Canciones que nos emocionan: I'm on Fire, Bruce Springsteen

I'm on Fire, Bruce Springsteen

     En 1984 Bruce Springsteen publica su séptimo álbum de estudio, Born in the USA, un disco que mantiene la línea en las letras de su antecesor Nebraska, donde además el Boss realiza toda una crítica en toda regla sobre la participación de Estados Unidos en la Guerra de Vietnam y el pésimo trato que el país dispensó a todos esos veteranos de guerra que habían participado en el conflicto. Un disco con un sonido algo más comercial que los anteriores donde Bruce además incluye el uso de sintetizadores.

     Este disco se convertiría en el álbum más vendido en Estados Unidos en 1985, habiendo vendido hasta la fecha más de quince millones de copias en dicho país y más de treinta millones de copias en el resto del mundo. Todo un bombazo en su momento, con siete sencillos del disco dentro del top 10 en Estados Unidos y que le llevaría a realizar una extensa gira mundial de dos años de duración. La revista Rolling Stone situó Born in the USA en el puesto nº 86 de la lista de los 500 mejores discos de todos los tiempos.

     Dentro de este disco se encuentra un tema de esos que me encantan, I'm on Fire, un tema que Bruce compuso en 1982 durante las sesiones de grabación de su disco Nebraska, y es que precisamente este tema se compuso para ese disco, aunque al final se quedó fuera y fue incluida en su siguiente trabajo, Born in the USA.

Hey little girl is your daddy home

Did he go away and leave you all alone

I got a bad desire

I'm on fire

Tell me now baby is he good to you

Can he do to you the things that I do

I can take you higher

I'm on fire

Sometimes its like someone took a knife baby

Edgy and dull and cut a six-inch valley

Through the middle of my soul

At night I wake up with the sheets soaking wet

And a freight train running through the

Middle of my head

Only you can cool my desire

I'm on fire

     Bruce se encontraba tocando un ritmo lento de Johnny Cash, cuándo entonces se le ocurrió que a este ritmo le podía ir bien alguna de las letras que ya tenía escritas. En un principio el tema fue grabado por el propio Bruce, el pianista Roy Bittan y el batería Max Weinberg, pues el resto de la E Street Band se encontraba disfrutando de un periodo de descanso.
La letra trata de un hombre que en medio de la noche se despierta fruto de una pesadilla provacada por una mujer a la que desea.
Si bien es cierto que la letra deja margen para la interpretación, el video musical que se publicó sobre el video muestra claramente como Bruce es un mecánico de coches y una mujer de clase alta, la cuál el desea, llega en medio de la noche a su taller para que le repare su vehículo.
La voz de la mujer del videoclip es de la actriz y productora estadounidense Maggie Renzi.

La musica en historias: Yo pude ser Elvis Presley

Quien sin ningun lugar a dudas puede hacer suya esa frase es Carl Perkins, nacido en Ridgely,
Tennessee el 9 de abril de 1932 creció pobre en una familia de aparceros que recolectaba algodón en varios campos del noroeste de Tennessee alrededor de Tiptonville. Perkins comenzó a trabajar a los seis años, y fue en los campos donde escuchó las canciones de gospel.
Perkins comenzo su carrera siendo un adolescente a mediados de los años 40, actuando en bailes locales con sus hermanos Jay y Clayton que se ha hacian llamar la Perkins Brothers Band. Con el paso del tiempo la musica no le daba para vivir, con lo que decidio casarse y trabajar como panadero en Jackson. Pero en su cabeza seguia rondando el gusanillo de la musica y consiguio grabar con una pequeña discografica llamada Flip Records, subsidiaria de la que por aquel entonces en el sur de los Estados Unidos estaba dando oportunidades a los nuevos creadores de rock and roll, Sun Records. Allí tras mucho esfuerzo consiguió grabar a finales de 1956. “Blue Suede Shoes” fue un éxito instantáneo y convirtió a Perkins en el primer artista del país blanco en liderar la lista de R&B. "Blue Suede Shoes" se alternó con el primer single post-Sun de Elvis Presley, "Heartbreak Hotel", por los primeros puestos en las listas nacionales y regionales y se convirtio en el candidato ideal a liderar el rock and roll blanco.

Estaba en el apogeo de su carrera cuando la tragedia golpeó. Él y su grupo conducían a Nueva York para aparecer en el programa de televisión cuando el conductor se quedó dormido al volante, lo que provocó que el automóvil golpeara la parte trasera de un camión antes de sumergirse en el agua. El conductor murió, y Carl y su hermano Jay resultaron gravemente heridos, Jay nunca se recuperó completamente y más tarde se le diagnosticó un tumor cerebral, del cual murió en 1958. Estando fuera de los escenarios durante una buena temporada, su estrella fue languideciendo, y Elvis Presley seguía subiendo como la espuma. El golpe definitivo lo dio la versión que Presley hizo del clásico de Perkins,“Blue Suede Shoes”,  dotándola de un aire mas country supero en éxito y ventas a la versión original, provocando que todas las miradas se dirigieran a partir de ese momento a ese chico que movía las caderas de esa forma tan inusual, para Perkins ya no había espacio y aunque logró grabar algún disco no consiguió el éxito al que estaba siendo proyectado, su carrera languideció a la vez que la de Elvis crecia, el único repunte que tuvo su nombre fue cuando en una gira por Gran Bretaña pudo comprobar como los componentes de The Beatles eran unos fervientes admiradores suyos hasta el punto de que George Harrison le comentó que había aprendido a tocar la guitarra copiando los discos de Perkins.




Años más tarde, Perkins admitió que utilizó la muerte de su hermano como una razón para beber. Perkins, un hombre tranquilo y modesto, explicaba unos años después: "Me sentí fuera de lugar cuando 'Blue Suede Shoes' era el número uno. Me paré en el muelle de acero en 1956 en Atlantic City ... y el dirigible Goodyear voló con mi nombre en grandes luces. Y me quedé allí, sacudí y lloré. Eso debería haber sido algo que animaría a un chico a decir: 'Bueno, lo logré'.

El disco de la semana 137: Rebeldes - Rebeldes y Rebeldes

Rebeldes y Rebeldes

     Carlos Segarra es el líder de la banda de música Rockabilly Los Rebeldes, habiéndose convertido además por derecho propio en una de las referencias de dicho movimiento rockabilly en España.

