domingo, 30 de agosto de 2020
La música en historias: ¿Conoces a AR Kane?
miércoles, 26 de agosto de 2020
La música en historias: Kevin Shirley
Kevin Shirley |
Como ya suele ser habitual en 7dias7notas, nos vamos a centrar en la figura del productor Kevin Shirley, otro de esos personajes que han contibuido y aportado su granito de arena en engrandecer el noble arte de la música.
Kevin Shirley, también conocido como The Caveman nace en 1960 en la ciudad sudarfricana de Johannesburgo. Sus pirmeros contactos con un estudio de sus ciudad natal son a través de la empresa para la que trabaja, pues es contratada para pintar dicho estudio y Kevin trabaja pintando el lugar. Posteriormente parece que Kevin lo tiene claro y continúa frecuentando el lugar hasta que consigue trabajo allí. Es en aquel estudio donde se inicia y comienza aprendiendo todo lo básico sobre la grabación, realizando grabaciones de todo lo que cae en el estudio. Sus inicios en la producción son grabando a artistas locales sudafricanos a la vez que toca en su propia banda de múscia llamada The Council.
Cuando tiene 20 años, la familia de Kevin se muda a Australia, ya que está en contra del regimen del apartheid. El único problema es que a él no le dejan entrar por lo que tiene que permanecer en Sudáfrica, pero no pierde el tiempo pues sigue trabajando con artistas locales consiguiendo éxito y reputación hasta que consigue entrar en Australia con 26 años de edad.
En Australia trabaja con mucho éxito con grupos de allí, entre los que se encuentran Tony Johns, The Hoodoo Gurus, The Angels, Tina Arena ó The Screaming Jets entre otros. La banda australiana Baby Animals le invita a trabajar en uno de sus discos con ellos en Nueva York, allí trabaja con el productor Mike Chapman, quién le invita a trabajar en otros proyectos por lo que permanece allí una temporada.
No obstante Kevin aún considerando su estapa en Estados Unidos muy positiva decide volver a Australia e instalar allí su base de trabajo, pues allí es más conocido y tiene más posibilidades de progresar laboralmente.
Para finalizar y comprender la importancia y contribución de Kevin Shirley en el complicado mundo de la industria musical destacar sólo algunos de los trabajos durante su productiva y extensa carrera:
The Black Crowes, Shake Your Money Maker (1990)
The Black Crowes, The Southern Harmony And Musical Companion (1992)
Rush, Contreparts (1993)
Olivia Newton-John, Gaia: One Woman's Journey
Silverchair, Frogstomp (1995)
Hoodoo Gurus, Blue Cave (1996)
Journey, Trial By Fire (1996)
Aerosmith, Nine Lives (1997)
Journey, Greatest Hits Live (1998)
Dream Theater, Once In A LIVEtime (1998)
The Black Crowes, By Your Side (1999)
Silverchair, Neon Ballroom (1999)
Jimmy Page & The Black Crowes, Live At The Greek (2000)
Joe Satriani, Engines Of Creation (2000)
Iron Maiden, Brave New World (2000)
Journey, Arrival (2001)
HIM, Deep Shadows And Brilliant Highlights (2001)
Dream Theater, Live Scenes From New York (2001)
Iron Maiden, Rock In Rio (2002)
Dream Theater (Six Degrees Of Inner Turbulence (2002)
Led Zeppelin, How The West Was Won (2003)
Iron Maiden, Dance Of Death (2003)
Dream Theater, Train Of Trought (2003)
New Yok Dolls, The Return Of New York Dolls: Live From Royal Festival Hall 2004 (2004)
Iron Maiden, Death On The Road (2005)
Joe Bonamassa, You & Me (2006)
Black Stone Cherry, Black Stone Cherry (2006)
Iron Maiden, A Matter Of Life And Death (2006)
Joe Bonamassa, Sloe Gin (2007)
Journey, Revelation (2008)
Dream Theater, Chaos In Motion 2007-2008 (2008)
Joe Bonamasa, The Ballad Of John Henry (2009)
Iron Maiden, Fligh 666 - The Original Soundtrack (2009)
Black Country Communion, Black Country (2010)
Mr Big, What If... (2010)
Beth Hart & Joe Bonamassa, Don't explain (2011)
Joe Bonamassa, Dust bowl (2011)
Robert Cray Band, Nothin But Love (2012)
Steve harris, British Lion (2012)
Beth Hart, Bang Bang Boom Boom (2012)
Black Country Communion, Afterglow (2012)
Black Star Riders, All Hell Breaks Loose (2013)
Beth Hart & Joe Bonamassa, Seesaw (2013)
Iron Maiden, The Book Of Souls (2015)
miércoles, 19 de agosto de 2020
Canciones que nos emocionan: (Don't Fear) No Reaper, Blue Öyster Cult
(Don't Fear) No Reaper |
Nos encontramos en 1975, y Eric Bloom (Voz, guitarra rítmica y percusión), Donnald "Buck Dharma" Roeser (guitarra solista, coros), Allen Lainer (teclados, guitarra rítmica y coros), Joe Bouchard (bajo, piano y coros) y Albert Bouchard (batería, percusión, guitarra acústica y coros), o lo que es lo mismo la formación más estable, productiva y duradera de Blue Öyster Cult llevan a sus espaldas tres discos de estudio y se han ganado a pulso el sobrenombre de "la banda más violenta de Nueva York" gracias a sus arrolladores conciertos.
