Un país, un artista: Francia - Phoenix

 

El cuarteto francés, Phoenix se ha ganado un espacio muy importante dentro de la escena alternativa mundial. Vamos a hablar de sus primeros cuatro albums de estudio, donde encotnramos un sonido elegante y bailable a la vez, la banda envuelve a los melómanos de todo el mundo en una fantasía pop, con melodías electrónicas. Los guitarristas Laurent Brancowitz y Christian Malazzai, el bajista Deck D’Arcy y el vocalista Thomas Mars componen Phoenix. La banda se formó en 1999 en el barrio parisino de Versalles, dentro del mismo movimiento que vio nacer a Air y Daft Punk a finales de los 90, con el tiempo, y cada uno en su estilo, estos tres nombres han ido conformado la Santísima Trinidad de la música francesa de los últimos quince años. La relación entre Phoenix y Daft Punk son muy cercanas ya que Laurent Brancowitz, guitarrista de Phoenix, tuvo un grupo con Guy-Manuel de Homem-Christo y Thomas Bangalter , llamado Darlin. La relación entre estas dos grandes bandas es tan estrecha que durante una presentación de Phoenix en el Madison Square Garden en 2010, Daft Punk hizo su aparición en el escenario haciendo un mash up entre algunos de sus éxitos y la canción 1901 de Phoenix. 

 

Phoenix empezó haciendo un remix del sencillo "Kelly Watch the Stars" de Air. Se volvieron rápidamente un éxito "underground" gracias al sonido loungy/mellow y sin pretensiones que implementaron en su álbum del 2000 United. Potentes líneas de bajo, elegantes guitarras rítmicas y teclados que, junto a la personal voz de Thomas Mars deslizándose entre los instrumentos, convencían a la primera escucha. La aparición del tema “Too Young” en la película Lost in Translation, (En 2011, el vocalista de Phoenix, Thomas Mars, se casó con la prestigiosa directora de cine Sofia Coppola) contribuyó a propulsar su álbum debut con la suficiente fuerza para lograr un contrato para un segundo disco en 2004. De título "Alphabetical", el álbum trajo a la banda un éxito comercial moderado, con sencillos como "Everything Is Everything" y "Run Run Run" en buenas posiciones en las listas de popularidad. Para presentar "Alphabetical", Phoenix se embarcaron en una larga gira mundial, que quedó plasmada en el álbum "Live! Thirty Days Ago".

“It's Never Been Like That” (2006) constituyó la tercera entrega de estudio de los parisinos, un trabajo autoproducido con el que Mars y compañía se acercaron a sonidos más directos y contundentes, logrando con ello el aplauso de la crítica. Al disco siguió de nuevo una gira masiva a lo largo de Estados Unidos y Europa. La música y la moda convergen en este disco ya que en esta ocasión con el exitoso diseñador de Dior, Hedi Slimane, diseño la portada del álbum «Alphabetical» y utilizó la canción «Victim of crime» para mostrar una de sus colecciones para la casa de moda.

La banda celebró sus diez años de trayectoria con la edición de “Wolfgang Amadeus Phoenix” (2009), cuarto disco de estudio en el que contaron con la acertada producción de Philippe Zdar (Cassius). Con esta nueva obra llegan de nuevo las melodías inspiradas y los ritmos bailables que recuerdan a las grandes canciones incluidas en su ópera prima “United”. Con motivo de gira la banda estrenó un documental de 52 minutos, dirigido por Antoine Wagner, (quien dirigió también el video de «Lisztomania») llamado From the mess to the masses, en el que se narra la historia de la banda y su ascenso al éxito. En el documental se ven imágenes que Wagner capturó durante más de un año de gira en la que Phoenix, presentó su cuarta producción, llamada Wolfgang Amadeus Phoenix. El tour que grabó el director por Berlín, Estados Unidos y otras ciudades de Europa, comenzó el 20 de mayo del 2009.

Conocer su discografía es algo que les invitamos a hacer de manera personal y sin presiones, basta con escuchar alguna canción y deleitarse con estos sonidos, analizarlos y concluir lo que cada uno produce en el cuerpo y en la mente, porque al fin y al cabo eso es lo que la música de estos franceses consigue: tocar los sentidos, otorgarles emociones y hacerlos explotar en reacciones.

0062: So What, Miles Davis

No sabemos que "tipo de tristeza" es la que puede generar la publicación de la que muchos consideran la obra maestra del jazz, pero a veces la tristeza, como el llanto, pueden ser reconfortantes. Así es Kind of Blue ("Una especie de tristeza"), el disco que el genial trompetista grabó en tan solo dos sesiones de estudio repartidas en dos días diferentes (el 2 de marzo y el 22 de abril de 1959) en el estudio de Columbia Records en Nueva York. De las improvisaciones de aquellas dos sesiones históricas, en las que se rodeó de un equipo deslumbrante de músicos de la talla de John Coltrane o Julian "Cannonball" Adderley, entre otros, salieron los cinco temas que componen Kind of Blue. 

El 2 de marzo se completaron los temas que compusieron la primera cara del disco, que abría con So What ("¿Y qué?"), uno de sus temas más emblemáticos del trompetista, y un claro ejemplo de "jazz modal", el tipo de música con el que Miles Davis estaba entonces experimentando. Comienza con unas líneas del piano de Bill Evans y el contrabajo de Paul Chambers, que junto a la batería de Jimmy Cobb componen el leve colchón rítmico sobre el que se van sucediendo las improvisaciones de Davis, Coltrane y "Cannonball" Adderley. Músicos de primer nivel, siguiendo una consigna de Davis tan sencilla como innegociable. Ninguno de ellos debía ensayar antes de llegar al estudio, y tan solo dispondrían de unos leves bocetos sobre la estructura básica sobre la que giraba la canción.

¿Y entonces, qué? Pues que todos dieron lo mejor de sí mismos, registrando uno de los momentos más brillantes de la historia del jazz, en un tema y un disco que han tenido una enorme influencia en las estructuras y los planteamientos de muchas obras de jazz posteriores. Y, desde luego, si esto es una "especie de tristeza", no hay que perder tiempo en acercar la aguja al disco y comprobar que la tristeza puede ser también una forma impresionante de hacer música.

Extremoduro - Rock transgresivo (Mes Extremoduro)

Extramoduro - Rock transgresivo #MesExtremoduro

Todos tenemos un comienzo, y el comienzo de esta banda, que marcara el mes de Marzo, no es más ni menos que su primer álbum, una joya en bruto que fue creciendo de una simple maqueta que la banda, realizo en 1989, a publicar como primer disco de estudio con el nombre de  "Tú en tu casa, nosotros en la hoguera", y finalmente re editado nuevamente en 1994 nuevamente recuperando su nombre original de "Rock Transgresivo". 

Un disco de este calibre no pasa desapercibido en su historia, y anécdotas no faltan, junto al empeño de una banda que ha crecido muchísimo en la escena musical Española, quien puede negar que Extremoduro no sea un referente, y este referente de la música tuvo en sus inicios, más de un desafío como toda banda de rock, logra sacar su primera maqueta gracias al apoyo en sus fans, pre vendiendo la maqueta por 1.000 pesetas, el apoyo de sus fans les permite pre vender 250 y juntar el dinero necesario para su edición. 

