sábado, 31 de diciembre de 2022

0730 - Black Sabbath - Iron Man

0730 - Black Sabbath - Iron Man

Iron Man
 es una canción de la banda inglesa de heavy metal Black Sabbath, que fue lanzada en 1970 en forma conjunta con su segundo álbum de estudio de la banda.

Si escuchamos la canción, alcanzaremos a escuchar el riff de la guitarra principal de Tony Iommi, en el primer ensayo, el vocalista Ozzy Osbourne comentó "que sonaba como un gran tipo de hierro caminando", con Iron Bloke convirtiéndose en el título provisional de la canción, pero esto por un corto tiempo, mientras la banda resolvía el tema de la letra. A medida que se desarrolló la letra de la canción, el título evolucionó a Iron Man.

Mucho tiempo después Iron Man se usó en los créditos finales de la película Iron Man de 2008, así como en su adaptación de videojuego y el tráiler de la secuela de 2010, Iron Man 2. El personaje Tony Stark, el alter ego de Iron Man, también usa una camiseta de Black Sabbath en la película de 2012 Los Vengadores. La canción ganó el puesto número 317 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos a partir de 2004. Iron Man fue clasificada como la sexta mejor canción de Black Sabbath por Rock - Das Gesamtwerk der größten Rock-Acts im CHECK, y VH1 clasificó la canción como la mejor canción de heavy metal de todos los tiempos. Otros logros de esta canción fue alcanzar el puesto 52 en la lista Billboard Hot 100 en 1972, convirtiéndose así en el single The Black Sabbath en llegar al puerto más alto en ese momento. También alcanzó el puesto 68 en el Top 100 de la revista Canadian RPM Magazine.  

Daniel 
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Wilson Pickett - The Exciting Wilson Pickett #Píldora 17

 


El disco The Exciting Wilson Pickett tiene unos musicos de acompañamiento excelentes (Cropper, Hayes, entre otros), pero se necesita Pickett para convertir este disco en uno de los grandes discos de soul de la época solo es capaz de entregar esa implacable dureza en su voz, pero que nunca nos resulta insoportable o áspera. Pickett es la estrella, obviamente, estamos escuchando a uno de los mejores cantantes de soul de su época y no importa si es alguna de las canciones no la conoces acaba impresionando cada tema, hace un trabajo excepcional por eso no es un título inapropiado, sumale a los MG (aquí sin Booker T, con Isaac Hayes en su lugar) que están en buena forma y sale algo casi perfecto. "Emocionante" fue el epíteto correcto para este semental de un disco: Pickett inicia el disco a la velocidad vertiginosa de "Land of 1000 Dances", y no lo suelta ni por un segundo. Incluso aunque todos hemos memorizado "Dances" y "Midnight Hour", no se dejen engañar pensando que son un par de éxitos en un mar de relleno: el disco es aterradoramente consistente y no tienes ningún momento para recuperar el aliento. Aunque la sección de llamada y respuesta "naa-na-na-na-naa" es la parte más icónica de "Land Of 1000 Dances", es realmente la introducción lo que me encanta de la canción. Las secciones de vientos pasan como un rayo mientras el bajo las impulsa hacia adelante, es una canción ejecutada a la perfección. Sin embargo, Pickett sigue siendo la estrella del espectáculo aquí, entregando todos y cada uno de los versos de introducción como un golpe limpio y usando las letras como dispositivos de látigo. El clásico "634-5789" es un himno glorioso del espíritu de los primeros R&B, y "Ninety-nine and One-half" construye un ritmo turbio donde Pickett da su actuación más agresiva y tensa del disco (bien por el público por hacer de esta canción un poco menos comercial un éxito). Atencion al rock duro y duro de "Ninety-Nine and a Half (Won't Do)", con su ritmo sólido, trompetas contundentes y la voz cruda y áspera de Pickett. Además, Isaac Hayes está al piano aquí. La versión individual alcanzó el R&B Top 15, mientras que su lado B, el ritmo "Danger Zone" también se incluye en este LP.

viernes, 30 de diciembre de 2022

0729.- Electric Funeral - Black Sabbath


 “Electric Funeral” no es la canción más destacable de Paranoid , sin duda, pero a su manera, es un tema esencial para el resto del álbum. No es "War Pigs" y no es "Iron Man", pero es algo muy grande. El album Paranoid es una suite de ciencia ficción, los peligros no están en el mundo demoníaco, sino en el mundo construido por el hombre, la imaginería evocadora en la letra es fantástica, principalmente porque somos conquistados por robots. Escuchar “Electric Funeral” evoca ese miedo a la lluvia radiactiva, algo que las generaciones actuales han sentido con la Guerra Fría y la vida posterior al 11 de septiembre. La letra es espantosa y aterradora: "flores de plástico, sol que se derrite, luna que se desvanece cae sobre / mundo moribundo de radiación, víctimas de frustración loca / globo ardiente de fuego de oxígeno, como una pira funeraria eléctrica". Gracias a artistas como Dalí, podemos imaginar cómo sería ese mundo que se derrite. Sabbath, habiendo vivido en Birmingham, un paisaje devastado por los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial, habla de ese paisaje de destrucción y tierra baldía.


Electric Funeral abre con un riff icónico de Tony Iommi que tiene un fuerte efecto wah, la banda busca un sonido simple, pero un sonido que ciertamente suene bastante oscuro y pesado.Después de pasar por dos estrofas y algunas pausas instrumentales entre las dos, la canción cambia de humor por completo y el pesado riff wah-wah da paso a un ritmo de batería frenético seguido de una serie de acordes de guitarra más oscuros que finalmente culminan en una sección más rápida. Aunque la acumulación de esta sección más rápida parecía que iba a conducir a una sección un poco más oscura, debo admitir que todavía disfruto la energía que emana de esta sección. Otra cosa destacable de esta pista es que el bajo que se vuelve increíblemente prominente a lo largo de esta sección. Una pero que tengo contra esta pista es que después de que termina esta sección más rápida, que es genial en sí misma, la transición de regreso al riff pesado de wah es inexistente, y debido a las grandes diferencias en el tempo y el estado de ánimo general, una transición suave. Fue realmente crucial allí para hacer que la secuencia fuera limpia en lugar de abrupta y un poco incómoda. Sin embargo, en general, Electric Funeral es una canción excelente y por qué es tan conocida y elogiada no es una cuestión difícil de entender. Estos tipos son muy grandes y mas de 50 años despues compruebas atonito como jovenes de 17 años siguen disfrutando de su música, y no es ningún farol, la cara de farol se me quedo a mi cuando el hijo de unos buenos amigos y compañero de mi hija en el Instituto en una celebracion le dije que pusiera la musica que quisiera, y ni corto ni perezoso nos hizo escuchar a todos este album. Grande Manu! 


Disco de la semana 308: Mingus Ah Um - Charles Mingus

 

Mingus Ah Um, Charles Mingus


     Para la recomendación de esta semana traemos la figura de un bajista, pianista, compositor, director de orquesta y autor de jazz estadounidense. Este artista, considerado como uno de los mejores músicos y compositores de jazz de la historia, fue también uno de los grandes defensores de la improvisación colectiva. Nos referimos a la figura de Charles Mingus Jr. Además de sus interpretaciones con sus bandas de repertorio y como solista, tmabién tuvo tiempo de colaborar con otros músicos como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker, Dizzy Gillespie o Herbie Hancock entre otros. Tal es la importancia de este músico, que la Biblioteca Nacional del Congreso de Estados Unidos adquirió los documentos recopilados del artista, incluidas partituras, grabaciones de sonido, correspondencia y fotografías, en lo que describieron como "La adquisición más importante de una colección de manuscritos relacionados con el jazz en la historia de la biblioteca".



Charles Mingus
(1922 - 1979), nació en Nogales, Arizona, y su padre, Charles Mingus Sr., era sargento en el ejército de los Estados Unidos. Mingus se crio en gran medida en el área de Watts, en Los Ángeles, y su ascendencia incluía germano americanos, afroamericanos y nativos americanos. En casa, la madre de Charles únicamente permitía música que estuviera relacionada con la iglesia, pero él pronto desarrolló una gran pasión por otra música, especialmente la de Duke Ellington. Todo esto le llevó a estudiar trombón y más tarde violonchelo, aunque con el violonchelo no pudo seguir profesionalmente porque en aquel momento era casi imposible para un músico negro hacer carrera en la música clásica, y el violonchelo no era aceptado como un instrumento en el jazz. A pesar de todo esto, y mientras estudió y comenzó a tocar el bajo, afirmaba que su instrumento seguía siendo el violonchelo. Gran parte de la técnica de violonchelo era aplicable al contrabajo, instrumento que tomó en la escuela secundaria. 

