Queen: Artista del Mes – Un Vistazo a su Álbum "The Game"

Queen: Artista del Mes – Un Vistazo a su Álbum "The Game"

En nuestra sección del Artista del Mes, dedicamos este espacio a una de las bandas más legendarias e influyentes de la historia del rock: Queen. Con una carrera llena de éxitos, innovación y un legado que perdura hasta hoy, Queen ha dejado una huella imborrable en la música. En este post hablaremos de uno de sus álbumes The Game, lanzado en 1980. Este disco no solo marcó un antes y un después en la carrera de la banda, sino que también demostró su capacidad para reinventarse y explorar nuevos sonidos sin perder su esencia.

Queen: Una Banda en Constante Evolución

Queen siempre ha sido sinónimo de versatilidad. Desde sus inicios en los años 70, la banda, compuesta por Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon, se destacó por su capacidad para fusionar géneros como el rock, la ópera, el glam y el hard rock. Sin embargo, con The Game, Queen dio un paso audaz hacia nuevos territorios musicales, incorporando elementos de funk, disco y rockabilly. Este álbum no solo consolidó su estatus como superestrellas globales, sino que también demostró que estaban dispuestos a arriesgarse y evolucionar.

Se podria entonces decir que The Game es un álbum innovador. Grabado entre 1979 y 1980 en los estudios Musicland de Múnich, The Game fue producido por Reinhold Mack y se convirtió en el primer álbum de Queen en utilizar sintetizadores. Este fue un cambio significativo para la banda, que hasta entonces había evitado el uso de estos instrumentos, prefiriendo crear sonidos complejos con instrumentos tradicionales. Sin embargo, en The Game, los sintetizadores se integraron de manera orgánica, añadiendo nuevas texturas sin restar protagonismo a los elementos clásicos de Queen.

El álbum es una mezcla perfecta de baladas emotivas, canciones energéticas y ritmos contagiosos. Con hits como "Another One Bites the Dust" y "Crazy Little Thing Called Love", The Game se convirtió en un éxito comercial masivo, llegando al número uno en las listas de cinco países, incluidos Estados Unidos y el Reino Unido.

Lista de Canciones de The Game

1. "Play the Game" (Mercury) El álbum abre con esta poderosa balada escrita por Freddie Mercury. Con un piano melódico y una guitarra emotiva de Brian May, la canción crea una atmósfera introspectiva que explora temas como el amor y las relaciones. El solo de guitarra de May es uno de los más memorables del álbum.

2. "Dragon Attack" (May) Esta canción, escrita por Brian May, es un ejemplo del lado más pesado y funkero de Queen. Con un riff de bajo prominente de John Deacon y un ritmo contagioso, "Dragon Attack" es una pista energética que demuestra la versatilidad de la banda.

3. "Another One Bites the Dust" (Deacon) Sin duda, uno de los mayores éxitos de Queen y una de las canciones más icónicas de la historia del rock. Escrita por John Deacon, esta pista es una incursión en el funk y el disco, con un bajo pegajoso y un ritmo irresistible.

4. "Need Your Loving Tonight" (Deacon) Otra composición de John Deacon, esta canción tiene un sonido pop-rock con un ritmo alegre y optimista. La voz de Mercury es fresca y llena de energía, y la canción sirve como un contraste ligero a algunas de las pistas más serias del álbum.

5. "Crazy Little Thing Called Love" (Mercury) Un homenaje al rockabilly de los años 50, esta canción escrita por Freddie Mercury es sencilla pero efectiva. Fue compuesta por Mercury mientras se daba un baño. Él mismo grabó la guitarra acústica en el estudio antes que la banda llegara y ejecutara las bases de la canción. Brian May dijo que la ejecución de Freddie fue perfecta y únicamente se le agregó un solo de guitarra en la mitad de la canción, después del consejo de su productor Mack, más bien parodiando el sonido de televisión de su famosa guitarra "Red Special". Freddie tocó la guitarra en todas las versiones en vivo en las que se interpretó esta canción; esto constituyó el único momento en el que tocó otro instrumento que el piano o la pandereta. El video promocional fue dirigido por Dennis De Vallance y filmado en los Trillion Studios de Londres, en el que Brian May aparece tocando una Fender Telecaster en vez de la mítica Red Special.

6. "Rock It (Prime Jive)" (Taylor) Roger Taylor tuvo dificultades para aportar temas a The Game. "Rock It (Prime Jive)" fue generadora de disputas dentro de la banda. Se grabaron dos versiones del tema, una cantada íntegramente por Freddie y otra grabada por Roger. La polémica vino al decidir cuál de las dos iría. Brian y Mack se inclinaban por la cantada por Freddie, mientras John y Roger por la de Roger. Finalmente se decidió que el intro sería de Freddie y el resto de la canción de Roger. En vivo, era Freddie quien la cantaba.

7. "Don't Try Suicide" (Mercury) Este tema de Freddie, sin sintetizadores, cuenta con un juego entre el bajo y la batería, y solos de Brian que rompen cada cierto rato la hegemonía del Sonic Volcano. En un álbum posterior, Made in Heaven, hay una canción de cuatro segundos llamada "Yeah", la cual es un fragmento de "Don't Try Suicide".

8. "Sail Away Sweet Sister" (May) Grabada en las sesiones preliminares de 1979 junto a "Crazy Little Thing Called Love", "Save Me" y "Coming Soon", "Sail Away Sweet Sister" se sustenta en la delicada voz de Brian y en el bajo de John (que es un poco el instrumento principal en el disco y tiene un solo al cierre del track), con un desgarrador solo de guitarra, y Freddie cantando unas cuantas líneas.

9. "Coming Soon" (Taylor) Roger tenía tres temas para este disco. Ya vimos el primero, "Rock It", el segundo estaba entre "A Human Body" y "Coming Soon". Quedó esta última quizás por estar musicalmente más cerca de los demás temas que "A Human Body", que quedó guardada para que fuera el lado B de "Play The Game" por ser demasiado melódica para el resto del álbum.