Y así sale a la luz en 1989 bajo el nombre de "Tú en tu casa, nosotros en la hoguera", Extremoduro logra en un mismo año tener su maqueta y un primer disco de estudio, la maqueta se edita con 7 temas, y la banda en su disco de estudio agrega una canción más. Ambos discos conviven en las tiendas y es muy bien recibido por los fans. 

Extremoduro ira por más y decide en 1994 volver a re editar este primer álbum, una banda ya consolidada y reconocimiento internacional, agregar en esta re edición de "Rock Transgresivo" dos nuevos canciones, y no se quedan atrás en el año 2011, redoblan la apuesta y vuelven con un "Rock Transgresivo" recargado con 15 canciones de la banda. 

Así que Extremoduro un clásico en la escena del Rock Español, que se merece este reconocimiento por toda su trayectoria y un disco con historia.

Daniel 

Instagram Storyboy 

0061: What'd I Say - Ray Charles

 

What'd I say, Ray Charles

     En octube de 1959 Ray Charles lanza bajo el sello discográfico Atlantic Records, What'd I Say en 1959, el sexto álbum de estudio del genial artista. El disco alcanza la certificación de disco de oro, en parte gracias al tema que da nombre al disco, What'd I Say, el cuá supuso para el artista todo un pelotazo. 

What'd I Say es grabada en el estudio el 18 de febrero de 1959, y lanzada como single dividido en dos partes, I y II, en julio de 1959, adelantándose al lanzamiento del disco. Este tema está considerado como uno de los primeros de la música soul. Entre 1954 y 1960, Ray Charles solía realizar unas 300 actuaciones al año con una orquesta de siete miembros. Además charles formó un trío femenino para que le hiciera los coros al que bautizó como Raelettes, y que anteriomente era conocido como The cookies. Es precisamente en 1954 cuando Charles empieza a fusionar sonidos y elementos de la música gospel con letras que abordaban temas más mundanales. Su primer intento fue el tema I Got a Woman, siendo con What'd I Say con el que alcanzaría mayor repercusión.

Las influencias de gospel, mezclados con rumba y con una letra con insinuaciones de caracter sexual convierten a What'd I Say en un tema muy controvertido a la vez que popular tanto entre el público blanco como el público negro. Para el estilo del tema de llamada y respuesta, Ray Charles se inspiró en la iglesia en la que creció, donde el predicador preguntaba algo y los feligreses respondían algo así como "What'd I Say". El tema se gestó en 1958 en un club de Brownsville, Pensylania, durante una actuación de Ray Charles, que había tocado ya todos los temas de su repertorio y le sobraban todavía 12 minutos que tenía que rellenar. Así que se le ocurrió decirle a su grupo de coristas, las Raelettes que le siguieran y únicamente repitieran lo que el dijera, y a su la banda le dijo que no sabía como acabaría aquello y que simplemente le siguieran. Cuenta la leyenda que al final todos los asistentes a aquella actuación se arremolinaron alrededor del artista para preguntarle el título de aquel temazo que acababan de escuchar para poder comprar el disco.

La música en historias: Black Sabbath, Gillan y el circuito de carreras

 

Born Again, Balck Sabbath

     Black Sabbath publica en 1983 su undécimo disco de estudio, Born Again, en agosto en el Reino Unido, y en octubre en Estados Unidos. Este fue el primer y único disco que cuenta con Ian Gillan como vocalista de la banda. en un principio Gillan no quería ser computado como miembro de la banda, por lo que propone una colaboración en este disco, un proyecto que iba a ser conocido como Gillan/Iommi/Butler, pero la discográfica, Vertigo Rerords se negó a publicar cualquier cosa que no llevara el nombre de Black Sabbath. Al final la discográfica se salió con la suya. 

Born Again recibió principalmente críticas negativas, sin embargo el disco resulto ser un éxito comercial, llegando al Top 5 en Reino Unido. Incluido en este undécimo trabajo de la banda se encuentra el tema Trashed, que a la larga se convertiría en el tema mas exitoso del disco, y que cuya letra fue compuesta por Ian Gillan basándose en una anécdota que sufrió mientras se encontraba con el resto de la banda grabando dicho álbum en The Manor Studio de Oxfordshire, Inglaterra.

En los terrenos donde se encontraba el estudio The Manor, donde la banda estaba grabando Born Again, había una pequeño circuito de carreras y una piscina. Una noche, Ian Gillan se emborracho en un pub cercano a los estudios de grabación, y al coger el coche en un absoluto y contundente estado de ebriedad, se le ocurrió la brillante idea de dar una vuelta al circuito de carreras que había en las cercanías. La idea no salíó como esperaba, pues acabó volcando el vehículo quedando éste boca abajo muy cerca de la piscina. Afortunadamente Gillan salió ileso, pero el coche no tanto pues quedó destrozado. Al día siguiente, Gillan se enteró de que el coche que habia destrozado no era precisamente el suyo, era el del baterista Bill Ward. La gerencia de la banda había tenido a bien comprar un coche a cada miembro de la banda durante aquellas sesiones para que pudieran desplazarse, y Gillan en aquel estado, completamente ebrio, se equivocó de coche. Ese mismo día, el siguiente al día del suceso, Gillan escribió la letra del tema, la cual grabó sobre una pista que había sido grabada por sus compañeros de banda por aquel entonces, Tony Iommi, Gerard Butler y Bill Ward. 

It really was a meeting

The bottle took a beating

The ladies of the manor

Watched me climb into my car and

I was going down the track about a hundred and five

They had the stop-watch rolling

I had the headlights blazing I was really alive

And yet my mind was blowing

I drank a bottle of tequila and I feel real good

I had the tape deck roaring

But on the twenty-fifth lap at the canal turn

I went of exploring

I knew I wouldn't make it the car just wouldn't make it

I was turning tires burning

The ground was in my sky

I was laughing the bitch was trashed

And death was in my eye

I had started pretty good and I was feeling my way

I had the wheels in motion

There was Peter and the Green fly laughing like drains

Inebriation

The crowd was roaring I was at Brands Hatch

In my imagination

But at the canal turn I hit an only patch

Inebriation

Ooh Mr. Miracle you saved me from some pain

I thank you Mr. Miracle I won't get trashed again

Ooh can you hear my lies

Don't you bother with this fool just laugh into my eyes

So we went back to the bar and hit the bottle again

But there was no tequila

Then we started on the whiskey just to steady our brains

'Cause there was no tequila

And as we drank a little faster at the top of our hill

We began to roll

And as we get trashed we were laughing still

Well bless my soul

0060: I Got Stripes - Johnny Cash

 

I Got Stripes, Johnny Cash

     El 12 de marzo de 1959 Johnny Cash graba I Got Stripes, tema que es lanzado por el sello discográfico Columbia Records como single en julio de ese año junto con el tema Five Feet High And Rising en la cara B, el cual tamién fue grabado en esa misma sesión. El tema fue escrito por Johnny Cash y por Charlie Williams, un amigo suyo que trabajaba como DJ en Los Ángeles.