     Éste músico nace en Barcelona en 1961, y es a finales de los setenta,

siendo muy joven, cuando con su amigo Loquillo forma su primera banda de Rock & Roll, llamada Teddy Loquillo y sus Amigos, una banda que consigue poco éxito y repercusión, por lo que Carlos y Loquillo deciden separar sus caminos y probar suerte cada uno por su lado.

Sería en 1978, cuando Carlos con apenas 16 años cuando decide fundar junto con sus amigos Aurelio Morata (bajo) y Moisés Sorolla (batería) el grupo llamado Los Rebeldes, quedando Carlos a cargo de la parte vocal y la guitarra.

     Rebeldes colabora con el grupo Los intocables, el cuál está liderado por Loquillo en su álbum Los tiempos están cambiando, un disco que vería la luz en 1981. Es en ese mismo año cuando consiguen publicar su primer LP, llamado Cerveza, chicas y... rockabilly, el primer disco de una larga lista, pues la actividad del grupo, además de experimentar algun que otro cambio en su formación, desde la publicación de ese primer trabajo ha sido considerable.

     En 1982, Rebeldes, que poco a poco se van asentando en el panorama musical, graban el sencillo Carolina/Demasiado whisky. En 1985 graban un mini LP llamado Esto es rocanroll, donde ya podemos empezar a encontrar temas clásicos del grupo como Esa manera de andar ó Harley 66.

     En 1986 el grupo experimenta un cambio, abandona la formación el bajista Aurelio Morata, y se juntan con Carlos Segarra  y Moisés Sorolla Tony Nervio Roto al bajo y Dani Nel-lo al saxo, quedando conformado el grupo ahora en un cuarteto. Ese año graban el disco Rebeldes con causa, un disco con el que dan por fín el espaldarazo definitivo y empiezan a ser conocidos en todo el territorio nacional, gracias a temas como Quiero ser una estrella ó la famosa Mescalina.
En 1987 publican su trebajo en directo Preferiblemente vivos, y empiezan a aparecer asiduamente en la televisión. Sería una año después, 1988 cuando el grupo consigue consagrarse definitivamente con la publicación del disco Más alla del bien y del mal, un disco que contiene temas que se han convertido en santo y seña del grupo, como Mediterraneo, Bajo la luz de la luna ó Mi generación.  Este disco se convertiría a la postre en un disco clásico y de culto.

 

   La actividad del grupo, consolidado ya en la élite musical es abundante, con multitud de trabajos hasta la fecha, pero me voy a centrar en el disco recomendado para esta semana, Rebeldes y Rebeldes, un disco que el grupo publica en 2003, y que son 12 temas clásicos de la banda grabados en colaboración con otros artistas, y un tema inédito hasta la fecha.
El álbum es grabado en los estudios propiedad de Carlos Goñi en Valencia en febrero de 2003, y la contiene las siguientes colaboraciones, El Canto del Loco en Mediterraneo, Danza Invisible en Ella quiere más, Seguridad Social en Eres especial, Revólver en La rosa y la cruz, Sevilla (Mojinos Escozios) en Rebeca, Shuarma (Elefantes) en Un español en Nueva York, Miguel Ríos en Mía, Javier Andreu (La Frontera) en Las dos caras de la Moneda, Mikel erentxun en Bajo la luz de la luna, Loquillo en Harley 66, M-Clan en Mescalina, Coque Malla en Mi generación, y Jaime Urrutia en la inédita Agua de Valencia.
 
     Rebeldes y Rebeldes es en definitiva un disco muy recomendable donde el grupo aborda 12 temas clásicos y uno nuevo de la banda con ese pequeño toque personal que cada uno de los invitados aporta a cada uno de los temas. Un disco con puro sabor a rockabilly que no debería faltar en nuestra biblioteca musical.

Historia del rock and roll: 7.- Elvis Presley (parte II)

En el articulo anterior dejamos a Elvis Presley haciendo el servicio militar obligatorio en Alemania, en plena epoca de gloria y convirtiendo cada cancion nueva en numero 1 de las listas de exitos. Estamos sin duda en plena ola de la epoca dorada del artista de Tupelo.

Durante su estancia en Alemania siguieron sonando temas nuevos de Elvis en las emisoras, ya que a sugerencia de Tom Parker habían grabado varios temas que irian emitiendo mientras estuviera fuera del país. Uno de esas canciones fue el éxito titulado "A fool such a I" tema compuesto por Bill Trader y que Elvis Presley lo llevo a disco de platino. Otro de los temas publicado durante el periplo militar fue "One Night" donde realiza una gran exhibición vocal. Un tema que tuvo una primera versión registrada el 18 de enero de 1957 bajo el nombre de One Night Of Sin, pero que finalmente, se optó por no publicar debido a que se consideró que su letra podría parecer obscena. Elvis, con la letra suavizada, la volvió a grabar ya el 23 de enero con el nombre de One Night. Fue la primera canción de Elvis en llegar a la cima de las listas de éxitos del Reino Unido después de que ingresó en el ejército.

Coronel Tom Parker y Elvis

Elvis regreso de su servicio militar en 1960, era ya un idolo de masas y el cantante mas importante del momento, y aprovechando esa circustancia el Coronel Tom Parker, volvió a modelar la imagen del cantante, olvidando esa pose de adolescente rebelde y cambiándola por la de un patriota, renegando de su imagen de adolescente que movía lascivamente sus caderas. Nada mas llegar grabo un show televisivo junto a Frank Sinatra, otro de los grandes de la música en aquel momento, Elvis interpretó " Stuck on You " y " Fame and Fortune ", los lados A y B de su primer lanzamiento único de RCA después del ejército .También realizó un dueto con Sinatra. Elvis cantó el éxito de Sinatra  "Witchcraft " y Sinatra interpretando el clásico de Elvis de 1956 " Love Me Tender ".
Poco después publicó "Now or never", para la realizacion de esta cancion,  toma prestada la progresión de acordes así como la melodía de la canción italiana "O Sole Mio", que fue grabada por primera vez por Giuseppe Anselmi en 1907, cancion que habia escuchado durante su estancia en Alemania y de la que quedo prendado. Según Priscilla Presley, "It's Now Or Never" fue la canción favorita de Elvis, ademas cuentan que Barry White escuchó esta canción en 1960 cuando estaba en la cárcel por robar llantas. "Surrender" acompañado por DJ Fontana a la bateria, de nuevo Elvis se atreve con una adaptación de un clásico italiano, en esta ocasión del Torna Sorrento, compuesto en 1902 por Giambattista y Ernesto de Curtis. Ese mismo año publicaria "Little sister", con una tematica curiosa ya que Elvis canta acerca de cómo fue herido por una chica que mostró interés en él y luego se fue a otro chico. Esta niña tiene una hermana pequeña, y ahora él está interesado en ella, pero espera que ella no lo deje de la misma manera. Algo seguramente inedito por las pasiones que levantaba el artista entre el publico femenino. No abandonamos 1961 y nos encontramos con una balada inmortal, "Can't Help Falling In Love" la melodía está basada en una canción francesa llamada "Plaisir D'Amour", que fue escrita en 1784. Era la cancion con la que solia terminar sus conciertos.
La canción tuvo tanto impacto en White, que lo convenció de seguir una carrera en la música abandonando su carrera delictiva. Seguia la senda del exito en 1961, publicando

