domingo, 31 de octubre de 2021

0304 Over Under Sideways Down - The Yardbirds

 

Over Under Sideways Down, The Yardbirds


     El 15 de julio de 1966, el grupo británico The Yardbirds publica su tercer álbum de estudio, bajo el título Roger the Engineer en Reino Unido, y bajo el título Over Under Sideways Down en Estados Unidos, Francia, Alemania e Italia. El disco es grabado entre los meses de abril y junio de 1966 en los estudios Advision de Londres bajo la producción de Simon Napier-Bell y Paul Samwell-Smith, y publicado bajo el sello discográfico Columbia Records. El disco alcanzó el puesto número 20 en las listas de éxitos del Reino Unido y el número 52 en las listas Billboard 200 de Estados Unidos, convirtiéndolo en el disco más exitoso de la banda hasta la fecha.

Incluido en Roger the Engineer se encuentra Over Under Sideways Down, tema que sirvió para titular el álbum en países como Francia, Alemania, Italia y Estados Unidos como hemos comentado anteriormente. La canción fue lanzada como primer sencillo del disco el 27 de mayo de 1966, y la revista Rolling Stone la clasificó en el puesto número 23 de su lista de las 100 mejores canciones de guitarra de todos los tiempos

Según el baterista Jim McCarthy, para la composición del tema se inspiraron en Rock Around the Clock, de Bill Haley and His Comets. El grupo había escuchado la canción en la radio después de un concierto creían que podían adaptarla a su estilo. En una sesión de grabación Jeff Beck empezó a tocar la línea de bajo de la canción, y poco después el grupo ya estaba trabajando en la adaptación y los arreglos del tema. En cuanto a la temática de la canción trata sobre lo que para el grupo, en plena juventud, era pasar un buen rato en los 60, como gastarse el sueldo en aquella época, coches, chicas, salir a beber, fumar, y pasarlo bien. Según McCarthy el tema trataba de los excesos y de la decadencia que aquello suponía en realidad.

sábado, 30 de octubre de 2021

0303: I put a spell on you - The Animals


I Put a Spell on You es una canción mágica ya desde su título ("Te hechicé"), y su embrujo te lleva desde lo que comienza como una balada sobre el amor perdido hasta el paroxismo rockero del amante despechado, que reclama violentamente lo que ya no puede tener. Ya en su origen, la canción compuesta e interpretada por Screamin' Jay Hawkins en 1956 hizo ese camino "in crescendo", ya que estaba planteada como balada de blues, pero la sesión de grabación desembocó en una fiesta de alcohol que acabó derivando hacia una interpretación mucho más salvaje del tema.

Diez años después, y como no hay nada más salvaje que un animal, los Animals versionaron la canción de Hawkins para su disco Animalisms (Animalismos). El grupo británico, que había alcanzado la fama con temas como The house of the rising sun o Don't let me be misunderstood, había sufrido varios cambios en su formación original, y los miembros que permanecieron tenían la sensación de estarse volviendo demasiado comerciales. La consecuencia fue la ruptura con EMI, para embarcarse ese mismo año 1966 en un contrato discográfico con MGM (para Estados Unidos y Canadá) y Decca Records (para el resto del mundo), con los que editaron el que sería su último disco como The Animals.

Como si de un cruel hechizo se tratase, The Animals se disolvieron poco después, en medio del caos financiero y las desavenencias internas, dejando para la historia esta paradójica versión de un lamento sobre lo que un día se tuvo y se escapó entre los dedos. Una vez más, y como por arte de magia, la balada blues se convirtió en una explosión de furia animal, que se llevó por delante a Eric Burdon y Cía, los únicos capaces de hechizarnos y, acto seguido, dilapidarse en un puro y salvaje ejercicio de animalismo.

viernes, 29 de octubre de 2021

0302 You Can't Hurry Love - The Supremes


0302 You Can't Hurry Love - The Supremes 

"You Can't Hurry Love" es una canción de 1966 grabada originalmente por The Supremes por el sello Motown. Y otro éxito de The Supremes.
Esta canción fue escrita y producida por el equipo de producción del sello discográfico Motown, por Holland-Dozier-Holland, como nos tenía acostumbrados The Supremes logró con la canción alcanzar el primer puesto en la lista de singles pop del Billboard de los Estados Unidos, se situó en el top 5 del Reino Unido y en el top 10 de la lista de singles de Australia. Se publicó y alcanzó su punto máximo a finales del verano y principios del otoño de 1966. 

El éxito de la canción hizo que dieciséis años después, se convertiría en un número uno en el Reino Unido cuando Phil Collins volvió a grabar la canción. Llegó al número uno en la lista de singles del Reino Unido durante dos semanas a partir de enero de 1983 y alcanzó el número 10 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos ese mismo mes.

Billboard incluyó la canción en el número 19 de su lista de las 100 mejores canciones de grupos femeninos de todos los tiempos. La BBC situó "You Can't Hurry Love" en el número 16 de la lista The Top 100 Digital Motown Chart, que se basa únicamente en las descargas y transmisiones de todos los tiempos de los lanzamientos de Motown en el Reino Unido. "You Can't Hurry Love" fue el segundo sencillo del álbum de The Supremes. 

La canción, es un recuerdo de las palabras de aliento de una madre ("Mi mamá decía 'no puedes apurar el amor/Sólo tienes que esperar'") que le decía a su hija que con paciencia encontraría a esa persona especial algún día, es un ejemplo de la fuerte influencia de la música gospel presente en gran parte de la música R&B y soul. "You Can't Hurry Love" se inspiró y se basó parcialmente en "(You Can't Hurry God) He's Right on Time" ("No puedes apresurar a Dios/Sólo tienes que esperar/Confía y dale tiempo/Sin importar el tiempo que tome"), una canción gospel de los años 50 escrita por Dorothy Love Coates de The Original Gospel Harmonettes.

The Supremes alcanzó el número uno en la lista de pop Billboard Hot 100 en Estados Unidos, y el número tres en el Reino Unido. La versión de The Supremes ha sido incluida en la colección permanente del Salón de la Fama del Rock and Roll de las 500 canciones que dieron forma al rock and roll.

Daniel 
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Disco de la semana 247: Power, Corruption & Lies - New Order

 




New Order es una de las grandes bandas de la historia, e incluso en los discos más flojos podemos encontrar cosas por las que hay merecido escuchar el álbum por encima de todos su tuviera que quedarme con uno solo me decanto por Power, Corruption & Lies. Descubrí este disco hace un año, fue uno de los primeros de la ronda que estoy haciendo de #Los4000de7d7N (fue la parada 17 de las 4000) y me enamoré instantáneamente. Cada canción de este álbum es un descubrimiento, los sonidos únicos de este álbum lo convirtieron en un álbum esencial en el género synthpop, al tiempo que conserva las influencias del rock de Joy Division y los primeros trabajos de New Order. Comparado con el álbum debut del grupo, Movement, este es un gran salto.

El álbum comienza maravillosamente con Age of consent y una línea de bajo de Peter Hook unida por guitarras tintineantes y un sintetizador bajo. Esta canción habla del amor y el desamor, la canción se vuelve más fluida canta "Te he perdido, te he perdido" repetidamente. Esta canción, como muchas pistas del álbum, no tiene coro, sino lo que se denomina un coro instrumental, mientras que la guitarra y el bajo permanecen igual, Gillian toca una melodía de sintetizador agudo que simplemente te engancha a la cancion, y entre tantas alabanzas a los instrumentos no olvidemos a Stephen y su gran trabajo de batería en esta canción, que es increíblemente rápida y bien sincronizada. Age of Consent es un buen comienzo para el álbum, aunque es muy diferente de muchas de las otras pistas del álbum. Tiene un estado de ánimo feliz pero triste al mismo tiempo, casi melancólico. We all stand es un pequeño bajonazo, una canción de ritmo más lento y mucho oscura que Age of Consent, parece un tema fuera del álbum, además es una canción difícil de interpretar, aunque tiene referencias a los soldados y una playa ensangrentada. Con una instrumentación más pobre, el canto de Bernard aumenta en algunos puntos y eso es quizás lo más destacable. Con The Village nos cambian de nuevo el paso y nos entregan una canción pop alegre, un sintetizador brillante inicia la pista con un ritmo de baile, junto a Hooky en su bajo, la pista comienza y te envuelve como un cálido abrazo. 5 8 6 empieza demasiado tranquila, casi no hay música durante el primer minuto, una caja de ritmos, sintetizadores funky y una línea de bajo oscura después de aproximadamente un minuto y medio, todo se detiene y aparece un ritmo más energético y bailable, con un ritmo que te atrapa y es que instrumentalmente, esta pista es bastante interesante, y nos puede recordar al legendario single Blue Monday del grupo, esta es una de las canciones más interesantes del álbum para mí, ya que las letras son en gran parte un misterio.

