maestra hasta por críticos muy alejados del público principal del heavy metal. También fue un éxito sustancial, llegando al Top 30 y vendiendo tres millones de copias a pesar de una difusión absolutamente inexistente. Es posible que no nos resulte su escucha tan sorprendente como Ride the Lightning, pero Master of Puppets se siente más unificado, tanto temática como musicalmente. Todo en el álbum parece llevado a proporciones épicas (de hecho, las canciones son mucho más largas en promedio), y la banda demuestra tener más control en la dirección del álbum y una gran progresión en su evolución musical.

1501.- Warszawa - David Bowie

Antes de grabar "Warszawa" (Varsovia), Bowie había estado en la ciudad una vez en su vida, durante unas horas. Había pasado por Polonia en mayo de 1973, viajando de Moscú a Berlín Occidental, pero no había bajado del tren. En abril de 1976, Bowie e Iggy Pop tomaron un tren de Zúrich a Moscú, de nuevo vía Polonia. Según la biografía de Iggy Pop escrita por Paul Trynka: Vieron pueblos todavía marcados por agujeros de bala y un paisaje marcado por cráteres de bombas sin reparar; al acercarse a un tren de mercancías en Varsovia, presenciaron a un trabajador descargando carbón pieza por pieza en el aguanieve gris y gélido. En Varsovia, el tren se quedó detenido durante unas horas en Dworzec Gdański (estación de trenes de Gdansk), por lo que Bowie salió a dar un paseo por el distrito Żoliborz de Varsovia, en lo que entonces se llamaba Plac Komuny Paryskiej (Plaza de la Comuna de París) (desde entonces ha sido rebautizada con su nombre original, Plac Wilsona). Años más tarde, los fans polacos de Bowie contarían su paseo, casi paso a paso. Bowie se detuvo en una tienda de discos y compró algunos LP del conjunto de canto y danza folk Śląsk , uno de los cuales incluía la composición de Stanisław Hadyna "Helokanie". De estas escasas impresiones Bowie hizo un mundo, o al menos una ciudad. El himno melancólico de más de seis minutos que abre la parte “nocturna” de Low no le puso el nombre de Moscú, una ciudad de la que había tenido alguna experiencia, ni de Berlín, su futuro hogar, sino de Varsovia, una ciudad que sólo había vislumbrado. Tal vez Varsovia fuera sólo un lienzo más vacío, o tal vez algo en la ciudad resonó en Bowie durante su breve paseo. Acababa de salir de Los Ángeles, una ciudad de sueños profesionales; había crecido en un Londres que experimentaba una breve segunda infancia; había hecho su arte a partir de invenciones: cantantes de rock imaginarios, distopías de cómic alegremente violentas. Varsovia tenía poco de esto. Lo que Varsovia tenía era el residuo férreo de la historia: fue casi arrasada durante la guerra, una gran parte de su población asesinada en campos de exterminio, en levantamientos fallidos, en represalias. Para Bowie, era una ciudad caída, una ciudad conquistada, una ciudad abandonada a los espías y al invierno.

La canción que Bowie bautizó con el nombre de Varsovia comienza con un sonido lento, el sonido de una campana fúnebre tocada por un niño al piano.  Los instrumentos eran principalmente el pequeño grupo de sintetizadores que Bowie y Eno habían traído a las sesiones (EMS y Minimoog de Eno, Chamberlin de Bowie) junto con la pequeña colección de ARP del estudio (y posiblemente alguna guitarra tratada). Tanto los sintetizadores como el piano tocan las octavas A o C que suenan continuamente por debajo de gran parte de la pieza; el Chamberlin hace las veces de sección de viento. Como la música de “Warszawa” es obra de una orquesta sintética, un puñado de máquinas que hacen las veces de docenas de instrumentos, sus voces son un coro de la voz manipulada de un solo hombre. Bowie canta las primeras líneas con su habitual voz de barítono. Luego, comenzando con “cheli venco”, Bowie cantó en una cinta que Visconti había ralentizado dos semitonos: reproducida a velocidad normal, la voz de Bowie se había convertido en la de un niño. El punto culminante creativo de Low , “Warszawa” es una de las obras más sublimes de Bowie, y su influencia se sentiría durante años. Ian Curtis estaba tan obsesionado con la canción que le puso su nombre a su grupo de punk. “The Electrician” de Scott Walker parece inspirada en el inicio sonoro de “Warszawa” (la mayoría de las contribuciones de Walker a Nite Flights , un disco de los Walker Brothers de 1978, son reacciones a Low y “Heroes” ).

