Sleepwalker - The Kinks #mesTheKinks

Cerramos el #mesTheKinks con su decimosexto álbum de estudio, "Sleepwalker" (1977), que si bien no es una de las obras maestras de su discografía, si que es un disco interesante por marcar un regreso a las canciones de rock directas con las que comenzaron su carrera, y a una estructura estándar de banda de cuatro miembros, sin el aderezo de coristas o secciones de metales. Este radical regreso a los orígenes incluyó también el abandono de las historias conceptuales y las estructuras teatrales de sus discos anteriores, que les había proporcionado tan buenas críticas como paupérrimos réditos comerciales. En su lugar, se lanzaron a un efectivo "rock de estadios", más convencional y comercial, con el que rellenar un poco las maltrechas arcas del grupo.

"Sleepwalker" es también el primer álbum publicado con la discográfica Arista, y el último álbum de The Kinks con el bajista John Dalton, quien dejó la banda durante las sesiones de grabación, cansado de la ajetreada vida del grupo y queriendo dedicar más tiempo a su familia, pero su bajo está aún presente en todas las canciones del álbum salvo en "Mr. Big Man", el último de los más de veinte temas que se llegaron a grabar para el disco entre mayo y diciembre de 1976. De todos ellos, solo nueve terminaron dando forma definitiva a "Sleepwalker".

Entre las primeras canciones que se grabaron estaba "Life on the Road", canción de arranque melancólico y posterior desarrollo en clave de rock de ritmo desenfadado y pegadizo con el que da comienzo "Sleepwalker". Le sigue la ya mencionada "Mr. Big Man", tema de rock más oscuro e introspectivo en el que Andy Pyle sustituye al por entonces ya ausente John Dalton, en una de las piezas musicales más acertadas del disco. Sin tiempo para la pausa, llega el turno de "Sleepwalker", la canción que da título al disco, y una de las más alegres y pegadizas. Con riffs y solos efectivos, es otro de los momentos más comerciales y directos del álbum. Publicada como single, alcanzó el puesto 48 del Billboard Hot 100 estadounidense, entrando en esa privilegiada lista por primera vez desde que lo hicieran con el single de "Apeman" en 1970. 

Otra de las primeras canciones en ser grabadas para el disco fue "Brother", la balada con la que cierra la primera cara de "Sleepwalker", un tema que se llegó a plantear como single, pero acabaron descartando esa idea por tener cierto parecido con el "Bridge over Troubled Water" de Simon and Garfunkel. Sí que salió publicado como single el siguiente tema del disco, "Juke Box Music", una animada canción al más puro estilo Elton John, que no logró entrar en el Billboard Hot 100. Es el tema más animado de una cara B más melódica y menos impactante, con temas correctos como "Sleepless Night" (en la que la voz y la música recuerdan al Paul McCartney de los tiempos de Wings), la balada taciturna Stormy Sky, el tema de aire country rock "Full Moon" (publicado como cara B en el single de "Sleepwalker") o el melódico cierre de disco que es "Life Goes On", un tema en el que los hermanos Davies nos dicen en tono positivo que hay que mirar hacia adelante y que "la vida continúa".

No deja de ser una verdad como un templo, pero habría sido más fácil que la vida siguiera su curso sin el sentimiento de nostalgia de los Kinks de "Lola vs Powerman", "Arthur" o "The Kinks are the Soul Preservation Society" que nos deja la escucha de un disco como "Sleepwalker". Pero "La vida continúa", y en 7días7notas lo haremos dedicando el mes de octubre a los mejores discos de Joe Satriani, genial guitarrista que seguro nos saca de la nostalgia por el final del verano y por aquellos gloriosos Kinks de antaño.

1369.- Mi querida España - Cecilia

 

Evangelina Sobredo Galanes, más conocida como Cecilia Evangelina Sobredo Galanes nació en El Pardo el 11 de octubre de 1948. Como una de los ocho hijos del militar y diplomático gallego José Ramón Sobredo y Rioboo y María Dolores Galanes, tuvo una infancia itinerante y una educación cosmopolita. Por ello sus primeras letras como cantautora fueron en idioma extranjero, aunque finalmente se decantó por el español. De regreso a España, comenzó y abandonó los estudios de Derecho, decidiendo dedicarse por completo a la música, y a componer sus propias letras. Éstas poseen una calidad poética y literaria excelente, muy por encima de lo habitual en su tiempo, y se adscriben a corrientes existencialistas y a la canción de protesta feminista. Su tercer álbum, Un ramito de violetas, publicado en 1975, fue el mayor éxito de su corta y fulminante carrera. La canción que da nombre al disco fue la que tuvo más éxito del LP y por la que se suele recordar a Cecilia, quizá injustamente, ya que muchos de sus otros éxitos son también notables. Según su hermana Teresa, antes de ser canción fue un cuento. Junto a esta pieza destacan canciones como "Mi querida España", "Decir adiós" o "Sevilla". Es destacable que la portada y funda interior fue un trabajo de la propia Cecilia. La portada fue una pintura de la autora, así como cada canción, que recibió una ilustración procedente de sus pinturas, de estilo naïf.

“Mi querida España, esta España viva, esta España muerta. De tu santa siesta ahora te despiertan versos de poetas”. Calificada como una de las canciones básicas de la historia musical de España de la década de 1970 e incluso icono de la música del país, se trata de una crítica soterrada a la situación socio-política de la España del momento, en las postrimerías de la dictadura franquista. Es la letra de los primeros versos de la canción que Cecilia popularizó en 1975, meses antes de la muerte del General Franco. Esa “España muerta” jamás fue así cantada en su día, pues la censura del régimen decidió cambiar la letra para que el nombre de la patria apareciese acompañado de adjetivos posesivos mucho más amables. “Esa España mía, esa España nuestra” tardó 35 años en devolverle a la canción de Cecilia su significado original, pues no fue hasta 2011, con la publicación del álbum ‘Cecilia inédita en concierto (Ramalama)’, que descubrimos que para la cantautora madrileña aquel país dirigido por un dictador sanguinario de salud seriamente deteriorada era un estado tan vivo como muerto, a punto de despertar de un largo letargo democrático de casi 40 años. Hoy ese tipo de música ya no se hace, los cantantes de este momento buscan el ruido, la cosa pegadiza e incluso en muchas ocasiones, chabacana y exhibicionista para mover a los jóvenes tras miles de decibelios, luces aparatosas, atuendos estrafalarios o presentándose en formas y modos poco respetuosas con lo que debe ser el respeto al sexo, la transexualidad, homosexualidad o la libertad religiosa. A aquello le llamábamos arte y con razón, y a esto se le llama hacer ruido y montar el pollo, aunque no haya motivo para ello.

La carrera artística de Cecilia fue corta, pero consiguió gran popularidad con canciones como "Un ramito de violetas", "Mi querida España" o "Dama, dama",o Amor de medianoche" que lograron ser un éxito en España en la década de los setenta. Cecilia es parte de la mejor historia de la música española. Su sensibilidad, su rebeldía, su dulce protesta feminista y sus composiciones inolvidables la convierten seguramente en la más grande cantautora que ha dado nuestro país. La universalidad de sus músicas y de sus letras se pone de manifiesto cuando vemos que artistas tan dispares como Manzanita, Mocedades, Julio Iglesias, Fangoria, Rocío Durcal, Manolo Tena, Le Mans, Rosario Flores y un largo etcétera han grabado sus composiciones

1368 - Frank Zappa - Muffin Man

1368 - Frank Zappa - Muffin Man

"Muffin Man", lanzada en 1975 en el álbum Bongo Fury, es una de las piezas más emblemáticas del vasto repertorio de Frank Zappa, mostrando su estilo irreverente, experimental y excéntrico que desafió las convenciones de la música rock de su época. En colaboración con Captain Beefheart, quien fue una influencia importante para Zappa en sus primeros años, "Muffin Man" presenta una mezcla de rock progresivo, blues y jazz que refleja tanto el virtuosismo instrumental de la banda como su peculiar sentido del humor.