Ya en 1962 Elvis lanzaba "Return to sender", esta canción es sobre un chico que le envía una carta a una chica, pero ella se niega a leerla, en lugar de eso escribe "Devolver al remitente" y se la devuelven. Nuestro héroe tiene dificultades para creer que no quiere leer la carta, así que le envía una entrega especial para asegurarse de que llegue. Cuando esa carta es devuelta, él decide entregarla personalmente. "Follow that dream" es otro de los grandes exitos del año, Ben Weisman dijo que esta era una de sus canciones favoritas debido a su mensaje optimista, un sentimiento compartido por Bruce Springsteen, quien lo ha interpretado muchas veces.

El año 1964 fue el desembarco de The Beatles en Estados Unidos que eclipsó en cierta manera la "Viva las Vegas" acompañada de su single musical. La canción captura el brillo y el glamour de Las Vegas. El personaje de Elvis en la película es de fuera de la ciudad, y tiene ese entusiasmo y admiración que viene con la posibilidad de hacerla rica en la ciudad. Tras esta pelicula la carrera musical prácticamente despareció, el cine era su unico interes. Fue en esta epoca cuando conocio a Priscilla Presley que se convirtió en su esposa, si bien el matrimonio no funcionó bien, abandonando el hogar Priscilla, Elvis le dedico otra de sus obras maestras "Crying in the chapel", retocando la version que habia grabado anteriormente y que no vió la luz. Se convirtió en el primer single en vender un millón de copias desde "Return to Sender" en 1962 y su mayor éxito en las listas durante los proximos de seis años.

Este periodo empezaron las primeras depresiones y problemas de salud del artista, poco antes de la navidad de 1966, más de siete años desde su primer encuentro, Presley le propuso matrimonio a Priscilla Beaulieu. Se casaron el 1 de mayo de 1967 en Las Vegas.​ El artista seguia haciendo peliculas y sacando singles y fue en octubre de 1967, cuando el LP para el filme Clambake registró el mayor fracaso de ventas hasta el momento del artista, los ejecutivos de RCA empezaron a preocuparse al respecto. «Ya para entonces, por supuesto, el daño estaba hecho», como señalaron luego los historiadores Connie Kirchberg y Marc Hendrickx para los que el artista era visto como una broma por los amantes serios de la música, y catalogado como un artista que ya no era exitoso para nadie excepto para sus seguidores más leales. De los ocho sencillos que lanzó entre enero de 1967 y mayo de 1968, solamente dos figuraron en el top 40, y ninguno de éstos logró posicionarse más arriba del sitio número 28. Durante 1968, Elvis volvio a la televisión, a un show, donde dio un concierto en directo, el show, que pasó a ser el más visto de NBC en esa temporada, logró atraer a un 42% del total de la audiencia. Fue el momento de editar un disco independiente de las películas que realizaba, fue el año de "In the Ghetto", canción que trata sobre la pobreza, describe a un niño que no puede superar su entorno y se convierte en delincuente, lo que conduce a su muerte. Fue la primera canción que grabó Elvis con un mensaje de conciencia social. También fue el momento de "Suspicious minds", que se convirtió en su ultimo numero 1 en vida.

En 1972 realiza 4 conciertos en el Madison Square Garden, fue un resurgir del artista, pero no era suficiente, Elvis, recientemente divorciado estaba pasando una fuerte crisis que le llevaban a tomar multitud de medicamentos, sufriendo diversas crisis que le llevaron a estar ingresado en un hospital hasta 5 veces en un año. Fue en este momento donde publicó "You are always in my mind" versioneando la cancion compuesta por Johnny Christopher, Mark James y Wayne Carson y un claro guiño a su ex-esposa.

El declive habia vuelto, y en 1977 «Elvis Presley se había convertido en una caricatura grotesca de su elegante y enérgica forma de ser. Un tanto pasado de peso y con su mente nublada por la farmacos que diariamente ingería, era casi incapaz de sacar adelante sus breves conciertos». "Way Down", fue el último sencillo de Presley, se estrenó el 6 de junio. Mientras tanto, su último concierto ocurrió en el pabellón Market Square Arena, en Indianápolis, el 26 de junio. El 16 de Agosto de 1977 iba a iniciar una gira, pero esa misma tarde Alden lo encontró inconsciente en el suelo de su baño. Ante esto, los médicos intentaron reanimarlo, sin embargo no lo lograron. La muerte del cantante se hizo pública oficialmente a las 3:30 p. m. en el Baptist Memorial Hospital. Elvis Presley falleció en Memphis a la edad de 42 años, a causa de un Infarto agudo de miocardio.

Canciones que nos emocionan: Las 5 canciones de Guns & Roses

Hubo un momento en mi vida en que pasé de soñar con ser policía o bombero, a descubrir el rock y querer ser un miembro de los Guns and Roses. Desde que nos regalaron el mítico Appetite for Destruction (1987) y la bola extra en forma de rareza que es Lies / Live like a suicide (1988), hasta la aparición simultánea de los enormes Use your Illusion I & II (1991) mi admiración por el grupo de los Angeles fue cada vez más en aumento.