La segunda parte del álbum empieza más tranquila con Your Silent Face, reproducida con un tempo mucho más lento, esta canción crea un ambiente diferente al de muchas de las otras pistas del álbum. La pista comienza con un patrón de sintetizador más lento con una fuerte reverberación, se une a un sintetizador que toca una hermosa sección de cuerdas que crea el ambiente para toda la pista, finalmente, una melódica interpretada por Bernard. Aunque la canción no es triste, tiene una energía muy melancólica con hermosas cuerdas de sintetizador y el bajo de Hooky, así como el elemento más importante del tema, la melodía. Ultraviolence abre con un ritmo de baile y una línea de bajo de sintetizador funky, es otra de las canciones oscuras de PC&L, tanto lírica como instrumentalmente, he leído en varios sitios que esta podría ser una de las peores canciones de New Order, no estoy de acuerdo, más bien me parece que está bastante subestimadas de New Order, sabemos que la instrumentación de esta canción, aunque repetitiva, es muy interesante. Hay muchos sonidos y ritmos de batería diferentes que mantienen la canción en movimiento. La línea de bajo de Hooky también es bastante interesante y Bernard se une a la pista tocando la guitarra. 

Ecstacy es bastante similar a Ultraviolence, aunque se hace menos cargante los sintetizadores de la pista suenan muy extraños, empezando porque la canción abre con una línea de bajo de sintetizador oscilante y un bombo junto con algunos otros efectos antes de cambiar a un ritmo disco. Esta canción me trasmite cierta sensación de estar drogado o con algún tipo de droga alucinógena, tal vez LSD. Las voces codificadas por voz pueden representar confusión y alucinaciones como si mientras estás drogado con este tipo de droga. Cierra el álbum con Leave Me Alone es una canción post-punk melancólica que oscila entre la felicidad y la tristeza, a menudo es citada como la mejor pista del álbum, es una pista muy relajante que sirve como una buena despedida final para este maravilloso disco, a diferencia de las otras canciones del álbum, esta pista no cuenta con sintetizadores y se maneja principalmente con la guitarra.

 

jueves, 28 de octubre de 2021

0301: Land of 1000 dances - Wilson Pickett


El single Land of 1000 dances de Wilson Pickett fue todo un éxito de 1966, y aunque no era una grabación original, se convirtió en la versión más inmortal de este tema. Curiosamente, una de las partes de la canción que más culpa tuvo en el éxito de la versión de Pickett (el famoso “naaa, nanananaaaa, nanananaaaa, nanana, nananaaaa, nanananaaaaaaaa”) no estaba presente en la primera versión de la canción, lanzada por el músico de Nueva Orleans Chris Kenner en 1962. Kenner quiso que fuera Fats Domino el intérprete de su canción, y éste aceptó a cambio de aparecer como compositor y recibir la mitad de los derechos de autor. Pese al nivel del cantante elegido, aquel primer Land of 1000 dances no tuvo ningún éxito.

La segunda versión del tema corrió a cargo de los rockeros Cannibal And The Headhunters, llegando hasta el número 30 de las listas estadounidenses. ¿Y qué aparecía en esta canción, que no estaba en la versión original, y que hizo del tema un éxito?  Pues precisamente los famosos "naaa, nanananaaaa, nanananaaaa, nanana, nananaaaa, nanananaaaaaaaa” aparecieron por primera vez. Lo curioso es que su presencia no fue una premeditada aportación de los integrantes del grupo de Los Angeles sino que, simple y llanamente, al cantante se le olvidó la letra, e improvisó tarareando.

La canción se hizo bastante popular en el circuito de bares y a nivel local, hasta llegar a manos de Wilson Pickett, que 1000 danzas después de la canción de Kenner y Domino, grabó una nueva versión con tarareo incluido. Su Land of 1000 dances arrasó en las listas hasta llegar al nº 1 de R&B. Su éxito y relevancia llegan hasta nuestros días, y el mítico tema ha sido interpretado por artistas como Ted Nugent, y sampleado por Devo o Public Enemy, además de haber puesto ritmo a películas como Forrest Gump o Full Monty.

miércoles, 27 de octubre de 2021

0300.- This old heart of mine - The Isley Brothers

 


The Isley brothers llevaban una carrera con algún que otro éxito durante 6 años de carrera que llevaban con el sello RCA, su comienzo fue fulgurante con canciones como “Shout” o una gran versión de “Twist and shout”, pero el éxito se estaba desvaneciendo y sus últimos sencillos apenas tenían repercusión, aunque hubieran renunciado a su estilo original y cantaran temas más parecidos a The Beatles y la ola Britanica que estaba arrasando con todos, el éxito se les resistia. 1966 sería un punto de inflexión, cansados de que RCA no fuera capaz de ayudarles en su vuelta al éxito, rompen con su compañía de siempre y firman con MOTOWN, que ya tenía en su catálogo a distintas estrellas de la música negra.

 

Uno de los primeros temas que les cedieron fue este “This old heart of mine” que en un principio había sido escrita para el grupo femenino THE SUPREMES, (más tarde grabarían su propia versión). Este tema se convertiría en el único éxito del grupo a su paso por el sello Motown y es que estamos ante una de esas canciones de Motown con una melodía alegre pero letras desgarradoras sobre un chico que está devastado por la pérdida de su chica. El pobre no puede seguir adelante, y como el cantante de " Ain't Too Proud To Beg ", ha abandonado su orgullo: "Si me dejas cien veces, cien veces te llevaré de regreso. soy tuyo siempre que me quieras ". El sentimiento de angustia que se palpa en la forma de cantar le da  una dimensión completamente nueva a la canción, los anhelos emocionales expresados ​​en las letras se hacen aún más intensos por la forma en que se trasmiten, y es quwe esa angustia agridulce había sido uno de los puntos fuertes en la larga carrera de The Isley Brothers antes de firmar con Motown, un aprendizaje que tenía sus raíces en música gospel negra, complomentado por doo-wop y rock'n'roll temprano, por lo que esos matices musicales se incorporan sutilmente en las actuaciones, con un gran efecto positivo. La unión de los talentos vocales individuales de The Isley Brothers, combinado con el sonido altamente distintivo de Motown y el posicionamiento de la compañía, debería haber garantizado un éxito masivo durante la permanencia del grupo en el sello, pero no iba a ser asi, las interpretaciones de los Isley Brothers de estas canciones, canciones que originalmente eran solo poptunes muy bailables para los adolescentes de la década de 1960, las transformaban en algo mucho más maduro, más adulto, algo que quizás era demasiado sofisticado para los adolescentes, audiencia principal de Motown. Así que la banda y el sello pronto se separaron, y debido a que Motown se percibía más como una fábrica de sencillos de éxito, en lugar de un sello de álbumes, este lanzamiento se convirtió en una especie de clásico perdido, una variante 'progresiva' del sonido de Motown, que desafortunadamente nunca tuvo ninguna posibilidad realista de ser reconocido como tal en el momento de su lanzamiento.

Rod Stewart, un gran fan de Motown y The Isley Brothers, grabó su propia versión en 1975 y la lanzó como single. Su interpretación fue un gran éxito en el Reino Unido, subiendo al n. ° 4, pero solo llegó al n. ° 83 en Estados Unidos. Lo hizo mucho mejor en Estados Unidos cuando grabó la canción a dúo con Ronald Isley en 1989. Esta versión llegó al número 10 en los Estados Unidos.

La música en historias: On the Night - #MesDireStraits


On the Night - Dire Straits #mesDireStraits 

Amigos en este mes de Dire Straits, vamos a recordar un álbum de esta banda británica, que será su segundo disco en vivo, estamos hablando de On the Night, que fue lanzado en el año 1993.

La banda en un principio los diseño para que se lanzará en un disco doble, pero a fin de cuentas la idea fue descartada y se publicó solo un disco, el motivo de porque no fuera así era para que no compitiera con el disco Alchemy, su primer álbum en vivo grabado. 

Este disco en vivo On the Night incluirá los éxitos más notables de la última época del grupo, incluyendo "Walk of Life" y "Money for Nothing", no se sabría  entonces, pero ese año de 1993 fue el año en la que Dire Straits entraría en la lista de éxitos del Reino Unido con un nuevo álbum por última vez. 

El disco On The Night, era un recuerdo de la enorme gira de 216 fechas de 1991-92 en apoyo de lo que resultó ser su último lanzamiento de estudio, On Every Street.

