Rock Nacional Argentina: Babasónicos

Álbum Dopádromo

Hola amigos del rock, he vuelto para contarles una nueva historia del rock, esta banda que les presentare ha estado por Madrid, y esperamos que vuelvan. Y eso me ha hecho escribirles esta nueva página en la historia del rock argentino. 

Pasto 1er. álbum

Hablamos que la década del 80 en Argentina traería muchas bandas de rock, y una personalidad o estilo de música divertida, donde la ironía se mezclaba con la protesta de los jóvenes a una dictadura militar, pero los años 80 habían quedado atrás y una nueva década daba comiendo. 

Los años 90 traería lo que se denominaría "nuevo rock argentino", con nuevas bandas con estilos que hasta ese momento no se podrían catalogar, así que era el momento del Rock Experimental en argentina, y nacieron de esta nueva etapa del rock bandas como Babasonicos que nos ocupara en esta reseña, pero también fueron apareciendo bandas como Los Brujos, Peligrosos Gorriones, Illya Kuryaki and the Valderramas entre otras bandas de rock que se fueron abriendo camino. 

Pero en esta oportunidad nos centraremos en Babasonicos, donde hasta su nombre resulta de una extraña mezcla de juego de palabras entre el Gurú Sai Baba y los dibujos animados Los Supersónicos y de ese juego de palabras surge su nombre. 

La popularidad de la banda sera gracias a sus lideres que creyeron en un nuevo sonido que hasta comienzo de la década de los 90 no estaba establecido en la escena del rock, estos fueron Adrián «Dárgelos» Rodríguez (voz) y Diego «Uma-T» Tuñón (teclados) que creyeron en este nuevo estilo que se imponía. A ellos se les uniría Diego «Uma» Rodríguez (guitarrista y voces), Diego «Panza» Castellano (baterista), Gabriel «Gabo» Mannelli (bajista) y Mariano «Roger» Domínguez (guitarrista). 

Adrián Dárgelos
Rodriguez

Babasonicos entraría por la puerta grande ya que su primer disco Pasto, tendría la colaboración de dos estrellas de rock ya consagrados como Gustavo Cerati y Daniel Melero, y serian los propios Babasonicos quien acompañarían en 1992 como teloneros a Soda Stereo. 

De este primer álbum Pasto, lograrían tener su primer hit D-Generación

D-Generación - Babasonicos
https://youtu.be/XyHmBei-LXE

Pero esto sería solo una muestra de lo que podría dar esta banda que comenzaba sus primeros pasos, llegaría una nueva etapa de su carrera con el lanzamiento de su segundo álbum Trance Zomba en 1994, donde incorporarían en la banda a DJ Peggyn esto los convertiría en la primera banda de rock en la historia de tener como miembro a un DJ. 

 Babasonicos

Como consecuencia de ello Trance Zomba su nuevo álbum tomaría nuevos sonidos, este álbum se presentara en el estadio Obras Sanitaria de Buenos Aires, junto a otras bandas como parte de esta nueva corriente de Nuevo Rock Argentino. 

Babasonicos se introducía cada vez más a un estilo experimental y lo demostraría en su álbum Dopádromo, y la banda se lanzaría a la conquista del mercado Estadounidense y Latinoamericano en una gira. 

Zumba - Babasonicos 
https://youtu.be/vcrC5EUq80k

La banda sigue creciendo y llegara su disco homónimo Babasonicos, el álbum será  grabado en la ciudad de Nueva York, será una época donde la banda se caracteriza por un sonido más entre metal y hard rock, luego de ellos en 1998 la banda saca un nuevo sencillo Desfachatados. 

Desfachatados
https://youtu.be/HPKakT1uV-s   

Y hemos llegado a 1999 donde lanzarían Miami, último disco donde participaría DJ Peggyn, que se alejaría de la banda por diferencias musicales, Babasonicos volverá a experimentar con nuevos sonidos, que se irán definiendo en sus nuevos discos. 

Vientos de cambio llegaran con el cambio de siglo, Jessico su nuevo álbum, donde la banda deja su estilo metal y hard rock para pasar a un estilo más pop rock, muchos de sus fans se sentirán traicionados por el cambio de estilo, pero para Babasonicos le representaría ser nombrado uno de los mejores álbumes de comienzo de la década. 

Pero los dejare esta critica a Uds. como lectores, en comparar este cambio de la banda con el primer corte de Jessico. 

Los calientes - Babasonicos 
https://youtu.be/1BBPrGWrNZk

Babasonicos ya no será una banda telonera que supo en su momento estar junto a INXS y U2, sino que serán los encargados de cerrar diferentes festivales de rock como Quilmes Rock, participar en el Cosquin Rock como una banda consagrada. Y lo que vendrá es Infame su muevo álbum que re afirmara el nuevo estilo que la banda impondría. 

Su fama los premiaría con 6 estatuillas en los premios Gardel y en 2005 recibirán el premio Konex a una de las 5 mejores bandas de rock de al década. 

Álbum Jessico

Pero todo no serán buenas noticias para la banda, en 2008 tras una prolongada lucha contra la enfermedad de Hodgkin fallece el bajista del grupo Gabriel Manelli, quien lo sucediera Carlos Hernán Carcacha músico invitado que se convertiría en un nuevo miembro.

Este episodio no detendrá a la banda, y sacarán su noveno álbum de estudio Mucho en 2008 y le seguirá Mucho + una continuación de su anterior disco. 

En estos últimos años la banda editara A propósito, su décimo álbum, y vendría Romantisísmico (2013) y Discutible (2018), y en el 2015 la banda vuelve a ser galardonada con un premio Konex de Platino en la categoría Mejor Banda de Pop de la década.