1500.- Dreams - Fleetwood Mac

 

"Dreams" es uno de los platos fuertes del icónico disco de la banda británica Fleetwood Mac "Rumours" (Warner Records, 1977), y el segundo single que se lanzó para su promoción tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido. Como sencillo, fue el único de la banda que logró alcanzar el primer puesto del Billboard Hot 100 estadounidense.

Escrita por la vocalista Stevie Nicks en 1976 mientras estaban grabando temas en los estudios Record Plant de California, es una de las canciones más famosas y reconocidas del grupo. La inspiración le llegó a Stevie en aquel momento, y de una manera tan clara que tuvo una primera versión de la letra en tan solo diez minutos. El grupo vio en "Dreams" un filón dorado, y al día siguiente ya grabaron en el estudio una versión con batería y sintetizadores, que completaron días después con el bajo y las guitarras.

Muchos años después, y tras ser versionada por diversos grupos de generaciones posteriores (es especialmente destacable la versión que The Coors realizó en 1998), en 2020 tuvo un gran repunte de popularidad gracias a su utilización en publicaciones de TikTok, lo que provocó que volviera a entrar en las listas de ventas de muchos países, y en plataformas más actuales como Spotify o Apple Music. Y desde hoy, para los que formamos 7dias7notas.net, "Dreams" tendrá para ya para siempre un lugar especial en nuestros corazones, ya que es la canción 1500 que reseñamos en esta sección de "Historia de la Música en Canciones"​.

Disco de la semana 416 - This is Gracious! - Gracious

Esta semana nos ilusiona traer al disco de la semana de 7dias7notas.net un álbum de Gracious, una banda británica de rock progresivo relativa e injustamente desconocida para el gran público, que en sus comienzos llegó a telonear a The Who, y que en solo llegó a sacar tres discos de estudio: Gracious! (1970), This Is...Gracious! (1971) y Echo (1996), y nos vamos a detener a comentar el segundo de ellos, que para nosotros es el mejor de su breve pero intensa trayectoria. This Is...Gracious! salió a la venta con el grupo ya separado tras su breve primera etapa (estuvieron juntos de 1967 a 1971, y el tercer disco "Echo" es una obra mucho más reciente y tras décadas de separación), y la falta de interés de los medios en promocionar una oba de una banda ya disuelta repercutió en que se haya convertido en un disco casi desconocido y, al mismo tiempo, de culto en el mundillo del rock progresivo.

Calidad no le falta, especialmente si hablamos del tema "Supernova", que abre el disco y es la pieza central del mismo, y que de hecho iba a ser originalmente la que le diera título. Hablamos de un tema que destaca por sus 25 minutos de rock progresivo y cambiante, una larga suite dividida en cuatro partes diferenciadas: El tramo instrumental de Arrival of the Traveller da paso a la sombría Blood Red Sun, una historia distópica y fantasmagórica de ritmo marcial, mellotron y tambores que recuerda por momentos a King Crimson, que desemboca en Say Goodbye to Love, un tramo de balada de guitarras acústicas y melodías pop, antes de llegar a un último tramo (Prepare to meet thy maker), en el que vuelven a terrenos progresivos, con un marcado órgano y unos grandilocuentes coros que le dan a "Supernova" un final épico y trascendente. 

C.B.S. vuelve a un minutaje más tradicional, si se le puede llamar así a sus más de siete minutos de duración, un buen tema basado en ritmos más animados y un típico riff de blues rock de los años setenta, todo ello aderezado por cambios de ritmo en los que el mellotron y los solos de guitarra cobran gran protagonismo. Le sigue Once on a Windy Day, intensa balada de aires pop setenteros y grandes coros, en uno de los momentos más destacados y armoniosos del disco, que de nuevo contrasta con el arranque instrumental y progresivo de Blue Skies And Alibis, que alterna tramos de instrumentación intensa con partes vocales más pausadas, con un tramo central en el que las guitarras eléctricas se desatan en una nueva vuelta de tuerca progresiva. Es uno de los temas más "generosos" del álbum, plagado de idas y venidas sonoras y en el que no falta tampoco un buen solo de batería para completar el conjunto. 