La gira comenzó en Dublín en agosto de 1991, al principio de una etapa europea que se prolongó hasta mediados de octubre. El itinerario era tan grande que Dire Straits volvió a Europa para una segunda gira inmensa, desde la primavera de 1992 hasta la conclusión de la gira en octubre. Entre medias, realizaron extensas giras en Australia y Nueva Zelanda, y luego en Norteamérica.

On The Night constaba de dos compromisos, uno de cada etapa europea, el primero fue el de tres noches en el Ahoy Stadium de Rotterdam, Holanda, y el segundo un trío de actuaciones en Les Arènes en Nimes, Francia.

Llegando nueve años después de su primer álbum en vivo, Alchemy, el nuevo disco reflejaba la elevación de Dire Straits en el ínterin a la realeza del rock de estadios y arenas, por mucho que Mark Knopfler estuviera, a estas alturas, desilusionado con las expectativas de los incesantes conciertos a tan inmensa escala.

On The Night presentaba dos de las canciones que habían formado parte de su aparición, y del conjunto Alchemy, "Romeo and Juliet" y "Private Investigations". También ofreció versiones en directo de nada menos que cuatro piezas del multimillonario álbum Brothers In Arms. Apareció un cuarteto de canciones de On Every Street, incluyendo los singles "Calling Elvis" y "Heavy Fuel".

El álbum entró en la lista de éxitos del Reino Unido en su posición más alta, el número 4. Su trayectoria, sorprendentemente corta, sólo incluyó una semana más en el Top 20 y cinco en total en el Top 40. Su carrera en EE.UU., que comenzó una semana más tarde, también se limitó a cinco semanas y a un número 116. Pero On The Night alcanzó el Top 5 en Suiza y Nueva Zelanda y llegó al Nº 1 en uno de los países en los que se grabó, Holanda.

Daniel
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martes, 26 de octubre de 2021

0299 Hideaway - John Mayall and the Bluesbreakers

0299 Hideaway - John Mayall with Eric Clapton 

En el año 1963, Eric Clapton le fue presentada la canción "Hide Away" junto al lado B del single "I Love the Woman" por su compañero de banda Tom McGuinness de The Yardbirds. Más tarde, en 1966, grabó "Hideaway" junto a John Mayall y sus Bluesbreakers para el álbum John Mayall Blues Breakers con Eric Clapton. 

La versión siguió al original, pero con un arreglo de sección rítmica más jazzero y el toque a la guitarra de Clapton, incluyendo un riff al más puro estilo de Elmore James. La sección "Tema de Peter Gunn" se abandonó en favor de una versión flexible de "Paseo del elefante bebé".

El álbum fue popular en Inglaterra, donde alcanzó el número seis en la Lista de álbumes del Reino Unido. Clapton lo llamó "el álbum innovador que realmente llamó la atención de la gente sobre mi forma de tocar" y donde desarrolló su estilo de sonido saturado de su Guitarra Les Paul. 

En 1995,  el Salón de la Fama del Rock and Roll identificó "Hide Away" como una de las "500 canciones que dieron forma al rock and roll". La canción recibió un Premio Grammy Hall of Fame en 1999 y en 2007 fue incluido en el Fundación Blues Salón de la Fama. En una reseña de canciones para Toda la música, Bill Dahl comentó: "Ninguna banda de blues respetable se atrevería a subir a un escenario sin tener 'Hideaway' en su arsenal como su principal canción de break instrumental. Tan conmovedoramente reconocible es su ritmo galopante y su melodía punzante que ha reinado como el blues establecido -más cerca durante varias décadas. " Agregó que el atractivo del instrumental iba más allá del blues y a menudo lo interpretaban bandas de surf.

Daniel 
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Grandes éxitos y tropiezos: Billy Idol


Con Grandes éxitos y tropiezos iniciamos una nueva sección en 7días7notas, en las que os ayudaremos a elegir los mejores discos de los grupos y artistas más relevantes de la historia de la música, casi como si os estuviéramos acompañando en una de esas viejas tiendas de discos de segunda mano, esas pequeñas y escondidas anomalías que aún pueden encontrarse dentro del Matrix en el que se está convirtiendo este mundo en el que vivimos. Para esta primera visita a nuestra imaginaria tienda virtual, hemos pensado en buscar discos de una figura clave de la MTV y el punk rock comercial de los 80. Hablamos de William Michael Albert Broad, más conocido como Billy Idol ¿Qué discos suyos deberíamos comprar? ¿Cuáles deberíamos evitar? En esta sección te haremos siempre estas recomendaciones:

Estás tardando en comprarlo:

Cualquiera de sus primeros discos encajaría en esta sección, empezando por "Billy Idol", su debut de 1981, con hits memorables como White Wedding o Hot in the City, o la brillante continuación que supuso "Rebel Yell" (1984) con canciones como Eyes without a face o la propia Rebel Yell. Pero si tenemos que decidirnos por un disco que, sí o sí, estáis tardando en comprarlo, ese sería sin duda ​ "Charmed Life" (1990), que combina a la perfección la fórmula de punk rock comercial de discos anteriores, con un claro paso adelante en madurez artística. Temas como Cradle of love, Pumping of Steel, Prodigal Son y la impactante versión del L.A Woman de The Doors le sitúan en el punto más alto de su carrera.​

Si te queda pasta, llévate también:

Con Charmed Life bajo el brazo, si os queda presupuesto podéis optar por alguno de los otros mencionados en la anterior sección, pero nuestra recomendación sería que te llevaras su disco de 1986 "Whiplash Smile". Los otros son grandes discos, pero también obras más dispersas y con algunos temas de evidente relleno. Eso no ocurre en Whiplash Smile, que aunque tenga menos temas conocidos por el gran público, es un disco sin fisuras y cuidada producción de principio a fin, y canciones como World's forgotten boy, To Be a Lover o Don't Need a Gun os harán saltar del asiento y practicar el air guitar al rimo enloquecido que marca Steve Stevens, su fiel guitarrista durante toda su carrera en solitario. En este capítulo también entrarían discos más recientes, Devil's playground (2005) y Kings & Queens of the underground (2014), ambos grandes discos en los que demuestra que, pese al largo período de inactividad que les precede, sigue estando en plena forma y con cosas que aportar.

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Si tenéis Cyberpunk (1993) entre las manos, os aconsejamos que volváis a dejarlo donde estaba, y os dirijáis al mostrador de la tienda a pagar los otros discos, antes de caer en la tentación de llevároslo. El disco con el que Idol pretendía abanderar la llegada de un nuevo estilo de "punk cibernético" se quedó en un puñado de flojas canciones con pretenciosos arreglos disco, techno y new age con el que se pegó el mayor resbalón de su carrera. El potente single Shock to the system prometía algo mucho mejor que lo que el disco después ofrecía, y junto a, quizá, Wasteland o Love labours on, es de lo poco que se salva de la quema.

Si lo que buscas son canciones sueltas:

Estas son las cinco canciones top que no pueden faltar en tu colección o en tu playlist:

1- Rebel Yell

2- White Wedding

3- Dancing with myself

4- Speed

5- Shock to the System

lunes, 25 de octubre de 2021

0298 All Your Love - John Mayall and the Bluesbreakers

 

All Your Love, John Mayall 


     En 1966 aparece en escena el cantante, guitarrista, organista y compositor de blues inglés John Mayall. En julio de 1966, el británico, junto a su banda John Mayall & the Bluesbreakers, publica bajo el sello discográfio Decca Records en Inglaterra y el sello London Records en Estados Unidos, el disco llamado Blues Breakers With Eric Clapton, también conocido como The Beano Album. El álbum es conocido como The beano Album debido a la fotografía de la portada, donde aparece Eric Clapton leyendo The Beano, un conocido cómic infantil británico.

Después del lanzamiento del primer álbum de Mayall, el directo John Mayall Plays With John Mayall, Eric Clapton se une al grupo como guitarrista principal, de ahí el título del disco. Mayall originalmente tenía la intención de que éste, su segundo álbum, fuera también en vivo para poder capturar los solos de guitarra de Clapton. Una parte fue grabada en el Flamingo Club, ubicado en el Soho, Londres, con Jack Bruce al bajo, pero éstas eran de mala calidad y no se llegaron a utilizar, si bien una de los temas grabados allí, la canción Stormy Monday fue utilizado en el disco de John Mayall en 1969.

