1430.- Golden Years - David Bowie

"Golden Years" fue el primer sencillo del disco "Station to Station" (1976) de David Bowie, lanzado el 21 de noviembre de 1975 como adelanto de la posterior publicación del que sería su décimo álbum de estudio. Fue, además, la primera canción que se escribió para el disco, pues ya había sido escrita en una versión primitiva incluso antes de que David Bowie comenzara a filmar la película "The Man Who Fell to Earth" (1976), que inspiró parcialmente al disco y de la que se utilizó uno de sus fotogramas para la portada del mismo.

"Station to Station" es conocido como el disco de David Bowie del que el propio artista no recordaba prácticamente nada de su grabación, debido al estado físico y mental en el que se encontraba por su desmedido consumo de cocaína en aquella época, y su canción estrella "Golden Years" es también recordada por una leyenda que decía que, originalmente, Bowie la había escrito para Elvis Presley. No está claro si Elvis llegó a escuchar la demo de "Golden Years" pero ambos compartían discográfica y í que hubo algunos contactos, que no llegaron a fructificar.

Musicalmente, "Golden Years" es una continuación de la fórmula de funk y soul que tanto éxito le había reportado "Fame" en el disco anterior ("Young Americans", 1975), pero con un tono más oscuro y acústico, y yendo más allá hasta rayar incluso por momentos el doo-wop y el country (lo que encajaría con el tipo de canción que habría cantado Elvis Presley). Al igual que "Fame", "Golden Years" fue un gran éxito comercial, llegando al octavo puesto de las listas británicas y el décimo en las de Estados Unidos.

Cracker Island - Gorillaz - (Mes Gorillaz)

 

El octavo disco de estudio de Gorillaz fue el primero de la banda virtual liderada por Damon Albarn en alcanzar el primer puesto de las listas de ventas británicas desde Demon Days (2005), el que junto con Plastic Beach (2010) podría ser considerado su mejor álbum con el "disfraz" alternativo de Gorillaz. Fiel al espíritu de la popular banda animada, Cracker Island (2023) incluye colaboraciones con artistas tan variados como Stevie Nicks, Adeleye Omotayo, Thundercat, Tame Impala, Bootie Brown y Beck. Y sí, he olvidado mencionar a Bad Bunny, pero ha sido un olvido premeditado, porque para mí es el único punto discutible de un disco que, si Damon también se hubiera olvidado de llamar a Bunny, habría sido prácticamente perfecto, dotado de una cohesión muy reseñable a pesar de tener una lista tan larga y tan variopinta de invitados en el estudio de grabación.

Escarmentado de experiencias menos valoradas como Humanz (2017), Damon Albarn puso más de sí mismo en el proyecto, casi como si de un disco en solitario se tratase, dejando menos espacio vocal que en otros discos a sus invitados, recurriendo al productor Greg Kurstin para supervisar la producción, y dotando al disco de sus características atmósferas pop y de ritmos de teclados desde el primer minuto del primer tema, en este caso la canción titular Cracker Island, un brillante tema funky en el que destacan sobremanera el bajo de Thundercat y el efectivo y pegadizo contrapunto que los coros dan a la voz de Albarn.  

No menos brillante es Oil, una de las mejores canciones del disco, un melódico tema de synth pop que crece aún más con la aparición de la voz de Stevie Nicks. Igualmente pop, pero con toques más psicodélicos a lo Flaming Lips es The Tired Influencer, que es de las pocas canciones que no tienen una colaboración, y que ni mucho menos palidece ante los dos grandes temas del arranque del disco. El póker de ases lo cierra el diamante en bruto de "Silent Running", grabada con Adeleye Omotayo, otro excelso tema melódico con un estribillo memorable y todas las condiciones exigibles a un gran hit de Albarn y Gorillaz.

El barco cambia de rumbo en “New Gold”, colaboración con Tame Impala que, sí, tiene lo mejor de los dos mundos y funciona sorprendentemente bien, pero con la que quizá Albarn cae en el mismo error que en los discos anteriores, cediendo el cetro de la voz principal a sus colaboradores para regresar a unos Gorillaz más urbanos y modernos, pero a estas alturas de la película, ya debería saber que, aunque le honra la humidad de echarse a un lado y quedarse en la sombra, es su voz melancólica, envuelta en atmósferas a la vez melódicas y de pegadizo ritmo disco pop las que le dan a Gorillaz ese sello particular y esa fórmula que pasó de sorprendentemente exitosa en su disco de debut a ser la tónica habitual de sus entregas sucesivas.

Albarn vuelve a a tomar con fuerza y en solitario el timón vocal en la, de nuevo, melódica y agradable Baby Queen, otra de las que dan al disco ese sonido y ambiente tan cohesionado, y el disco continua su travesía viento en popa en Tarántula, canción de un corte similar a la anterior y un claro toque a disco funk suave y aterciopelado. Lástima que una Tormenta provocada por el marinero de agua dulce Bad Bunny casi haga encallar al disco. Habrá quién no esté de acuerdo con esto, pero lo siento, no puedo con esta colaboración y me parece el punto más bajo e innecesario que, como ya dije al principio, hasta aquí iba para disco perfecto.

Y aún reponiéndome del susto de ver el barco tan cerca de semejante arrecife de reggaeton, valoro aún más positivamente la relajada calma de temas como el melancólico Skinny Ape, que explota en un colorido tramo tecno pop en su tramo central, y la aparición de una nueva colaboración de peso en la bella Possession Island, con Albarn y Beck en modo acústico e introspectivo, para cerrar de manera épica y contundente el disco. Y con ella acaba también la historia de Cracker Island y el #Mesgorillaz, tal y como la hemos contado en 7dias7notas.net. Justo cuando ya creíamos que los mejores "días de Damon" ya habían pasado, y que ninguna barca lograría llegar a buen puerto en una olvidada “playa de plástico", un inesperado y colorido barco pirata atracó en una isla conocida como la "Isla del Cracker", dándole nueva vida a una aventura musical que ya creíamos agotada. Larga vida a Gorillaz, si su historia viene contada con una banda sonora como ésta.

1429.- TVC 15 - David Bowie

TVC 15, David Bowie

     Station to station es el décimo álbum de estudio de David Bowie. Fue grabado entre septiembre y noviembre de 1975 en  los Cherokee Studios de Hollywood y los Record Plant Studios de Los Angeles, y publicado el 23 de enero de 1976 por el sello discográfico RCA Records. Considerado como uno de sus trabajos más significativos, el álbum fue el vehículo para el personaje de Bowie en el escenario, The Thin White Duke. Coproducido por Bowie y Harry Maslin, fue grabado después de que Bowie terminara de filmar la película The Man Who Fell to Earth. Durante las sesiones, Bowie sufría varias adicciones a las drogas, la más prominente a la cocaína, y más tarde dijo que no recordaba casi nada de la producción.

El éxito comercial de su anterior lanzamiento, Young Americans (1975), le permitió a Bowie una mayor libertad cuando comenzó a grabar su siguiente álbum. Las sesiones establecieron la formación del guitarrista Carlos Alomar, el bajista George Murray y el baterista Dennis Davis que Bowie utilizaría durante el resto de la década, y también contó con contribuciones del guitarrista Earl Slick y el pianista Roy Bittan. Musicalmente, Station to Station fue un álbum de transición para Bowie, desarrollando el funk y el soul de Young Americans, al tiempo que presentaba una nueva dirección influenciada por el género musical alemán del krautrock, particularmente bandas como Neu! y Kraftwerk. Las letras reflejaban las preocupaciones de Bowie por Friedrich Nietzsche, Aleister Crowley, la mitología y la religión.