Hold Me Down es el tema que cierra el álbum, y lo hace con un nuevo riff afilado y un tratamiento rítmico más animado y el mismo gusto por los coros intensos y grandilocuentes. A mitad de tema hay un corte abrupto, y el teclado comanda una nueva sesión de desarrollo progresivo, en el que dan rienda suelta de nuevo a la guitarra eléctrica y al mellotron, antes de volver a la estructura sonora del primer tramo de la canción, y cerrar después This Is...Gracious! de la peor manera posible, porque en un disco así era de esperar un final grandioso y épico, y en su lugar optan por un fade out tan inoportuno como a destiempo.

Y no es que nos apetezca especialmente terminar en negativo la reseña de un disco tan bueno, pero la realidad es que no se explica muy bien por qué no se curraron un final a la altura del resto del álbum. Quizá tuviera que ser así, y This Is...Gracious! sea, literalmente y como su nombre indica, una descripción de lo que fue el grupo, y por tanto sea un final abrupto y sin sentido lo que la obra de una banda ya separada mereciera. Y entonces no habría mucho más que decir, porque tras el fade out solo queda el silencio, y el silencio es la mejor de las metáforas con las que definir el final de una banda de rock. Esto es lo que hay. Esto es... Gracious!

1499- Fleetwood Mac - Don't Stop

1502- Fleetwood Mac - Don't Stop

Fleetwood Mac, una banda conocida por su capacidad para fusionar estilos y emociones, nos entregó en 1977 una canción que ha dejado una huella imborrable en la música: "Don't Stop". Este tema, incluido en su álbum Rumours, no solo destaca por su calidad musical, sino también por el contexto emocional en el que fue creado. Escrita principalmente por Christine McVie, la canción es un mensaje de esperanza y un llamado a mirar hacia adelante, incluso cuando el pasado parece querer retenernos.

Desde sus primeros compases, "Don't Stop"* atrapa al oyente con un ritmo vibrante y una melodía que irradia positividad. La voz de Christine McVie, cálida y llena de convicción, se combina con los arreglos de guitarra de Lindsey Buckingham y la base rítmica sólida de Mick Fleetwood y John McVie. La producción, característica del sonido pulido y equilibrado de Rumours, permite que cada elemento musical tenga su espacio, creando una atmósfera que es a la vez energizante y reconfortante.

La letra de la canción es un reflejo de la resiliencia. Frases como "Don't stop thinking about tomorrow, don't stop, it'll soon be here" resuenan como un recordatorio de que, por más difíciles que sean los momentos, siempre hay un futuro por delante. En el caso de Fleetwood Mac, este mensaje adquiere un significado especial. Durante la grabación de Rumours, la banda enfrentaba tensiones internas: rupturas amorosas, desacuerdos creativos y egos en conflicto. Sin embargo, "Don't Stop" emerge como un destello de luz, una invitación a dejar atrás lo negativo y abrazar lo que está por venir.

Años después, la canción trascendió el ámbito musical para convertirse en un símbolo de cambio. En 1992, Bill Clinton la adoptó como parte de su campaña presidencial, asociando su mensaje de renovación con su visión política. Este hecho no solo revitalizó la popularidad de la canción, sino que también demostró su capacidad para inspirar a personas en distintos contextos.

Musicalmente, "Don't Stop" es un ejemplo destacado del soft rock de los 70. Su coro pegajoso, el puente que eleva la energía y las armonías vocales entre McVie y Buckingham son elementos que la hacen memorable. La interpretación de McVie transmite una autenticidad que conecta directamente con el oyente, mientras que la colaboración entre los miembros de la banda refleja, a pesar de las dificultades, un espíritu de unidad.

"Don't Stop" es una canción que trasciende el tiempo, no solo por su calidad musical, sino por su mensaje universal. En un mundo donde las adversidades son inevitables, su llamado a pensar en el mañana sigue siendo tan relevante como lo fue en 1977. Fleetwood Mac logró capturar en esta canción un sentimiento que resuena con cualquiera que haya enfrentado desafíos, recordándonos que siempre hay motivos para seguir adelante.