Por todo esto Babasonicos tiene escrita una pagina en la historia del rock argentino que es indiscutible, más allá de quienes destacan los diferentes cambios en el sonido de la banda, pero quien no ha cambiado en su vida, acaso llevas puesta tu mismo pantalones de principio de los 90?, claro que no, y por más que quisieras en mi caso no creo que me entraran, porque de eso se trata de cambiar, de experimentar nuevos sonidos, por eso me alegro como siempre de haber podido y haber disfrutado mi tiempo como espectador en este tiempo que llamamos vida. 

GRACIAS amigos espero que les haya gustado esta nueva entrega de Rock Argentino, espero verlos pronto. 

Daniel 
Instagram Storyboy

El disco de la semana 140: Billy Idol - Devil's Playground

Verano del 89. Calor, chicas, música, con 16 años todo ello convergía en un lugar idealizado: las piscinas municipales. Bocadillo de tortilla, toalla y algo de dinero para comprar un refresco y un helado eran el único equipaje en la mochila. Eso, la ilusión de Romeo de poder encontrar allí a Julieta bañándose al sol, y varias cintas de cassettes del momento para escucharlas en el radiocassette que algún amigo siempre llevaba. Aquel verano, Prince y el murciélago desbancaron al Acid House, pero la cassette que más triunfó bajo la sombrilla de la piscina municipal, mientras jugábamos al mus y observábamos a los grupos de chicas de sombrillas cercanas, fue el Charmed Life de Billy Idol.

Acusado hasta entonces de hacer un punk comercial e inmaduro, más cercano al pop rock que al punk más ortodoxo, sin salirse demasiado de sus señas de identidad, se marcó en ese momento un disco brillante y más maduro que los anteriores. Temas como "Pumping of Steel" o la versión del "L.A Woman" de los Doors nos acompañaron en aquellos días de piscina y despreocupación.

Pero ningún verano dura eternamente, aunque Bryan Adams se empeñe en eternizar el verano que pasó en el 69. Y en este caso, al verano de Billy Idol le siguió el frío invierno del "Cyberpunk" (1993), un fallido intento de modernizar su sonido y crear un género de "techno punk" que, salvando la brillante "Shock to the system", no había por dónde cogerlo y fue el gran fracaso de su carrera. Aquel disco se le llevó por delante, hasta el punto de que nadie esperaba ya un retorno de un artista que parecía ya desaparecido definitivamente.

Doce años después, las piscinas municipales habían pasado ya a la historia. Independizados, viviendo en urbanizaciones con piscinas comunitarias, no parecíamos echar de menos nada de la anterior época. Y de repente, una tarde cualquiera de 2005, mientras rebuscaba feliz en una tienda de discos, vi de nuevo un pelo rubio de punta y una mirada desafiante desde la portada de un CD del expositor. El Elvis del Punk había vuelto, a reclamar con actitud chulesca su derecho a jugar en el patio del diablo.


DEVIL'S PLAYGROUND

"En el patio de recreo del diablo con una mente de ídolo (Idol). Directo al grano, listo para empezar, anuncia el momento"

Con este llamamiento verbal, y con una alta dosis de adrenalina musical, arranca el regreso de Billy Idol a la arena del patio de recreo del diablo, el lugar en el que más a gusto se siente. Super Overdrive explota con afiladas guitarras punk, que recuerdan a la producción del American Idiot de Green Day. Billy Idol deja claro desde el principio cuáles son sus intenciones, rodeado de sus colaboradores habituales (su inseparable Steve Stevens al mando de las guitarras, y Keith Forsey a la producción).

Los decibelios siguen en todo lo alto con World Comin' Down, otro excelente tema, quizá más alejado de los preceptos punk clásicos, para mirar hacia adelante con un sonido punk rock más actual. Green Day de nuevo aparecen como referencia estilística más evidente.

Rat Race comienza como un medio tiempo, basado en la clásica batería programada del más puro estilo Idol, acompañada del ritmo de una guitarra acústica, pero al llegar al estribillo el tema explota y vira abruptamente hacia el hard rock de guitarras pesadas, con la voz de Billy Idol en plena forma.

Tras el vigoroso arranque de las primeras canciones, para mi gusto con Sherri baja un peldaño y hace un guiño a sus temas más comerciales de los ochenta. En cualquier caso, es una canción que se disfruta fácilmente, y tanto Steve Stevens en la guitarra, como Brian Tichy a la batería y Stephen McGrat al bajo, entregan un trabajo a la altura de sus interpretaciones en el resto del disco.

El nivel del disco se dispara de nuevo con Plastic Jesus, aunque musicalmente las guitarras se rebajen en una balada acústica con sabor a carretera estadounidense. Billy Idol borda la parte vocal y aporta una de las letras más cínicas y divertidas del disco, sobre el Jesús de plástico que el protagonista lleva en el salpicadero del coche, que le protege en la carretera y le permite decir tacos al volante. Ironía, oficio y calidad para un tema grande.

Pero este no es un disco acústico ni de baladas, y la descarga de adrenalina y decibelios vuelve en Scream, canción que sigue la senda del Rebel Yell de los ochenta o del rotundo Speed de los noventa. Toda la banda suena enorme, en un tema que avanza sin control y a punto de descarrilar. Billy Idol en estado puro, contando a una chica lo que quiere de ella esa noche. "Hazme gritar, toda la noche". No hacen falta metáforas ni paños calientes.




