1493.- Always Crashing in the Same Car - David Bowie

 

"Always Crashing in the Same Car" ("Siempre chocando contra el mismo coche"), del disco Low (1977) de la mítica trilogía berlinesa de David Bowie, es un claro ejemplo del surrealismo y la metáfora llevados de manera brillante a la letra de una canción. En un tono de voz que transmite el hastío y la frustración del atribulado protagonista, Bowie relata en primera persona la historia de un hombre atrapado en un surrealista círculo vicioso, conduciendo un coche a alta velocidad alrededor del garaje de un hotel, y por más que lo intente, termina "siempre chocando contra el mismo coche".

La metáfora tiene una carga "visual" potente, y es casi imposible no imaginarse el garaje, con Bowie girando en círculos en el interior del coche, haciéndonos ver lo frustrante de esa sensación que todos hemos experimentado alguna vez, cuando por más que te esfuerzas, acabas cayendo una y otra vez en los mismos errores. Es particularmente curiosa e inquietante la mención a una chica llamada "Jasmine", que observa atentamente la escena, como si a la frustración de tropezar continuamente en la misma piedra, se le uniera el hecho de estar todo el tiempo bajo la atenta mirada del ojo público, una sensación que Bowie había vivido muchas veces y que fue una de las razones de su retiro berlinés.

Hay quién dice que Bowie se basó en un episodio real, ocurrido en lo más alto de su adicción a la cocaína, cuando conduciendo su coche, vio a un traficante de drogas que le había estafado, y como venganza, embistió en repetidas ocasiones al coche del camello. En esta teoría, Jasmine sería en realidad su amigo Iggy Pop, que al parecer viajaba en el asiento del acompañante, y la canción podría estar relacionada de alguna manera con "The Passenger", el pasajero que observa a través del cristal de la ventana del coche en el disco de Iggy de ese mismo período berlinés.

Musicalmente, "Always Crashing in the Same Car" es una de las piezas más trabajadas de Low. El productor Brian Eno tenía un órgano Farfisa como el que Pink Floyd había usado en "Matilda Mother", y lo utilizó para la canción, entrelazado con varios sintetizadores y con el añadido de un solo de guitarra eléctrica distorsionada, creando una pieza intensa y futurista en la que destaca el contraste y a la vez el encaje con la voz decaída y pausada del Delgado Duque Blanco, lamentando que hiciera lo que hiciera, todo acababa en un mismo e inevitable final. Quizá por eso Bowie nunca dejó de inventarse, y dando vueltas y más vueltas alrededor de un garaje imaginario, tratando de huir de un ineludible destino, acabó regalándonos tantas y tan buenas canciones.

1034.- Raw Power - The Stooges

"Raw Power" ("Fuerza Bruta") da título al tercer disco de The Stooges, publicado en 1973 como una continuación de la línea punk rock de los dos discos anteriores, pero dando también un paso más allá con la producción de David Bowie y las nuevas composiciones del siempre salvaje Iggy Pop, todo un compendio de energía cruda en un disco que no podía tener un título más adecuado.

En "Raw Power" la batería de Scott Asheton acompaña de manera frenética a un áspero y abrasivo riff de guitarra firmado por James Williamson, que en este tercer disco desplaza a Ron Asheton al bajo. Iggy canta desafiante y con contundencia en este torbellino de energía convertido en canción, describiendo la "fuerza bruta" poderosa y salvaje de la música rock, capaz de conducir a la liberación y el cambio social.

La actitud rebelde y la desafiante letra hicieron de "Raw Power" un himno del "protopunk" de los setenta, adelantándose a la explosión del punk promovida años después con bandas como The Clash o Sex Pistols con un alegato salvaje y visceral que ha influido a multitud de bandas posteriores. Como curiosidad, incluso los Guns and Roses se rindieron ante la "fuerza bruta" de The Stooges, haciéndola suya dentro del disco de versiones de temas punk "The Spaghetti Incident" (1993).

Iggy Pop - Every loser (Mes Iggy Pop)

 

El legendario padrino del punk, Iggy Pop, regresa a la escena musical en 2003 con Every loser, su decimonoveno álbum de estudio en una larga trayectoria, probablemente equiparable a la de artistas igual de longevos como Bob Dylan, Elvis Costello, Bruce Springsteen o Neil Young, que también sigue en activo. Este lanzamiento es llamativo, pues se convierte en el primer gran estreno musical del 2023, además de que álbumes tardíos como "Post Pop Depression" volvieron la atención hacia él, y de que en este proyecto cuenta con una enorme cantidad de instrumentistas y colaboradores de renombre. Cada perdedor necesita una advertencia similar porque es, gracias a Dios, no solo 'otro' disco de Iggy Pop (este es su 19º álbum en solitario), sino un muy buen disco de Iggy Pop y está a la altura de los mejores. Está actualizado y listo para rockear. Iggy ha trabajado con muchos grandes músicos a lo largo de los años. Mientras que David Bowie es el más mencionado, Andy McCoy (Hanoi Rocks) y Steve Jones (Sex Pistols, Professionals y más) se encuentran entre la larga lista de co-conspiradores con los que ha unido fuerzas para hacer música. Para este álbum contamos con Duff McKagan (Guns n' Roses), Chad Smith (Red Hot Chilli Peppers) y Taylor Hawkins RIP (Foo Fighters). Todos ayudan a aumentar la energía y establecer el tono musical. El álbum está producido por Andrew Watt (responsable de los últimos lanzamientos en solitario de Ozzy), quien también toca la guitarra y hace un excelente trabajo en ambos aspectos.

La música de Iggy a veces es difícil de categorizar, ya que varía su estilo y ritmo musical. Este álbum no es una excepción con una mezcla de estilos, pero para los punks y rockeros comienza con Frenzy, una canción llena de bilis e ira y definitivamente no muy recomendable para las radioformulas, es un comienzo que eecuerda a los Stooges, no parece que Iggy (que tiene 75 años) se haya suavizado mucho. Strung Out Johnny ralentiza el álbum pero ciertamente no se anda con rodeos, trata temas de la adicción y las consecuencias, esta es una melodía sobresaliente e Iggy está vocalmente en buena forma, el tema toca parte de los dilemas amorosos sobre una notable combinación de New Wave y Post-Punk con ciertos aires góticos que recuerdan a los Joy Division. New Atlantis mantiene el ritmo lento y malhumorado mientras Iggy canta una carta de amor a su ciudad adoptiva de Miami, pero nos recuerda el aumento del nivel del mar que amenaza a la ciudad, así como a los gánsteres y otros maleantes, sirve además como una variación de Hard Rock que recuerda un poco a los Guns 'N' Roses. Los niveles de energía aumentan de nuevo con Modern Day Rip Off, una voz burlona y agresiva de Iggy nos mantiene enganchados y saltando (¿o debería ser pogo?) y toda la canción continúa mantiendo un cierto estilo personalizado del Glam Rock. 

Habiendo hecho latir nuestros corazones, Morning Show lo ralentiza de nuevo con una canción reflexiva sobre el envejecimiento y cómo seguir poniendo cara despreocupada, una maravillosa pieza de reflexión humana, una balada Garage Rock lo suficientemente sentimental como para equilibrar el caos anterior. The News For Andy, que viene a continuación, y My Animus Interlude, que se coloca antes de la pista final, 'The Regency', son piezas experimentales de tipo relleno, pueden entretenerte o puede que no. Vamos con Neo Punk que suena como toda la ola de 'punk' que surgió a fines de la década de 1990 y que había sido influenciada por los punks que vinieron antes, incluido, por supuesto, el propio Iggy, piense en Green Day Sum 41, etc., y tiene mucha energía y fuego para respaldarlo. Iggy realmente se está divirtiendo en este tema. All the Way Down me recuerda brevemente a la entrega vocal de Alice Cooper antes de desviarse hacia el territorio típico de Iggy, es una gran melodía con una excelente ruptura de guitarra que consigue sonar sórdido. En Comments, la voz de Iggy canta por encima de un acompañamiento de sintetizadores, guitarra y batería que brindan deliciosas ondas de sonido para crear un ritmo de principios de la década de 1980. The Regency es otra melodía no amigable con la radio, llena de ira y desesperacion, pero en algunos lugares el sonido me hace pensar en Teardrop Explodes, Iggy se burla de su camino a través de la letra como solo él puede hacerlo.