Una pobre educación musical en su juventud, que impidió que pudiera leer las anotaciones musicales con rapidez, tuvo un serio impacto en sus primeras experiencias musicales, pues esto fue aislándole y alejándole de la música clásica. Estas experiencias y sus experiencias en la vida, quedaron reflejadas en su música, la cual se solía centrar a menudo en temas como el racismo, la discriminación y la injusticia. Su formación clásica se refleja sobre todo al comienzo de su carrera, pues escribió piezas que incorporaban elementos de la música clásica. 

Mingus empezó a ganar reputación como un prodigio del bajo, y su primer trabajo profesional importante fue tocando con el ex clarinetista de Duke Ellington Barney Bigard. En 1934 ya había hecho una gira con Louis Armstrong, en 1945 ya grababa en Los Ángeles en la banda dirigida por el trompetista estadounidense Russell Jacquet, y a finales de la década de los 40 tocó con el vibrafonista, pianista, percusionista y director de orquesta estadounidense de jazz Lionel Hampton. La fama y reputación de Mingus va creciendo, y antes de alcanzar el reconocimiento mundial toca en conciertos con Charlie Parker. Mingus consideraba a Parker el mayor genio e innovador en la historia del jazz, pero tenía una relación amor odio con el legado de Parker.

La década de los años 50 suele ser considerada como el periodo más productivo y fértil de Mingus, llegando a realizar 30 discos para varios sellos discográficos. Precisamente de esa época, concretamente 1959, es el disco recomendado para esta ocasión, Mingus Ah Um, uno de sus trabajos más conocidos. Mingus Ah Um fue grabado entre el 5 y el 12 de mayo de 1959 en los estudios Columbia 30th Street de Nueva York, bajo la producción del saxofonista y compositor estadounidense de jazz Teo Macero, y publicado en octubre de 1959 por el sello discográfico Columbia Records, siendo el primero realizado para este sello discográfico. La portada presenta una pintura del reputado diseñador gráfico estadounidense S. Neil Fujita, muy conocido por sus diseños de portadas de libros y discos. 



El disco es una delicia instrumental, del primer al último tema, desde que comienza con Better Git In Your Soul, inspirado en el canto gospel y la predicación de las iglesias con las que Mingus se había criado en su niñez en Watts, Los Ángeles; pasando por Goodbye Pork Pie Hat, una referencia al saxofonista Lester Young, el cual había fallecido poco antes de que se grabara el disco, y que era conocido por llevar sombreros de "pork pie" (ala ancha). A día de hoy este pieza es considerada un estándar de jazz; Boogie Stop Shuffle, un tema basado, como su propio título indica, en el hecho de detener el tiempo, para barajar y volver; Self-Portrait in Three Colors, escrita originalmente para la primera película de John Cassavetes como director, Shadows (Sombras), pero que nunca se llegó a utilizar por razones presupuestarias; Open Letter to Duke, un tributo a Duke Ellington que se basa en tres piezas anteriores de Mingus (Nouroog, Duke's Choice y Slippers); Bird Calls, tema del que se creía era una referencia Charlie Parker, algo que el propio Mingus se encargaría de desmentir, pues "No se suponía que debía sonar como Charlie Parker, se suponía que debía sonar como pájaros"Fables of Faubus, un tema que generó cierta polémica, pues fue escrita como una protesta directa contra el gobernador de Arkansas Orval E. Faubus, el cual estaba en contra de la integración en las escuelas de Little Rock, Arkansas, llegando a desafiar las sentencias de la Corte Suprema de Estados Unidos. Columbia Records se negó a permitir que se incluyera la letra de la canción, por lo que esta se grabó como instrumental en el álbum. No sería hasta el 20 de octubre de 1960 que la canción fue grabada con letra para el álbum Charles Mingus Presents Charles Mingus bajo el sello independiente Candid. Debido a problemas contractuales con Columbia, la canción no pudo ser lanzada como Fables of Faubus, por lo que la versión de Candid se tituló originalmente Original Faubus of Fables; pasando por la mágica Pussy Cat Dues, hasta llegar al magnífico cierre del álbum, Jelly Roll, toda una referencia y tributo al pionero del jazz, el pianista Jelly Roll Morton.  

Mingus Ah Um es uno de los trabajos más conocidos del gran maestro Charles Mingus, un disco más que recomendable para iniciarse en la escucha de uno de los grandes del jazz, si no lo has hecho ya.

jueves, 29 de diciembre de 2022

0728.- Paranoid - Black Sabbath



El segundo álbum de los británicos Black Sabbath iba a llamarse inicialmente "War Pigs", pero debido a la fuerte carga política y antibelicista de la canción que iba a darle nombre, la discográfica presionó para que se cambiara. La elegida para dar nombre al disco pasó a ser entonces "Paranoid", una descarga eléctrica de dos minutos que podría englobarse tanto en el terreno del heavy metal como del "protopunk" de The Stooges o The Ramones, y que se había incluido en el disco como relleno, ya que los Sabbath no terminaban de verla como un hit. Grabado y publicado en 1970, "Paranoid" fue nº1 en Reino Unido, lo que significó el primer gran éxito de la banda, y se convirtió después en un disco de culto para las generaciones posteriores.

Pero quizá lo más sorprendente para el grupo no fuera el éxito del disco, sino que una canción que habían compuesto en apenas media hora de descanso entre sesiones de grabación, y que apenas contaba para ellos, se convirtiera en el tema más exitoso de su carrera. La canción surgió cuando Tony Iommi, mientras esperaba a que el resto de la banda volviera de buscar unas cervezas, empezó a tocar un riff que surgió de la nada. No tenía grabadora, así que estuvo tocando el riff hasta que los demás volvieron, para que no se le olvidara. La letra vino después, y en línea con el resto del disco, se centró en la parte más negativa de la condición humana. En el caso de "Paranoid", y como su propio nombre indica, lo que se cuenta es la angustia y la desesperación de un enfermo mental.

El sencillo de "Paranoid" se completó con la canción "The Wizard" en la cara B, y alcanzó el nº4 de las listas de Reino Unido, siendo nº1 en Alemania​ y nº2 en Países Bajos, Bélgica y Suiza. Sorprendentemente, fue en Estados Unidos, la tierra de los mencionados Stooges y Ramones, dónde peores resultados obtuvo, quedándose en el puesto 61 de las listas USA, pero ese pequeño traspiés no hizo que Ozzy Osbourne y compañía se volvieran "paranoicos" al respecto, y acabaron por conquistar también a los oyentes del otro lado del Atlántico.

miércoles, 28 de diciembre de 2022

0727- War Pigs - Black Sabbath

 

War Pigs, Black Sabbath


     En febrero de 1970 el grupo publica bajo el sello discográfico Vertigo, perteneciente a Philips Records, su primer álbum de estudio titulado Black Sabbath, grabado sólo en dos días con un presupuesto de 600 libras. En un principio el disco no consiguió acaparar la atención de la crítica, pero poco a poco y con el tiempo el disco, que estuvo mucho tiempo posicionado en las listas, obtuvo certificación de platino en Estados Unidos y de oro en Reino Unido. Debido a la portada del disco y el estilo del grupo, éste recibe la fama de ser una banda satánica, llegando a ser invitados por una secta satánica para que tocara en uno de sus ritos en Stonehenge. La banda lógicamente se negó, pero al parecer fueron maldecidos por un integrante de la secta. Como medida de protección, el padre de Ozzy les fabricó a cada uno de los integrantes una cruz de plata que debían llevar colgada del cuello a todas partes.

Para aprovechar el éxito que el disco ha tenido en estados Unidos el grupo se mete en el estudio en junio de 1970, y en septiembre de 1970 lanzan al mercado su segundo álbum de estudio, Paranoid. Las composiciones de los temas están dotadas de esa oscuridad tan característica del famoso tritono, y las letras de Paranoid se encargan de hablarnos de la parte más negativa y mala de la condición humana. Todas las composiciones de este álbum están acreditadas a los 4 componentes de la banda. Sobre el título del disco, el grupo lo quería llamar War Pigs, pero debido a presiones de la discográfica tuvieron que cambiarlo por Paranoid. De hecho la portada del álbum fue diseñada por Keith Macmillan y fue concebida para el título War Pigs, pues ilustra un cerdo con una espada y un escudo.

Y precisamente uno de los temas que nos sumerge en este viaje por la oscuridad de la condición humana es War Pigs, el tema que se supone iba a dar nombre al álbum y una auténtica joya. Un trallazo donde el grupo habla de los horrores de las guerras y lanza una dura crítica a éstas, concretamente a la guerra de Vietnam, a los militares y a los políticos, a los que califican como "Cerdos de guerra". Al grupo se le ocurrió la idea de escribir el tema mientras se encontraban tocando por Europa en una base de la Fuerza Aérea Estadounidense. El tema fue escrito en algún lugar de un desierto de Zurich, Suiza, cuando aún se encontraban tocando para audiencias más pequeñas.