10. "Save Me" (May) Cierra el álbum esta emotiva balada escrita por Brian May. Con un piano y una guitarra llenos de sentimiento, la canción es una despedida melancólica pero esperanzadora. Fue el segundo sencillo de The Game y alcanzó el puesto #11 en las listas de Reino Unido. Para este sencillo se grabó el primer vídeo promocional de animación de Queen, mezclando una actuación en directo con una animación. El vídeo fue filmado en el Alexandra Palace de Londres y dirigido por Keith McMillan durante la gira de diciembre conocida como Crazy Tour.

The Game no solo fue un éxito comercial, sino que también marcó un momento de madurez creativa para Queen. La banda demostró que podía evolucionar y adaptarse a las tendencias musicales sin perder su identidad. Canciones como "Another One Bites the Dust" y "Crazy Little Thing Called Love" se convirtieron en clásicos instantáneos y siguen siendo parte integral del repertorio de la banda.

Además, el álbum consolidó a Queen como una de las bandas más versátiles e innovadoras de su época. Aunque algunos puristas del rock criticaron el uso de sintetizadores, The Game es una prueba de la capacidad de Queen para reinventarse y mantenerse relevante en un panorama musical en constante cambio.

Queen ha dejado un legado imborrable en la música no cabe duda, y The Game es una parte fundamental de ese legado. Este álbum no solo demostró la versatilidad y el genio creativo de la banda, sino que también sentó las bases para su éxito en la década de los 80. Con una mezcla de baladas emotivas, canciones energéticas y ritmos contagiosos, The Game es un testimonio del genio musical de Queen y su capacidad para crear música que trasciende generaciones.

The Game es un álbum esencial en la discografía de Queen. Combina lo mejor del sonido clásico de la banda con influencias nuevas y frescas, creando un disco que es tanto innovador como atemporal. Este mes, celebramos a Queen como nuestro Artista del Mes, recordando su capacidad para sorprender, emocionar y, sobre todo, jugar el juego de la música como nadie más lo ha hecho.

Daniel 

Instagram storyboy 

Metallica - Master of Puppets (Mes Metallica)

 

Master of Puppets, Metallica

     El álbum Master of Puppets de la banda estadounidense Metallica está considerado como uno de los mejores espectáculos de heavy metal de toda la historia. Este álbum demuestra un equilibrio perfecto entre un tempo alto y toques de guitarra moderados con potentes y perturbardores ritmos. Estamos ante una de las bandas de heavy metal de mayor éxito comercial en el mundo. Se estima que ha vendido 120 millones de copias de álbumes, además de haber obtenido varios premios Grammy.

Master of Puppets es su tercer álbum de estudio. Fue grabado entre el 1 de septiembre y el 27 de diciembre de 1985, en los Sweet Silence Studios de Copenhague, Dinamarca, bajo la producción de Flemming Rasmussen y del propio grupo, y publicado el 2 de marzo de 1986 por el sello discográfico Elektra Records. Este fue el útlimo aparecería el bajista Cliff Burton, pues fallecería, mientras se encontraba de gira de apoyo del disco, el 27 de septiembre de 1986 después de que el autobús de gira de la banda se viera involucrado en un accidente en la localidad de Dörarp, Suecia. 

Master of Puppets alcanzó el puesto número 29 en el Billboard 200 y recibió elogios generalizados de los críticos, que elogiaron su música y sus letras comprometidas politicamente. Está considerado como uno de los mejores y más influyentes álbumes de metal de todos los tiempos, y se le considera fundamental para la consolidación de la escena del thrash metal estadounidense . En el año 2003 Fue certificado seis veces platino por la Recording Industry Association of America (RIAA) por vender seis millones de copias en los Estados Unidos, y más tarde fue certificado seis veces platino por Music Canada y platino por la British Phonographic Industry (BPI). En 2015, Master of Puppets se convirtió en la primera grabación de metal en ser seleccionada por la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos para su preservación en el Registro Nacional de Grabaciones por ser "cultural, histórica o estéticamente significativa". 

En el proceso de creación del álbum, La banda no estaba satisfecha con la acústica de los estudios estadounidenses que estaban sondeando para grabar, y decidieron hacerlo en la Dinamarca natal de Ulrich. Ulrich se puso en contacto con el bajista y vocalista de Rush, Geddy Lee, para producir el álbum, pero la colaboración nunca se materializó debido a la problematica de poder cuadrar las agendas.  Metallica al final se decantó para grabar el álbum por el productor Flemming Rasmussen. La escritura de todas las canciones excepto Orion y The Thing That Should Not Be fue completada antes de la llegada de la banda a los estudios de Copenhague. El productor Rasmussen comentó que la banda había traído las demos de las canciones bien preparadas y solo se tuvieron que hacer ligeros cambios a las composiciones en el estudio. La evolución y sentido de mejorar de la banda quedó patente en este disco, que tardó bastante más tiempo que su disco anterior en grabarse, pues habían desarrollado un gran sentido de perfeccionismo. Sus ambiciones musicales habían crecido, y buen ejemplo de ello fue que Ulrich tomara lecciones de batería y Hammett se pusiera a trabajar con Joe Satriani para aprender a grabar de manera más eficiente.

El grupo quiso evitar la producción pulida y los sintetizadores de los álbumes contemporáneos de hard rock y glam metal, y sus componentes, que tenían reputación de bebedores, decidieron mantenerse sobrios los días de grabación. Hammett recordaba al respecto: "simplemente estaba haciendo otro álbum en ese momento y no tenía idea de que el disco tendría una gama de influencias tan amplia como la que tuvo". También dijo que el grupo estaba "definitivamente en su apogeo" en ese momento y que el álbum tenía "el sonido de una banda que realmente se estaba consolidando, que realmente estaba aprendiendo a trabajar bien en conjunto". 