Después de hacernos gritar e ilusionarnos, de repente se calza unos pies de barro y patina estrepitosamente con Yellin' At The Christmas Tree, un tema navideño que no encaja en el disco, ni por temática musical ni, lo que es peor, por fechas, ya que el disco se publicó en el mes de Marzo de 2005. Los insufribles arreglos de campanas navideñas destrozan el poco interés que la base rockera del tema podría haber presentado, y todo queda en un bache en el camino.

Afortunadamente, es solo un espejismo, y Romeo´s Waiting vuelve a la línea de punk rock moderno, abriendo un segundo tramo brillante del disco, en el que tienen cabida propuestas más duras como Body Snatcher o Evil Eye (en las que Steve Stevens vuelve a lucirse y a mostrar oficio). Con este bloque de canciones, nos despedimos de los himnos adrenalíticos del disco, para entrar en un tramo final en el que Billy Idol nos sorprende con un registro más maduro y acústico.

Absolutamente brillante es Lady Do Or Die, tema que explora las raíces del country rock y del rock and roll, con un ejercicio de madurez vocal que por momentos nos recuerda al Johnny Cash de los American Recordings. Cherie sigue la senda del tema anterior, con alguna dosis extra de azúcar comercial que la hace agradablemente ligera y digerible.


Summer Running cierra a buen nivel el disco. Para el final, Billy Idol parece decantarse por la línea acústica y melódica del último bloque, con una melancólica letra sobre un idílico verano ya lejano.
¿Se referirá a aquél verano del 89, de descubrimiento del calor, las chicas y la música? ¿Tendrá en mente alguna piscina comunitaria? Probablemente no, pero no nos pongamos melancólicos. No es el momento ni el lugar porque, a mitad de tema, la cabra tira al monte y las guitarras de Steve Stevens acompañan de nuevo al Elvis del Punk hacia su terreno favorito, su particular y demoníaco patio de recreo.

Historia del rock and roll: 10.- Roy Orbison

Seguimos nuestra andadura por los primeros artistas que tuvieron un éxito aplastante en el nacimiento del rock and roll, y de la misma manera que Elvis Presley o Jerry Lee Lewis, tenemos a otro de los protagonista que sus primeros pasos los dio en Sun records, estamos refiriéndonos a Roy Orbison, el hombre de las gafas de sol, la chaqueta de cuero negro y el copete negro.

Roy Kelton Orbison nació en Vernon, Texas, el 23 de abril de 1936. Sus padres, Orbie Lee y Nadine, le regalaron una guitarra por su sexto cumpleaños. Aprendió a tocar la guitarra a los seis años con su padre y un tío. Como muchos otros rockeros tempranos, Orbison vino de la música country al rock. Su padre tocó canciones de Jimmy Rogers en la guitarra y su tío tocaba blues. Su talento nunca estuvo en duda: tenía sus propios programas de radio desde los ocho años y, cuando tenía diez años, había tenido su primer trabajo remunerado: un programa de radio, donde cantaba. Su primera aparición ante un público no llegó hasta que tenía once años, y fue como estudiante en la Escuela Pública Wink. Cuando Orbison cumplió trece años, formó su primera banda, Wink Westerners en 1952. Ganaron un concurso de talentos organizado por la compañía Pioneer Furniture en Midland, Pioneer que patrocinaba un programa de televisión semanal para ellos en KMID-TV. Durante una estancia en el estado de Texas, Orbison visitó el Big D Jamboree en Dallas y fue allí el 16 de abril de 1955 cuando vio a Elvis Presley por primera vez. También fue en este momento donde su compañero de universidad, el recientemente famoso Pat Boone, lo instó a experimentar con una composición más orientada al pop. Orbison consiguió su primer éxito comercial en julio de 1956 con "Ooby Dooby", una canción escrita por unos amigos de Orbison en la universidad. Tras el éxito de la canción decidió acercarse a grabar en Sun records, pero fue rechazado, sin embargo fue capaz de hacer escuchar su canción al jefe que quedo encantado con la voz de Orbison y decidió grabar la canción para el sello, fue un autentico éxito, sin embargo no tuvo la continuidad que él esperaba, quizás porque su estilo no se asemejaba a lo que potenciaba Sun Records o que él no quería amoldarse a lo que le pedía la discográfica decidió cambiar de aires y ficho por el sello Monument con sede en Nashville en 1960, comenzó a perfeccionar el sonido que definiría su carrera. Su gran salto se produjo después de que tratara de lanzar su composición "Only the Lonely" tanto para Elvis Presley como para los Everly Brothers, y ambos lo rechazaron. Decidió grabar la canción él mismo, usando su voz de vibrato y su estilo operístico para crear una grabación que no se parece a nada que los estadounidenses habían escuchado hasta ese momento. Alcanzó el puesto número 2 en la lista de sencillos de Billboard, "Only the Lonely" ha sido considerada una pieza fundamental en el desarrollo de la música rock. Entre 1960 y 1965, Orbison registró nueve éxitos Top 10 y otros diez que entraron en el Top 40. Estos incluyen "Running Scared", "Crying", "It's Over" y "Oh, Pretty Woman", ninguno de los cuales se adhiere a un estructura de la canción convencional que hasta ese momento se estilaba.

Pero la segunda mitad de los años 60 la suerte cambio, la tragedia apareció en su vida cuando su esposa, Claudette, murió en un accidente de motocicleta en 1966, no solo sufrió esta desgracia sino que dos años después, en 1968, sus dos hijos mayores murieron en un incendio en su casa. Después de esos incidentes, un devastado Orbison dejo de escribir música, y con el aumento de El movimiento psicodélico en el rock 'n' roll, el mercado de rockabilly languidecía y no tenia muchas fuerzas para seguir adelante, los años 70 los pasó ineditos, salvo por alguna gira de poca trascendencia.

