lunes, 26 de abril de 2021

0116: Surf city - Jan & Dean

 


Jan Berry y Dean Torrence asistieron juntos a la escuela en Los Angeles, se hicieron amigos ya que coincidieron en el equipo de fútbol. Comenzaron a cantar juntos, junto con algunos de sus compañeros de equipo y después de la temporada de fútbol, ​​se mudaron a la casa de Jan en Bel Air, donde la familia tenía una sala de música con piano y dos grabadoras Ampex. Iniciaron así una carrera que primero les llevo a intentarlo con el doo – wap, donde no tuvieron mucha suerte, más tarde buscando nuevos horizontes sus composiciones girarían hacia un nuevo estilo que estaba naciendo, nos referimos al género “surf”, un estilo de música que ensalzaban esa actividad que ellos mismos practicaban. La suerte seguía dándole la espalda hasta que por casualidad se encontraron con el líder de un grupo que empezaba a despuntar, Brian Wilson. The Beach Boys conocieron a Jan & Dean en el verano de 1962 cuando ambos grupos tocaron en un teen hop. Ese otoño, The Beach Boys sirvió como grupo de apoyo de Jan & Dean en algunos conciertos para el dúo y entablaron una gran amistad.  The beach boys habían registrado algún éxito leve y a su líder le gustaba trabajar con distintos artistas diferentes ya que tenía un talento grandioso y su cabeza no hacía nada más que crear canciones, así fue como Wilson les regaló esta canción (nada más escuchar los primeros acordes te das cuenta rápidamente que es un tema 100 % Beach Boys). Aquel regalo inesperado fue el primer número uno de Jan & Dean, pero también supuso un grave enfrentamiento entre Brian y Murry Wilson, que era el padre de Brian y el manager del grupo, Murry estaba furioso, ya que pensó que Surf City iba a ser la gran canción que llevaría a lo más alto a The Beach Boys. Sin inmutarse, los grupos continuaron trabajando juntos, con Wilson cantando en el primer álbum de Jan & Dean, y Dean Torrence haciendo la voz principal en "Barbara Ann" de The Beach Boys.

 

¡Dos chicas por cada chico! fue la línea de apertura inmortal de "Surf City" que después del toque mágico del ingeniero, Bones Howe , fue lanzada el 17 de mayo de 1963, rápidamente entró en la lista de pop de Billboard alcanzando la cima de las listas de éxitos de EE. UU. el 20 de julio de 1963. “Surf City” sería el único número uno de Jan And Dean, pero siguieron grabando improvisaciones de surf-pop cada vez más complejas, a menudo con Wilson, durante los siguientes años (“Dead Man's Curve” de 1964 es su otro gran éxito). Su carrera solo aflojo cuando Berry tuvo un grave accidente automovilístico en 1966, quedando en coma durante unos meses. Siguieron grabando después de que se recuperó, y Torrance terminó teniendo una exitosa carrera como diseñador de portadas de álbumes. Mientras tanto, ironías del destino, “Surfin 'USA” también escrita por Brian Wilson, solo llegó al # 3, a pesar de haber salido unos meses antes. Como cualquier moda musical, la música de surf tenía fecha de caducidad. Jan y Dean aprovecharon todo el tiempo que duro creando canciones basadas en el surf.

Prince - Come (Mes Prince)


 

EL MANUSCRITO EN LA BOTELLA

A las orillas de 7días7notas ha vuelto a llegar un manuscrito en una botella, firmado en esta ocasión por Charly "El Druida" (@CatCarlus), uno de los grandes amigos que hemos hecho gracias a nuestro blog y las cuentas asociadas del mismo en Twitter y Telegram. Dentro de la botella, Charly nos envía una reseña del disco Come (1993) de Prince, que publicamos hoy íntegramente dentro del #MesPrince. Hasta ahora, hemos hablado de Prince desde la admiración que nos genera a los cuatro aficionados a la música que formamos 7días7notas, pero con esta reseña damos un paso más allá, para conocer como vive un disco de Prince un músico como Charly que, como buen druida, nos desgrana los matices y detalles técnicos de la poción mágica utilizada por el genio de Minneapolis, que logró que incluso discos menos accesibles fueran admirados y reconocidos por sus propios compañeros de profesión. Así que, desde 7días7notas cedemos la palabra a Charly, y le decimos "Ven" (Come) para que nos hable de uno de sus discos favoritos de Prince. 

 

¡Y Prince hizo "Come"!...

Un larga duración que demuestra que "El Artista" podía ir cambiando de registros según le apetecía y siempre impresionaba. Fue el fundador del reconocido "Minneapolis Sound", ganador de muchísimos premios, entre ellos un Óscar por la canción "Purple Rain", un montón de "Grammys", etc. Destacó por como tocaba instrumentos de cuerda, teclados y percusiones, incluida la batería, aunque una vez escuché que tocaba más de 20 instrumentos. El disco "Come" apareció en agosto de 1994, fue su decimoquinto álbum de estudio y consta de 10 grandes canciones. Por cierto, la portada es Prince en la Sagrada Familia de Barcelona.

1 COME: Una letra llena de sentimiento, con una música que nos lleva hacia ella. Escuchamos el mar, y una batería con alma, mientras él nos habla y en ese momento estamos todos situados. Un bajo con sonidos agudos y una batería con caja dura llevan el tema, y una melodía enérgica con arreglos de viento y teclado le dan elegancia. Yo la siento como funk y jazz, son once minutos de calidad y ritmo.