El diseño de la portada fue obra de Metallica y del mánager musical estadounidense Peter Mensch,  y pintado por Don Brautigam. Dicha portada muestra un cementerio con cruces blancas atadas a cuerdas, manipuladas por un par de manos en un cielo nublado y rojo sangre, con un resplandor naranja intenso en el horizonte. En lugar de lanzar un sencillo o un video antes del lanzamiento del álbum, el grupo se embarcó en una gira estadounidense de cinco meses en apoyo de Ozzy Osbourne. La etapa europea se canceló después de la muerte de Burton en septiembre de 1986, y la banda regresó a casa para audicionar a un nuevo bajista. La banda decidió burlarse de las pegatinas de advertencia promocionadas por el PMRC (Centro de Recursos Musicales para Padres), colocando una burlona etiqueta que rezaba: "La única canción que probablemente no querrás reproducir es 'Damage, Inc.'" "debido al uso repetido de la infame palabra "F". Por lo demás, no hay " mierdas", "jode", "mea", "coño", "hijo de puta" ni "chupapollas" en ningún lugar de este disco".

Master of Puppets presenta un enfoque y una interpretación más refinados en comparación con los dos álbumes anteriores, con canciones con múltiples capas y dotadas de una gran destreza técnica. Aunque hay una gran similitud en la secuencia de las pistas con su álbum anterior, Ride the Lightning (ambos abren con una canción de ritmo rápido con una introducción acústica, seguida de una larga canción principal y una cuarta pista con cualidades de balada), la musicalidad en Master of Puppets es más poderosa y épica en alcance, con ritmos ajustados y delicados solos de guitarra, introduciendo un nuevo nivel de pesadez y complejidad en el thrash metal, mostrando canciones atmosféricas y ejecutadas con gran precisión. La voz de Hetfield había madurado desde el grito ronco de los primeros dos álbumes a un estilo más profundo y controlado, pero agresivo.

Las canciones exploran temas como el control y el abuso de poder, y sus letras describen las consecuencias de la alienación, la opresión y los sentimientos de iimpotencia. Comienza el álbum con Battery, que hace referencia a la violencia furiosa. Algunos críticos sostuvieron que el título en realidad se refiere a una batería de artillería, y lo interpretaron como "Hetfield [cantando] una táctica de guerra como el agresor" personificando la destrucción. La canción comienza con guitarras acústicas con un bajo muy pesado que se construyen sobre capas multipistas hasta que se unen a una pared sónica de guitarras eléctricas distorsionadas, para luego romper con riffs rápidos y agresivos . Hetfield improvisó el riff mientras se encontrab de relax en Londres. Master of Puppets es la canción que da título al disco y consta consta de varios riffs con compases irregulares y una sección central bien elegida con un solo melódico. La canción es una clara alusión a las drogas, "el Maestro está moviendo tu hilos, retorciendo tu mente y destrozando tus sueños". Las drogas son el Maestro mientras que el consumidor es el títere. The Thing That Should Not Be está inspirada en el Mito de Cthulhu creado por el famoso escritor de terror HP Lovecraft, con notables referencias directas a La sombra sobre Innsmouth y al propio Cthulhu, que es el tema del estribillo de la canción. Se considera la pista más pesada del álbum, con el riff principal emulando a una bestia arrastrándose hacia el mar. Se perciben las influencias de Black Sabbath en las guitarras, que están afinadas hacia abajo, creando un ambiente lento y melancólico. Cierra la cara B Welcome Home (Sanitarium). La canción se basa en la novela One Flew Over the Cuckoo's Nest de Ken Kesey y transmite los pensamientos de un paciente injustamente enjaulado en una institución mental. La canción está estructurada con guitarras sombrías y limpias alternadas en los versos y riffs pesados ​​y distorsionados en los coros, que se desarrollan en un final agresivo.

Abre la cara B Disposable Heroes, una canción contra la guerra sobre un joven soldado cuyo destino está controlado por sus superiores. Con secciones interpretadas a 220 pulsaciones por minuto, es una de las pistas más intensas del disco. El pasaje de guitarra al final de cada verso era la imitación que hacía la guitarra de Hammett del tipo de música que encontraba en las películas de guerra. El riff sincopado de Leper Messiah desafía la hipocresía del teleevangelismo que surgió en la década de 1980. La canción describe cómo las personas se convierten voluntariamente en seguidores religiosos ciegos que hacen sin pensar lo que se les dice. Orion es una pieza instrumental de varias partes donde destaca sobremanera el bajo de Burton. Comienza con una sección de bajo con fundido de entrada, muy procesada para parecerse a una orquesta. Continúa con un riff de medio tiempo, seguido de un riff de bajo a medio tiempo. El tempo se acelera durante la última parte y termina con la música desvaneciéndose. Burton arregló la sección central, que presenta su línea de bajo melancólica y armonías de guitarra de varias partes. Cierra este gran álbum Damage, Inc., que se dedica a despotricar sobre la violencia sin sentido. Comienza con una serie de acordes de bajo invertidos basados ​​en el preludio coral de "Come, Sweet Death" de Bach. La canción luego salta a un ritmo rápido con un riff de pedal en E tocado por Hammet. Para dicho riff Hammet fue influenciado y se basó en el grupo Deep Purple.

Aunque Master of Puppets no supuso un paso tan gigantesco como Ride the Lightning (1984), fue el mayor logro de la banda, siendo aclamado como una obra maestra hasta por críticos muy alejados del público principal del heavy metal. También fue un éxito sustancial, llegando al Top 30 y vendiendo tres millones de copias a pesar de una difusión absolutamente inexistente. Es posible que no nos resulte su escucha tan sorprendente como Ride the Lightning, pero Master of Puppets se siente más unificado, tanto temática como musicalmente. Todo en el álbum parece llevado a proporciones épicas (de hecho, las canciones son mucho más largas en promedio), y la banda demuestra tener más control en la dirección del álbum y una gran progresión en su evolución musical.

Disco de la semana 409: Clutching at Straws - Marillion

 

Clutching a Straws, Marillion

   Marillion, la banda de rock británica, formada en Aylesbury , Buckinghamshire, en 1979, ha atraído a un gran número de seguidores gracias a su mezcla evolutiva de rock progresivo con elementos de neorromanticismo y crítica social. Marillion se convirtió en el grupo de neo-prog más exitoso de la década de los años 80. Surgidos de la escena musical post-punk en Gran Bretaña, actuaron como un puente entre los estilos de punk rock y rock progresivo clásico, y sus letras articuladas y a menudo conmovedoras fueron, hasta su álbum Clutching at Straws (1987), escritas por Fish, quien poco después de este disco se fue para seguir una carrera en solitario. Precisamente nos vamos a centrar en este álbum, Clutching at Straws, cuyo título es una expresión que se utiliza ocasionalmente para describir intentos o soluciones que abordan problemas reales de forma insuficiente o simbólica en lugar de sus causas reales. Cada canción cuenta una historia única con su propio conjunto de imágenes.