Blues Breakers With Eric Clapton contine versiones de conocidos artistas como Otis Rish, Freddie King o Robert Johnson, y temas escritos y compuestos por Mayall y Clapton. El disco supuso un éxito comercial y obtuvo muy buenas reseñas por parte de la crítica especializada. Incluido en este álbum se encuentra el tema All Your Love, todo un cásico, también conocido como All Your Love (I Miss Loving), un estándar de blues de doce compases con influencias rítimicas afrocubanas compuesto por Otis Rush en 1958. Para componer este tema, el cual influirá en el futuro multitud de temas poteriores, Otis Rush se basó en Lucky Lou, un tema instrumetal de 1957 del guitarrista de blues Jody Williams, del cual tomó prestadas arreglos y líneas de guitarra. 

La música en historias: On Every Street #MesDireStraits


"Tiene que haber un registro tuyo en algún lugar. Tienes que estar en los libros de alguien. La verdad, una foto de tu rostro, tu mirada herida. Lo sagrado y lo profano, el placer y el dolor. En algún lugar, tus huellas dactilares siguen siendo concretas. Y es tu cara la que busco en cada calle"

Analizando la letra de On every street, la canción que daba título al que sería último disco de la banda liderada por Mark Knopfler, es imposible preguntarse por lo que verdaderamente andaba buscando el genial guitarrista de la cinta en el pelo. ¿Era una mujer o, por el contrario, era su propio rostro el que estaba buscando, en una crisis de identidad que le llevó a plantearse buscar otros caminos en solitario?  

Knopfler ya había dado inquietantes muestras de andar explorando otros caminos por separado, como su disco con The Notting Hillbillies, o el trabajo a dúo con Chet Atkins, o su cada vez más habitual firma en bandas sonoras como La princesa prometida o Last exit to Brooklyn, pero todo se desencadenó cuando, tras una extenuante gira mundial y con el alto listón de reconocimiento y ventas de discos anteriores, la apuesta por el entonces nuevo disco de Dire Straits no terminó de convencer a los críticos especializados y a sus seguidores más fieles.

Y eso que hablamos de un gran disco, que vendió también lo suyo, y fue nº 1 en varios países europeos (incluyendo España) y que contiene piezas tan exultantes en instrumentación y oficio como Calling Elvis, todo un curso avanzado del mejor rock en el arranque del álbum, y el primer single con el que intentaron llegar a cada calle y oídos del mundo. Todo un homenaje a Elvis Presley, que en directo alargaban hasta los diez minutos con toda la banda luciéndose en largos solos. 

El disco continúa con On every street, la canción titular, que habría lucido más como portentoso cierre del disco. Un tema portentoso que va creciendo desde una primera parte de balada lenta de piano y voz, con arreglos de clarinete y guitarra, hasta llegar al desarrollo final en el que la banda coge ritmo y la guitarra de Knopfler despega hacia el cielo cual dron recorriendo todas las calles de la ciudad. La paleta de colores y estilos del disco refleja también la inquietud existencial y musical en la que Knopfler se estaba moviendo, y el sofisticado y elegante country rock de When it comes to you es el siguiente ejemplo, con tramos que recuerdan a grandes momentos de sus primeros discos.

La cosa no queda ahí, porque en Fade to black la banda pisa el freno y se adentra en terrenos jazzísticos, y hasta el registro vocal de Knopfler cambia de manera tan brillante como sorprendente. A continuación, llega el ritmo alegre y juguetón de The Bug, inevitable single por su ritmo rockabilly y su poderoso estribillo. Un tema 100% Dire Straits y a la altura de sus mejores temas de antaño, que habría merecido un lugar más destacado dentro de la secuenciación del álbum, en lugar de quedar algo perdido en el final de la primera cara, como antesala de You and your friend, una balada correcta con la que cierran la primera parte del disco, y que tiene como parte más destacable un buen duelo de guitarras entrelazadas.

La cara B abre con Heavy fuel, de intensidad rockera y, de nuevo, certero estribillo marca de la casa, y un ritmo que recuerda al Money for nothing del aclamado Brothers in Arms. Le sigue la sombría Iron hand, con su ritmo de dobro y sus reflexiones sobre lo absurdo de las guerras y los enfrentamientos en los que siempre acaba cayendo el ser humano. El disco cambia, una vez más, de estilo en Ticket to heaven, una sorprendente canción con ritmo de baile de salón, en la que vuelve a destacar la elaborada instrumentación, a base de brillantes partes de piano y arreglos de cuerda a cargo de, ni más ni menos, George Martin.

La última parte del disco la completan la satírica My parties, sobre el lujo y el vacío de las fiestas de la jet set, que a punto estuvo de convertirse en un descarte; Planet of New Orleans, un viejo tema sobre la mítica Bourbon Street que fue regrabado para el álbum) y How long, un alegre tema country cuya ligereza me reafirma en que el mejor cierre habría sido simple y llanamente, On every street. Si Knopfler ya barruntaba el final de la aventura con Dire Straits, que mejor final para su nave nodriza que el que hacía referencia a "Una sinfonía de tres acordes que se estrella en el espacio".

La letra va aún más allá, anticipando la sensación de abandono y sin sentido que nos dejó la marcha al limbo de Dire Straits: "La luna esta colgando boca abajo, no sé por qué sigo en el caso". Así nos quedamos desde entonces, patidifusos, colgando boca abajo. El mundo al revés, Knopfler sin Dire Straits. "Me parece un desperdicio, y cada victoria tiene un sabor agridulce. Y es tu cara la que busco en cada calle". Yo aún la sigo buscando, desde aquel ya lejano On Every Street.

domingo, 24 de octubre de 2021

0297: Reach Out I'll Be There - Four Tops

0297: Reach Out I'll Be There - Four Tops

Reach Out I'll Be There, también conocida como Reach Out, está es una canción grabada por el grupo Four Tops y está canción fue incluida en su cuarto álbum de estudio Reach Out el cual fue lanzado en el año 1966. 

La canción fue escrita y producida por  Holland-Dozier-Holland, Reach Out I'll Be There es una de las canciones más conocidas de la década de 1960, y hoy se considera una de las canciones mejor rankeadas de Four Tops.

Todo ese éxito se muestra en los logros que alcanzó la banda, comenzando con el número uno en la lista Rhythm & Blues durante dos semanas, y en la lista Billboard Hot 100 también estuvo durante dos semanas, del 15 al 22 de octubre de 1966. 

La canción también alcanzó los números uno de otras listas importantes, como la lista UK Singles Chart, convirtiéndose en el segundo ganador de éxitos de Motown en el Reino Unido después del lanzamiento de Baby Love de The Supremes en 1964, la canción de Four Tops desplazó del podio a Distant Drums de Jim Reeves en el número uno en octubre de 1966, y se quedó allí durante tres semanas antes de ser reemplazado por Good Vibrations de The Beach Boys en noviembre, Reach Out I'll Be There se metió en los mejores rankings de música de la historia 

El éxito de esta canción está reconocida también por la revista Rolling Stone quiénes incluyeron esta versión en el número 206 en su lista de "Las 500 mejores canciones de todos los tiempos. Billboard" y es clasificada como la canción número cuatro del año 1966.

Esta versión también está actualmente clasificada como la número 56 de mejores canciones de todos los tiempos en una lista de críticos en Acclaimed Music.

Daniel
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sábado, 23 de octubre de 2021

0296.- Sunshine Superman - Donovan



El tercer álbum de Donovan se llamó Sunshine Superman, título que también llevaba la canción estrella y quizás estemos el mejor disco del cantautor Escoces. Nacido en Glasgow en 1946, Donovan se enamoró rápidamente de la música folclórica, siempre contracorriente decidió no montarse en el carro de las tendencias beatnik e intentar abrir nuevos caminos, siempre lo ha tenido en su naturaleza y personalidad. Cuando apenas tenía la mayoría de edad a finales de 1964, Donovan tenía un estilo musical muy similar a Bob Dylan en ese momento, lo que sin duda fue perjudicial para él, no vamos a engañarnos, no contaba con el talento del cantautor de Minnessotta. Es entonces cuando va a tomar la decisión de cambiar de productores y gestores, y tomar la nueva ola emergente del psicodelismo cultural, publica el álbum que solo se lanza en los Estados Unidos por razones contractuales, compuesto por solo 10 canciones, Sunshine Superman no solo es una evolución personal y artística masiva, sino también uno de los primeros álbumes de Psychedelic Pop y Psychedelic Folk. Por primera vez, Donovan se arremanga para entregar un álbum compuesto íntegramente por canciones originales que él mismo escribió, mientras que los anteriores solo ofrecían versiones, su estilo de interpretación, a veces cercano al pop barroco, le permite florecer por completo en las historias y el paisaje alucinantes que crea.