Incluido en este álbum se encuentra TVC 15 . RCA Records lanzaría más tarde como la canción como segundo sencillo del álbum el 30 de abril de 1976. La canción fue grabada a fines de 1975 en Cherokee Studios en Los Ángeles. La grabación contó con los guitarristas Carlos Alomar y Earl Slick , el bajista George Murray , el baterista Dennis Davis, el pianista Roy Bittan y Warren Peace en coros. La alegre canción es principalmente rock artístico interpretada en un estilo que recuerda a la década de 1950. Líricamente, la canción trata sobre la novia de un personaje que es devorada por un televisor. Bowie escribió esto después de enterarse de la alucinación inducida por drogas de Iggy Pop, en la que creyó que su novia estaba siendo consumida por su televisor. Los detalles de la historia son escasos, ya que Bowie recuerda poco sobre la grabación bajo el efecto de las drogas de su álbum Station To Station . El tecladista estadounidense Roy Bittan, más conocido como miembro de la E Street Band de Bruce Springsteen, tocó las teclas. Bittan recordaba sobre la grabción:  "Cuando grabé con él en Station to Station , lo primero que quería que tocara era 'TVC 15'. Me dijo: 'Oye, ¿puedes hacer algo como el Profesor Longhair (músico y cantante estadounidense de blues) en esta canción?'. Yo le dije: '¿Profesor Longhair? ¿Este británico me está preguntando por el Profesor Longhair?' "Me quedé realmente desconcertado"... "Lo curioso fue que, literalmente, tres semanas antes de esa sesión, habíamos estado en Houston y (el bajista de E Street) Garry Talent y yo habíamos visto en el periódico que el Profesor Longhair estaba tocando en un bar de carretera en las afueras de la ciudad. Así que fuimos a ese lugar y Longhair estaba sentado frente a un piano vertical y tocando en un pequeño club. Fue fantástico. Así que cuando David me pidió que lo hiciera, fue un momento muy fortuito y muy sorprendente".

Tras su lanzamiento como sencillo, TVC 15 alcanzó el puesto número 33 en la lista de sencillos del Reino Unido y el número 64 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos. Su lanzamiento coincidió con la etapa europea de la gira Isolar . Las críticas iniciales elogiaron la canción como uno de los aspectos más destacados del álbum, aunque algunos críticos encontraron la letra difícil de comprender. Las críticas posteriores continúan elogiando la canción, y algunos la consideran una de las mejores de Bowie. Ha aparecido en varios álbumes recopilatorios y fue remezclada por Maslin en 2010 para las reediciones de Station to Station y remasterizada en 2016 para el box set Who Can I Be Now? (1974-1976) .

Disco de la semana 406: Stranger in Town - Bob Seger

Descubrí a Bob Seger recientemente, cuando en un capítulo de la serie "Ray Donovan" sonó la canción "We've Got Tonite". Rápidamente abrí la aplicación de Shazam en mi móvil, y tras unos segundos de tensa espera, el cantautor y músico estadounidense Bob Seger se cruzó para siempre en mi camino. Gran invento Shazam, sin duda alguna, y gran disco "Stranger in Town", el álbum de Bob Seger de 1978 en el que está incluida esa maravilla que es "We've Got Tonite".

"Stranger in Town" es el segundo disco que Bob Seger grabó con su banda The Silver Bullet Band, y como ya hiciera en el anterior disco grabado con ellos, la banda le acompañó en la mitad de los temas, mientras en la otra mitad de canciones fue la Muscle Shoals Rhythm Section la que arropó al brillante músico. Al escucharlo, descubrí que "We've Got Tonite" no iba a ser la única sorpresa del disco, porque tras el excelso y luminoso rock de "Hollywood Nights" y la algo más sombría y con cierto aire country "Still the Same", me topé con la canción "Old Time Rock and Roll", el perfecto ejemplo de canción que, habiéndola escuchado mil veces en la radio, nunca la había relacionado con su autor.

La escucha siguió deparando momentos memorables con "Till It Shines", un tema robusto e introspectivo de agradable melodía y cierto aire acústico, pero nada comparable a la emoción de comprobar que, una vez más, "Feel Like a Number" sonaba con fuerza en mi cabeza y mis recuerdos radiofónicos, y al igual que me había pasado con "Old Time Rock and Roll" nunca la había relacionado con Bob Seger. Mea Culpa. ¿Por qué no le había prestado atención a este músico muchos años antes? me pregunté mientras sonaba en mi equipo de sonido "Ain't Got No Money", la versión de Seger del tema de Frankie Miller.

Poco después, me rendí definitivamente ante la gran culpable de toda esta historia, la ya mencionada "We've Got Tonite", exquisita balada de piano que recuerda a los mejores momentos de Neil Diamond, y que años después, en 1983, tuvo un éxito aún mayor en manos de Kenny Rogers y Sheena Easton, en una versión que, como parte del coma profundo que parece que atravesé en todo lo referente a Bob Seger, tampoco conocía antes de escribir estas líneas.

Tentado he estado de dejarlo aquí, en todo lo alto y con esta hermosa canción, pero no quiero cerrar esta reseña sin mencionar las dos canciones con las que cierra el disco, las igualmente destacables "Brave Strangers" (un tema con influencias de jazz que es de lo mejor de la segunda cara del disco) y la balada "The Famous Final Scene", en la que me resulta imposible no hacer referencia a la sorprendente coincidencia que encierra su título: "La famosa escena final"... de aquel bendito episodio de "Ray Donovan" cuya escena final y sus títulos de crédito me llevaron hasta Bob Seger y este "Stranger in Town", que se ha convertido por méritos propios en el brillante disco de la semana en 7días7notas.net de una manera tan rotunda y violenta como la trama de la serie que lo puso en el radar de este blog.

1428 - David Bowie - Station to Station

1428 - David Bowie - Station to Station

"Station to Station", lanzada en 1976 como parte del álbum del mismo nombre, es una obra maestra que encapsula la experimentación artística y musical de David Bowie durante una de las etapas más transformadoras de su carrera. La canción, que se extiende por más de diez minutos, es una odisea sonora que marca el puente entre su era del glam rock y la trilogía de Berlín, combinando elementos de funk, soul, krautrock y proto-electrónica.

La pieza se abre con un misterioso zumbido de tren, creando una atmósfera de expectativa. Esta introducción minimalista y cargada de tensión da paso a un ritmo lento y ceremonial, dominado por el sonido de la guitarra y el bajo, que refleja la desorientación y el dramatismo de su personaje The Thin White Duke. Bowie, sumido en el abuso de drogas durante esta época, encarnaba en esta figura un aristócrata frío, distante y obsesionado con lo oculto, y estas cualidades se reflejan en la música y las letras.

A nivel lírico, "Station to Station" es críptica y cargada de simbolismo. David Bowie hace referencias a la mística cabalística ("One magical movement from Kether to Malkuth") y a los trenes como metáfora de transición y cambio. La canción explora temas de alienación, espiritualidad y redención, reflejando las luchas internas del artista. Aunque la narrativa puede parecer fragmentada, su estructura sugiere un viaje tanto físico como espiritual, con estaciones que representan diferentes estados emocionales y mentales.

Musicalmente, la canción progresa de manera magistral, con una transición de su lenta introducción a un clímax frenético que incorpora elementos de funk y rock experimental. La segunda mitad, marcada por un cambio de tempo y un ritmo más acelerado, introduce un tono optimista y casi eufórico, como si el viajero finalmente encontrara una forma de liberación. La interpretación vocal de David Bowie es intensa y magnética, oscilando entre la melancolía y la exaltación.