Clutching at Straws fue grabado en los Westside Studios de Londres, bajo la producción de Chris Kimsey, y publicado el 22 de junio de 1987 por el sello discográfico EMI Records. Supuso el cuarto álbum de estudio de la banda, fue el último álbum con el cantante Fish , quien dejó la banda en 1988, y es un álbum conceptual . Aunque no alcanzó las ventas de su predecesor, el álbum número uno Misplaced Childhood(1985), permaneció 15 semanas en la lista de álbumes del Reino Unido (la permanencia en la lista más corta de cualquiera de los primeros cuatro álbumes de estudio de Marillion), y fue un éxito comercial inmediato, convirtiéndose en el segundo álbum de Marillion con mayor éxito en las listas al ingresar en la lista en el número dos.

La portada y la contraportada del álbum describen la inspiración de Fish para las letras del álbum, así como algunos de sus héroes. Hay alusiones a ellos a lo largo del álbum. El escenario es un pub británico (el Bakers Arms en Colchester ), y las personas representadas son las siguientes: En el frente, de izquierda a derecha: Robert Burns , Dylan Thomas , Truman Capote y Lenny Bruce; y en la parte posterior, de izquierda a derecha: John Lennon, James Dean y Jack Kerouac. El artista artífice de la portada, Mark Wilkinson, expresó su decepción con la portada, que pretendía que fuera más detallada y presentara más personajes, pero se apresuró debido a que se adelantó la fecha de lanzamiento del álbum: "Fue una tortura hacerlo. Especialmente porque recibía llamadas casi todos los días de EMI o John (el manager John Arnison) diciéndome que si no cumplía con ese plazo, se perdería el tiempo disponible y la simbiosis gira/álbum estaría en peligro. De alguna manera lo hice, ¡aferrándome al sueño! EMI se sintió aliviada. Fish parecía estar bien. El resto de la banda no se conmovió mucho, era muy diferente a las portadas anteriores. ¡Estaba muy decepcionado! Me encantó este álbum, todavía me encanta. Fue una especie de cumbre en lo que a mí respecta. Probablemente mi favorito de ellos. ¡Y me sentí engañado! No era la portada que había imaginado. No se ganan todas, créeme!" 

En cuanto al concepto del álbum, gira en torno al personaje de Torch (supuestamente un descendiente del bufón de las portadas de álbumes anteriores), quien es un hombre de 29 años desempleado cuya vida es un desastre. Busca consuelo principalmente en el alcohol para adormecerse. Intenta, pero no lo consigue, olvidar lo que se le viene encima: un matrimonio fallido, ser un padre irresponsable y su falta de éxito comercial como cantante de una banda. Mientras se emborracha, también escribe sobre su entorno y sus lamentos. Como Torch no tiene otra salida real a su disposición, acaba en bares, habitaciones de hotel y en la carretera, gritando y borracho, por lo que se le describe como alguien sin redención ni esperanza. A través de las letras, Fish explora con crudeza y honestidad sus propias experiencias y luchas, lo que otorga al disco una profundidad emocional excepcional. Cada canción se entrelaza para formar una narrativa coherente, sombría, humana y cautivadora. 

El álbum abre con Hotel Hobbies, un tema que sumerge al oyente en los excesos y el vacío emocional del estilo de vida de Torch, un poeta y artista que intenta encontrar sentido en su vida mientras lidia con la autodestrucción. Este hilo continúa en Warm Wet Circles y That Time of the Night, piezas cargadas de melancolía y desesperación que revelan la creciente desconexión del protagonista con su entorno y consigo mismo. Just for the Record contiene una mezcla de ironía y honestidad, Torch reconoce su problema con la bebida, pero también justifica su dependencia. Tiene un tono más ligero a pesar de la gravedad del tema. White Russian cierra la cara A, una crítica política y social, con referencias al antisemitismo y la intolerancia en Europa. Fish utiliza a Torch como una voz para expresar su preocupación por los problemas mundiales.

El segundo acto del álbum se desarrolla con Incommunicado, que describe los obstáculos del negocio y cómo las presiones en la vida real ejercidas por el sello estadounidense de la banda, los aplastaban desde afuera para que tuvieran éxito o serían abandonados por la compañía a su suerte, lo que le acabó sucediendo al grupo de todos modos unos años después. Torch Song es una reflexión íntima y melancólica sobre la relación de Torch con el alcohol. Se desarrolla como una conversación entre Torch y un médico. Slainte Mhath es simple y elegante, y va aumentando hasta llegar a un crescendo dramático. Toma su nombre de un brindis gaélico que significa "buena salud". La canción es un llamado a la autenticidad y una crítica al materialismo, abordando también la lucha de la clase trabajadora. Sugar Mice se convirtió en uno de los mejores sencillos comerciales del grupo. Estamo ante una balada emotiva donde Torch enfrenta su culpa y la destrucción de sus relaciones personales debido a su adicción. con The Last Straw llega el clímax emocional del álbum, donde Torch enfrenta la gravedad de su situación. Es una llamada al cambio, aunque el final queda abierto, dejando incertidumbre sobre si Torch logra redimirse. Aunque el disco cierra con la anécdotica pista, de ocho segundos de duración, pegada al tema anterior, Happy Ending, que contiene la voz de Fish y una misteriosa risa final.

