1225.- Bungle in the Jungle - Jethro Tull

 

Bungle in the Jnngle, Jethro Tull

     El 14 de octubre de 1974 Jethro Tull publica su séptimo álbum de estudio, War Child, grabado entre dicembre de 1973 y febrero de 1974 bajo la producción de Ian Anderson y de Terry Ellis, y publicado por el sello discográfico Chrysalis Records. Fue lanzado casi un año y medio después del lanzamiento de su álbum A Passion Play (1973). El revuelo que había formado este anterior disco obligó al grupo a dar redas de prensa y explicar sus planes para el futuro. Tras el éxito de Thick as a Brick (1972), el grupo pasó un tiempo en París para grabar Chateau D'isaster Tapes, un proyecto de álbum que nunca se llegó a acabar.  Según el líder de la banda, Ian anderson, dicho trabajo inacabado tenía como objetivo centrarse en explorar a las parsonas, la condición humana, a través de analogías con el reino animal. Algunas de esas canciones pensadas para ese álbum acabaron viendo la luz en los posteriores A Passion Play y War Child.

Una de esas canciones que acabó viendo la luz en War Child es Bungle in the Jungle, la cual se convirtió en el más famoso y reconocible del disco. Esta canción presenta una estructura y arreglos más tradicionales, orientados hacia el rock. La canción presenta letras basadas en analogías entre animales y humanos, y fue lanzado también como sencillo, llegando a situarse entre los primeros 20 puestos de las listas de ventas en Estados Unidos y en el top 5 en Canadá. A pesar del éxito de la canción, Ian Anderson la vio como demasiado comercial y una canción menor dentro del exteno catálogo de la banda fuera de Norteamérica.

Electric Light Orchestra - ElDorado (Mes Electric Light Orchestra)

Todos tenemos fantasías de una forma u otra, yo intento hacer todo lo que está en mi poder para convertirla en realidad. Si mis esfuerzos son insuficientes, dejo la fantasía y me olvido de ella. Tengo poca paciencia para las fantasías, si no es real y no puedes hacerlo real, a la mierda. Los videojuegos de rol son una de las actividades favoritas para el tiempo libre y me recuerdan que cambiar el mundo es algo que no puedes hacer solo: necesitas formar un equipo con diversas habilidades y perspectivas para lograr tu objetivo. Eldorado es un juego de rol, el personaje principal nos lleva a través de varias de sus fantasías escapistas, he aquí un joven con toda la vida por delante. ¿Por qué se escapa? ¿Realmente tiene la intención de suicidarse, o planea internarse en una clinica, donde podrá pasar los días que le quedan en el país de los sueños una vez que lo encierren y tiren la llave? ¿Qué diablos está pasando aquí?. Recomiendo encarecidamente a los oyentes que escuchen  Eldorado en su totalidad y eviten la tentación de dividirlo en listas de reproducción, como ocurre con el Sgt. Pepper's, simplemente no puedes apreciar el impacto y la unidad fundamental del trabajo sin escucharlo de una sola vez. El primer detalle de estos sueños es la portada, que presenta las zapatillas de rubí de Dorothy auunque tiene poco que ver con la historia aparte de la conexión con el mundo de los sueños, pero sincroniza muy bien con el enfoque musical del álbum. La música orquestal de Eldorado recuerda mucho a las partituras que acompañaron a muchas películas de Hollywood en los años 30 y 40, una época en la que las películas parecían “mágicas”, en parte debido a la orquestación.

El disco abre con “Eldorado Overture”, los primeros sonidos identificables que escuchas no provienen de ELO sino de una orquesta de cámara, de todas las decisiones que influyeron en la produccion de Eldorado, esta es la que tuvo mayor impacto en el resultado final. Jeff Lynne quería una orquesta porque sentía que necesitaba una paleta de sonidos más amplia que la que su pequeño conjunto podía ofrecer, en lugar de contratar una orquesta de renombre, reunió a un grupo de treinta musicos con la ayuda del director Louis Clark y el pianista Richard Tandy. La orquesta se utiliza con un gran acierto a lo largo del álbum, a veces apoyando el estado de ánimo de una pieza en particular con sus diversas capacidades de colorido y otras imbuyendo la música con grandeza cinematográfica. Escuchamos esa conexión en la pista inicial que se abre con unos segundos de silencio, no escuchamos nada hasta unos cinco segundos después de comenzar la pista, y lo que escuchamos es una mezcla siniestra de sonidos no identificables. Unos momentos más tarde, escuchamos el descenso de violines relucientes acompañados de piano que se desvanece en un eco, seguido rápidamente por el sonido gradualmente creciente de timbales y cuerdas que a su vez nos lleva al tema musical principal, que esta dominado por  los rápidos descensos desde la sección de cuerdas. Ese pasaje se convierte en una breve coda, que se fusiona perfectamente con el segmento inicial de "Can't Get It Out of My Head”, la introducción emplea un patrón de acordes de piano simple, dando a las cuerdas un camino claro hacia la creación de un paisaje de ensueño, una melodía tranquila pero desesperada sobre un sueño. Muy bien producida y llena de motivos rockeros, orquestales y coros operísticos, esta canción se convertiría en la primera canción de Electric Light Orchestra, que llego como sencillo al Top 10 en los EE. UU. El primer verso describe el evento que motivará al protagonista a comenzar su búsqueda: la aparición de una mujer (“una visión de hermosura” según Jeff Lynne) que inspira un cambio en la perspectiva de la vida del protagonista (Soñador). Jeff Lynne le dijo a VH1 “que encontró inspiración para la canción en los ensueños incumplidos de un tipo común y corriente. "Se trata de un hombre en un sueño que ve esta visión de belleza, se despierta y descubre que en realidad es un empleado que trabaja en un banco", dijo. "Y no tiene ninguna posibilidad de conseguir o de hacer todas estas cosas maravillosas que pensó que iba a hacer en su vida”. A continuación llega “Boy Blue” un rock optimista con un mensaje que describe la reacción de la gente del pueblo ante el regreso de un soldado de la guerra. La canción está impulsada por el piano y el bajo durante los versos y los estribillos con una pausa para florituras orquestales sobre el piano durante la sección media, presenta el mito del héroe conquistador. La canción aparece directamente después del final lleno de coro de “Can't Get It Out of My Head”, lo que resulta un cambio algo abrupto, pero no resulta molesto, el tema comienza con un riff en el pasaje inicial, la orquesta varía la pieza insertando dos pasajes que involucran cuerdas en estilos tanto de arco recto como de pizzicato. “Laredo Tornado” comienza con una guitarra de rock pesada y monótona, pero pronto se asienta como una melodía soul y funk moderada, impulsada por el clavicordio, que se toma su tiempo para navegar por los primeros versos. La canción alcanza su clímax durante los estribillos con la voz aguda de Lynne y tiene un otro extendido para algunas partes de cuerdas que complementan el riff de guitarra inicial. Jeff Lynne nos brinda una de sus mejores voces, combinando valores de trsiteza con momentos en los que comunica la sensación de pérdida con una sinceridad desgarradora. “Poor Boy (The Greenwood)” regresa al rock n roll alegre de antaño, con el final de la canción tocando brevemente el tema principal dando por terminada la primera cara. Explora el mito de Robin Hood, el protagonista encuentra la felicidad en el bosque de Sherwood como un niño pobre que decide unirse con Robin Hood y sus alegres hombres y (¡ejem!) damas. Siempre me ha gustado el concepto de Robin Hood, nos vendría muy bien alguien que les robe a tanto guro de las finanzas y reparta la riqueza entre los necesitados. A nuestro amigo errante se le ve feliz en su nueva situación, porque ha encontrado una vida con un propósito significativo que está dispuesto a defender hasta la muerte.