Father of all..... - Green Day #MesGreenDay






El grito es casi unánime, estamos ante un álbum es casi infame por su marketing fuera de contacto, y por no cumplir las expectativas y no reflejar lo que realmente es la música de Green Day, pero somos un blog serio y si o si tenemos que terminar el mes Green Day y ese final o es otro que Father of All… o lo que sea que entregaron, asi que me dispongo a volver a escucharlo, ya lo hice en su estreno y se quedó perdido en el limbo, pero sinceramente me apetece volver a enfrentarme a él. Le he dado otro par de intentos esta semana para ver si mi opinión cambia y no ha mejorado, sino que me disgusta más. De hecho, no recordé una sola nota de este álbum entre entonces y ahora, aparte de la canción principal y el coro de 'Take the Money and Crawl', recordé la parte principal del estribillo porque me pareció pegadiza en una especie de comercial de coches, lo que supongo que vale algo, pero la otra razón por la que se quedó en mi cabeza desde que la escuché por primera vez, fue sonaban TAN mal que simplemente no podía olvidarlos. Aparte de que necesito quejarme hay poco que decir sobre las otras canciones, muchas de las pistas suenan como copias unas de otras, es extraño escuchar las mismas estructuras repetidas en algo cercano a la mitad de la lista de canciones. El principal culpable de eso que me viene a la mente es la fórmula del verso de alternar entre golpes de instrumentos y canto, si entiendes a lo que me refiero (DUN DUN DUN DUN - todos los instrumentos se detienen, excepto la batería tal vez - *Cantando* - DUN DUN DUN DUN - *Cantando*, repetición). No puedo señalar ninguna composición inteligente o subversiones musicales (aparte de subvertirse a sí mismo de la buena música). Muchas de las letras tienen exactamente el efecto opuesto de inteligente para mí. El álbum dura 26 minutos, pero cada canción se siente MUCHO más larga que su tiempo de ejecución, lo máximo que ha obtenido de mí es "huh, un poco pegadizo" y luego lo olvido, o algo más en la canción agria lo bueno que traté de encontrar. Creo que si cortas cada sección de estas 10 pistas y descartas todo lo que no tiene valor, tal vez podrías hacer 2 canciones con el contenido restante.

Dicho todo esto, no soy un fanático. No soy particularmente una persona pop-punk, pero puedo disfrutar de algunas canciones de Green Day, así que no soy inmune a que me guste cualquier cosa dentro del género. El marketing boomer acaba de agregar la guinda del pastel que le dio al álbum una cantidad remota de cobertura, de lo contrario, creo que esto se habría olvidado TAN rápido, de manera similar a cómo olvidé aproximadamente 25 de 26 minutos de este lanzamiento solo un pocos meses después de darle una generosa cantidad de escuchas. Y ahora un breve resumen de lo que me ha parecido cada cancion


Father of All, fue el sencillo principal e inmediatamente me hizo saber que este álbum estaba destinado a ser una decepción. la mezcla, como la mayoría de las canciones de este álbum, es confusa. el falsete de Billie Joe es simplemente... un sonido extraño, con una tonelada de distorsión (y no del tipo bueno) y está completamente enterrado en la mezcla: a veces me esforzaba por escucharlo. además de eso, esta es solo una vieja y aburrida canción de Green Day, del tipo que he escuchado antes y que lo hacían mejor. Fire, Ready, Aim cuya mejor descripción que he escuchado es que parece hecha para un anuncio de una competición de carreras…. ¿Y porqué lo comprimen tanto? Acaso es para que entre en el anuncio, al menos Oh Yeah te llega un poco, no es una canción que me gustaría escuchar regularmente, al menos aprecio las voces reverberadas y el sintetizador en la parte posterior de la segunda mitad, no es una canción terrible en general. 

Meet me on the roof es un rock comercial que probablemente me dará migraña después de escucharlo, no odio completamente. la mezcla sigue siendo muy mala. I Was a Teenage Teenager tiene posiblemente el peor título de canción de todos los tiempos, qué demonios significa eso. claro, la melodía no es horrible, pero entre la letra cursi y, de nuevo, una producción terrible, se estropea del todo. Stab you in the heart es una versión pop punk del rock and roll de los años 50, parece genial pero no es inmune a los problemas que planean por el resto del álbum. Sugar Youth y esass guitarras tan poco interesantes, simplemente suenan planas y poco dinámicas esa fue mi concclusion. Además, ¿por qué Billie Joe sigue escribiendo canciones sobre la juventud? Vamos, hombre, tienes casi 50 años, debe haber otras cosas sobre las que escribir ahora. Junkies on a high probablemente tiene la letra más significativa del álbum (es un listón muy bajo), pero una vez más, la mezcla es horrible, todo es tan plano y estático y resulta casi plomiza. Take the Money and Crawl, sí ya ni siquiera sé qué decir, bueno si, suena igual que el resto del álbum. Graffitia...... se me acabaron las cosas que decir. es simplemente mala.

martes, 27 de diciembre de 2022

0726.- To Be Young, Gifted and Black - Nina Simone

Grabado en 1969 y lanzado en 1970, Black Gold fue uno de los últimos álbumes lanzados antes de que el tiempo de Nina Simone en los Estados Unidos llegara a un abrupto final. La grabación refleja una actuación en el Philharmonic Hall de Nueva York, frente a una multitud que semanas antes habían agotado las entradas. Simone había lanzado numerosos álbumes en vivo durante los años 60, la mayoría de los cuales fueron grabados en la ciudad de Nueva York en lugares del Midtown como Carnegie Hall y The Town Hall. Cuando se grabo este concierto Nina Simone se encontraba en la cima tanto de su fama como de su pasión política, lo que se refleja en la increíble calidad de la interpretación y su inspirada elección del material. Black Gold presenta una mezcla de canciones folclóricas tradicionales, composiciones originales y versiones en las que Simone le da su propio toque y refleja una breve instantánea de Simone actuando en un momento definitivo de su carrera, un testimonio con el que sin duda queda claro que merece el título de "suma sacerdotisa del soul". La elegancia magistral de su música, a la vez formidable y hermosa, se escucha no solo en la habilidad de su forma de tocar, sino también en la entusiasta recepción que recibe de la multitud presente esa tarde de principios de otoño. Es un recordatorio de que su talento estaba respaldado por una personalidad singular, que era a partes iguales difícil, divisiva, audaz e intransigente. Black Gold nos ofrece el privilegio de escuchar a esta personalidad en todo su esplendor sin adornos, crudo y poderoso, manteniendo vivo el espíritu inquieto de una mujer increíble en los corazones de aquellos a quienes ella inspiró.


Pero Black Gold es especialmente notable por su interpretación de uno de los mejores himnos de derechos civiles de Simone, 'To Be Young Gifted And Black'. Grabado y lanzado en 1969, fue escrito en colaboración con el compositor y multiinstrumentista Weldon Irvine, en memoria de la difunta amiga de Simone, Lorraine Hansberry, autora de la obra A Raisin in the Sun. Fue admirada por otros creativos y activistas, como James Baldwin y Martin Luther King Jr., como una de las escritoras más perspicaces sobre la experiencia de los afroamericanos en la sociedad moderna, y se convirtió en la madrina de la hija de Simone, Lisa. A Simone se le une en el escenario un coro de cantantes, lo que refuerza el mensaje de la canción de levantamiento comunitario y la elevación del talento negro marginado. Su franca introducción explica que "no está dirigida a los blancos; no los menosprecia de ninguna manera, simplemente los ignora... Porque mi gente necesita toda la inspiración y el amor que pueda obtener". La interpretación de la canción de Simone se encuentra entre las mejores, alcanzando momentos de liberación extática que rivalizan con la energía alegre de un coro de gospel y su mensaje inspirador martillado con una pasión insaciable.


lunes, 26 de diciembre de 2022

0725.- I'll be there - Jackson 5



El primer single del tercer álbum de los Jackson 5, publicado por la Motown en agosto de 1970, es una canción escrita y producida por Berry Gordy, Hal Davis, Bob West y Willie Hutch. Fue el cuarto número 1 consecutivo de la banda de los hermanos Jackson, que venían de cosechar el éxito con "I Want You Back" en 1969, junto con "ABC" y "The Love You Save" en 1970, y que en ese momento establecieron el récord de ser el primer grupo que alcanzara el nº 1 con sus cuatro primeros singles. En concreto, "I'll Be There" tiene también el honor de ser, no solo su single de mayor éxito, sino el de toda la Motown hasta ese momento.