"Station to Station" no solo es una de las canciones más ambiciosas de David Bowie, sino que también captura la complejidad de su arte y su vida personal durante este periodo turbulento. Es un testimonio de su capacidad para reinventarse y experimentar con nuevas formas de expresión musical, influyendo profundamente en el desarrollo del rock experimental y la música electrónica.

"Station to Station" es una obra monumental que no solo desafía las expectativas del oyente, sino que también ofrece una visión única del genio creativo de David Bowie. Es un viaje que sigue cautivando y fascinando a generaciones de oyentes.

Daniel 

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1427.- Wild is the wind - David Bowie

Lo primero que tenemos que saber es que estamos ante una version, esto no tiene nada de particular, versiones las ha habido de todos los colores, pero la que nos ocupa hoy es una version de uno de los mas grandes hacia una de las mas grandes, es decir David Bowie rendido a los pies de Nina Simone. Ciertamente si quieres saber algo mas de la versión original tenemos buenas noticias, fue nuestra canción 314 y si quieres saber algo mas de ella puedes pasarte por aquí:  0314: Wild is the wind - Nina Simone  ya que en este articulo lo que nos ocupa es la versión de Bowie aunque inevitablemente tendremos que retrotraernos a 1966.

En 1976 las seis canciones de Station To Station se han lanzado en sencillos (cinco de ellas como caras A), y "Wild Is The Wind" es la única que ha evadido el bisturí del editor. Como resultado, tenemos el placer de disfrutar de una de las mejores interpretaciones vocales de Bowie en todo su esplendor sin cortes. Como me encanta Nina Simone, tengo que decir que Bowie toma las claves vocales de la versión de Simone. Casi cada línea. Ella le inyectó a la canción una pasión anhelante y él la sacó del ritmo lento y deprimente. En conjunto, es lo que considero la versión definitiva. Bowie había escuchado la canción gracias a Nina Simone y, dado su historial de versiones dudosas, uno podría esperar razonablemente lo peor, pero aquí hay un cambio de rumbo. La experiencia de grabar Young Americans le había enseñado mucho sobre cómo controlar su voz. Echa un vistazo a la sección alrededor del minuto 3:40 - "Oigo el sonido de las mandolinas / Me besas" - donde cambia entre los extremos polares de su rango vocal en el espacio de dos palabras (aunque estirado hasta el olvido). La banda sensatamente pasa a un segundo plano aquí, pero Bowie sabe cuándo agregar un choque simbólico y la suntuosa guitarra principal de Earl Slick parpadea como la llama de una vela que se apaga a la luz de la luna. Es el punto perfecto para terminar el mejor álbum de Bowie: una serenata de San Valentín de un vampiro. Sinceramente, creo que esta es una de las mejores versiones que ha hecho David Bowie, la forma en que Bowie le dio forma a esta canción es muy diferente a la original de Nina Simone y, sin embargo, la potencia y el hipnotismo siguen siendo inequívocamente puros. Encaja muy bien con el álbum Station to Station y te deja sin aliento como último tema, la admiración de David Bowie por Nina Simone es evidente a través de esta canción y te deja asombrado por una canción tan conmovedora de una de las mejores voces del mundo, solo tienes que esperar al final de la canción para que la carne se te ponga de gallina, ¡el bajo de Gail! ¡el piano de Garson! El clímax es una supernova que te golpea duro en cada uno de tus sentidos…. Llegamos a los 5:15

¡WIIIIIIIIILD! ¡ISSS! ¡THEEEEE! ¡WIIIIIIIIIIIIIND!

Y luego llega el éxtasis del solo de guitarra de Earl Slick, escalofríos, cada vez que la oigo tengo que ir a recuperar el aliento... me quita el aire me quita la vida.

1426.- Amelia - Joni Mitchell

 

Amelia, Joni Mitchell

En el mundo del folk, el trabajo de Joni Mitchell se incluye en la narración de historias, y las versiones de su material se consideran activos preciados. Su interés por las afinaciones alternativas estimuló a algunos guitarristas a explorar más a fondo y crear sus propias piezas. Las melodías de Mitchell fueron seminales para aquellos que la estudiaron por su perspicacia compositiva, y su técnica de fingerstyle se ganó el respeto de sus compañeros. Sus atrevidas incursiones en el jazz atrajeron a los aficionados al jazz y a algunos músicos al ámbito del pop/rock. A finales de la década de 1960 y principios de la de 1970, Mitchell era una individualista, y era algo más, era su propia mujer, independiente y una superviviente. Todos estos atributos sugieren por qué Joni Mitchell es una artista muy admirada.

El 22 de noviembre de 1976, Joni Mitchell publica Hejira, su octavo álbum de estudio. Este trabajo es grabado en los A&M Studios de Hollywood, bajo la producción de Henry Lewy y de la propia Joni Mitchell, y publicado bajo el sello discográfico Asylum Records. Su material fue escrito durante un período de viajes frecuentes a finales de 1975 y principios de 1976, y refleja las experiencias de Mitchell en la carretera durante ese tiempo. Se caracteriza por canciones líricamente densas y extensas y el acompañamiento musical de varios instrumentistas orientados al jazz, entre los que destacan el bajista sin trastes Jaco Pastorius, el guitarrista Larry Carlton y el baterista John Guerin.

Según Mitchell, el álbum fue escrito durante o después de tres viajes que realizó a finales de 1975 y la primera mitad de 1976. El primero fue una temporada como miembro de la Rolling Thunder Revue de Bob Dylan a finales de 1975. Durante este período de tiempo, se convirtió en una consumidora frecuente de cocaína. En febrero de 1976, Mitchell tenía programado tocar unas seis semanas de conciertos en los Estados Unidos promocionando The Hissing of Summer Lawns. Sin embargo, la relación entre Mitchell y su novio John Guerin (que actuaba como su baterista en la serie de conciertos) se había agriado y surgieron tales tensiones que la gira tuvo que ser abandonada a mitad de camino El tercer viaje se produjo poco después, cuando Mitchell viajó a través de Estados Unidos. Este viaje inspiró seis de las canciones del álbum. Mitchell se reunió con el maestro budista tibetano Chogyam Trungpa en Colorado, atribuyendo a aquella visita la curación de su adicción a la cocaína, dejándola en un "estado despierto" desinteresado que duró tres días.

Incluido en este álbum se encuentra la canción Amelia, inspirada en la ruptura de Mitchell con John Guerin, y fue descrita por ella como un relato casi exacto de su experiencia en el desierto. La canción entreteje la historia de un viaje por el desierto con la famosa aviadora Amelia Earhart, quien desapareció misteriosamente durante un vuelo sobre el Océano Pacífico. En la canción, cada estrofa con la cual termina el estribillo "Amelia, fue solo una falsa alarma", cambia repetidamente entre dos tonalidades, lo que le da una sensación de inquietud constante. Mitchell confesaba sobre la canción: "Escribí el álbum mientras viajaba solo a través del país y hay una sensación de inquietud a lo largo de todo el tiempo... la dulce soledad del viaje solitario. En esta canción, estaba pensando en Amelia Earhart y la abordaba de un piloto en solitario a otro, una especie de reflexión sobre el costo de ser mujer y tener algo que debes hacer". Amelia Earhart fue una aviadora pionera que en 1932 se convirtió en la primera mujer en volar sola a través del Océano Atlántico.