La segunda cara comienza para muchos con una versión para piano eléctrico de “Across the Universe” de The Beatles (aunque sin acreditar y con letras alternativas), rebautizada como “Mister Kingdom”. La canción se divide en diferentes secciones, en ella encontramos a nuestro protagonista reflexionando sobre el propósito y el valor de su viaje. Esta canción ha sido catalogada incorrectamente como un sueño a pesar de la evidencia lírica de que es una pausa en la odisea que permite al protagonista reflexionar sobre su viaje hasta la fecha. “Nobody's Child” comienza con cuerdas fuertes, casi una marcha nupcial, que se disuelve en un piano de marcha y un arreglo cinematográfico de jazz de club. El protagonista, desesperado por cualquier tipo de sentimiento, le paga a una prostituta de la que se enamora, es una canción jodidamente enfermiza, la amo infinito. “Illusions in G Major” es un rock puro de los años cincuenta, resaltado por una guitarra solista desgarradora, puede ser la canción más rápida y directa de Eldorado. La mejor explicación de la canción se puede encontrar en el ELO Fan Forum de Horace Wimp : ELO solía necesitar al menos un número de rock'n roll en cada álbum, y justo antes de Eldorado era el mejor lugar para resaltar la desolada utopía, la realidad es que nos encontramos una gran canción de rock que no tiene cabida en este álbum, ni lírica ni musicalmente. Puede que se trate de hacer pasar como un sueño, pero es un sueño que simplemente no encaja con la narrativa ni con la personalidad del personaje principal. La canción principal prepara el escenario para el final, por lo que es hora de considerar la curiosa elección de Jeff Lynne: “Eldorado” sigue a la perfección a “Illusions in G Major” con la ayuda de transición de la sección de cuerdas. Encontramos al protagonista al final de su búsqueda sin haber conseguido ningun logro, se da cuenta de que ha vuelto al punto de partida, viviendo en una ciudad sucia con un trabajo de mierda y con perspectivas sombrías. La melancólica canción principal, comienza con cuerdas tocando una especie de rotación que suena casi como una sirena antes de convertirse en una balada tranquila. La voz de Lynne es más sombría y profunda con un tono lírico de resignación melancólica y con la sensacion de vivir en un sueño sin recompensa. Al final de la canción hay un vínculo orquestal agradable con el final climático. “Eldorado Final”, la voz de Jeff Lynne ha sido relativamente apagada, perfectamente sincronizada con la de un hombre que carece de esperanza y probablemente experimenta depresión. En el coro, su voz adquiere un tono que mezcla una intensa melancolía con un deseo abrumador de dejar atrás su “viejo mundo”:

Eldorado describe nuestro mundo como un lugar cruel para cualquiera que desee explorar los pensamientos y posibilidades que surgen de la imaginación, nuestro protagonista vive una existencia miserable porque vive en un mundo que valora la practicidad y la producción por encima de la imaginación y la creatividad. La población en general sólo aprecia la imaginación cuando los empresarios la utilizan para producir bienes de consumo “sorprendentes”, la imaginación del soñador sería vista como frívola e innecesaria. La tragedia de Eldorado —y es una tragedia— es el puro desperdicio de la imaginación y el potencial humano. Es una realidad repugnante que las personas sean relegadas a una existencia sin sentido en la monótona vida moderna. Afortunadamente, hay dos conclusiones positivas de Eldorado, la más importante es que la obra en sí es una celebración de la imaginación y la creatividad, un ejemplo brillante de lo que se puede lograr cuando un artista bendecido con imaginación tiene la oportunidad de colaborar con otros que lo ayudan a hacer realidad su visión artística. La segunda conclusión es que la imaginación es un regalo precioso con un potencial ilimitado. Amo mucho este álbum, es una historia oscura que se esconde detrás de los arreglos de cuerdas más hermosos que jamás haya escuchado, un álbum del que me enamoré rápidamente y del que nunca me he desenamorado. Lo adoro.

1224.- Hollywood - Cluster.

La retrospectiva es generalmente un proceso de pensamiento maravilloso pero completamente inútil que sólo el usa humano, en muchos sentidos es inútil, como si los acontecimientos hubieran cambiado, probablemente nuestro mundo y nuestro paisaje también lo habrían hecho, lo que también serviría para invalidar convenientemente la necesidad de la existencia de la retrospectiva. Suponiendo que en retrospectiva fuera un tema de conversación aceptado, podemos preguntarnos ¿qué hubiera pasado si Alemania no hubiera producido tantas bandas excelentes como las que produjo en los años 1970? Neu!, Kraftwerk, Faust, Harmonia y Popul Vuh son sólo algunos de ellos, pero uno de los más pasados por alto y absolutamente influyente de todos fue Cluster. Una banda formada por sólo dos músicos, que parecían la antítesis de todo lo experimental, fresco y vanguardista de la música de los años setenta, pero que aun así lograban ser todo eso, y mucho, mucho más. Cluster hizo por la música electrónica ambiental lo que Silver Apples hizo por la música pop con sintetizador, lo que Suicide hizo por el electroclash y lo que Kraftwerk felizmente hizo por... Bueno, casi todo lo demás en el género. Sin embargo, hay una lección más sencilla que aprender de la historia de Kluster (Cluster): no eran innovadores, agravantes o experimentadores conscientes, para ellos su música era una expresión tan pura en términos de música pop de su ubicación, como lo eran los Beatles en los años sesenta, su música evoca una época, un lugar y una razón para estar allí, a diferencia de otros pioneros de la vanguardia conscientes de sí mismos, Cluster eran simplemente dos hombres apasionados por los dispositivos electrónicos y les encantaba escribir música con ellos. Los primeros años de la banda estuvieron claramente orientados al Krautrock y a la música electrónica experimental, la producción de la banda comenzó con improvisaciones masivas y radicales, construidas en torno a obras de órgano eléctrico, collages electrónicos, manipulaciones de sonido de guitarra y retroalimentación. El resultado es bastante similar a la música conceptual underground, muy caótica con mucha distorsión y reverberación. Con sus patrones de guitarra repetitivos e hipnóticos y sus embrionarios collages electrónicos, el segundo álbum "II" puede considerarse un clásico del underground electrónico alemán de los años 70. Esta música electrónica experimental de gran calidad llevará progresivamente a la banda hacia algo alejado de la escena del kraut rock y la música extrema.

Zuckerzeit es el cuarto álbum del grupo, habiendo abandonado la K tres años antes, pasaron a denominarse Cluster. Con este sutil cambio de nombre vino un cambio más que sutil en el sonido: de los encantadores paisajes sonoros ambientales de Zwei Osterei nació un nuevo estilo más intrigante, uno que rebosaba de ideas y manipulación electrónica en una escala no vista desde Silver Apples. El álbum abre con Hollywood, una pista instrumental (como todo en el álbum) que dice mucho más de lo que podría haber dicho una pista con palabras. Se pintan imágenes brillantes y chispeantes a medida que ondas de sintetizadores gloriosamente gruesos bañan un ritmo electrónico inseguro.

1223.- Un ramito de violetas - Cecilia

 

Publicada en 1974 como sencillo promocional del que sería su tercer y último álbum, con el mismo nombre, pronto se convirtió en uno de los temas más reconocibles y reconocidos de la artista madrileña, su mayor éxito cuando fue lanzado, impulsando decisivamente las ventas del disco del que formaba parte. El fallecimiento de Cecilia aumentó la popularidad de este tema, compuesto e interpretado exclusivamente por ella misma y en el que suenan piano, guitarra española, cuerdas y un acordeón.

Un ramito de violetas surgió tras escribir un cuento corto al estilo de James Joyce, uno sus autores favoritos, después de leer el relato que escribió quedó insatisfecha con el resultado y cuentan que lo rompió, para más tarde convertirlo en un poema que daría lugar a la canción. “Canción profundamente triste pero de argumento con final agridulce, y estructurada al modo narrativo clásico, con presentación, nudo y desenlace. La letra es conmovedora y “más allá de interpretaciones simplistas (la mujer doblegada a vivir sus pasiones en silencio, y Cecilia no iba por ahí en su cancionero), da lugar a distintas lecturas: la principal es la incomunicación de una pareja cuya existencia transcurre en la monotonía y falta de pasión, en la que el marido es incapaz de expresar sus sentimientos y lo hace mediante poemas anónimos, consciente de las ilusiones y felicidad que despierta en ella el saberse querida por un admirador anónimo. Otra, más retorcida, sería el casi buñueliano fetichismo de él al saber que ella vive una pasión amorosa imaginaria e imposible”. Escuchamos la cancion de Cecilia y existe un dramatismo espléndido que adquiere un toque trágico en la voz pausada, melódica pero firme de Cecilia. Podemos sentir el aliento de lo que en un principio fue un cuento, que luego se transformó en poema para finalmente quedar fijado en canción. En cuatro estrofas, Cecilia, te cuenta una novela, te da el argumento de una película al más puro neorrealismo de un Berlanga, Azcona o el mismísimo Visconti. Cada verso de ese poema encierra un dolor, una sensibilidad y una comprensión que sólo un artista al límite de su sensibilidad creadora puede escribir, componer. ¿Quien no ha sentido empatía en algún momento con los protagonistas de la historia, de su crueldad en su emotividad, de su grandeza y miseria humana? «Un Ramito De Violetas» es su Yesterday, su novena sinfonía, su Don Quijote, pero como todos y cada uno de los grandes creadores para llegar hasta ahí hay un largo y profundo proceso, un recorrido en el que nada se produce por casualidad.