La canción comienza con una introducción hablada y surrealista en la que Frank Zappa describe al "Muffin Man", un hombre con una obsesión casi religiosa por los muffins. Este monólogo satírico, que ya es una firma del estilo de Frank Zappa, está cargado de ironía y simbolismo, burlándose de los íconos de la cultura pop y del consumismo, mientras se adentra en lo absurdo. La naturaleza casi poética de la narración parece invitar a la audiencia a cuestionar el sentido mismo del mensaje, mientras se deja envolver por una historia aparentemente sin sentido. Este contraste entre lo ridículo y lo sublime es parte del atractivo de Frank Zappa como artista.

Después de la introducción, la canción explota en una poderosa sección instrumental, que destaca por el virtuosismo de Frank Zappa en la guitarra. Su solo es largo, improvisado y lleno de cambios dinámicos, fusionando elementos de blues eléctrico y rock psicodélico, con un estilo que recuerda a los grandes guitarristas de la época, pero siempre con su toque distintivo. El acompañamiento de la batería, el bajo y el teclado crean una atmósfera densa, con ritmos complejos que muestran la habilidad técnica de la banda, a la vez que mantienen la energía y la fluidez.

Uno de los aspectos más interesantes de "Muffin Man" es cómo Frank Zappa juega con las expectativas del oyente. La primera parte de la canción es abstracta y humorística, mientras que la segunda mitad es una celebración del rock puro, con una estructura más convencional. Esta combinación de lo experimental con lo accesible refleja el enfoque de Frank Zappa hacia la música, donde los géneros y las fórmulas no son más que herramientas a disposición de su creatividad desbordante.

"Muffin Man" encapsula la esencia de Frank Zappa como artista: un músico virtuoso y un humorista satírico, que no tenía miedo de desafiar las normas del rock convencional. Es una canción que sigue siendo tan desconcertante como fascinante, y su capacidad para mezclar lo absurdo con lo genial sigue atrayendo a nuevos oyentes décadas después de su lanzamiento.

Daniel 

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1367.- You sexy thing - Hot Chocolate

Hot Chocolate es una banda británica de música soul, funk y disco creada en 1969 por Errol Brown, que alcanzó su mayor popularidad durante la década de 1970, prolongando su período de mayor éxito hasta ya entrados los años 1980. Tanto es así, que entre 1970 y 1984 siempre tuvo al menos un éxito al año en las listas de ventas. "You Sexy Thing" (1975) fue el mayor éxito de su carrera, alcanzando el puesto 2 en el UK Singles Chart en 1975 y el tercer puesto del Billboard Hot 100 estadounidense en 1976.

Los años setenta se caracterizaron por la irrupción de la música disco, que llegó a las emisoras de radio y las pistas de baile con la fuerza de un tren de mercancías, al que por su cercanía estilística se subieron muchas de las bandas de funk del momento. Ese fue el caso de Hot Chocolate y su canción bandera "You Sexy Thing", escrita por el vocalista principal, Errol Brown, y el bajista Tony Wilson. Como curiosidad, a finales de los años noventa la canción tuvo un gran resurgimiento en popularidad y ventas, gracias a su inclusión en el éxito cinematográfico The Full Monty (1997).

Disco de la semana 397: Congratulations - MGMT

 

No quiero subir mucho el hype pero nada falla en Congratulations de MGMT, desde las magníficas interpretaciones vocales hasta la composición de las canciones, encuentra una mezcla perfecta de producción electrónica e instrumentación más tradicional, no tiene ni una sola canción mala, y aunque siento que muchos dirían que se podría considerar que Lady Dada's Nightmare es un punto débil en el álbum lo disfruto. A medida que la banda se adentraba más en esta región más psicodélica de su música, evolucionaron no solo como compositores, sino también como cantantes, productores y músicos en general, este fue el primer gran paso de la banda para alejarse de lo que originalmente habían hecho muy temprano en sus carreras, con los lanzamientos principalmente electrónicos hasta Oracular Spectacular. Este álbum también tiene bastantes elementos de rock progresivo, así como rock psicodélico y pop psicodélico, que se muestran más obviamente en Siberian Breaks, una canción de 12 minutos con 6 secciones, todas sumadas para formar una obra maestra de una canción.

El álbum comienza con It's Working de forma intensa, pero una vez que termina esa introducción a la canción, te deja con los tambores golpeando junto con una hermosa melodía vocal, así como mucha otra instrumentación, que conduce a un breve descanso con las voces aisladas antes de volver a los versos, que eventualmente se acumulan y hacen la transición, trayendo algo así como un coro, separado de sus repeticiones por un breve descanso instrumental más lento. En cuanto a la letra, esta canción habla de drogas, lo cual es apropiado para el sonido de la canción. Las letras de MGMT han sido algo crípticas durante un tiempo, pero la forma en que escriben incluso sobre temas que podrían parecer algo contundentes, como la ansiedad que conlleva consumir drogas, especialmente por primera vez, puede parecer poética, de alguna manera. Esta canción combina de forma hermosa diferentes géneros de rock, como el surf rock, el rock psicodélico y el rock artístico, lo que da como resultado este gran tema de apertura, un tono perfecto para el álbum. Song For Dan Treacy, es una canción alegre sobre el cantante y compositor de Television Personalities y amigo de MGMT, Dan Treacy. La canción es bastante enérgica y un gran instrumental, si bien comienza de manera bastante simple, con voces, algo de percusión y guitarra, evoluciona rápidamente, con una instrumentación más compleja que contrasta con el contenido lírico, la canción cambia a voces más parecidas a un coro que repiten "He made his mind up" respaldando la voz principal, que luego cambia a una sección más tranquila hasta que retoma el ritmo, conduciendo a la parte final, donde la canción llega a lo que tal vez podríamos llamar un pico, explotando, casi, con una línea final, antes de que la canción se desvanezca. Someone's Missing es la canción más corta del álbum, al comienzo es una canción muy tranquila, que poco a poco va construyendo sobre sus voces simples y un paisaje sonoro más ambiental, creando una sensación muy interesante, con sintetizador, órgano, un tambor silencioso pero contundente en un punto, y guitarra. En el final de la canción encontramos un sonido más animado, que suena extrañamente menos dudoso, como si la canción finalmente hubiera llegado a algún tipo de final no solo musicalmente sino temáticamente, la interpretación vocal en esta canción es muy interesante y se suma a la atmósfera cuestionadora y cautelosa del principio, es verdad que la brevedad de esta canción la obstaculiza un poco, sigue siendo una buena escucha atmosférica. Flash Delirium es una canción increíble, casi todo en ella es genuinamente lo más cercano a la perfección posible, esta canción comienza de manera simple, pronto evoluciona para estar repleta de diferentes conceptos, empaquetados juntos en una sola canción. El hecho de que esta canción pueda mantenerse unida y al mismo tiempo presentar tantas ideas diferentes en una sola canción es impresionante por sí sola, y es aún más impresionante que no solo se mantenga unida, sino que forme una canción increíble. Desde algo como un solo de flauta, hasta el magnífico verso que es esencialmente dos hermosos versos diferentes entrelazados, aún manteniendo un tema consistente, hasta la explosión de sonido final, es como un equivalente musical de tomar partes de toneladas de casas diferentes y pegarlas simplemente con madera y clavos, y aún así lograr hacer una casa no solo con un valor increíblemente alto, sino también algún tipo de comodidad para quienes viven allí y un diseño que es agradable desde todos los ángulos. Los conceptos poco convencionales para hacer la transición entre ideas encajan perfectamente en una canción fuera de lo estandar. Concluye con una explosión de sonido, gritos y luego una parada abrupta. Aunque esta canción sigue siendo bastante críptica en cuanto a la letra, hay un tema anti-redes sociales a lo largo de la canción, con la línea más directa de la canción, y posiblemente la única, siendo "Stab your Facebook". Sin embargo, la canción todavía deja mucho que debatir, ya que esa letra está en la parte más caótica y confusa de la canción. I Found a Whistle es otra canción críptica, sin embargo, a diferencia de la pista anterior, no hay líneas que indiquen un tema claro, otra canción atmosférica que se construye lentamente y finalmente explota en un final increíble. Esta canción comienza con solo un órgano y una percusión ligera, pero las voces y la guitarra entran rápidamente, continúa, hasta el cuarto verso, donde se calma por un momento, con solo voces, dando un mensaje lírico más amenazante, la canción termina con un simple "ooh, ooh, ooh", antes de desvanecerse. Esta canción tiene un gran órgano y un concepto musical muy interesante, así como un final impresionante, que tiene una de mis interpretaciones vocales favoritas del álbum, ya que el sentimiento que evoca en mí simplemente me hace sucumbir. 