Para la composición de I Got Stripes se basan en la canción On a Monday (1943), de Lead belly. A su vez, para la composición de On a Monday Lead belly también se basó en un tema suyo de 1939, Yallow Women's. Lead Belly fue un músico y compositor estadounidense de blues y folk que destacó por sus claras y poderosas interpretaciones, de las cuales muchas se han convertiso en clásicas, y por el virtuosismo con que tocaba la guitarra de 12 cuerdas, si bien dominaba también piano, violín, acordeón y armónica.

I Got Stripes se apoya en una atractiva melodía donde predomina la guitarra en primer plano, mientras Johnny nos narra la amarga experiencia de ser arrestado y las limitaciones a las que está sometido mientras se encuentra en la carcel. La letra se basa en un sencillo patrón que se repite durante todo el tema, "El lunes me arrestaron... / El martes me encerraron en la carcel / El miércoles se celebró mi juicio / El jueves me declararon culplabe...". El tema no acabó de despegar todo lo que se esperaba en las listas de ventas, alcanzando el puesto número 43 en la lista estadounidense Billboard Hot 100, y el puesto número 4 en la lista Billboard Hot Country Songs.

Extremoduro - Iros todos a... (Mes Extremoduro)

Empezar estas líneas diciendo "Iros todos a tomar por culo" es, probablemente, la peor manera de empezar una reseña y un mes dedicado a un nuevo artista. Pero todo cambia si el mes en cuestión es el #MesExtremoduro. Ahí, todo cobra de repente sentido, porque es el título del primer álbum en directo de la banda del genial Robe Iniesta, el único letrista español capaz de alternar momentos de excelsa lírica con golpes de incontinencia verbal tan directos como el del título de este disco, y conseguir que en el conjunto de sus letras todo encaje siempre a la perfección, convirtiendo ese modo de escritura bipolar e imprevisible en poco menos que la marca Extremoduro. Poco importa que sus ataques de ira carguen "Contra todo" y contra todos, nos gusta tanto que nos damos por satisfechos en lugar de darnos por aludidos. Cuenta el propio Robe que, en una rueda de prensa de promoción de "Iros todos a tomar por culo" (1997), un periodista le preguntó a quién iba dirigido realmente ese mensaje, a lo que el músico respondió: "Yo creí que el mensaje era suficientemente claro, iros todos a tomar por culo".​

El disco recoge los mejores momentos de los últimos conciertos de una gira conjunta de Extremoduro y Platero, la otra banda del guitarrista Iñaki Uoho, que pasaría a ser "cien por cien Extremo" cuando los Platero decidieron apearse definitivamente del burro. Era también la gira en la que hacían promoción de Agila (1996), el disco que elevó su carrera y su status a la categoría de grandes estrellas de la música rock patria, un trono del que ya nunca se han bajado. Grabado durante las últimas actuaciones de la gira, y producido por el propio Uoho, es todo un compendio de los mejores momentos de  la discografía del grupo.

Comienza con Amor Castúo (de Rock Transgresivo) y Buscando una Luna (de Agila), grabados en el Auditorio de la Cartuja de Sevilla, para saltar después a los temas grabados en la Sala Cuattro de Avilés (De acero, del disco Deltoya, y Correcaminos, estate al loro, de Agila). La Hoguera, de Rock Transgresivo, es el único tema registrado en la Sala Gares de Puente de la Reina (Navarra), y a partir de ahí, el disco corresponde en su totalidad a grabaciones de las dos noches que actuaron en el madrileño Palacio de los Deportes (ahora Wizink). La descarga continuada de decibelios de esta "sedentaria" segunda parte del disco incluye éxitos del nivel de Jesucristo García (de Rock Transgresivo), Bri, bri, bli, bli (de ¿Dónde están mis amigos?) o Ama, Ama, Ama y ensancha el alma (de Deltoya), entre otros grandes temas de la banda.

No hemos mencionado todas las que están en el disco, al igual que no podremos reseñar todos los discos de la banda, pero en el #MesExtremoduro intentaremos dar un amplio repaso a lo mejor de una banda considerada por muchos como la mejor banda de rock en español de la historia. Disfrutadlo, tanto los que estéis de acuerdo como los que no lo estéis tanto, y pasaros a mirar los que andeis dudosos, pero, por favor, que nadie se nos vaya a ningún sitio. Comienza el #MesExtremoduro.

0059: Maybellene - Chuck Berry

En los años 50 y 60, el formato single predominaba sobre el álbum, y era la mejor baza de los artistas para entrar en las listas de ventas y en las programaciones de las radio-fórmulas. En ese escenario, los discos eran, en su mayor parte, meras recopilaciones de los últimos singles de éxito, completados con material de relleno y versiones de temas de otros intérpretes. En esa categoría podríamos incluir a "Chuck Berry Is On Top", publicado en julio de 1959 en Chess Records, y compuesto casi en su totalidad de singles que Chuck Berry había publicado previamente (la única canción nueva era "Blues for Hawaiians").

Uno de esos singles era precisamente Maybellene, su primer sencillo y su primer número uno en las listas de ventas, considerado como uno de los primeros temas de "Rock and Roll" de la historia. La canción fue escrita por el propio Chuck Berry, que se basó en una melodía de violín de un tema western y swing llamado "Ida Red".

Las temáticas habituales dentro del género del Rock and Roll están ya presentes en la letra de este pionero tema, en el que las chicas y los coches tienen un lugar predominante. Un hombre persigue, preso de los celos, a su chica infiel por la autopista, y una carrera tan desenfrenada como esa no podía ser contada bajo los esquemas musicales clásicos del momento. Muy al contrario, requería lo que Chuck Berry le dio, una manera de tocar la guitarra que alumbraría un nuevo género. Larga vida al Rock and Roll.

Gary Moore - Scars (Mes Gary Moore)

Llegamos al final del #MesGaryMoore, y lo hacemos con Scars (Cicatrices) el décimo quinto álbum de estudio del genial guitarrista de jazz rock, blues rock y hard rock. Mencionamos, una vez más, varios de los grandes estilos en los que se movió, porque Scars fue, tras diez años dedicado a explorar los terrenos musicales del blues rock, una especie de vuelta a los discos de sus orígenes, sin dejar por ello de lado al blues y, sobre todo, a las influencias de grupos como Cream o The Jimi Hendrix Experience.

Publicado en 2002, el disco fue grabado por una banda en formato power trío, algo muy del gusto de Gary, que ya había explorado esa fórmula en "BBM" con Jack Bruce y Ginger Baker. En esta ocasión, los elegidos fueron Cassie Lewis (ex-bajista de Skunk Anansie) y Darrin Mooney (batería de Primal Scream). Este último impresionó a un Moore conocido por ser extremadamente exigente con los baterías, que pensó que con el sonido que el baterista podía dar a sus canciones, lo que realmente pegaba era un disco más crudo y directo que lo que normalmente venía haciendo, por lo que una vez reclutado el bajista, decidió que esa sería la banda de Scars.