 

El sencillo "Sunshine Superman" que abre el álbum te prepara para lo que vas escuchar y establece un tempo que es casi imposible de seguir, ya que la canción fue tan inesperada como "Monday Monday" de Mama's y The Papa's, donde los oyentes casi se detuvieron en seco, perdidos en la música y las letras fascinantes ... sonidos que contrastaban sólidamente con todo lo que escuchábamos en las emisoras en esos días. Si bien es cierto que Donovan todavía estaba perdido en sus suaves manuscritos medievales y visiones temáticas, mezclados con clavecines barrocos y guitarras acústicas de capas ligeras, ofrece una calidad vivaz de encanto, melodías pero queda demasiado rudo y suena como la canción que debería haber explotado pero que nunca lo hizo, y se quedó en el tipo de canción que la gente baila en el espejo en ropa interior y con gafas de sol oscuras. El bajo se desliza mientras Sitar gira detrás de él envolviendo la pista en psicodelia. El tema es una respuesta a su entonces novia Linda Lawrence quien se recuperaba de su ruptura amorosa con Brian Jones, fundador de The Rolling Stones, extraña canción de amor que inicialmente nos dice: “Hoy el resplandor del sol entró por mi ventana / pude hacerlo fácil pero cambié mis maneras / me tomaré el tiempo, lo sé pero pronto / tú serás mía. Para finalizar mencionaremos que se pueden escuchar las notas de Jimmy Page y John Paul Jones, que se vuelven psicodélicos.


viernes, 22 de octubre de 2021

Disco de la semana 246: Come On In - R. L. Burnside

 

Come On In, R. L. Burnside


     Para la recomendación semanal de turno traemos una propuesta diferente, blues del Delta entremezclado con música electrónica y trip hop (fusión de hip hop con músia electrónica). El artifice: R. L. Burnside, uno de los grandes precursores del blues del Delta, y más concretamente de un estilo conocido como Trance Blues.

R. L. Burnside nace en 1926 en Harmontown, Mississippi (Estados Unidos), si bien pasa la mayor parte de su vida en Holy Spings, también en Mississippi. Su padre abandona a la familia desde que R. L. es pequeño, por lo que éste crece con su madre, sus abuelos y sus hermanos. De pequeño empezó a tocar la armónica y la guitarra, siendo una de sus principales influencias Mississippi Fred Mcdowell, quien era vecino suyo. Otras influencias para él fueron John Lee Hooker y Muddy Waters

A finales de la década de los 40 se muda a Chicago en busca de más oportunidades económicas, encontrando trabajo en varias fábricas dedicadas al vidrio y el metal. En menos de un año de su estancia en Chicago, un hermano suyo, su padre, quien vive allí, y un tío suyo son asesinados, por lo que Bunside, destrozado, regresa a Mississippi. En 1959 R. L. mata a un hombre debido a una disputa originada por el dinero que se juega jugando a los dados, aunque únicamente pasa 6 meses en la carcel gracias a la intermediación de su patrón, quien necesita al músico para que conduzca el tractor de donde trabaja.

Durante las décadas de los 60 hasta lo 90, R. L. Burnside pasó los siguientes años en Mississippi ejerciendo como músico a tiempo parcial, mientras trabajaba como aparcero, como pescador y como conductor de camión. Alternaba su trabajo tocando en locales de música, bares, picnics, fiestas, y en algún festival ocasionalmente. Durante esas décadas Burnside grabó varios discos, tanto en solitario como con una banda formada por él junto a dos de sus hijos y un nuero, llegando incluso a grabar en Holanda. Hasta entonces, en toda su obra predomina la guitarra acústica. Lo que no sabía R. L. es que su vida daría un giro inesperado en la década de los 90 que le permitría vivir completamente de la música, algo que no había logrado hasta entonces. 

A principios de los 90 R.L. consigue que Matthew Johnson se fije en él y le fiche para su sello recién salido sello discográfico Fat Possum Records. Así publica Bad Luck City en 1992, y Too Bad for Jim en 1994, los cuales le empiezan a prpoporcionar cierto éxito. En 1996, la banda de punk-rock-blues John Spencer Blues Explotion se fija en él gracias a estos últimos discos y graba con él el álbum A Ass Pocket of Whiskey, realizando además una posterior gira con él. Si bien este disco con un toque muy duro y crudo, no fue muy bien visto por por el sector más purista del blues, pero le abrió las puertas de otro sector, el de un público que se movía en una escena más undergorund del rock. 



En 1997 los dirigentes de su sello discográfico, Fat Possum Records, son conscientes que uno de sus artistas más punteros, R. L. Burnside, se está devaluando, debido en parte a la mala recepción por parte de la crítica de su último diso hasta entonces, Mr Wizzard. Deciden proponerle entonces un disco donde el blues se encuentre con la música electrónica. En un Principio Burnside, quien tiene ya 71 años, se muestra escéptico sobre esta idea, si bien al final decide apostar por el inusual proyecto. El álbum fue producido casi en su totalidad por el músico, compositor y productor de discos estadounidense Tom Rothrock, a excepción de una versión en vivo del tema Come On In, el cual fue producido por músico y productor, presentador de programas de radio y propietario de un local de música en Phoenix, Arizona, Bob Corritore

Así se gesta el álbum Come On In, publicado en 1998 por el sello discográfico Fat Possum Records, donde se mezcla y fusiona el blues y la guitarra de R. L Burnside con la musica dance y la música eléctrónica, incorporando además técnicas de muestreo y de bucle. Una fusión que en un principio fue considerada inusual por la crítica, y que acabó recibiendo ellogios por parte de ésta, consiguiendo además unas buenas cifras en ventas. 

Come On In remezcla la música de Burnside con ritmos electrónicos, dando como resultado una ruidosa fusión de blues con música dance. Más raro es aún encontrarse en un disco de blues del delta con música programada y remezclada, pero Burnside hace que ésta fusión fluya como algo natural, dejando que a lo largo del disco el blues se vaya entremezclando y cortando con ritmos eléctrónicos y de hip hop.

Se esperaba que Come In On alejara a los más puristas del blues, pero este se vendió con fuerza llegando a alcanzar el puesto número 20 en el Core Chart Radio, y parte de la crítica vio este álbum como la próxima evolución del blues. Un disco donde podemos disfrutar, por ejemplo, de temas con fuertes riffs como Let My Baby Ride, o temas más remezclados como Don't Stop Honey y It's Bad You Know. Come On In y Just Like a Woman son por el contrario los temas menos tecnificados del disco, más naturales. Un disco que no te dejará indiferente en absoluto.

0295: Trouble Everyday - Frank Zappa & The Mothers of Invention


Trouble Every Day
, o Trouble Comin' Every day (como aparecía en las primeras copias que se prensaron de Freak Out! ("¡Alucina!"), el disco de debut de The Mothers of Invention) fue escrita por Frank Zappa después de ver en televisión un reportaje sobre los disturbios que en 1965 se estaban produciendo en el vecindario de Watts en Los Angeles, tras el arresto de un motorista afromericano de 21 años. La familia se resistió al arresto, y la fuerte tensión entre la población negra y la policía desencadenó que todo el vecindario se sumara a la protesta, provocando saqueos y enfrentamientos con la policía durante seis largos y tensos días. El resultado fueron 34 muertes y más de 1.000 heridos, en el que sería el peor episodio de disturbios hasta los posteriores de Los Ángeles en 1992.

La canción se titulaba originalmente The Watts Riot Song ("la canción del disturbio de Watts"), y su letra es una denuncia tanto de la violencia racial como de las desigualdades sociales de la época, en clave de blues rock de guitarras y armónica. Su enfoque blues era tan marcado, que fue gracias a esta canción que The Mothers of Invention consiguieron el contrato discográfico para grabar su primer disco, porque fue el único tema que escuchó el productor Tom Wilson, que creyó que estaba descubriendo una genuina banda blanca de blues. Seguramente debió "alucinar" con la propuesta del disco completo, la primera muesca en el revólver de un músico que nos regalaría una larga carrera de imprevisibles genialidades, para las que no todos los oídos estaban preparados.

jueves, 21 de octubre de 2021

0294 Who Are The Brain Police? - Frank Zappa

 


Who Are The Brain Police?, Frank Zappa


     En 1966 irrumpe en la banda de rock estadounidense Mothers of Invention con su primer álbum de estudio, titulado Freak Out!. El disco es grabado en marzo de ese año en los Sunset-Highland Studios of TTG Inc. de Hollywood, bajo la producción del productor estadounidense Tom Wilson, conocido por su trabajo en esa década con artistas de la talla de Bob Dylan, Simon & Garfunkel, Velvet Undergorund o Eric Burdon & The Animals entre otros muchos. El disco es publicado el 27 de junio e 1966 bajo el sello discográfico Verve Records

El disco presenta a Frank Zappa en la voz, junto con el vocalista principal Ray Collins, el bajista Roy Estrada, el baterista Jimmy Carl Black, y el guitarrista Elliot Ingber. Este disco está considerado como uno de los primeros discos conceptuales de la música rock, donde su líder Frank Zappa, todo genio y figura, realiza desde su percepción y punto de vista, una sátira sobre la cultura pop estadounidense y la incipiente irrupción de la llamada escena freak, que en aquel momento había surgido como un componente de la subcultura bohemia, que había comenzado en California a mediados de la década de los 60, y que estaba asociada al movimiento hippie. De hecho, Freak Out! era un disco doble, y según Zappa todas las canciones tenían un contenido y un sentido, no había ninguna de relleno. Cada canción cumplía una función dentro de un concepto satírico general.