Durante ese año, 1975 y principios de 1976 la banda graba en los estudios The Record Plant de Nueva York el que supondrá su cuarto álbum de estudio, Agents Of Fortune. El disco es producido por David Lucas, Murray Krugman y Sandy Pearlman, todos conocidos y reputados productores entre otras cosas de la escena neoyorkina.
El álbum es publicado en mayo de 1976 y consigue rápidamente una gran aceptación del público y de la crítica, llegando a alcanzar el puesto número 29 en la famosa lista Billboard de Estados Unidos, consiguiendo también el disco de platino merced a las escelentes ventas que consigue. Curiosamente este es el único disco de la banda donde todos los componentes de la misma interpretan las voces principales en al menos una canción.
Incluido en el álbum nos encontramos con (Don't Fear) No Reaper, otros de esos temas que a mí tanto me emocionan. Este tema se convierte en el mayor éxito de la banda en toda su historia, llegando a alcanzar el puesto número 12 en la lista de singles Billboard Hot 100 de Estados Unidos. El tema es compuesto por el guitarrista de la banda Buck Dharma; un tema del que se creyo en un principio que trataba la temática del suicidio.
En realidad el tema surge a raíz de una visita al médico donde a Buck Dharma le diagnostican que tiene una afección caridaca consistente en un latido cardiaco irregular. Como Buck mismo relata, al ser joven tu mente intenta evadirse de la realidad para no afrontar el problema, y todo esto le sirve de inspiración para escribir (Don't Fear) No Reaper, donde Buck nos habla de que la muerte es inevitable, no puedes escapsar de ella, es tontería tenerla miedo, y también se pregunta de lo que le secuderá si muere joven y si se reunirá con sus seres queridos.
(Don't Fear) No Reaper como muy bien afirmaba Buck Dharma no es un tema que trate el suicidio, es más bien todo lo contrario, es mas bien un tema que aboga por afrontar con coraje la muerte, algo que por naturaleza nos va llegar a todos.
Una curiosidad, el productor David Lucas puso voz en los coros en este tema, y suya fue la idea de usar un cencerro en el tema, y que fue objeto de la famosa parodia More Cowbell interpretada por Christopher Walken en el famoso programa Saturday Night Live el 8 de abril de 2000.
viernes, 14 de agosto de 2020
El disco de la semana 188: Jorge Salán - Graffire
Graffire |
Para la semana 188 de la aventura de 7dias7notas decidimos apostar por producto nacional, concretamente por uno de los mejores guitarristas de nuestro país, Jorge Salán, y su disco Graffire (2016), grabado junto con The Majestic Jaywalkers. Jorge se ha forjado durante su carrera una excelente reputación dentro del hard rock y heavy metal y en 2015 decide dar un giro a su sonido introduciéndose y explorando dentro del blues rock con su disco Madrid/Texas. Con su disco Graffire Jorge mantiene esa línea continuista dentro del blues rock, dando cabida también a sonidos como el jazz o el rock.
Jorge Salán nace en Madrid en 1982, y pronto se interesa por la guitarra comenzando a estudiar solfeo y guitarra clásica a los 8 años de edad. Contando 15 años de edad graba su primera maqueta Alien Guitar y forma su primera banda llamada Fahrenheit, con la que se mueve dentro de la escena madrileña, pero el proyecto dura poco.