Pese a las dudas iniciales, la madrileña acabó por sentirse cómoda con el tema. “Me gustaría mucho recibir ese ramito de violetas de alguien que me quiere sin yo saberlo", llegó a declarar. La composición se mantuvo durante semanas en la lista de éxitos patria, convirtiéndose así en su mayor 'hit comercial y en uno de los temas emblema de la que siempre ha sido una de las artistas más aclamados de la música española pese a su corta carrera. A raíz del fenómeno producido por la historia de ese matrimonio sumido en la rutina del ramito de violetas, TVE le ofreció representar a España en el Festival de las Televisiones Iberoamericanas (OTI), a celebrar en Puerto Rico, con la canción de Juan Carlos Calderón, “Amor De Medianoche”. Ella era poco partidaria de los festivales y tras muchas presiones y cambios en la letra aceptó la oferta y logrando finalmente el segundo puesto.

Electric Light Orchestra - ELO 2 (Mes Electric Light Orchestra)

La Electric Light Orchestra publicó su segundo disco en 1973, titulándolo simplemente como "ELO 2" en Reino Unido (introduciendo por primera vez las siglas con las que se conocería a la banda en el futuro) o Electric Light Orchestra II en Estados Unidos, títulos que reemplazaron a la idea original, que no era otra que llamar a su segunda obra "The Lost Planet" ("El planeta perdido").

El disco comienza con el tema "In Old England Town", pieza de rock progresivo denso y orquestal de casi siete minutos de duración, y una de las dos canciones en las que aún tocó el bajista y cello Roy Wood antes de dejar la banda en pleno proceso de grabación junto a Bill Hunt para formar el grupo Wizzard. Una versión instrumental de este tema fue utilizada como cara B del single de la canción "Showdown". 

El resto de canciones del disco mantiene una dinámica similar en cuanto a duración y estilo, y de hecho el segundo tema "Momma" (convertido en "Mama" en la versión estadounidense), supera por poco los siete minutos, y el tercer tema "Roll Over Beethoven", una versión del clásico de Chuck Berry, se extiende por encima de los ocho minutos de duración en la versión del disco para Reino Unido, y es aún más larga en la versión estadounidense, aunque para su publicación como single en ambos países fue acortada significativamente. El sencillo logró entrar en el top 10 del Reino Unido y sonó en algunas emisoras de radio estadounidenses durante un tiempo, pero no logró entrar en listas de ventas. 

La cara B abre con la otra canción en la que también dejó su sello Roy Wood, "From the Sun to the World". Tanto en ésta como en la ya mencionada "In Old England Town", y quizá fruto de su abrupta salida, Wood no fue acreditado. Tras los ocho minutos largos de "From the Sun to the World", el disco termina con la canción más larga del disco y de toda la discografía de la banda, el alegato antibélico de "Kuiama", más de 11 minutos de complejo rock progresivo y arreglos orquestales marca de la casa.

Al igual que su predecesor, encontramos en "ELO 2" música de calidad y gran nivel artístico, pero a la vez compleja y alejada de patrones comerciales que habrían contribuido a un mayor éxito, y aún así el álbum entró en el chart top 40 de discos británicos. En cualquier caso, y más allá de los siempre manidos criterios de ventas, la segunda entrega de The Electric Light Orchestra es un disco con mayúsculas, tan grandes como las de las famosas siglas con las que, desde entonces, se daría a conocer la banda liderada por Jeff Lynne, que durante el mes de mayo será la protagonista del #MesElectricLightOrchestra en 7dias7notas.net.

1222.- Can't Get It Out Of My Head - Electric Light Orchestra

La historia cuenta que Lynne estaba cansado de las quejas de su padre de que las canciones que producía la banda de su hijo carecían de la calidad melódica de la música clásica. Lynne estaba decidido a demostrar que podía hacer algo melodioso con la inteligente combinación de estructuras de canciones de rock y florituras clásicas de su banda Electric Light Orchesta.

“Can't Get It Out Of My Head” demostró cuán potente podría ser esa fórmula. Lynne encontró inspiración para la canción en los ensueños incumplidos de un tipo común y corriente. "Se trata de un hombre en un sueño que ve esta visión de belleza y se despierta y descubre que en realidad es un empleado que trabaja en un banco", recordó. "Y él no tiene ninguna posibilidad de conseguirla o de hacer todas estas cosas maravillosas que pensó que iba a hacer". Antes de que Lynne cante una nota, los dramáticos acordes del piano de Richard Tandy evocan la vívida emoción y el melancólico dolor de un sueño que se disipa, la letra habla de una misteriosa “hija del océano” que cautiva al narrador, que camina sobre una “chicana de olas” y lo llama desde la distancia. La naturaleza repetitiva del estribillo es en realidad un golpe inteligente de Lynne, ya que muestra cuán obsesionado se ha vuelto su protagonista con el recuerdo de este sueño. “Ahora mi viejo mundo está muerto”, canta, indicando que no hay vuelta atrás a la vida que conocía antes de esto. El magnífico acompañamiento musical alcanza su punto máximo en la pausa instrumental, cuando las cuerdas se fusionan a la perfección con los sintetizadores antes de dar paso al verso final. Entonces es cuando Lynne nos devuelve a la triste existencia cotidiana del narrador. “Robin Hood y William Tell e Ivanhoe y Lancelot”, dice, nombrando a héroes valientes. “No me envidian”, admite, detallando hasta qué punto él se queda corto en comparación. En los coros finales, Lynne añade algunos de los coros altísimos que se convirtieron en una de las marcas registradas de la banda. Es el equivalente auditivo de la “luz plateada” que emana de esta chica misteriosa mientras navega sobre las olas. 

Durante mucho tiempo ha habido un debate sobre una línea en el verso inicial de la canción. ¿Es "caminar sobre la chicane de una ola" o "caminar sobre una ola que ella vino"? La hoja de letras publicada con el álbum Eldorado lo cataloga como "chicana", pero a menudo se sabe que las hojas de letras están equivocadas, por lo que no se puede confiar completamente en ellas. Incluso mirar los labios de Jeff mientras canta la canción no responde al misterio ya que el movimiento de los labios en ambas letras es demasiado similar. Y luego está la pregunta, ¿qué es exactamente una "chicana"? No es una palabra común, por lo que es posible que no aparezca en un diccionario de inglés promedio, pero se refiere a la punta espumosa de una ola en su cresta. Por lo tanto, si la mujer de la canción camina sobre la chicana de una ola, está caminando sobre la cima de las olas. ¿Jeff estaba siendo obtuso y usó una letra oscura en su canción o fue simplemente un error de transcripción de quien hizo la letra original? Es un misterio.

1221.- Late for sky - Jackson Browne.

Late for the Sky se publicó aproximadamente un mes después de la renuncia de Nixon, el acto que supuestamente puso fin a la “larga pesadilla nacional” asociada con Watergate. No fue así. La economía mundial estaba en recesión y antes de dejar el cargo, Nixon firmó la Ley de Emergencia para la Conservación de Energía en Carreteras, que redujo el límite nacional de velocidad máxima a 55. Esta secuencia de acontecimientos tuvo que ser impactante para los estadounidenses acostumbrados a la gasolina barata y abundante, y porque el automóvil era (y para muchos Aunque los estadounidenses siguen siendo un poderoso símbolo de libertad y movilidad, esta nueva realidad parecía amenazar la esencia misma de la vida estadounidense. Late for the Sky será recordada por algo más que su portada, si tuviera que compilar una lista de los álbumes de humor más efectivos, Late for the Sky estaría en la cima o cerca de ella. Incluso las canciones alegres tienen un toque de melancolía. En un marco de tiempo ajustado y una financiación limitada impuesta por David Geffen de Asylum Records, Jackson Browne creó un conjunto de composiciones que se unieron para formar temas tan fuertes o más fuertes que la mayoría de los llamados álbumes conceptuales.