 

La voz de Iggy es capaz de transformarse para adaptarse al sonido de cada género y puede extenderse para ir desde graznidos cacofónicos hasta gruñidos monótonos. Si bien todas las canciones siguen una estructura de canción similar, Iggy Pop es capaz de crear un gancho dulce en cada una de estas canciones sin quitarle el protagonismo al elenco de apoyo, que muestr una actitud rebelde con impresionantes riffs y líneas de bajo tarareantes. A lo largo de estas pistas, se puede decir que "EVERY LOSER" es un resumen de la carrera de Iggy Pop, pues a nivel lírico, él mismo se encarga de refrendar su histórico lugar en la escena del Punk Rock, mientras que a nivel musical emplea ese sonido agresivo y crudo que tanto lo caracteriza, balanceando de vez en cuando con algo de Post-Punk, New Wave y Garage Rock. El apartado lírico no es el mejor, pues al revisar sus letras es fácil percatarse de que recurre a los típicos vicios del Punk, mucha mayormente en palabrotas y vulgaridades, las cuales pesan más sobre el ejercicio crítico; de igual manera, hay cierto desbalance en los temas más Hardcore, pues estos carecen de un gancho melódico que les lleve a buen puerto. Al final, Iggy Pop nos entrega un producto coherente que se sostiene gracias a su apartado instrumental, además es lo suficientemente disfrutable para sus fanáticos, aunque para el resto probablemente no trascenderá más allá.

Iggy Pop - Brick by Brick (Mes Iggy Pop)

Como muchos de los lanzamientos de Iggy Pop, 'Brick by Brick' de 1990 es una escucha inconsistente, redimida solo en esos momentos en los que la entrañable rareza de Pop se asoma a través del brillo del estudio. Líricamente, durante aproximadamente la mitad del tiempo, el pop está en un estado de ánimo maduro, casi religioso. En todo momento, Iggy reúne una colección de veteranos sólidos como una roca (Waddy Wachtel, Kenny Aronoff, John Hiatt, David Lindley), y agrega algunas armas jóvenes para algunos toques de guitarra, todo ensamblado por la marchita mano pop de Don Was. , quien deja un poco de lado sus inclinaciones de producción de finales de los 80. Un poco. Los golpes de caja omnipresentes de los 80 pueden chirriar a veces (aunque eso podría decirse de casi todos los lanzamientos de sellos importantes de 1983 a 1989). La portada de Brick By Brick es excelente. Abandonando el omnipresente retrato de Iggy, en su lugar contrató al dibujante de cómics más popular del momento, Charles Burns, para diseñar una explosión de tipos de monstruos callejeros, el tipo en el que Iggy siempre se ha deslizado. Los tonos coloridos son una explosión de colores primarios de la década de 1980 que se profundiza en un callejón oscuro hacia la nueva década desconocida.

"Home", es uno de los mejores sencillos en solitario de Iggy donde canta sobre la obligación de trabajar duro y pagar tus deudas, su necesidad de convencerte de eso es completamente injustificada, pero la pura desesperación en ella es un recordatorio de la batalla interminable de Iggy contra lo aburrido y lo aburrido. El estribillo "todo el mundo necesita una casa" es divertido, un guiño a la jerga pasada de moda, Iggy como bromea como tu padre, bueno casi porque es el jodido Iggy Pop. “Main Street Eyes” es una balada líricamente nerviosa, con toques de violín, hay un arco temático más amplio en este álbum, un buen viaje de ida y vuelta y estados de ánimo debido a algunas de las letras más desarrolladas de Iggy. "I Won't Crap Out" es otro ejemplo de su desafío desesperado. “Me alegro de estar loco, me mantiene intentándolo”, una promesa de melódica a maníaca que es una de sus mejores canciones del disco, a eso hay que sumar un rastro de algunas de sus habilidades de canto. El gran éxito fue la sorprendentemente tierna "Candy", un dúo brillante con la cantante de B-52, Kate Pierson, justo cuando su banda estaba en su mejor momento en las listas de éxitos. Oírlo te hace desear que Iggy hubiera probado un álbum completo de duetos, sin duda fue uno de los mejores singles de verano de esa década. La vigilancia sórdida de la gran ciudad mala en "Butt Town" recibe su crujido de Slash y Duff McKagan, que también transmiten hábilmente en dos peones al servicio del sexo más leal, "Pussy Power" y "My Baby Wants to Rock and Roll". ”, que podrían ser restos de Instinct , aunque mejor que la mayoría de Instinct . Esos chicos de Guns N' Roses tuvieron que disfrutar aquí, probablemente felices de salir del aburrimiento de esperar a que Axl Rose tomara una decisión, y ser protagonistas.

Hay un rockero de raíces tintineante del tipo que poblaba la radio universitaria en ese momento "The Undefeated", y la arrogante "Neon Forest" y un canto sólido en "Moonlight Lady", que mantienen las cosas en linea. Gran parte del álbum tiene a Iggy ofreciendo comentarios astutos sobre el alboroto con el que tiene que lidiar en las calles de Los Ángeles o Nueva York en las que vivía, o exaltaciones para aquellos que se quedan en la cuneta mirando las estrellas. Durante "Starry Night", una especie de tontería caribeña, él, por el contrario, realmente se enfrenta a los idiotas que pueblan nuestra rutina capitalista, al igual que leyendas similares como Lou Reed y Neil Young, quienes también lanzaron álbumes semi-regreso ese mismo año, Iggy usó una "crítica de Estados Unidos" como tema general, aunque lo hace con mucho más humor que esos dos contemporáneos: humor que a menudo se olvida. "Living on the Edge of the Night", es una versión de pantalla ancha de todo lo que sucedió antes, con sintetizadores de los años 80 extra atrevidos y ese título genérico, y deja un regusto extraño. Fue el último sencillo del álbum y realmente suena como un sencillo de 1989. Pero las poderosas baladas de barrido de sintetizadores estaban en sus últimas etapas en las listas en ese momento. Bandas nuevas y más ruidosas, que pronto elogiarían a Iggy al territorio de los estadistas mayores, surgían del subsuelo, mientras que "Living on the Edge of the Night" todavía estaba nadando en las piscinas más agradables del patio trasero de Butt Town.

Si esperas a Iggy con una aproximación al sonido de los viejos títeres, te llevarás una decepción. El equipo de estudio de Was es súper profesional y está respaldado por slash and duff de Guns n Roses. Le dan a Iggy un respaldo sólido, aunque poco espectacular, con el que demuestra que es un vocalista mucho más versátil de lo que quizás se le atribuye. Mierda, incluso hay algunos números acústicos aquí. Esta fue la era de la explosión de CD donde todo el mundo pasó repentinamente de 10 canciones por álbum a 14 o más, lo que a menudo resultaba en relleno. En su mayor parte, Brick By Brick esquiva la trampa de esa era. Como es el caso de muchos rockeros boomers envejecidos que se han vuelto solitarios, el peso de las primeras expectativas y luego las inestables cifras de ventas se convirtieron en preocupaciones menos opresivas a fines de la década de 1980. E irónicamente, justo cuando Iggy llegó a ese punto relajado, se le ocurrió su disco en solitario más vendido. Allí estaba, de nuevo a la vanguardia, ya que la ironía se convertiría en el talismán de los 90 e Iggy se convertiría en el espíritu animal del rock alternativo.