Song Machine, Season One - Gorillaz (Mes Gorillaz)

 

En 2020, Gorillaz lanzó la serie "Song Machine", una serie de canciones que Gorillaz haría en colaboración con otros artistas. La serie se creó después de que Noodle viera el estado ambiental del mundo y quisiera ir a explorarlo antes de que el mundo tal como lo conocemos desapareciera. Debido a los viajes, cada nueva canción tendría diferentes artistas de todo el mundo que representan un montón de géneros diferentes, que van desde los géneros habituales en las obras de Gorillaz como el rap y el synthpop, hasta otros sonidos como el art pop y el R&B. Todos los episodios de Song Machine que Gorillaz lanzaría a lo largo de 2020, junto con los resultados musicales de las aventuras itinerantes de la banda gracias a un nuevo portal al que tienen acceso, se combinarían en un álbum completo, también conocido como la primera temporada de "Song Machine". 

El álbum comienza con la canción que da título al disco, "Strange Timez", en la que participa como invitado el legendario Robert Smith, de The Cure. Me encanta lo psicodélica que es esta canción. Su voz complementa los versos hablados de 2D y se siente muy a gusto en este sonido electrónico arremolinado. La producción en este corte es increíble, es tan completa y abundante con variedad y pequeños toques que se suman para formar una composición increíble. El piano súper frío y escalofriante y los sintetizadores sutiles que cambian de profundo a ligero son fantásticos cuando se combinan, sin olvidar la increíble escritura en esta canción que ilustra imágenes realmente escalofriantes de oscuridad eterna amenazada por arañas y también hace algunas críticas políticas. "Valley of the Pagans" es una de mis canciones favoritas de este disco, la voz de Beck encaja muy bien aquí. Me encantan los momentos en los que tanto él como 2D están básicamente armonizando, lo que enfatiza el poder pegadizo de la letra y el sonido de esta canción. También quiero destacar lo denso y extravagante que es el instrumental en esta canción, te pierdes en él y te conquista en la primera escucha. Es tan pegadiza que no puedo evitar asentir con la cabeza y cantar el estribillo. 

"The Lost Chord" es mucho más relajada, sin embargo, aun así, se las arregla para encontrar su camino y quedarse atrapada en mi cabeza. Realmente se siente como una canción perdida hace mucho tiempo de Plastic Beach con lo burbujeante y relajada que es la instrumentación. La voz de Leee John aquí funciona perfectamente con la sensación relajada y envolvente de esta pista. "Pac-Man" es la primera canción que realmente se siente como Gorillaz clásico en el sentido de que realmente querían mezclar pop y rock con hip hop, te lleva de vuelta a los viejos cortes de Gorillaz que contaban con una colaboración de un rapero que ocuparía la mayor parte de la pista para obtener esa fusión de géneros por la que la banda es conocida (por ejemplo, Clint Eastwood o November Has Come). Esta canción realmente hace justicia a esa fórmula clásica de Gorillaz La primera mitad es una gran sección, con versos de 2D y establece el instrumental único, la segunda mitad presenta los versos de ScHoolboy Q que suenan un poco discordantes en la primera escucha, sin embargo, después de muchas escuchas de este disco, creo que termina la canción en una nota increíblemente alta. "Chalk Tablet Towers" es una canción que no recibe suficientes alabanzas. El hecho de que sea una de las dos pistas que no tuvieron un lanzamiento sencillo o un video musical ayuda a reforzar mi caso. Esta es OTRA canción pegadiza como el infierno y la voz de St. Vincent junto con la de 2D demuestra ser exitosa

 "The Pink Phantom" es una buena canción y una de las más originales de aquí, pero sigue siendo un desafío la mayoría de las veces que la escucho. Los versos de 6LACK , que están dominados por el autotune, todavía me resultan muy discordantes y se acercan mucho a la sensación de pertenecer, pero en su mayor parte me pierden. Sin embargo, la participación de Elton John aquí realmente me ha gustado. La mayor parte del poder emocional de esta canción se debe directamente a su voz. Grandes felicitaciones para él por sonar tan bien a sus 70 años. "Aries" es mi favorita personal en este álbum y probablemente se deba al hecho de que soy un adicto incondicional de New Order. En el segundo en que escuché el sonido de bajo increíblemente reconocible de Peter Hook, ya estaba atrapado, me encanta, no es una de las pistas más densas, pero hace su trabajo tan bien que es realmente innegable en su aparente simplicidad; Y digo aparente porque la pista no está vacía, aunque pueda parecerlo hay un uso realmente impresionante de sintetizadores, ya que hay al menos un par apilados uno sobre el otro, pero aún así se sienten como partes diferentes del instrumental.  

Otra de mis favoritas es “Friday 13th" es la primera canción con la que realmente me sentí muy confundido, pero definitivamente crece y me atrapa, las voces eran al principio muy molestas y chirriantes y el instrumental parecía muy simple. Sin embargo, después de meses de dejar que se agitara para mí, lentamente entendí lo que estaba tratando de hacer y definitivamente diría que es uno de los sencillos/canciones más subestimadas. "Dead Butterflies" es sin duda mi canción menos favorita en el lanzamiento estándar de este álbum. No tengo problema en decir esto porque soy todo menos un fanático del trap o las voces latinas. El estilo trap de la canción es pasable, pero simplemente no soporto las voces latinas de aquí. Afortunadamente, solo están disponibles por un tiempo muy breve. Esta no es una canción horrible de ninguna manera, la voz de 2D es bastante decente, pero todo lo demás aquí no me atrae en absoluto. "Désolé" es cuando el álbum retoma el ritmo. Instrumental colorido, divertido y rico que respalda las letras simples pero muy efectivas, el coro asombroso y la gran estructura que sigue dando con la introducción de instrumentos, alternancia de idiomas y un buen equilibrio entre partes pop y suaves también. Simplemente una canción increíble, un placer absoluto. Es casi una encapsulación de la visión que Gorillaz tenía cuando comenzó el proyecto hace más de 20 años y eso es una mezcla de géneros para crear música que es accesible para muchos pero que aún tiene una visión artística significativa. La voz de Diawara es hermosa en esta canción y funciona PERFECTAMENTE. Ella y el sonido de esta canción fueron una combinación perfecta. El hecho de que obtengamos una versión extendida aquí es solo la guinda del pastel. "Momentary Bliss" es el cierre del álbum y es un cierre increíble que hace que termine el disco con una nota alta y motivadora. Es la pista más explosiva del álbum y las letras son divertidas y creativas, la energía de la pista te eleva desde los momentos anteriores del disco y, en general, es simplemente una canción increíble. La instrumentación de SOFT PLAY junto con la voz de Slowthai le dan a esta canción un innegable toque 2 Tone Ska que adoro por completo. Siendo fan de grupos como The Beat, The Specials y Madness , me tiene ganado al momento, el pico que alcanza hacia el final es poderoso por decir lo menos.

 Este álbum me impresionó muchísimo, sobre todo el hecho de que Gorillaz estuviera lanzando un sencillo de primer nivel tras otro casi mensualmente. Fue una de las campañas de álbumes más emocionantes del año y el resultado final es realmente algo especial. Hablo por muchos cuando digo que estoy increíblemente feliz y aliviado de ver que Gorillaz está en su mejor momento. "Song Machine, Season One" es probablemente uno de los mejores álbumes de Gorillaz en mucho tiempo, eso no quiere decir que haya odiado ninguno de los álbumes de Gorillaz que han salido después de "Plastic Beach", pero todos han tenido sus defectos, que cambiarían de un álbum a otro. "Song Machine, Season One" es el primer álbum de Gorillaz en mucho tiempo que honestamente podría decir que me parece perfecto.

1425 - Kansas - Carry On Wayward Son

1425 - Kansas - Carry On Wayward Son

"Carry On Wayward Son" es una de esas canciones que, desde su lanzamiento en 1976, ha trascendido generaciones. Incluida en el álbum Leftoverture, esta pieza marcó un hito en la carrera de Kansas, consolidándolos como una de las bandas más influyentes del rock progresivo de los años setenta. Su mezcla de virtuosismo instrumental, lírica introspectiva y melodía inolvidable la han convertido en un clásico inmortal.