Siberian Breaks es la canción más larga del álbum y la segunda canción más larga de MGMT con más de 12 minutos. Hay mucho que analizar aquí, pero antes de llegar a los detalles, en general, esta canción es realmente buena, se mantiene fresca y emocionante durante su duración y tiene algunas líneas realmente hermosas. Comencemos con la sección uno de la canción, se inicia con solo una guitarra acústica, pero pronto tenemos un bajo y luego muchas más capas. Comienza tranquilamente, pero aproximadamente al minuto y medio, se acelera y adquiere un sonido más oscuro y triste, terminando con la línea "los brazos abiertos pueden sentirse tan fríos". La siguiente sección llega de manera ligeramente abrupta, se abre con un sonido más animado, pero las voces son más tranquilas y la melodía vocal principal también es muy tranquila, en su mayor parte. La transición entre esta y la siguiente sección es mucho menos abrupta, esta tercera sección tiene una batería más potente, con una buena guitarra y una melodía es corta, de poco más de un minuto, lo que coincide con la letra final, "estar aquí siempre cambia de tono". Sigue siendo una buena parte de la canción, pero su brevedad hace que sea un poco difícil comentarla, sin embargo, cumple bien su propósito. La siguiente sección es más larga, comienza con una buena parte instrumental, con una mezcla genial de instrumentos y sonidos, que continúa a lo largo de la sección, finalmente aparecen voces tranquilas y melancólicas, que llevan el tono de un sentimiento mayormente neutral a un sonido más triste. La siguiente sección entra enérgicamente, con un tambor rápido que interrumpe la sección anterior, con un instrumental mucho más fuerte y con un ritmo más rápido. Esta sección es posiblemente mi favorita, desde la transición hacia ella hasta todo el contenido que contiene. La siguiente sección calma la canción nuevamente, haciendo una transición suave desde la sección anterior, y vuelve a la guitarra y las voces más tranquilas (obviamente junto con otros elementos, solo que esos no son tan prominentes como esos dos), antes de desvanecerse. Ahora volviendo a la canción en general, es realmente buena y es definitivamente una de las mejores pistas del álbum. Musicalmente, está bien hecha, la composición es buena, la producción y la mezcla son buenas, todo en ella es simplemente genial.

La canción que sigue a esta, que podrías pensar que tendría dificultades para no verse eclipsada por la canción anterior, es Brian Eno que enfrenta bien el desafío y logra no verse eclipsada por Siberian Breaks. La canción en sí es similar a Song For Dan Treacy, una canción alegre sobre una influencia para la banda. Líricamente, no difiere mucho de eso, pero musicalmente, es una canción muy extraña, ya que tiene una sensación muy enérgica, pero la melodía vocal y la entrega no siempre encajan muy bien con esa sensación, lo que extrañamente encaja con la canción. El instrumental de la canción es complejo y cambia mucho, y el estribillo de la canción es breve, solo dos líneas, pero fluye muy bien dentro y fuera de los versos, lo que hace que funcione muy bien en la canción. Acercándose al final del álbum, tenemos Lady Dada's Nightmare, que comienza con un enfoque en el piano, y un poco más de instrumental para respaldarlo, con melodías tocadas por cuerdas tranquilas, a pesar de la sensación inquietante, casi trágica de la canción. Puedes comenzar a escuchar gritos, y cuando entran los tambores, se convierten en el foco de la canción, lo que hace que esta sea una canción realmente inquietante. Los gritos son aterrorizantes, pero eventualmente se desvanecen, y volvemos a donde comenzamos, solo el piano y algo de acompañamiento, con algunos ruidos adicionales esta vez, lo que hace que la sensación de aprensión con la que comenzamos se sienta más inquietante, el piano se desvanece y nos quedamos con una instrumentación tranquila. Esta canción es realmente buena después de que te acostumbres a los gritos, que es lo que encontré más desagradable al principio, además de crear esta sensación inquietante, ralentiza el ritmo del álbum desde la energía de Brian Eno hasta la más tranquila Congratulations, la amarga conclusión de este increíble álbum, una reflexión sobre la fama que alcanzaron con su primer álbum, presentada en forma de una hermosa canción. Esta canción es una en la que las letras son increíblemente importantes, abordan su fama de manera simple pero efectiva, con letras como "Mientras la gente se esfuerza por convertirla en una historia/Y cincelar una palabra de mármol, todo se pierde si nunca se escucha” las líneas en el segundo estribillo, hablan de cómo la gente espera que tomen lo que les ha dado éxito, incluso si no están necesariamente felices por ello, y lo acepten como la banda ahora y lo repitan. Musicalmente, esta canción es bastante simple, pero, al igual que la letra, esta increíblemente bien. Las voces son agradables, es un buen y tranquilo cierre, no solo líricamente, la melodía es muy bonita y el instrumental es tan pacífico y está bien elaborado, contrastando con la letra algo enojada, sino solo amarga. Es el cierre perfecto para este increíble álbum.

 

En general, este disco logra maravillosamente tanto una odisea psicodélica fuera de lo común como una poderosa reflexión contra el estado actual de la cultura popular. Incluso con algunas desviaciones atmosféricas, estoy enamorado de prácticamente todo lo que hace este disco. Una declaración artística colorida, alocada y sorprendentemente brillante hecha por una banda que demostró con éxito a la industria musical, y principalmente a ellos mismos, que son mucho más que una banda de maravillas de un solo éxito.

1366 - Only you know - Dion

Only You Know, Dion

     Dion DiMucci, conocido como Dion, es un músico, cantante y compositor estadounidense. Es considerado un contribuyente significativo al género doo-wop. En 1963, Dion abandonó dicho género y adaptó progresivamente su estilo para adaptarse a los sonidos de rock and roll más de moda de la época, reclutó compositores y comenzó una colaboración con el equipo que daría como resultado varios sencillos exitosos a lo largo de la década de 1960.  Fascinado por el fenómeno de la llamada "Invasión británica", Dion buscó posteriormente inspiración en grupos como The Beatles. No detuvo su carrera musical en los sonidos del rock 'n' roll y el doo-wop; también grabó blues y melodías contemporáneas relevantes, dividiendo su tiempo de grabación en la ciudad de Nueva York y Palestine, Texas.

Corría la década de los años 70, el reinado de Dion en el Rock and roll se estaba desvaneciendo, y Phil Spector ya no era precisamente una máquina de cosechar éxitos como antes. En ese momento entró en escena la compañía discográfica Warner Bros. Records y decidió darle otra oportunidad a Dion. Le dieron una lista de posibles colaboradores y le preguntaron con cual de ellos trabajaría. Dion, recordando los gloriosos día de doo-woop con el grupo The Belmonts trabajando con Spector, decidió apostar por él. 

Así nace Born to Be With You, su decimocuarto álbum en solitario, publicado en 1975. Incluido en este disco se encuentra la pista Only You Know, una de las varias pistas supervisadas por Spector, el arquitecto del ya famoso "Muro del sonido", una técnica de producción que básicamente implicaba arrojar todos los instrumentos a la canción y esperar que funcionara todo bien. En esta canción, Dion canta sobre una relación que lucha por sanar. Ella tiene un pasado envuelto en misterio y dolor, y él quiere ver que la chispa del amor vuela a brillar en los ojos de su pareja. Dion sabe de la dificultad se seguir adelante y ofrece a su pareja un apoyo fiel e inquebrantable. 

1365.- Evil Woman - The Electric Light Orchestra

¿Jeff Lynne tenía en mente a una mujer en particular cuando escribió Evil Woman ? No está del todo claro. Rara vez ha abordado el tema y cuando lo ha hecho, ciertamente no menciona nombres. Es posible que se trate de alguien que conozca. También es muy probable que no tuviera a nadie en mente cuando lo escribió y que solo esté bromeando sobre que se trata de alguien en particular. La respuesta sigue siendo desconocida.