Iggy Pop - Instinct (Mes Iggy Pop)

 

Instinct, Iggy Pop

     Mediada la década de los 80, y a pesar de estar saboreando las mieles del éxito, Iggy Pop siente la necesidad de hacer un disco a su manera, con su propio sonido, pues a pesar del gran éxito comercial de su anterior álbum, Blah blah blah, coproducido por David Bowie y con un estilo más orientado hacia el pop rock y new wave, siente la necesidad de sacar a relucir su propio estilo. Para ello, aprovechando que tiene atado todavía un contrato con el sello discográfico A&M Records decide que ha llegado la hora de desquitarse, y para ello cuenta con la colaboración del guitarrista Steve Jones, el tecladista Shamus Beghan, el bajista Leigh Foxx y el baterista Paul Garisto. Para la producción Iggy decide contar con Bill Laswell, y su razonamiento para su elección es cuanto menos curioso: "Era una persona tan hecha polvo que pensé: Este es el tipo de gente que necesito. No era alguien muy razonable ni normal. No era una persona con quien la compañía de discos (A&M) podría tener una conversación agradable, era extraño, como un criminal, y pensé: puede ocurrir cualquier cosa. Encaja".

Iggy graba este nuevo disco en los estudios Sorcerer Sound y B. C. Studio de Nueva York, bajo la producción del citado Bill Laswell, quien además de ser bajista y propietario de un sello discográfico estadounidense, había estado involucrado en miles de grabaciones de estilos como el funk, World music, jazz, dub y ambient. El disco fue publicado por A&M Records el 20 de junio de 1988. Indudablemente la rebeldía de Iggy Pop tuvo sus consecuencias, pues el sello discográfico decide abandonar a Iggy Pop, quien a pesar de todo, con éste, su octavo álbum de estudio, consiguió alcanzar el puesto 11 en la lista estadounidense Billboard 200, y la canción Cold Metal, además consiguió una nominación al premio Grammy a la Mejor Interpretación de Hard Rock / Metal. La revista especializada Kerrang incluyó Instinct en el puesto 69 de su lista de Los 100 mejore álbumes de heavy metal de todos los tiempos. 

El sonido de Instinct cambia radicalmente con el sonido de su antecesor, Blah Blah Blah, apostando por un sonido mucho más crudo y agresivo que se mueve entre el hard rock, el heavy metal y el glam metal, los experimentos quedaron atrás. Iggy Pop, en cuanto a la temática del álbum, explora temas como la lucha por la supervivencia, la decadencia de la sociedad o la lujuria. Es cierto que comercialmente el disco no obtuvo el éxito de otros discos anteriores, pero consiguió lo que realmente perseguía Iggy, reconectar de nuevo con sus seguidore más fieles y ganar nuevos adeptos. 

En Instinct vamos a encontrar un conjunto de canciones compuestas por Iggy, excepto 4 que fueron co escritas junto al ex-Sex Pistols Steve Jones, llenas de poderío, energía y actitud que reflejan el regreso del artista a su orígenes. Canciones como Cold Metal, con un sonido de guitarras muy intenso y duro mientras nos habla sobre la atracción por el peligro y el deseo de vivir al límite; High on You, otro de los temas más destacables del disco por su ritmo frenético y que viene al pelo con la letra, pues nos habla de la euforia de estar enamorado; Power & Freedom, compuesta por Iggy Pop y Steve Jones, y que destaca por un gran ritmo pesado y un mensaje que nos habla del poder y la libertad individual; Instinct, la canción que da nombre al álbum, otro contundente tema que nos habla de los instintos primarios y la lucha por sobrevivir en un mundo caótico; o Squarehead, otra de las canciones compuesta a medias entre Iggy y Jones y que cierra de manera muy notable el álbum mientras aborda la diferencia en la sociedad. 

Instinct es disco más que recomendable, pues en él Iggy Pop recupera la energía y vitalidad de antaño con una gran explosión de pura energía, actitud y agresividad.

Iggy Pop - Blah Blah Blah (Mes Iggy Pop)

#mesIggyPop - Blah Blah Blah

El álbum "Blah Blah Blah" es el sexto álbum de estudio del músico Iggy Pop, lanzado en 1986. Este álbum fue producido por David Bowie, quien había trabajado previamente con Iggy en sus álbumes solistas de la década de 1970.

La historia detrás de este álbum se remonta a la colaboración de Iggy Pop con el guitarrista de Kiss, Ace Frehley, en el álbum de 1985 "Instinct". Durante la grabación de ese álbum, Iggy Pop y Ace Frehley comenzaron a escribir canciones juntos, y decidieron trabajar juntos en un álbum completo.

Iggy Pop contactó a David Bowie para que produjera el álbum, y Bowie aceptó. La grabación tuvo lugar en los estudios Mountain en Montreux, Suiza, y en los estudios Power Station en Nueva York. El álbum presenta una mezcla de estilos, incluyendo rock, funk y dance, y cuenta con colaboraciones de artistas como Nile Rodgers y Steve Winwood.

El álbum fue un éxito comercial moderado, con sencillos como "Real Wild Child (Wild One)" y "Cry for Love" llegando a los primeros puestos de las listas de éxitos. Aunque recibió críticas mixtas en el momento de su lanzamiento, "Blah Blah Blah" ha sido considerado un álbum influyente en la carrera de Iggy Pop y un ejemplo temprano de la fusión de rock y música electrónica.

Además de contar con la producción de David Bowie, el álbum también incluyó la colaboración del tecladista de los Talking Heads, Bernie Worrell, quien contribuyó a la creación de la mezcla de estilos que caracteriza al álbum.

El sencillo "Real Wild Child (Wild One)" fue un gran éxito comercial, tanto que se convirtió en el sencillo más vendido de Iggy Pop en su carrera en solitario. La canción fue una versión del tema "Wild One" de Johnny O'Keefe, y se convirtió en un himno del rock and roll de los años 80.

Otro sencillo importante del álbum fue "Cry for Love", una balada rock que alcanzó el puesto número 10 en la lista de éxitos del Reino Unido. La canción fue escrita por Iggy Pop y su guitarrista, Rob Duprey, y es considerada una de las mejores baladas de la carrera de Iggy Pop.

En general, "Blah Blah Blah" recibió críticas mixtas en su lanzamiento, con algunos críticos elogiando la fusión de estilos y la producción de Bowie, mientras que otros criticaron la falta de cohesión en el álbum. Sin embargo, a lo largo del tiempo, el álbum ha sido reconocido como un punto de inflexión en la carrera de Iggy Pop, y ha sido citado como una influencia en la música de artistas posteriores como Nine Inch Nails y Marilyn Manson.

El álbum "Blah Blah Blah" de Iggy Pop incluye las siguientes canciones:

1. "Real Wild Child (Wild One)": Como mencioné antes, este sencillo se convirtió en uno de los más grandes éxitos de la carrera en solitario de Iggy Pop. Es una versión del tema "Wild One" de Johnny O'Keefe, y presenta una mezcla de rock and roll y música electrónica.

2. "Baby, It Can't Fall": Esta canción tiene un estilo más suave y melancólico que otros temas del álbum. La letra habla sobre la necesidad de encontrar un sentido de propósito en la vida.

3. "Shades": Una canción de estilo más funk y dance, con un sonido influenciado por la música disco de los años 70. La letra habla sobre la idea de usar gafas de sol para ocultar el dolor emocional.

4. "Fire Girl": Una balada rock con una letra que habla sobre la atracción intensa hacia una mujer. La canción tiene un sonido más suave y melódico en comparación con otros temas del álbum.

5. "Isolation": Una canción más introspectiva, con una letra que habla sobre la soledad y la desconexión emocional. La música tiene un sonido más oscuro y atmosférico, con un uso prominente de sintetizadores.

6. "Cry for Love": Como mencioné antes, este sencillo fue otro gran éxito del álbum. Es una balada rock con una letra que habla sobre la lucha por encontrar el amor verdadero. La canción tiene un sonido más dinámico que otras baladas de Iggy Pop.

7. "Blah Blah Blah": La canción que da título al álbum tiene un sonido más pesado y agresivo, con una letra que critica la superficialidad de la cultura pop.

8. "Hideaway": Una canción de estilo más funk y dance, con un sonido influenciado por la música disco y soul de los años 70. La letra habla sobre la necesidad de escapar de la vida cotidiana.

9. "Winners and Losers": Una canción de estilo más punk rock, con una letra que critica la mentalidad de "ganadores y perdedores" de la sociedad.