Incluida en este álbum debut de los estadounidenses con Zappa a la cabeza, se encuentra el tema Who Are The Brain Police?. Al parecer, Tom Wilson había firmado un contrato discgráfico a Mothers of Invention pensando que esta era una banda de blues blanco. Wilson había vuelto para asistir a la grabación del disco, y cuando el grupo se disponía a grabar su segundo tema, Who are The Brain Police?, el productor, consciente del error, ya estaba descolgando el teléfono para llamar a su jefe y decirle algo así como: "bueno, no es exactamente una banda de blues blanca, sino...bueno, algo parecido". sin embargo, cuanto más avanzaba el grupo en la grabación, más le gustaba lo que el grupo hacía. 

Who Are The Brain Police? está reconocida por el propio Zappa como un de las canciones más aterradoras del álbum, de hecho, la idea de la canción surgió un día a las cinco de la mañana, el tema no hacía más que resonar en su mente, algo o alguien dentro de él no hacía más que cantarlo, y decidió escribirla. Reconoció que se asustó finalmente cuando la tocó en voz alta y la cantó por  primera vez. No es para menos, un tema extraño donde un coro de voces de muertos vivientes apoya un ritmo de vals lento y descuidado. Mientras, las letras hacen referencia a la fusión del plástico y el cromo mientras preguntan repetidamente "Who Are The Brain Police?" (¿Quienes son la policía del cerebro?).

En una entrevista hecha en 1988, Zappa comentaba al respecto: "Mucha gente controla su propio cerebro, son como ciudadanos soldados, por así decirlo. He visto personas que voluntariamente arrestan, intentan castigar sus propios cerebros. Eso es realmente triste, es policismo cerebral vigilante. Ni siquiera es oficial, es autoimpuesto... Quiero decir, las personas que quieren convertirse en policías cerebrales aficionados, cuyo número crece todos los días, son personas que se dicen a sí mismas: 'No podría considerar eso', y luego se azotan por haber llegado tan lejos. Entonces, ni siquiera necesitan culpar a una agencia central de policía del cerebro. Hay muchas personas que voluntariamente se someten a esta mutilación."

La crítica llegó a decir de Who Are The Brain Police? cosas como que era "una de las canciones más aterradoras que jamás haya surgido de la psiqué del rock" o "una visión de la América contemporánea donde se borraba la identidad personal y la individualidad".

Un país, un artista: Oliver Mtukudzi - Zimbabwe


Tuku" Mtukudzi nació el 22 de septiembre de 1952 en Zimbabwe, creció como el mayor de siete hijos en una familia musical. Sus padres se conocieron en un concurso de coro y, según una entrevista de Músico Contemporáneo con Mtukudzi, "nunca dejaron de competir entre ellos Solían actuar y hacer que los niños decidiéramos quién era el ganador". Aunque no había radio en su casa, afirma estar familiarizado con la música de artistas como Otis Redding (con quien se lo compara con frecuencia), Wilson Pickett, The Who y Deep Purple. Los amigos de su padre pasaban por allí con frecuencia, aumentando la exposición del impresionable Mtukudzi a la mbira y la música jit.

Mtukudzi ha sido un pilar en la escena pop de su país natal desde mediados de la década de 1970. Después de lanzar su primer sencillo, "Stop before Go" (también traducido como "Stop after Orange"), en 1975, se unió a Wagon Wheels, un grupo que también incluía a la superestrella de Zimbabwe Thomas Mapfumo. De Mapfumo, tomó prestado chimurenga, que se traduce aproximadamente como "lucha por la liberación", un término que describe el tema de la música en lugar de un estilo musical. Los músicos tocaban chimurenga durante las reuniones nocturnas de los luchadores por la liberación de Zimbabwe, en los idiomas shona y ndeble que rara vez entendían los oyentes blancos. Tanto Tuku como Mapfumo construyen su música en torno a los complejos patrones de sonido rítmico que llevan el nombre de la mbira, un instrumento nativo de Zimbabwe que se toca con los pulgares. Después de dejar Wagon Wheels, Mtukudzi formó Black Spirits y comenzó a escribir canciones. Muchas de estas composiciones expresaban los "problemas que nos enfrentamos cuando eramos jóvenes, como no conseguir trabajo debido a nuestro color", dijo en una entrevista con Contemporary Musicians. El primer sencillo de The Black Spirits, "Dzandimomotera" de 1979, se convirtió en disco de oro.

 

Mtukudzi ha escrito canciones socialmente relevantes porque cree que "las canciones deben hablar de algo. Tienes que expresar un sentimiento". Combinando estilos musicales tradicionales y modernos con letras significativas, Mtukudzi se convirtió en el cantante más vendido en Zimbabwe y una fuerza musical a tener en cuenta en todo el continente africano, Europa y en los Estados Unidos. El creciente interés occidental en las músicas del mundo llevó a Mtukudzi a realizar muchas giras fuera de Zimbabue a finales de la década de 1990 y principios de la de 2000. Mientras la música de Nhavasigue siendo optimista y bailable, también habla de la lucha provocada por la epidemia del sida en el continente africano. La epidemia tuvo un efecto grande en la composición de canciones de Mtukudzi, ya que él personalmente fue testigo de cómo tres miembros de los Espíritus Negros sucumbían a la enfermedad, incluido su hermano menor.

Mtukudzi también ha podido realizar una carrera cinematográfica, coprotagonizando producciones cinematográficas de Zimbabwe como Jit. La comedia romántica es reconocida como la primera película comercial producida íntegramente con un elenco de Zimbabwe. La película también contó con una banda sonora de Mtukudzi que incluía la canción "What's Going On?". El ritmo contagioso de la canción llamó la atención de Bonnie Raitt, quien utilizó la composición como base para su colaboración de 1998 con Mtukudzi, "One Belief Away".

Un autor muy a tener en cuenta y bucear en el legado que nos ha dejado, su música muy bailable con letras de conciencia social que promueven la responsabilidad individual, la humildad y la sensibilidad hacia el medio ambiente, además de documentar sus experiencias personales con la epidemia africana del SIDA. Musicalmente, Mtukudzi combina formas musicales africanas como los estilos chimurenga, jit y mbira. La mezcla resultante ha sido apodada música Tuku, que Mtukudzi interpreta con un estilo vocal profundo y gutural. 

miércoles, 20 de octubre de 2021

0293 Wild Thing - The Troggs

 

Wid Thing, The Troggs


     From Nowhere es el álbum debut de la banda inglesa The Troggs. El álbum es grabado y publicado en 1966 bajo el sello discográfico Fontana Records en Reino Unido y Atco Records y Fontana Records en Estados Unidos. Incluido en este disco encontramos el tema Wild Thing.

Wild Thing fue escrita por el compositor estadounidense Chip Taylor, conocido por escribir numerosos éxitos que han interpetado artistas como PP Arnold, Janis Joplin, Anne Murray, Juice Newton, Jimi Hendrix, Chrissie Hynde, Linda Ronstadt y Emmylou Harris entre otros. 

La primera versión de este tema fue grabada en 1965 por el grupo The Wild Ones. Esta banda de Nueva York se había puesto en contacto con Chip Taylor para que escribiera una canción que pudieran lanzar como sencillo. Al aceptar, Taylor en apenas unos minutos tenía escrita una canción con connotaciones sexuales, Wild Thing. En aquella versión, el sólo del medio de la canción fue intepretado por el ingeniero de grabación usando sus manos a modo de silbato. sin embargo aquella grabación de The Wild Ones y el disco lanzado por ellos apenas se vendió y el tema fue un fracaso comercial.