Su dedicación y talento hacen que contando con 17 años reciba una beca de la prestigiosa universidad Berklee College Of Music (Boston), la universidad privada de música más grande del mundo. Los alumnos de esta universidad han ganado 294 premios Grammy y 95 premios Grammy Latinos. En la prueba de acceso a la prestigiosa universidad Jorge presenta el tema compuesto por él Running Free, tema que supone además su segunda maqueta y empieza a sonar por todo el territorio nacional.
Después de pasar un año estudiando en Berklee regresa a España y consigue firmar un contrato discográfico con el sello Dro East West, el cual pertene a la todopoderosa Warner Bros. Bajo este sello discográfico publica en 2002, contando sólo 19 años de edad, su primer álbum de estudio, The Utopian Sea Of Clouds. Con este primer disco recibe excelentes críticas de la prensa especializada, también una gran aceptación del público y realiza su primera gira por todo el país.
En 2003 jorge colabora en el disco Gaia de Mago de Oz, concretamente en el tema La Venganza De Gaia. A partir de aquí empieza a colaborar asiduamente con la banda hasta que en 2004 es fichado como miembro de la misma como tercer guitarrista. Jorge permanece en la banda hasta el año 2008 alternando su trabajo en la banda con la publicación de 2 discos más en solitario, From Now On (2004) y Chronicles Of An Evolution (2007).
Jorge ya en solitario, alterna innumerables colaboraciones con renombrados artistas entre los que se encuentran Dee Snider (Twisted Sister), Jeff Scott Soto, Joe Lynn Turner, Miguel Ríos, Bob Daisley, Eric Martin (Mr.Big), Carlos Tarque, Robin Beck, Fiona Flanagan, Sherpa, Javier Vargas, Obús y Asafalto entre otros, con la publicación de sus trabajos Subsuelo (2009), Estatuas En La Calle (2010), Sexto Asfalto (2011), Directo A San Javier (2012) y No Looking Back (2014). A finales de 2014 ficha por el sello discográfico Rock Estatal Records y junto con The Majestic Jaywalkers inicia lo que el llama un proyecto de vuelta a las raíces, introduciéndose en el blues rock y publicando Madrid/Texas (2015). En 2016 continúa explorando el género blues rock sigue con el proyecto The Majestic Jaywalkers y publica Graffire, el álbum recomendado para la ocasión por 7dias7notas, álbum donde además se acerca a sonidos como el jazz ó el rock.
El disco comienza con un potente blues lleno de fuerza, Born Under A Bad Sign, tema compuesto para la ocasión y cantado por el gran Jeff Spinoza, del magnífico grupo Red House. Le llega el turno a Victim Of Desire, tema que comienza con una apertura de piano que nos traslada a un Saloon Bar cualquiera, la sección de viento, el hammond y la armónica están magníficas y dotan al tema de un ambiente festivo y los riffs y sólos de Jorge dotan al tema de la garra necesaria para hacer de éste un buen tema. Nos encontramos ahora con la primera versión del álbum, Take Me To The River, tema compuesto por Al Green en 1974 y publicado ese mismo años en su disco Al Green Explores Your Mind. Tema donde Jorge es capaz de captar ese soul sureño que tan bien sabía hacer Al Green. Le llega el turno al único tema compuesto e interpretado en castellano, Para Paco de Lucía, tema escrito y compuesto por Jorge. Como el mismo dice quería rendir un humilde tributo al mejor guitarrista de todos los tiempos, un tema del que se siente especialmente orgulloso pues le hizo gran ilusión que el tema le gustara mucho a la familia del maestro Paco de Lucía. Ojo a la mezcla de la guitarra eléctrica con la guitarra española, magnífica.
Llegamos a uno de los temas más cañeros del disco, On My Own, música compuesta por Jorge y la letra por su amigo Jeff Scott Soto, el que fuera vocalista de Journey ó yngwie Malmsteem y que ahora tiene su propia banda en solitario y de la cual Jorge es el guitarrista. Tema con unos potentes riffs y donde las guitarras distorsionadas harán las delicias de nuestro oídos acercándonos por momentos a ese sonido de los años 70. One More Empty Feeling, tema interpretado por su amigo y genial cantante y bluesman irlandés afincado en Madrid Garret Wall. Jorge se atreve hasta con una versión de Rory Gallagher, concretamente They Don't Make Them Like You Animore, compuesto por el genio irlandés y publicado en 1973 en su disco Tattoo. En este tema Jorge con su guitarra y acompañado del piano hace un guiño y se adentra en el jazz. Rory es mucho Rory pero Jorge no desmerece y hace una buena versión del tema. Turno para No Turning Back, otro de los temas más cañeros del disco con unos más que contundentes riffs de guitarra y donde la sección de viento va creciendo durante todo el tema hasta llegar al magnífico sólo de saxofón que contiene el tema. Sin duda unos de los mejores temas del álbum. El disco se despide con otra magnífica versión, en esta ocasión del tema Leave My Girl Alone, blues compuesto por Buddy Guy y publicado por primera vez bajo el sello discográfico Chess Records en 1967.