10. "Tell It to Me": Una canción de estilo más hard rock, con una letra que habla sobre la necesidad de decir la verdad sin importar las consecuencias.

En general, "Blah Blah Blah" es un álbum muy diverso en términos de estilo y tema, y muestra la capacidad de Iggy Pop para experimentar con diferentes géneros musicales.

Daniel
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Iggy Pop - Zombie Birdhouse (Mes Iggy Pop)

"Zombie Birdhouse" es el sexto álbum de estudio en solitario de Iggy Pop, enmarcado dentro de lo que podríamos llamar su "segunda etapa", tras las acertadas colaboraciones con David Bowie ("The Idiot" y "Lust for life") y un no menos inspirado y recomendable "New Values". Tras esa fructífera primera etapa, y la publicación de "Kill City" con James Williamson (en lo que fue un reseñable disco, más en la línea de The Stooges que de lo que hasta entonces había hecho en solitario), Iggy bajó el listón creativo en un par de discos caóticos y desnortados ("Soldier" y "Party") en los que parecía querer experimentar a fondo, pero sin encontrar el camino adecuado. Y como dice el refrán, "a la tercera va la vencida", y fue con "Zombie Birdhouse" con el que logró dar en la diana creativa, que no en la del éxito comercial.

Grabado en una consola de 16 pistas en los estudios Blank Tape de Nueva York, y publicado en septiembre de 1982 por el sello "Animal Records", "Zombie Birdhouse" se adelantó varios años al concepto de "publicación independiente" que tanto se valoró en la década de los noventa, como rasgo diferenciador de los artistas que no sucumbían al embrujo de las grandes multinacionales. La razón no era, en realidad, una cuestión de valores o de integridad musical, y se basaba más en que el bueno de Iggy estaba totalmente pelado económicamente, tras el fiasco de los dos discos anteriores. Según el propio Iggy: "Fue un álbum de cambio. Lo que más recuerdo y de lo que me enorgullezco es que vivía en Brooklyn porque no tenía bastante dinero para vivir en Manhattan, que es dónde grabábamos el disco, e iba a trabajar en metro como cualquier otro trabajador, cogido de la barra, a hacer mi disco. Me siento orgulloso de haberlo hecho una vez, pero no quiero repetirlo nunca más".

A diferencia de los dos discos anteriores, "Zombie Birdhouse" ha adquirido con el tiempo el estatus de disco extraño y legendario, una obra oscura y bizarra que combina el zumbido de los sintetizadores new wave y post punk con curiosos ritmos de estilo afro beat, y un enfoque de extraña poética de asociación libre en las letras. En conjunto, su encanto reside en que, sin ser una gran obra maestra desde el punto de vista musical, es un álbum que, como ya ocurrió en los discos con Bowie, se adelanta varias décadas a su tiempo, y eso es algo que se percibe ya desde el arranque de "Run Like a Villain", un sórdido y a la vez pegadizo rock and roll de apenas tres minutos (te deja con ganas de más, pero le aplican "fade out", seguramente por las restricciones de duración del formato vinilo) en el que menciona el título del álbum.

El filo electrónico del disco empieza a aparecer en "The Villagers", en la que se aprecia un sonido más cercano a alguno de los temas de "Lust for life", y aparecen los primeros "pseudo recitados" en mitad de la canción. "Angry Hills" tiene un sonido más abierto y comercial, con un ritmo de batería que es hasta bailable, y unos poco afortunados coros de fondo. Una pieza más cercana a lo que entregó en algunos tramos de "Soldier" o "Party", y sin ser mala, se queda en poco interesante.

La experimentación electrónica aumenta con el largo acople de sonido que acaba convirtiéndose en el ritmo de la oscura e interesante "Life of Work", en la que Iggy Pop adapta y transforma una canción de temática marinera en una triste reflexión sobre la vida de la clase trabajadora: "¿Qué haces con una vida de trabajo? Afróntalo por la mañana". En algunos tramos, los escuálidos y mecánicos teclados recuerdan a los Doors de su idolatrado Jim Morrison.

"The Ballad of Cookie McBride" es más accesible y llevadera, con un ritmo de fondo al que podrían haberle sacado más contundencia y partido. La melodía y la manera de cantarla recuerda, anticipándose, a la de algunas canciones de Primal Scream, más desde lo primario que desde el alarido. Una digna pieza de complemento, pero a años luz de "Ordinary Bummer", probablemente la mejor canción del disco, y junto a Run like a Villain, la única que podría entrar en una recopilación de los mejores temas de Iggy, si para esos discos no se tuvieran en cuenta los criterios de comercialidad de los que esta canción carece.

La cara B comienza con "Eat or be eaten", rítmicamente pegadiza y basada en sintetizadores y teclados acompañando a la guitarra rítmica. Hacia la mitad de la canción, Iggy se desentiende por momentos del ritmo para dar rienda suelta a una especie de "spoken word", para terminar tarareando en lo que parece realmente una sátira de canción, dentro de un disco que seguramente a Iggy le resultó muy divertido grabar. Bulldozer vuelve a la senda guitarrera, pero a la del oscuro art rock de discos como The Idiot. La diferencia está en que, de nuevo, la interpretación vocal de Iggy resulta extremadamente paródica y humorística, restándole mucho peso al tema.

En Platonic se toma las cosas más en serio, entregando uno de los temas más asequibles y hasta radiables del disco, con una sencilla combinación de teclados y guitarra rítmica y cierto toque new wave ochentero. El rock de guitarras ásperas y cortantes vuelve a mezclarse con la ruda experimentación y el art rock minimalista en The Horse Song. Cómo han cambiado los tiempos, porque el que antes "quería ser tu perro", ahora dice "sentirse como un caballo", antes de partirse literalmente de risa en el último verso de la canción, evidenciando que estaba realmente de vuelta de todo, y jugando al filo de la navaja con su carrera musical, que fácilmente pudo haber arruinado con la extraña "Watching the news" en la que lleva la experimentación y la rareza hasta el límite de lo que sus fans más acérrimos le permitirían. No lo arregla tampoco en "Street Crazies", la más tribal del disco, pero sorprendentemente carente de un mínimo de estructura o intención de construir o adecentar una canción, reafirmando que hace ya rato que el disco transitó hacia la locura más absoluta.

La acogida del disco fue, como no podía ser de otra manera, desigual. Parte de la crítica valoró estar ante el álbum más experimental de Iggy hasta el momento, mientras la otra parte valoró negativamente la extraña mezcla de proclamas, bromas, gruñidos y pseudo poesía del bizarro e incoherente conjunto final. Con estas credenciales, el álbum fue un fracaso comercial, pero como ya dijimos al principio, fue un fracaso de lo más interesante, por su audacia ante la falta de medios, sus mezclas a veces toscas, sus desarreglados y desnudos coros, su frescura primitiva y su sincera y fascinante irreverencia.

Después de semejante guantazo (tanto el que se llevaron como el que este disco supone para la industria más ortodoxa), Iggy no tenía ya margen de error. Ya no era tan joven, ni tan respetado, y en los bolsillos solo tenía agujeros. O se sacaba de la manga un disco serio y comercial, o ya no podría grabar nunca más, así que decidió gastar, una vez más, el comodín de la llamada y pedir a David Bowie que le produjera el disco Blah Blah Blah, una obra tan depurada como carente de riesgo, que actuó como auténtico salvavidas de la mítica "Iguana del Pop" en el tumultuoso y complicado mar artístico de los ochenta.

Iggy Pop - New Values (Mes Iggy Pop)

#mesIggyPop - New Values

El álbum "New Values" de Iggy Pop es considerado por muchos críticos y fans como un hito en la carrera del músico. Fue lanzado en 1979, después de una pausa de tres años en la que Iggy Pop había luchado contra sus adicciones y había trabajado para reconstruir su carrera musical.

El álbum presenta una combinación única de punk, rock y elementos de funk y soul, que lo hacen sonar diferente a cualquier otra cosa que Iggy Pop había hecho antes. Canciones como "Five Foot One" y "Don't Look Down" son ejemplos de la energía punk del álbum, mientras que temas como "I'm Bored" y "New Values" muestran una nueva madurez en las letras de Iggy Pop.