Desde el primer acorde, la canción capta la atención con una introducción de guitarras compleja y poderosa que combina elementos del rock clásico y progresivo. Esta apertura instrumental funciona casi como una pieza autónoma, preparando al oyente para la intensidad emocional que sigue. La voz de Steve Walsh, alternando entre suavidad y potencia, se complementa perfectamente con los coros armónicos, creando una atmósfera épica que es característica de la banda.

Líricamente, "Carry On Wayward Son" aborda temas universales como la lucha interna, el aprendizaje a través de los errores y la búsqueda de significado en la vida. Frases como "There'll be peace when you are done" sugieren un anhelo de redención y descanso tras las dificultades. La metáfora del "hijo descarriado" resuena con cualquiera que haya enfrentado retos personales y haya encontrado la fuerza para seguir adelante. Este mensaje de perseverancia es una de las razones por las que la canción sigue siendo relevante, especialmente en contextos culturales más amplios, como su aparición en la popular serie Supernatural.

Musicalmente, la canción destaca por su estructura poco convencional. Incluye múltiples cambios de ritmo, secciones instrumentales intrincadas y un dinámico juego entre guitarras, bajo y teclado. Kerry Livgren, el principal compositor, logró un equilibrio perfecto entre lo técnico y lo accesible, lo cual es un sello distintivo de Kansas. La fusión de estilos –del rock progresivo al hard rock– otorga a la canción una identidad única.

Otro aspecto fascinante es su capacidad para transmitir emociones complejas a través de la música. Las transiciones entre los segmentos más enérgicos y las secciones melódicas más calmadas evocan un viaje emocional que acompaña al mensaje de la letra. La energía y el dramatismo culminan en un final impactante, dejando al oyente con la sensación de haber experimentado algo verdaderamente especial.

"Carry On Wayward Son" no es solo una canción, sino una obra maestra del rock que combina profundidad lírica con excelencia musical. Su relevancia perdurable y su capacidad para conectar con las emociones humanas la han convertido en un himno que sigue inspirando a generaciones de oyentes. Kansas creó con esta pieza algo más que música; crearon un legado.

Daniel 

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1424.- When I Need You - Leo Sayer

Antes de alcanzar la fama como cantante pop Leo Sayer era compositor, junyo a David Courtney escribio en 1973 " Giving It All Away ", el primer sencillo en solitario de Roger Daltrey de The Who, antes de que Sayer publicara alguna canción propia. "Giving It All Away" no llegó a las listas de éxitos de Estados Unidos, pero fue un éxito número 5 en el Reino Unido.  Leo Sayer sabía escribir una canción pop, pero cuando le llevó sus canciones a Richard Perry, el productor que había creado grandes éxitos con artistas como Nilsson y Carly Simon, Perry rechazó todas las maquetas de Sayer, que había hecho algunos éxitos pero que era famoso principalmente en su natal Reino Unido, así que tuvo que hacer lo que tenía que hacer, incluso si eso significaba tragarse su orgullo y tirar a la basura sus propias canciones. Sayer de hecho coescribió su primer éxito número uno, "You Make Me Feel Like Dancing". Esa canción fue básicamente una improvisación de estudio, y claramente le fue bien. Albert Hammond como intérprete sólo tuvo un verdadero éxito, llegó al puesto número 5 con su canción en solitario “ It Never Rains In Southern California ”, Hammond siguió sacando discos en solitario durante años después, y nunca llegó ni cerca del top 10. En 1977, Albert Hammond lanzó un álbum llamado When I Need You . La canción que da título a ese álbum es una balada sobre la vida desdichada de amores de un músico de gira. Hammond extraña a alguien y sabe que ella lo extraña a él. La versión de Hammond de “When I Need You” es una balada suave y melancólica, y nunca la publicó como sencillo.

A Leo Sayer no le entusiasmaba especialmente la idea de cantar un montón de canciones de otras personas, pero le encantaba “When I Need You”. La canción le recordaba a su esposa, en su casa de Inglaterra. La escuchó como una canción soul. Al principio lo intentó, grabándola con el gran teclista de Stax Records, Booker T. Jones. Pero a Sayer no le gustó cómo quedó esa versión. Así que, en su lugar, la grabó con un grupo de músicos de sesión entre los que se encontraban el futuro baterista de Toto, Jeff Porcaro, y el futuro compositor de bandas sonoras para películas, James Newton Howard. Esta version coloca a Sayer en una posición para triunfar en todos los sentidos posibles. Tiene una canción casi inédita de dos compositores que han hecho éxito, un productor con un toque especial y una banda de estudio de primera. Y hay que reconocerle a Sayer que hace todo lo posible por vender “When I Need You”, Sayer busca notas fuertes, las canta con convicción y se esfuerza por transmitir el anhelo agridulce que describe la letra. Sayer no tiene la voz espectacular de baladista de R&B que parece creer que tiene, pero hay algo que decir sobre la confianza que le aporta a la canción. Por más débil que pueda ser su voz, realmente busca esas notas fuertes al final de la canción y suena sincero, también tiene un bonito arreglo clasicista, la producción es elegante y setentera, pero las guitarras que giran lentamente y los pianos brillantes provienen de una era anterior. Incluso el solo de saxo con un suave toque de jazz del músico de los Rolling Stones y prolífico músico de estudio Bobby Keys encaja con el estado de ánimo de la canción. La banda encuentra el momento exacto para dejar de tocar en el coro final. Estamos tratando con profesionales. Pero, aunque todas las personas involucradas hacen su trabajo de manera encomiable, no es una canción especial, es una balada de los años 70 perfectamente aceptable, cálida, reconfortante e inerte. Sayer canta la canción con la suficiente fuerza como para convencerme de que lo dice en serio, pero no de que me importe.

1423.- Steve Miller Band - Fly like a angel

Steve Miller había experimentado con distintos géneros a lo largo de su carrera, pero no fue hasta que recurrió a todas sus influencias pasadas que su sonido se fusionó en algo más grande. Empapada en el blues de sus días en Chicago, Steve Miller Band siempre fue una banda de blues en el fondo que experimentó con la psicodelia hippie. Como pilar de la escena musical de San Francisco a finales de los años sesenta, la banda había alcanzado un éxito temprano tras una actuación impresionante en el legendario Festival Pop de Monterey y llamó la atención de Capitol Records. La banda consiguió un contrato para grabar cinco álbumes en 1967 con un anticipo de 50.000 dólares, el contrato más lucrativo jamás ofrecido a una banda desconocida en ese momento. A partir de entonces, el grupo publicó un álbum al año, pero con resultados mediocres,no fue hasta que la banda decidió alejarse de su estilo de blues psicodélico, reemplazando las melodías blues prolongadas por melodías pop más tradicionales, que se transformaron en una fábrica de éxitos tres años después de The Joker . Después de un descanso prolongado, la banda se reagrupó, cambió su formación y solo quedó Lonnie Turner del álbum anterior, y se pusieron a trabajar en más de dos docenas de temas en San Francisco en 1975. A principios del año siguiente, se dividieron las canciones; la mitad fue para Fly Like An Eagle, mientras que la mayoría de las pistas restantes terminaron en su siguiente álbum, Book of Dreams de 1977, compuesto por una serie aparentemente interminable de sencillos exitosos de diferentes estilos, el álbum es una especie de antología musical, que representa toda la música que Steve Miller había conocido. Desde el blues hasta el hippie-rock, el country y el R&B, casi podría pasar por un álbum de grandes éxitos.