The Troggs graban Wild Thing y el tema es publicado en el 22 de abril de 1966. El tema fue enseñado al grupo por su mánager Larry Page, y al grupo le pareció tan extraño e inusual que decidieron grabarla. Para el sonido del sólo del medio de la canción el grupo tomó la idea el silbato, pero utilizó para reproduciro una ocarina, que es un tipo de flauta con forma de vasija. La típica ocarina suele tener entre cuatro y doce agujeros y una boquilla que se proyecta desde el cuerpo, y suele estar hecha de arcilla o cerámica. El estilo de música y sonido de esta canción fue conocido como "Caverman Rock",  y el nombre del grupo, The Troggs, que significa "habitante de las cavernas", ayudó a reforzar esta imagen del grupo como exponente de este sonido, aunque posteriormente se fueron alejando de este sonido. Debido a una disputa de distribución, Wild Thing fue lanzado por dos sellos discográficos rivales: Atco Records y Fontana Records, convirtiéndose en el único sencillo que alcanzó simultáneamente el puesto número uno para dos compañías al mismo tiempo en las listas de ventas.

La música en historias: Love over gold -Dire Straits #MesDireStraits

 



Cuando Dire Straits publica su cuarto álbum, había experimentado ese raro lujo de ahora de tener tiempo para crecer y desarrollarse, las cinco pistas de Love Over Gold son largas pero que no os asuste, son brutalmente atractivas, son un acto lleno de calor, centrado en la forma asombrosamente fluida de tocar la guitarra de Mark Knopfler (y una habilidad colectiva asombrosamente apretada y comprensiva como grupo), a veces tenían la tendencia en sus primeros tres álbumes a volcarse en lo efímero, pero había señales de la grandeza que estaba por venir, sobre todo en la floreciente capacidad de escribir canciones de Knopfler (Romeo y Julieta de Making Movies fueron su primer éxito rotundo, una creación ligera y danzante templada por una combinación de street suss y cínica alegría digna de Paul Simon). Love Over Gold supuso un cambio de sonido (abandonaron al productor y permitieron que Knopfler produjera por su cuenta) y un salto hacia la madurez. Si bien hay un olor inquebrantable de los ochenta en todo el proyecto, las raíces de Love Over Gold en realidad se encuentran en esos tropos de rock gemelo que dominó las dos décadas precedentes: la expansividad floydiana y el mordisco lírico dylanesco. De hecho, seamos directos: Love Over Gold es Wish You Were Here y Highway 61 Revisited. Los cinco cortes siguen el plano de Wish You Were Here casi a la perfección, con dos pistas largas cargadas de fatalidad llenando el lado uno, y el lado dos que comprende un rockero, una balada y más doom para cerrar.


Telegraph Road es muy ambiciosa y realmente brilla a una gran altura, creo que se podría comparar con Bruce Springsteen ya que personalmente encuentro muchas similitudes con Thunder Road y Born to Run en esta pista, para empezaren una canción donde se percibe cierto enfado e inquietud que se ira reflejando durante todo el álbum, y aunque la canción es casi un cuarto de hora, de ninguna manera se hace larga. Private Investigation es más una canción íntima, y ​​aunque también es larga, hace un buen uso del silencio y de los sonidos más pequeños una canción muy cinematográfica. La mayor parte de la canción pasa como una balada acústica bastante extraña y con una parte de marimba de jazz que agrega textura y suena genial, pero luego, poco después de que Knopfler lanza un solo de guitarra acústica de primer nivel, la parte principal de la canción rompe y como surgida de la anda la canción despega en una dirección completamente diferente pero aún interesante. ¡Excelente canción! 

El tercer corte, Industrial Disease, corta un poco el buen rollo, es raro que la eligieran como single, la canción viene con una melodía pop, y con un órgano fuerte, que imprime un ritmo rápido con el que realmente te da ganas de bailar, aunque la canción hable de la opresión y la alienación causadas por lo que Knopfler llama 'enfermedad industrial' y se ocupa de las luchas de la clase trabajadora que conducen, bueno, a la locura, la privación. Tiene cierto aire a Bowie, pero no importa, es una melodía muy divertida. Love Over Gold, se parece mucho a Private Investigations sin la parte rockera, suave, muy pegadiza, con unas grandes guitarras eléctrica y acústica suave con el acompañamiento de un piano, también introduce un suave xilófono de fondo que pone fin a la canción, cuando la guitarra se detiene y el sonido de los teclados se desvanece. It Never Rains es una gran canción que, sí, contiene ecos líricos directos de Dylan (no de 'Mobile', sino de la canción 'I Want You', y quizás también de 'Wild Billy' de Springsteen), termina con un solo pirotécnico extendido de Knopfler. Comienzo suave, y retoma el mismo sonido de piano tintineante de la pista anterior, pero pronto se hace evidente una intención más profunda, la deuda con Like a Rolling Stone es obvia (el narrador le da un sermón a una protagonista central, probablemente femenina, que ha atravesado tiempos difíciles, con la vaga sugerencia de recurrir a la prostitución), pero el jubiloso sentido de redención y renacimiento de Dylan (Cuando no tienes nada, no tienes nada que perder ) se transforma en un absoluto infierno en la visión más sombría del mundo de Knopfler (Te lleva a Vaudeville Valley con la mano en alto sofocando tus gritos, y te fo*** en Tin Pan Alley en el ciudad de los mil millones de sueños). Es desesperante que esta sea la última pista de este álbum


martes, 19 de octubre de 2021

0292: With a girl like you - The Troggs


The Troggs
gozaron de su máximo nivel de popularidad en la década de los sesenta, y han llegado hasta nuestros días con la etiqueta de "one hit wonder". Esta errónea percepción del grupo de Andover (Reino Unido) viene provocada por la enorme popularidad de su canción Wild Thing (1966) que eclipsó el recuerdo de otras canciones del grupo como, por ejemplo, With a girl like you, un tema que grabaron y publicaron ese mismo año 1966.

With a girl like you, con sus pegadizos y poco sesudos coros ("Pa Ra Pa Pa Pa..."), tenía una estructura más comercial y menos garajera que Wild Thing, y a la vez más encorsetada y circunscrita a una época y un estilo de música determinados. Su marcado carácter "sesentero" quizá fue uno de los motivos por los que no llegara a trascender tanto como la mítica "Cosa Salvaje", que se beneficiaría además del empuje de una electrizante versión de Jimi Hendrix para romper todas las barreras y convertirse en uno de los temas míticos de la música.

Solo tres años después, en 1969, y ante la falta de éxitos, los Troggs echaron el cierre a su aventura musical, dejando para la historia algunas (pocas) canciones memorables. No sólo fue Wild thing, también debemos recordarles por Love Is All Around (así es, la canción original es de The Troggs y la de Wet Wet Wet era una edulcorada versión), Night of the Long Grass, o éste With a girl like you, la canción sobre la chica con la que querían pasar toda su vida, para evitar así la soledad, y no sentirse nunca más un "one hit wonder".

lunes, 18 de octubre de 2021

0291: God only knows - The Beach Boys

0291: God only knows - The Beach Boys

Según Brian Wilson, la canción God only knows incluida en el disco Pet Sounds fue una de las más rápidas que compuso en su carrera como artista, esta fue escrita junto al compositor Tony Asher, en tan sólo cuarenta y cinco minutos.

Cuarenta y cinco minutos según Brian Wilson ese fue el tiempo que le tomó para la creación de la canción God Only Knows, una de las canciones más populares de la banda The Beach Boys es de hecho una de las más reproducida en Spotify, y como hemos dicho incluida en el álbum Pet Sounds de 1966, uno de los álbumes los más influyentes en la carrera del grupo.

God Only Knows es la octava canción del álbum Pet Sounds y una de las canciones más célebres del grupo musical estadounidense The Beach Boys y Pet Sounds es el undécimo álbum de estudio de la banda de rock estadounidense The Beach Boys, que lanzó el 16 de mayo de 1966.

Es una de las primeras canciones pop en las que se usa la palabra Dios (God) en su título pero no sólo eso, la canción representa también una novedad técnica y sofisticada en relación con lo que vendría de The Beach Boys, y de cualquier otro grupo pop de la época, en particular por su estructura melódica y por la armonización vocal de los coros. En la introducción es posible escuchar instrumentos más bien inusuales para el género, como el clavicémbalo y la trompa.

Según el músico Brian Wilson, el cual diría en su autobiografía Wouldn't It Be Nice: My Own Story que la melodía de la canción God only knows surgiría gracias a cierta pieza musical de Johann Sebastian Bach que el artista había escuchado. Y sostiene en sus comentarios que la canción "fue una visión que tanto Tony como yo tuvimos, Es como quedarse ciego pero en esa ceguera poder ver más. Cierras los ojos y eres capaz de ver un lugar o algo que sucede". 