La música de Clutching at Straws es rica y brillante, con las guitarras de Steve Rothery tejiendo melodías conmovedoras que complementan las atmósferas creadas por los teclados de Mark Kelly. Ian Mosley en la batería y Pete Trewavas en el bajo. Todos, en conjunto, ofrecen una base rítmica sólida y dinámica que mantiene el balance entre la intensidad lírica y la complejidad instrumental. Lo notable de Clutching at Straws no es solo su narrativa oscura, sino cómo logra combinarla con una producción musical impecable. Aunque el álbum es profundamente personal, los temas de alienación y autodescubrimiento podrían ser aplicables con total naturalidad al mundo real.

Disco de la semana 393: "Nunca tuve tanto blues" (1988) de Memphis La Blusera

Disco de la semana 393: "Nunca tuve tanto blues" (1988) de Memphis La Blusera

En el panorama musical argentino de los años 80, donde el rock y el pop dominaban las listas, surgió una banda que, con su estilo único y auténtico, se estableció como pionera del blues en español. Memphis La Blusera, con su inconfundible sonido que fusionaba el blues, rock y ritmos urbanos, lanzó en 1988 un álbum que no solo consolidó su carrera, sino que también dejó una huella indeleble en la música argentina: "Nunca tuve tanto blues."

A finales de los 80, Argentina estaba en un proceso de recuperación tras años de dictadura, y el rock nacional se había convertido en un vehículo de expresión popular. Sin embargo, el blues, un género que nació del sufrimiento y la lucha, todavía era un nicho. En ese contexto, Memphis La Blusera se atrevió a llevar el blues al público masivo, cantando en español y adaptando las historias de los viejos bluesmen norteamericanos a las vivencias del argentino urbano.

Memphis La Blusera ya había logrado cierta notoriedad con su álbum homónimo de 1982 y con "Medias Negras" en 1986, pero fue con "Nunca tuve tanto blues" que alcanzaron su madurez artística y comercial. Este álbum es un testimonio de la habilidad de la banda para mezclar la melancolía del blues con letras que capturaban el espíritu de la vida en Buenos Aires, todo envuelto en un sonido que era a la vez crudo y sofisticado.

"Nunca tuve tanto blues" es un álbum que consta de 10 pistas, cada una de las cuales aporta algo único al conjunto. La banda, liderada por el inconfundible vozarrón de Adrián Otero, nos lleva a un viaje por las calles de Buenos Aires, abordando temas universales como el amor, la soledad, la nostalgia y las dificultades de la vida, pero siempre desde una perspectiva muy porteña.

El disco abre con "Montón de nada," una canción que se ha convertido en un himno para los fans de la banda. Con una introducción de armónica que inmediatamente te transporta al corazón del blues, la letra refleja el sentimiento de desilusión y vacío que a menudo acompaña a la vida moderna. La voz de Otero, cargada de emoción, se complementa perfectamente con la instrumentación de la banda, creando una atmósfera melancólica pero poderosa.

Otra pista destacada es "La flor más bella," una canción que, aunque mantiene la esencia blues, tiene un aire más optimista. Aquí, la banda muestra su capacidad para crear melodías pegajosas sin perder la profundidad emocional que caracteriza su música. La letra es un homenaje a la belleza y la complejidad del amor, y la interpretación de Otero es tanto apasionada como vulnerable.

"Nunca tuve tanto blues," la canción que da título al álbum, es quizás la mejor representación de lo que Memphis La Blusera estaba intentando lograr con este disco. Es una canción que encapsula la esencia del blues, pero con un toque rioplatense. La letra habla de la tristeza y la desesperación, pero lo hace con una ironía que es típicamente porteña. La interpretación de la banda aquí es sublime, con cada miembro contribuyendo al sentimiento de desolación que permea la canción.

El álbum también incluye "Qué clase de amor," una canción con una letra más introspectiva que examina las complejidades del amor y las relaciones. La guitarra de Emilio Villanueva se destaca en esta pista, con riffs que son a la vez dolorosos y hermosos, capturando la esencia del blues en cada nota.

Un momento más relajado llega con "Blues de las 6 y 30," un tema que, como sugiere el título, captura la monotonía y el cansancio de la rutina diaria. Es una canción que, aunque es simple en su estructura, tiene un impacto emocional profundo gracias a la honestidad de su letra y la autenticidad de su interpretación.

Finalmente, el disco cierra con "Pocoequivocado," una pista que resume el viaje emocional del álbum. Con un ritmo más animado y una letra que mezcla humor con reflexión, es una conclusión perfecta para un álbum que ha explorado tanto el lado oscuro como el luminoso de la vida.

La producción de "Nunca tuve tanto blues" está a cargo de Ricardo Pegnotti, quien hizo un trabajo sobresaliente al capturar la esencia de la banda. La producción es limpia pero nunca pierde la crudeza que es esencial para el blues. Cada instrumento tiene su espacio, y la voz de Otero está perfectamente situada en el centro, permitiendo que las emociones de las letras se transmitan con claridad y fuerza.

El sonido del álbum es un testimonio de la habilidad de Memphis La Blusera para tomar un género nacido en las orillas del Mississippi y hacerlo suyo, sin perder la autenticidad. La influencia de grandes bluesmen como Muddy Waters y B.B. King es evidente, pero siempre filtrada a través de la experiencia argentina, lo que resulta en un sonido que es a la vez familiar y único.

"Nunca tuve tanto blues" no solo fue un éxito comercial para Memphis La Blusera, sino que también fue crucial en la difusión del blues en español. El álbum abrió puertas para que el género fuera más aceptado y apreciado en el mundo hispanohablante, y mostró que el blues podía ser adaptado y transformado sin perder su esencia.

Este disco consolidó a Memphis La Blusera como una de las bandas más importantes de Argentina y les permitió seguir explorando y experimentando con su sonido en los años siguientes. Las canciones de este álbum siguen siendo parte fundamental de su repertorio en vivo y continúan resonando con nuevas generaciones de oyentes.

"Nunca tuve tanto blues" es una obra maestra del blues en español y un álbum fundamental en la historia de la música argentina. Es un disco que captura la melancolía, la belleza y la complejidad de la vida urbana, todo ello envuelto en un sonido que es a la vez universal y profundamente local. Para los amantes del blues y del rock, este álbum es imprescindible, una joya que sigue brillando más de tres décadas después de su lanzamiento.