El hecho de querer ser un Guns en esa época no era, por otra parte, nada original, ya que los adolescentes nos dividíamos básicamente en los que querían ser Axl Rose y los que querían ser Jon Bon Jovi. Y todo eso fue antes de que la mayoría quisiera ser Kurt Cobain.

Para mí no había dudas, Bon Jovi habían llegado ya a lo alto de la montaña rusa en la que estaban montados, al momento en que, por un segundo, los raíles desaparecen y lo único que se ve es el inmenso cielo azul. Ese efímero instante tras el que lo siguiente es una caída vertiginosa que no tiene vuelta atrás. Guns & Roses, por el contrario, eran la fresca y fiera alternativa, delincuentes juveniles afilando sus guitarras, y más cercanos en su pose a la estética y actitud "punk rock" que a los clichés del heavy metal blando que habían encumbrado a Bon Jovi.

Y como el miembro de Guns and Roses que nunca llegué a ser, me motiva especialmente la tarea de contar el resultado de la votación de @las5canciones y poder comentar canciones que escuché y canté hasta la saciedad en la soledad de mi cuarto.

Así que vamos ya con los cinco himnos que habéis elegido de estos "enfants terribles" que nos devolvieron el apetito por la destrucción y nos enseñaron a usar la ilusión para sobrevivir en la jungla a finales de los 80 y principios de los 90, justo antes de que, para ellos también, la montaña rusa llegara a la cima y se iniciara la inevitable caída sin freno hacia incidentes olvidables (The spaghetti incident, 1993) o propuestas democráticas fallidas (Chinese Democracy, 2008), que a punto estuvieron de hacerles descarrilar sin remedio. Seguimos sin perder la esperanza de un disco de canciones nuevas en el futuro, pero de momento nos consolaremos con estas cinco grandes canciones:


Las 5 canciones de Guns & Roses



Puesto nº5: Civil War (39 votos)

La canción que abre Use your Illusion II (1991) es todo un alegato en contra de las guerras y la manipulación de las clases bajas y las minorías por parte del Gobierno. La profundidad de la letra, con referencias a la guerra de Vietnam o al asesinato de J.F. Kennedy, la brillante guitarra de Slash haciendo guiños al "Voodoo Chile" de Jimi Hendrix, y las demostraciones de potencia vocal de Axl Rose en los estribillos, encumbran esta canción dentro de las grandes piezas del cancionero de los Guns.
  



Puesto nº4: November Rain (63 votos)

Este tema es un claro ejemplo de lo dificil que debe ser seleccionar las canciones para un disco, cuando estás en estado de gracia y eres capaz de generar tantas buenas canciones en un momento determinado. Aunque fue incluida en el disco "Use your Illusion I" (1991), se trata de un descarte de "Appetite for destruction" (1987), no porque consideraran que tenía menos calidad que las canciones de aquel disco, sino porque para describir la crudeza de la jungla y la destrucción decidieron incluir una sola balada en el disco, y ese puesto estaba ocupado por "Sweet child of mine". En los mastodónticos "Illusions" encontró su sitio privilegiado, en una versión de más de 8 minutos que Axl se negó a recortar para el formato single y las radiofórmulas, apelando al "Bohemian Rapsody" de Queen como ejemplo de jurisprudencia a su favor.




Puesto nº3: Paradise City (67 votos)


Del triunfal disco de debut "Appetite for Destruction" (1987), que llegó a vender más de 35 millones de copias en todo el mundo, en parte gracias a la contribución de esta canción marcada por la rotundidad de la batería y su archiconocido estribillo, en el que evocan un paraíso idealizado de bellas mujeres y hierba verde en contraste con la dura vida en Los Angeles, descrita en el resto del tema. Uno de los himnos imperecederos de la banda californiana, que nació en una versión acústica improvisada dentro de una furgoneta, de camino a un concierto en San Francisco, bajo el influjo del whisky y de buena parte de la hierba que crecía en "la ciudad del paraíso".




Puesto nº2: Welcome to the Jungle (73 votos)

Brillante e icónico tema de arranque del explosivo debut de la banda californiana, y relacionada con "Paradise City" en la temática sobre la jungla que era para ellos la gran ciudad de Los Angeles. Toda una bienvenida a la intensa jungla musical que nos espera en "Appetite for Destruction", que contiene en las letras muchos tintes autobiográficos sobre el impacto que la llegada a Los Angeles supuso para Axl Rose. Su fraseo de guitarra inicial sigue levantando emocionalmente al público en cada concierto, con un efecto comparable a la locura que provocan las primeras notas de guitarra del "Start me up" de los Rolling Stones, o el riff de "Smoke in the water" de Deep Purple.



Puesto nº1... ¡Sweet Child O'Mine! (75 votos)

Corona el podio, y el trío de ases de "Appetite for Destruction", la canción con la que Slash no estará jamás de acuerdo con los votantes de @las5canciones, y eso que fue el creador del mítico fraseo de guitarra que da cuerpo a toda la canción. La primera vez que lo tocó estaba sólo bromeando y sin tomarlo en serio, pero el resto de la banda vió en aquel sonido una oportunidad de canción, y tanto Steve Adler como Izzy Stradlin se le unieron con batería y guitarra rítmica respectivamente.


El esbozo musical, que entre los tres construyeron de aquella posible canción, encajaba además como un guante con un poema que Axl Rose había escrito a su novia y que había titulado "Sweet Child of Mine". Slash debió querer desquitarse con el brillante solo de mitad de canción, más propio de un tema de rock intenso que de una balada heavy. El grito final desgarrado de Axl fue la señal para que nos abrocháramos los cinturones, ahí empezó el ascenso hacia las alturas de este genial grupo.




Resto de votaciones:

6. You could be mine 33
7. Don't Cry / It's so easy 20
8. Nightrain 18
9. Since I don't have you / Estranged 17
10. I used to love her 16
11. Patience 14
12. Mr Browntone / One in a million / Out to get me / Double talkin' jive 7
13. Live and let die / Rocket Queen 6
14. Yesterdays / Move to the city 5
15. Dead Horse 4
16. The Garden 3
17. You are crazy / Bad Obsession / Get in the ring / Coma 2
18. Right next door to hell / Knocking on heaven's door 1

La música en historias: La niñera de Keanu reeves

Keanu Reeves

     Anécdotas y situaciones que en un principio pueden no tener la menor importancia, con el tiempo pueden acabar convirtiéndose en pequeñas historias que acaban formando parte de la historia de la música. ¿ y que relación puede tener el bueno de Keanu Reeves con la música?