“Evil Woman” es una de las canciones que más me ha llamado la atención de la Electric Light Orchest a lo largo de los años. Esta alegre melodía presenta una de las introducciones más impactantes e instantáneamente reconocibles de todos los tiempos. De principio a fin, esta canción te pide a gritos que salgas a la pista de baile y te relajes un rato. El ritmo funky, enfatizado por la fórmula característica de piano, cuerdas y batería de ELO, convirtió esta canción en una de sus obras más gloriosas. Fue lanzada en 1975 como sencillo de su álbum “Face the Music”, la canción se convirtió en el boleto de la banda al estrellato mundial al conquistar las listas de éxitos en Italia, Países Bajos, Canadá, Irlanda y otros países. Se necesita tiempo y mucha reflexión para crear una obra de arte atemporal, pero ese definitivamente no fue el caso de Jeff Lynne y “Evil Woman”. Las grabaciones del album “Face the Music ” ya estaban terminadas, pero Jeff no estaba listo para dar carpetazo al trabajo y en unos 30 minutos, “Evil Woman” estuvo lista, convirtiéndose en una de las más rápidas que había escrito. A pesar de las intenciones iniciales de tenerla como una mera pista de relleno para el álbum, la canción aparentemente era demasiado buena para que los fans la pasaran por alto. Escribir una canción que defina una carrera en solo 30 minutos es un logro que no muchos artistas podrían lograr. Pero, de nuevo, Jeff Lynne no es un músico común y corriente y nunca lo será. La letra no es difícil de entender y se resume perfectamente en el título: Ella lo manipuló, jugó con su cuerpo y corazón, destruyó las virtudes que el Señor le dio y se convirtió en un completo mentiroso. Él siempre acudirá a ella cuando llore porque la ama mucho, pero al final del día, ella solo lo está utilizando. Mucha gente ha estado en una situación similar, independientemente del género o el tipo de relación. Es una lástima lo cruel que puede ser alguien solo para lograr sus deseos egoístas. Curiosamente, las líneas “There's a hole in my head where the rain comes in” fueron escritas como un tributo a la canción de The Beatles “Fixing a Hole”. Hay dos secciones de cuerdas reutilizadas en Evil Woman. La más obvia es el breve interludio de cuerdas con flanger en el puente instrumental de la canción. Esto se toma de la grabación de la sección de cuerdas de la canción Nightrider de Electric Light Orchestra. En Evil Woman , se toca al revés y se agrega un efecto flanger. Este interludio de cuerdas se samplea y se usa varias veces en una canción llamada Beep de las Pussycat Dolls con Will.I.Am de los Black Eyed Peas. Otra sección de cuerdas reutilizada interesante y no tan obvia es una muestra de Evil Woman que se usa en Fire On High . Una sección de cuerdas que suena sobre la introducción de Evil Woman se invierte y se usa en la introducción de Fire On High , poco después del fragmento "la música es reversible". 

Everybody's in Show-Biz - The Kinks #mesTheKinks

Everybody’s in Show-Biz de The Kinks (1972) #mesTheKinks

Everybody's in Show-Biz, lanzado en agosto de 1972, es uno de los álbumes más interesantes y polarizantes en la carrera de The Kinks. Este trabajo muestra la transición de la banda, dirigida por el carismático y prolífico Ray Davies, desde el formato tradicional de álbumes conceptuales y canciones narrativas hacia una exploración más compleja de temas como el agotamiento de la vida en la carretera y la percepción distorsionada de la fama y el éxito. Aunque no alcanzó el mismo estatus icónico que algunos de sus lanzamientos anteriores, como The Kinks Are the Village Green Preservation Society o Arthur (Or the Decline and Fall of the British Empire, Everybody’s in Show-Biz destaca por su innovación conceptual y su mezcla de géneros musicales.

Para 1972, The Kinks ya habían alcanzado el estatus de leyendas en la escena musical británica y mundial. La banda fue pionera en la invasión británica con éxitos como "You Really Got Me" y "All Day and All of the Night", que sonaban a rock puro con guitarras contundentes y riffs potentes. Sin embargo, a finales de la década de los 60 y principios de los 70, Ray Davies comenzó a alejarse de esos himnos juveniles y adoptó un enfoque más reflexivo y nostálgico en su composición, lo que se tradujo en álbumes profundamente conceptuales. Este cambio marcó el inicio de una fase en la que Davies volcó su atención en retratar la vida cotidiana británica, la clase trabajadora y los cambios culturales de la época.

Es en este contexto donde se sitúa Everybody’s in Show-Biz. Grabado en un momento de agotamiento físico y emocional de la banda debido a las constantes giras y la vida nómada, el álbum refleja una mezcla de cinismo, nostalgia y cierta ironía sobre el mundo del espectáculo y la fama. La idea de que todos, de alguna manera, están "en el show" es central, no solo para los artistas que se presentan sobre el escenario, sino también para el público y la sociedad en general, atrapados en una performance constante.

Everybody’s in Show-Biz es un álbum doble que se divide en dos partes: la primera es un conjunto de canciones de estudio, mientras que la segunda es un registro en vivo de algunas de sus presentaciones en el Carnegie Hall de Nueva York. Esta estructura ya sugiere una dualidad interesante, en la que la banda explora no solo su faceta creativa en el estudio, sino también la realidad, a veces más cruda y menos glamorosa, de sus conciertos.

La primera mitad del álbum se caracteriza por una gran diversidad musical. Ray Davies, conocido por su ingenio y lirismo, aborda temas como el cansancio de la vida en la carretera, el anhelo de una vida más simple y la relación paradójica con la fama. El álbum abre con la enérgica y satírica "Here Comes Yet Another Day", una canción que resume perfectamente el tema del agotamiento que permea el disco. Aquí, Davies canta sobre el tedio y la monotonía de la vida en giras, un tema recurrente a lo largo de las canciones de estudio.

Temas como "Motorway" y "Sitting in My Hotel" profundizan en esta sensación de alienación y fatiga. "Motorway" es una oda a la carretera, pero lejos de ser una canción romántica sobre el viaje, Ray Davies la presenta de manera irónica, describiendo la vida en la autopista como una rutina agotadora y poco glamorosa. En contraste, "Sitting in My Hotel" es una balada introspectiva que refleja los sentimientos de aislamiento de un artista en el apogeo de su fama. La canción, con una melodía melancólica, captura la soledad que a menudo acompaña el éxito y la vida pública.

Otro tema destacado es "Celluloid Heroes", una de las canciones más famosas y duraderas de The Kinks. Aquí, Davies reflexiona sobre la fragilidad de las estrellas de cine, glorificadas por el público, pero igualmente vulnerables a las tragedias humanas. "Celluloid heroes never really die" canta Davies, pero a pesar de esta aparente inmortalidad en la pantalla, las estrellas siguen siendo personas reales con sus propias luchas y desafíos. La canción es una crítica conmovedora y melancólica al mito de la celebridad, y sigue siendo una de las piezas más memorables del álbum.

Musicalmente, el álbum es una mezcla ecléctica de estilos, desde el rock tradicional hasta el cabaret y el pop orquestal. Canciones como "Supersonic Rocket Ship" ofrecen un enfoque más ligero y fantasioso, con una mezcla de reggae y pop que suena despreocupada y optimista, en marcado contraste con las canciones más melancólicas del álbum. Sin embargo, incluso en esta canción hay un subtexto escapista: el protagonista de la canción sueña con escapar a un lugar donde los problemas terrenales ya no lo afecten, otra indicación del deseo de Davies de alejarse de las presiones del estrellato.

La segunda mitad de Everybody’s in Show-Biz consiste en grabaciones en vivo del Carnegie Hall. Estas actuaciones muestran a The Kinks en su faceta más teatral y exuberante. Se puede percibir la energía y el entusiasmo de la banda en canciones como "Alcohol", una sátira tragicómica sobre los peligros del alcoholismo, presentada con una teatralidad digna del vodevil. La banda se sumerge en un estilo casi cabaretesco, con vientos y arreglos exuberantes que aportan un aire de espectáculo y extravagancia.