miércoles, 12 de agosto de 2020
La música en historias: Swing Low, Sweet Chariot, el himno contra la esclavitud
Fisk Jubilee Singers |
Sweet Low, Sweet chariot es una canción espiritual estadounidense que además de ser todo un himno en pro de los derechos civiles y contra la esclavitud también es el himno de la Selección de rugby de Inglaterra.
Este es un tema cuya composición data del siglo XIX y se barajan varias teorías sobre su nacimiento. Una de esa teorías afirma que la melodía proviene de los esclavos afroamericanos que buscaban dejar la esclavitud saltando a un carro, tren o barco en busca de la libertad. De hecho este tema incluye referencias a la famosa red clandestina Ferrocarril Subterráneo, una organización clandestina que ayudó a muchos esclavos afroamericanos a escapar de las plantaciones del sur hacia el norte de Estados Unidos y Canadá.
Otra teoría apunta que la canción fue escrita por Sara Sheppard, una esclava afroamericana que después de haber pensado en suicidarse al enterarse que ella y su bebé iban a ser vendidas a propietarios diferentes, recordó las palabras de una anciana negra. Ésta le había dicho a Sara que ella y su bebé serían llevados a un lugar mucho mejor en el carro de Dios. Chariot era la palabras francesa con el que se llamaba al trineo utilizado para la recolecta de algodón.
Otra última teoría afirma que el tema fue compuesto por Wallace Willis, un hombre negro libre de Choctaw, Oklahoma (Estados Unidos), alrededor del años 1862, y que se inspiró en el Río Rojo estadounidense, el cual le recordaba al río Jordán y al profeta Elías.
Lo que si está claro es que Alexander Reid, un alto cargo de Choctaw, en 1871 asiste a un concierto de un grupo que canta a capella llamado Fisk Jubilee Singers, el cuál está compuesto por estudiantes de la Universidad de Fisk de Nashville, Tennessee. Alexander había escuchado cantar Sweet Low, Sweet Chariot a Wallace Willis tiempo atrás y se había molestado en transcribir la letra y la melodía al igual que varias canciones más de Wallace. Alexander piensa que éste tema puede quedar muy bien en manos de los Jubilee Singers y se lo envía. Los Jubilee Singers agregan el tema a su repertorio lo popularizan durante una gira por Estados Unidos, grabándolo por primera vez en 1909.
En la década de los años 60 el tema vuelve a resurgir gracias al Movimiento por los Derechos Civiles al ser interpretada por artistas como Joan Baez en el Festival de Woodstock en 1969. Aunque quiźas una de las versiones más conocidas es la versión reggae que hace Eric Clapton y aparece en su álbum de estudio There's On In Every Crowd de 1975. El tema también ha sido versionado por BB King, UB40, Sam Cooke, Etta James ó Johnny Cash entre otros.
viernes, 7 de agosto de 2020
El disco de la semana 187: The Ramones - Rocket to Russia
Hoy vamos con el tercer disco de Los Ramones, ROCKET TO
RUSSIA, fue lanzado en 1977 y fue su segundo lanzamiento de ese año. Grabado en
la ciudad de Nueva York, se esperaba que Rocket to Russia fuera el álbum que
finalmente lanzaría a los Ramones al éxito general. El álbum tenía un
presupuesto de producción más alto que los dos discos anteriores, y su sello
Sire Records acababa de firmar un contrato de distribución con un importante
(Warner Brothers), lo que proporcionó a la banda un impulso promocional
adicional.