El propio Michael Jackson comentó, en su libro autobiográfico Moonwalk, que "I'll Be There" fue realmente la canción que consolidó a los Jackson 5 en el panorama musical de los años 70 y les quitó la etiqueta de banda infantil. Todo un dato a tener en cuenta, porque el cantante cumplió 12 años al día siguiente de que "I'll Be There" se publicara.

El éxito de "I'll Be There"  ha sido prolongado por la gran cantidad de artistas que lo han versionado desde entonces, siendo especialmente destacable la versión que Mariah Carey y Trey Lorenz realizaron para su actuación en el "MTV Unplugged" de Carey en 1992, y que acabó siendo publicada como single de promoción del disco en directo. El "I'll Be There" de Carey fue también nº 1 en Estados Unidos, demostrando que la canción de los Jackson 5 seguía teniendo vigencia y era, una vez más, poseedora de la llave del éxito.

domingo, 25 de diciembre de 2022

0724.- (Get up, I feel like being a) Sex Machine - James Brown



"Sex Machine" fue una de las primeras canciones que James Brown grabó con su por entonces nueva formación, "The J.B.'s". Consciente de que su nueva sección de vientos no tenía la misma experiencia que la anterior, Brown minimizó su presencia en favor de la poderosa sección rítmica (con Jabo Starks a la batería y Bootsy Collins al bajo) y el riff funky de guitarra de Catfish Collins, para vestir de ritmo una letra de "llamada y respuesta" entre la voz principal del propio Brown y la de acompañamiento, a cargo de Bobby Byrd.

Como la mayor parte de los éxitos de James Brown de los 60 y 70, se grabó en apenas dos tomas, y en la toma definitiva se producía un diálogo previo entre Brown y la banda, que se hizo tan popular que Brown la mantuvo en las interpretaciones en directo. También se mantuvo para la historia el guiño que, hacia el final de la canción, James Brown y Bobby Byrd hacen al clásico de blues de Elmore James "Shake your moneymaker" cantando a dúo el verso en repetidas ocasiones.

Para su publicación en single en 1970, la dividieron en dos partes que ocuparon ambas caras, y el sencillo alcanzó rápidamente el nº 2 de las listas de R&B, y el nº 15 del Billboard Hot 100. En la actualidad, es seguramente, y junto a "I feel good", la canción más recordada y pinchada del "Padrino del Funk". Para aquellos pocos que hayan estado hibernando todos estos años y no la conozcan, aquí va nuestro consejo: Si alguna vez, en la radio, escucháis a alguien decir: ¡Colegas! ¡Estoy preparado para hacer lo mío! ¡Quiero ponerme a ello, tío, ¿Sabes? ¡Como una máquina sexual, tío! ¡Moviéndome, dejándome llevar, haciéndolo, ¿Sabes?... Subid el volumen y esperad a que comience a contar ¡Uno, dos, tres, cuatro! y después de eso ya no podréis dejar de mover el cuerpo al ritmo funky de "(Get up, I feel like being a) Sex Machine".

Green Day - Revolution Radio #MesGreenDay



Hizo falta contar hasta tres, tras la desangelada trilogía "Uno" "Dos" y "Tré" (2012) que se sacaron de la manga Billie Joe Armstrong y compañía, para volver a disfrutar de un buen disco de Green Day. Eso es, ni más ni menos, Revolution Radio, el doceavo disco de estudio de la banda californiana, publicado en Octubre de 2016 con el sello Reprise Records. La revolución de este disco no se quedó solo en el título, pues marca una serie de cambios en el seno y el entorno de la banda, al ser el primer álbum desde 21st Century Breakdown (2009) que no fue producido por el hasta entonces habitual Rob Cavallo, y el primero también en el que el grupo volvió al formato de trío, tras la vuelta voluntaria del guitarrista Jason White (promocionado a miembro oficial en 2012) a su rol inicial de músico de apoyo durante las giras.

Esta vuelta a los orígenes se nota en las canciones que conforman Revolution Radio. Atrás quedan los intentos de revestir las canciones con instrumentos y arreglos, y salvo en contadas ocasiones, la tónica del disco es un regreso a las canciones directas y al punk rock comercial marca de la casa, aunque la banda sigue mostrando una variada paleta de influencias, que quedan patentes ya desde el arranque con Somewhere now, que combina la dosis justa de aspereza y melodía al más puro estilo de The Who. Enfocados como hacía años que no les recordábamos, no dejan momento para el respiro y suben el nivel con Bang Bang, trallazo punk rock que fue el primer single y la primera de las canciones del disco en la que se respira esa vuelta a los patrones básicos de canciones rabiosas y urgentes, y no por ellos menos brillantes. Es el caso también de Revolution Radio, la canción que da título al álbum, y tercer single publicado del mismo.

Say Goodbye y Outlaws mantienen el tipo y contribuyen al buen sabor de boca que deja la primera mitad del disco, en la que el único lunar quizá sea Bouncing Off the Wall. Es solo una opinión subjetiva, pero deja una sensación de canción power pop adolescente y excesivamente azucarada, que ya no les pega a unos Green Day que, tras tantos años de carrera, deberían estar por encima de ese tipo de propuestas sonoras. El mal trago dura poco, porque Still Breathing recupera el pulso y clama a los cuatro vientos que, tras tantas y tantas batallas, están de vuelta y "siguen respirando". Conscientes de la calidad de este tema, lo eligieron para ser el segundo single de esta particular revolución radiofónica, que en su segundo tramo tiene también canciones destacables como Youngblood o Forever Now, que nos recuerda al modo de trabajar de la banda en American Idiot o 21st Century Breakdown, ensamblando diferentes partes de canciones en una sola de casi siete minutos, convirtiéndola en una rara perla en un disco, por lo general, basado en trallazos de tres minutos. 

Termina el disco con Ordinary World, un tema firmado en solitario por Billie Joe Armstrong, que aparece en la película del mismo nombre, que el líder de Green Day protagonizó en 2016, poniendo la guinda a un meritorio intento de revolución profesional, con la que dieron un golpe de timón a una carrera que empezaba a precipitarse al vacío tras una cuenta hacia adelante que no había convencido a casi nadie. Con Revolution Radio enderezaron el rumbo, y garantizaron que la próxima vez que sonaran en la radio, y les escucháramos contar "Uno, Dos y Tres" fuera para comenzar alguna de las doce descargas de decibelios que conforman esta apreciable vuelta a la intensidad y el talento de sus discos más celebrados.

sábado, 24 de diciembre de 2022

0723 (They Long To Be ) Close To You - The Carpenters

 

Close To You, The Carpenters


     El 19 de agosto de 1970, el dúo estadounidense The Carpenters publica su segundo álbum de estudio, Close to You. El disco fue grabado entre 1969 y mediados de 1970 en los estudios A&M de Hollywood, bajo la producción de Jack Daugherty, y publicado por el sello discográfico A&M / Polydor. El disco y sus sencillos alcanzaron un gran éxito, llegando a conseguir ocho nominaciones a los premios Grammy, incluyendo Álbum del año, Canción del año y Grabación del año, y ganando los premios a Mejor Artista Nuevo y Mejor Interpretación Vocal Contemporánea por un Dúo, Grupo o Coro. En cuanto a ventas, el álbum llegó al puesto número 1 en las listas de ventas de Canadá, alcanzando también la cima en las listas estadounidenses Billboard Hot 100 y Adult Contemporary. En Reino Unido llegó a entrar en el top 50 de su lista oficial, llegando a permanecer durante 76 semanas en la misma.

Uno de sus exitosos sencillos fue (They Long To Be) Close To You, una canción escrita por el dúo Burt Bacharach y Hal David, y que fue la primera canción de estos compositores que The Carpenters grabarían. Si bien es cierto que hubo varias versiones anteriores, entre las que se encuentran las realizadas por Richard Chamberlain (1963), Dionne Warwick (1964) o Dusty Springfield (1964), la canción no conseguiría un gran éxito hasta la versión hecha por The Carpenters con el respaldo instrumental de músicos de sesión de Wrecking Crew de Los Ángeles. 

En las primeras sesiones de grabación de la canción Karen Carpenter tocó la batería, pero al productor no le gustó, por lo que decidieron volver a grabarla con Hal Blaine a la batería, Joe Osborn al bajo, Chick Findley a la trompeta, Bob Messenger a la flauta, Karen Carpenter voz principal y coros y Richard Carpenter piano, piano electrónico, clavecín, orquestación y coros. La parte de la trompeta en el medio de la canción tampoco fue fácil, pues Richard Carpenter tenía un sonido muy específico en mente y tenía varias trompetas tratando de tocarlo. Al final sería Chuck Findley quien resolvería el problema, tocando todas las partes de trompeta él mismo y luego superponiéndolas para crear el sonido escurridizo que Richard quería.