Fue a principio de los 80 cuando su nombre volvió al mundo de la música, la chispa fue la invitación por parte de The Eagles a su gira del Hotel California, . "Oh, Pretty Woman" fue un éxito para Van Halen y más tarde se revivió de nuevo como la canción principal de la celebrada película de 1990 Pretty Woman. En 1986 se reunió con Sun Records ex alumnos de Johnny Cash, Carl Perkins y Jerry Lee Lewis para la Clase de '55   Roy Orbison, Johnny Cash, Jerry Lee Lewis y Carl Perkins. Cuatro pioneros de la era del rock’n’roll, cuatro puntales de la eclosión de la cultura juvenil y cuatro hombres marcados por el éxito y la tragedia, editando un disco. El director David Lynch utiliza el tema "In dreams" en una escena sorprendente en su película Blue Velvet en 1987 lo que sirvio para publicar un album recopilatorio In Dreams: The Greatest Hits, que presentó versiones recién grabadas de Orbison. En 1988 se unió al supergrupo de estrellas The Traveling Wilburys (junto a Tom Petty, Bob Dylan, George Harrison y Jeff Lynn)


Orbison murió de un ataque al corazón el 6 de diciembre de 1988. Su álbum de regreso póstumamente lanzado, Mystery Girl , alcanzó el número 5 en las listas de éxitos, convirtiéndose en el álbum en solitario más alto de su carrera. El tema "You Got It" fue uno de los éxitos mas rutilantes de ese año. Aunque solo tenía 52 años cuando murió, Orbison vivió para ver el lugar que le corresponde en la historia de la música.

Canciones que nos emocionan: Las 5 canciones de AC/DC

AC/DC

     Podría extenderme comentando que este grupo ha vendido más de 200 millones de copias por todo el mundo desde su existencia, podría comentar que el logo del grupo fue creado por el famoso diseñador gráfico Gerard Huerta, podría comentar lo que supuso para el grupo la dura pérdida de uno de sus componentes y cómo se rehicieron conservando y honrando su legado consiguiendo sustituirle por otro gran cantante, pero no, voy a compartir con todos vosotros cómo me hice con mis primeros discos de AC/DC. Siendo yo un adolescente, a finales de los años 80 abrieron en la ciudad donde vivo una sucursal de las famosas por entonces tiendas Discoplay, y como no podía ser de otra forma tanto yo cómo muchos de mis amigos (entre los que se encuentran mis queridos compañeros de blog Chema y Nevermind) ibamos muchas tardes con el dinero de los ahorrillos en busca de discos que fueran buenos, bonitos y baratos. Una tarde, en una de esas habituales y rituales visitas recuerdo que al llegar a la tienda me fijé en un expositor de discos que había nada más entrar donde se podía ver que estaban de oferta y rebajados, el motivo, que tenían algún tipo de desperfecto las fundas de los mismos. Total, en un cartel del expositor se podía leer un cartel donde ponía "Todo a 100 pesetas". Hipnotizado por el reclamo del cartel me acerqué con premura al mismo a echarle un ojo con la esperanza de encontrar algun tesoro que llevarme a casa, y he de decir que no me llevé uno, sino cinco, cinco discos al modico precio de 100 pesetas cada uno por el único hecho de tener algún desperfecto en la fundas (a mí me daba igual, lo que me importaba era el contenido). Los cinco tesoros que aquél día me lleve a casa por 500 pesetas fueron High Voltage, Jailbreak 74, Powerage, Highway to Hell y Back in Black. para mí en ese momento fueron las mejores 500 pesetas invertidas de mi vida, de hecho a día de hoy creo que lo siguen siendo.

Con todos vosotros los resultados de la votación de @las5canciones de AC/DC:

     En el puesto número 5 con 36 puntos nos encontramos Hells Bells, incluido en el séptimo álbum de estudio de la banda, de título Back in Black, primero del grupo sin el vocalista recientemente fallecido Bon Scott, siendo sustituido por Brian Johnson. Este disco fue un tributo y

homenaje a la figura de Bon Scott y Hells Bells es el primer corte de la cara A que nos encontramos. Un tema que comienza con el sonido de una campana que replica varias veces para dejar paso a uno de los riffs más famosos de la historia y luego vuelve a replicar la campana varias veces hasta desaparecer el sonido gradualmente.
Sobre la campana, el grupo quería honrar la memoria de Bon con el sonido de una campana de verdad, por lo que en un primer momento decidieron desplazarse a Leicester (Inglaterra) donde se encuentra el Museo Carrillon and War Memorial, lugar donde se encontraba la campana que querían usar, pero no quedaron convencidos con el resultado por lo que decidieron encargar la campana que querían a una fundición de Leicester llamada Taylor's Bell Foundry. Esto les planteó otro problema pues la campana no iba a estar preparada a tiempo, la fundición les planteó una solución y les facilitó grabar el sonido de una campana de similares características que había en una iglesia cercana y que habían fabricado también ellos, pero el plan vuelve a fallar debido a que a la hora de grabar se oía el aleteo de los pájaros revoloteando alrededor de la misma.
Pero los hermanos Young y compañía no se dieron por vencidos y tomaron prestado una unidad móvil de grabación, propiedad del músico Ronnie Lane (Faces, Small Faces) y se presentaron en la fundición para usar la campana que les estaban fabricando, para ello fue colgada en la misma fundición y colocaron quince micrófonos rodeando estratégicamente la campana y así captar el sonido deseado para posteriormente llevarlo a los Electry Lady Studios de Nueva York donde realizaron las correspondientes mezclas y arreglos.