"New Values" es el tercer álbum en solitario del icónico músico Iggy Pop, lanzado en 1979. Fue grabado después de que Iggy se recuperara de una adicción a la heroína y se trasladara a Alemania, donde trabajó con el productor alemán, Michael Beinhorn. El resultado es un álbum que representa un nuevo comienzo para Iggy Pop, tanto en términos de sonido como de contenido lírico. A continuación, una descripción de algunas de las mejores canciones de este disco:

"Tell Me a Story" - Una canción enérgica y optimista que invita al oyente a sentarse y escuchar una historia. Iggy Pop canta sobre la importancia de la narración y cómo puede inspirar e influir en las personas.

"New Values" - El título de la canción y del álbum. Es una canción enérgica y rápida que celebra los valores nuevos y diferentes que Iggy Pop ha descubierto en su vida después de superar su adicción a las drogas.

"Girls" - Una canción sobre la obsesión de Iggy Pop por las mujeres. La letra describe a las mujeres como criaturas misteriosas y atractivas que son difíciles de entender.

"I'm Bored" - Una canción punk rock que expresa el aburrimiento y la insatisfacción de Iggy Pop con su vida y su carrera. La letra describe la sensación de estar atrapado en una rutina y la necesidad de hacer algo nuevo y emocionante.

"Don't Look Down" - Una canción que trata sobre la lucha de Iggy Pop con la adicción y su determinación por no volver a caer en ella. La letra describe la sensación de estar al borde de un precipicio y la importancia de mantenerse fuerte y no mirar hacia abajo.

"The Endless Sea" - Una canción más suave que habla de la búsqueda del amor y la felicidad. La letra describe la vida como un mar sin fin y la necesidad de encontrar un puerto seguro.

"Five Foot One" - Una canción enérgica y divertida que celebra la pequeña estatura de Iggy Pop. La letra describe cómo su tamaño pequeño no lo detiene y cómo siempre está listo para luchar.

En general, "New Values" es un álbum punk rock clásico que presenta la madurez y la evolución musical de Iggy Pop. Las letras exploran temas como la adicción, la lucha por la felicidad y la necesidad de valores nuevos y diferentes. La energía y la pasión de Iggy en cada canción hacen que el álbum, aunque no fue un gran éxito comercial en su momento, haya sido considerado un álbum influyente y significativo en la carrera de Iggy Pop. La crítica lo recibió positivamente y muchos lo ven como un punto de inflexión en su carrera, ya que fue su primer álbum después de superar su adicción a las drogas. Muchas de las canciones han sido interpretadas en vivo por Iggy durante años y algunas de ellas, como "Tell Me a Story" y "Five Foot One", se han convertido en favoritas de los fans.

Además, el álbum ha sido reeditado varias veces y ha sido incluido en varias listas de los mejores álbumes de rock de todos los tiempos. En resumen, aunque no tuvo una gran acogida comercial en su momento, "New Values" ha sido valorado por la crítica y por los fans como un álbum importante en la carrera de Iggy Pop y en la historia del punk rock.

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Iggy Pop - Lust for Life (Mes Iggy Pop)

 

Lus for life, Iggy Pop

De Iggy Pop, al cual estamos dedicando este mes de mayo, recuerdo dos momentos especiales ligados a mi juventud, el primero fue en la sala Aqualung de Madrid en abril de 1994, si no recuerdo mal, donde tuve la oportunidad de verle por primera vez en directo. Y la segunda fue la primera vez que vi la película británica Trainspotting (1996), dirigida por Danny Boyle, la cual nos narra la historia de un grupo de jóvenes de clase baja de Edimburgo y sus problemas cotidianos en un ambiente destructivo. Recuerdo que la primera escena, donde el protagonista Mark Renton y sus amigos corren por las calles perseguidos por la policía mientras suena Lust for Life de Iggy Pop, me voló literalmente la cabeza. Y es precisamente en Lust for Life donde nos vamos a centrar.

Lust for Life es el segundo álbum de estudio del músico estadounidense Iggy Pop. El disco fue grabado en los Hansa Studios de Berlín Oeste bajo la producción de David Bowie y Colin Thurston bajo el pseudónimo de Bewlay Bros (llamado así por la última pista de Hunky Dory de Bowie de 1971) y publicado el 9 de septiembre de 1977 bajo el sello discográfico RCA Records. Estamos ante la segunda colaboración entre David Bowie e Iggy Pop. Después de The Idiot, donde colaboraron juntos, Bowie lanzó su disco Low, donde Iggy colaboró en dicha gira como tecladista de Bowie. Al final de la gira, Iggy y Bowie se juntaron en Berlín para trabajar en Lust for Life. 

Iggy Pop, después de una etapa sumido en su adicción a las drogas, se unió a su amigo David Bowie en su gira Isolar Tour de 1976 y luego se mudó a Europa con éste con la esperanza de recuperar la sobriedad. Después de que The Idiot fuera compuesto principalmente por Bowie, Iggy insistió en tener más control sobre Lust for Life, componiendo el mismo a menudo sus propios arreglos. El disco acabaría convirtiéndose en uno de sus trabajos más icónicos. Si The Idiot marcó un alejamiento del sonido proto-punk de The Stooges en favor de un estilo más enfocado hacia el art rock, Lust for Life es un disco con un sonido muy crudo y más cercano a su antiguo estilo con la banda The Stooges. 

Lust for Life, tras su lanzamiento, recibió poca promoción por parte de RCA, pero eso no impidió que alcanzara el puesto 28 en las listas de ventas de discos del Reino Unido. El disco también fue muy bien recibido por la crítica especializada, destacando la enérgica participación de Iggy y su rol más importante en comparación con The Idiot. Estamos ante un disco menos experimental, donde podemos apreciar estilos como hard rock, proto-punk o new wave. Musicalmente el disco suena muy contundente, gracias a la gran sección rítmica que logran marcar el bajista Tony Sales y su hermano, el baterista Hunt sales, y los guitarristas Ricky Gardiner y Carlos Alomar, que ya tenían muchas tablas habiéndose formado en una banda de rock and roll pura y dura. Iggy demuestra en este disco estar a la altura de las circunstancias, siendo capaz de transmitir su pasión y energía a través de la música y abordando temas como las adicciones a las drogas, la decadencia o las malas decisiones.

Abre la cara A del álbum el tema que da título al mismo, Lust for Life, con un riff de Bowie muy característico y que se inspiró en el código Morse que abría las noticias de American Forces Network en Berlín. La canción trata sobre el estilo de vida que Iggy había llevado como adicto ala heroína. El título fue tomado de la película de 1956 del mismo nombre, que a su vez es una adaptación de la novela biográfica de Irving Stone de 1934 sobre el pintor holandés Vincent Van Gogh. Bowie coescribió la canción con Iggy componiendo la música en un ukelele. El tema fue escrito en un momento en el que ambos artistas estaban tratando de alejarse de sus adicciones. Sixteen es el único tema del disco que fue escrito única y enteramente por Iggy Pop. Some Weird sin es una canción más oscura y con un sonido más pesado orientado hacia el hard rock que nos habla sobre las malas decisiones y sobre las tentaciones que se cruzan en el camino. También trata temas como la decadencia en temas como The Passenger, la cual se inspiró en un poema de Jim Morrison donde veía "la vida moderna como un viaje en automóvil". Fue escrita por Iggy Pop mientras viajaba en el S-Bahn (tren subterráneo) en Berlín. La música fue escrita por el guitarrista Ricky Gardiner, quien había sido miembro de la banda de rock progresivo Beggars Opera. Se encontraba tocando su guitarra, mientras estaba sentado debajo de un árbol cercano a su casa, cuando se le ocurrió la secuencia de acordes del tema. Tonight es el tema que cierra la primera cara, un tema con un ritmo duro que vuelve a la temática sobre el abuso a la heroína, y que fue coescrita por Iggy y Bowie.