Daniel 

Instagram storyboy 

Disco de la semana 390: Tracy Chapman - Tracy Chapman

Fast Car, Tracy Chapman

     En 1988, una joven cantautora de Cleveland, Ohio, irrumpió en la escena musical con una fuerza inesperada. Tracy Chapman, con su pelo corto, su guitarra acústica y su voz profunda y emotiva, lanzó su álbum debut homónimo, un disco que desde el primer momento mostró que la música podía ser un vehículo poderoso para la narración y la reflexión social. El 11 de junio de 1988 se celebró en el estadio de Wembley, Londres (Reino Unido), un concierto tributo para celebrar el 70 cumpleaños de Nelson Mandela. Tracy Chapman, que el  24 que en abril de ese año había publicado bajo el sello discográfico Elektra Records su primer álbum de estudio, de título homónimo, Tracy chapman, formaba parte del amplio elenco de artistas que ese día iban a actuar, tales como Sting, George Michael, Eurythmics, Al Green, Joe Cocker, Wet Wet Wet, Bryan Adams, Bee Gees, UB40, Sly, Peter Gabriel, Stevie Wonder ó Whitney Houston entre otros muchos.

Llegado el turno, Tracy acompañada de su guitarra interpretó tres temas de su repertorio, Why?, Behinf The Wall y Talkin' Bout A Revolution, todos pertenecientes a su primer álbum y que había publicado apenas un par de meses antes. Después de su actuación Tracy pensó que ya podía relajarse y disfrutar del resto del concierto, un concierto al que todavía le quedaba mucha tela por delante. Sin embargo entrada la noche y avanzado el concierto Tracy no se esperaba que debido a un retraso con la preparación de la actuación de Stevie Wonder iba a ser llamada ella y subida de nuevo al escenario para cubrir aquella pequeña demora. Y allí ataviada de nuevo con su guitarra acústica interpretó Fast Car. Tracy Chapman acababa de capturar la atención del mundo con su honestidad y su simplicidad, pero sobre todo con la canción que se convertiría en su marca registrada, Fast Car. 

Rápidamente aquél tema se convirtió en un rotundo éxito y catapultó la carrera de la genial artista, alcanzando con este tema el puesto número 6 en la famosa lista americana Billboard Hot 100. La revista Rolling Stone en 2010 situaría este tema en el puesto número 167 de de Las 500 mejores canciones de todos los tiempos. El álbum debut de Tracy, tiulado Tracy Chapman consiguió varios discos de platino a ambos lados del Altántico y fue premiado con tres premios Grammy. Tracy se convertiría en uno de los artistas más destacados de las giras de Amnistía Internacional en pro de los Derechos Humanos.

Es un hecho que la música tiene un profundo impacto en el oyente, y las desgarradoras letras y las melodías acústicas del disco debut de Tracy Chapman cautivaron las mentes de una generación de oyentes a finales de los años 80. Sin embargo, es la segunda pista, Fast Car, la que capturó la imaginación de millones de personas. Con su guitarra acústica que avanza como un motor en marcha y la voz de Chapman narrando la historia de una joven que sueña con escapar de una vida de pobreza y desesperanza, se convirtió en un himno de la búsqueda de libertad. La canción es una historia en sí misma, un cuento sobre el deseo de cambiar de vida y la dolorosa realización de que el escape no siempre es la solución a los problemas más profundos. Chapman canta sobre una mujer que se aferra a la esperanza de que un coche rápido puede llevarla a un futuro mejor, lejos de la monotonía de su vida cotidiana y las responsabilidades abrumadoras. A lo largo de la canción, la protagonista enfrenta la realidad de que huir no es suficiente; los problemas que intentaba dejar atrás la siguen, como una sombra persistente. Este tema sobre la desilusión, combinado con la presentación sincera y vulnerable de Chapman, resonó profundamente con una audiencia que también buscaba respuestas en un mundo lleno de incertidumbre. El impacto de Fast Car fue inmediato y duradero, y la canción alcanzó el número 6 en el Billboard Hot 100 y fue aclamada por críticos y fanáticos por igual. Pero más allá de su éxito comercial, se convirtió en un espejo en el que muchos podían verse reflejados, ya sea por la lucha por escapar de las circunstancias difíciles, o por el anhelo de un futuro mejor que siempre parece estar fuera de alcance.

El resto del álbum Tracy Chapman está lleno de canciones que, si bien pueden no haber alcanzado el mismo nivel de notoriedad que Fast Car, son igualmente poderosas en su narrativa. Talkin' 'Bout a Revolution, un himno de protesta y esperanza. Chapman canta sobre las luchas de las personas pobres y marginadas, y la idea de que un cambio revolucionario está en camino; Across the Lines aborda la división racial y la injusticia, abordando el racismo y la segregación en Estados Unidos; Behind the Wall, una canción a capella, relata la historia de la violencia doméstica, subrayando la impotencia y el dolor de las víctimas; Baby Can I Hold You muestra un lado más íntimo y vulnerable de Chapman, explorando las complejidades del amor y la dificultad de la comunicación emocional, una canción sobre las relaciones y las palabras no dichas que podrían salvar o destruir una conexión. En Mountains O' Things Chapman critica el materialismo y la obsesión con las posesiones. La canción es una reflexión sobre cómo el deseo de riqueza y cosas materiales puede alejar a las personas de lo que realmente importa en la vida; She's Got Her Ticket trata sobre la libertad y la autodeterminación. Habla de una mujer que decide tomar el control de su vida y escapar de sus problemas, buscando un nuevo comienzo en otro lugar. En Why? Chapman cuestiona las injusticias del mundo, incluyendo la desigualdad, la guerra y la opresión.; For My Lover nos habla sobre un amor apasionado pero destructivo; If Not Now... es todo un alegato, una llamada a la acción donde Chapman invita a vivir en el presente y a actuar en el momento en lugar de esperar un futuro incierto; El álbum cierra con For You, una íntima y reflexiva balada en la que Chapman canta sobre la devoción y la entrega en una relación. 