Si has visto la película Yesterday , una historia sobre un cantautor mediocre que termina en una realidad alternativa donde nadie ha oído hablar de los Beatles, hay una escena en una playa donde los amigos del chico le piden que toca algo en su guitarra y él responde con una versión perfectamente encantadora de “Yesterday” que hace llorar a las mujeres del grupo (nadie en la línea de tiempo alternativa había escuchado la canción). “Late for the Sky” evoca ese tipo de reacción en mí, Jackson Browne lograra describir y expresar el dolor, la confusión y la conciencia no deseada de una relación fallida mejor que nadie antes o después. Trate de recordar esas conversaciones circulares, esas acusaciones de “no entiendes” provenientes de ambas partes y la incipiente comprensión de que ninguna de las partes se ha enamorado de la persona que pensaban que era el amor de su vida, es pura poesía como lo expresa

Todas las palabras habían sido dichas

Y de alguna manera el sentimiento todavía no era correcto

Y aún así continuamos durante la noche

Siguiendo nuestros pasos desde el principio

Hasta que desaparecieron en el aire

Tratando de entender cómo nuestras vidas nos habían llevado allí

Mirándote fijamente a los ojos

Allí No era nadie a quien hubiera conocido.

Una sorpresa tan vacía.

Sentirme tan solo.

Aunque llevo felizmente casado durante mas de 20 años, he vivido lo suficiente para conocer muchas veces el dolor conyugal. He visto a muchas personas tener un buen comienzo en el matrimonio, sólo para despertarse unos años más tarde y darse cuenta de que ser felices para siempre está, por innumerables razones, simplemente fuera de su alcance. Las canciones de ruptura son innumerables y normalmente se encuentran a diez centimos la docena. “Late for the Sky” de Browne se destaca como uno de los temas más reveladores de una “relación que se fue al traste” que he escuchado. La canción comienza con la pareja que se queda despierta hasta altas horas de la madrugada intentando, sin éxito, mejorar su relación y a medida que avanza la conversación nocturna, el cantante llega a una conclusión devastadora para llegar a la conclusión de que ninguna de las dos personas tiene idea de lo que están haciendo en la relación.

1220.- Eldorado - Electric Light Orchestra

"Eldorado" es el tema principal del disco de 1974 del mismo título (al que añadieron el subtítulo de "A Symphony by the Electric Light Orchestra") de la banda británica "Electric Light Orchestra" (más conocida por la abreviatura de "ELO") liderada por Jeff Lynne. Como disco conceptual, todas las canciones están relacionadas por una trama central, que en "Eldorado" es la historia de un hombre de vida mundana y anodina, que escapa de la desilusión de la realidad viajando a través de sus sueños a otros mundos idealizados y fantásticos.

Como buen disco conceptual, el tema principal se va repitiendo a lo largo del disco, y así nos encontramos con una apertura orquestal de dos minutos con la que da comienzo la historia ("Eldorado Overture") y los más de cinco minutos de la canción de "Eldorado" propiamente dicha aparecen al final del disco como parte del majestuoso final, que incluye tras ella un nuevo despliegue orquestal de cierre ("Eldorado Finale"), una pieza instrumental de apenas minuto y medio pero de gran intensidad orquestal.

Debido a este enfoque, y salvando las distancias, son evidentes las reminiscencias y la influencia del disco "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band" de The Beatles en la concepción musical de "Eldorado", que conceptualmente dio un paso adelante respecto al mítico disco de los Fab Four, al narrar una historia completa sobre la búsqueda inconsciente de un mítico y dorado reino, una temática que caló con fuerza en el marco de una desilusionada y combativa generación de los setenta.

1219.- Lady Marmalade - Labelle

 

Lady Marmalade, Labelle

     Nightbirds es un álbum del grupo femenino de soul y música disco Labelle, fue grabado en los Sea-Saint Studios de Nueva Orleans, Lousiana, bajo la producción de Allen Toussaint, y publicado el 13 de septiembre de 1974 por el sello discográfico Epic Records. Casi todo el material del grupo estaba compuesto por la componente Nona Hendryx, y hasta la fecha, y tras tres discos publicados, Labelle, Moon Shadow y Pressure Cookin', no había coneguido despegar comercialmente. Los discos anteriormente mencionados habían coqueteado con la música rock mezclada con las raíces soul y cospel del grupo. A pesar de no conseguir despegar comercialmente, ya habían teloneado a artistas como The Who, Laura Nyro o The Rolling Stones. Esto le valió al grupo para que el sello Epic Records se fijara en ellas y acabara fichándolas.  

Epic Records asignó para su nuevo álbum al productor afincado en Nueva Orleans Allen Tousaint, y el grupo fue eviado a dicha ciudad para trabajar con el. Nightbirds fue grabado en dos meses, y dieron un giro en su sonido, incorporando elementos de múscia funk y atuendos estilo glam rock en su forma de vestir. El disco se convirtió en el más exitoso hasta la fecha del grupo, convirtiéndose en su primer trabajo en conseguir alcanzar las listas de pop y R&B de Estados Unidos, alcanzando el puesto número 7 en la referida lista de R&B, y todo en parte gracias a su sencillo de corte funk Lady Marmalade, una de las pocas canciones no escritas por Nona Hendryx. 

Lady Marmalade fue escrita por Bob Crewe y Kenny Nolan, y estaba destinada a  ser grabada originalmente pot el grupo de música disco de Nolan , The Eleventh Hour. La canción es famosa por su archiconocido y sexualmente sugerente estribillo en francés "Voulez-vous coucher avec moi?" como parte del coro. Esta línea del coro, cuya traducción es ¿Quieres dormir conmigo esta noche?, tuvo que ser cambiada cuando Labelle interpretó la canción en televisión, pues los estándares de trasmisión de la época porhibían cantar el coro tal y como estaba escrito, por lo que lo cambiaron por "Voulez-vous danser avec moi ce soir?", que siginifica "¿Quieres bailar conmigo esta noche?". La letra de la canción trata sobre la prostitutas de Nueva Orleans. El barrio francés estaba situado cerca del barrio rojo de la ciudad.

Disco de la semana 376: Life Thru a Lens - Robbie Williams

Podría decirse que "Life thru a Lens" ("La vida a través de una lente") (1997) de Robbie Williams es un disco que simboliza el triunfo del rencor, pero sonaría demasiado negativo. Quizá entonces sea mejor explicar el motor creativo que impulsó la gestación de ese disco refiriéndonos a la célebre frase de John Lydon (alias Johnny Rotten) en la canción "Rise" de su grupo "PIL", en la que decía que "La ira es energía". Porque lo cierto es que, tras varios años sintiéndose injustamente a la sombra de Gary Barlow en Take That y tras ser expulsado del grupo por su vida desordenada y sus constantes escándalos por el abuso de alcohol y otras sustancias, Williams canalizó toda esa rabia en demostrar que él y no Barlow sería quién se labrara una exitosa carrera en solitario.

Para su debut en solitario, Robbie Williams se apartó por completo de la música pop para adolescentes en la que se había basado su edulcorada banda de origen, y dejó que sus nuevas composiciones viraran hacia el por entonces brit pop predominante, y en especial hacia los sonidos de guitarra e himnos de estadios de sus admirados Oasis. Para encontrar este nuevo sonido y registrar un disco de calidad y garantías, Williams se asoció con el músico y productor Guy Chambers, que se encargó de dar forma y empaque a las composiciones y letras de Williams.

La influencia de los sonidos del brit pop es evidente ya desde la primera canción, "Lazy Days", un gran tema que Robbie Williams grabó en mitad de un proceso de rehabilitación, y de hecho necesitó un permiso del centro en el que estaba internado para poder salir y grabar el vídeo promocional, cuando la canción fue elegida para ser el segundo single del disco. Alcanzó el octavo puesto en las listas de ventas de Reino Unido, pero la situación en la que se encontraba el músico hizo que la promoción fuera prácticamente inexistente, y la canción fracasó en las listas de ventas del resto del mundo.

"Life thru a Lens" es la canción que da título al álbum, y suponemos que más por las implicaciones del título, porque siendo una buena canción no es de las más destacadas del disco, y no fue publicada como single. En pleno proceso de rehabilitación, separado de su grupo y con su primer disco bajo el brazo, sin duda Williams pudo sentirse bajo la lupa y la mirada crítica del mundillo musical y social del momento, y eso ya hace de esta canción y de su título el perfecto resumen de esta primera obra en solitario. Menos coartada tiene "Ego A Go Go" un tema claramente menor, por más que se esforzaran en ocultarlo bajo varias capas de arreglos de exuberantes metales.