Stars of the Lid - And Their Refinement Of The Decline #Píldora 16

Siempre he sentido que la música ambiental, cuando se hace de manera efectiva, puede manipular mis emociones de una manera única y poderosa cosa que no consigue cualquier otro tipo de música. Esta intensa manipulación emocional es algo que creo que Stars of the Lid ha captado perfectamente son su album And Their Refinement of the Decline. Gran parte de este disco consiste en oleajes en evolución que se unen, crecen y mueren en escalas de tiempo de segundos, el resultado es un disco que sube y baja como la respiración de un moribundo en paz con su tiempo en la Tierra. La fugacidad de estos sonidos hace que la música se sienta unida por un hilo, siempre inminentemente cerca de dispersarse por completo. Con este minimalismo sonoro, el grupo realiza una destilación de la emoción de su música hasta sus ingredientes más básicos, incluso mediante la introducción de grabaciones de campo y el mayor uso de instrumentación reconocible en la segunda mitad del álbum, nunca se presenta como un elemento mas sin un propósito estricto. Mi consejo es que te sientes, cierres los ojos, olvides tu dia a dia y sientas cómo el tiempo comienza a desvanecerse, si eres como yo, tus oídos comenzarán a aferrarse a cada sonido como si fuera el último que escucharán.


En este estado en el que te dejamos en el parrafo anterior, las hinchadas pensativas de “Articulate Silences, Pt. 1” se convierten en llamadas desgarradoras a tiempos más simples, y cortes plácidos como “The Evil That Never Arrived” y “Don't Bother They're Here” se convierten en momentos serenos de reflexión deslumbrante. “The Daughters of Quiet Minds” es el corte más largo y nos deja una sensación distintiva de tenue exuberancia juvenil, después de un torbellino inicial de sintetizadores, se asienta en un solo pasaje breve, hipnóticamente repetido, que mantiene al oyente en su lugar en un mundo lleno del optimismo de la infancia. “The Mouthchew” evoca perfectamente los sentimientos de decir adiós a los seres queridos y hacer las paces con tu vida. Similar a la música de "The Caretaker", donde casi puedes ver imágenes de tu pasado y la conciencia del presente desvaneciéndose mientras la escuchas.

And Their Refinement of the Decline es una obra maestra y uno de mis álbumes ambientales favoritos de todos los tiempos, sus altibajos emocionales son trascendentales y los bajos desgarradores. Este es el tipo de álbum que espero que siempre pueda llevarme a su mundo sin importar cuántas veces lo escuche, no espero que todos tengan la misma experiencia que yo con este álbum, pero, en caso de que la tengas, te imploro que lo escuches y lo pruebes.


viernes, 23 de diciembre de 2022

0722.- We've Only Just Begun - The Carpenters


The Carpenters en los años 70 dominaron las listas de éxitos y vendieron cientos de discos, y eso lo consiguieron sin obtener ningún tipo de alabanza por parte de la critica musical, han pasado mas de 50 años y ahora tenemos la previsión histórica y la nostalgia para reevaluar a The Carpenters. Si bien no estaba vivo en los años 70, todavía tengo algo de nostalgia por los Carpenters de mi infancia, y puedo decir con confianza que Close to You es un álbum pop superior al promedio de lo editado en aquellos años y contiene algunas de las mejores canciones pop de la historia, se pude decir que es un gran álbum, pero quizás para ser una joya le sobra alguna canción que esta de relleno. Gran parte del éxito se debe sin duda sus componentes, principalmente Karen Carpenter que es una cantante fantástica, a su lado, su hermano Richard Carpenter es un buen vocalista, pero un excelente arreglista musical, y la unión de ambos hace que suene realmente bien. No es la música más profunda, pero no necesariamente creo que el pop deba ser excepcionalmente profundo para ser genial.

La calidad prístina de 'We've Only Just Begun' tiene mucho más mérito cuando te das cuenta de que la canción fue compuesta originalmente para un anuncio bancario. En 1968, Crocker Bank se acercó a Paul Williams y Roger Nichols y les pidió que escribieran una canción que atrajera a jóvenes y recién casados a su institución. En declaraciones a una web Williams recuerda como "La agencia de publicidad nos llamó y dijo: 'Mira, vamos a mostrar a una pareja joven casándose, conduciendo hacia la puesta del sol, y va a decir: 'Tienes un largo camino por recorrer, nos gustaría ayudarlo a llegar al Crocker Bank. Y dije: Vale, ¿qué rima con Crocker? ¿Crocker qué? Y dijeron muy específicamente: "No, no queremos un jingle". Lo que pidieron es lo que hoy llamaríamos un video musical. Iba a mostrar a una pareja joven casándose, conduciendo hacia la puesta del sol. Después de la ceremonia, el primer beso y todo. Así que Roger y yo escribimos la canción que tocaría sobre eso”. La pareja terminó escribiendo los dos primeros versos de 'We've Only Just Begun'. Aunque la canción no encabezó las listas como lo hizo "Close To You" un par de meses antes, alcanzó el puesto número 2 en el Billboard Hot 100 y el número 1 en las listas Adult Contemporary. También ganó un Grammy por Canción del Año y Mejor Canción Contemporánea, y a diferencia de algunos estándares del pop que parecen convertirse en canciones de "cualquiera", donde la interpretación original se eclipsa o se olvida (piense en "Unchained Melody"), "We've Only Just Begun" se ha mantenido indeleblemente vinculada a The Carpenters, incluso después de innumerables versiones y mas de 50 años. Los tradicionalistas de línea dura pueden erizarse ante la idea de que una canción de 1970 esté clasificada entre los clásicos de la canción popular estadounidense. No les hagas caso, como cualquier gran clasico, "We've Only Just Begun" sirve para definir un tiempo y una generación, pero también es atemporal: suena tan actual y musicalmente convincente hoy como lo hizo en 1970.

The Carpenters llegaron incluso a tocar en 1972 en la Casa Blanca tras aceptar una invitación del presidente Richard Nixon. Musicalmente eran inofensivos, lo que los llevó a ser muy queridos por los medios de comunicación más conservadores, aunque lo que por entonces pocos sabían a ciencia cierta es que Karen no solamente estaba luchando contra el fantasma de la fama, sino también contra sí misma, sin duda fue una de las grandes voces de todos los tiempos, pero su corta vida transcurrió entre el desamor y la obsesión, como Janis Joplin, como Amy Winehouse, Karen tuvo una vida intensa, vertiginosa, una de esas vidas que suelen pasar, rápidamente, de la gloria al drama, del éxito al pesar más profundo. Y su trágica muerte visibilizo una enfermedad como la Anorexia, lacra del Siglo XXI para muchas niñas condenadas por una sociedad que exprime la imagen hasta secarlas y que en los años 70 del siglo pasado ya causaba dolor y muerte.


Disco de la semana 307: Hermanos de Sangre - Viejas Locas

Disco de la semana 307: Hermanos de Sangre - Viejas Locas

Seguimos recomendando más rock nacional Argentino, y en este caso nos metemos más en la cultura del Rock and Roll Argentino, con un grupo llamado Viejas Locas es una banda de rock argentina que surgió en la década de 1990. Esta banda originaria de la ciudad de Buenos Aires, esta influenciada por la banda britanica The Rolling Stones y también por el género del blues, llegando a ser una de las más importantes dentro del subgénero stone durante los años '90.

En esta oportunidad estamos recomendando el álbum Hermanos de sangre que es el título de su segundo álbum de estudio del grupo de rock argentino Viejas Locas, fue lanzado en el año 1997 a través de la discográfica PolyGram en 1997.

La banda saco al mercado dos canciones con la intención de promocionar el álbum que fueron las canciones "Perra" y "Aunque a nadie ya le importe". Posteriormente, se realizaron los videoclips de cada una.

Todas las canciones del álbum fueron compuestas por su lider Pity Álvarez, a excepción de "Aunque a nadie ya le importe" y "Todo terminó" compuestas por Sergio Toloza y "Difícil de entender" compuesta por Fabián Crea, el álbum contiene 13 canciones. 

La banda tuvo una alta popularidad y sus shows fueron cada vez más aumentando en cantidad de fans que seguía a la banda. Y es cuando en 1997 entran nuevamente a un estudio de grabación para registrar los nuevos temas y darle forma a lo que sería Hermanos de sangre, el segundo trabajo discográfico de Viejas Locas, que salió a la venta los primeros días de agosto de ese año. Para este álbum se barajó la posibilidad de trabajar con Andrew Oldhman como productor viejo productor de The Rolling Stones, lo que finalmente no sucedió. El primer corte de Hermanos de Sangre que sonó en las radios fue "Perra" , del cual se hizo un videoclip. También tuvo un videoclip otra de las canciones que fue difundida como su segundo corte de difusión, "Aunque a nadie ya le importe".