El éxito del álbum llevó a Tracy Chapman a ganar tres premios Grammy, incluyendo el de Mejor Artista Nuevo y Mejor Álbum de Folk Contemporáneo, solidificando su lugar en la historia de la música. Sin embargo, lo que realmente distingue a este disco es su capacidad para conectar con las emociones más profundas de sus oyentes y ofrecer una visión sin adornos de las luchas y esperanzas humanas. Con el paso del tiempo, Tracy Chapman no ha perdido su relevancia. De hecho, la claridad y honestidad con la que Chapman aborda temas como la pobreza, la desigualdad y la lucha personal, lo han convertido en un álbum atemporal. En una época donde la música pop a menudo se enfoca en el escapismo, Chapman nos recuerda que la verdadera belleza de la música radica en su capacidad para reflejar la realidad y ofrecer un consuelo genuino.

Más de tres décadas después de su lanzamiento, el álbum debut de Tracy Chapman sigue siendo una obra maestra, todo un testimonio de cómo una joven armada únicamente con una guitarra y su voz puede tocar el corazón de millones de personas y dejar una marca indeleble en la cultura.

Disco de la semana 388: "Stay on These Roads" de A-HA

Disco de la semana 387: "Stay on These Roads" de A-HA

"Stay on These Roads" es el tercer álbum de estudio de la banda noruega A-HA, lanzado el 3 de mayo de 1988. A-HA, formada en Oslo en 1982 por Morten Harket, Magne Furuholmen y Paul Waaktaar-Savoy, había alcanzado fama internacional con su álbum debut "Hunting High and Low" en 1985, especialmente gracias al sencillo "Take On Me" y su innovador video musical. Con su tercer trabajo, la banda buscaba consolidar su lugar en la escena pop mundial y demostrar su evolución musical.

El álbum presenta una mezcla de synthpop, new wave y elementos de rock, característicos del sonido de A-HA, pero con un enfoque más maduro y melancólico que en sus trabajos anteriores. La producción estuvo a cargo de Alan Tarney, quien ya había trabajado con la banda en "Scoundrel Days" (1986).

"Stay on These Roads" abre con la canción homónima, que se destaca por sus melódicas líneas de teclado y la voz distintiva de Harket. Es una balada poderosa que se ha convertido en uno de los clásicos de A-HA, con letras introspectivas y un tono esperanzador.

1. Stay on These Roads: La canción que da título al álbum es una emotiva balada con una producción rica en sintetizadores. La voz de Harket brilla con intensidad, transmitiendo una mezcla de tristeza y optimismo. Las letras hablan de perseverancia y fidelidad, y el estribillo es particularmente memorable.

2. The Blood That Moves the Body: Este tema presenta un ritmo más acelerado y una línea de bajo contundente. La canción explora temas de pasión y vitalidad, con un enfoque lírico más oscuro y misterioso.

3. Touchy!: Uno de los sencillos más ligeros y accesibles del álbum, "Touchy!" tiene un tono juguetón y una estructura pop más convencional. La melodía pegadiza y el coro memorable hacen de esta una canción perfecta para la radio.

4. This Alone Is Love: Con un tono más introspectivo y una melodía envolvente, esta canción destaca por su atmósfera etérea y sus letras poéticas. La interpretación vocal de Harket es especialmente emotiva.

5. Hurry Home: Un tema más experimental, "Hurry Home" combina elementos de rock y synthpop con un arreglo instrumental complejo. Las letras reflejan un deseo de retorno y pertenencia.

6. The Living Daylights: Originalmente compuesta para la película de James Bond del mismo nombre, esta canción tiene un sonido más épico y cinematográfico. La producción es grandiosa, con una orquestación rica y un ritmo potente.

7. There's Never a Forever Thing: Una balada melancólica que destaca por su simplicidad y belleza. La interpretación vocal es suave y conmovedora, y las letras abordan el tema de la transitoriedad de las relaciones.

8. Out of Blue Comes Green: Con una introducción atmosférica y un desarrollo gradual, esta canción es una de las más complejas del álbum. Las letras son introspectivas y reflexivas, y la instrumentación es rica y variada.

9. You Are the One: Un tema optimista y vibrante, con un ritmo rápido y una melodía pegajosa. Es una canción de amor con un tono positivo y enérgico.

10. You'll End Up Crying: El álbum cierra con una balada intensa y emotiva, con una interpretación vocal poderosa y letras que exploran el dolor y la pérdida.

"Stay on These Roads" recibió críticas mixtas en el momento de su lanzamiento. Algunos críticos elogiaron la madurez y la evolución del sonido de la banda, mientras que otros sintieron que el álbum carecía de la frescura y la innovación de sus trabajos anteriores. Sin embargo, con el tiempo, ha sido reevaluado positivamente, reconociéndose su importancia en la discografía de A-HA y su influencia en el género synthpop.

El álbum fue un éxito comercial, especialmente en Europa, alcanzando altos puestos en las listas de varios países. En Noruega, llegó al número uno, consolidando el estatus de A-HA como una de las bandas más importantes del país. Canciones como "Stay on These Roads" y "The Living Daylights" se han convertido en clásicos del repertorio de la banda y siguen siendo interpretadas en sus conciertos.

"Stay on These Roads" es un álbum que captura a A-HA en un momento de transición y madurez. Con una mezcla de baladas melancólicas y temas más enérgicos, el álbum ofrece una rica paleta de emociones y sonidos. Aunque no alcanzó el mismo nivel de innovación que sus primeros trabajos, sigue siendo una pieza clave en la discografía de la banda, mostrando su capacidad para evolucionar y adaptarse a nuevos contextos musicales. Para los fanáticos del synthpop y la new wave, este álbum es una muestra esencial del talento y la versatilidad de A-HA.