     En el puesto número 4 con 40 puntos You Shock me All Night Long, el corte número 1 de la cara B de Back in Black. La música fue compuesta por los hermanos Young que un día se presentaron con la melodía ante Brian Johnson y le dijeron que tenían una música y querían que escribiera la letra, para ello Brian se inspiró al ver imágenes de chicas mientras grababan este álbum en Bahamas, y comentaba que las mujeres y los autos son muy parecidos pues al principio ambos van rápido, luego te decepcionan para posteriormente volver a ilusionarte cuando ves el nuevo modelo. Queda claro que AC/DC nunca se habían caracterizado por la profundidad de sus letras.

     En el puesto número 3 con 44 puntos Back in Black, incluida en el álbum con título homónimo, el primer corte de la cara B del disco. Caracterizada por contener otro de los riffs más famosos de la banda. El tema es un claro homenaje a la figura de Bon Scott, "...Forget the hearse 'cause i never die, i got nine lives..." (olvida el coche fúnebre porque nunca muero, tengo nueve vidas), "...Yes, i'm back in black back in the back of a Cadillac..." (sí, estoy de vuelta en negro en la parte de atrás de un Cadillac). El riff del tema ya existía antes, pues Malcolm Young solía tocarlo con frecuencia antes de los conciertos para calentar, y sobre el tema, al fallecer Bon, Angus tenía muy claro cuál debía ser el título del primer disco sin Bon y como tributo a su figura, y en especial este tema, un tema que compusieron a partir del título, dándole forma después.

     En el puesto número 2 con 59 puntos Thunderstruck, incluida su disco número 12 de estudio, The Razors Edge (1990), un disco que suspuso el relanzamiento del grupo a la cabeza de las listas de ventas

pues sus tres discos anteriores no habían obtenido el resultado comercial esperado. Aunque a menudo se especuló con la idea de que el tema surgió a raíz de un rayo que cayó en un vuelo donde Angus Young viajaba y casi se mata, sería el mismo Angus quien años depués desvelaría que el tema surgió a raíz de un riff de guitarra que el tenía, decidió enseñarlo a su hermano Malcolm el cuál le dijo que le gustaba y que tenía buenas ideas para construir el tema alrededor de ese riff, y estuvieron trabajando sobre el tema varios meses hasta conseguir el resultado deseado. Sobre el título, querían que sonase cómo algo fuerte y potente, con gancho, así que al final se les ocurrió llamar al tema Thunderstruck.

     Y la ganadora gracias a todos vuestros votos con 69 puntos, Highway to Hell, tema que da nombre al sexto álbum de estudio del grupo, publicado en 1979, y que a la postre sería el último grabado por Bon Scott debido a su fatídico fallecimiento el 19 de febrero de 1980.
Aunque el título se atribuye a raíz de unas declaraciones de Angus

Young sobre la vida que rodeaba a las giras y la vida en la carretera, en realidad provenía de otra historia, "Highway to Hell" era como se conocía a una carretera llamada Canning Highway, y que recorría desde Fremantle, lugar donde residía Bon, hasta Perth (Australia), y al final de ese camino se encontraba The Raffles, una taberna muy concurrida en los años 70 y que solía ser el habitual punto de reunión de mucha gente y también de Bon. Pues bien, llegando al pub dicha carretera tiene una cuesta muy pronunciada donde no existía ningún tipo de señalización que advirtiera esto, por lo que era un lugar donde se solían producir accidentes de tráfico un día sí y otro también. De ahí la letra "...My friends are gonna be there to, i'm on the highway to hell..." (Mis amigos van a estar allí también, estoy en la carretera al infierno) para referirse al hecho de que se encontraba realizando su habitual camino para ir al pub The Raffles para juntarse con sus amigos y beber juntos.



06- Let There Be Rock 36 p
07- Whole Lotta Rosie 29 p
08- Soot To Thrill 27 p

09- It's A Long Way To The Top 26 p
10- Touch Too Much 26 p
11- T.N.T. 23 p
12- The Jack 16 p
13- Dirty Deeds Done dirt Cheap 14 p
14- Problem Child 14 p
15- For Those About A Rock 10 p
16- If You Want blood 10 p
17- Who Made Who 10 p

18- High Voltage 9 p
19- Money Talks 8 p
20- Night Prowler 8 p
21- Are You Ready 7 p
22- Hell Ain't A Bad Place To Be 7 p
23- Jailbreak 7 p
24- Riff Raff 7 p
25- Heatseeker 6 p
26- Rock And Roll Damnation 6 p
27- Rocket 6 p
28- Live Wire 5 p
29- Shoot Down In Flames 4 p

30- Big guns 3 p
31- Messin' With The Kid 3 p
32- Powerage 3 p
33- Rock And Roll Train 3 p
34- Big Balls 2 p
35- Girls Got Rythm 2 p
36- Let Me Put My Love Into You 2 p
37- Squaler 2 p
38- Cant I Sit Next Girl 1 p

39- Can't Stand Still 1 p
40- Rissing Power 1 p
41- Rock And Roll Time 1 p
42- Sin City 1 p
43- Stuff Upper Lip 1 p

Canciones que nos emocionan: As The Years Go passing By, Deadric Malone

As The Yeras Go passing by 

     En esta ocasión nos vamos a centrar en un tema del género blues que me emociona, As The Years Go Passing By, un blues para mí magnífico.