2 SPACE: Un bajo y una batería que lo llenan todo, batería muy presencial y un bajo que camina. Se acompaña con mucho teclado y diferentes recursos de voz, segundas voces y alterna entre suavidad y contundencia.

3 PHEROMONE: Antes de salir el disco, la versión instrumental de esta canción ya había sido utilizada por Prince en otros proyectos. No es un sonido limpio lo que hace destacar muy por encima el golpe de caja de la batería. Queda una base bailable, que da muchas posibilidades a la voz y eso Prince lo aprovecha, marcando mucho la entrada del estribillo.

4 LOOSE!: ¡Buff Loose!! Es brutal. Empieza con un grito muy loco de Prince y entras en bucle, de hecho creo que grita toda la canción. Una batería donde se escuchan muy bien todos sus elementos y un bajo que aguanta la misma nota casi toda la canción, todo con un sintetizador con un sonido muy electrificado. Y cuando estás flipando y crees que no puede haber más, entra la guitarra distorsionada del maestro con un punteo brutal.

5 PAPA: Letra dura, igual que su forma de cantarla, sentida. La música es bastante tétrica y triste, hasta que después de un redoble todo se vuelve más reivindicativo y fuerte.

6 RACE: Funky enérgico. No sé si será por el título, pero es una canción muy negra. Se pone muy vacilón cantando mientras la base trabaja, con unas buenas segundas voces, una guitarra con grandes ritmos y con buen riff y una batería muy clara, donde se aprecia muy bien su charles (chi chi chi chi...), hecha para que tu mente camine mientras la escuchas.

7 DARK: Suave y elegante. Balada donde la voz va evolucionando a medida que avanza el tema sobre una alfombra acústica suave, bajo bien sonante con adornos de teclado. Predominio de viento acompañando al cantante. Si, una balada un poco atípica.

8 SOLO: Letra de David Henry Wuang, escritor de Madame Butterfly. Prince le pidió que le escribiera un poema, éste lo hizo y se lo mandó. Días más tarde, Prince se la devolvió en forma de canción. Esta genialidad se incorporó en la cara B del single Letitgo, que salió una semana antes que el álbum. Poderío máximo a capella, acompañado a ratos por arpas.

9 LETITGO: El primer single del álbum. Una base constante con batería estable y bajo que combina graves con agudos de forma inusual. Medio ritmo bailable, funky, pero yo diría que también soul, tanto en la base como en las guitarras. Canta en falsete, acompañado de voces más graves y buenos solos de teclado y flauta.

10 ORGASM: También conocida como "Poem" por su letra. Partes de este poema se escuchan al principio de varias de las canciones del álbum (Pheromone, Race, Dark y Letitgo) La voz del orgasmo es de Vanity, de una pista inédita (Vibrator) para el grupo Vanity 6, y la guitarra eléctrica apareció 13 años antes en el tema Private Joy de Controversy (1981). Instrumentalmente hay poco más que recalcar.

Teóricamente, excepto Letitgo, son todo temas antiguos. Si lo escucháis, espero que lo disfrutéis como lo hago yo, es un álbum interesante, muy original, y de muchísima calidad musical.

¡Gracias, Buen "venir"!

Charly "El Druida"

@CatCarlus

domingo, 25 de abril de 2021

0115: Wipe Out - The Surfaris

 

Wipe Out, The Surfaris


     1963 va a ser el año que vea nacer Wipe Out uno de los grandes clásicos del surf rock y uno de los dos grandes éxitos del grupo The Surfaris junto a Surfer Joe. El tema fue grabado en 1962 en el Pal Recording Studio de Cucamonga, California, y publicado en 1963 por el sello discográfico Dot. Originalmente el grupo estaba compuesto por Ron Wilson (batería), Jim Fuller (guitarra), Bob Berrihill (guitarra) y Pat Connolly (bajo), a los que se uniría el saxofonista Jim Pash justo después de la grabación de wipe Out. 

Una de las características del tema es el potente solo de batería de Wilson, que hace que sea uno de los temas más recordados de la época, como también es característico y reconocible la presentación del tema con ese crujido inicial que imita el sonido de una tabla de surf rompiéndose, y al que sigue una voz balbuceando "ja ja ja ja ja, Wipe out". Dicha voz era la de Dale Smallin, el dueño del estudio y a la postre mánager de la banda.

En aquel momento el grupo estaba en sus inicios y sus miembros buscaban un lugar donde ensayar, es entonces cuando se encuentran y conocen a Dale Smallin, quien resulta ser el propietario de un pequeño estudio de grabación en Cucamonga, California, donde el grupo acabaría grabando este exitazo. Smallin se convertiría más tarde en el mánager de la banda. Es en ese estudio, Pal Recording, donde The Surfaris graban el tema Surfer Joe. Una vez grabado el tema, el ingeniero de sonido del estudio les recuerda a Wilson y los demás que para hacer un sencillo necesitan dos temas, les faltaba uno. Acuciados por la premura, Bob Berryhill, Pat Connolly, Jim Fuller y Ron Wilson se pusieron apresuradamente a escribir un tema, pues necesitaban rellenar la cara B. El resutado fue Wipe Out, un tema instrumental que ellos mismos consideraban desechable, de relleno. No podían estar más equivocados, aquel surf rock de relleno acabó convirtiéndode en uno de los grandes exitos del grupo y en un clásico del surf rock de la historia. El tema logró permanecer cuatro meses en las listas de éxitos Billboard de Estados Unidos, llegando a alcanzar el puesto número 2, sólo superado por el famoso Fingertips de Stevie Wonder.