La cara B empieza con otro de los cortes optimistas del álbum, Success, canción que emplea la llamada técnica de llamada y respuesta y que nos habla sobre el éxito y su relación con el dinero y la fama, reflexionando sobre las expectativas y los sacrificios que se hacen para alcanzar dicho éxito. Turn Blue vuelve a hacer referencia al abuso de las drogas. No olvidemos que Iggy estaba en proceso de limpiarse del abuso de las mismas. Con casi siete minutos es la canción más larga del disco. Los orígenes de esta canción se remontan a una sesión de grabación fallida de Iggy y Bowie en mayo de 1975 cuando Iggy se encontraba totalmente enganchado a la heroína. Originalmente titulada Moving On, fue compuesta por Bowie, Iggy y por el vocalista, compositor y bailarín Warren Peace. Neighbothood Threat es un tema de corte neo-punk, con un ritmo más amable y melódico donde Iggy nos muestra sus influencias del funk y el soul mientras nos habla de la violencia en las calles y la necesidad de protegerse. Por último, Fall in Love With Me es el corte que cierra este gran disco, el cual surgió de un jam session improvisada de la banda. Para este tema la banda intercambió instrumentos, pues Tony Sales tocó la guitarra, Hunt Sales el bajo y Ricky Gardiner la batería.

Iggy Pop - The Idiot (Mes Iggy Pop)

"The Idiot" (1977) no fue solo el debut en solitario de Iggy Pop, fue además el primero de los discos creados en colaboración con David Bowie, que hizo las labores de producción y colaboró en la composición de los temas, por la época en la que ambos compartieron piso en Berlín, en un intento de alejarse de la vorágine y las adicciones en las que ambos estaban envueltos. "The Idiot", que toma su nombre de la novela de Fyodor Dostoievsky, está claramente emparentado en sonido con "Low" y Heroes", los dos discos que David Bowie publicó ese mismo año, y es especialmente curiosa la evidente relación entre la portada de este último disco del "Delgado Duque Blanco" y el disco de Iggy, ya que en ambas aparece uno u otro adoptando poses similares, basadas en la pintura "Roquairol" de Erich Heckel.

El período berlinés de ambos músicos fue sobre todo fructífero en composición e ideas, y en la manera en la que se empaparon de las tendencias musicales alemanas del momento, pero en realidad la mayoría de los discos asociados a esa época no fueron grabados en Alemania. Es el caso de "The Idiot", que en su mayor parte fue grabado en el "Château d'Hérouville", en Francia, y solo algunas sesiones se realizaron en los Musicland Studios, en Munich, en sesiones "vampíricas" que empezaban cuando no quedaba ya rastro de la luz del día.

El disco no funcionó comercialmente como Iggy había imaginado, seguramente porque el público esperaba una continuación del sonido salvaje de The Stooges, en lugar de lo que "The Idiot" contenía, que no era, tampoco, exactamente como Iggy lo describía ("Una mezcla entre James Brown y Kraftwerk"). No lo era porque, en "The Idiot" hay mucho de Kraftwerk y de oscuros arreglos basados en sonidos mecánicos e instrumentos electrónicos, especialmente en temas como "Mass Production", pero poco o nada se distingue en el conjunto que pudiera ser mínimamente asociado al "Padrino del Funk".

La innovación musical fue, en su mayor parte, responsabilidad de Bowie, que compuso buena parte de la música y se encargó de coros, guitarra, piano eléctrico, sintetizadores y saxofón (presente en la excelsa y taciturna "Tiny Girls"), mientras que Iggy dotó a aquellas oscuras estructuras musicales de unas no menos intrigantes letras, escribiendo a medida que su compañero iba creando la música. Así surgieron, por ejemplo, "Sister Midnight" y "China Girl", los dos singles que se publicaron del álbum. Tanto le gustaban a Bowie aquellos dos temas, que el primero (que había escrito con anterioridad junto a Carlos Alomar y que ofreció a Iggy para el disco) fue una pieza habitual de sus conciertos, y no solo llegó a regrabar el segundo para su disco "Let´s dance" (1983), sino que también lo lanzaría como single.

"The Idiot" tuvo una gran influencia en multitud de bandas de post-punk, y en el sonido industrial y gótico que se desarrolló en los años ochenta. Bandas como Joy Division basaron buena parte de su sonido en las enseñanzas que estos dos músicos, adelantados a su tiempo, nos dejaron en cualquiera de los discos mencionados. En "The Idiot", además de los dos singles, hay joyas del calibre de "Nightclubbing", la última de las canciones que se grabaron para el disco, famosa por haber sido incluida en la banda sonora de Trainspotting junto a la célebre "Lust for life". Otros temas relevantes son "Funtime", originalmente titulada "Fun Fun Fun", Baby (a la que Iggy se refería como su "canción de amor" para el disco) o "Dum Dum Boys". 

Con el disco grabado, Bowie y Pop se trasladaron de nuevo a Berlín para que Tony Visconti, que estaba allí para producir el disco de "Heroes", les hiciera el favor de encargarse de las mezclas finales, en una labor que Visconti denominó "de salvamento más que de mezcla creativa". El resultado final fue la joya de art rock y post punk decadente que hoy conocemos, cuyos arreglos podrían considerarse de rock industrial en el sentido más estricto y literal de la palabra, y sin lugar a dudas una creación totalmente adelantada a su tiempo, y una tremenda patada en la boca de los que esperaban una nueva entrega del punk de The Stooges.

Disco de la semana 305: American Caesar - Iggy Pop

Una mañana de un sábado cualquiera de 1993, o puede que incluso fuera ya 1994, dando una vuelta hacia el centro de Getafe, me topé con una tienda de alquiler de cd's de música. Lo creáis o no, ese fue un negocio que, breve y esporádicamente, algunos emprendedores acometieron en aquella época, pensando que podría llegar a ser tan lucrativo como lo habían sido los videoclubs. Aquella tienda no duró mucho, y al cabo de apenas unos meses me topé con una floristería, en el lugar dónde antes se alquilaban cd's de Nick Cave, The Rolling Stones o AC/DC, por poner algún ejemplo. Puede que en total no alquilara más que dos o tres cd's, y de todos ellos me he olvidado. De todos menos de uno, el que alquilé ese primer día: El "American Caesar" de Iggy Pop.

Poco sabía por entonces de quién era Iggy Pop, o de su brillante pasado con los Stooges. En esa época, dedicaba mi tiempo y mis esfuerzos a escuchar a Guns and Roses, y a mis grupos favoritos del incipiente brit pop: Oasis, Blur y Pulp, pero al entrar en aquella tienda, y ver a aquel tipo sin camisa y mirando amenazante desde la portada, supe que ese era un disco que no debía pasar por alto. Para no saltar al vacío directamente, y sin salvavidas, me permití al menos girar el cd antes de decidirme, para ver los títulos de las canciones, y me sorprendió que estuvieran ordenadas por números romanos, llevando la metáfora política e histórica del título un paso más allá. Pero lo que realmente me decidió a dar por fin aquel salto a ciegas fueron los títulos de algunas canciones: "América Salvaje", "Envidia", "Odio", "Jodidamente solo", "Enfermedad" o la propia "César" me dieron la seguridad de estar ante un álbum violento y diferente.

Al llegar a casa, y ponerlo en el reproductor de cd's, en poco más de un minuto di por bien empleado el precio del alquiler de aquel cd, y el temor a haberme equivocado con aquel salto al vacío desapareció como si acabara de tirar de la anilla del paracaídas, y éste se hubiera abierto al instante. Tras el minuto y siete segundos de Character, un primer tema instrumental basado apenas en unas leves notas de guitarra y un murmullo de fondo, las guitarras eléctricas explotan en el riff de Wild America, una canción tan salvaje como la América de carretera y marihuana que describe, el oscuro imperio de éste particular César americano.