La primera vez que tuve conocimiento de la existencia de este tema fue allá por el año 1990, cuando conseguí hacerme con un musicassette del álbum Still Got The Blues de Gary Moore, uno de los discos que tuvo en ese momento mucha importancia al conseguir dar un impulso y relanzar por aquella época el género blues. El tema me encantó, y ahí lo dejé, sin indagar más. Tiempo más tarde cayó en mis manos el álbum Born Under A Bad sign de Albert King, en ese disco me volví a topar con este tema, ambas versiones me habían encantado, me parecían magníficas, es entonces cuando me puse a investigar sobre este tema.

     descubrí que As The Year Go passing By había sido compuesto por Deadric Malone, ¿Pero quién era Deadric Malone? Mi investigación me llevó a descubrirque este señor en realidad no existía, en realidad era un pseudónimo de una persona llamada Don Robey. Pues bien, Don Deadric Robey nació en 1930 en Houston, Texas (Estados Unidos), y en su juventud dejó temprano la escuela para dedicarse al mundo del juego. A principios de la déscada de los 30se establece en la zona empresarial negra de Houston donde inicia una brillante carrera como empresario, abriendo primero un servicio de taxis. Depués, concretamente en 1993 abre un salón de diversión llamado Sweet Dreams Cafe, y un año más tarde abre otro llamado Lenox club. Posteriormente cambia de nombre el Sweet Dreams y lo llama Manhattan Club y empieza a contratar para sus locales bandas de música de otros estados. A estos locales habría de sumar un tercero que abriría con un socio, llamado Harlem Grill.

Ah the blues

The ball and chain that is 'round every English musician's leg

In fact every musician's leg

Tryin' to kick it off baby?

No no.

You'll just never do it

And these are the blues of time

And the blues of a woman

And a man thinkin' of her

As time goes by

There is nothin' I can do

If you leave me here to cry

There is nothin' I can do

If you leave me here to cry

You know my love will follow you baby

Mmm until the day I die

I've given you all I own;

That is one thing you cannot deny

Oh I've given you all I own;

Baby that is one thing you cannot deny

And my love will follow you baby

Yeah

Till the day this man dies.

I've got failure all around me

No matter how hard I try.

I've got failure

It's all around me

No matter how hard I

Try try

You know my ghost will haunt you baby

Until the day you stop down and die

Well you better get up

Right now right now

Well

You think that you have left me behind

And that with your other man you're safe

And you're away from me baby but uh

One o' these days you're gonna break down and cry

Because there is no escape from this man

Because this man's love is so strong

He's gonna haunt you

You know my love will follow you

Mmm until the day I die

There is just one thing I want to tell you before I go

I'm gonna leave it

I'm gonna leave it

Leave it up to you

So long

baby bye-bye

Hey I'm gonna leave it up to you baby

So long

baby bye-bye

Well you know my love will follow you

Mmm 'til the day I die

Till the day I die 

Till the day I die 

Till the day I die 

Till the day I die 

Till the day I am dead

Till the day that they rest my head

Till the day I die

Till the day I I I I die

Till the day I die 

Till the day I die

Till the day I die

Till the day that you die and I die

Till the day I die

Till the day I die

Till the day I die

Till the day I die

Till the day I die

Till the day I die

Till the day I die

Till the day I die

Till the day I die

Till the day I die

Die

Die

Die

Die

     Por si no fuera poco, en 1945 abre también en Houston el Bronze Peacock Dinner Club, un exquisitoy sofisticado local donde también promueve actuaciones. En el Peacock actuaron artistas de la talla de Liones Hamptom y T-Bone Walker entre otros.

En 1947 se convierte en agente de Clarence "Gatemouth" Brown, y en 1949 crea su propio sello discográfico, llamado Peacock Records, sello con el que consigue el éxito de artistas como "Gatemotuh" ó Big Mama Thornton y consigue fichar a Little Richard. 

En 1952 Don Robey adquiere el sello discográfico de Memphis Duke Records y lo fusiona con Peacock, pasando a llamarse Peacock-Duke, cierra el local Bronze Peacock y lo convierte en local de ensayo y estudio de grabación para su discográfica.

     Como se puede observar, Don Robey fue el responsable del desarrollo de la carrera de muchos artistas de R & B y Blues. Don también se dedicó mientras fue el propietario de Peacock-Duke Records a escribir y coescribir canciones que luego grabarían los artistas. Uno de esos temas que escribió bajo el pseudónimo de Deadric malone fue As The Years Go passing by, unblues que sería grabado por primera vez por el artista Fenton Robinson en 1959 en Peacock-Duke. En un principio el tema se tituló As The Years Go By, si bien posteriormente se acabó titulando como lo conocemos ahora, As The Years Go passing By.

Este tema es un blues espectacular, y da igual si escuchais la versión de Fenton Robinson (1959), la de Albert King (1967) ó la de Gary Moore (1990), pues cualquiera de las tres la vais a disfrutar, aunque también podéis buscar las versiones que de este maravilloso tema tema hicieron en su momento los Animals de Eric Burdon (1968), Carlos Santana (la tocó muchas veces antes de decidirse a grabrarla en 1997), George Thogorood & The Destroyers (1982), Boz Scaggs & Bokker T & The MG's (1990), Otis Rush (1994) ó Jeff Haley Band (1995).

Don Robey (Deadric Malone)

La música en historias: Tony Visconti

Tony Visconti

     En 7dias7notas nos gusta tener espacio no sólo para los músicos y los artistas, también nos gusta tenerlo para todos aquellos que sin serlo directamente, con su obra o trabajo ayudan a engrandecer este noble arte. En esta ocasión le toca el turno a Tony Visconti, y ¿Quién es Tony Visconti?