A diferencia del trabajo realizado en el combo Bruce-Baker-Moore, que en todo momento se trató como un trabajo puntual y paralelo a su discografía, Scars tiene en todo momento el sello de un disco personal de Gary Moore, empezando por el propio título. Las "Cicatrices" pueden hacer referencia a la experiencia y los momentos difíciles vividos a los largo de toda una carrera en la música, o más directamente a las propias cicatrices físicas en el rostro del guitarrista norirlandés, a consecuencia de una reyerta en un pub a finales de los años setenta.

When the sun goes down es el tema de apertura, y la primera muestra clara de la fuerza y la química de Moore, Lewis y Mooney. Si las cicatrices pueden a veces ser bastante profundas, también lo son las raíces del rock gestado por los tres músicos, siempre con la guitarra de Moore y su sonido wah wah típico de Hendrix mandando en cabeza. Rectify sigue la misma línea cruda y guitarrera, con un riff más pesado y el mismo tono amargo en la voz de Moore, más grave y rasposa que en discos anteriores. Gary no nació en Chicago, como reza el título de siguiente tema, pero en Wasn't born in Chicago se maneja a sus anchas sobre una batería de estilo jazz y sonidos electrónicos que bien podrían haber nacido en uno de los oscuros bares de jazz y blues de la ciudad estadounidense.

Tras la rítmica y efectiva Stand Up, con sus peculiares silencios al final de cada vez que se pronuncia el título, llega el turno del Moore más lento y melódico en la balada Just Can't Let You Go, intenso tema de estructura blues y de más de 7 minutos de duración. Es sólo un alto en el camino, porque el blues rock de garaje y carretera vuelve con fuerza en My Baby (She's so good to me). Vuelven también las influencias de Hendrix, tanto en World of Confusion, que juega con la estructura de Manic Depression, como en Ball and Chain, tema de casi 13 minutos, que bebe de las fuentes de Voodoo Child. La cosa no queda ahí, porque en el abrasivo arranque de World Keep Turnin' Around y en su acelerado riff se vislumbran guiños evidentes a Foxy Lady.

Y después, como a todo disco, y como al #MesGaryMoore, a Scars le llega el momento de decir adiós. A estas alturas, y pese a las visibles cicatrices que las ramas de los árboles le han producido por el camino, el caballo que galopa Gary se sabe ya ganador, y se permite el lujo de aminorar el paso y disfrutar del paisaje en los metros que le separan de la meta final en Who Knows (What Tomorrow May Bring?), que además de un gran tema lento, es una gran pregunta. ¿Quién sabe lo que el mañana traerá? Nadie lo sabe, y esperamos que sean más alegrías en forma de discos como este, ideales para cerrar para siempre, y a golpes de blues y rock, algunas profundas cicatrices.

0058: Mack the knife - Bobby Darin

 

La canción cuenta la historia de un asesino en serie que mata a sus víctimas con una navaja  y aunque para muchos el asesino de "Mack the Knife" se basaba en el infame y misterioso asesino en serie de la vida real Jack el Destripador del Londres de la década de 1880, nada más lejos de la realidad, el verdadero origen de la canción está en “The Beggar´s Opera”, que el inglés John Gay, dio al mundo en 1728 al popular personaje de un salteador de caminos llamado capitán MacHeath, basado en un criminal real llamado Jack Sheppard que había sido ejecutado cuatro años antes. Dos siglos después, el compositor Kurt Weill y el dramaturgo Bertolt Brecht decidieron actualizarlo, pero eliminaron los rasgos caballerosos del personaje y lo hicieron más cruel, además de darle a la obra el consabido matiz político anticapitalista propio de Brecht. Ese musical fue un gran éxito, quizá el mayor del género durante la República de Weimar, y la canción donde presentaban la entrada a la acción del protagonista lo fue aún más, rara era la noche en que no sonaba en los cabarets.

En Alemania llegó al poder Adolf Hitler, y Kurt Weill tuvo que huir a Estados Unidos, aquella composición quedó en el olvido, hasta que en Estados Unidos, Marc Blitzstein decide hacer una versión dándole el toque clásico de Jazz para homenajear a Weill. La propuesta llegó a oídos del jefazo de la Columbia Records que quedó prendado ofreciéndosela a distintos cantantes, entre ellos a Louis Armstrong. De este movimiento tuvo conocimiento la MGM que hizo su versión en piano, regalando a Bobby Darin un numero uno incontestable, hubo quienes creían que grabar una canción de una ópera podría dañar su carrera, en ese momento Darin era más conocido como uno de los primeros artistas del rock & roll, y su mayor éxito hasta ahora había sido "Splish Splash" que durante 1958 había estado entre los 5 primeros de la lista de éxitos, pero nada mas lejos de la realidad, "Mack the Knife" daría un cambio absoluto a la carrera de Bobby Darin convirtiéndole en una de las estrellas de la Lounge Song.

Como curiosidad y para entender hasta donde llegó el tema, contaros que Pedro Navaja, la famosa canción de Ruben Blades no es ni más ni menos que una versión en salsa de este Mack the knife y si queremos redondear la curiosidad el protagonista de los tebeos de “Makinavaja: el último choriso” de Ivá tiene su origen también en la canción creada por Bretch. La revista Rolling Stone clasificó a "Mack the Knife" como la canción número 251 más grande de todos los tiempos y el magnate de la música pop y el juez de reality shows Simon Cowell dijo en "Desert Island Discs" de BBC Radio 4 que "Mack the Knife" es la mejor canción jamás escrita

La musica en canciones: Canciones reseñadas de 1958

La música es como el amor, bueno, es amor, todos tenemos el nuestro y no a todos nos tiene que gustar lo mismo, esta lista no son las mejores canciones, ni siquiera tus favoritas o nuestras favoritas (bueno eso casi que si), simplemente nuestras elegidas, y a modo de índice os dejamos una lista de todas las canciones de 1958 reseñadas para que puedas conocer mas sobre la cancion, ademas de una lista creada en Spotify con todos los temas para escucharlas.

Clickea sobre el titulo de la canción y te llevara al articulo de cada una de las 18 canciones reseñadas de 1958. Disfrútenlas

All I have to do is dream - The Everly Brothers

At the hop - Danny and the Juniors

Blue Train - John Coltrane

C´mon Everybody - Eddie Cochran

Come fly with me - Frank Sinatra

Fever - Peggy Lee

Johnny B. Goode - Chuck Berry

La bamba - Ritchie Valens

Lollipop - The Chordettes

Rama Lama Ding Dong - The edsels

Rock and roll music - Chuck Berry

Smoke gets in your eyes - The Platters

Summertime blues - Eddie Cochran

Sweet Little Sixteen - Chuck berry

Tequila - The Champs

The twist - Hank Ballard

You´ve changed - Billie Holiday

You are my destiny - Paul Anka

0057: How Many More Years - Howlin' Wolf

 

Moanin' In The Moonlight, Howlin' Wolf

     En 1959 se publica bajo el sello discográfico Chess Records, Moanin' In The Moonlight, el primer álbum de estudio de Howlin' Wolf. Dicho disco es un compendio de canciones grabadas y publicadas anteriormente como singles. Nos vamos a detener en el tema del disco titulado How Many More Years, un tema que fue escrito y grabado por primera vez en 1951 bajo el sello discográfico Chess Recrods, y fue lanzado como cara B, ocupando la cara A Moanin' In he Midnight. El tema pese a ocupar la cara B, se convirtió en el tema más exitoso de Howlin' Wolf.