Prince - Graffiti Bridge (Mes Prince)



Con la seguridad de un maestro, Prince ha reafirmado su reputación como uno de los innovadores más brillantes del pop con su nuevo álbum, "Graffiti Bridge". Utópico, desafiante, expresando un compromiso recientemente decidido con el cambio social y lidiando de nuevo con la dicotomía entre los deseos terrenales y la espiritualidad, Prince cubre un terreno temático impresionante además de divertirse seriamente. Y mientras tanto, profundiza desde su característico ritmo estrecho y funk-rock profundamente en las raíces musicales negras. La década de 1980 había sido una década increíble para Prince. Comenzó la década como un prodigio misterioso justo a punto de lograr un éxito disco crossover y luego procedió a lanzar una serie de álbumes que obtuvieron éxito tanto de crítica como comercial y lanzaron o impulsaron las carreras de varios otros artistas. Fue una de las décadas más creativas y prolíficas que jamás haya producido ningún músico. ¿Qué le depararía la década de 1990 a Prince? Pues a principios de la década de 1990, la estrella de Prince se estaba desvaneciendo. A pesar del aumento (temporal) de las ventas debido sobre todo a la banda sonora de Batman, la prensa se cebo con él. Así se metió en proyecto mayúsculo que estaba seguro que iba a reportarle una resurrección a nivel mundial, la fecha señalada en el calendario era el 21 de agosto de 1990, el duodécimo álbum de estudio de Prince iba a ser lanzado en los Estados Unidos, previamente y a modo de aperitivo, el 23 de julio de 1990 el primer sencillo del álbum, Thieves In The Temple, salió a la venta como adelanto de un trabajo que se iba a componer de 17 canciones y una película el órdago estaba sobre la mesa.

Arranca el album con Can't Stop This Feeling I Got una canción que se grabo por primera vez en 1981, y fue regrabada en 1986 con The Revolution, una gran canción, quizás una de las mas optimistas de su carrera hasta ese momento que conecta sin fisuras con su siguiente tema New Power Generation que evoluciona hacia una nueva generación de energía, una gran canción funky, "Dejen su arma original / Vengan y únanse a nosotros en el suelo / Hacer el amor y la música son las únicas cosas que vale la pena luchar", esencialmente declarando el amor y los elementos musicales de una fe que busca reescribir reglas corruptas, con Prince presentando de manera audaz su nueva banda al mundo. Una melodía fina, esta es una de las mejores canciones que se aleja de las críticas de este álbum. Release It es la primera canción del álbum que no es interpretada principalmente por Prince, sino por The Time otra canción funky que se construye rítmicamente en torno a una muestra de Squib Cakes de Tower Of Power. Canción gloriosa, originalmente destinada al álbum Corporate World de The Time que tomo un lugar en el disco de Prince dándole un valor añadido, los motivos un bucle de batería rápido (piense en Eric B. y Rakim) con un pequeño bajo debajo y Morris Day hablando por encima, no es nada que te sorprenda, pero Day es lo suficientemente entretenido como para que la canción valga la pena y que da paso a The Question Of U, una canción bellísima con una hermosa melodía, originalmente estructurada y con una letra conmovedora, casi frágil. Un blues lento al que se le da un brillo tecnológico y contemporáneo, con unos increíbles solos de guitarra de blues rock de Prince y trabajo de teclado como un clavicémbalo. 

Elephants & Flowers es de octubre de 1988 y se hizo un trabajo adicional antes de terminar en este álbum. Una buena canción, sin conseguir ir mas alla, una canción que, si bien puede atraer a la gente, se vuelve demasiado sermoneadora. Eso no quiere decir que sea una mala canción, ya que ciertamente no lo es, pero es un poco ligera en comparación con la pista anterior. Round And Round es una canción innecesaria e indescriptible cantada por Tevin Campbell, lo que hace que la canción sea la verdadera desviación sonora del álbum, es quizas el primer gran batacazo del album, te corta el rollo Prince y parece que esta un aprendiz queriendo imitarle, un motivo para que te venga a la cabeza lo que hubiera sido el disco con menos canciones y eliminando este tipo de ladrillos. We Can Funk se grabó por primera vez a finales de 1982 como We Can Fuck. Después de que Prince modificara la grabación según sus deseos, invitó a George Clinton a hacer sobregrabaciones de la canción. La voz de Prince realmente se destaca, especialmente hacia el final cuando se desata por completo con una voz apasionada. La batería suena fuerte, el sonido valiente de la guitarra le da una calidad y un toque a Medio Oriente (en línea con algunos de sus otros trabajos), y la disposición de las múltiples voces contribuye mucho a hacerlo. sonando como una auténtica pista de P-Funk. Llegamos a Joy In Repetition, la más rara de todas las bellezas, proporciona una atmósfera relajante para que Prince cuente uno de sus muchos cuentos imaginativos, la historia de un visitante a un club (nocturno) donde una mujer está interpretando una canción (el ya mencionado Soul Psychodelicide), que tiene una duración de un año; ella ha estado tocándola durante meses. A las 01:10 minutos de la canción se pronuncia la siguiente letra. La forma en que estas palabras se entrelazan en la canción es pura genialidad, dándole un enfoque poético. Esta pista también cuenta con un solo de guitarra (a partir del minuto 3), que es aclamado por muchos fans como uno de sus mejores. 