La crítica social y política está presente en muchos temas, como en Mixin' the colors, en la que Iggy celebra la diversidad racial y cultural que ya, por aquel entonces, veía florecer en las ciudades norteamericanas. "Es lo que a Hitler no le gustaba..." comenta sobre el colorido collage interracial en el que se están convirtiendo las grandes ciudades del imperio estadounidense: "Por todas partes están mezclándose los colores, a algunos no les gusta pero a mí me da igual". De un sentimiento de satisfacción y de alegría (y color) pasa después al blanco y negro de Jealousy, en la que con su impresionante faceta de cantante de voz grabe y gutural nos confiesa la "envidia" que siente hacia un compañero de profesión que tiene "grandes éxitos y una limusina, dinero a espuertas y una novia que sale en Vogue". Para que negarlo, es imposible no sospechar que se esté refiriendo a David Bowie, y sentir que este tono oscuro y negativo le pega mucho más al disco y al amenazante César de la portada.   

Como lo hace también Hate, mostrando el "odio" que siente el enloquecido personaje, aunque la escucha de este tema, que instrumentalmente tiene momentos que recuerdan a los largos pasajes con los que The Doors nos adentraban en la espesa selva de The End, se me haya hecho siempre demasiado larga. It´s our love, que ostenta el título de ser la única balada pura del disco, descarga un poco de la tensión emocional de esta obra, mostrándonos a un César americano capaz de enamorarse y compartir noches de motel con su amada, mientras la "intermitente luz de un semáforo" se cuela por la ventana. Es solo una pequeña parada en un placentero oasis en el que dejar que los caballos puedan abrevar, porque al instante todo vuelve a explotar con el punk rock urgente y algo paródico de Plastic and Concrete.

Los mejores momentos del disco se reparten a partes iguales entre la introspección, la road movie y la descarga de decibelios. En el lado introspectivo, es imposible no destacar la genialidad y el lenguaje directo de Fuckin' Alone, en la que Iggy, acompañado de una guitarra acústica, nos confiesa lo cansado que está de sentirse solo, incluso en los momentos en los que está rodeado de una multitud de individuos de variado pelaje. De ahí vuelve a saltar a la carretera y al tono paródico en la pegadiza Highway song, con cierto tono a canción de cowboy taciturno. Tras esta cuidada broma, el décimo álbum de estudio de "La Iguana" pisa el acelerador y pone toda la carne en el asador. Cuentan que cuando presentó American Caesar a la discográfica, los directivos de Virgin Records se quejaron de la falta de singles potenciales. La respuesta de Iggy fue grabar dos temas más. La primera fue Beside you, una falsa balada firmada a dúo con Steve Jones (Sex Pistols), y aderezada con el contrapunto femenino de Lisa Germano en los coros (logrando lo que para los nostálgicos era lo más parecido a "Candy" que Iggy estaba dispuesto a darles).

La segunda, y no menos relevante, fue una versión del clásico Louie Louie, original de The Kingsmen, que ya fuera parte importante del repertorio de The Stooges. Para la ocasión, Iggy cambió la letra, haciéndola más actual y política, y con la ayuda de la banda de apoyo de American Caesar la hizo también musicalmente más áspera y rotunda. Pero entre una canción y otra, Iggy descarga toda la adrenalina del disco en tres brutales trallazos de punk garajero (Sickness, Boogie Boy y Perforation Problems) y una nueva entrega de oscura envidia imperial (Social Life), en uno de los tramos más impactantes del disco. Louie Louie suena a gran colofón del disco, pero tras la tormenta eléctrica, algunos cables siguen soltando chispas como base rítmica de Caesar, un ácido y divertido recitado del gran César, que no entiende esa nueva religión que traen los cristianos, mandando que les arrojen a los leones, mientras repetidamente ignora las voces que le advierten de la llegada de los "Idus de Marzo".

Ese es el auténtico y apoteósico final de American Caesar, pese a la errónea decisión de incluir una canción más, o de haberlo hecho en otra posición del disco. Girls of N.Y no es un mal tema, y está emparentado con Mixin' the colours, por su letra basada en la enumeración de las nacionalidades de todas las chicas que le gustaban a Iggy, pero poco aporta al conjunto a esas alturas de un disco imperial que, con las palabras finales del gran César, ya había dejado dicho todo lo que había que decir. En mi caso, aún me queda por decir que, muy a mi pesar, tuve que devolver aquel cd en los tiempos establecidos, pero lo hice justo antes de dirigirme a la estación de tren, para irme a Madrid a entonar el "Ave, César, los que van a comprar te saludan" en una tienda de discos del centro, de la que volví con mi propio ejemplar de American Caesar, que aún sigue mirándome amenazante desde la estantería.

La música en el cine: Lust For Life, Trainspotting

Trainspotting

     Quién no recuerda la imagen de Mark Renton (Ewan McGregor) y su amigo Spud (Ewan Bremner) corriendo por el distrito de Leight, Edimburgo, mientras son perseguidos por unos guardias de seguridad mientras suena a todo trapo Lust For Life de Iggy Pop. Y quién no recuerda también a sus entrañables amigos, el amoral Sick Boy (Jonny Lee Miller), el guaperas Tommy (Kevin McKidd) y el sociópata Francis Begbie (Robert Carlyle).

     En 1996 se estrenaba Trainspotting, película dirigida por Danny Boyle, y que narra la historia de un grupo de amigos y sus andanzas con las drogas en los suburbios de Edimburgo. La única aspiración en la vida que tienen nuestros amigos es conseguir dinero sucio y poder drogarse. La película gira en torno a la figura de Mark Renton, que es el único que que muestra cierto interés en escapar de ese autodestructivo modo de vida.

     Incluido en la banda sonora de la película nos encontramos el magnífico Lust For Life. Este tema se encuentra incluido en el segundo álbum en solitario de estudio de Iggy Pop, titulado también Lust For Life. Iggy para la realización de este disco, al igual que su primer trabajo The Idiot, contó con la inestimable colaboración de de su amigo David Bowie. El álbum fue grabado en los Hansa Tonstudio de Berlín en 1977, y publicado ese mismo año.

     La música del tema Lust For Life fue compuesta por David Bowie, el cuál lo compuso con un ukelele, y la la letra por Iggy Pop. Famoso es ya ese ritmo de apertura de batería que es interpretado por Hunt Sales. El ritmo del tema ha sido ya imitado varias veces, como en el famoso Are You Gonna Be My Girl de Jet ó Selfish Jean de Travis. A su vez para el ritmo de este tema Iggy se basó en los temas You Can't Hurry Love (1966) de The Supremes y I'm Ready For Love (1966) de Martha And The Vandellas.

     Esta canción trata del estilo de vida que Iggy llevaba como adicto a la heroína por aquellos tiempos, aunque en ese momento tanto él como David Bowie estaban intentando desengancharse de su adicción a ellas. El título del tema lo tomó de la película Lust For Life, dirigida por Vicente Minnelli en 1956, que era a su vez una adaptación de la novela biográfica de Irving Stone de 1934 que trataba de la vida del pintor holandés Vincent Vang Gogh. El tema también hace referencia a un personaje llamado Johnny Yen, de la novela The Ticket That Exploted, escrita en 1962 por William S. Burroughs, en la cuál también se abordaba el tema de las drogas.

Here comes Johnny Yen again

With the liquor and drugs

And the flesh machine

He's gonna do another striptease

Hey man where'd you get that lotion?

I been hurting

Since I bought the gimmick

About something called love

Yeah something called love

That's like hypnotizing chickens

Well I am just a modern guy

Of course I've had it in the ear before

'Cause of a lust for life

'Cause of a lust for life

I got a lust for life

I'm worth a million in prizes

With my torture film

Drive a G.T.O

Wear a uniform

All on a government loan

I'm worth a million in prizes

Yeah I'm through with sleeping on the

Sidewalk - no more beating my brains

No more beating my brains

With the liquor and drugs

With the liquor and drugs

Well I am just a modern guy

Of course I've had it in the ear before

'Cause of a lust for life

'Cause of a lust for life

I got a lust for life

I got a lust for life

Lust for life

I got a lust for life

I got a lust for life

Well I am just a modern guy

Of course I've had it in the ear before

I got a lust for life

You know a lust for life

I got a lust for life

Lust for life

Here comes Johnny Yen again

With the liquor and drugs

And the flesh machine

I know he's gonna do another striptease

Hey man where'd you get that lotion?

