0820 - Leonard Cohen - Avalanche

0820 - Leonard Cohen - Avalanche

Avalancha es una canción de Leonard Cohen. Aparece en su tercer álbum, Songs of Love and Hate, lanzado en 1971.

La letra se basa en un poema que había escrito anteriormente. Reconoció en una entrevista de 1992 con Paul Zollo que su "chop", su patrón único de tocar la guitarra clásica, está detrás de muchas de sus primeras canciones, y esta presenta el patrón de guitarra clásica sincopado y rápido característico de Leonard Cohen como acompañamiento en la grabación de la canción.

La canción de Leonard Cohen tiene varias covers y algunas de ellas son la de Nick Cave & the Bad Seeds que grabaron una versión de la canción para su álbum de 1984, From Her to Eternity. En 2015, como solista, Nick Cave volvió a hacer una versión de Avalanche para la temporada 2 de Black Sails.

También Aimee Mann grabó la canción como tema de apertura de la serie de televisión I'll Be Gone in the Dark (2020).

Y otra de las versiones es la de Ghost que grabó una versión de la canción para su álbum de 2018, Prequelle.

Daniel 

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El disco de la semana 321: Spiritualized - Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space

Jason Pierce, también conocido como J Spacemen, se dio a conocer como líder de Spacemen 3, se inspiro para titular su tercer LP de estudio con la banda Spiritualized al leer la novela filosófica de Jostein Gaarder, Sophie's World, en la que se lee "'Ladies and Señores', gritan, '¡estamos flotando en el espacio!' Pero a ninguna de las personas de allí le importa". El título pretende poner el altavoz sobre aquellos que ignoran los orígenes de su planeta de origen, pero más que nada, suena genial. Spacemen 3, su grupo original, tuvieron sus momentos buenos, pero siempre estuvieron más preocupados por el pasado de una era pasada que por mirar hacia el futuro, retozando con la Neo-Psicodelia de movimiento lento, proveniente del movimiento Hippy de los años 60, Aquí Pierce viajó a las estrellas para hacer su primera ópera espacial complet, abarcando un tesoro oculto de géneros, el mayor logro de Pierce se produjo en el corazón de una tumultuosa ruptura con su compañera de banda Kate Radley, una que tocó su fibra sensible en un intento de evitar que viera la tierra desde lejos.

 

Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space (I Can't Help Falling in Love) abre el disco, mimándonos con una esfera sónica mientras nos deslizamos por el ambiente suave, incorpora partes de "I Can't Help Falling in Love" de Elvis Presley , el producto es un pasaje dulce, soñador y conmovedor que se escucha con agrado, satisfactoriamente pero sin ser demasiado surrealista, pero lo suficientemente espacioso como para permitirnos abrir nuestra mente a la comodidades del ensueño, , una hermosa e ingrávida canción de cuna de dream pop poblada por un etéreo coro de gospel que suena como un coro de ángeles acunándote para dormir (incluso para el último sueño). Rápido cambio con el bullicioso fuzzbox de "Come Together" te golpea como para despertarte violentamente del sueño pacífico de su predecesor, tiene algunas letras alegremente sucias y profanas que rompen el estupor de la primera pista de la mejor manera posible. Rompe los cimientos, exhibición de Jason en su actuación más valiente del disco, a diferencia de las variaciones suaves y suaves mostradas en otros números, arremetiendo con frustración por cómo las drogas han consumido el vacío dejado por Kate Radley, con su voz dominante sobre el riff de guitarra gloriosamente distorsionado, explora los elementos más ruidosos en el reino del rock espacial, preparándonos para un viaje divertido a través de las esferas emocionales. 