     Keanu Charles Reeves, más conocido por Keanu Reeves nace  en Beirut (Líbano) en 1964, su carrera como actor no vamos a descubrirla ahora, a la vista está. También se dedicó durante una etapa de su vida al mundo de la música, encargándose de la parte vocal y del bajo en el grupo de rock alternativo Dogstar desde 1991 hasta 2002, compatibilizándolo con su brillante carrera cinematográfica.
Dogstar fue fundada en 1991 por el propio Keanu Reeves, Robert Mailhouse (batería y percusión), Gregg Miller (guitarra) y Bret Domrose (guitarra) y además de tocar rock alternativo también se movieron entre el sonido grunge y el post grunge. Es a raíz de la ascendente carrera de Keanu que el grupo empieza a captar el interés de los medios y el público, ya hasta su disolución en 2002, publicaron dos discos de larga duración y un EP, siendo quizás el punto álgido y culminante de la banda su participación en el famoso Festival de Glastonbury en el Reino Unido en 1999.

     Amén de sus pinitos en el mundo de la música con Dogstar, Keanu es protagonista de otra curiosa anécdota no tan conocida quizás.
Keanu, hijo del hawaiano Samuel Nowlin Reeves jr es abandonado a la edad de tres años por éste, y queda al único cuidado de su madre Patricia Taylor una notable diseñadora de vestuario inglesa. A raíz de la separación de sus padres, Keanu estuvo viviendo en varios sitios con motivo del trabajo de su madre, primero en Sidney y luego Nueva York, donde su madre se casa por segunda vez en 1970 con el director de Broadway y Hollywood Paul Aaron, y se mudan a Ontario (Canadá), aunque la relación acaba rompiéndose un año después.
Y es allí donde precisamente ocurre un curioso hecho que marcaría la infancia de Keanu, mientras el crecía allí en Toronto su madre trabajaba diseñando y cosiendo trajes de atrezzo para un estudio de grabación  llamado Nimbus 9, y según cuenta el propio Keanu su madre también realizaba a veces trabajos para el mundo del rock, por lo que además de en el cine también tenía amistades relacionadas con el mundo de la música, y por circunstancias de la vida, el mismísimo Alice Cooper acabó haciendo de niñera de Keanu durante unas horas al día durante una temporada, algo que Keanu afirmaba no saber cómo pudo pasar pero pasó.
El propio Alice Cooper da su versión de ésta curiosidad, él se encontraba grabando en Ontario y la madre de Keanu, Patricia trabajaba muchas horas al día, y como tenían amistad el propio Alice se ofreció a cuidar del peque durante las horas que patricia no podía hacerse cargo de él, concretamente tres. Lo que aseguraba Alice Cooper es que poco se podía imaginar que aquél pequeñín acabaría convirtiéndose en toda una estrella del cine.

La música en historias: John Henry Hammond

John Henry Hammond jr

     En 7dias7notas además de hablar de músicos, artistas y grupos también dedicamos espacio para aquellos que sin serlo han tenido una gran importancia para el desarrollo de la historia de la música, ingenieros de sonido, productores, críticos ó cazatalentos.

En esta ocasión le toca el turno a una persona que además de ser músico también fue crítico musical y cazatalentos, y el cuál tuvo una importancia muy grande para la historia de la música, John Henry Hammond jr.

     John Henry Hammond jr nace en 1910 en Nueva York (Estados Unidos), a la edad de cuatro años empieza a estudiar piano, y es a la edad de ocho años cuando se empieza a interesar en serio por la música y cambia el piano por el violín. Su madre le había introducido en el mundo de la música clásica, aunque él siempre mostró más interés por la música que tocaban y cantaban los criados que rondaban por su entorno, de los cuáles muchos eran negros.

     El año 1927 es una fecha que le marcaría para el resto de su vida. John solía frecuentar el barrio de Harlem para escuchar a los músicos negros (algo que hacía desde que tenía unos 10 años), y fue allí donde acudiría a un concierto de la mítica Bessie Smith en el teatro Alabama, John quedó impresionado con lo que allí vio.

En 1928 ingresa en la universidad de Yale donde estudia violín y viola, algo que alterna con su faceta de crítico musical escribiendo para revistas musicales con el fín de ganarse algo de dinero. Es en esta etapa cuando decide dejar temporalmente los estudios para trabajar como corresponsal en Estados Unidos de la famosa revista inglesa Melody Maker.

     A principios de los años 30 empieza a realizar sus primero pinitos en el mundo de la producción, se muda al famoso barrio de Greenwich Village de Manhattan (Nueva York) para estar más cerca de la escena musical y empieza a trabajar en uno de los primeros programas de jazz en directo que se concocen. También se dedica por entonces a escribir artículos sobre la segregación racial reconociendo que cuando escucha música no la asocia a ningún color en particular, la música es música. También afirmaba que atribuir la supremacía de los negros en la música jazz era la mejor forma  que el tenía de protestar contra la segregación racial.

     En 1933 John, que produce varias sesiones de grabación de Benny Goodman, consigue convencerle para que lo haga rodeado del guitarrista Charlie Christian, el pianista Teddy Wilson y el percusionista Lionel Hamptom, todos tenían la particularidad de ser negros, y es que John fue un gran valedor de la integración racial en el mundo de la música como integrante de la NACPP (Asociación Nacional para el Avance de la Gente de Color).

En 1933 John también produjo las últimas grabaciones de Bessie Smith y la primera grabación de un desconocido Billie Holliday después de oírle cantar por primera vez en Harlem. En 1936 ayudaría a que la famosa Count Basie Orchestra tuviera difusión nacional y por ende a su posterior éxito nacional.

En 1938 organiza y promueve dos históricos conciertos en el famoso Carnegie Hall de Nueva York bajo el nombre "From Spirituals to Swing", presentando un programa de blues, jazz y gospel donde se relata la historia del jazz y el blues.