     Anthony Edward Visconti, más conocido como Tony Visconti nace en 1944 en Brooklyn, Nueva York (Estados Unidos), y a la edad de 5 años gracias a las enseñanzas de su padre ya toca el ukelele, posteriormente aprendería a tocar la guitarra. En su adolescencia estuvo ligado a bandas de música clásica y orquestas tocando la tuba y el contrabajo. También toca la guitarra, pero ya orientandose al estilo rock & roll. Todo esto a muy temprana edad, pues a los 15 años ya está fogueándose en la calle tocando en grupos locales de su Brooklyn natal.

     En 1960 realiza su primera sesión de grabación como músico, y durante esa década de los 60 se convierte en uno de los guitarristas más solicitados del ambiente de los clubs nocturnos de Nueva York. En 1966 edita junto a su pareja de entonces dos singles, de los cuales uno de ellos Long Hair, consigue cierta repercusión en Nueva York, pero poco más.

     En 1968 Tony empieza a trabajar como productor musical para The Richmond Organitation Inc (TRO), una de las organizaciones independientes de publicación de música más importantes del mundo, creada por Howard Spencer Richmond.
Con motivo de este trabajo Tony se acaba mudando a Londres, algo que marcaría para siempre su carrera. Uno de los primeros trabajos de
tony ya establecido en Inglaterra es la producción de un grupo galés llamado The Iveys, que más tarde se acabarían llamando Badfinger, (grupo que fue el primer grupo fichado por el sello Apple de los Beatles en 1968), dicho trabajo vería la luz bajo el sello Apple de los Beatles.

     En 1968 empieza a trabajar en la producción de un grupo llamado Tyrannosaurus Rex, grupo que posteriormente acabaría llamándose T. Rex, una colaboración que duraría desde 1968 hasta 1974 con la producción de varios álbumes del grupo. Destacar de todos ellos la producción del álbum Electric Warrior en 1971, un trabajo que serviría para encumbrar a la categoría de superestrella del lider del grupo Marc Bolan y consolidar dentro del grupo de grandes productores a Tony Visconti.

     En 1969, además de trabajar con T. Rex, Visconti empieza a trabajar con un joven David Bowie. La conexión Bowie - Visconti no puede ser más fructífera, encumbrando la carrera de ámbos.
De dicha relación saldrán los discos David Bowie (1969), The Man Who Sold The World (1970), David Live (1974), Young Americans (1975), Low (1977), Heroes (1977), Stage Live (1978), Lodger (1979), Scary Monsters (1980), Heathen (2002), Reality (2003), The next Day (2013), Blackstar (2016) y Welcome to The Blackout - Live London 1978 (2018).
Como anécdota contar que Tony fue protagonista por partida doble de uno de los temas más famosos e importantes de Bowie y por tanto de la historia musical. Ocurrió en Berlín en 1977, durante la grabación del disco Héroes perteneciente a su famosa Trilogía Berlinesa. Bowie se encontraba paseando por el famoso muro de Berlín, cuando en un momento dado se fijó en una pareja de amantes sentada en un banco al lado de dicho muro, ¿Por qué no podrían dos amantes reunirse en un banco ubicado justo debajo de la torreta de vigilancia de dicho muro?. Pues bien al parecer el hombre que había visto en aquél banco fue al mismísimo Tony Visconti junto a una mujer, algo que sería confirmado años después, concretamente en 2003, y Bowie decía al respecto que los amantes eran Tony y una mujer alemana que había conocido mientras se encontraban en Berlín, pero que decidió no decir nada ya que por entonces Tony estaba casado. Este hecho sería confirmado también por el propio Tony, que comentaba que se encontraba en aquel momento con la por entonces secretaria de Bowie y que efectivamente, ellos vieron pasear junto al muro a Bowie aquél día. Así es como además de producir Heroes se convirtió en protagonista involuntario del mismo.

     Tony no sólo produce a artistas y grupos relacionados con el Glam Rock por aquella época, en 1977 produce el disco Bad Reputation de Thin Lizzy, repitiendo en su siguiente disco en directo Live & Dangerous en 1978, y en el de estudio Black Rose en 1979, considerado para mí la obra maestra de los irlandeses (con permiso de Jailbreak, de 1976). La mano de Tony en la producción de los irlandeses se nota en la producción, dando un salto de calidad en las producción de éstos. También su paciencia es puesta a prueba pues hay que reconocer que  estos chicos eran muy buenos pero no era fácil trabajar con ellos.

     Entre sus trabajos se encuentran Paul McCartney & The Wings y su disco llamado On The Run (1973), en Idiot (1977) de Iggy Pop, Boomtown Rats (1980),  para los Mooddy Blues (1986 y 1988), Phillip Boa (1993 y 1994), Manic Street Preachers (2004), Morrisey (2006), The Good, The Bad & The Queen (2018), y una interminable lista de artistas que se me quedan fuera porque si no todavía estaría escribiendo este post.

     Vaya mi reconocimiento y el de 7dias7notas para Tony Visconti, un hombre que antes de ser productor musical había sido músico, algo que seguro le serviría de ayuda a la hora de trabajar en la producción, un hombre tan importante para el noble arte de la música cómo importante es la música para él.

El disco de la semana 139: Leño, Leño

Leño, Leño (1979)

     Corría el año 1979, apenas un año después de su formación, y Leño sacaba a la luz su primer disco en estudio, titulado Leño. Acababa de echar a rodar un grupo que en plena transición democrática marcaría el camino para todas las siguientes generaciones del rock español. Leño con un sonido basado en el blues rock, el hard rock y el rock progresivo se convertirían además con sus letras en precursores y estandarte del llamado Rock urbano, que es basicamente una corriente musical que surgió en España aproximadamente en 1973, al final de la dictadura. Si bien originalmente el rock urbano se basaba en los sonidos blues rock, hard rock y rock progresivo, posteriormente y sobre todo durante los ochenta también se abriría a otras tendencias como el punk o el hardcore.