Love Machine es una canción interpretada por The Time, que originalmente era un dúo con Jill Jones, pero su voz fue reemplazada por la de Elisa Fiorillo. Una canción sexualmente explícita con un gran ritmo de batería. Tick, Tick, Bang fue originalmente una canción de rockabilly de 1981. Fue regrabada en 1989 con una muestra de la pista de batería de Jimi Hendrix ' Little Miss Lover ' (usando una fuente inferior). El original es genial, pero la versión que terminó en el álbum es mala, muy mala para ser exactos ... ritmo abrasivo del hip hop que no encaja para nada con la canción. A continuación la tercera canción de The Time titulada Shake! , una canción pop bastante suave dando resultado a una canción lejos del nivel de Prince, pero se lo pasamos por alto porque llega otra joya, Thieves In The Temple, tambores fuertes, gran melodía y un príncipe apasionado que suena enojado y herido. La canción contiene una muestra de armónica de I Can't Stand It de The Chambers Brothers, una canción pop fantásticamente elaborada con una de las metáforas más ingeniosas de Prince, escucha la forma en que dice "tú y yo podríamos haber sido una obra de arte". Bailable y con evidente gancho, lo cierto es que fue el único éxito del álbum. La canción fue la última en ser grabada para el álbum, el 11 de febrero de 1990.

The Latest Fashion es la cuarta canción de The Time en el álbum, a dúo con Prince, una melodía humorística y repetitiva de The Time que sirve de relleno. En el álbum Pandemonium de The Time, que fue lanzado en el mismo año que Graffiti Bridge, la canción fue lanzada con diferentes letras y titulada My Summertime Thang. Melody Cool se grabó por primera vez el 9 de julio de 1987, lo que indica que Prince tenía la idea del personaje (interpretado por Mavis Staples en la película) incluso entonces. Alrededor de 1989/1990 se agregaron a la canción las voces de Mavis Staples. Una deliciosa canción pop que me encanta escuchar, una pista bastante buena, lástima que no veamos más de Mavis Staples en el álbum. Still Would Stand All Time fue grabada en octubre de 1988 y se convirtió en una especie de canción gospel. La canción es genial y sigue construyéndose y construyéndose hacia un clímax impresionante. Graffiti Bridge, la canción principal, que suele ser la canción más fuerte de cualquier álbum de Prince, es una canción horrorosa, no lo vamos a negar..."Todo el mundo quiere encontrar un puente de graffiti, algo en lo que creer, una razón para creer que hay un cielo arriba", pero tío esto ya nos lo habías contado de forma magistral en "The Ladder" y de manera mucho mas solemne, no con tanta estridencia y sonidos que te sacan del tema. En resumen, una canción musical, que se queda en mitad de todos los sitios y no llega a ningún lado, grabada originalmente en 1987. El álbum se cierra con una repetición de la segunda canción del álbum, New Power Generation (Pt. II) . No aporta mucho, pero me gusta de todos modos (y sí, no me importa tanto rapear también).



sábado, 24 de abril de 2021

0114: Rhythm of the rain - The cascades

 



Una de esas bandas cuya música se incrustó en los corazones y las memorias de la generación de los 60 y que los jóvenes posteriores heredaron de sus padres fue The Cascades. Formada en 1960, en San Diego, California, The Cascades comenzó como una banda instrumental orientada al estilo de Surf Rock, muy probablemente influenciada por gente como The Ventures (“Walk, Don't Run”). Sin embargo, al descubrir la música de los entonces también incipientes The Beach Boys ("Surfin 'Safari"), cuyas coloridas armonías atrayeron instantáneamente su imaginación, The Cascades pronto se convirtió en un grupo de Sunshine Pop.

Rhythm of the Rain fue publicada en Valiant Records y capturó el sonido de la exuberancia juvenil, los horizontes soleados y brillantes y los cortes de cabello de aspecto limpio de principios de los años 60. La musica adornada con celestas, que estuvo dos semanas en la lista de audiencias de Estados Unidos en el momento de su lanzamiento y que hasta el día de hoy sigue ocupando un lugar destacado en varias listas de las mejores canciones pop de los 60. Fue escrita por el líder de The Cascades, John Gummoe, que en 2008 se referia a esta cancion en estos terminos: "Escribí 'Rhythm of the Rain' mientras servía en la Marina de los EE. UU. A bordo del USS Jason AR8. Estaba de pie a media guardia en el puente mientras navegábamos hacia Japón. Navegábamos hacia el Pacífico norte, llovía mucho y el mar se agitaba, me gustaba observar el 'anillo' que formaba la lluvia al caer y la forma en que fluía, y esa noche escribí la mayor parte de la letra, era como si la lluvia hablara. Fue más tarde que me senté en un piano y estaba jugando con las teclas negras y comencé a tocar una secuencia de Mi bemol hasta F sostenido, bueno, si lo haces verás que es la melodía que ahora está pegada las cabezas de millones de personas en todo el mundo. Más tarde, cuando hicimos una demostración de la canción, surgió ese pequeño ding ding que dice FC-FC, DA, DA. El gran arreglista Perry Botkin Jr. realzó ese pequeño gancho y fue el productor Barry De Vorzon a quien se le ocurrió la idea de abrir la canción con ese famoso estallido de trueno ".