Con Hermanos de Sangre la popularidad de la banda aumentó más, y, al año siguiente, se le presentó a Viejas Locas una gran posibilidad de tocar como soportes de The Rolling Stones. Cuando los ingleses volvieron a tocar en Buenos Aires, Viejas Locas participó como banda telonera en cuatro de los cinco shows que dieron en The Rolling Stones en el estadio River Plate de la ciudad de Buenos Aires, además, en estas presentaciones que duraron media hora aproximadamente, la banda experimento sobre el escenario con un set de vientos. Ser soportes del legendario grupo les permitía poder ser vistos y escuchados por gran cantidad de gente, quienes también pudieron apreciar el show de banderas en apoyo al grupo y bengalas que se daba en los recitales de Viejas Locas en Cemento una sala de conciertos muy popular de buenos aires. 

Por ello para este álbum Hermanos de Sangre, Viejas Locas especulo que Andrew Oldham, reconocido por trabajar con The Rolling Stones en los años sesenta, podía colaborar como productor, cosa que no sucedió y que sí lograrían otra banda argentina que ha hemos recomendado, los Ratones Paranoicos. 
Sin embargo, esto no detuvo la marcha de Pity Alvarez su líder y los suyos. En 1997 editarían su segundo disco Hermanos de Sangre en el cual se nota una cierta mejoría de la banda.

La evolución positiva llega porque Viejas Locas empieza a explorar nuevas variantes en su estilo. En Hermanos de Sangre no es solo rock and roll cuadrado, hay country y folk rock, como “Aunque a nadie ya le importe” y “Caminando con las piedras”. Por eso la primera parte del álbum es la mejor, porque además contiene los mejores temas de rock que puede ofrecer Viejas Locas. “Dámelo” es bueno por su dinámica y “Hermanos de sangre” también se destaca porque tiene un buen riff. Además esta el famoso single de difusión “Perra”, que tiene un estribillo tan cutre como pegadizo.

Ya en la segunda parte del disco, decae un poco la calidad de las canciones. Aparece un rock and roll más cuadrado que se puede escuchar más habitualmente, y que hacen todas las bandas de rock, esto lo podemos escuchar en el caso de “Difícil de entender” que es de lo más simple que nos ofrece Viejas Locas como sonido musical. “Puente de la noria”, “Dos nenas” y “Todo terminó” y esto se repite en estas canciones un rock bien corrientes y repetitivos. Y “Buey” difiere en que lo acompaña una armónica pero es bastante aburrido, a lo que nos acostumbro el lado A del álbum. 

A pesar de una lado B que no continua el ritmo de las primeras canciones, Hermanos de Sangre logra poner a Viejas Locas sobre el máximo de su popularidad, alcanzando la posibilidad de ser teloneros de The Rolling Stones cuando vinieron a la Argentina en los noventa.

Una banda que vale la pena experimentar escuchando este álbum que le recomendamos como sus otros álbumes que sacó la banda. 

Daniel 
Instagram storyboy 

jueves, 22 de diciembre de 2022

Green Day - 21st Century Breakdown #MesGreenDay



Tras la intensa ópera punk rock de American Idiot (2004), Green Day pusieron toda la carne en el asador para su "continuación". Su siguiente disco, tras tomar oxígeno con el rock and roll urgente de su proyecto paralelo "Foxboro Hot Tubs""21st Century Breakdown" (2009) volvía a incidir en el aspecto conceptual y socio-político en las letras, y en darle de nuevo al conjunto una atmósfera de ópera rock basada en una estructura de tres "actos" y 18 temas dónde la intensidad y los cambios de ritmo volvían a ser los ingredientes predominantes. El hilo narrativo se basa en la historia de una pareja formada por Christian y Gloria, una especie de Romeo y Julieta del siglo XXI, en el marco sociopolítico del desencanto por la política de la administración Bush.

El objetivo era llevar la propuesta de American Idiot un paso más allá, y esa ambición se nota tanto en la variedad de estilos que salpican el disco, como en la instrumentación y los arreglos de los temas. Si American Idiot era básicamente punk rock de guitarra, bajo y batería con algún toque de teclados y  cierto aire de marcha militar en las piezas principales, 21st Century Breakdown es un gran collage de influencias que incluyen a Beatles, Clash, Ramones y Who, entre otros, y en el que incluyen mucha más variedad de instrumentos, con un mayor peso de piano y coros en buena parte de los temas.


PRIMER ACTO

El aire conceptual del disco se manifiesta ya desde el arranque, Song of the Century es apenas una intro a capella y con un efecto sonoro que simula que el sonido viniera de una radio antigua, dando paso a los acordes de teclado del comienzo de 21st Century Breakdown, canción titular y una de las canciones que más emparentan con la estructura musical de largas odas con efectivos cambios de ritmo de American Idiot. Es, sin duda, uno de los momentos más destacados del álbum, a la altura de lo mejor de su predecesor.

El ritmo no decae con Know your enemy, efectivo, contundente y pegadizo single con todas las credenciales típicas de la banda, y con ¡Viva la Gloria!, balada de piano y arreglos de cuerdas con la que presentan al personaje de Gloria. Hacia la mitad del tema, y tras un breve silencio, la canción muta en una nueva descarga marca de la casa, fórmula que repiten en Before the lobotomy, en esta ocasión con una intro melódica basada en una letanía acústica que no engaña a nadie, porque al escucharla sabes que va a explotar en algún momento, y lo hace tras (de nuevo) un breve silencio que es la antesala de un riff pesado y de una buena canción de complemento con influencias de The Who. Como contrapunto, Cristian's Inferno arranca muy punk, para derivar después en un estribillo para gritar en estadios, y es la intensa descarga de adrenalina que sirve de carta de presentación de Christian, a ritmo de Stooges o Ramones.
 
Tras dos temas correctos pero que carecen de la magia de los primeros, o de los de American Idiot, el primer acto cierra con Last night on Earth, una agradable y profunda balada con ciertas reminiscencias a Boulevard of Broken Dreams y al sonido de The Beatles. En conjunto, el primer acto podría ser calificado de notable, y hasta ese momento deja la sensación de estar saboreando un gran disco. Y no es que el segundo, o el tercero, sean malos, ni muchos menos, pero el disco da la sensación de ser excesivamente largo.


SEGUNDO ACTO

El segundo acto tiene la misma estructura que el primero, empezando por un tema efectivo y cambiante (East Jesus Nowhere) de cierto aire glam, reforzado después por un tema sorprendentemente refrescante y arriesgado (Peacemaker) en el que juegan con una melodía árabe y una energizante percusión, para después entregar tanto temas positivos y comerciales al estilo de bandas como Weezer (Last of the American girls), como intensos y acelerados trallazos de punk-pop (Murder City) que mejoran incluso a algunas canciones del final del primer acto.

A la altura de ¿Viva la Gloria? (Little Girl), la enésima canción de intro melódica que acaba tornando en rítmica y con pegadizo estribillo, y pese a su curioso e inesperado piano cabaretero, empieza a notarse cierta repetición de esquemas. Tan gemelos son los dos primeros actos, que el segundo termina de nuevo con una intensa balada épica con la que cerrar en lo más alto, y aún mejor, porque Restless Heart Syndrome es uno de los momentos álgidos del disco, en un lujoso despliegue de piano y arreglos de cuerdas, que hacen un impresionante acompañamiento a la banda y a la voz de Billie Joe Armstrong, que se atreve incluso con el falsete en algunos tramos.  


TERCER ACTO

En conjunto el notable se mantiene, y a estas alturas solo podemos achacarle a 21st Century Breakdown que la moraleja de la historia de Christian y Gloria no es otra que "el que mucho abarca poco aprieta".  A estas alturas, y con otro acto por delante, la propuesta se antoja excesiva, y ni las afiladas guitarras de garaje de Horseshoes and grenades pueden ya cambiar esa sensación en la escucha. The static age es un chorro de aire fresco entre tanta épica, y 21 guns es otro buen single marca de la casa, que vuelve a mostrar parecidos o reminiscencias del Boulevard of broken dreams que tanto éxito les dio en American Idiot, y probablemente habría sido un buen final de acto y de disco.

Sin embargo, cierran con una de esas canciones largas y cambiantes, que podrían recordarnos a American Idiot, pero American Eulogy es una larga e innecesaria amalgama de dos canciones power pop, tras un guiño a la canción de arranque (Song of the Century) en el primer tramo que resulta también innecesario, teniendo en cuenta que el último tema (See the light) es también una canción construida con el ritmo de teclado de Song of the Century, haciendo la función de "final que vuelve al principio" tan típica de los buenos discos conceptuales. Y ese quizá sea el mayor pecado de un disco que lleva por nombre "Desglose del siglo XXI": No haber sabido sintetizar mejor la propuesta de su segunda gran ópera punk rock, guardándose algunas canciones menores para otros proyectos, para hacer este desglose histórico y conceptual algo más llevadero. Una acertada selección de doce de las dieciocho canciones del disco, quitando un par de temas de cada acto, habría llegado incluso al sobresaliente, pero se quedó en un disco notable que, con los años, no ha podido quitarse de encima la pesada etiqueta de "proyecto fallido" o que no cumplió del todo con las expectativas que había generado, por no haber tenido en cuenta que, en la era del consumo digital rápido e inmediato, "lo bueno, si es breve, es dos veces bueno".