     Cuenta la leyenda que a finales de 1977, en el seno del grupo Ñu, el cuál lideraba José Carlos Molina, se produce una discusión entre sus integrantes, a raíz de la cuál Rosendo Mercado, guitarrista de la banda pronuncia estas palabras: "Chico, hasta aquí hemos llegado...." y abandona la formación. 

Unos días depués Rosendo se junta con un viejo conocido que había estado en la antigua formación de Ñu cuando esta se conocía como Fresa, el bajista Chiki Mariscal, y con el ex batería del grupo Coz Ramiro Penas (formación que sería el germen de la formación Barón Rojo) y juntos forman Leño.

    El nombre del grupo estaba claro, Leño, pues al parecer era lo que José Carlos Molina le decía a Rosendo sobre sus composiciones en Ñu: "Las canciones que haces son un Leño, tío". Aunque sobre esto José Carlos defendía otra versión, que el nombre se lo inventó él, pues cada vez que él hacía una composición heavy Rosendo siempre le decía: "¡Vaya leño de canción que has hecho!". De cualquier forma acababa de nacer Leño y nadie podría parar lo que serían capaces de hacer hasta su separación, en 1983.

     El 12 de febrero de 1978 Leño debuta en directo en la sala Alcalá Palace de Madrid como teloneros de Asfalto, y en mayo de ese mismo año publican su primer sencillo, Este Madrid / Aprendiendo a escuchar, el cuál a día de hoy es material de coleccionista. En mayo de 1979, y después de unos ajetreados meses donde el grupo ha estado concierto tras concierto, graban su primer álbum en directo, de nombre Leño, el disco recomendado para esta semana, grabado en apenas 72 horas y publicado por la discográfica Chapa/Zafiro. Si bien durante la grabación del disco  el bajista Chiki Mariscal decide abandonar la formación y regresar a Ñu (donde formó parte en sus origenes bajo el nombre Fresa), por lo que es sustituido por el bajista Tony Urbano. Todas las composiciones son grabadas al bajo por Chiki menos El Tren que ya es grabado por Tony.

      De ahí que en la portada de álbum original podemos observar a   Rosendo Mercado y Ramiro Penas sentados y a Chiki Mariscal abandonando el lugar mientras por el otro lado entra Tony Urbano. El disco contaría con la producción de Teddy Bautista que además de aportar su colaboración a los teclados también aporta el ya mítico sólo de armónica que aparace en el tema El Tren.

Leño es un álbum que maracaría el sonido característico de la banda, basado en el rock y el blues rock con tintes progresivos y hasta psicodélicos. 

     Abre la traca de este memorable disco Castigo, un tema de más de 10 minutos donde Leño demuestra que no tienen nada que envidiar a ningún power trío de la época de renombre, un tema prácticamente instrumental pues no tiene apenas letra,  donde Chiki y Ramiro están magníficos y donde Rosendo nos da un Master con su guitarra eléctrica.

     Le sigue El oportunista, un tema que abre con el conocido pasodoble El gato montés, toda una crítica en toda regla a esos empresarios y a toda esa gente que solo se arrimaron a las bandas rockeras y heavys cuando olieron negocio. la letra es toda una declaración de intenciones "...me he clavado un alfiler en el pescuezo, me he juntado con los punks, soy muy moderno, ahora me meo en el metro, nada me importa, y le pego hasta a mi padre, soy un pasota......". 

     El Tren, con un metafórico contenido que habla de la droga y de su consumo, "...ví rostros deshechos de satisfacción, si controlas tu viaje serás feliz". Como comenté anteriormente sobre este tema, la armónica en el tema corre por cortesía de Teddy Bautista el cuál se marca un solo memorable que pone la guinda a este himno del grupo.
Este tema fue compuesto por Rosendo y José Carlos Molina cuando ambos estaban en Ñu, por eso Ñu decidió grabarla años más tarde con otro nombre y mucha gente pensó que estaban haciendo una versión de Leño cuando en realidad era un tema escrito por ambos.

     Este Madrid, todo un alegato contra la contaminación. Célebre es ya el estribillo "....es una mierda este Madrid que ni las ratas pueden vivir". Un de sus temas más famosos y uno de los máximos exponentes del llamado rock urbano que abanderaría este grupo.

     La Nana, un tema de más de siete minutos, donde lo que empieza como una nana en toda regla acaba desembocando en toda una pieza instrumental de rock progresivo donde Leño vuelve a demostrar la calidad instrumental que atesoraba.

     Sodoma y Chabola, un tema donde vuelven a poner la voz de alarma ante las desigualdades sociales, con un tema con tintes funk y envuelto de un poderoso sonido hard rock.

     El disco cierra con un corto tema instrumental llamado Se Acabó, con Rosendo en acústico tocando una deliciosa pieza con tintes folklóricos, demostrando Leño que si son capaces de tocar piezas con una fuerza y energía salvajes también son capaces de emocionarnos con delicadas piezas instrumentales.

     Leño, es el título homónimo y primer disco publicado por la banda, y es que Rosendo y compañía abrirían el camino para toda esa legión de bandas que aprovecharían la brecha abierta por ellos y darían continuidad a su trabajo. En 1983, apenas cinco años después de su formación y tras tres disco publicados en estudio y uno en directo, Leño decide poner punto y final, y lo hace con la gira organizada por Miguel Ríos "El rock de una noche de verano", dando su último concierto completamente gratuito en el Parque del Oeste de Madrid.
Según los miembros de la banda habían llegado a un callejón sin salida a nivel creativo, eso sí Leño lo dejaba en lo más alto, ahí queda eso.