     Tras un parón a causa de servir a su país en la Segunda Guerra Mundial John vuelve a la acción trabajando en el mundo del jazz, concretamente ayudando a difundir el llamado bebop jazz (posterior al swing y basado en la fusión de estilos tales como el west coast jazz, hard bop, funky jazz, free jazz y post-bop), también produce grabaciones con numerosos ilustres del swing, trabaja en la difusión del famoso Festival de Jazz de New Port (fundado en 1954) y sigue escribiendo para numerosas revistas y periódicos.

     A finales de los años 50 vuelve a fichar para la todopoderosa discográfica Columbia Records y ficha al músico de folk Peter Seeger. Es también a finales de los años 50 cuando escucha y descubre a una joven cantante de gospel llamada Aretha Franklin.

     Ya en la década de los años 60, concretamente en 1961, encontrándose John escuchando una sesión de grabación del tercer álbum de la artista Carolyn Hester, escuchó tocar la armónica en aquellas sesiones a Bob Dylan, inmediatamente lo ficha para Columbia Records.

Es a mediados de los 60 cuando se le encarga a John la supervisión y el control de la reedición de todo el material de Robert Johnson. En 1967 a John le llama la atención las actuaciones en varios festivales de una cantautor llamado Leonard Cohen y lo ficha también para Columbia Records.

     Ya en la década de los años 70, en 1972 a John se le encarga el trabajo de audicionar a un desconocido Bruce Springsteen que tocaba en el Gaslight del barrio de  Greenwich Village, Manhattan. John quedó fascinado al ver al joven Bruce actuar y lo ficha para la discográfica.

      En 1975 John baja el ritmo debido a su avanzada edad y se retira de la escena musical, si bien continúa su trabajo como cazatalentos, y en 1983 ficha para Columbia Records a un bluesman llamado Stevie Ray Vaughan y participa bajo el cargo de Productor ejecutivo en la grabación de éste disco, Texas Flood bajo el sello discográfico Epic Records (compañía ligada a Columbia Records).

     John fallecería en 1987 a causa de una apoplejía. Vaya desde 7dias7notas nuestro pequeño homenaje a la figura de John Henry Hammond jr por su enorme contribución al mundo de la música ya fuera cómo músico, productor ó cazatalentos de tantos enormes artistas de la talla de Aretha Franklin, Billie Holiday, Bruce Springsteen, leonard Cohen ó Stevie Ray Vaughan (por nombrar algunos).

Queda para la historia su lucha porque la música fuera difundida sin atender a géneros, colores, étnias ó estilos. Para John la música era un lenguaje universal que debía estar al alcance de todos sin importar de donde fuera o procediera uno.

El disco de la semana 136: Hombres G.- Hombres G

Hombres G fue el primer álbum publicado por Hombres G. Fue grabado en Madrid, en enero de 1985, el grupo realizó una selección de diez canciones de un total de veinticinco que habían ido tocando en clubes y salas de conciertos de Madrid.

El primer single fue “Venezia”, de su primer disco con Lollipop. Rapidamente empezó a sonar por todas las emisoras de la FM para sorpresa de todos, con lo que decidieron apostar fuerte por el disco y sacar un nuevo sencillo, el famoso “Devuélveme a mi chica” y su brutal cambio rítmico terminado en ese  estribillo “Sufre, mamón, devuélveme a mi chica o te retorcerás entre polvos pica pica” que organizó la mundial y alborotó a las quinceañeras hasta límites hasta entonces desconocidos. La portada es un fotograma de una escena de “El Profesor Chiflado” (Jerry Lewis, 1963). Esta será la primera de una larga serie de carátulas relacionadas con el séptimo arte, que será otra seña de identidad a la que recurrirá a menudo el grupo en sus ediciones.

Musicalmente es “comida basura”, fácil de tocar, ritmos pegadizos y ningún extra donde poder deleitarse, si bien tiene sus adeptos, tan dignos como los amantes de la Opera, y que en aquellos años 80 hicieron la locura por la facilidad para cantar y seguir las canciones, pero personalmente es una apuesta que necesitaba sacar, teniendo a tu hermano a todas horas con ese disco y yo con mis 14 años descubriendo lo que era ser adolescente se me clavó en la memoria y tenia que hacerle este pequeño homenaje, fueron tiempos de descubrimientos (amigos, chicas, juergas) que estuvieron acompañados de esta banda sonora.

Venecia

Creada como una burla a las canciones Italianas que tenían éxito verano tras verano, sin imaginar que se convertiría en una de las canciones más radiadas de aquella primavera. Musicalmente es curioso su inicio “operístico” pero no pasa de ahí, ritmo pachanguero y pegadizo y coros comerciales con una voz de fondo un poco sonrojante. El gancho fue el estribillo, ideal para la juventud.

“Vamos juntos hasta Italia, quiero comprarme un jersey a rayas

Pasaremos de la mafia, nos bañaremos en la playa”

Vuelve a mi

Es el lado macarra del disco, una canción tópica y popera, con un punto de inconformismo en las relaciones de pareja y una pose que trataba de amoldarse a la época… una coña

De verdad, he aprendido

A bailar break-dance

Por favor, llámame a la hora de comer

….

Te dirán que estoy sentado

Apoyado en la barra de un bar

Deprimido y amargado

Sin beber y sin hablar

…

Él será más guapo

pero yo tengo más mala leche

Dejad que las niñas se acerquen a mi

Nadie iba a suponer que cuando escribieron esa canción, no iba a ser necesario este mensaje para que la gran mayoría de las quinceañeras se acercaran a ellos. Un mensaje ideal de rebeldía, pero sin pasarse, no vaya a ser que se rompa la imagen. Mas graciosa que transgresora, no se cuál era el objetivo. La melodía de “Dejad que las niñas se acerquen a mí” de Hombres G es prácticamente idéntica a la de “Don’t Worry Baby”, el clásico de The Beach Boys”.

Hace un año

Nos ponemos románticos y sale más o menos, a pesar del mensaje de desolación por la ausencia de la chica, tanta metáfora ñoña se hace extraña y boba, es un buen intento de dolorificar una ausencia, pero ha envejecido fatal… ojo que hay partes de la letra que serían censuradas en este “adorable” año 2019, un puntillo al menos para ellos.

No llorare

Jugando fuerte utilizan una letra de Alice Cooper para hacer su versión, es quizás la canción menos pachanguera del disco y se sale por completo de su estilo, aun asi le falta un puntito para ser un tema que quedé grabado.