Corre el año 1948, y Howlin' después del servicio militar ya ha conseguido establecerse dentro de la comunidad de Memphis como una celebridad local del blues, y ya ha formado su propia banda llamada The Howlin' Wolf. El tema es grabado en 1951 el Memphis Recording Service de Memphis, que posteriormente se convertiría en los estudios Sun Records, ubicado en 706 Union Avenue, y Howlin' se encarga de las tareas vocales y la armónica, siendo acompañado por Ike Turner al piano, Willie Johnson a la guitarra y Willie Steele a la batería.

Howlin' por entonces trabajaba en un programa local de radio donde tenía un espacio de unos 15 minutos que le ayudaban a publicitarse. El tema es grabado bajo la producción del sello Chess Records en los citados estudios Sun Records, fundados por Sam Phillips, que también había escuchado a Howlin' en su programa de radio radio y sabía de su potencial. Por entonces era habitual que Chess Records alquilara los estudios Sun Records para realizar las grabaciones de sus artistas. El tema se convertirá a la postre en el mayor éxito de Howlin', alcanzando el puesto número 4 en la lista de discos de R&B de Juke Box, y el puesto número 8 en las listas de discos de R&B de Estados Unidos. Gente como el famoso músico, compositor y productor discográfico T-Bone Burnett, citan How Many More Years como el primer tema de Rock and Roll de la historia.

El disco de la semana 214: Los Auténticos Decadentes - Hoy Trasnoche

El disco de la semana 214: Hoy Trasnoche - Los Auténticos Decadentes

Hoy Trasnoche es el sexto álbum de la banda argentina de ska, Los Auténticos Decadentes publicado el 14 de septiembre de 2000, podría poner como nota destacada, pero lo cierto es que sería muy injusto en decir o encasillar a Los Auténticos Decadentes en un solo género.

Y esto se demuestra en este, su sexto álbum que tiene 15 canciones que encierran 14 diferentes géneros, desde el Ska, se podría decir su originario sonido de la banda, más el Pop Rock, Pop, Hard Rock, Ska Punk, Jazz, Reggae y el mismísimo Rock, pero Los Auténticos Decadentes suman muchos más ritmos populares como la Murga, Bossa Nova, Cumbia, Guaracha, o sonidos aún menos convencionales como el Ragtime, que me han costado hasta encontrar, y sin pecar de creerme con un oído muy aguado o preciso no están ausentes la música Disco y las Baladas. 

Ahí están 14 diferentes géneros nos deleita esta banda, que acostumbrados a bandas de rock con 4 o 5 integrantes también se enorgullecen de ser 13 los integrantes, será que la diversidad de sus géneros les obligan a ser un verdadero ejército de músicos. Pero lo cierto es que esta banda fusiona en sus canciones muchos ritmos populares que le hacer única, logrando un alcance mayúsculo entre el público de todos los géneros. 

Hoy Trasnoche es un disco que me cuesta mucho catalogar en mi discografía personal, pero tiene todo lo que llevaría a un fiesta, por ello es la recomendación del disco la semana no podría faltar esta recomendación, con solo seguro de escuchar los tres cortes de promoción que tuvo el disco te enganchara para escucharlo, así que apunta "No puedo" que ocupa el número 2 en la lista de canciones del disco, y los temas "El dinero no es todo" y "Besándote", que son las canciones 6 y 7 respectivamente del disco. 

Así que amigos, no dejar de escuchar esta particular banda de Rock Argentina, que tiene un sonido propio, y tan particular, que sus seguidores podrían ser desde un viejo Heavy Metal como un amante de la cumbia colombiana, así que todo puede pasar. 

Daniel 
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0056: Come Softly To Me - The Fleetwoods

 

Come softly To Me, The Fleetwoods

     En 1958 Gary Troxel, Gretchen Christopher y Barbara Ellis formaban el trío de pop y doo-wop llamado The Fleetwoods, y su primer éxito no se haría esperar, su primera composición antes de formarse, mientras asisten a la escuela secundaria en olympia, Washington, (Estados Unidos).

La gestación de la canción comienza cuando los amigos Gary y Gretchen se encuentran en la escuela esperando a ser recogidos para ir a casa. En un momento dado Gary comienza a tararear algo así como "Dum, dum, domby doo wha...", entonces Gretchen se da cuenta que aquello que Gary tararea tiene la misma sucesión de acordes que una canción que acaba de escribir, "Come softly", por lo que le pide a él que reduzca el ritmo y ella comienza a cantar letra de su tema sobre el tarareo de Gary. Posteriormente ambos se lo muestran a Barbara Ellis, compañera de canto de Gretchen, a quien le gusta mucho. A partir de ahí deciden fromar un trío llamado Two Girls and Guy, que luego acabaría transformándose en The Fleetwoods.

como Two Girls and Guy interpretan el tema dos veces en vivo, en una asamblea de estudiantes de último año y en un baile posterior a un partido de fútbol, y tienen tanto éxito que los compañeros de clase y de escuela les piden copias de la canción para poder aprenderla y escucharla. El trío tardó seis meses en grabarlo, se hizo a capella, sin instrumentación, la cual se añadiría después. Como curiosidad se puede apreciar que la única percusión del tema es la originada por Gary al agitar las llaves de su coche con las manos cerradas. 

Sería el el propietario de la discográfica Dolphin Records, con la que graban el tema, Bob Reisdorf, el que les sugiere que le pongan al grupo un nombre más comercial. Acabarían llamandose The Fleetwoods porque los tres tenían la misma compañía telefónica, Fleetowood. Sería también Bob Reisdorf el que cambia el título de la canción, pues originalmente se llamaba Come Softly, y creyó que podía ser demasiado atrevido, por lo que la transformó en Come Soflty To Me. 

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Canciones que nos emocionan: More Than A Feeling - Boston

 

More Than a Feeling, Boston

     El 25 de agosto de 1976, la Banda estadounidense Boston debutaban con la publicación de su primer álbum de estudio de larga duración, de título homónimo, Boston. El líder de la banda, Tom Scholz, tenía formación clásica y había estudiado piano clásico en su infancia, y se había involucrado en en la escena musical de Boston a finales de la década de los 60. Tom se dedicó a realizar demos de canciones grabadas en el sótano de su apartamento junto con el cantante Brad Delp, las cuales había mandado a principios de los 70 a numerosos sello discográficos, que las habían rechazado. En 1975 cayó un demo en manos de la discográfica CBS Records, y se interesó por ellos firmándoles un contrato con su compañía subsidiaria Epic Records.