Las canciones en vivo también destacan la habilidad de The Kinks para mezclar géneros y adoptar un enfoque casi burlesco en sus actuaciones. La combinación de los saxofones y el tono más lúdico de las interpretaciones ofrece un contraste refrescante con la melancolía y la introspección de las canciones de estudio.

Al momento de su lanzamiento, Everybody's in Show-Biz recibió críticas mixtas. Algunos críticos elogiaron la honestidad de Davies al tratar temas como el cansancio y la alienación de la fama, mientras que otros consideraron que el álbum carecía de cohesión y lo percibieron como una obra menor en comparación con los proyectos más ambiciosos de The Kinks. Sin embargo, con el tiempo, el álbum ha sido revalorizado por su originalidad y su enfoque en los temas de la fama, el éxito y la industria del entretenimiento.

"Celluloid Heroes", en particular, ha perdurado como una de las canciones más icónicas de la banda, y sigue siendo interpretada en conciertos y compilaciones. El álbum también puede considerarse un precursor de los trabajos futuros de The Kinks, en los que Ray Davies continuaría explorando la vida cotidiana y las complejidades de la experiencia humana.

Everybody’s in Show-Biz es un álbum complejo, cargado de ironía, melancolía y un agudo comentario sobre la fama y la vida en la carretera. A través de una mezcla ecléctica de géneros y estilos, The Kinks ofrece una reflexión sincera y, en ocasiones, amarga sobre las tensiones de la vida pública. Aunque no siempre es coherente en su ejecución, el álbum captura a una banda en plena transición, enfrentándose a las presiones del éxito con una combinación de cinismo, humor y humanidad. Es una obra que, a pesar de no ser tan celebrada como otros discos de la banda, sigue siendo fascinante por su honestidad y su atemporalidad.

Daniel 

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1364.- Stranglehold - Ted Nugent

Stranglehold, Ted Nugent

     Ted Nugent nace en Redford, Michigan (Estados Unidos) en 1948, y es criado bajo una estricta educación religiosa, de hecho provenía de una familia con raíces militares y su padre era sargento militar de carrera.Los primero pinitos de Ted los realiza a mediados de los años 60 en un grupo llamado The Amboy Dukes mientras cursa sus estudios de secundaria. La banda va creciendo y asentándose poco a poco, consiguiendo en 1973 un contrato con la discográfica DiscReet Records propiedad de Frank Zappa, con la que publican el álbum Call OfThe Win, y al año siguiente Tooth Fang & Claw. Sin embargo la banda es un constante ir y devenir de músicos que entran y salen constántemente, lo que provoca que ante la falta de estabilidad de la misma Ted Nugent decida salir de la misma y emprender su carrera en solitario.     

Ted consigue en 1975 un contrato con Epic Records, grabando con ésta discográfica su primer álbum en solitario. Los músicos que forman la primera agrupación de Ted son el rpopio Ted Nugent (guitarra y voz), Derek St. Holmes (guitarra y voz), Rob Grange (bajo) y Clifford Davies (batería). El resultado es el disco titulado Ted Nugent que sale a la venta en septiembre de 1975. El debut en solitario le sienta más que bien, consiguiendo con este disco posicionarse en la famosa lista estadounidense Billboard Top 30 y consiguiendo además la certificación de disco multiplatino.     

Incluido en el álbum encontramos el tema Stranglehold, tema de más de 8 minutos de duración con una introducción brutal de guitarra de Ted. El sólo del tema que se marca Ted fue catalogado por la revista Guitar World en el puesto número 31 de los mejores solos de todos los tiempos.En cuanto a la composición de tema está acreditado a Ted Nugent y Rob Grange. Ted comentaba que la canción no sólo tenía connotaciones sensuales y sexuales, también era una canción de desafío pues ese es el tipo de música que a la gente le encantaba y durante los más de 300 conciertos anuales que solía dar, el público la vivía enfervorecida y las chicas la bailaban como si no hubiera un mañana. El tema era interpretado en un principio por Derek St. Holmes, pero Ted Nugent consideraba que esto hacía que su estatus en el escenario se resintiera, por lo que decidió cantar él mismo ya no sólo este tema sino todos sus éxitos. Para Ted Nugent sólo podía haber una lobo alfa en el escenario y ese era él, todo genio y figura. Cierto es que Ted Nugent es un personaje controvertido, pero en 7dias7notas nos centramos siempre en el aspecto musical, del resto dejamos que saqueis conclusiones vosotros mismos

Canciones escondidas: Baby Did A Bad Bad Thing - Chris Isaak (1995)

Me extrañó mucho el album Forever Blue, vuelvo a encontrar de nuevo esa capacidad tan especial de Chris Isaak para transmitir emociones a través de un suave canto, pero había una duda ante este nuevo trabajo ya que hasta ahora gran parte del mérito del éxito de sus álbumes anteriores se podía atribuir al guitarrista James Calvin Wilsey, suyo era ese característico acento que impregnaba temas como "Blue Hotel" y "Wicked Game" a las que daba un aire noir, como si dentro de cada canción se escondiera una historia que esperaba pacientemente un guión y un director con una imaginación retorcida. Pero, en algún punto entre Heart Shaped World y Forever Blue, los dos se separaron y todos vimos que Isaak asumió ese papel. Inevitablemente, se ha perdido algo del humor cinematográfico, pero, al liberar algo de la presión lúgubre, Isaak ha aflojado las restricciones vocales y continúa floreciendo en su mundo reconstituido de los sesenta. En Forever Blue Isaak se pueden ver esos cambios. Un ejemplo es "Go Walking Down There", con un claro ritmo a lo Iggy Pop, en la que Isaak renuncia al tono suave, abriéndose y permitiendo que un poco de aire llegue a esas cuerdas vocales, del mismo modo, la entusiasta "I Believe" le permite forzar su voz por encima de un suave susurro. Y, por atreverse a ser diferente, las dos pistas están entre las mejores del álbum. Los fans de Isaak de toda la vida, acostumbrados a cerrar los ojos y evocar visiones de un Presley o un Orbison reencarnados, no tienen por qué tener miedo, Isaak no se ha olvidado de su público principal. "Don't Leave Me On My Own", "Things Go Wrong", "Forever Blue" y "There She Goes" son todas ellas una combinación del falsete de The Big O y el labio curvado. Más preocupante aún es que cuando Isaak se muestra desolado y triste ("Shadows In A Mirror", "Changed Your Mind"), los resultados son más sombríos y hoscos que melancólicos y magníficos, pero, aunque sigue siendo capaz de escribir canciones como el galope country de "Graduation Day" o clásicos pedregosos como "Somebody's Crying", el suelo bajo sus pies sigue siendo sólido. En cuanto a las letras, este es un álbum muy deprimente. Trata sobre rupturas y miseria inducida por el amor. No hay una sola canción "feliz" en este álbum.

Pero por encima de todas resalta la magnífica "Baby Did A Bad Bad Thing" que suena como John Lee Hooker después de haber tomado una poción de miel y limón para suavizar los peores graznidos, no se parece a nada de lo que Isaak ha publicado anteriormente y el zumbido estático de fondo añade una dimensión inesperada. El riff de guitarra impulsa la canción, y la voz áspera de Chris ayuda a hacerla aún más áspera con una progresión de la canción al estilo de Peter Gabriel en su ejecución. La letra marca el tono del álbum, que es oscuro y (¿quién lo hubiera adivinado?) azul. La canción obtuvo gran parte de su reconocimiento tras su inclusión en la película Eyes Wide Shut de Stanley Kubrick de 1999, Kubrick escuchó la canción mientras Kidman escuchaba la música de Isaak para animarse durante los ensayos, le pidió a Isaak su aprobación e inmediatamente aceptó una vez que le dijeron que era para Kubrick, de quien Isaak declaró: "No ha hecho una película que no me haya gustado". El cantante dijo que siempre consideró que "Baby Did a Bad Bad Thing" era ideal para bandas sonoras debido a que era "una especie de obra extraña, con un ritmo realmente enérgico y una energía maníaca que pensé que probablemente funcionaría bien para algunas imágenes”.