A continuación, llega la épica de “I Think I'm in Love" que puede ser de lo más destacado, la composición es simplemente gloriosa, las letras son ingeniosas y están bien concebidas, la melodía es tan innegablemente atractiva, la canción parece pasar tan rápido porque uno está muy atrapado en ese momento, mientras Jason proclama al mundo, reprendiendo todo el pesimismo que se había arremolinado en su interior, un brillante conjunto de violín y trompeta se juntan en la melodía para ofrecer una conclusión triunfante que envía a Jason Pierce a toda velocidad a través de un trance de delirio, paranoia y cinismo alimentado por las drogas, mientras mantiene un irónico sentido del humor y autodesprecio que hace que ocho minutos pasen volando, como si fueran tres. Un suave repiqueteo de teclas del piano da la bienvenida a "All of My Thoughts" antes de que un órgano lleve la canción a una entidad pop de ensueño, mientras la suave voz de Pierce se desliza por las teclas antes de que el descenso en caída libre entre en el estribillo, un arrogante guiso de piano. guitarra, órgano, bajo y probablemente cualquier otro instrumento disponible en el momento de la grabación, antes de que se restablezca la paz. Es un doble sentido inteligente que encapsula perfectamente los temas generales de la soledad, la adicción a las drogas y la incertidumbre del lugar de uno en la vida que dominan el álbum El ambiente entusiasta nos lleva a lo largo de la suave "Stay With Me", enfatizada por la adopción general de la guitarra slide y los sintetizadores de la era espacial sin límites. La canción es lo más cercano en el álbum al territorio del shoegaze, sin embargo, llega al límite, una canción genial.

Después de un comienzo sólido, el álbum comienza a desmantelarse, fragmentándose como un cuerpo celestial en divisiones distintivas. Una influencia del rhythm 'n' blues resuena a lo largo de "Electricity", y cuenta con la actitud para reivindicarla, la melodía es una bala abrasadora que moldea la letra en su molde despreocupado, comprometiendo toda la actitud de "vive rápido, muere joven" y impulsándola al estado de "no me importa nada”, perderse en la armónica de blues entre las derivas desenfrenadas de la guitarra slide, especialmente cuando la canción comienza a descender hacia el caos mental. "Home of the Brave" es algo acústico antes de sucumbir a un zumbido, tal vez reflejando la sucumbencia de Pierce a la adicción a las drogas. El dron estalla en el trino instrumental "The Individual", que se arrastra hacia un paisaje sonoro de zumbido de blues atmosférico. Existe un segundo instrumental en "No God Only Religion", una lucha caótica en la línea de la anarquía orquestada, el ritmo y la melodía están ahí, sin embargo, están enterrados debajo de una sección de viento sobresaltada y un órgano melancólico perdidos en un mar de efectos de guitarra arremolinados. El objeto más pesado que flota en el disco es "Cop Shoot Cop", una improvisación espacial en expansión que abarca una guitarra de trémolo ruidosa y estruendosa, cantos vocales, una línea de piano rodante y un telón de fondo orquestal al estilo lounge que entra y sale de este gigante de la roca espacial. Está enterrado debajo de una sección de metales y un órgano inquietante perdido en un mar de efectos de guitarra arremolinados. Lo que realmente destaca en el segundo bloque del disco es el melancólico movimiento orquestal, "Broken Heart", en su estado de ánimo giratorio y desesperado, la canción redefine los límites de un álbum espiritualmente ilimitado, Pierce comienza a elevarse vocalmente, con esas notas ascendentes del violín, levantando su corazón roto mientras nosotros levantamos pacíficamente la cabeza para dejar de inclinarnos ante esos recuerdos consumidos por la tristeza y la pérdida. El violonchelo perfecciona el aura agridulce, pintando casi a la perfección a través de océanos de empatía el dolor de corazón de Jason Pierce en su pieza más conmovedora hasta el momento. Estamos agradecidos de tener otra aventura en el santuario orquestal en las vibraciones del alma de "Cool Waves", tal vez estimulando la popularidad de involucrar coros de acompañamiento al estilo gospel en Britpop, en su punto máximo por Blur en "Tender" en 1999. De hecho, lava un alma afligida y con el corazón roto, refrescando su optimismo y abriéndole los ojos al mundo nuevamente.

Puede haber quejas de que los esfuerzos de reactivación del rock espacial de los noventa no fueron más que tristes pases por esferas sónicas (solo lea las críticas negativas); sin embargo, creo que los esfuerzos de Spiritualized fueron singularmente diferentes, marcados por la ferviente pasión de Pierce por cimentar el carácter y la sustancia en cada canción, asegurando que cada canción te conmueva de una forma u otra. Y cada canción logra imponerme una impresión.