Devuélveme a mi chica

Sin duda su gran éxito, por todos conocido como Sufre Mamon, es imposible que habiendo nacido en los años 70 no hayas cantado o tatareado este tema, inspirado en un hecho real: Inmaculada, una chica que dejó a David durante su época de punki porque ella buscaba, según el propio Summers, un chico más formal, más serio, que fuera a Misa los domingos, etc. y acabó con un chico que tenía un Ford Fiesta blanco y con el que se casó. La canción fue un auténtico pelotazo en Sudamérica, sobre todo en México fue una cosa increíble, porque en esa época había allí mucha censura, y cuando hay censura hay que ir contra ella

Matar a Castro

Otro tema que se sale del estilo del disco, una autentica marcianada dentro del álbum, se puede lamentar que no se haya trabajado más este estilo, aunque probablemente si lo hubieran hecho no hubieran alcanzado el éxito que adquirieron. Sorprendente que por este tema el grupo fue acusado de apología del terrorismo, eran tiempos convulsos sobre todo en nuestro país y no pasó desapercibido, aunque echando la vista atrás queda patente el juego y la inocencia que tenía este tema que por momentos me recuerdan a Los Nikis.

Lawrence de Arabia

De todos es sabido la cinefilia de la que el grupo hacía gala, además de dedicar la portada del disco a “El profesor chiflado”, rinden homenaje al séptimo arte con un canción que lleva por título la obra maestra de David Lean, aunque el tono de coña que tiene hace que ni por asomo se acerque a este título. Un poco sonrojante jugar con esta obra maestra

formo parte de una expedición al desierto del sáhara

solo llevo un polvorón y una bolsa con agua

yo soy lawrence de arabia y no tengo miedo de la trampa

no hay camella que se me resistan soy primera plana en todas las revistas

hemos llegado al oasis repletito de moros

mataremos cinco o seis y beberemos un poco

yo soy lawrence de arabia y sé que el agua está envenenada

No te puedo besar

Es una ingenua canción de colegio cantada en esta ocasión por Javier Molina, batería del grupo, es el colmo de la ñoñería, pero es que esto triunfaba en los años 80, ni es pecado ni es talento.

Sin ti

Para el último tema del disco se decidieron por hacer una versión del clásico “Reality” popularizada por Richard Sanderson, otro tema que no pasara a la historia pero que mejora a su predecesora

Historia del rock and roll: 6.- Elvis Presley (parte I)

Elvis Aaron Presley  conocido también por el sobrenombre de Rey del Rock, fue un artista que se convirtió en el icono de la música popular del siglo XX.  La singularidad de su nombre, permite que usualmente se le llame Elvis, aunque sus simpatizantes lo denominan simplemente como El Rey. Hijo de Vernon Elvis Presley y Gladys Presley, fue fruto de un embarazo de mellizos, aunque su hermano, Jesse Aaron Presley, murió al nacer. Como hijo único, Presley creció muy cercano a sus padres, formando un gran vínculo con su madre. La familia asistía a la iglesia Assembly of God, donde encontró su inspiración musical inicial.

Tuvo una infancia dura y difícil en su pueblo natal, Tupelo, ya que su padre cambiaba continuamente de trabajo, a menudo, la familia dependía de la ayuda de los vecinos y la asistencia alimentaria del gobierno. En septiembre de 1941, Presley entró en el primer grado en East Tupelo, donde sus profesores lo consideraban como "normal".
En el concurso, celebrado en el Mississippi-Alabama Fair and Dairy Show, el 3 de octubre de 1945, se vio su primera actuación en público: vestido de cowboy, a sus diez años de edad, apenas alcanzaba el micrófono sentado, cantó "Old Shep". Meses después, su padre le compró su primera guitarra como regalo de cumpleaños. Él deseaba una bicicleta considerablemente más cara. Durante el año siguiente, recibió clases de guitarra básica de dos de sus tíos y el nuevo párroco de la iglesia de la familia. Aunque un año después empezó a llevar su guitarra a todas partes y dar hasta un recital al aire libre.



El 18 de Julio de 1954 realizaría su primara grabación autofinanciada, titulada "My hapinness" el personal de los estudios queda encantado con la canción y y le ofrece un contrato discográfico a pesar que el tema no era mas que una especie de regalo que le hizo a su madre con la que estaba muy unido. Elvis pago 4 dolares. Pero un año después grabó "That's all right mama", y esta canción si consiguió dar a conocer a Elvis Presley, esta es quizás una de sus mejores canciones. Después de intentar que le contratara la discográfica Sun Records, pero el repertorio elegido no era del gusto de la discográfica hasta toco la canción antes mencionada, junto con el tema "Blue Moon". El disjockey de una emisora local quedo encantado con el disco y decidio emitirlo en su programa una y otra vez creando un entusiasmo inusual entre los oyentes, provocando que se multiplicaran las ventas del disco. Otro de los temas que triunfaron en su primera época fue "You're a Heartbreaker".

Pero quizas el tema que le puso en boca de toda la población de Estados Unidos fue lanzado el 20 de Agosto de 1955 y llevaba por titulo "Mistery Train" donde Elvis versionaba la cancion de Junior Parker y llegó al número 11 en el Billboard Country Chart nacional.

En 1956 Elvis ya era un fenómeno de masas en los estados del sur, y el siguiente paso fue el cambio a una gran compañía y fue Tom Parker fue quien le llevó a RCA Records. Introdujo un nuevo look en el cantante, adquiriendo una nueva forma de cantar y sobre presentando un estilo de moverse que amenazaba con ser un escándalo en la puritana America de la época. Las primeras grabaciones fueron en Enero de 1956 lanzando las canciones "I got a woman" y "Heartbreak Hotel" otra de las grandes canciones del comienzo del artista.
En Abril de 1956 publicaría su primer Lp, que llevaria por titulo Elvis Presley, donde recopilaba canciones grabadas en Sun y nuevo material grabado para la RCA, incluyendo el "Tutti Frutti" de Little Richard o  "Blue Suede Shoes" de Carl Perkins en el primer mes grabaron 360.000 copias, un autentico hito en la época y el triple de lo que vendían las estrellas de la época.
Fue en esta epoca cuando se lanzo a Hollywood, donde realizaría diversas películas, la primera de ellas fue "Love me tender", y fue la excusa perfecta para poner la maquinaria de Elvis en marcha y sacar la canción del mismo titulo, una tremenda balada, genero que enriqueció la voz de Elvis con su particular estilo de recitar. La canción está basada en una pieza clásica de 1861 llamada "Aura Lee". Ese mismo año lanzo "Don't Be Cruel" es una canción escrita por Otis Blackwell, considerada actualmente la 92ª mejor canción de todos los tiempos. También lanzo "Hound Dog" que ha permanecido como una de las iconicas canciones del artista.