1363.- I don't wanna talk about it - Rod Stewart

"I Don't Want to Talk About It" es originalmente una canción escrita por el guitarrista Danny Whitten, y vio por primera vez la luz en una grabación de la banda estadounidense Crazy Horse, que la incluyó en el disco "Cray Horse" (1971), pero fue la versión posterior de Rod Stewart para su disco "Atlantic Crossing" (1975) la que colocó esta bella balada melódica sobre el dolor de una ruptura sentimental, desde la perspectiva de la persona a la que han dejado ("No quiero hablar de ello, de como me rompiste el corazón"), en lo más alto de las listas de ventas a nivel internacional.

La canción se publicó también como single en 1977, con "The First Cut Is the Deepest" como doble cara A en la edición británica y con "The Best Days of My Life" como cara B en la versión del sencillo publicada en Estados Unidos. La versión británica se lanzó a bajo precio para lograr que la políticamente incorrecta "God Save the Queen" de The Sex Pistols llegará a lo más alto de las listas británicas.

En 1979 se publicó como sencillo en Estados Unidos, para promocionar el álbum recopilatorio "Greatest Hits", llegando al puesto 46 del Billboard Hot 100 estadounidense. Diez años después, Rod Stewart grabó de nuevo "I Don't Want to Talk About It" para una nueva compilación de éxitos publicada en 1990 ("Storyteller - The Complete Anthology: 1964-1990"), apareciendo también es mismo año en "Downtown Train - Selections from Storyteller", y llegando al segundo puesto del Billboard Adult Contemporary.

1362 - Pappo's Blues - Slide Blues

1362 - Pappo's Blues - Slide Blues

"Slide Blues", una de las canciones más emblemáticas de Pappo's Blues, se destaca como una obra maestra dentro del repertorio del legendario músico argentino Norberto Napolitano, más conocido como Pappo. Esta canción, publicada en el álbum Pappo's Blues Volumen 5: Triángulo, lanzado en 1974, combina magistralmente los elementos más distintivos del blues clásico con el inconfundible estilo del rock argentino que Pappo ayudó a consolidar.

El título "Slide Blues" sugiere de inmediato la presencia de una técnica fundamental en el género del blues: el uso del slide en la guitarra. Este recurso se utiliza para crear un sonido resbaladizo y melódico, en el que las notas parecen deslizarse suavemente de una a otra. Pappo, un virtuoso de la guitarra, aprovecha esta técnica para darle a la canción un aire crudo, evocador y nostálgico que transporta al oyente a los orígenes del blues en el delta del Mississippi, pero con un sello propio y una intensidad que solo el rock puede añadir.

Desde los primeros acordes, la canción atrapa con una cadencia lenta y profunda, donde el slide sobre la guitarra electrificada establece el tono melancólico y reflexivo que caracteriza al blues. La instrumentación minimalista refuerza esa atmósfera íntima, donde cada nota parece cargada de significado. Pappo logra un equilibrio perfecto entre la destreza técnica y la emocionalidad, permitiendo que la guitarra hable por sí misma, transmitiendo un lamento que se siente tanto como se escucha.

En cuanto a la estructura de la canción, "Slide Blues" sigue el formato típico del blues, con una progresión de acordes simple, pero efectiva, que sirve de base para la improvisación. Pappo intercala frases melódicas con explosiones de energía en su guitarra, demostrando su capacidad para mantener al oyente cautivado sin necesidad de recurrir a letras o voces. La ausencia de una línea vocal en esta canción en particular resalta la importancia que el músico da a la guitarra como vehículo de expresión.

La ejecución de "Slide Blues" no solo muestra el virtuosismo de Pappo como guitarrista, sino también su profundo conocimiento y respeto por las raíces del blues. Aunque el tema instrumental podría parecer en principio un ejercicio técnico, cada desliz sobre las cuerdas revela un sentimiento genuino, una conexión emocional con la esencia del género. Es esta autenticidad lo que eleva a Pappo como uno de los grandes referentes del blues y del rock en América Latina.

"Slide Blues" es una pieza que trasciende la mera técnica musical para convertirse en una expresión pura del alma del blues. La maestría de Pappo en la guitarra, combinada con su sensibilidad como artista, hace de esta canción una joya intemporal que sigue resonando en los corazones de quienes buscan autenticidad y emoción en la música. 

Daniel 

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1361.- Sailing - Rod Stewart

 

Sailing, Rod Stewart

     A mediados de los años 70, Rod Stewart alcanzó la cima de su éxito comercial y su atractivo musical popular. Los álbumes "Atlantic Crossing" y "A Night on the Town" consolidaron a Stewart como un consumado baladista de rock que llenaba estadios. Sailing es probablemente su himno más conocido de esta época. Ayudó también el hecho de que fuera usada como himno principal de una serie de televisión llamada Sailor, una importante serie documental de televisión de la BBC , emitida por primera vez en 1976, sobre la vida a bordo del portaviones británico HMS Ark Royal. La serie siguió al barco en un despliegue de cinco meses y medio por América del Norte en 1976. Sailing se convirtió en un éxito internacional en 1975. Está basada en una canción tradicional que celebra la asociación tradicional de los pescadores a vela con el mar.

La canción fue escrita originalmente por Gavin Sutherland, del grupo sutherland Brothers, en 1972. Fue grabada por Rod Stewart para su primer álbum grabado en Norteamérica en lugar de Gran Bretaña: Atlantic Crossing , que fue grabado entre abril y junio de 1975 en los Muscle Shoals Sound Studios, con la producción de Tom Dowd . El hecho de grabar en Estados Unidos de debió a la alta tasa de impuestos que había en Reino Unido, lo que animó al cantante a mudarse a Estados Unidos. Fue precisamente el primer sencillo del disco, y se conviritó en un éxito internacional, especialmente en el Reino Unido, donde fue número 1 durante cuatro semanas en septiembre de 1975. Regresó a la lista británica en 1976 y, con menos éxito, en 1987. Esa memorable canción sigue siendo el mayor éxito de Stewart en el Reino Unido. En el aspecto musical, comienza con una acumulación lenta y constante de cuerdas y trompetas orquestales, su fraseo es corto y descordinado, puntuado por respiraciones profundas. Parece como si Stewart estuviera luchando una batalla contra el proceso de canto, siempre aparentemente recuperando el aliento. El estilo musical de la canción es a gran escala, romántico en estadios, y se basa en grandes crescendos de poder para calar en el público, algo que consigue con creces.

Muswell Hillbillies - The Kinks (Mes The Kinks)

 

Muswell Hillbillies, The Kinks

     Las canciones y el estilo del álbum Muswell Hillbillies presentan algunos de los motivos musicales más importantes de la música de The Kinks desde el comienzo de sus auspicios discográficos, fusionando una nostalgia melancólica con una fuerte crítica social. The Kinks fueron una banda de clase trabajadora desde su nacimiento, pues tanto Ray Davies como Dave Davies, como bien afirmaban, procedían de la clase media trabajadora. Ray dejó la Escuela de Arte para convertirse en músico, y Dave estuvo a punto de convertirse en un delincuente juvenil adolescente. Muswell Hillbillies es un fiel reflejo de sus preocupaciones sociales y musicológicas, dotado de una perspectiva específicamente británica de clase trabajadora. Un pueblo trabajador cosmopolita y joven que vive en una atmósfera de seguridad garantizada por un Estado de bienestar que no siempre es seguro. Muswell Hill está encuadrada en la parte Noreste del Londres Metropolitano, un lugar lleno de opulencia y, más sutilmente, de las minucias de la clase. Estos códigos postales profundamente conscientes de la clase son abordados irónicamente, y la yuxtaposición de Hill y Billy forma una rima semántica y cultural estéticamente rica, y aunque hay más variedad de modelos de clase trabajadora, es el grupo de los Hillbillies en el que The Kinks se fijaron.

Muswell Hillbillies es el décimo álbum de estudio del grupo. Fue grabado entreagosto y octubre de 1971 en los Morgan Studios de Londres, bajo la producción de Ray Davies, y publicado el 24 de noviembre de 1971 por el sello discográfico RCA Records. El disco lleva el nombre de la zona de Muswell Hill en el norte de Londres, donde los hermanos Davies se criaron y donde se formó el grupo. El álbum presenta a una serie de figuras de la clase trabajadora y las tensiones con las que deben lidiar. Fue el primer álbum de la banda para RCA Records. Sus grabaciones anteriores habían sido lanzadas en Pye Records (Reprise Records en los Estados Unidos). El álbum fue grabado entre agosto y octubre de 1971 en Morgan Studios, Londres, utilizando una nueva sección de metales, Mike Cotton Sound, que incluía a Mike Cotton en la trompeta, John Beecham en el trombón y la tuba, y Alan Holmes en el clarinete.