0721 - Eric Clapton - Let it rain



0721 - Eric Clapton - Let it rain

Let It Rain es una canción y un single que fue escrito y lanzado por el músico de rock británico Eric Clapton y Bonnie Bramlett; aparece en su álbum de estudio debut de 1970, Eric Clapton. En 1972 fue lanzado como single como parte de la promoción de su álbum recopilatorio Eric Clapton at His Best.

La canción fue lanzada con la cara B de "Easy Now" en 1972 en un disco de gramófono de vinilo de 7". Además de ser lanzada como sencillo en 1972 y en el álbum original en 1970, la canción aparece en varias recopilaciones álbumes, incluidos Eric Clapton at His Best (1972), Backtrackin' (1984), Crossroads (1988), The Cream of Clapton (1995) y Complete Clapton (2007). Se puede encontrar una interpretación en vivo de la pista en el álbum de video Live at Montreux 1986, lanzado el 19 de septiembre de 2006. En total, la pista ha sido lanzada en más de 15 álbumes. Las versiones de conciertos en vivo de Derek & the Dominoes se incluyen en sus álbumes In Concert ( 1973) y Vive en el Fillmore (1994).

En su reseña del álbum debut de Eric Clapton, al crítico de AllMusic Stephen Thomas Erlewine le gusta que el título "presente solos extendidos". También señala que la canción consiste en un "elemento pop". El compañero crítico Greenwald recuerda la pieza como "uno de los primeros clásicos escritos por Eric Clapton" y continúa diciendo que la canción "mostraba la influencia que Delaney Bramlett" tenía en Clapton en ese momento. Robert Christgau encuentra en la reseña de su álbum que "Let It Rain" merece un "estado de clásico". Billboard la describió como una "balada de ritmo fuerte".

Daniel
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miércoles, 21 de diciembre de 2022

0720 After Midnight - Eric Clapton

 

After Midnight, Eric Clapton


     Tras su exitoso paso por bandas como The Yardbirds, John Mayall & The bluesbreakers, Cream y Blind Faith, Eric Clapton decide grabar su primer álbum en solitario. El título del disco llevará el nombre del artista, Eric Clapton, y es grabado entre noviembre de 1969 y marzo de 1970 entre los Olympic y Island estudios de Londres, y Village Recorder de Los Ángeles, bajo la producción de Delaney Bramlett, y publicado el 12 de agosto de 1970 por la compañía discográfica Atco Records.

La portada del álbum es una fotografía de Barry Feinstein, reputado fotógrafo y cineasta estadounidense, conocido por sus fotografías de Hollywood de la década de los años 50, y muestra a Eric Clapton sentado en un estudio fotográfico de Los Ángeles, mientras fuma un cigarrillo, y con su guitarra eléctrica Fender Stratocaster Brownie apoyada entre sus piernas. 

Incluido en este debut en solitario de Eric Clapton se encuentra After Midnight, canción que fue compuesta originalmente por J. J. Cale, y que fue publicada en 1966 por éste mismo junto con su banda, Leathercoated Minds, como cara B del sencillo Slow Motion. La canción apenas tuvo éxito alguno, pero serviría com catalizador para la carrera musical de Cale, pues Eric Clapton había quedado muy impresionado con la canción y decidió incluirla en su álbum debut en solitario, siendo lanzada además como único sencillo del mismo. La versión de Clapton sí tuvo muy buena aceptación en las listas de varios países. Sobre este hecho J. J. Cale llegó a comentar: "Yo era extremadamente pobre, no tenía dinero suficiente para comer y ya no era joven. Estaba en la treintena, de modo que me hizo felíz. Fue muy agradable hacer algo de dinero". Para la grabción de la canción, Clapton contó con Bobby Whitlock al órgano, Jim Gordon a la batería, Delaney Bramlett en la guitarra rítmica, Carl Radle al bajo, Leon Russell al piano y Bobby Keys al saxofón.

martes, 20 de diciembre de 2022

0719 - Stevie Wonder - Signed Sealed Delivered (I'm Yours)

0719 - Stevie Wonder - Signed Sealed Delivered (I'm Yours)

Vamos con la canción Signed, Sealed, Delivered (I'm Yours) que es una canción soul del músico estadounidense Stevie Wonder, lanzada en junio de 1970 como single para el sello discográfico Tamla de Motown. 

La canción paso seis semanas en el número uno en los EE. UU. en la lista de R&B y alcanzó el puesto número tres en los EE. UU. En la lista U.S. pop. En el mismo año, la canción también fue lanzada en el álbum Signed, Sealed & Delivered.

La canción tiene arreglos del artista Paul Riser y presenta un sitar eléctrico como instrumento, interpretado por Eddie "Chank" Willis.
La letra de la canción cuenta, que el cantante ha dejado a su novia pero se da cuenta de que eso fue un error. "He hecho muchas tonterías que realmente no quise decir". Ahora ha regresado, comprometiéndose a regresar, similar a un paquete de entrega especial de la oficina de correos, "firmado, sellado, entregado, soy tuyo".

La canción fue una serie de éxitos  para Stevie Wonder, a sus 20 años, Signed, Sealed, Delivered (I'm Yours) fue el primer single que Stevie Wonder produjo por su cuenta, y también fue el primero en presentar su canto femenino de respaldo. grupo compuesto por Lynda Tucker Laurence, quien se convirtió luego en miembro de la banda The Supremes, Syreeta Wright, quien también coescribió la canción y luego se casó con Stevie Wonder y Venetta Fields. La canción le dio a Stevie Wonder su sexta nominación al Grammy, y el premio de ese año fue para la canción de Clarence Carter "Patches".

Cash Box declaró que la canción es "lo suficientemente pulida y poderosa como para mantener un poder de mercado adulto y apunta hacia ventas gigantes". Está en el puesto 203 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

Daniel 
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lunes, 19 de diciembre de 2022

0718.- Lookin' Out My Back Door - Creedence Clearwater Revival


Finalizamos el repaso al mejor álbum de la Creedence Clearwater Revival, y nos daremos unas líneas para rendir homenaje a la voz de John Fogerty, una voz que suena como la luz del sol a través de una tubería oxidada y que mejor ejemplo que ilústralo con una de las canciones más memorables de Fogerty, "Lookin' Out My Back Door", que escribió con su influyente banda de rock nacida en California, Creedence Clearwater Revival, y lanzó el LP de 1970 del grupo, Cosmo's Factory. Para empezar, ¿hay alguna forma más sosa de titular una canción? “mirando por su propia puerta trasera”, pero con lo simple también viene lo detallado, cuando se habla de los mejores tipos de artistas, como en este caso hablamos de Fogerty. Desde su lanzamiento, muchos han especulado sobre que la letra habla de las drogas, acompañada de una especie de melodía de mente salvaje mientras el cantante se sienta boquiabierto y tropezando, mirando el mundo loco desde su puerta. En la canción, el narrador (digamos Fogerty) acaba de llegar a casa desde Illinois, necesita reiniciarse y tomar un descanso. Cierra la puerta principal de su casa y se pone a mirar por la puerta trasera, su mente se relaja, su "imaginación se dispara". Escucha al músico de Bakersfield, Buck Owens, mientras una serie de cosas pasan frente a sus ojos: criaturas felices, dinosaurio Victrola, un gigante haciendo volteretas, una estatua con tacones altos, elefantes con panderetas, cucharas voladoras, es esta última referencia la que hace que muchos piensen que se trata de una canción relacionada con las drogas. Cosas bastante alucinantes, pero, si le preguntas a Fogerty, no se trata de drogas. En entrevistas y en Bad Moon Rising: The Unauthorized History of Creedence Clearwater , se cita a Fogerty diciendo que la canción en realidad fue escrita para su hijo de tres años, Josh, también dijo que la referencia al desfile que pasaba por la puerta se inspiró en la historia del Dr. Seuss, Y pensar que lo vi en Mulberry Street.