Fly like a angel fue interpretada por primera vez en 1973, mientras la banda actuaba en el Felt Forum de la ciudad de Nueva York junto a The Marshall Tucker Band , Buddy Guy y Junior Wells. La versión de  1973 presenta un ritmo más bluesero y menos inspirado en el funk , con la guitarra tomando las partes del sintetizador (aunque con efectos de retardo similares). La letra es ligeramente diferente, esta versión fue concebida como una declaración política, escrita desde la perspectiva de los nativos americanos y con la justicia social en mente, ya que Miller había visto los efectos de la recesión en las ciudades estadounidenses y lo que indica que el lugar del que el águila quiere volar es una reserva de nativos americanos. En 1976, los arpegios de sintetizador de Miller usando una máquina ARP Odyssey marcan el ambiente para la canción, lenta y conmovedora, la canción presenta musicalmente el riff de guitarra de introducción ligeramente funky de Miller y el órgano Hammond B3 entrecortado de Joachim Young. La voz principal y el gancho de Miller llevan mejor esta canción Top 5 con una sensación vertiginosa que coincide con el título de la canción y los sintetizadores más leves que se repiten para lograr el efecto. Inspirada en el funk, rinde homenaje a " Slippin' into Darkness " de War (1971). El riff de introducción se utilizó por primera vez en una forma ligeramente diferente en la canción de Miller de 1969 "My Dark Hour". ¿Qué representa entonces “Eagle” de Miller? Para muchos sugiere el paracaidismo, una experiencia eufórica con drogas o hasta una proyección astral, ellos nunca lo han aclarado.

1422.- Legalize it - Peter Tosh

Antes de 1976, Winston McIntosh (también conocido como Peter Tosh) no era tan reconocido como lo es hoy. Aunque era una fuerza creativa importante dentro de los grandes del reggae conocidos como The Wailers, Tosh, junto con una variedad de otros artistas llenos de talento, se vieron eclipsados por el líder Bob Marley. Sin embargo, Tosh se las arregló para escribir algunas de las canciones clave del reggae y los riffs de guitarra mientras estuvo con The Wailers. Pero, por supuesto, esos dos factores no le trajeron tanto reconocimiento como se merece, es decir, hasta que finalmente se fue. Finalmente, después de dejar los Wailers, Peter Tosh se embarcaría en una carrera en solitario que le daría mucho reconocimiento como músico radical y líder para muchos. Álbumes como Equal Rights y Mama Africa le ganarían el respeto de los jamaicanos y, en general, de la mayoría. Pero antes de todos estos constantes movimientos radicales, Tosh se había lanzado con un álbum rebelde de lo más ligero, que sorprendentemente sería el clímax de su carrera, en opinión de muchos. Legalize It es, sin duda, lo más cercano a la perfección que un artista podría llegar a conseguir, el disco apenas contiene momentos flojos, lo que hace de Legalize It prácticamente un ejemplo perfecto de un álbum de reggae clásico. Las nueve pistas que componen el álbum son simplemente una combinación de pistas pegadizas y animadas, y una variedad de baladas y melodías más lentas. Aunque cada pista es bastante simple, las voces no contienen el más alto nivel de talento y la escritura no es tan especial como podría llegar a ser, Legalize It es extrañamente brillante y agradable, la peculiaridad y la personalidad de Tosh brillan a través de cada una de las nueve pistas maravillosamente junto con su propio estilo alojado en alguna parte.

El álbum debut de Peter Tosh comienza un poco más débil que las canciones siguientes, pero aún así bastante bien con la canción principal, "Legalize it". Aunque la canción contiene un ritmo maravilloso, la letra es donde la canción se queda corta. Ahora bien, puede que me equivoque, pero siempre me han dicho que la marihuana (la droga de la que se habla en la canción) era legal en Jamaica, la tierra natal de Tosh; lo que hace que el tema de esta canción no tenga sentido, pero probablemente me equivoque. Aparte de la letra dudosa, la canción no incorpora la melodía más atractiva. Simplemente no es el mejor momento. Y aunque puede parecer casi un cliché para algunos en estos días, no es necesario realizar una gran investigación histórica para obtener una idea de cuán valiente, radical y revolucionario fue el movimiento de Tosh al lanzar una melodía así en 1976, Legalize It. ¡Era un himno a la marihuana por excelencia! Puedo decir que es una canción para pedir la legalización del cannabis. Y esta canción fue el primer álbum debut de Peter Tosh después de dejar su grupo, The Wailers. Legalize It se grabó en Treasure Isle y Randy's, Kingston, Jamaica, en 1975. Se lanzó en 1975 también, fue escrita en respuesta a su constante victimización por parte de la policía jamaiquina y como un artículo político que presionaba por la legalización del cannabis, en particular para uso médico. Recuerde: su mensaje estaba dirigido a todo el mundo, no solo a su tierra natal, Jamaica, y puso en juego más que solo su carrera musical. Los audiófilos deben tomar nota: cualquier imperfección en este tama solo le agrega sabor... disfrútenlo, saboréenlo y relájense en un verdadero éxtasis al estilo de una máquina del tiempo. Pulir demasiado esta canción le habría quitado la vida.

Disco de la semana 405: Soul Finger - The Bar-Kays

 

Soul Finger, The Bar-Kays

     En 1967, Stax Records lanzó el álbum debut de The Bar-Kays, Soul Finger. The Bar-Kays fueron el primer grupo realmente joven en grabar para Stax y disfrutar de un cierto grado de éxito a fines de la década de 1960. Este álbum, sin embargo, no solo fue significativo porque fue el trabajo de debut del grupo, sino también principalmente porque The Bar-Kays puede presumir de haber tenido la mejor sección de vientos en toda la historia de Stax. Los principales responsables del sonido instrumental del grupo fueron su sección de vientos, en particular Ben Cauley en la trompeta, y Los Memphis Horns Wayne Jackson en la trompeta y Andrew Love en el saxofón tenor. El sonido de The Bar-Kays era muy innovador y fue alentado por su productor principal, que quería dirigir al grupo hacia un sonido instrumental más moderno. También fue el primer grupo que se negó a tener el sonido típico de Stax Records, insistiendo en un sonido más contemporáneo en su álbum. Interpretaron principalmente composiciones originales, influenciados principalmente por el R&B y la música soul de la época, y en el futuro por los sonidos del jazz contemporáneo, pero sin embargo incluyeron algunas versiones en Soul Finger.

El 10 de julio de 1967 la banda de Funky, soul y r&b debuta con su primer álbum de estudio, Soul Finger. El disco fue grabado en junio de 1967 en los míticos estudios Stax Records de Memphis. La banda había comenzado su andadura como banda de respaldo para los principales artistas del sello Stax, y ese año, 1967, también fue elegida por Otis Redding para que fuera su banda de acompañamiento. La carátula del álbum sugería un sentimiento de fiesta interracial, pues no en vano, no todos sus miembros eran de color, Ronnie Caldwell, que se encargaba del órgano, era el único miembro blanco de la banda.

Unos tres meses antes del lanzamiento el disco, la banda ya había lanzado su primer sencillo, Soul Finger, el cual supuso el primer gran éxito del grupo y que posteriormente fue incluido en su disco debut, dando además el título al mismo. El tema fue grabado durante una sesión de grabación en los estudios del sello Stax el 31 de marzo de 1967, y publicado como single por Stax bajo el sello Volt el 14 de abril de 1967. El tema se convirtió rápidamente en un éxito en Estados Unidos, alcanzando el puesto número 3 en la lista de U.S. Billboard R&B Singles. El éxito de este tema y el que ocupó la cara B, Knucklehead, escrito por los componentes de Booker T. & the MG's Booker T. Jones y Steve Cropper,  fue lo que desencadenó que el grupo grabara posteriormente nueve pistas más y lanzara su primer disco de estudio. Lanzado en 1967, Soul Finger marcó el debut de The Bar-Kays, una banda de soul instrumental y funk asociada con el legendario sello Stax Records. Este álbum no solo destacó por su energía vibrante y arreglos innovadores, sino también por ser un reflejo del espíritu juvenil y la creatividad desenfrenada de una era dorada del soul.