Tom Scholz se había hecho un estudio en un sótano de Waterbown, Massachusetts, comprando los equipos con las ganancias de su trabajo como ingeniero de diseño de productos en Polaroid Corporation. La intención de Tom era grabar en su propio estudio, pero Epic no estaba por la labor y quería que el disco fuera grabado en Los Ángeles y a las ordenes de un productor discográfico. Para poder salirse con la suya, Tom puso en práctica un elaborado plan, contrató al productor discográfico John Boylan, y luego engañó al sello discográfico haciéndole creer que la banda estaba grabando tal y como Epic Records quería, cuando en realidad todos los instrumentos fueron grabados en el sótano de Tom en Massachusetts. Después hizo que Brad Delp  grabara las parte vocales en el estudio de Los Ángeles que Epic había preparado para tal efecto.

Incluido en el álbum se encuentra otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, More Than A Feeling. La canción fue compuesta por Tom Scholz, y tardo unos cinco años en tenerla completa. La canción nos habla del descontento del autor con el presente y su anhelo por un antiguo amor llamado Marianne. En un momento dado de la canción nuestro protagonista se despierta, es entonces cuando pone algo de música y vuelve a quedar dormido y soñando con los días en los que anhelaba el amor de Marianne. Tom al parecer se inspiró para componer la letra sobre Marianne en una prima que tenía y que era mucho mayor que él. Cuando él tenía  unos 8 o 9 años pensaba que esa prima era la mujer más hermosa que había en el mundo y estaba secretamente enamorado de ella. El sólo de guitarra tiene la particularidad de incorporar elementos que se usaban en la música barroca, poniendo de manifiesto las influencias de Tom en su formación clásica.

I looked out this morning and the sun was gone

Turned on some music to start my day

I lost myself in a familiar song

I closed my eyes and I slipped away

It's more than a feeling (more than a feeling)

When I hear that old song they used to play (more than a feeling)

And I begin dreaming (more than a feeling)

'Til I see Marianne walk away

I see my Marianne walkin' away

So many people have come and gone

Their faces fade as the years go by

Yet I still recall as I wander on

As clear as the sun in the summer sky

It's more than a feeling (more than a feeling)

When I hear that old song they used to play (more than a feeling)

And I begin dreaming (more than a feeling)

'Til I see Marianne walk away

I see my Marianne walkin' away

When I'm tired and thinking cold

I hide in my music, forget the day

And dream of a girl I used to know

I closed my eyes and she slipped away

She slipped away

It's more than a feeling (more than a feeling)

When I hear that old song they used to play (more than a feeling)

And I begin dreaming (more than a feeling)

'Til I see Marianne walk away

0055: Frankie Avalon - Venus

 

Descubrió su afición por el mundo artístico con apenas 9 años época en la cual se inició en el estudio de la trompeta  con el propósito de convertirse en una gran  trompetista al estilo de Louis Armstrong o Harry James, los mejores exponentes del género por aquellos años, está claro que no llegó a eso pero al menos consiguió pequeñas actuaciones en los shows televisivos de Jackie Gleason  y Ray Anthony que le sirvió para convertirse en un “ídolo adolescente” a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, ser conocido en todo el país como cantante y posteriormente estrella de cine, especialmente en películas denominadas de "playa", tenía la estampa del vecinito perfecto, alguien muy familiar. John Wayne había sido su mentor y defensor lo que ayudó a su carrera como cantante y como actor. En verdad, Avalon probablemente era mejor actor que cantante. Dio la casualidad de que se topó con la oportunidad de cantar esta canción muy bien escrita, "Venus", en 1959 y no lo desperdició. Frankie Avalon fue considerado dentro del grupo de los llamados "Caras bonitas", del rock junto a Paul Anka, Bobby Rydells, Fabian o Ricky Nelson entre otros  por su agraciado rostro, situación que contribuía –al menos en aquella época-, de manera importante al éxito comercial de los artistas, especialmente a través de las presentaciones televisivas y actuaciones en directo, pero, como con tantas otras cosas que componían la “escena” de la música pop estadounidense a mediados de la década de 1960, el atractivo de Avalon se desvaneció con la avalancha de la invasión británica.

 

Sociológicamente, "Venus" es un reflejo de una época diferente a la nuestra, una época de valiosa inocencia, tal vez un último reflejo musical pop de la ingenuidad de la posguerra acrecentada por una excelente grabación pop. Escuchar ese clavicémbalo, y por encima de todo, deteneros en esas voces femeninas de acompañamiento de ensueño, una percusión ligera y cambiante, el ritmo inusual, una mezcla de cha-cha y calipso. Era un caramelo que eclipsó todo lo que había hecho antes y por supuesto nunca volveria a cantar otro tema como este, una canción de ídolos adolescentes que trascienda su género. La canción pasó cinco semanas en el número 1 en las listas de éxitos e incluso llegó al número 10 en la lista de R&B, un logro poco común para un cantante pop italoamericano.

Gary Moore - A different beat (Mes Gary Moore)

 

En los últimos años del siglo XX, los avances en las tecnologías de la creación musical, originaron una epidemia que se extendió de forma transversal a todo tipo de músicos, actualmente los amantes dl rock sufrimos todo tipo de sonidos que no llegan a emocionarnos lo que una guitarra tocada con manos expertas nos puede trasmitir, tampoco quizás hayamos explorado demasiado, tampoco seguramente nos interese demasiado, esta nueva música es un paisaje del que realmente se muy poco, lo que sé es que los tecno-beats y otros paisajes sonoros relacionados producidos electrónicamente fueron un terreno tentador para los fuegos artificiales de guitarra, y los músicos de Jeff Beck a Joe Satriani exploraron ese territorio con resultados no demasiado satisfactorios para los puristas. Gary Moore no escapó ileso, y se atrevió a entregarnos un disco donde podemos disfrutar de su guitarra y la voz habituales en otros discos, a los que añadió un bajo adicional y algunas funciones de teclados, el resto es solo programación y sintetizadores y nos vamos a adentrar en terreno peligroso. 

 

Tras una primera pasada por A different beat rápidamente te das cuenta de que lo que tienes delante está muy alejado de lo que ha sido la carrera de Moore, sin embargo a poco que lo intentes es fácil descubrir que los mejores momentos que se dan en el disco es cuando Gary es acompañado por una batería real, por ejemplo en esa versión urgente y demoledora de "Fire" de Hendrix (único tema no original de Moore), o en la cruda y diabólica "Worry no More", alternando entre la fuerza bruta del Hard Rock y las reminiscencias sensuales de Boogie al estilo de J.Lee Hooker, agudizando los sentidos y quedándonos en nuestro ambiente podemos encontrar ecos de los pioneros Delta-Blues en “Bring My Baby Back”, donde el espíritu de Robert Johnson parece flotar sobre ritmos muestreados, sonidos de sintetizador, blips y otros efectos variados que ha decidido incluir, mientras. Otras reminiscencias al sabor añejo del blues, como cuando Gary viaja al terreno de Santana en el Power-Pop con inflexión de "Lost in Your Love" donde descubrimos una interpretación tanto vocal como instrumental apasionada y de gran altura, o cuando es una sensibilidad similar a la de Peter Green la que templa al candidato perfecto y melancólico a la canción favorita de las estaciones de radio "Surrender", una pista de más de 9 minutos con un vago ambiente parecido al de Sade. En “Can't Help Myself”, también podemos escuchar las reverberaciones del héroe de la guitarra que conocemos.