Daniel 

Instagram storyboy 

Disco de la semana 385: Holy Diver - Dio

 

Holy Diver, Dio

     En la recomendación de esta semana nos vamos a detener en el álbum debut de uno de los grandes del metal, Ronnie James Dio, con su banda Dio. El álbum: Holy Diver. Dicho trabajo fue grabado en los Sound City Studios de California, bajo la producción del líder del grupo, Ronnie James Dio, y publicado el 25 de mayo de 1983 por el sello discográfico Warner Bros. Records. Este primer disco de la banda está considerado como el mejor trabajo del grupo y uno de los clásicos y referentes del heavy metal. El disco fue aclamado por toda la crítica especializada, llegando a alcanzar la certificación de oro en Estados Unidos en septiembre de 1984 y la de platino en marzo de 1989. En Reino Unido tampoco le fue nada mal, alcanzando la certificación de plata en enero de 1986, al mismo tiempo que su siguiente álbum, The Last In Line.

El lanzamiento original en vinilo tenía una carátula de LP con un fotomontaje con imágenes del genial cantante Dio en sus días con Rainbow y Black Sabbath. La portada del álbum fue ilustrada por Randy Berret. En ella se veía a Murray, la mascota de la banda, una criatura demoníaca, tirando o azotando una cadena de metal rota, y un hombre con atuendo de sacerdote católico agitándose y chapoteando en el agua, envuelto y encadenado al otro extremo de la cadena rota. Sobre esta portada, Dio afirmaba que las apariencias podían engañar, ya que fácilmente podría tratarse de un sacerdote matando a un demonio. Con esto Dio quería decir que no había que juzgar un libro por su portada. La mascota Murray seguiría apareciendo en posteriores trabajos del grupo.

En la época en que se hizo el disco había crecido el interés y popularidad por las aventuras heroicas de la cultura popular, tales como El Señor de los Anillos de J. R. R. Tolkien y los juegos de rol de Dungeons & Dragons. Durante su estancia de Black Sabbath, Ronnie James Dio había renovado y reformado la majestuosa fatalidad de los temas del grupo introduciendo conceptos como la locura y la desolación. La admiración de Dio por esta temática ya la había dejado patente en su banda ELF, donde había utilizado letras de fantasía inspirado por la obra literaria del escritor Sir Walter Scott. Sobre esto Dio llegó a afirmar en su juventud: "Cuando me convertí en compositor, pensé que no había mejor cosa que hacer algo que nadie más había hecho... contar cuentos de fantasía. Fue lo más inteligente que hice en mi vida". 

En cuanto al sonido de Holy Diver, presenta el característico sonido heavy metal con unas letras que abordan temas como el bien, el mal y la dualidad de la vida. Estamos ante un trabajo con una gran calidad y consistencia gracias a la suma de un excelente compositor y mejor cantante como Ronnie James Dio, y una selección de músicos de calidad. el baterista Vinny Appice, el bajista Jimmy Bain y el guitarrista Vivian Campbell. Comienza la cara A de este gran trabajo con Stand Up and Shout, una canción enérgica que abre el álbum con una gran fuerza y un vertiginoso ritmo. Le sigue la canción que titula el álbum, Holy Diver, uno de los grandes temas del álbum. En apariencia, la canción rata sobre Satanás y su descenso al infierno, sin embargo Dio advertía que hay mucho más y que el personaje principal no es realmente el Diablo, afirmando: "La canción trata realmente sobre una figura de Cristo, que en otro lugar, no en la Tierra, ha hecho exactamente lo mismo, que aparentemente hemos experimentado o se suponía que habíamos experimentado en la Tierra: morir por los pecados del hombre... entonces, en este otro planeta pasó lo mismo, y toda la gente de este planeta lo está llamando Santo Buceador porque está a punto de ir a otro mundo haciéndose matar para absolver a la gente de sus pecados". Continúa con Gypsy, una melódica balada donde Dio nos cuenta el relato de una misteriosa y mágica gitana. Caught in the Middle trata sobre el ingeniero de sonido Angelo Arcuri. Angelo era el ingeniero que trabajaba en el álbum Holy Diver, y a menudo solía recurrir a Dio cuando se le presentaba algún problema. A Dio se le ocurrió la canción una vez que Angelo se acercó durante uno de esos problemas que le surgían y le dijo que estaba "Atrapado en el medio de nuevo". La maravillosa Don't Talk to Strangers se encarga de cerrar la primera cara del álbum. Estamos, para mí, ante una de las grandes joyas del álbum, una balada con un tono oscuro donde Dio nos advierte de los peligros de confiar en extraños.

La cara B comienza con Straight Through the Heart, una rápida y agresiva canción con unos destacables solos de Campbell, que sirven de transición para Invisible, una canción que trata sobre uno mismo y de como lidiar con el trauma. la canción presenta a dos personajes antes de pasar a la primera persona y explicar los desafíos que el narrador ha atravesado en su viaje personal. Dio explicó que la canción trataba sobre tres personajes diferentes, y lo relataba así: "Un joven gay, una chica maltratada y yo. Quería escribirla desde el punto de vista de alguien que había sido herido psicológicamente, y eso fue lo que pasó en el caso del chico gay y la chica joven, siempre siendo maltratados, pateados y empujados por no ser lo que la gente espera que sean. Me incluí a mí mismo en la última parte porque he pasado toda mi vida en el escenario y he tenido muchos traumas. Sentí que merecía ser incluido en eso por lo que la mayoría de los músicos han tenido que pasar en sus vidas". Rainbow in the Dark es otro gran tema, una de las más populares de la banda. y es una gran metáfora sobre la depresión. En esta canción Dio se siente aislado y atrapado, incapaz de liberar el tremendo potencial que lleva dentro, como un arco iris en la oscuridad. Dio llegó a mencionar su etapa en Black Sabbath como inspiración para la letra; se sintió "sólo y rechazado" cuando dejó la banda. Luego formaría Dio junto al baterista Appice en 1983. Y cierra este brillante álbum Shame on the Night, una oscura y poderosa canción que nos habla sobre la redención.

Holy Diver es uno de los mejores álbumes de heavy metal que se hicieron en la década de los 80, siendo además uno de los puntos culminantes en la carrera de Ronnie James Dio. Rápidas e intensas guitarras de Vivian Campbell, el contundente y seguro sonido de la sección rítmica compuesta por el bajo de Jimmy Bain y la batería de Vinnie Appice, junto con la voz y las letras del maestro Ronnie James Dio se juntan y encastran a la perfección para reglarnos un momento épico y mágico.