La siguiente canción no necesita presentación, y es a día de hoy su mayor éxito de crítica y ventas, pero antes de hablar de la excelsa "Angels" hay que hablar de las dos canciones que la siguen, que fueron el primer y tercer single del disco. Como le ocurriera a "Lazy Days", tanto "Old Before I Die" como "South of the Border" alcanzaron solo un éxito moderado, tensando mucho la situación con la discográfica, que tras tres singles fallidos estaba a un paso de dar por terminada su confianza en la aventura de Robbie Williams como artista en solitario. Pero cuando a punto estaba de quemarse bajo la abrasadora lente del ojo crítico, la publicación de "Angels" como cuarto single le catapultó a la fama internacional, convirtiéndose en un éxito a nivel mundial, vendiendo dos millones de copias e impulsando las ventas del álbum hacia cotas que ni Williams ni Chambers habrían imaginado.

Tras la energía pop rock de las ya mencionadas "Old Before I Die" y "South of the Border", llega el momento de la calma con la destacable "One of God's Better People" un buen aperitivo antes de "Let Me Entertain You", el auténtico plato fuerte del disco, una enérgica y electrizante descarga de adrenalina que se convirtió en el quinto single, aprovechando el oleaje que había provocado el maremoto de "Angels". ¿Cómo es posible que un tema de semejante intensidad no viera la luz hasta el quinto single, y estuviera a punto de quedar en el olvido si todo se hubiera derrumbado tras los primeros singles fallidos? No imaginamos una respuesta válida y razonable, pero lo perdonamos porque no debe ser fácil vivir bajo la mirada constante de una lente.

Afortunadamente, "Let Me Entertain You" tuvo finalmente su cuota de visibilidad y reconocimiento, y supo aprovecharla, porque se convirtió al instante en la canción con la que Williams abrió sus shows desde entonces, y en una de las más aclamadas y coreadas en vivo. Quedará como el error que pudo ser y no fue, pero hubo otro error que no podemos evitar achacarle al bueno de Williams en su programación de temas para "Life thru a Lens", porque tras las también brillantes "Clean" (sobre su proceso de rehabilitación) y "Baby Girl Window" (en una pista que incluye también un recitado oculto llamado "Hello Sir"), nos quedamos con la sensación de echar en falta que hubiera incluido también su vibrante versión del "Freedom" de George Michael, publicada como primer single de su carrera en solitario, poco tiempo antes de que saliera a la luz "Life Thru a Lens".

1218.- Whatever gets you thru the night - John Lennon

"Whatever Gets You Thru the Night" ("Cualquier cosa que te lleve a través de la noche") fue el single de lanzamiento del disco "Walls and Bridges" de John Lennon, publicado en 1974 por Apple Records. Lennon tomó el título de una frase que escuchó a un reverendo evangelista en uno de los programas de televisión nocturnos de los que le gustaba sacar frases sueltas que apuntaba en un pequeño cuaderno para usarlas en sus canciones. Para la música, se inspiró en el ritmo de la canción "Rock Your Baby" de George McCrae, un número 1 del momento que a Lennon le encantaba, aunque el parecido final fue muy pequeño, y solo se hace evidente el rastro de la influencia de McCrae en una versión alternativa que fue incluida en la caja recopilatoria "John Lennon Anthology" (1998).

"Whatever Gets You Thru the Night" fue un éxito instantáneo que llegó al primer puesto de las listas de ventas estadounidenses (su único nº1 en solitario en USA en toda su carrera) en sus tres charts principales: Billboard Hot 100, Cashbox y Record World, y al número 36 en el Reino Unido. Fue un éxito que pilló desprevenido a un Lennon que nunca confió demasiado en la capacidad de "Whatever Gets You Thru the Night" como potencial single, a pesar de su intenso y animado ritmo y de contar con la colaboración de Elton John al piano y a los coros.

Por el contrario, Elton John estaba tan seguro del éxito de aquel tema, que apostó con Lennon que si llegaba al nº 1 tendría que aparecer en escena en una de sus actuaciones para tocarla juntos, y éste no tuvo más remedio que cumplir su promesa. Quizá no tuviera mayor importancia, y solo fuera cualquier cosa con la que lograr atravesar la noche, pero lo cierto es que Lennon salió a escena en la actuación de "Acción de Gracias" de Elton John en el Madison Square Garden de Nueva York, el 28 de Noviembre de 1974, e interpretó "Whatever Gets You Thru the Night" con su buen amigo Elton John y su banda.

1217 - Shuggie Otis - Inspiration Information

1222 - Shuggie Otis - Inspiration Information

Shuggie Otis es uno de esos músicos que, a pesar de no haber alcanzado la fama masiva, deja una huella indeleble en el mundo de la música. Su álbum "Inspiration Information", lanzado en 1974, es un testimonio duradero de su genio creativo. En particular, la pista homónima "Inspiration Information" es un ejemplo perfecto de su habilidad para fusionar géneros y crear algo verdaderamente único.

La canción comienza con un suave riff de guitarra que establece de inmediato una atmósfera etérea y seductora. La voz de Shuggie Otis entra con una calidad suave y melódica, llevando al oyente a un viaje sonoro introspectivo. La instrumentación es rica y variada, con capas de guitarras, teclados y percusión que se entrelazan de manera experta para crear una textura musical hipnótica.

Lo que realmente destaca en "Inspiration Information" es la forma en que Shuggie Otis fusiona elementos de diferentes géneros musicales. Hay ecos de soul, funk, jazz y rock psicodélico, todo mezclado de manera magistral para formar un sonido distintivo que es verdaderamente único de Shuggie Otis. Su habilidad para navegar sin esfuerzo a través de estos diferentes estilos es impresionante, y demuestra su profunda comprensión de la música y su capacidad para trascender las barreras estilísticas.

La letra de la canción también merece una mención especial. Con líneas como "Tu amor es mejor que cualquier cosa que pueda soñar", Shuggie Otis logra transmitir una sensación de romanticismo y elevación espiritual que se complementa perfectamente con la atmósfera etérea de la música. Sus letras son poéticas y evocadoras, añadiendo otra capa de profundidad a la canción.

Además de su destreza musical y lírica, "Inspiration Information" también es notable por su producción innovadora. Shuggie Otis se desempeñó como productor en el álbum, y su visión creativa se refleja claramente en la calidad del sonido. Cada elemento de la canción está cuidadosamente elaborado y colocado, creando una experiencia auditiva inmersiva que sigue resonando en los oídos de los oyentes mucho después de que la canción haya terminado.

"Inspiration Information" de Shuggie Otis es una obra maestra musical que merece ser redescubierta una y otra vez. Con su fusión única de géneros, letras evocadoras y producción innovadora, la canción es un testamento del talento y la visión de uno de los músicos más subestimados de su tiempo. Si aún no has tenido la oportunidad de escuchar esta joya musical, te recomiendo que lo hagas lo antes posible. Te garantizo que no te decepcionará.

Daniel
Instagram storyboy

1216.- Number 9 Dream - John Lennon

 

Number 9 Dream, John Lennon

     El 26 de septiembre de 1974 John Lennon publica Walls and Bridges, su quinto álbum de estudio en solitario. Fue escrito, grabado y lanzado durante su separación de 18 meses de Yoko Ono y mientras mantenía una relación sentimental con su asistente personal May Pang. Este periodo de 18 meses es lo que Lennon definió y llamó como su "Fin de semana perdido". Fue grabado ente junio y agosto de 1974 en los Record Plant Studios de Nueva York, bajo la producción del mismo Lennon, y publicado por el sello discográfico Apple Records. El disco consiguió el puesto número uno en las listas estadounidenses Billboard y Record World, y consiguió tener dos sencillos de éxito, Whatever Gets You thu the Night, que fue el primer éxito de Lennon en Estados Unidos y Number 9 Dream, tema en el cual nos vamos a centrar.