La crítica de la época acogió con mucha tibieza esta obra, sin perdonar al artista el giro decisivo hacia otros caminos, aunque a la vez gratificado por escenarios aún rebosantes de sus interpretaciones. Personalmente escucho a Gary Moore por su rock, que básicamente dejó de publicar después de 1990. Desde entonces, ha sido el blues, o versiones del blues, en lo que se ha concentrado. Este álbum fue en realidad un poco experimental, usando lo que supongo que podría llamarse fusión de blues, junto con elementos de muestreo y rap. A veces lento, otras veces simplemente irritante, pero, al final del día, una forma diferente de escuchar a Gary Moore en busca de formas alternativas de encender su sensibilidad Blues única en su tipo; puede ser gratificante, definitivamente es una experiencia auditiva digna, he escuchado cosas menos interesantes de nuestro guitarrista irlandés, y una cosa es segura: no se le puede acusar de repetirse. En general, y como concepto, tiene su mérito. Gary Moore nunca ha tenido miedo de probar cosas diferentes o abordar las cosas desde un ángulo diferente, y esto es lo que hace en este álbum.

 

0054: That´s all right - Elvis Presley

 

Vamos a dar un salto hacia atrás en el tiempo, en nuestro recorrido por la historia de la música en canciones, nos encontramos en el 6 de febrero de 1959, momento en el que sale a la venta el primer recopilatorio de ese chico de Memphis que había roto las barreras del éxito y había puesto el rock and roll en boca de todos, porque si bien el rock and roll llevaba varios años escuchándose en círculos más pequeños, fue Elvis quien logro darle el empujón que le hizo accesible a todo el mundo. Como íbamos contando en 1959 Elvis se encontraba realizando el servicio militar en Alemania, por lo que Sun Records decidió sacar un Lp recopilatorio con las primeras grabaciones del rey, para tratar de mantener en el mercado a su cantante, abriendo ese disco encontramos el tema “That´s all right”. 

 

Pero para hablar de la canción nos tenemos que trasladar al año 1954, Sam Phillips, el patrón de la discográfica Sun Records, buscaba desesperadamente “un blanco que tuviera un sonido negro y un sentimiento negro“, Elvis Aaron Presley, se había pasado por sus estudios, quería grabar un disco con dos temas, aunque fuera pagándolo de su bolsillo, para regalárselo a su madre, de esta manera también le daba la opción de que alguien de allí le gustara y pudiera iniciar una carrera como interprete de rock and roll actividad que compaginaba con su trabajo de camionero. Tras la grabación los trabajadores de Sun Records le dijeron que tratara de conservar su trabajo, ya que no tenía futuro en el mundo de la música, pero el disco en manos de Sam Phillips que pensó que aquel chico de Tupelo era ideal para cantar baladas y decidió montar una sesión de grabación con el guitarrista Winfield “Scotty” Moore, el contrabajista Bill Black y el propio Elvis.

 

La jornada 5 de julio de 1954, estaba siendo desesperante hasta que Elvis en un descanso tomó su guitarra y tocó “That’s All Right”, un viejo blues grabado inicialmente por Arthur “Big Boy” Crudup en 1946. El guitarrista Moore, que se encontraba allí comenta que “De golpe, Elvis comenzó simplemente a tocar la canción, saltando y haciendo tonterías, pero después Bill tomó su contrabajo y comenzó también a tocar y a hacer tonterías, hasta que comencé a tocar con ellos. Creo que Sam tenía la puerta de la cabina de control abierta, (…) sacó su cabeza afuera y dijo: ‘¿Qué estáis haciendo?’ y le contestamos ‘no lo sabemos'”. Sam Philips les pidió que volvieran a hacerlo y grabarlo, tres días después envió esta grabación a la radio; los oyentes llamaron a la emisora para conocer el nombre del cantante “negro” que interpretaba aquella canción. El 19 de julio de 1954, se publicó el primer single de Elvis Presley: ‘That’s All Right’. Distribuido por Sun Records con una tirada de 7.000 copias, se convirtió en un éxito, aunque solo local en la zona de Memphis, aun así, tiene el honor de ser la primera canción editada de una leyenda llamada Elvis Presley.

Un país, un artista: Finlandia - Sonata Arctica

 

Hoy os traemos un grupo Finlandes fuera de los que más fama han tenido fuera de sus fronteras, Him y Nightwish y nos quedaremos en su primera etapa que es la más conocida, nos referimos a Sonata Arctica banda que nació en 1996 en Kemi, una ciudad en el norte de Finlandia en el borde del mundo. Inicialmente, estuvo activo bajo el nombre de la banda Tricky Beans y produjo tres demos ("Friend till the End", "Agre Pamppers" y "PeaceMaker").

 

En 1999, publicaron una demo, "FullMoon" para Tycho Tycho Studio en Chemi. Los miembros en ese momento eran Tony Kakko (voz / teclados), Jani Liimatainen (guitarras), Tommy Portimo (batería) y Janne Kivilahti. Kivilahti] (bajo). Nació en esta época la marca que reconoce a Sonata Arctica, composición sonora rápida, melódica, centrada en el teclado y con una voz clara de tono alto, unas premisas que gustaron entre los fans del heavy metal. Ahti Kortelainen de Tycho Tycho Studio abrió la puerta al prestigioso sello finlandés de heavy metal Spinefarm y firmaron un contrato discográfico, momento en el que la banda pasó a llamarse Sonata Arctica.

 

En el verano de 1999, lanzó su primer sencillo "UnOpened / Mary-Lou", y en el otoño, lanzó su primer álbum completo "Ecliptica". También participaron en el álbum tributo de Halloween "Keepers of Jericho" con "I Want Out" y en el álbum tributo de Scorpions "A Tribute to the Scorpions" con "Still Loving You". Su nombre de repente se hizo conocido en toda Europa. Poco después del lanzamiento de "Ecliptica", Mikko Härkin (llaves) se unió al grupo, formando un grupo de cinco miembros. Con este cambio mejoraron sensiblemente la actuación en vivo de la banda. Tony Kakko pudo concentrarse en la voz / líder, y los dos teclistas de la banda permitieron tener una música aún más compleja. Siguen en racha y fueron nominados como banda de apoyo para esa gira europea de Stradivarius. Como resultado, Sonata Arctica visitó 10 países en una gira de dos meses desde finales de 1999 hasta principios de 2000, y ha realizado conciertos en solitario en más de 30 ciudades, logrando aumentar significativamente el reconocimiento de su nombre ...