Si bien la canción de dos minutos y medio tiene un gran impacto (y su video musical presenta grandes barbas, cuerpos de papá y franela), todavía hay algo de misterio detrás del significado y los orígenes de la letra es mucho mejor. Es prácticamente imposible escuchar este clásico y permanecer de mal humor. 'Lookin' Out My Back Door' tiene una sensación realmente cálida y soleada que te recuerda los largos veranos de la infancia y estoy seguro de que es algo que el hijo de John recuerda con cariño cuando recuerda haber crecido con una leyenda musical en su casa: Su papa. Y nosotros escucharemos un ejemplo épico de la inimitable voz rasposa y gruñona de Fogerty que vivirá para siempre más allá de la vista desde cualquiera de nuestras puertas traseras.


domingo, 18 de diciembre de 2022

0717.- Who'll stop the rain - Creedence Clearwater Revival

 


Publicada como "doble single" (un sencillo en el que se le da el mismo peso a las dos canciones que lo componen, sin distinguir entre cara A y B) junto a "Travelin' Band", "Who'll Stop the Rain" formó también parte de Cosmo's Factory (1970), el que fuera quinto larga duración de la Creedence Clearwater Revival. El single conjunto alcanzó el top 5 de la lista de singles pop del Billboard estadounidense.

En contraste con "Travelin' Band", inspirada en el rock and roll de la década de 1950, musicalmente "Who'll Stop the Rain" tiene un toque más acústico y de folk-rock de raíces. La canción está estructurada en tres partes, con versos que hacen referencia a dos momentos diferentes del pasado y un momento presente, identificado con la "generación Woodstock". Por la letra y el momento en el que fue publicada, muchos han querido ver en "Who'll Stop the Rain" una canción protesta contra la guerra de Vietnam, cuando en realidad Fogerty estaba hablando sobre su propia experiencia en Woodstock, cuando se puso a llover a cántaros y la gente, lejos de dispersarse para buscar refugio, empezó a desnudarse.

Al volver a casa, John Fogerty escribió la canción, basándose en esa experiencia y en una frase de su hijo de 4 años, que dijo: "Papá hace parar la lluvia", con la ilusión y la confianza que los niños tienen en sus padres, a esas edades. El tiempo les enseña después que sus padres no eran tan poderosos, pero que sí que fueron capaces de transmitirnos canciones con las que bailar bajo la lluvia sin que nos importe lo más mínimo que nos acabe calando hasta los huesos, preguntándonos quién será realmente capaz de pararla algún día.

Warning - Green Day #MesGreenDay

 

Muchas veces sucede, Bob Dylan se volvió rock, Radiohead se volvió electrónico y Oasis se volvió una mierda. Cuando un grupo cambia de dirección, siempre va a dividir la opinión, en algún momento a la gente se le ocurrió que el grunge no era suficiente para satisfacer su hambre alternativa, bandas como Offspring y Green Day llevaron el punk rock a la corriente de actualidad y el debut de Green Day en un sello importante, Dookie , le valió a la banda un lugar en el club de los más de diez millones. Aún más sorprendente es el hecho de que ambas bandas hayan sobrevivido a la muerte del movimiento alternativo. Green Day, compuesto por Billie Joe, Tre Cool y Mike Drint, encontró su mayor éxito en 1998 con la inusualmente acústica "Good Riddance (The Time of Your Life)". No entiendo las críticas que reciben los álbumes posteriores de Green Day como Warning y Nimrod, la gente dice que su estilo se estaba volviendo obsoleto o que se estaban alejando demasiado de sus raíces, pero Green Day siempre fue un grupo pop, ante todo, y en lo que a mí respecta, mientras el grupo siga tocando su tipo de canciones pegadizas, entonces seré feliz con ellas. Con Warning, Green Day experimentó un poco con la guitarra acústica, como la canción principal siendo casi en su totalidad acústica. También hay más una sensación de pop-rock/power pop clásico en el álbum en lugar de su sonido pop-punk anterior, y creo que lo hace sonar muy fresco. Solo desearía que este álbum no se desperdiciara en 'punks' de catorce años de mente tradicionalmente estrecha. Sí, es más maduro que cualquier cosa que hayan hecho antes, sí, han abandonado un sonido punk duro por uno más suave y folk. ¿Y qué? Sigue siendo música. Y suena genial.


 

"Warning" es un gran comienzo, con una línea de bajo repetitiva y algunos buenos gritos en los versos ("¡Precaución! Línea policial: es mejor que no cruces/¿Es el policía o soy yo el que es realmente peligroso?"), la letra de esta canción es en realidad bastante inteligente, discute la idea de no molestarse con las reglas de la vida y, al hacer preguntas continuamente a lo largo de la canción, esta letra es bastante conmovedora, sinceramente siento que las letras de este álbum son de las mejores de Armstrong, ya que son mucho más introspectivas y serias que en cualquier álbum anterior de Green Day, aunque no parecan demasiado serias. Las letras aquí tienen un equilibrio entre lo sentimental y lo divertido.. "Blood, Sex and Booze" es una sórdida canción bondage que es tan divertida como cualquier cosa que haya escrito Green Day, la canción tiene más ritmo que la canción principal, y cuando es contagiosa, los ritmos se combinan con algunas letras extrañamente cómicas sobre el masoquismo. "Fashion Victim" y "Castaway" tienen grandes riffs alegres, el primero es un ataque ingeniosamente observado contra los hipsters de todas partes y el segundo es un himno para los solitarios. "Hold On" suena como los primeros Beatles o algo así, y fue escrita para un amigo de Billie Joe que estaba desconsolado por la pérdida de un montón de familiares y amigos. Es bastante extraño que mi canción favorita de Green Day sea una extraña balada inspirada en un mariachi sobre un grupo de desafortunados desafortunados. "Misery" es, simplemente, sangrientamente fantástico. Una sección de cuerdas vibrantes, una delicada mandolina, un solo de guitarra al estilo de Tom Waits a lo Rain Dogs , trompetas latinas y tambores perseverantes hacen de esta una canción de la que cualquier banda talentosa estaría orgullosa. Todo vuelve a la normalidad después de esto, y aunque "Jackass" tiene un buen solo de saxofón y las cuerdas vuelven a aparecer para la suave canción de cuna "Macy's Day Parade", el fascinante arreglo de "Misery" desaparece para siempre en el catálogo de Green Day. Es una pena. Aunque hay ese pequeño bongo extraño y aparentemente sin sentido al comienzo de "Extraordinary Girl" en el nuevo álbum. 

Esto no quiere decir que la calidad del álbum disminuya. "Waiting" es como los días del Green Day de Nimrod (pasaron tres o cuatro años entre los dos álbumes), y la famosa "Minority" donde el coro de esta canción es uno de los más memorables del álbum, y las letras son de las mejores de Armstrong, discuten la idea de ser quien quieres ser, pero a diferencia de algunas canciones de esta naturaleza, las letras de Minority no se sienten completamente artificiales o forzadas. La banda incluso lanza una parte de armónica durante los versos, lo que agrega un tono un poco folk a la pista, da la impresión de que es una canción destinada a ser tocada en vivo, con un ritmo pegadizo y algunas letras particularmente poderosas, un excelente ejemplo de lo que la banda puede lograr con solo unos pocos acordes y una estructura de canción relativamente simple.. Me hubiera gustado que la banda pudiera haber experimentado un poco más como lo hicieron con "Misery" en el resto de Warning. El álbum cierra con la canción Macy's Day Parade. Si bien esta no es mi canción de cierre favorita absoluta en un álbum de Green Day, su tono bastante sentimental y ligeramente sombrío lo convierte en un final apropiado para este álbum, el tono más bien folclórico de la pista, así como el uso de cuerdas durante el estribillo, también se suma al estado de ánimo un tanto empalagoso.


 

Warning fue su primer intento adecuado de crear un nuevo sonido temático en un álbum, en lugar de una pista de novedad simbólica, algunos pueden reprochar haber descubierto que sus inclinaciones populares no son lo suficientemente 'punk' (lo que sea que eso signifique). Los cuatro sencillos de Warning llegaron a International Superhits de 2001! , solo Warning y Minority sobrevivieron para Greatest Hits: God's Favourite Band de 2017 . La banda comete una injusticia allí, borrando dos buenos cortes de su retrospectiva. El álbum ha tenido una especie de reevaluación en los años posteriores a su lanzamiento, pero Warning nunca se encontrará en las 'listas de los mejores álbumes de todos los tiempos', ni obtendrá el tratamiento de Broadway que se le brinda a su sucesor. Pero no es tan malo como muchos creen, lejos de ser solo un paso necesario en la progresión de la banda, es un conjunto sólido por derecho propio. Sin duda merece otra valoración , ya sea que esté desempolvando ese CD subestimado o descubriéndolo por primera vez. Olvídese de sus ideas preconcebidas sobre cómo 'debería' sonar un álbum de Green Day y simplemente disfrute de un excelente ejemplo de creación de canciones de una banda con la confianza para finalmente liberarse de la escena que los creó.