Una curiosidad God Only Knows fue traducida al español como Solo Dios sabe por los músicos argentinos Charly García y Pedro Aznar en 1991 e incluida en su álbum de estudio Tango 4 el cual tuvo buena difusión, así que esta es una de las pocas versiones de una canción de The Beach Boys traducida al español. 

Daniel 
Instagram Storyboy 



domingo, 17 de octubre de 2021

0290.- Wouldn't It Be Nice - The Beach boys

 


Hablamos del primer capítulo de la gran obra del grupo americano The Beach Boys, nos referimos a Pet Sounds, a la que alguien definió como la capilla sixtina del pop ya que en este disco se encuentra algunas de las creaciones más importantes y maravillosas de esa música que irrumpió en los años cincuenta con ánimo de volverlo todo patas arriba. Aunque muy subversiva no parece que sea, en Wouldn't It Be Nice, Brian Wilson habla de lo maravilloso que sería ser mayor y poderse casar con su novia, podrían después de pasar el día juntos abrazarse toda la noche. Por ello dice que si los dos los desean, tienen esperanza y rezan quizá lo conseguirían. Fue compuesta y producida por Brian Wilson y la letra corrió a cargo de Tony Asher. La canción también se lanzó como un single dos meses después del lanzamiento del álbum con “God Only Knows“como su lado B.

 

Y el hecho de que sea la primera canción que escuchamos nada más poner el disco dice mucho, por un lado posiblemente es la canción más representativa del álbum, la que todos conocemos pero por otro lado resulta engañosa porque esta aparente "alegría" que nos dan los primeros acordes de la canción y el tono eufórico en el que esta cantada, difícilmente se repite durante el disco, quizás sea el espíritu surf de los primeros años de The Beach Boys que continúa pero evolucionando al estilo armónico en que terminaros. La canción fue compuesta por la dupla Wilson-Asher, Mike Love añade algunas palabras a la letra, concretamente en la parte final de la canción. Y es que el tema empieza con el guitarrista Jerry Cole tocando una guitarra de 12 cuerdas y la reverberación hace brillar la progresión de acordes introductorios con una textura similar a la de un arpa, a lo que sigue un golpe de batería seco a lo Phil Spector, es de las que inyectan euforia en el oyente y al cantante que rápidamente escuchamos cantando y todo se convierte en una euforia maravillosa, cortesía de la voz principal compartida de Wilson y Love (Wilson en los versos, Love en el puente) y un ritmo constante. Tiene tanto sentimiento, tanta luz y tanta melodía mágica que arrolla, resulta como una bocanada de aire que se te mete dentro y te hace sentir feliz, pensar que todo se va lograr y que el mundo será un lugar feliz en el que esos dos jóvenes desamparados podrán vivir juntos toda la vida, las guitarras evocan con fuerza la nostalgia veraniega feliz que vivirán esa pareja, donde nada de lo que ocurra puede salir mal. Este estilo musical, sonido "feliz" y el sentimiento de "anhelo" que encierra la letra, tendría una gran influencia en el desarrollo del género power pop. Lo consiguieron, si querían llamar la atención con este álbum, no pudieron elegir mejor, es un tema que te golpea de entrada y te deja sin aliento.


Nota del autor: si realmente quieren descubrir el espiritu de la cancion y lo que provoca busquen el capitulo 24 de la serie Aquellos Maravillosos años... no lo podrian representar mejor.

La música en historias: Alchemy: Dire Straits Live #MesDireStraits

 

Alchemy, Dire Straits


     Hace tiempo ya, en uno de los espacios dedicados a Deep Purple, contaba como cayó en mis manos por primera vez el directo Made in Japan en mi adolescencia. Era el primer disco que escuchaba en mi vida del grupo británico, y aquella primera escucha me pareció insufrible. Además de Deep Purple, por aquella época cayó en mis manos otro directo, un tal Alchemy: Dire Straits Live. Está claro que por aquel entonces no había química alguna entre los discos en directo y yo, pues tampoco supe apreciar lo que había caído en mis manos. Rectificar es de sabios y con el tiempo, el que aquí escribe, pudo redimirse y apreciar, saborear y valorar esta obra como se merece.

En enero de 1983, Dire Straits había lanzado un EP de cuatro canciones titulado ExtendancEPlay mientras el álbum anterior, Love Over Gold, se batía el cobre en las listas de éxitos. Uno de los sencillos del EP, Twisting By the Pool, alcanza el Top 20 en las listas del Reino Unido y Canadá. El grupo se embarca en una gira llamada Love Over Gold que dura unos ocho meses, la cual termina con dos conciertos que agotan las entradas en Londres, en el Hammersmith Odeon, los días 22 y 23 de julio de 1983. Se acababa de plantar el embrión que daría lugar al mítico Alchemy: Dire Straits Live.

Alchemy: Dire Straits Live es un doble álbum y el primero en vivo editado de la banda británica. El material del disco está extraído de los conciertos en el Hammersmith Odeon de Londres, los días 22 y 23 de julio de 1983, bajo la producción de Mark Knopfler, y publicado el 16 de marzo de 1984 bajo el sello discográfico Vertigo Records internacionalmente y el sello Warner Bros. Records en Estados Unidos. El disco contiene material de sus primeros cuatro álbumes de estudio, el EP ExtendedcEPLay y la banda sonora de la película Local Hero, realizada por Mark Knopfler. La portada del disco fue una adaptación de una pintura realizada por el artista australiano Brett Whitley, titulada Alchemy 1974

El disco, al parecer fue lanzado sin sobregrabaciones, lo que otorga más mérito al mismo. Un discazo que abre Once Upon a Time in the West, unas de las joyas del álbum Communiqué, alargada hasta los 13 minutos, y que además de mostrarnos ya de primeras el potencial del grupo en directo, contiene uno de esos grandes solos de Mark Knopfler para ir abriendo boca y que nos deja con ganas de más. Romeo and Juliet, otra de sus grandes joyas, basada en el romance que Mark tuvo con la líder del grupo Holly And The Italians, Holly Vincent. En la canción, una pareja, la cual está enamorada, se acaba separando porque no es el momento adecuado para esa relación, y el hombre nunca dejara de querer a la mujer. 



La cara B del primer disco es abierta por Expresso Love, otro tema de amor incluido en Making Movies. Es uno de los temas más pesados del directo, con un potente riff de Mark Knopfler y un excelente trabajo a los teclados de Alan Clark. Private Investigations, tiempo para una excelente balada donde los teclados siguen cobrando protagonismo. Mark se basó para escribir el tema en algo que leyó sobre el personaje de Philip Marlowe. Marlowe fue un personaje, un detective privado creado por el novelista estadounidense Raymond Chandler. Cierra esta cara B y el primer disco Sultans of Swing, un tema que si ya de por sí es brutal, en directo pasa a ser una obra maestra con unos solos increíbles de Mark Knopfler. Un tema que trata sobre un grupo de chicos que después del trabajo salen a divertirse y escuchar música, y no les importa en absoluto la imagen que pueda tener la banda, lo que puede valer perfectamente para Dire Straits, lo que importa es la calidad, y de eso estos chicos van sobrados.  

Abre el disco 2 y su cara A Two Young Lovers, un tema donde podemos disfrutar del pedazo de saxofonista que es Mel Collins, y que nos sirve de antesala para otra de las joyas de la banda, Tunnel of Love, tema que cierra  esta cara A. Una gozada de más de 14 minutos que cuenta con una introducción que es un extracto del tema The Carousel Waltz, de los compositores estadounidenses Richard Rogerds y Oscar Hammerstein II. El tema, con unas excelentes improvisaciones, vuelve a mejorar la versión de estudio, algo difícil de conseguir. 

Abre la cara B Telegraph Road, si no nos hemos repuesto todavía de lo que acabamos de escuchar, llega esta otra joya con una duración que sobrepasa los 13 minutos, y que hace referencia a una importante vía que recorre de norte a sur Michigan. Mark se había inspirado para escribir esta joya en un viaje turístico que hizo en autobús y que recorrió la famosa vía Telegraph Road. turno para Solid Rock, tema incluido en el genial Making Movies. Otro gran tema, pero que tiene la mala suerte de ir justo después de Telegraph Road, y que es la antesala del tema que cierra esta cara y por tanto este brillante directo, Going Home, tema incluido en una de la mejores bandas sonoras que han salido de la mano de Mark Knopfler, Local Hero

Alchemy: Dire Straits Live además de convetirse por derecho propio en el disco definitivo del grupo, también se convirtió en uno de esos directos imprescindibles en la era del rock.