Es posible que The Cascades no haya sido tan prolífico ni tan influyente como muchos de sus contemporáneos, como The Beach Boys, The Hollies o The Monkees, pero la melodía, la nostalgia lírica y la atemporalidad de las canciones son los rasgos que continúan haciendo que la banda y su música sigan siendo queridos para muchas generaciones en las últimas décadas. ¿Puedes oír el sonido de la lluvia que cae? Creo que puedes ... pero solo si te tomas el tiempo para sentarte y relajarte junto al alféizar de la ventana en tu estado de ánimo más descansado y reflexivo, cierras suavemente los ojos y respiras profundamente unas cuantas veces la neblina fresca de la mañana, dibujas una sonrisa juvenil y vuelva a imaginar la puesta de sol de su vida, mientras escucha de Rhythm of the Rain.

La música en el cine: Eye of the Tiger (Survivor) - Rocky III

 

Eye of Tiger, survivor


     El 29 de mayo de 1982 el grupo estadounidense Surivor publica, bajo las discográficas Emi y Scotti Brothers, la canción Eye of the Tiger. El tema se incluyó en el disco del mismo nombre que fue publicado el 8 de junio de 1982. Esta canción se ha convertido en una de los tema más reconocidos del cine, pues fue escrita a petición de Sylvester Stallone para la película Rocky III

Para la música de la película Rocky III, Stallone quería desmarcarse de la música que había utilizado para sus dos anteriores películas de la saga de Rocky, que estaba formada por temas más conocidos. Creía que era el momento de ir a por un mercado más joven, y necesitaba un grupo más moderno y actual. 

Tony Scotti, que era el presidente del sello discográfico de Survivor, Scotti Brothers Records, envía a Stallone algunos temas del disco anterior de Survivor, Premonition. Scotti pensaba que el sonido, el estilo de escritura y el estilo de la banda podían encajar con lo que el actor estaba buscando. Jim Peterik y Frankie Sullivan, los compositores principales de la banda, recibieron con sorpresa días después en sus contestadores automáticos un mensaje de Stallone pidiéndoles que participaran en la composición de la banda sonora de su nueva película, Rocky III.

Una vez aceptado el reto, recibieron una copia de la película, para que viéndola se inspiraran y pusieran música a las escenas requeridas. Había una parte de la película, considerara por Stallone como la más importante, donde quería que la música fuese la coreografía de las imágenes. En la copia que Peterik y Sullivan recibieron, aparecía insertada la canción Another One Bites the Dust, de Queen. Según Peterik y Sullivan, la canción quedaba muy bien con la escena, y así se lo hicieron saber a Stallone, diciéndole que no debería cambiarla. El actor fue sincero con ellos y les contestó que a él también le parecía perfecta, pero le había sido imposible conseguir los derechos de la canción de Queen.

Peterik y Sullivan se pusieron manos a la obra y empezaron creando el mítico riff de guitarra que secuenciaba perfectamente los puñetazos de los boxeadores. Para la letra utilizaron algunas frases de la primera película de Rocky. En un sólo día tenían ya compuesta la mayor parte de una canción que acabaron completando en los dos siguientes días.

En cuanto a la temática que utilizaron, los compositores se vieron perfectamente reflejados, pues al igual que Rocky, que es animado por su amigo Apollo Creed para que deje la mala vida, luche porque vuelva su mirada de tigre y vuelva triunfar, ellos también luchaban por triunfar a pesar de las dificultades que se encontraban por el camino. 

viernes, 23 de abril de 2021

0113: Maria (West Side Story) - Leonard Bernstein

 


La canción de hoy nos lleva de nuevo al cine, concretamente a uno de los grandes musicales de la historia de este arte, nos estamos refiriendo a “West Side Story” estrenada en el año 1961. La película está ambientada en la ciudad de Nueva York en los años 50 y está basada en una obra de Broadway con el mismo nombre e inspirada en la obra de Shakespeare “Romeo y Julieta” pero en vez de enfrentarse las familias Montesco y Capuleto, los protagonistas son dos bandas callejeras: los Sharks, inmigrantes puertorriqueños y donde está nuestra Julieta latina, María y los Jets, estadounidenses de origen irlandés con nuestro Romeo, Tony. Si bien es cierto que el punto de partido es el de la obra de Shakespeare el posterior desarrollo difiere bastante del original. Los protagonistas del film Tony (Richard Beymer) y Maria (Natalie Wood) no sabían ni cantar ni bailar, por ello se utilizó el playback y no los veremos casi bailar en el film ni sus voces son las que suenan cuando cantan, el papel de Tony en principio iba a ser interpretado por Elvis Presley, pero su manager no acepto, más tarde comentaría que fue uno de los grandes errores en su carrera como manager. Tampoco Natalie Wood era la candidata inicial para el papel de Maria. Este debía ser interpretado por Audrey Hepburn pero la actriz, embarazada de su esposo, el también actor Mel Ferrer, se vio obligada a rechazar la oferta.