Daniel 

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1498.- The Chain - Fleetwood Mac

 

The Chain, Fleetwood Mac

     El 4 de febrero de 1977 la banda de rock británica Fleetwood Mac publica su undécimo álbum de estudio, Rumors. Fue grabdo entre febrero y agosto de 1976 en los Criteria Studios de Miami, los Record Plant Studios de Los Angeles, En el Zellerbach Auditorium de Berkeley y en Wally Heider's Studio 3 de Hollywood. El disco fue producido por el grupo y por Ken Caillat y Richard Dashut, y publicado bajo el sello discográfico Warner Bros. Records. Las sesiones de grabación se llevaron a cabo mientras los miembros de la banda lidiaban con rupturas amorosas y luchaban contra el consumo excesivo de drogas, los cuales dieron forma a la dirección y las letras del álbum. La idea era hacer "un álbum pop" que ampliara el éxito comercial del álbum Fleetwood Mac de 1975. Rumours contiene una mezcla de instrumentación eléctrica y acústica, así como ritmos acentuados, guitarras y teclados. Sus letras tratan sobre relaciones personales y a menudo problemáticas. Su lanzamiento se pospuso por demoras en el proceso de mezcla del material del disco. El álbum se convirtió en el primer álbum número uno de la banda en la lista de álbumes del Reino Unido y también encabezó el Billboard 200 de Estados Unidos. Recibió certificaciones multiplatino en Australia, Canadá, Dinamarca, Nueva Zelanda, el Reino Unido y los Estados Unidos.

Fruto de estos problemas y tensipones en el seno de la banda nace The Chain, que además es la única canción del disco en la que todos los miembros, colaboraron y aprecen acreditados, Stevie Nicks, Lindsey Buckingham, Christine McVie, John McVie y Mick Fleetwood. La canción tiene una estructura básica de rock, aunque tiene dos partes distintas: la estrofa principal y el estribillo. También podmeos apreciar influencias del hard rock , el folk y el country. Stevie Nicks escribió la letra sobre Lindsey Buckingham cuando su relación se estaba desmoronando. Buckingham y Nicks comparten la voz principal en la canción. Se juntaron fragmentos de distintas tomas de estudio para formar la canción. La línea de bajo que suena aproximadamente a los 3 minutos de la canción fue escrita de forma independiente por John McVie, quien originalmente planeaba usarla en una canción diferente. Originalmente esta canción comenzó como una canción completamente diferente de Christine McVie llamada Butter Cookie (Keep Me There)", que está disponible en la edición ampliada de Rumours . El comienzo de la canción no funcionaba, pero a la banda le encantó el final de Mick Fleetwood y John McVie, que ahora estaba grabado. Entonces, contaron hacia atrás desde la línea de bajo, usaron el bombo como metrónomo, Nicks accedió a dar las letras de los versos, Buckinghan y Christine McVie escribieron la música y la letra del estribillo y Lindsey agregó la guitarra sobre el final. Así nació The Chain como la conocemos.

Ride the Lightning de Metallica (1984): Un hito en la historia del thrash metal (Mes Metallica)

Álbum Ride the Lightning de Metallica (1984): Un hito en la historia del thrash metal #mesMetallica

Este mes, dedicado a explorar los álbumes más icónicos, nos sumergimos en el segundo trabajo de estudio de una de las bandas más influyentes del metal: Metallica. Su álbum Ride the Lightning, lanzado en 1984, no solo consolidó a la banda como pioneros del thrash metal, sino que también marcó un punto de inflexión en el género, combinando agresividad, técnica y profundidad lírica en un disco que sigue siendo relevante casi cuatro décadas después.

Metallica, formada en 1981, ya había demostrado su potencial con su debut Kill 'Em All (1983), pero fue con Ride the Lightning que la banda elevó su propuesta a un nivel completamente nuevo. Este álbum no solo es más maduro en términos musicales, sino que también explora temas más oscuros y complejos, desde la pena de muerte hasta la depresión y la destrucción nuclear. Con una duración de aproximadamente 47 minutos, Ride the Lightning es un viaje emocional y musical que todo amante del metal debería experimentar.