Number 9 Dream fue escrita por Lennon y lanzada como sencillo varios meses después del álbum en el que estaba incluída, Walls and Bridges, y consiguió alcanzar el puesto número 9 en la lista estadounidense Billboard Hot 100 y el puesto número 23 en la lista de sencillos británica. Cuando la canción fue lanzada, una parte de la crítica y la audiencia la describió como una deprimente canción sentimental con un falso coro haitiano. La voz misteriosa que dice el nombre de "John" durante el primer puente de la canción fue interpretada por su amante, May Pang, y en el segundo puente, Lennon invirtió la cinta de ella diciendo  nombre. Lennon no convenció a Pang para cantar las voces, ella las cantó porque la vocalista programada para la sesión no se presentó, por lo que sería ella quien acabara grabando dichas voces. En cuanto a la música de la canción, Lennon admitió que tomó prestado el arreglo de cuerdas de la canción Many Rivers To Cross del álbum Pussy Cats (1974) de Harry Nilson y que él mismo produjo. La canción contiene la frase "Ah bowakawa, posse, posse", que eran palabras sin sentido que sonaban extranjeras y que se le ocurrieron a Lennon en un  sueño. Más tarde se dio cuenta de que contenían nueve sílabas. John Lennon tuvo durante su vida fascinación por el número 9: 

• Nació el 9 de octubre.
• Su primera casa estaba ubicada en el Newcastle Road, Wavertree, Liverpool: tres nombre que contienen en inglés cada uno nueve letras.
• El primer concierto de los Beatles en The Cavern fue el 9 de febrero de 1961.
• Brian Epstein, el mánager de los Beatles, los vio actuar por primera vez el 9 de noviembre de 1961.
• El contrato de los Beatles con EMI fue firmado el 9 de mayo de 1962.
• El sencillo debut de los Beatles, Love Me Do, estaba registrado en Parlophone R949.
• El hijo de Lennon, Sean, también nació el 9 de octubre
• Number 9 Dream alcanzó el puesto número 9 en l lista estadounidense Billboard Hot 100.
• Lennon escribió otras dos canciones que contenían dicho número: Revolution 9 y One After 909.

1215 - Pappo's Blues - Malas compañias

1215 - Pappo's Blues - Malas compañias

Pappo's Blues un viaje sonoro a través del alma del blues argentino, con su distintivo sonido y su capacidad para capturar la esencia del blues argentino, Pappo's Blues ha dejado una huella en la escena musical latinoamericana. Liderada por el icónico guitarrista Norberto "Pappo" Napolitano, la banda se convirtió en un símbolo del rock argentino durante las décadas de 1970 y 1980, fusionando la pasión del blues con la energía del rock para crear una experiencia auditiva inolvidable.

Entre su amplio repertorio, "Malas Compañías" emerge como una joya destacada que encapsula la esencia cruda y apasionada de Pappo's Blues. Lanzada en 1972 como parte del álbum "Pappo's Blues Vol. 3", esta canción destaca por su letra introspectiva y su poderosa instrumentación, que transporta a los oyentes a un viaje emocional a través de las profundidades del alma humana.

Desde los primeros acordes de guitarra, "Malas Compañías" establece un ambiente inquietante y melancólico que sirve de telón de fondo para la voz rasposa y llena de emociones de Pappo. La letra, que aborda temas de soledad, desamor y redención, resuena con una sinceridad que trasciende las barreras del idioma y la cultura. Pappo, con su estilo inconfundible, logra transmitir una sensación de vulnerabilidad y angustia que se graba en la memoria del oyente.

La instrumentación de la canción es igualmente impresionante. La guitarra de Pappo llora y grita en cada nota, expresando una gama completa de emociones que van desde la desesperación hasta la esperanza. El ritmo sólido proporcionado por la sección rítmica añade una profundidad y una fuerza que eleva la canción a nuevas alturas, mientras que los solos de guitarra virtuosos de Pappo demuestran su dominio del instrumento y su capacidad para transmitir emociones a través de la música.

Pero lo que realmente distingue a "Malas Compañías" es su capacidad para trascender el género y conectarse con audiencias de todas las edades y orígenes. A pesar de ser una canción de blues en su núcleo, su mensaje universal y su ejecución magistral la han convertido en un clásico atemporal que sigue resonando con oyentes de todo el mundo.

La influencia de Pappo's Blues en la música argentina y latinoamericana es innegable. A lo largo de su carrera, la banda inspiró a innumerables músicos y sirvió como punto de partida para muchos en su viaje hacia la exploración del género del blues. Su legado perdura hasta el día de hoy, y canciones como "Malas Compañías" continúan siendo veneradas como ejemplos sobresalientes del poder y la belleza del blues argentino.

Pappo's Blues y su canción "Malas Compañías" son testamentos vivientes de la pasión, el talento y la autenticidad que caracterizan al mejor blues argentino. Con su habilidad para evocar emociones profundas y su capacidad para trascender las barreras del tiempo y el espacio, la música de Pappo's Blues sigue siendo tan relevante y poderosa hoy como lo fue en el momento de su creación. Para aquellos que buscan sumergirse en la riqueza del blues argentino, "Malas Compañías" es una parada obligada en el viaje musical.

Daniel
Instagram storyboy

1214.- You Ain't Seen Nothing Yet - Bachman - Turner Overdrive

 

You Ain't Seen Nothing Yet

     La segunda formación de Bachman - Turner Overdrive, la de mayor éxito, incluía a Randy Bachman (guitarra principal y voz), Fred Turner (bajo y voz), Robbie Bachman (batería, prcusión, coros) y Blair Thornton (guitarra solista). Esta formación sería la que lanazara Not Fragile, el tercer álbum de la banda. Fue grabado en 1974 en los Kaye-Smith Studios de Seattle, Washington, y en los Sound City Studios de Van Nuys, Los angeles, bajo la producción de Randy Bachman, y publicado en agosto de 1974 por el sello discográfico Mercury Records. Resultó ser el álbum de estudio más popular del grupo y llegó a alcanzar el puesto número 1 en la lista estadounidense Billboard 200.

En cuanto al título del álbum, Randy Bachman afirmó en una entrevista que usar la palabra "Fragil" como título para un álbum de rock, como había hecho el grupo Yes con su disco Fragil de 1971, era extraño, y pensó que la música de BTO no se podía romper, por lo que, sin pretener faltar el respeto en absoluto a Yes, la banda llamó irónicamente a su álbum Not Fragile. El disco marca el debut del guitarrista Blair Thornton, quien, a diferencia de su predecesor Tim Bachman, aparece en los créditos del ábum como "segunda guitarra solista", lo que va marcar una de las caracteríticas de este trabajo, el sonido de las Twin guitars o guitarras gemelas. 

Not Fragile contiene varios temas que se han convertido en himnos, canciones de las más queridas de la banda por parte de sus fans,  y uno de esos temas es el inconfundible  You Ain't Seen Nothing Yet, además se convirtió en uno de los dos sencillos del álbum y obtuvo un gran éxito. You Ain't Seen Nothing Yet es, quizás, la canción más famosa del álbum, y uno de los mayores éxtios de la banda. Esta es una de las canciones más famosas que contienen un prominente tartamudeo. BTO no planeaba lanzar esta canción con la voz tartamuda. Randy la cantó tartamudeando para burlarse de su hermano Gary, que tenía un impedimento en el habla. Durante las comprobaciones de micrófono la cantó tartamudeando y grabó una versión destinada únicamente a su hermano Gary. Esta versión no iba a ser incluida, ni mucho menos, pero a la discográfica le gustó mucho más que la versión sin tartamudeo y finalmente fue incluída en el disco, resultando ser todo un acierto y un éxito. 

Madonna - Confessions on a Dance Floor (Mes Madonna)

 

Confessions on a Dance Floor, Madonna

     Confessions on a Dance Floor es el décimo álbum de estudio de la cantante y compositora estadounidense Madonna. Este trabajo supuso una desviación completa de su anterior disco, American Life (2003), ya que la artista apostó por unos sonidos con influencias de la música disco de los años 70, el electropop de los años 80 y la música de club de los 2000. Fue grabado entre noviembre de 2004 y junio de 2005 en los Mayfair Studios de Londres y los Murlyn Studios de Estocolmo, y publicado el 9 de noviembre de 2005 por el sello discográfico Warner Bros. Records. Inicialmente, la artista comenzó a trabajar con el productor Mirwais Ahmadzaï, pero luego sintió que la colaboración no iba en la dirección que ella deseaba, por lo que acabó trabajando con  Stuart Price, quien estaba supervisando su documental I'm Going to Tell You a Secret (Voy a contarte un secreto).

Musicalmente, el disco está estructurado como un set de DJ.  Las canciones están secuenciadas y mezcladas para que se rerpoduzcan continuamente sin espacios. El título surgió del hecho de que la lista de canciones del disco constaba de canciones alegres al principio, para luego avanzar hacia melodías y letras mucho más oscuras que describían sentimientos y compromisos personales. Las canciones del álbum muestrean y tienen referencias a la música de otros artistas orientados a la música disco y dance, como ABBA, Dona Summer, Pet Shop Boys, Bee Gees o Depeche Mode entre otros. 