Soul Finger, la canción que da título al disco y que además abre el mismo, fue escrita por el grupo mientras se encontraban ensayando con Norman West para realizar una versión de la canción "But It's Alright" de JJ Jackson. Comienza con la melodía de la popular canción infantil "Mary Had a Little Lamb" para luego pasar al riff principal, acentuado por el sonido de la trompeta. El tema contiene unos coros que fueron realizados por niños. Mientras grababan, había un grupo de niños que se encontraban merodeando en los alrededores del estudio, y les pidieron que gritaran "Soul Finger" a cambio de unas bebidas refrescantes (coca-cola). La idea tanto del titulo como de los gritos de los niños fueron idea de los compositores del sello Stax, Isaac Hayes y David Porter. Knucklehead mantiene la energía con la que ha comenzado el disco. El tema presenta una combinación de jazz fusionado con funk. Todo un ejercicio de habilidad y destreza musical del grupo. With a Child's Heart es una versión de la canción del cantante Stevie Wonder, de su álbum "Up-Tight". Una versión de la canción fue un éxito en las listas de éxitos para Michael Jackson en 1973. The Bar-Kays adoptan un enfoque más melódico y sentimental y los arreglos de viento y teclado añaden un toque nostálgico. Bar-Kay Boogaloo interactúan en un diálogo musical que se siente tanto improvisado como cuidadosamente orquestado, y aunque es una pista ideal para escuchar en momentos más tranquilos, no pierde el espíritu festivo del álbum. Cierra la cara A Theme from Hell's Angels, tema que rompe con los anteriores e imprime un tono más oscuro y misterioso. Magnífico el trabajo del bajo en este tema,  creando una atmósfera que parece sacada de una película de espías. La inclusión de este tema demuestra la capacidad de The Bar-Kays para explorar sonidos y estilos menos convencionales, añadiendo una capa de profundidad al álbum.

Abre la cara B una versión de You Can't Sit Down, grabado originalmente como instrumental en 1959 como "Can't Sit Down " por The Bim Bam Boos en el catálogo número D-500 de Dasher Records. Posteriormente sería grabado por The Dovells, que popularizaron la canción. Las líneas de bajo y la batería crean una base sólida sobre la cual los vientos y guitarras desatan un frenesí instrumental. House Shoes tiene un aire juguetón y desenfadado que la hace destacar. Con un ritmo más ligero, esta pista combina elementos de jazz y soul, y los vientos, como siempre, lideran la carga, pero aquí se sienten menos intensos, permitiendo que otros instrumentos tengan más espacio para brillar. El grupo vuelve a la carga con un tema funky y lleno de actitud, Pearl High, regresando al estilo más bailable que define a la banda. Podemos sentir esta canción como una continuación natural de "Soul Finger". I Want Someone es uno de los momentos introspectivos del disco. un tema lento que baja la intensidad y ofrece una pausa emotiva. Los teclados y los vientos trabajan juntos para crear una atmósfera perfecta, romántica y melancólica. Hole in the Wall combina el soul tradicional con una pizca de blues. La canción tiene un carácter relajado que invita a disfrutarlo con calma. Muy destacable la interacción entre la guitarra y los vientos en este tema. El álbum cierra con Don’t Do That, un tema enérgico que vuelve al estilo funky y festivo con el que empezó, la forma perfecta de cerrar el álbum, dejando al oyente con ganas de más.

Soul Finger fue el álbum debut de The Bar-Kays, lanzado hace ya más de cinco décadas. Este trabajo es una celebración de la creatividad y el talento musical de una banda que, aunque inicialmente estuvo a la sombra de gigantes como Otis Redding o Booker T. & the M.G.’s, dejó una huella imborrable en la música soul y funk. Para quienes busquen un álbum que encapsule la esencia del soul de los 60, Soul Finger es una experiencia imprescindible. Sus arreglos innovadores, la química entre los músicos y la diversidad de estilos hacen de este disco una joya que merece ser redescubierta.

1421 - Thelma Houston - Don't Leave Me This Way

1421 - Thelma Houston - Don't Leave Me This Way

Lanzada en 1976 como parte del álbum Any Way You Like It, "Don't Leave Me This Way" es una de las canciones de Thelma Houston, que no solo consolidó su estatus como una de las grandes voces del soul y disco, sino que también dejó una marca indeleble en la historia de la música dance. Aunque originalmente fue escrita por Kenneth Gamble, Leon Huff y Cary Gilbert para Harold Melvin & The Blue Notes, Thelma Houston transformó el tema en un himno disco vibrante y apasionado que rápidamente alcanzó el número uno en las listas de éxitos en 1977.

Desde los primeros acordes, la canción captura la atención con su energía dinámica. Un bajo pulsante y una percusión contundente crean un ritmo irresistible que invita a bailar. La introducción instrumental se construye lentamente, añadiendo capas de cuerdas exuberantes y un teclado efervescente que anticipan el desgarrador arranque vocal de Thelma Houston. Su interpretación es un despliegue magistral de emotividad y técnica: comienza con un tono íntimo y suplicante que se transforma en un clamor poderoso y apasionado mientras la canción avanza.

La letra de "Don't Leave Me This Way" es una súplica intensa por amor y conexión, con frases como "Don't leave me this way, I can't survive, I can't stay alive without your love" que transmiten una vulnerabilidad desgarradora. Sin embargo, la música —un brillante contraste de optimismo y energía— le da a la canción una dualidad única. Mientras el mensaje implora salvación emocional, el ritmo frenético y contagioso convierte la experiencia en un catalizador de liberación y euforia.

La producción, a cargo de Hal Davis, es un ejemplo perfecto del sonido disco de la época, que combina influencias del soul clásico con arreglos sofisticados y una intensidad emocional que invita tanto al baile como a la reflexión. El éxito de esta versión no solo le valió a Thelma Houston un Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Femenina de R&B, sino que también la aseguró como un ícono de la era disco.

Además, "Don't Leave Me This Way" tuvo un impacto cultural que trascendió su tiempo. La canción se convirtió en un himno de la comunidad LGBTQ+, especialmente en la era de la disco, y ha sido versionada y celebrada en múltiples contextos. Su energía catártica sigue siendo tan relevante como en los años 70, evocando una sensación de unidad, fuerza y liberación emocional.

"Don't Leave Me This Way" es más que una canción disco; es una obra maestra que combina emoción pura, técnica vocal y producción impecable, reafirmando el poder transformador de la música.

Daniel 

Instagram storyboy 

The Now Now - Gorillaz (Mes Gorillaz)

 

The Now Now, Gorillaz

     Gorillaz, la banda virtual inglesa que consta de cuatro personajes ficticios: 2-D, Noodle, Murdoc Niccals y Russel Hobbs, utiliza el concepto de miembros animados, ya que la música y los videos que crean son generalmente animados. La banda fue creada por Damon Albarn y Jamie Hewlett. El género de su música es generalmente rock alternativo, electrónica y trip hop, aunque su trabajo suele abarcar una amplia variedad de subgéneros dentro de estos géneros. Han obtenido éxito comercial y de crítica, siendo nominados a innumerables premios. En 2018 la banda virtual lanzaba su sexto álbum, The Now Now, con la producción de James Ford. The Now Now presentaba menos colaboraciones que sus álbumes anteriores y orientaba su estilo y su música a un ambiente más melancólico y menos orientado a la fiesta.