El álbum comienza con una introducción engañosa: una suave melodía acústica que pronto da paso a un estallido de riffs rápidos y agresivos. "Fight Fire with Fire" es una declaración de intenciones, una canción que aborda temas apocalípticos y la destrucción nuclear. La letra refleja el miedo y la paranoia de la Guerra Fría, con un mensaje contundente: la humanidad está al borde de su propia destrucción. La velocidad y precisión de James Hetfield y Kirk Hammett en las guitarras, junto con la batería implacable de Lars Ulrich, establecen el tono para lo que será un álbum lleno de energía y crudeza.

La canción que da título al álbum es una obra maestra del thrash metal. Con un riff icónico y un ritmo implacable, "Ride the Lightning" aborda el tema de la pena de muerte, específicamente la silla eléctrica. La letra, escrita desde la perspectiva de un condenado, es desgarradora y reflexiva, mostrando la capacidad de Metallica para combinar agresividad musical con profundidad temática. El solo de Kirk Hammett es uno de los más memorables del álbum, lleno de emoción y técnica.

Una de las canciones más reconocibles de Metallica, "For Whom the Bell Tolls" es un himno del metal que destaca por su pesado riff de bajo, interpretado por Cliff Burton. Inspirada en la novela homónima de Ernest Hemingway, la canción explora temas de guerra, muerte y sacrificio. El ritmo lento pero poderoso, combinado con la voz grave de Hetfield, crea una atmósfera oscura y épica. El uso del bajo como instrumento principal en esta canción demuestra la influencia de Burton en la banda y su capacidad para innovar dentro del género.

"Fade to Black" es una balada oscura y emotiva que marca un punto de inflexión en la carrera de Metallica. La canción aborda temas de depresión, desesperación y suicidio, con una letra profundamente personal y melancólica. Comienza con una suave introducción acústica que gradualmente se transforma en un poderoso crescendo de guitarras eléctricas. Este tema muestra una faceta más introspectiva de la banda, demostrando que el thrash metal no está limitado a la velocidad y la agresividad, sino que también puede ser profundamente emocional y reflexivo.

Con un ritmo frenético y riffs cortantes, "Trapped Under Ice" es una canción que refleja la angustia y el miedo de estar atrapado en una situación de la que no se puede escapar. La letra describe a alguien que se despierta bajo el hielo, incapaz de moverse o respirar, lo que crea una sensación de claustrofobia y desesperación. La energía de la canción es contagiosa, con un solo de guitarra que destaca por su velocidad y precisión. Es una muestra más de la capacidad de Metallica para crear thrash metal intenso y técnico.

A menudo considerada la canción más "comercial" del álbum, "Escape" tiene un enfoque más melódico y accesible en comparación con el resto de las canciones. Sin embargo, esto no significa que carezca de fuerza. La letra habla de la lucha por liberarse de las expectativas y presiones externas, con un mensaje de resistencia y determinación. Aunque no es tan agresiva como otras canciones del álbum, "Escape" demuestra la versatilidad de Metallica y su capacidad para experimentar con diferentes estilos dentro del metal.

"Creeping Death" es una de las canciones más icónicas de Metallica y un clásico en sus conciertos en vivo. Inspirada en la historia bíblica de las plagas de Egipto, la canción combina un riff poderoso con una letra épica y visual. El coro, con su grito de "¡Die!", es uno de los más memorables de la banda. La energía y la intensidad de "Creeping Death" la convierten en un punto culminante del álbum, y su impacto en el thrash metal es incuestionable.

El álbum cierra con "The Call of Ktulu", una instrumental que muestra el lado más experimental y progresivo de Metallica. Inspirada en la obra de H.P. Lovecraft, la canción crea una atmósfera oscura y misteriosa, con cambios dinámicos y un uso magistral de las guitarras y el bajo. Cliff Burton brilla en esta canción, con un solo de bajo que añade profundidad y complejidad a la composición. "The Call of Ktulu" es una prueba más de que Metallica no solo era una banda de thrash metal, sino también un grupo con una visión artística ambiciosa.

Ride the Lightning es un álbum que define no solo a Metallica, sino también al thrash metal como género. Con una combinación perfecta de agresividad, técnica y profundidad lírica, este trabajo demostró que el metal podía ser tanto intelectual como visceral. Desde la furia de "Fight Fire with Fire" hasta la introspección de "Fade to Black" y la épica instrumentalidad de "The Call of Ktulu", cada canción en este álbum es una pieza esencial en la historia del metal. Ride the Lightning no solo consolidó a Metallica como una de las bandas más importantes de su generación, sino que también sentó las bases para su futuro éxito y evolución. Es, sin duda, un álbum que sigue resonando con fuerza casi cuatro décadas después de su lanzamiento.