Leonard Bernstein fue el encargado de componer las canciones (que no dirigir: para la película se contó con Johnny Green y años más tarde el propio Bernstein grabaría sus propias canciones) y contó con la participación de Stephen Sondheim que fue el encargado de poner letra a la música. La banda sonora contiene un total de 19 canciones en las que se mezcla el jazz con ritmos más latinos. La creación de esta banda sonora en aquél momento supuso todo un reto para sus productores: se necesita un total de treinta músicos para orquestar toda la partitura concebida por Bernstein, debido a la utilización de un gran número de instrumentos de cuerda, viento y percusión imprescindibles para conseguir esa inimitable atmósfera. Es escuchar las primeras notas del "Prologue" y sabemos que estamos ante algo fuera de lo común. Música grandilocuente propia de grandes orquestas, que no obstante se contiene para no mostrar tan pronto de todo lo que es capaz o para dejarnos, muchas veces, en vilo (esos grandes silencios o cortes inesperados que quitan la respiración, correspondientes al descubrimiento de un secreto, a la aparición de los "enemigos"... ¿quién puede olvidar el inquietante chasquido de dedos, tan característico para la presentación de los Jets y los Sharks?), dejando que el espectador descubra poco a poco la fuerza de cada nota, de cada instrumento, y, por ende, de cada fotograma que es acompañado por la sintonía. Porque West Side Story es un claro ejemplo de cuándo la música es tan importante como una buena actuación o coreografía. Es una banda sonora que hay que disfrutar entera, como muestra os dejamos a modo de anzuelo María, una de las canciones más románticas del musical.

Disco de la semana 222: Lovesexy - Prince (Mes Prince)


Lovesexy nace de las cenizas del Black Album, quemado en la hoguera por su propio creador. Corren mil teorías sobre las razones que le llevaron a cancelar la publicación de ese disco, y a preparar un disco nuevo en tan solo 7 semanas. Una de ellas habla de un encuentro en un club nocturno de Minneapolis con la cantautora y aspirante a cantante Ingrid Chávez, que planteó al músico que abandonara la negatividad en su música, y la abriera a mensajes más espirituales y positivos. Prince aceptó el reto y se puso manos a la obra, embarcando además a su nueva musa dentro de su séquito de colaboradores cercanos y de su banda de acompañamiento, inicialmente bajo el sobrenombre de "The Spirit Child" (La chica espiritual).

El resultado es un disco conceptual,  en el que todas las canciones giran (y muchas mencionan) en torno a un sentimiento nuevo llamado "Lovesexy", mencionado en muchos de los temas, y descrito como lo que se siente al estar enamorado, pero no de un hombre o una mujer, sino del más allá. El hecho de ser creado en poco tiempo, y con un hilo conceptual claro uniendo las canciones del proyecto, hace de este disco el más unitario de la carrera de Prince, y el que incluye menos "visitas" a la "bóveda" a repescar canciones escritas previamente. El concepto único del disco, provocó también la excéntrica decisión de publicar el disco con un solo corte, sin posibilidad de escuchar las canciones por separado.

En el mismo año de su publicación (1988), yo acababa de descubrir a Prince con Sign of the Times (1987), y aunque el signo de los tiempos era (y sería finalmente) su cumbre creativa, y Lovesexy un disco bastante más incomprendido por la crítica del momento, en aquel momento el impacto que me produjo la escucha de éste último fue mucho mayor. Nadie hacía discos tan buenos como Sign of the Times en aquella época, pero yo nunca había escuchado un disco como Lovesexy hasta ese momento. Para mí es inevitable, para comentar un disco así, no pensar en la primera vez que lo escuché, en mitad de las semanas de exámenes en el instituto. Un compañero de clase me lo grabó en cassette, y lo puse de fondo mientras estudiaba para un examen.

Ya desde la relajante intro de Eye no, en la que la propia Ingrid Chávez recita suavemente que "Todo el mundo sabe... que cuando el amor te llama, tienes que acudir", supe que no podría resistir la llamada de Prince, invitándome a escuchar aquel disco hasta el final. Eye no es el único tema en el que la banda al completo toca en el disco, siendo el resto de temas interpretados en su mayor parte por Prince, salvo puntuales colaboraciones al saxo (Eric Leeds), percusión (Sheila E), teclados (Dr. Fink) y voces (Boni Boyer, Cat, Sheila E). Todo el disco es un gran viaje desde la negatividad, desde los coros que repiten "No" sin cesar en este tema, hasta llegar a la positividad como punto de destino, reflejada en la suave voz femenina que repetirá "Si" constantemente en Positivity (perdón por el spoiler), el tema con el que cierra el disco. Este primer tema se construyó a partir de partes de un tema antiguo (The Ball), en lo que sería la única excursión a la "bóveda" de todo el disco.