El álbum no fue un éxito comercial (no llegó a las listas del Reino Unido y alcanzó el puesto número 100 en los EE. UU), y sus ventas fueron una decepción después del éxito que habían cosechado con Lola el año anterior. La foto de la portada fue tomada por Rod Shone en Archway Tavern , un pub situado en Archway, a más de dos millas de Muswell Hill. La foto del recuadro posterior, que muestra a la banda debajo de un cartel que indica las direcciones a Muswell Hill, fue tomada en la pequeña isleta de tráfico en la intersección de Castle Yard y Southwood Lane en Highgate. Como ya hemos comentado, este disco marca una desviación notable de los trabajos anteriores del grupo, adoptando una estética que mezcla el rock británico con influencias del country y el folk estadounidense. Muswell Hillbillies no solo es una obra musical, sino una crónica sociopolítica, un reflejo de los cambios urbanos que estaban moldeando la vida en el Reino Unido durante esa época. Ray Davies retrata con ironía y melancolía los efectos de la reurbanización, la gentrificación y la alienación de la clase trabajadora, temas que resonaban en su entorno y en la sociedad en general.

En lo musical, el álbum es una fusión fascinante de géneros. The Kinks, conocidos por su habilidad para contar historias a través del rock y el pop británico, se adentraron en el terreno del country, el blues y el folk estadounidense en este álbum. Esta influencia estadounidense se hace patente en canciones como "Acute Schizophrenia Paranoia Blues" y "Alcohol", donde los sonidos de guitarras acústicas y metales brindan un aire casi sureño, contrastando con las letras sobre el paisaje urbano británico. Ray Davies, el principal compositor y letrista de la banda, enmarca en este álbum sus observaciones sobre la sociedad con una mezcla de humor negro y crítica social. Canciones como “20th Century Man” y “Here Come the People in Grey” expresan la ansiedad y frustración de las personas comunes ante la creciente burocratización y la pérdida de control sobre sus propias vidas. A través de la narrativa de personajes ficticios pero representativos, Davies retrata la disolución de la comunidad tradicional frente a las fuerzas impersonales del modernismo.

Comienza el disco con 20th Century Man, donde Ray Davies se pone en la piel de un hombre común y expresa su desconcierto y desesperación ante los efectos de la modernidad. La letra critica la industrialización y el control estatal sobre la vida de las personas. El protagonista se siente atrapado en el siglo XX, anhelando un tiempo más simple y auténtico. Musicalmente, empieza con una guitarra acústica suave, pero va creciendo en intensidad conforme la frustración del personaje se incrementa. Acute Schizophrenia Blues a pesar de su dramático título tiene un ritmo animado con influencias del jazz y el blues. La letra narra la vida de un hombre que se siente perseguido y alienado por las crecientes complicaciones del mundo moderno. El uso de la trompeta y los metales da a la canción una sensación casi de cabaret, lo que contrasta con las preocupaciones mentales y la paranoia del protagonista. Toda una crítica a cómo la vida urbana puede desencadenar problemas mentales y emocionales. Holiday es una canción que nos da un respiro, pues aquí el narrador sueña con escapar de las presiones del mundo moderno tomando unas vacaciones. La melodía es relajada y tiene una atmósfera casi tropical, con un ritmo suave que refuerza el deseo de desconectar. Sin embargo, también tiene una sensación de resignación, como si las vacaciones fueran solo un alivio temporal para problemas más profundos. En Skin and Bone Ray Davies aborda el tema de la obsesión por la delgadez y las modas de salud de la época, burlándose de los extremos a los que las personas iban para perder peso y seguir las tendencias. La letra habla de una mujer que pasa de estar "rellenita" a ser "solo piel y hueso". El estilo musical es un alegre rockabilly, lo que aporta una ligereza que contrasta con la crítica social del tema. Alcohol es una oscura y cómica balada que cuenta la historia de un hombre que cae en la ruina por su adicción al alcohol. La canción mezcla el jazz y el cabaret, con metales que acentúan el tono irónico de la historia. A lo largo de la canción, el narrador describe cómo el alcohol destruye la vida del personaje, arruinando su matrimonio, su trabajo y su dignidad. Es una crítica mordaz a la decadencia personal y social causada por el vicio. Cierra la cara A Complicated Life, que aborda el tema de la alienación y la ansiedad de la vida moderna. El protagonista está harto de las complicaciones de la vida cotidiana y anhela una existencia más sencilla. Con un ritmo lento y arrastrado que refuerza el cansancio del narrador, la canción captura el malestar y la frustración de las personas comunes ante las crecientes demandas y complejidades de la sociedad.

Comienza la cara B con Here Come the People in Grey, canción donde Ray Davies se burla de las autoridades que vienen a desalojar a las personas de sus hogares debido a la reurbanización. Los "hombres grises" simbolizan la burocracia fría e impersonal que arrasa con las comunidades trabajadoras. Musicalmente, es una canción simple pero efectiva, y con un ritmo enérgico. Have a Cuppa Tea celbra ocn tono humorístico la costumbre británica de tomar té. Sin embargo, debajo de su alegre ritmo de music hall, hay una crítica a la forma en que las personas se aferran a pequeños rituales reconfortantes mientras su vida cambia radicalmente. Ray Davies sugiere que el té es un refugio en medio de un mundo caótico. Musicalmente es una de las canciones más ligeras del álbum, con una mezcla de folk y music hall británico. Holloway Jail es una de las canciones más dramáticas del álbum, y narra la historia de un hombre que es enviado a prisión, posiblemente por su desesperación ante la pérdida de su hogar o empleo. La letra explora el sentimiento de injusticia y opresión. Musicalmente, es más oscura, con un enfoque en los metales y un ritmo pesado, lo que refuerza la sensación de encarcelamiento físico y emocional. Oklahoma U.S.A. es otra de las canciones más melancólicas y nostálgicas del disco. La protagonista sueña con escapar de su dura realidad y encontrar consuelo en la América idealizada que ve en las películas de Hollywood. En cuanto a sonido,la canción es más tranquila y suave, con un arreglo minimalista que refuerza el tono soñador de la letra. Toda una reflexión sobre cómo la gente se refugia en fantasías para sobrellevar una vida monótona o difícil. Uncle Son trata sobre la figura del "tío Son", un hombre trabajador de la clase obrera que representa una generación que está siendo desplazada por los cambios sociales y económicos. Ray Davies muestra empatía por este personaje, quien mantiene su dignidad a pesar de las dificultades. Presenta una mezcla de folk británico y country estadounidense, reflejando la dualidad de influencias presentes en todo el álbum. Cierra el álbum la canción Muswell Hillbilly, que supone el cierre perfecto para este más que interesante disco, resumiendo muchos de los temas que se exploran a lo largo del disco. El protagonista se describe a sí mismo como un "hillbilly" (campesino) de Muswell Hill, orgulloso de sus raíces y resistente a los intentos de la modernidad de cambiar su vida. La canción mezcla country con rock británico, y es todo un himno a la resistencia cultural y la identidad. 

Aunque no fue un éxito comercial en su momento, Muswell Hillbillies recibió elogios de la crítica y con el tiempo se ha fue ganando el aprecio y el reconocimentos de los fans. The Kinks logran dibujar un retrato sobre la vida cotidiana, abordando temas como la alienación, la pobreza y la nostalgia por un pasado que se desvanece. Nos encontramos ante una obra que invita a la reflexión sobre los cambios sociales y personales.

1360 - Rainbow - The temple of the king

1360 - Rainbow - The temple of the king

"The Temple of the King" es una de las canciones más emblemáticas de la banda de rock Rainbow, incluida en su álbum debut Ritchie Blackmore's Rainbow lanzado en 1975. Esta balada destaca por su emotiva letra y su atmósfera mística, que se combinan a la perfección con la destreza musical de la banda, en especial la guitarra de Ritchie Blackmore y la voz de Ronnie James Dio.