Si aún no has escuchado Ride the Lightning, este es el momento perfecto para hacerlo. Y si ya lo conoces, ¿por qué no volver a él y redescubrir su poder? ¡Déjanos tus impresiones en los comentarios y cuéntanos cuál es tu canción favorita de este álbum!

Daniel 

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1497- Spinetta - Cancion para los dias de la vida

1498- Spinetta - Cancion para los dias de la vida

Luis Alberto Spinetta, uno de los pilares fundamentales del rock argentino y latinoamericano, nos regaló a lo largo de su carrera una obra vasta y profunda, llena de poesía, introspección y una conexión única con la vida y el universo. "Canción para los días de la vida", incluida en el álbum "a 18 de sol", es una de esas piezas que encapsula la esencia de su genialidad. Este tema no solo es una canción, sino un viaje emocional y filosófico que invita a reflexionar sobre el paso del tiempo, la existencia y la búsqueda de sentido.

Desde el primer acorde, la canción envuelve al oyente en una atmósfera melancólica pero esperanzadora. La guitarra de Luis Alberto Spinetta, delicada y expresiva, teje un paisaje sonoro que fluye entre la tristeza y la belleza. La letra, como es habitual en su obra, es poesía pura. Spinetta habla de los días que se van, de la fugacidad de la vida, pero también de la posibilidad de encontrar luz en medio de la oscuridad. Versos como "Y hoy busco en mi alma, una canción para los días de la vida" resuenan con una profundidad que trasciende lo musical, convirtiéndose en una meditación sobre la propia existencia.

La estructura de la canción es un reflejo de su mensaje. No sigue un formato convencional, sino que se desarrolla de manera orgánica, como si fuera un río que fluye sin prisa pero con determinación. Los cambios de tempo y los matices en la instrumentación añaden capas de significado, creando una experiencia auditiva que es tanto íntima como universal. Luis Alberto Spinetta no solo canta, sino que parece susurrar al oído del oyente, invitándolo a acompañarlo en este viaje introspectivo.

Uno de los aspectos más destacados de "Canción para los días de la vida" es su capacidad para evocar emociones contradictorias. Por un lado, hay una sensación de pérdida, de nostalgia por lo que ya no está; por otro, hay una celebración de la vida, de la posibilidad de seguir adelante y encontrar belleza en lo cotidiano. Esta dualidad es una constante en la obra de Spinetta, quien siempre supo equilibrar lo oscuro y lo luminoso con una maestría incomparable.

El legado de Luis Alberto Spinetta y de canciones como esta trasciende lo musical. "Canción para los días de la vida" es un recordatorio de que, a pesar de las dificultades y la fugacidad de la existencia, siempre hay espacio para la creación, la esperanza y el amor. Es una canción que no solo se escucha, sino que se siente y se vive. En un mundo cada vez más acelerado y superficial, temas como este nos recuerdan la importancia de detenernos, reflexionar y conectar con lo esencial.

"Canción para los días de la vida" es una obra maestra que resume la esencia de Luis Alberto Spinetta: un artista que supo transformar sus inquietudes y sueños en música que toca el alma. Es un regalo para quienes buscan algo más que entretenimiento, una canción que, como los días de la vida, permanece en la memoria y el corazón.

Daniel 

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1496.- Pigs (Three Different Ones) - Pink Floyd

 

"Pigs (Three Different Ones)" es junto a "Dogs" y "Sheep", uno de los temas centrales del disco conceptual "Animals" (1977), la fábula sonora de Roger Waters inspirada en la obra "Rebelión en la granja" de George Orwell, y el álbum que será siempre recordado por la mítica portada en la que "Algie", el globo con forma de cerdo, sobrevuela las icónicas chimeneas de la Central Eléctrica de Battersea, en Londres.