Alphabet St es el tema con el que empezó todo. La canción que, tras ver los apenas tres minutos del vídeo promocional, con el "Thunderbird del 66 o 67, tan glam que resulta ridículo"  atravesando un universo de letras de colores ("pon las letras correctas juntas, y haz un día mejor"), me hizo insistir hasta la saciedad a mi compañero para que se acordara de grabarme el disco, y que lo hiciera mucho antes incluso de pasarme los apuntes de alguna asignatura, de cuyo nombre no quiero acordarme. Prefiero hacerlo de la sensación de satisfacción y sorpresa, al comprobar que, al contrario que en discos anteriores, en los que las versiones largas de las canciones aparecían en los maxisingles, el viaje de Alphabet St se prolongaba en Lovesexy hasta los siete minutos, con rap de Cat y desenfadado final instrumental incluidos. Una irresistible mezcla de dance, rock, rap y funk plagada de divertidas referencias al sexo, a través de la descripción de las cosas que un chico planea hacer con el coche de su padre.

Glam Slam también fue single, una canción de estribillo pegadizo y efectivos arreglos de guitarra en su primer tramo, y adornada con un impactante tramo final de corte sinfónico y clásico, en el que los teclados de Prince emulan a una orquesta de violines. Es la única canción de Prince en la que encontramos un guiño, más o menos explícito, a la música de otro grande como David Bowie, ya que el estribillo de la canción (Glam Slam, thank U ma'am) parece inspirado en la frase "Wham Bam thank you ma'am" de "Sufragette City".

Anna Stesia es otro de los momentos memorables del disco. La canción en la que Prince parece describir el encuentro con Ingrid Chávez, que pudo desencadenar el concepto del disco y el giro hacia la espiritualidad de su música, entendida siempre desde el prisma particular de Prince, que aquí promete abandonar los pecados de la carne y dedicar su vida a Dios, pero que en conjunto entrega un disco de amor y sexo, que en la propia Lovesexy llegará a su máximo clímax, representado incluso con un orgasmo. Antes de este nuevo spoiler que acabo de cometer, llegará el turno para Dance On, quizá el tema que menos encaja en el conjunto, con una poderosa línea de bajo y una letra cercana a la de la canción Sign of the Times.

Con la ya mencionada Lovesexy, el disco retoma la línea de derroche musical y creativo de los primeros temas. Turno para no privarse de nada, en un despliegue de saxos, teclados y de unas increíbles guitarras casi enterradas en la mezcla, acompañando a un festival de voces y giros que desembocan inevitablemente en ese momento de máxima espiritualidad que, paradójicamente, lo marcan los gemidos de Cat y Prince en el orgasmo que os prometía en el párrafo anterior. Como si del mismo encuentro sexual se tratase, el final de la canción se entremezcla completamente con el inicio de When 2R in love, el único tema rescatado del Black Album, y que encaja mucho más en Lovesexy que en ese disco previo. Los dos amantes se bañan juntos, y el jugueteo amoroso comienza de nuevo ("Báñate conmigo, déjame tocar tu cuerpo hasta que tu río sea un océano")

I wish U heaven es otro gran ejemplo de la dualidad espiritualidad-sexo habitual en la temática de los discos de Prince. Después de un par de temas más o menos explícitos, llega un tema breve y minimalista sobre el agradecimiento y la evocación de ese más allá final ("Por todos tus besos, te deseo amor, te deseo el cielo". La canción es, pese a su aparente sencillez, uno de los mejores temas del disco, y fue el tercer y último single que se extrajo del mismo. En esta ocasión, la versión extendida fue a parar al maxisingle, una larga suite formada por tres partes diferenciadas (tanto que en la "bóveda" se encontró la tercera parte como tema independiente con el nombre de Take this beat) de la que en el disco solo quedó la primera parte de la suite.

El disco termina con Positivity, tema de toques tribales en la percusión, basado en un esquema de recitado cercano al spoken word, incluso con tramos en los que Prince recita mascando chicle, desde la tranquilidad de haber alcanzado el final del viaje hacia el positivismo. A lo largo de la canción, se repite continuamente la pregunta "¿Has tenido tu signo positivo hoy?", hasta que la canción muere en un murmullo de agua corriendo, entre ráfagas de teclado. Justo en ese momento, regresé del viaje mental en el que el disco me había sumergido, con mucho menos tiempo para aprenderme los temas del examen, y en riesgo de hacer el viaje en sentido inverso, de lo que podría haber sido una buena nota a un resultado negativo. No fue así finalmente, porque mis padres habían prometido que un buen resultado me daría derecho a escoger un regalo, y tener Lovesexy original y en vinilo se convirtió esa misma noche en mi gran objetivo.

jueves, 22 de abril de 2021

0112: Boom Boom - John Lee Hooker

 

Boom Boom, John Lee Hooker


     El 1 de mayo de 1962 se publica como sencillo el tema de John Lee Hooker Boom boom. El tema es publicado bajo la discográfica Vee Jay Records, y consigue posicionarse en el puesto número 1 de las listas de ventas del Reino Unidos y en el número 60 de las listas Billboard de Estados Unidos.

En 1948 comenzaba la carrera musical de Hooker con la consecución de su primer éxito, Boogie Chillen. Hooker solía tocar sólo o como mucho acompañado de un segundo guitarrista. En la década de los 50 grabó con varios nombres diferentes antes de hacerlo con el que sería conocido más adelante, John Lee Hooker, entre los que podemos encontrar Delta John o Birmingham Sam entre otros. Esto cambiaría en 1955 cuando acaba contrato con el sello discográfico Modern Records y ficha por el sello Vee-Jay Records de Chicago. Esta compañía disponía de los recursos necesarios tales como músicos de sesión que ponía a disposición de los artistas de su sello para que estos pudieran grabar. Así se gesta la grabación de Boom Boom, un tema que compuso el mismo John Lee Hooker.