Rocket to Russia continua con la formula había establecido en sus dos primeros álbumes, pero este definitivamente tiene un mejor sonido debido a la producción mejorada. La ferocidad de temas como "Cretin Hop", "Rockaway Beach" (la oda de Dee Dee a una zona costera particularmente sórdida en Nueva York) y el ahora clásico "Teenage Lobotomy" sorprendió a los oyentes desprevenidos directamente y para saciar los gustos de todos, incluyeron dos de las baladas tiernas compuestas por Joey ("Ramona" y "Here Today, Gone Tomorrow") y un par de versiones de rock 'n' roll clásico. su enfoque en estas versiones (su interpretación de "Do You Wanna Dance" aplasta la versión de The Beach Boys sin pensarlo dos veces, mientras que "Surfin 'Bird" de The Trashmen suena más coherente aquí que en la grabación original) es tan enérgico y natural , nunca sabrías que fueron compuestos y grabados antes de que la banda se conociera. Y todo esto sin mencionar uno de los grandes himnos de la banda, "Sheena Is A Punk Rocker", que tiene la influencia de un grupo de chicas de los 60 y la máxima aceptación de la cultura que la banda creó, fue lanzado como el primer sencillo del álbum y aunque había muchas esperanzas de que tuviera un gran impacto en la radio, apenas logró hacer mella en las listas de éxitos, aun así los críticos fueron buenos con el álbum.
En un ejemplo
clásico de la mala suerte de los Ramones, el punk británico explotó a lo grande
mientras Joey estaba fuera del grupo por un accidente que le impedía trabajar
con el grupo, Never Mind the Bollocks, Here's the Sex Pistols fue lanzado solo
unas semanas antes de ROCKET TO RUSSIA y los británicos malhablados acapararon
los titulares rápidamente y se convirtieron en los "rostros" del
movimiento punk rock en lo que respecta al mundo en general. ROCKET TO RUSSIA
debería haber sido la gran oportunidad de la banda para dejar su huella en el
mundo, pero lamentablemente, perdieron el barco debido al mal momento y las
circunstancias. Pero al final se ha convertido en uno de los álbumes
definitivos de los Ramones y, aunque la llama de los Sex Pistols pudo haber
ardido más, también se desvaneció rápidamente.
miércoles, 5 de agosto de 2020
Canciones que nos emocionan: Tribute To Muddy, Johnny Winter
Johnny Winter |
Para hablar de otro de esos temas que tanto me emocionan nos vamos a centrar en esta ocasión en la figura del gran bluesman albino Johnny Winter.
John Dawson Winter, más conocido como Johnny Winter nace en Beaumont (Estados Unidos) en 1944. Nacido albino al igual que su hermano menor Edgar, ya desde muy pequeño junto con Edgar es orientado hacia las actividades musicales por sus padres, ya que su padre, John Dawson también era músico y tocaba el saxofón y la guitarra en iglesias, reuniones, bodas y otros eventos. Contando con 10 años de edad Johnny y su hermano aparecen por primera vez en un programa infantil donde se puede ver a Johnny tocando el ukelele.
Con 14 años Johnny forma junto a su hermano la banda Johnny and the Jammers. Durante esa etapa de su infancia se dedica a intentar hacerse hueco grabando en discográficas de alcance regional y curtiéndose en todo tipo de garitos de blues donde no sólo toca, también escucha a infinidad de artistas del género pues quiere captar la esencia del blues, llegando incluo a tocar ante BB King con la guitarra de éste durante una visita de BB a un famoso local de Beaumont. Posteriormente forma un trío, The Cyrstaliers and It an Them con el mismo propósito, conseguir hacerse un nombre dentro del circuito de garitos de blues de la época.
Antes de su fichaje por la poderosa discográfica Columbia Records a finales de 1968 y posterior lanzamiento hacia el estrellato, Johnny publica su primer álbum de estudio como solista, The Progressive Blues Experiment, bajo el sello discográfico Sonobeat Records, un sello independiente ubicado en Austin, Texas. Posteriormente del fichaje de Johnny por Columbia Records, los derechos del álbum se vendieron a la discográfica Imperial Records que vuelve a publicar el disco en 1969.
En el disco debut de Johnny encontramos temas de McKinley Morganfield, Willie Dixon, Sonny Boy Williamson y BB King entre otros, y también encontramos temas compuestos por él mismo entre los que se encuentra el tema Tribute To Muddy, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan. Como muy bien intuimos por el título del tema, se trata de un tributo y homenaje a la figura de Muddy Waters donde Johnny emplea juegos de palabras e introduce títulos fácilmente reconocibles de canciones de Muddy Waters. De hecho Johnny era un gran admirador de Muddy Waters y le llegó a producir los tres últimos discos de su carrera, Hard Again (1977), I'm ready (1978) y King Bee (1981).