Gorillaz es conocido por su estilo futurista y por incorporar con frecuencia su tema de la tecnología y cómo se cruza con la humanidad. Los miembros virtuales de la banda, los trajes llamativos y coloridos, y una amplia variedad de géneros, imágenes, animaciones e interacciones con sus fanáticos brindan a los fanáticos una experiencia profunda e inmersiva con la banda. Además del universo ficticio de Gorillaz, los miembros de la banda han aparecido con frecuencia en varios medios de comunicación para proporcionar entrevistas en el personaje, discutir el tema de su música y creación, y proporcionar a los fanáticos una conexión más personal con los miembros de la banda. Los miembros animados también comparten papeles recurrentes en numerosos videos musicales y otros materiales cinematográficos que la banda ha producido. The Now Now fue lanzado solo 13 meses después de su quinto álbum, Humanz, destacando el enfoque de la banda en ser más sinceros y guiados por la historia en su música. Si bien la crítica, comentaba en general que Humanz fue uno de sus peores proyectos hasta el momento, destacaron en cambio que The Now Now lsupuso un soplo de aire fresco muy necesario.

The Now Now fue grabado en el Studio 13 de Londres, bajo la producción de James Ford, Remi Kabaka y la propia banda virtual, y publicado el 29 de junio de 2018 najo el bajo los sellos Parlophone Records y Warner Bros. Records. La grabación del álbum comenzó a finales de 2017, y según el cocreador de Gorillaz, Damon Albarn, se grabó rápidamente para que la banda tuviera nuevo material para tocar en futuros conciertos. El álbum dio lugar a seis sencillos, incluyendo Humility,  Hollywood y Tranz. El disco debutó en el número cuatro en el Billboard 200 de Estados Unidos y en el número cinco en la lista de álbumes del Reino Unido, recibiendo críticas generalmente positivas de los críticos, que elogiaron el sonido minimalista del álbum y el contenido lírico. Sin embargo, hubo una parte de la crítica que les achacó su percibida falta de ambición y enfoque. Tras el lanzamiento de su álbum  Humanz (2018), el cocreador de Gorillaz, Damon Albarn, había insinuado la posibilidad de que un nuevo álbum de la banda virtual llegara antes de lo esperado, y dijo que disfrutó grabando y debutando nueva música mientras estaba de gira. Comparó la naturaleza espontánea de este proceso con su álbum de 2010 The Fall,  y quería hacer otro disco que se sintiera similar pero más completo en comparación; Dijo: "Si vamos a hacer más con Gorillaz, no queremos esperar siete años porque... Ahora nos estamos llevando un poco". Más tarde confirmó que Gorillaz estaba trabajando en otro álbum que estaba programado para su lanzamiento en 2018.

Las nuevas canciones del álbum se interpretaron durante el Humanz Tour; Gorillaz debutó con Idaho durante un concierto en septiembre de 2017 en Seattle. En marzo de 2018, durante un concierto en Santiago, la banda estrenó Hollywood, que contaba con la participación de Jamie Principle y Snoop Dogg. En este concierto, Albarn declaró que el álbum había sido terminado recientemente y que pronto sería lanzado. En mayo de ese año, se encontraron en el festival de música "All Points East" una serie de carteles que contenían frases como "G es el número mágico" y "Sálvanos de él", así como una URL que apuntaba a un adelanto del álbum que revelaba su título y fecha de lanzamiento.  El sitio web incluía un breve extracto de una nueva canción que más tarde se lanzó como Lake Zurich. El 28 de mayo, el día después de que terminara el festival, Emma de Caunes, la esposa del co-creador de Gorillaz, Jamie Hewlett, confirmó el lanzamiento del álbum a través de Instagram. Según Albarna, el productor James Ford contribuyór ampliamente a la cohesión lírica del álbum, diciendo; "Si este disco tiene más sentido, es totalmente gracias a él, no a mí".

Se redujeron las colaboraciones y se colocó a Albarn, a través de su alter ego 2-D, en el centro del escenario. Con un sonido más minimalista y melancólico, The Now Now explora paisajes electrónicos suaves y reflexivos, mostrando un lado introspectivo de Gorillaz, canalizado a través de sus 11 canciones. Comienza el disco con

Damon Albarn

Humility, un tema alegre y soleado que cuenta con la participación de George Benson. La línea de guitarra funky y el ritmo relajado crean un ambiente veraniego que contrasta con la nostalgia de la letra mientras nos canta el grupo sobre una búsqueda de conexión y paz interior. Estamos ante una introducción perfecta que nos invita a adentrarnos hacia un mundo más personal y menos caótico que Humanz. Tranz sube un poco la intensidad con un beat sintético y un enfoque directo hacia el synth-pop. Este es uno de los temas más dinámicos del álbum, con un ritmo pulsante y líneas vocales que se mezclan con capas de sintetizadores. La canción refleja la alienación y la lucha interna en su letra. Hollywood, fue grabada en colaboración con Snoop Dogg y Jamie Principle, y regresa al estilo de colaboración característico del grupo, pero manteniéndose fiel al estilo minimalista del álbum. Con un ritmo funk-electro y letras que critican la superficialidad de la fama, esta pista es una sátira de la cultura de Hollywood. Kansas es una de las canciones más melancólicas del disco. Con un ritmo lento y un sintetizador que crea una atmósfera etérea, 2-D canta sobre sentirse perdido y añorar un hogar emocional. Sorcererz, con su groove funky y sus texturas electrónicas psicodélicas, invita al oyente a rendirse a la música, con un mensaje enigmático sobre el escapismo.

Continúa el disco con Idaho, canción inspirada por un viaje de Albarn a Idaho, y combina sintetizadores suaves con guitarras atmosféricas. Las letras son introspectivas y personales, y la producción crea una sensación de soledad y calma, añadiendo profundidad emocional al álbum. Lake Zurich es un tema instrumental casi completo con un ritmo funk bailable y elementos electrónicos que recuerdan a la música disco. Es una de las piezas más animadas del álbum, ofreciendo un soplo de aire fresco en medio de tanta introspección. Muy destacables la energía y el groove de este tema. Magic City combina sintetizadores brillantes con un ritmo tranquilo. La voz de 2-D suena vulnerable mientras canta sobre recuerdos y pérdida, creando una atmósfera nostálgica. Fire Flies es un tema lento y sombrío, cargado de sintetizadores oscuros y un ritmo pausado. La letra aborda la desconexión y el desamor, y la interpretación vocal suena conmovedora. La producción es rica en detalles, con texturas que envuelven al oyente en un ambiente hipnótico. One Percent es una de las canciones más minimalistas del álbum, con un ritmo sutil y un enfoque en la voz de 2-D. Las letras, aunque vagas, sugieren una sensación de esperanza en medio de la incertidumbre. Sin embargo, la canción se siente más como un interludio que como una pieza completa, y su falta de desarrollo puede dejar al oyente deseando más. El álbum cierra con Souk Eye, un tema que combina guitarras acústicas con sintetizadores cálidos. 2-D canta sobre una relación complicada, con letras llenas de imágenes poéticas. Estamos ante un emotivo final de un viaje introspectivo, el de este álbum, lleno de altibajos emocionales.

The Now Now supuso un viaje introspectivo dentro del catálogo de Gorillaz. Al reducir las colaboraciones y centrarse más en la voz de 2-D, Damon Albarn ofrecía un trabajo más personal, y aunque algunas canciones pueden parecer menos memorables, Albarn intentaba, en su conjunto, crear una atmósfera única, más introspectiva y personal.