Confessions on a Dance Floor recibió muy buenas críticas por parte de la prensa especializada, que lo calificaron como uno de los mejores álbumes de la artista, llegando a ganar el premio Grammy al Mejor álbum de Electrónica/Dance en 2007, y el premio a la Artista Solista Femenina Internacional en los BRIT Awards de 2006. Comercialmente el disco llegó a alcanzar el puesto número uno en 40 países, consiguiendo figurar en el Guinnes World Records por encabezar las listas de ventas en la mayoría de los países. Sus cifras lo convirtieron en uno de los álbumes más vendidos del Siglo XXI, y fue calificado por la prestigiosa revista Vice como el tercer mejor álbum de su lista de los "99 mejores álbumes de baile de todos los tiempos".

En este trabajo Madonna fuionó elementos de la música disco de los 70, el electropop de los 80 y la música de club de los 2000. Quería incorporar estas influencias mientras intentaba no caer en el hecho de tener que repetir o rehacer su múscia del pasado. Quería rendir tributo y homenaje a artistas como los Bee Gees o Giorgo Moroder entre otros. Las canciones reflejaban lo pensamientos de Madonna sobre el amor, la fama o la religión entre otros temas, de ahí el título "Confesiones en una pista de baile". 

Estamos ante un disco estructurado como si fuera un set nocturno compuesto por un DJ. La música comienza ligera,y felíz, y a medida que avanza se vuelve más interna e introspectiva con Madonna hablando de sus sentimientos personales. Según Madonna, el título del disco hablaba de su reverencia y admiración por el género y su dedicación al oficio. Pretendía hacer un disco que se puediera poner en una fiesta o en tu coche, donde no tuvieras que pasar por alto un solo tema. Madonna utilizó muestreos y referencias de otros artistas, como por ejemplo,en la primera canción del álbum, Hung Up, donde sampleó el éxito de ABBA de 1979 "Gimme! Gimme! Gimm! (A Man After Midnight)". La artista escribió una carta personal a los compositores de la canción, Benny Anderson y Björn Ulvaeus, quienes le permitieron usar la pista para su tema. También utilizó referencias de artistas como Pet Shop Boys, Depeche Mode, Daft Punk o el DJ francés Cerrone. El disco contiene una canción llamada Forbidden Love, la cual es diferente de la canción del mismo título que está incluida en sus sexto álbum de estudio, Bedtime Stories.

La canción del disco más cercana a una balada, Isaac, estuvo rodeada de cierta polémica, ya que fue criticada por un amplio grupo de rabinos que consideraron que Madonna estaba cometiendo una blasfemia contra su religión, ya que pensaban que la canción trataba sobre el erudito del siglo XVI Yitzhak Luria. En realidad la canción llevaba el nombre del vocalista Yitzhak Sinwani, quien cantó partes del poema hebreo "Yemenita Im Nin'alu" en la pista, así como referencias a la historia bíblica de Abraham e Isacc. Las letras de las canciones del disco incorporan fragmentos de la historia musical de Madonna y están escritas a modo de "confesiones". Hung Up contiene la letra del dueto de Madonna con Prince de 1989 llamado "Love song", del álbum Like a Prayer. How High tiene referencias de dos canciones del octavo álbum de Madonna, Music, "Nobody's Perfect" y "I Deserve It". La letra de Push agradece a la persona que la retó superar sus límites y además incorpora elementos de la canción de Police "Every Breath You Take". Sorry incluye la palabra del título en diez idiomas diferentes. Y En I Love New York elogia la ciudad donde comenzó su carrera musical y responde a comentarios negativos vertidos por George W. Bush.

Se editaron cuatro sencilos del álbum: Hung Up, que fue el principal del disco. Fue muy elogiada por la crítica, que consideró esta canción como la mejor del género que Madonna había hecho hasta la fecha y además alabaron la eficaz sincronización de la muestra de ABBA que Madonna utilizó en esta canción; Sorry, que fue lanzado como sengundo sencillo del álbum; Get Together, lanzado como tercer sencillo. Los críticos elogiaron la capacidad de Madonna en esta canción para convertir comentarios "cliché" en eslóganes pop; y Jump, lanzado como cuarto y último sencillo.

Confessions on a Dance Floor recibió elogios generalizados de la crítica muscial espcializada. Fue aclamado por su enfoque innovador en la producción y su sonido retro-moderno que evocaba la era disco de los años 70 y 80. Estamos ante un disco con una muy buena cohesión que fue diseñado como una experiencia, de principio a fín, para la pista de baile. Además, Madonna fue elogiada y salió muy reforzada por su capacidad para reinventarse una vez más y ser capaz de mantenerse en la primera plana de la escena musical.

1213.- You are so beautiful - Joe Cocker

"You Are So Beautiful", popularizada por Joe Cocker cuando la grabó para el disco "I Can Stand a Little Rain" (1974), es en realidad una canción original de Billy Preston y Bruce Fisher, que salió publicada ese mismo año en "The Kids and me" (1974), el noveno disco de estudio de Billy Preston, en una versión más acelerada que Preston no consideró que pudiera convertirse en un éxito, relegándola a la cara B del single "Struttin'".

Nunca llegó a acreditarse, pero siempre se dijo que Dennis Wilson (Beach Boys) había ayudado a Preston a terminar de componer la letra y la melodía de "You Are So Beautiful" durante una fiesta en la que ambos coincidieron. Verdad o no, lo cierto es que Wilson siempre tuvo un cariño especial por esa canción, siendo durante muchos años parte de los "bises" de los conciertos de The Beach Boys, y quedando registrada en el disco "Good Timin': Live at Knebworth England 1980" (2002).

Joe Cocker ralentizó "You Are So Beautiful" para convertirla en una sentida balada soul de piano (interpretado por Nicky Hopkins), arreglos de cuerda y voz desgarrada, y la publicó como single en Noviembre de 1974, y la canción se convirtió en su momento en su mayor éxito en Estados Unidos (hasta que fue superada en 1982 por "Up where we belong", el dueto con Jennifer Warnes para la banda sonora de la película "Oficial y Caballero")

1212 - Supertramp - Bloody Well Right

1212 - Supertramp - Bloody Well Right

Supertramp es una banda británica de rock progresivo formada en 1969. Con su distintivo estilo que fusiona el rock, el pop y el jazz, Supertramp se convirtió en uno de los grupos más influyentes de la década de 1970 y dejó un legado perdurable en la historia de la música.

Uno de los temas más emblemáticos de Supertramp es "Bloody Well Right", lanzado en su álbum de 1974 "Crime of the Century". Esta canción no solo encapsula el sonido distintivo de la banda, sino que también destaca por sus letras profundas y su energía contagiosa.

"Bloody Well Right" comienza con un piano juguetón que establece el tono para la canción. La introducción cautiva de inmediato al oyente, atrayéndolo hacia el mundo sonoro único de Supertramp. A medida que la canción avanza, se desarrolla una mezcla intrigante de guitarras eléctricas, sintetizadores y la característica voz de Roger Hodgson, el vocalista principal de la banda. La combinación de estos elementos crea una experiencia auditiva que es al mismo tiempo sofisticada y accesible.

Las letras de "Bloody Well Right" reflejan la actitud rebelde y cuestionadora que caracteriza a muchas de las canciones de Supertramp. La frase "bloody well right" en inglés británico es una expresión coloquial que significa algo así como "maldita sea que sí", transmitiendo un sentimiento de confianza y determinación. A lo largo de la canción, se exploran temas de identidad, autenticidad y la lucha por encontrar un lugar en el mundo.

Una de las cosas más destacadas de "Bloody Well Right" es su capacidad para evocar emociones y transmitir un mensaje poderoso mientras mantiene un ritmo enérgico y pegadizo. La letra puede ser introspectiva y reflexiva, pero la melodía invita al movimiento y al disfrute. Esta dualidad es una de las razones por las que la canción ha perdurado a lo largo de los años y sigue siendo una favorita entre los fans de Supertramp y del rock en general.

Desde el punto de vista musical, "Bloody Well Right" exhibe la habilidad técnica y la creatividad compositiva de los miembros de Supertramp. La banda demuestra su maestría al combinar elementos de rock, pop y jazz en una sola canción sin que parezca forzado o incoherente. Cada instrumento tiene su momento para brillar, desde los solos de piano hasta las melodías de saxofón, creando una rica textura sonora que es un placer para los oídos.

Además de su excelencia musical, "Bloody Well Right" también destaca por su producción impecable. El álbum "Crime of the Century" fue producido por Ken Scott, quien trabajó con bandas icónicas como The Beatles y David Bowie. Su experiencia y visión ayudaron a dar forma al sonido distintivo de Supertramp y a llevar su música a nuevas alturas.