La letra de la canción narra una historia llena de simbolismo y elementos espirituales. Habla de un viaje hacia el "templo del rey", donde un hombre busca respuestas a las preguntas profundas de la vida. A través de esta travesía mística, se reflejan temas universales como la búsqueda de la verdad, la conexión espiritual y el destino. La imagen del "templo" evoca un lugar sagrado donde el protagonista encuentra iluminación, y el "rey" parece representar una figura divina o de sabiduría suprema. Esta narrativa da a la canción un toque épico, que se ve reforzado por la interpretación vocal apasionada de Dio.

Musicalmente, "The Temple of the King" combina elementos del rock y el folk, en una mezcla que resulta envolvente y melodiosa. Desde el principio, la guitarra acústica de Blackmore crea un ambiente suave y nostálgico, que crece en intensidad a lo largo de la canción. Blackmore, conocido por su virtuosismo en la guitarra, ofrece aquí una interpretación más moderada pero cargada de emoción, lo que contribuye a la atmósfera contemplativa de la pieza. La introducción acústica se desarrolla gradualmente, incorporando instrumentos eléctricos y una sección rítmica que refuerzan el clímax de la canción, aunque sin perder nunca la suavidad ni la profundidad emocional del tema.

La voz de Ronnie James Dio es otro de los aspectos más destacados de "The Temple of the King". Su interpretación es poderosa y conmovedora, capturando a la perfección el espíritu de búsqueda y reflexión que propone la letra. Dio, con su estilo vocal único, transmite una sensación de majestuosidad y solemnidad que encaja perfectamente con la temática mística de la canción.

En cuanto a su recepción, "The Temple of the King" no fue lanzada como sencillo, pero con el tiempo se ha convertido en una de las favoritas de los fanáticos de Rainbow y de los admiradores de la música de los años 70. Aunque no es una de las canciones más conocidas de la banda en el sentido comercial, su calidad musical y su profundidad lírica la han consolidado como una joya dentro del repertorio del rock clásico.

"The Temple of the King" es una canción que combina una narrativa profunda y simbólica con una interpretación musical sublime. Es un testamento del talento de Rainbow y del legado duradero de Ritchie Blackmore y Ronnie James Dio.

Daniel 

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Disco de la semana 396: The Travelling Wilburys vol. 1

Cada vez que escucho el término "supergrupo" para definir una colaboración de varios músicos de primer nivel bajo un nombre común tiendo a desconfiar del resultado, tanto porque en el rock el todo no siempre es más que la suma de las partes, como por el paralelismo con los "galácticos" del Real Madrid, que demostraron que un conjunto de estrellas rutilantes no necesariamente llegaban a formar un equipo robusto y cohesionado. Y, sin embargo, si tengo que pensar en una excepción a esa posible regla, para mi sería la de The Traveling Wilburys, el "supergrupo" británico-estadounidense que formaron George Harrison, Bob Dylan, Jeff Lynne, Roy Orbison y Tom Petty, con el añadido de Jim Keltner a la batería.

¿Y cuál es la razón del gran éxito de la unión de estos grandes músicos, por encima de otras célebres ententes de desigual resultado? Para mí la clave está en que todos eran grandes amigos entre sí, y en que ninguno de ellos tenía mayor pretensión que la de pasar un buen rato juntos grabando canciones, lo que hizo que dejaran los egos aparcados en la puerta de la casa de Bob Dylan en Malibú (California), el lugar en el que tuvo lugar la convivencia y la grabación de los temas de The Traveling Wilburys Vol. 1 (1988). Pero es necesario remontarse algo atrás de ese momento, para entender como fue la génesis de The Traveling Wilburys.

Todo empezó en una cena entre George Harrison, Jeff Lynne y Roy Orbison en Malibú, en la que decidieron grabar juntos la canción "Handle with care", un tema inicialmente destinado a la cara B del single "This is love" del disco de Harrison "Cloud Nine" (1987). Harrison sugirió que llamar a Bob Dylan para que les dejara usar el estudio que tenía en su casa, y después de la cena, se fue a recoger su guitarra de la casa de Tom Petty, que al enterarse del plan se apuntó también a la sesión. La química entre el grupo de músicos fue tan grande, y "Handle with care" era una canción tan buena, que cuando los responsables de la discográfica la escucharon, decidieron que no era una buena idea "desaprovecharla" en una cara B de un single.

Eso dio a Harrison la idea de grabar un disco al completo a partir de aquella canción, que acabó siendo el single principal y la canción con la que comienza The Traveling Wilburys Vol. 1. Los músicos habían disfrutado tanto de grabar juntos, que aceptaron encantados trabajar en un álbum completo en conjunto, y llevaron el buen rollo y la broma hasta el título y los pseudónimos de cada uno de ellos en los créditos del disco, simulando ser todos hijos de un tal Charles Truscott Wilbury Sr., y adoptando el nombre de The Traveling Wilburys ("Los Wilburys viajeros"). Todos participaron en la composición y grabación de los temas, aportando canciones nuevas a título individual, a las que iban dando forma en conjunto durante la grabación, que se prolongó durante un período de diez días en la casa del "Eurythmics" Dave Stewart.

Los pseudónimos dificultaron la identificación del origen real de cada una de las canciones, pero las editoriales musicales acreditadas corresponden con las de los famosos músicos que tenían contratados. Así, "Handle with care", el tema con el que todo empezó, y con el que abre el disco, está acreditado a Umlaut Corporation, la editorial de George Harrison, y lo mismo ocurre con "Heading for the Light", "End of the Line" y "Maxine", lo cual indica que la autoría de esos temas corresponde al ex-beatle, acreditado como Nelson Wilbury. La editorial Special Rider Music indica que detrás de "Dirty World", "Congratulations", "Tweeter and the Monkey Man" y "Like a Ship" está la mano de Bob Dylan (Lucky Wilbury). Gone Gator Music, la editorial de Tom Petty (Charlie T. Wilbury Jr.), desvela que "Last Night" y "Margarita" son composiciones suyas, mientras que "Rattled" y "Not Alone Any More" son contribuciones de Jeff Lynne (Otis Wilbury), contratado por Shard End Music.

Roy Orbison (Lefty Wilbury) fue el único que, aparentemente, no compuso ninguna de las canciones del disco, pero aportó su intensa y distintiva voz en varios de los temas, siendo especialmente impresionante su interpretación vocal en "Not Alone Any More", logrando uno de los momentos más brillantes del disco. Desgraciadamente, y solo dos meses después de la publicación de "The Traveling Wilburys Vol. 1", Roy Orbison falleció de un paro cardíaco. Por aquel entonces, la banda iba a publicar como single la canción "End of the Line", y como homenaje, en el video promocional se incluyó la guitarra eléctrica de Orbison balanceándose sobre una mecedora, mientras el resto de músicos interpretaban la canción.

"The Traveling Wilburys Vol. 1" tuvo un gran éxito comercial, llegando al tercer puesto del Billboard 200 estadounidense y al puesto dieciséis en la lista de discos más vendidos del Reino Unido, y consiguiendo el Grammy a la mejor interpretación rock de un dúo o grupo con vocalista. Todo indicaba que el fallecimiento de Orbison significaría el final del grupo, pero sus integrantes decidieron grabar un segundo disco ("The Traveling Wilburys Vol. 3", 1990) en el que la propuesta se mostró nuevamente fresca y efectiva, con destacables temas como "She's my baby", "The devil's been busy in your back yard" o "Inside out". También grabaron en 1990 la canción "Nobody's Child" para un disco benéfico del mismo nombre, y una apreciable versión del mítico tema "Runaway" de Del Shannon. Harrison llegó a plantearse una gira de los Travelling Wilburys, barajando la idea de incluir tanto canciones de sus carreras individuales como los mejores temas de la banda, pero esa reunión en directo nunca llegó a producirse, y los Wilburys viajeros y sus dos brillante discos quedaron pasaron a la historia como una atractiva rareza, fruto de la genialidad de varios músicos consagrados que se apartaron del ruido mediático de sus brillantes carreras para divertirse haciendo música.