Your skin starts

Itching once you buy the gimmick

About something called love

Oh love love love

About something called love, called love

Love, love, love

Canciones que nos emocionan: "Candy" Iggy Pop

"Es una tarde lluviosa de 1990, el apogeo de la gran ciudad ha durado 20 años. Candy, eras tan linda". Son los primeros versos de "Candy" de Iggy Pop, su primera "gran canción pop" en palabras del propio Iggy, y el primer gran éxito de masas en su carrera en solitario.

Pero el gran mérito de la canción es que no se trata simplemente de un dúo al uso, en el que cada una de las partes que hace uno u otro cantante podrían ser intercambiables, sino que Pop cuenta la historia desde la perspectiva del hombre, y la letra cantada por Kate Pierson (B'52s) es la perspectiva de la mujer sobre la misma situación.

La canción comienza con la voz de Iggy como narrador que describe y echa de menos a un amor perdido del pasado, "la bella chica del norte que le quemó el corazón como una antorcha centelleante". Iggy nos da entonces su particular visión de la añoranza: "Tenía un sueño que nadie más podría ver, me dabas tu amor gratis". Esto alimenta una de las teorías sobre la temática de la canción, Iggy podría estar cantándole a una prostituta llamada Candy, temática que podría haber repetido recientemente con "Gardenia".


Cuando el turno le llega a la chica, Kate responde reconociendo que "me dolió mucho cuando me dejaste, estoy contenta de que te hayas ido... pero te extraño"


El tiempo que han pasado separados le pesa a ella tanto como a el: "He tenido un agujero en mi corazón durante demasiado tiempo, he aprendido a disimularlo y simplemente sonreir. Ahí fuera en las calles los hombres son todos iguales, necesito un amor, no más juegos".



La combinación de las perspectivas de dos personas que nunca debieron separarse hace que la canción se convierta en un himno de amor, en lugar de una canción de temática aparentemente más sórdida.


La otra teoría, apoyada por un Iggy que podría haber jugado al despiste, se basa en sus propias declaraciones, en las que defendió que su inspiración fue su relación con una antigua novia de la adolescencia llamada Betsy.

Seamos sinceros. Preferimos a Candy y la idea de que encontrara por fin el amor tras una mala vida, a la cándida Betsy como mero recuerdo del amor adolescente. Candy, Candy, Candy no podemos dejarte marchar, toda nuestra vida nos estuviste cautivando, y te hemos querido tanto. La vida es una locura...

Disco de la semana 88: Iggy Pop - Post Pop Depression

De la depresión, y aunque parezca mentira, pueden salir grandes cosas, como este Post Pop Depression. Iggy ya había planteado sus reflexiones sobre el paso del tiempo en el desigual Avenue B (1999), un disco taciturno con un marcado carácter acústico, salteado de recitados en los que Iggy hablaba sobre los sentimientos que le generaba el hecho de hacerse mayor y sentir la muerte más próxima de lo que quisiera. Si en aquel disco apagó los amplificadores, para contar sentimientos profundas que, a la larga, acabaron lastrando el resultado final del álbum, en esta segunda crisis existencial su objetivo y su enfoque fueron totalmente distintos. Si la pálida dama de la guadaña estaba rondando, él haría un gran disco, uno con sabor a sus grandes discos berlineses de finales de los setenta, para dejar un legado brillante antes de la fatídica cita. Y así nació la idea de este Post Pop Depression.

Después de varios años sin publicar material nuevo, no quiso afrontar ese gran reto solo, y llamó a Josh Homme de Queens of the Stone Age, que entusiasmado por poder trabajar con uno de sus grandes ídolos, se ofreció como productor, guitarrista y compañero de creación, y le abrió las puertas del estudio privado de su "Rancho De La Luna" en Joshua Tree, California. La grabación duró dos semanas, mas una semana adicional en los Pink Duck Studios en Burbank, California. Iggy y Josh planificaron y financiaron el álbum, enrolando en el barco a Dean Fertita (compañero de Homme en QOTSA, y que aportó guitarra y teclados al disco) y a Matt Helders (batería de The Arctic Monkeys). En la soledad del desierto californiano, entre todos conformaron las nueve canciones del que sería, a la postre, el mejor disco de Iggy Pop de los últimos veinte años.

POST POP DEPRESSION

Publicado en Marzo de 2016, y tras la reciente muerte de su amigo y compañero David Bowie, el sonido que plasmaron en el disco fue un involuntario pero brillante homenaje a los discos que Bowie produjo con Iggy a finales de los setenta. Aunque separado por la friolera de cuarenta años, Post Pop Depression cierra, de alguna manera, la trilogía iniciada con The Idiot y Lust for Life en 1977. Desde el momento en que Iggy arranca, casi a capella y acompañado solo de una leve guitarra eléctrica, el estribillo de Break into your heart, el sonido nos retrotrae hasta el Berlín al que Bowie e Iggy se exiliaron voluntariamente, para intentar su enésima desintoxicación y un nuevo renacer artístico. Alejada de los riffs facilones de discos anteriores, el potente estribillo y el cuidado revestimiento de las guitarras de Josh y Dean, es un ilusionante comienzo muy por encima de la mayor parte de temas facturados por Iggy en solitario en las últimas décadas.

Podría tratarse de un espejismo, pero con Gardenia comprobamos que el agua que mana de la inspiración de estos músicos es real, y se desborda y precipita de nuevo entre las guitarras distorsionadas y el ritmo de esta oscura oda a los favores de una chica llamada Gardenia, que fue el single de presentación del disco. Pero el torrente no para ahí, y como guerrero curtido en mil batallas, la reflexión sobre la cercanía de la muerte lleva a Iggy a plantearse el más allá en American Valhalla (los fans de la serie Vikingos sabrán que sólo los muertos en batalla pueden acceder a este paraíso de los guerreros, un lugar en el que poder seguir luchando eternamente y codo con codo con los amigos ausentes) Un tema en el que la batería y el bajo mandan sobre el conjunto, salpicados de ambientales golpes de teclado y guitarra, y todo ello acompañando a la profunda y ajada voz de Iggy el eterno guerrero.

In the Lobby es uno de los temas más cercanos al sonido que impregnaba los discos de la época berlinesa. Iggy sigue profundizando en la idea de estar a las puertas del gran viaje final, esperando en el lobby a que le llegue el momento. La espera es más dulce, y mucho más inspirada, en Sunday, canción que despega desde el comienzo con el potente juego de parches de Helders, y con una áspera y chispeante guitarra que despertaría a cualquier dominguero del embotamiento de una siesta. Imposible no moverse al ritmo de este tema, otro de los grandes momentos del disco. Tras una brillante transición guitarrera, al final del tema se permiten incluso la transgresión de un cierre orquestal apoyado por una suave voz femenina.

Vulture es el tema más desnudo del disco, el momento en el que los súbditos y colaboradores se echan a un lado, y dejan espacio para el Iggy más árido y personal. En la antesala de la muerte, no podía faltar la inquietante imagen del buitre sobrevolando a su presa. El icónico animal sabe, al igual que Iggy, que el final está cerca, y proyecta su negra silueta mientras vuela en círculos. El desgarrador grito de Iggy al final del tema es como el de un viejo guerrero indio que acabara de ver esa amenazante sombra, y lo desafiara a bajar y enfrentarse con él.

Y hablando de la nostalgia de la época berlinesa, que mejor ejemplo que German Days, el más directo mensaje de recordatorio a esa época tan dorada a nivel personal y artístico. El desencanto continúa en Chocolate Drops, un tema sobre el desencanto de la derrota, y la posterior reacción de orgullo y esperanza, ya que sólo desde lo más bajo se puede comenzar de nuevo el ascenso, y transformar la mierda en la que te hundes en gotas de chocolate. El disco cierra con una interesante balada sobre Paraguay, una rareza en la discografía de Iggy, más proclive a nombrar paraísos mexicanos en sus letras. Quizá sospeche que allí se encuentre su American Valhalla, un lugar en el que pasar con Gardenia los últimos domingos de su vida, pero hasta que lo encuentre, esperamos que le de tiempo a regalarnos más discos a la altura de Post Pop Depression.