　

Tras la gira, en el otoño del mismo año, tuvieron el lanzamiento del mini-álbum "Successor", la salida de Janne Kivillafiti por motivos personales y la incorporación de un nuevo miembro: Marko Paasikoski con quien comenzaron la producción del 2do álbum. A principios de 2001, participaron en el "Monsters of the Millennium 2001 Tour" con Alice Cooper, Dio, Rat y otros. Y en mayo del mismo año, finalmente se anunció el nuevo single "Wolf and Raven", preludio del su segundo álbum aparecido en Junio "Silence" y lanzado con anticipación en Japón ya que allí tenían una gran legion de fans y vendieron más copias que en ningún otro país. Si bien este álbum, es más completo que el anterior, siguen con su estilo personal. El inicio de la nueva gira empezó en Japón en septiembre del mismo año. Después de eso, participó en 28 conciertos en 12 países como acto de apoyo para la gira europea de Gamma Ray con Vanishing Point. Esta gira continuó hasta la gira sudamericana de Brasil a Chile a principios de 2002, y el último día de la actuación de regreso triunfal en. Aprovecharon para lanzar su primer álbum en vivo "Songs Of Silence-Live in TOKYO (Songs Of Silence)". Se grabó en Tokio en septiembre de 2001 y se lanzó en marzo de 2002 en Japón y en julio-agosto en otras áreas.

　Al final la gira Silence, Mikko Härkin (llaves) anunció que dejaría la banda por motivos personales. Era hora de empezar a producir el siguiente trabajo, pero la selección de nuevos teclistas se hizo con cuidado. Jens Johansen de Stradivarius se ofreció a unirse como miembro de ayuda, y la grabación se desarrolló sin problemas, con Jens haciendo un solo de cuatro canciones. Antes del lanzamiento del tercer álbum "Winterhearts Guild" en marzo de 2003, se anunció que Henrik Klingenberg se incorporaría en febrero como nuevo teclista, era miembro de Silent Voices y Requiem. La interpretación dinámica y la técnica del teclado portátil de Henrik han logrado inyectar nueva energía y efectos visuales a la banda.

El primer sencillo "Victoria's Secret" de "Winter Hearts Guild" llegó en el número 1 en la lista de éxitos de Finlandia. Rompió el auto-récord del 3er lugar más alto en el sencillo "Last Drop Falls" del trabajo anterior "Silence". En la primera semana del lanzamiento, el álbum también superó a The Las Mass, Eminem y TATU para ocupar el tercer lugar, manteniéndose en el top 10 durante cinco semanas consecutivas. En el Swedish Rock Festival, estuvo a la par de Queensrÿche, Jesus y Whitesnake. En 2003, lanzó un sencillo "BROKEN" que incluía dos canciones inéditas grabadas cuando estaba inscrito en Mikko, y un mini álbum "Takatarvi" exclusivo de Japón.

　Sonata Arctica, que ha firmado un contrato con Spinefarm por tres trabajos hasta "Winterhearts Guild", pasará al sello Nuclear Blast en busca de nuevos desarrollos. Al día siguiente, a principios de 2004, acompañó a Iron Maiden en una gira por Japón, y luego completó la producción de su cuarto álbum mientras aparecía en numerosos festivales. Y el primer sencillo "Don't Say A Word" lanzado en agosto de 2004 alcanzó brillantemente la cima de la lista finlandesa y se ubicó entre los 10 primeros durante 6 semanas consecutivas. El cuarto álbum "Reckoning Night" lanzado en octubre también tuvo éxito en el segundo lugar en Finlandia.

0053: My baby just cares for me - Nina Simone

 

Para definir la experiencia de escuchar "Little Girl Blue", el que fuera disco de debut de Nina Simone en 1959, nada mejor que el subtítulo con el que, en ocasiones, se conoce y se nombra a este disco: "Jazz como se tocaría en un exclusivo club de Side Street". La atmósfera del álbum es precisamente esa, la de un pequeño local lleno de mesas redondas, iluminadas por la luz de las velas, mientras en un pequeño escenario una banda de jazz deleita a los asistentes con, por ejemplo, My baby just cares for me, el tema más famoso del disco, y una deslumbrante pieza en las manos de una pianista por entonces veinteañera, que aún se debatía entre dedicarse al jazz o continuar con su formación como concertista clásica.

My baby just cares for me fue escrita por Walter Donaldson y Gus Kahn en 1930 para la película Whoopee!, pero fue con la versión de Nina Simone con la que se convirtió en un auténtico himno del jazz, sobre todo desde que, en 1987 alcanzara el éxito masivo al ser usada como canción para un anuncio de Chanel Nº5, y ser promocionada en su versión completa a través de un vídeo musical en "claymation" que fue dirigido por Peter Lord.​

Pero volviendo a Little girl blue, la joven e inexperta Nina vendió los derechos del disco a Bethlehem Records por tan sólo tres mil dólares, sin saber que los beneficios que acabaría generando superarían ampliamente el millón, lo que le llevó finalmente a abandonar la discográfica, descontenta con las condiciones del acuerdo y la insuficiente promoción de su primera obra. Bethlehem Records aún llegó a publicar, sin permiso de la artista, el álbum "Nina Simone and her friends" con material sobrante y grabaciones inéditas disponibles del período en el que Nina trabajó con ellos, en un último intento de explotar a la gallina de los huevos de oro, que convertida ya en ave majestuosa, desplegaría sus alas y volaría en busca de su sueño, el de escapar de la melancolía de sentirse sólo una "pequeña chica triste".

0052: You are my destiny - Paul Anka

Paul Anka grabó su primer sencillo, "I Confess", cuando tenía 14 años. En 1957 fue a la ciudad de Nueva York donde hizo una audición para Don Costa en ABC, cantando lo que se creía que era un verso enamorado que había escrito a un ex niñera. En una entrevista con Terry Gross de NPR en 2005, declaró que se trataba de una chica de su iglesia a la que apenas conocía. Del pop adolescente al swing, pasando por el rock y el jazz, ha interpretado himnos imperecederos de calado intergeneracional que siguen habitando en nuestra memoria colectiva. Es el caso de «Diana» (que le convirtió en uno de los primeros ídolos juveniles de la música) «Put Your Head On My Shoulder», «Lonely Boy», «She’s A Lady», «(You’re) Having My Baby» o la mítica «My way», reinterpretación de la canción francesa «Comme d’habitude». Conviene saber que Paul Anka fue el encargado de trasformara My way en el mercado anglosajon para Frank Sinatra dándoles uno de los mayores éxitos a la voz. 

"You Are My Destiny" es una canción escrita e interpretada por Paul Anka. Fue lanzado en 1958 y alcanzó el número siete en el Billboard 100 de Estados Unidos a principios de ese año y el número catorce en la lista de R&B. La canción también fue lanzada en el Reino Unido, donde alcanzó el número seis.

La letra narra cómo le dice a su amante que es su destino ser amado porque es capaz de compartir su soledad, sus sueños y sólo un tonto rechazaría a alguien como él/ella. Un poco ñoña, o mucho, la canción ha quedado casi como un himno de esos que te gusta escuchar al lado de la persona que amas, (o imaginarte que la escuchas) a pesar que rebose el azúcar por cada nota musical.