"Bloody Well Right" de Supertramp es una obra maestra del rock que combina letras inteligentes, melodías pegajosas y una ejecución magistral. La canción captura la esencia misma de lo que hace que la música de Supertramp sea tan especial y continúa resonando con oyentes de todas las generaciones. Es un testimonio del talento duradero de la banda y su capacidad para crear música atemporal que sigue siendo relevante décadas después de su lanzamiento inicial.

Daniel 

Instagram storyboy 

El disco de la semana 375: Naturally - J. J. Cale

 

Naturally, J. J. Cale

     Para la recomendación de esta semana nos vamos a detener en Naturally, el álbum debut de J. J. Cale, un artista que durante toda su carrera vivió ajeno a las modas y al éxito, lo que no impidió que tuviera una gran influencia en multitud de grupos y artistas que versionaron sus temas, entre los que se encuentran Eric Clapton, Lynyrd Skynyrd, Carlos Santana o John Mayer entre otros muchos. Con un estilo personal descrito como "Relajado" (Laid black), fue uno de los fundadores e impulsores del llamado sonido Tulsa, un género musical con influencias del blues, rockabilly, country y jazz. Este disco debut fue grabado entre el el 29 de septiembre de 1970 y el 9 de junio de 1971, bajo la producciṕon de Audie Ashworth, y publicado el 25 de octubrede 1971 bajo el sello discográfico A&M Records en Reino Unido y Shelter Records en Estados Unidos.

Cale se crió en Oklahoma, su primera incursión con las mieles del éxito llegó en 1964 cuando el cantante Mel McDaniel logró un llamativo éxito regional con la composición de Cale "Lazy Me". Posteriormente Cale se muda a California donde trabaja en el estudio casero de Leon Russell como ingeniero jefe y empieza a actuar en lugares como el famoso Whiskey a Go Go. En 1966 Cale graba un sencillo que resulta ser todo un fracaso, "Slow Motion", pero será la cara B que incluye ese sencillo, "After Midnight", el que consiga una gran trascendencia en su carrera cuando Eric Clapton lo grabe y consiga un gran éxito en 1970. Sobre esto Cale recordaba: "Era muy pobre, no ganaba lo suficiente para comer y no era un hombre joven, tenía treinta  tantos años, así que era muy felíz por poder ganar algo de dinero con los derechos de la canción". A raíz de esto, el amigo y productor de Cale, Audie Ausworth le anima a grabar un álbum completo para aprovechar el éxito de la canción.

Narturally se grabó de forma independiente, y a los músicos se les pagaron reducidas tarifas. El disco incluía ritmos de batería sutiles, voces turbias cantandas en un rango esrecho y un estilo de guitarra que fusionaba country, blues y jazz, conocido posteriormente como sonido Tulsa, y algunas canciones fueron grabadas con un primitivo acompañamiento de caja de ritmos y sonaban casi como demos. Cale decía que cuando hicieron este disco, la mayoría de la gente no se dio cuenta de que habían usado una caja de ritmos eléctrica o que eso sencillmente existiera, no uso un baterista real porque no tenía dinero para pagarlo, por lo  que grabó Crazy Mama y Call Me The Breeze con dicha caja de ritmos, y Carl Radle tocó el bajo y Mac Gayden el slide en Crazy Mama. Luego el productor Audie contrató a algunos músicos y un estudio real y grabaron las otras ocho canciones de Naturally.  

Naturally, con ese estilo sencillo, discreto y distintivo de Cale, fue todo un éxito y marcó un hito en la carrera discográfica en solitario del artista. Cale afirmaba sobre este disco: "No estaba realmente loco por el álbum Naturally y todavía no lo estoy, pero a la mayoría de las personas a las que les gusta mi música, los fanáticos de JJ Cale, realmente les gusta este disco. Creo que lo que realmente les gustó fueron las canciones". De hecho, la fama no le impresionó: "El primer álbum era una colección de canciones en las que había estado trabajando durante unos 32 años. fue una colección que refinó todo lo que había salido de mí y eliminó todas las malas ideas que había tenido durante 20 años. Pero cuando tuvo éxito, la discográfica quiso el siguiente álbum en seis meses. Cuando tienes éxito, llega el dinero y muy pronto tienes que contratar un contable, tienes que levantarte temprano y luego tienes un trabajo diario. Muy pronto ya no disfrutaba de la vida; lo único que hacía era trabajar".

Estamos ante un viaje al corazón del blues relajado, donde se entremezclan elementos de música rockabilly, country o jazz. Naturally se convertirá en un hito del sonido Tulsa, y su autor nos lleva en un viaje musical donde fusiona dichos estilos de una forma brillante. Desde los primero acordes de Call me the Breeze, Cale, con su voz tranquila y suave, plasma su sello de identidad, deslizándose sobre ritmos sueltos y riffs de guitarra que invitan a la relajarse y disfrutar. Crazy Mama fue el mayor éxito del álbum en las listas, alcanzando el puesto número 22 en la lista estadounidense Billboard Hot 100. Call the Doctor y la maravillosa Don't Go to Strangers continúan con la apacible y tranquila atmósfera del disco. Los ritmos de guitarra de Cale, acompañados por su melódica voz, crean una sensación de familiaridad reconfortante y acogedor. 

Naturally también tiene momentos más introspectivos, como en Magnolia y Crying Eyes. Aquí Cale muestra una extraordinaria habilidad para transmitir emociones complejas a través de unas letras simples y unas melodías sencillas. Canciones para disfrutar en la penumbra y dejarse llevar por la melancolía y la reflexión. En la parte final del disco nos encontramos con River Runs Deep y Bringing It Black, dos pistas que reflejan y definen perfectamente el estilo único y distintivo del compositor. Sigue siendo capaz de mantener con brillantez esa atmósfera calida y envolvente creada al inicio del ábum.

Mención especial para el tema que hizo despegar a Cale y darlo a conocer al mundo, After Midnight. La canción fue un gran éxito para Eric Clapton, pero también para su autor original, Cale. Con su archiconocido ritmo y una letra sugerente, la canción logra capturar la esencia del blues nocturno. La versión de Cale difiere mucho de la versión frenética de Clapton, algo que "El Trovador de Ocklahoma", como era conocido Cale, explicó en una entrevista en 2004: "La historia fue que el "After Midnight"original que grabé con Liberty Records, estaba grabado a 45 rpm y era rápido. Esa era la canción original, y eso es lo que escuchó Clapton. Si escuchas el disco de Eric Clpaton, lo que hizo fue imitarlo. nadie escuchó la primera versión que hice de él. Entonces, cuando grabé Naturally, Denny Cordell, que dirigía Shelter Records, me dijo: "John, ¿por qué no pones 'After Midnight' ahí porque eso es lo que la gente quiere? Le dije: Bueno, ya lo tengo en Liberty Records y Eic Clapton ya lo grabó, así que voy a hacerlo de nuevo, lo haré lentamente". 

Naturally de J. J. Cale es un tesoro de la música relajada, del llamado sonido Tulsa, con esa genial mezcla de sonido y ese único e inimitable estilo de su autor. Una obra maestra atemporal que merece un lugardestacado en la colección de cualquier amante de la música.

1211.- Dreamer - Supertramp

"Dreamer" fue un single de éxito de la banda británica Supertramp en 1974, y una de las piezas clave del disco "Crime of the Century" del mismo año, pero la historia de esta canción se remonta a más atrás, cuando un Roger Hodgson adolescente la compuso en un piano Wurlitzer de casa de su madre. Entusiasmado con su composición, Hodgson grabó una demo con su voz (con una letra improvisada que no distaba mucho de la que fue la versión final de la canción), el piano y unas cajas de cartón a modo de batería.

Aquella primeriza demo fue clave en la grabación del "Dreamer" de Supertramp tal y como lo conocemos, porque el grupo se basó en ella y trató de reproducir la frescura y la sencillez de la toma casera. El resultado final fue una memorable canción pop, con un gran trabajo vocal, una efectiva melodía y unos teclados extraordinariamente pegadizos.

Publicada como single, "Dreamer" alcanzó el puesto 13 de las listas de ventas británicas, y obtuvo buenos resultados también en Norteamérica, aunque el mérito allí no fue solo suyo, y curiosamente la cara B "Bloody Well Right" (escrita por Rick Davies) fue más popular que "Dreamer" en Estados Unidos y Canadá. Esto nunca le quitó el sueño al peculiar "soñador" de la canción, que volvió a saborear las mieles del éxito cuando la versión en directo incluida en el disco "París" (1980) alcanzó como single el primer puesto de las listas canadienses.