John Lee Hooker solía tocar en un bar de Detroit llamado Apex Bar, y siempre solía llegar tarde, cosa que la banda de acompañamiento que llevaba siempre le recriminaba. En aquel bar trabajaba una camarera llamada Luilla (hay quien mantiene que se llamaba Willa) que siempre que veía aparecer llegando tarde a Hooker le decía: "Boom boom, llegas tarde otra vez". Hooker empezó a dar vueltas a aquello que siempre le decía la camarera y pensó que podía ser el título de un tema, pues tenía gancho. Una noche, mientras regresaba a casa se puso a darle vueltas al asunto en cuestión, y al día siguiente se puso a escribirla. Una vez que la tuvo compuesta se la mostró a cierta gente, y ésta alucinó, por lo que lo siguiente que hizo fue enviarla a Washington DC y registrar los derechos de autor. Una vez registrado como autor del tema ya podía tocarla en el bar y mostrársela a Luilla, que en cierto modo y sin saberlo le había inspirado para la composición de uno de los grandes clásicos del blues.

La musica en canciones: Canciones reseñadas de 1961


La música es como el amor, bueno, es amor, todos tenemos el nuestro y no a todos nos tiene que gustar lo mismo, esta lista no son las mejores canciones, ni siquiera tus favoritas o nuestras favoritas (bueno eso casi que si), simplemente nuestras elegidas, y a modo de índice os dejamos una lista de todas las canciones de 1961 reseñadas para que puedas conocer mas sobre la canción, además de una lista creada en Spotify con todos los temas para escucharlas.

Clickea sobre el titulo de la canción y te llevara al articulo de cada una de las 8 canciones reseñadas de 1961. Disfrútenlas


Can´t help falling in love with you - Elvis Presley
Crazy - Patsy Cline 
Gin house blues - Nina Simone
Hit the road jack - Ray Charles 
Let´s Twist again - Chubby Checker 
Moon river - Henry Mancini
Please mr postman - The Marvelettes 
Runaway - Del shannon 
Stand by me - Ben E King
Surrender - Elvis Presley


miércoles, 21 de abril de 2021

0111: Surfin' Safari - The Beach Boys

 

Surfin' Safari, The Beach Boys


     Entre octubre de 1961 y septiembre de 1962 el grupo estadounidense Beach Boys graba entre los Capitol Studios y los Hite Morgan Studios de California el material que se incluirá en su álbum debut, Surfin' Safari. El disco es publicado el 1 de octubre de 1962 bajo el sello discográfico Capitol, alcanzando el puesto número 32 en las listas de ventas del país, y se le atribuye tanto a este primer álbum como al grupo la creación del llamado género musical California Sound, un género que giraba en torno a la juventud y la cultura del surf. Un género que muchos críticos pensaban que sería pasajero, no podían estar más equivocados.

Incluido en el álbum se encuentra el tema que da título al mismo, Surfin' Safari, compuesto por el vocalista, bajista y tecladista Brian Wilson y el vocalista Mike Love. El tema fue publicado antes del lanzamiento del disco, concretamente en junio de 1962 por el sello Capitol

La banda había realizado una primera grabación del tema el 8 de febrero de 1962 en los World Pacific Studios, durante una de las primeras sesiones de grabación en la historia de los Beach Boys. Sin embargo, esta grabación y las acaecidas en aquellas sesiones, permanecerían inéditas. Posteriormente se realiza el 19 de abril de 1962 otra sesión de grabación de este tema que se convertirá en el oficial. Dichas sesiones se realizan en Western Recorders con Carl Wilson a la guitarra, Brian Wilson al bajo, Dennis Wilson a la batería, y Mike Love a la voz principal, mientras que los coros son obra de Carl Wilson y el resto de la banda.

Surfin' Safari era el segundo sencillo lanzado en la corta vida de la banda, y el primero lanzado con la compañía Capitol. El sencillo alcanzó el puesto número 14 en las listas Billboard de Estados Unidos, y el puesto número 1 en países como Suecia o Canadá, sin embargo el tema fracasó en las listas de ventas del Reino Unido. En Alemania se editó y publicó la primera versión grabada en los World Pacific Studios en lugar de la oficial. 

Como muchas de las canciones del grupo, Surfin' Safari trataba la temática del surf, concretamente era un diario de viaje por algunos de los lugares más populares de California donde se practicaba el surf, tales como Huntington, Malibu, Dohny State Beach, Rincon y Laguna Beach, aunque también hacen referencia a Cerro Azul, ubicada en Perú. Esta fue la primera canción de los Beach Boys donde se mostraba las distintas armonías de contrapunto pos las que el grupo acabaría haciendose famoso. 

Mike Love, el cantante de la banda, también acreditaba como padre del característico sonido de guitarra de este tema a Murry Wilson, quien era el productor del sencillo además de ser el padre de Brian, Carl y Dennis Wilson. Cuando Brian dejaba la sala de control para grabar sus partes de bajo, Murry se dedicaba a cambiar los sonidos de las guitarras hasta dejarlo en un sonido agudo a su gusto. Mike Love creía que ese particular sonido de guitarra influyó en gran medida y ayudó a que Surfin' Safari se vendiera tan bien.