En 1957 y ya subido en la cresta del éxito de la música y del cine otra de sus canciones tendría correspondencia en el cine, fue "Jailhouse Rock", una canción pop muy pegadiza con elementos de blues. La película es considerada una de las mejores obras y es famosa por la escena en la que Elvis interpreta esta canción en un elaborado número de baile que tiene lugar en la cárcel. En febrero de 1957 fue numero uno con el tema "Too Much" y en Marzo de 1957 volvería al top con "All Shook Up" otro brillante éxito que apuntarse, realmente estaba viviendo una época plagada de éxito, truncado ligeramente porque tuvo que incorporarse al servicio militar y destinado a una base Americana en Alemania, si bien su música seguía sonando y en Marzo 1958 lanzó "A Fool Such As I", temas que había dejado previamente grabados a su incorporación militar.

Canciones que nos emocionan: Since I've Been Loving You, Led Zeppelin



Led Zeppelin

   

     No podía faltar en esta sección un tema de una banda como Led Zeppelin, una de las más grandes en la historia del rock. Para ello nos vamos a centrar en su tercer álbum de estudio, llamado Led Zeppelin III.

     Cuando Robert Plant (vocalista), Jimmy Page (guitarra), John Paul Jones (bajo) y John Bonham (batería) publican bajo la compañía Atlantic Records el disco Led Zeppelin III, lo hacen presentándolo como una evolución de su sonido, apostando por sonidos folk y acústicos que si bien ya estaban presentes en sus dos anteriores discos ahora intensifican perdiendo peso en el disco ese sonido rockero que les caracterizaba y que tanto gustaba a los fans. Este hecho no pasó desapercibido en un principio, pues tanto fans como la crítica mostraron bastante indiferencia y desinterés por este disco.

Pero con este disco los chicos de Led Zeppelin dejaron algo muy claro, que no eran una banda convencional y que eran capaces de moverse entre géneros y estilos completamente diferentes al rock y además hacerlo de forma magistral. De hecho con el tiempo este disco pasó a tener el merecido reconocimiento por este hecho.

     El hecho de que Led Zeppelin fuera tan criticado no sentó muy bien en el seno del grupo, y por eso su siguiente álbum de estudio, en su edición original deciden publicarlo sin título y en la portada aparecen cuatro extraños símbolos, de los cuáles cada uno identifica a un miembro del grupo. Este disco en un principio se conocía como Untitled, pero la gente por defecto acabaría llamándolo Led Zeppelin IV.

     Pero volvamos al disco Led Zeppelin III, un disco que con el tiempo obtuvo el reconocimiento que se merece, y que contiene un material exquisito. Hace muchos años ya que me hice con una copia de este disco y que conservo con gran cariño. Recuerdo que recién adquirido fui corriendo a casa a ponerlo inmediatamente, y al llegar al cuarto corte de la cara A me quedé helado, sin respiración, sonaba Sincé I've Been Loving You, Esos primeros acordes de Page acompañados por el bombo de Bonham me dejaron marcado, aquel tema me pareció maravilloso, de hecho a día de hoy cada vez que lo escucho me viene a la mente la primera vez que lo escuché.

Workin' from seven to eleven every night
It really makes life a drag
I don't think that's right
I've really been the best of fools
I did what I could, yeah
'Cause I love you, baby
How I love you, darling
How I love you, baby
My beloved little girl, little girl
But baby, since I've been loving you, yeah
I'm about to lose my worried mind, oh yeah

Everybody trying to tell me
That you didn't mean me no good
I've been trying, Lord, let me tell you
Let me tell you I really did the best I could
I've been working from seven to eleven every night
I said it kinda makes my life a drag
Lord, that ain't right, no no
Since I've been loving you
I'm about to lose my worried mind
Watch out

Said I've been crying, yeah
Oh, my tears they fell like rain
Don't you…

Said I've been crying, yeah
Oh, my tears they fell like rain
Don't you hear, don't you hear them falling
Don't you hear, don't you hear them falling

Do you remember, mama, when I knocked upon your door?
I said you had the nerve to tell me
You didn't want me no more, yeah
I open my front door, hear my back door slam
You know, you must have one of them new fangled
New fangled back door man

I've been working from seven, seven, seven to eleven every night
It kinda makes my life a drag, a drag, drag
Ah, yeah, it makes a drag
Baby, since I've been loving you
I'm about to lose
I'm about to lose, lose my worried mind
Just one more, just one more, oh yeah
Since I've been loving you, I'm about to lose my worried mind

     Since I've Bee Loving You fue un tema compuesto un año antes, en 1969, y fue concebido para formar parte del álbum Led Zeppelin II, pero al final éste se quedó fuera y ocupó su lugar Whole Lotta Love. El tema en cuestión había sido tocado por el grupo en sus actuaciones en directo, pero según Jimmy Page éste era un tema muy difícil de grabar, pues les supuso bastantes problemas tanto en la parte vocal como en la musical.

     El tema se grabó en vivo en los Island Estudios de Londres (excepto la parte vocal de Robert Plant), y en dicha grabación John Paul Jones se encargó de tocar el órgano hammond y los llamados bass pedals para el bajo. Otra curiosidad es como podemos escuchar durante el tema el chirrido del pedal de la batería de Bonham

A pesar de ser un tema que ya habían tocado previamente, a la hora de grabar en el estudio a Jimmy Page se le atragantaba el sólo de guitarra, y después de varios intentos fallidos decidió parar y tomarse un descanso, pues no le salía lo que estaba buscando, y se sentó en el estudio pero ya fuera de la zona de grabación, y fue entonces cuando vio un viejo amplificador desenchufado por allí tirado, entonces lo tuvo claro, ese fue el amplificador que uso para la grabación y el resultado fue ese maravilloso sólo de guitarra con el que nos deleita en este pedazo de blues.