Cada canción de "Animals" representa a un colectivo de una imaginaria sociedad, en la que los "Pigs" ("cerdos") serían los que gobiernan y están en lo más alto de la escala social. Son seres poderosos y ambiciosos, dispuestos a todo por saciar su codicia, y cuentan con un ejército de "Dogs" ("perros") para imponer sus decisiones y reprimir cualquier protesta por parte de las "Sheeps" ("ovejas") que representarían a la sometida y desfavorecida clase trabajadora.

"Pigs (Three Different Ones)" se divide a su vez en tres partes diferenciadas, con una primera parte dedicada al "pig man" ("hombre cerdo") que representaría a un codicioso y desalmado hombre de negocios, y una segunda parte que critica a la clase política conservadora, y en concreto la figura de Margaret Thatcher, futura "dama de hierro" y la cabeza visible de la oposición en la época en la que se grabó el disco. Y para no dejar títere con cabeza, la tercera parte dispara contra Mary Whitehouse, la responsable de comunicación de su campaña, descrita como una "rata casera y orgullosa".

Musicalmente, "Pigs" es una gran oda oscura y plagada de curiosos detalles, como la manera en la que David Gilmour utiliza el "talk box" y procesa su voz a través de la guitarra para imitar el sonido de los cerdos, sobre una atmósfera de música oscura y angustiosa, o por el hecho de que fuera Gilmour y no Waters el que tocó el bajo, siendo este último el que se encargó de interpretar la estructura de guitarra rítmica en la que se basa la opresiva atmósfera de la canción.

1495- Pink Floyd - Sheep

1497- Pink Floyd - Sheep

Pink Floyd, una de las bandas más influyentes en la historia del rock progresivo, siempre ha sido conocida por su capacidad para combinar letras profundas y críticas sociales con una música innovadora y atmosférica. "Sheep", la tercera pista del icónico álbum Animals (1977), es un ejemplo perfecto de esta fusión. La canción no solo destaca por su complejidad musical, sino también por su mordaz crítica a la sociedad, específicamente a las masas que son manipuladas por aquellos en el poder.

Desde el inicio, "Sheep" sumerge al oyente en un ambiente inquietante y oscuro. La línea de bajo de Roger Waters, repetitiva y pulsante, establece un ritmo hipnótico que evoca una sensación de inevitabilidad, como si el destino de las "ovejas" estuviera sellado. Los teclados de Richard Wright añaden capas de textura, creando un paisaje sonoro que es a la vez futurista y ominoso. La guitarra de David Gilmour, aunque menos protagonista que en otras canciones de Pink Floyd, aparece en momentos clave para enfatizar la tensión y la rebelión latente en la narrativa de la canción.

Líricamente, "Sheep" es una sátira mordaz. Waters utiliza la metáfora de las ovejas para representar a la sociedad conformista, que sigue ciegamente a sus líderes sin cuestionar su autoridad. La letra está llena de ironía y sarcasmo, como cuando las ovejas, en un momento de lucidez, se rebelan contra sus opresores: "Bleating and babbling we fell on his neck with a scream / Wave upon wave of demented avengers march cheerfully out of obscurity into the dream". Este pasaje sugiere que, aunque la rebelión es posible, está condenada al fracaso o a ser absorbida por el mismo sistema que critica.

Uno de los momentos más memorables de la canción es la reinterpretación del Salmo 23 ("El Señor es mi pastor"), que Waters altera para reflejar la manipulación religiosa y política: "The Lord is my shepherd, I shall not want / He makes me down to lie / Through pastures green He leadeth me the silent waters by". Esta distorsión de un texto bíblico tan conocido refuerza la idea de que las instituciones, ya sean religiosas o políticas, son herramientas de control.

En términos de producción, "Sheep" es una obra maestra. La mezcla de sonidos orgánicos y sintéticos, junto con los efectos de sonido que imitan balidos de ovejas, crea una experiencia auditiva inmersiva. La canción también muestra la habilidad de la banda para construir climas emocionales, desde la desesperación hasta la furia contenida.

"Sheep" es una pieza fundamental en el catálogo de Pink Floyd. No solo es una crítica incisiva a la sociedad y sus estructuras de poder, sino también una demostración del genio musical de la banda. Con su combinación de letras provocativas, arreglos complejos y una atmósfera inquietante, "Sheep" sigue siendo relevante hoy en día, invitando a los oyentes a reflexionar sobre su papel en el rebaño.

Daniel 

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