0819.- Famous Blue Raincoat - Leonard Cohen

Hay un famoso impermeable azul en algun sitio de este planeta que han dejado colgado, e incluso lo han hecho con dejadez, y ha quedado sumido en el olvido mientras el polvo iba invadiendo su superficie. Ese impermeable azul una vez protegia de la lluvia al cuerpo de un poeta, que decidio hacerse cantante y que nos estuvo regalando musica y poesia en perfecta consonancia, ese mismo impermeable mientras estaba cumpliendo la funcion por la que fue adquirido,fue robado del apartamento de Nueva York que pertenecía a la amante del compositor, Marianne Ihlen a principios de la década de 1970. Cohen nunca se volvió a reunir con su impermeable, pero lo hizo eterno, y quien mas que menos todos hemos querido saber que vió aquel impermeable azul, la culpa ser la excusa perfecta de una de sus canciones más queridas y enigmáticas. Lanzado en el álbum de 1971 Songs of Love and Hate ,"Famous Blue Raincoat" ofrece quizás la síntesis más clara de Cohen, el poeta y novelista, y Cohen, el cantautor, mientras transmite una historia vívidamente caracterizada de adulterio, arrepentimiento y soledad en solo cinco minutos. 

"Famous Blue Raincoat" de Leonard Cohen comienza a las cuatro de la mañana, una hora generalmente armada con ensoñaciones ebrias, pero ocasionalmente visitada en noches de insomnio, dejándote sin nada que hacer más que enviar grupos de búsqueda a los ríos sombríos del alma, y, como Cohen, escribiendo cartas a personas que solían jugar un papel mucho más importante en tu vida. La canción toma la forma de una carta dirigida a un hombre anónimo que, según sabemos, una vez intentó sin éxito alejarse de Jane, la esposa del escritor. (una versión ficticia del propio cantante). Pero esta no es una narrativa tórrida ordinaria de un triángulo amoroso, llena de egos heridos, amargura, culpa y recriminaciones. Confía en Leonard Cohen para que se le ocurra algo más sutil, sobrio y silenciosamente devastador. De hecho, la carta es curiosamente fraternal, incluso conciliadora con el rival del narrador, la tragedia aquí nunca fue la infidelidad, sino la forma en que el narrador se resignó a la decadencia de su matrimonio. "Gracias, por la molestia que le quitaste a sus ojos, pensé que estaba allí para siempre, así que nunca lo intenté", reconoce.en una línea deslumbrante que destila el corazón de la desesperación conyugal y la falta de comunicación. Pero tal es la rica ambigüedad de las palabras de Cohen que ninguna cantidad de análisis de la letra podría producir una interpretación definitiva de "Famous Blue Raincoat". ¿Hubo, por ejemplo, alguna vez un segundo hombre, o fue un alter-ego, una presencia espectral abstracta? ¿Es "ir limpio" un eufemismo para el sexo, o una referencia a una etapa de la Cienciología, en la que Cohen incursionó de manera inusual en ese momento?. Cohen proporcionó poca aclaración, posiblemente para no atenuar la naturaleza abierta e inescrutable de la canción, pero principalmente porque él mismo no tenía las respuestas. En una entrevista en 1994, admitió: “Era una canción con la que nunca estuve satisfecho. Siempre he sentido que había algo en la canción que no estaba claro”.

A pesar de sus reservas personales sobre la pista, Cohen continuó tocándola a lo largo de su larga carrera. Tal vez siguió volviendo a él con la esperanza de que con cada actuación  se acercaría más a descubrir finalmente algo de claridad dentro de la canción. O tal vez simplemente nunca dejó de extrañar su famosa gabardina azul robada.

Scorpions - Hour I (Mes Scorpions)

 

Humanity Hour I, Scorpions

     Mientras el mes de marzo va llegando a su fin, vamos a despedirlo dentro del ciclo que estamos dedicando este mes a Scorpions, con un álbum conceptual basado en la literatura de autores de ficción como Isaac Asimov y Philip K. Dick. A su vez, estas fueron mezcladas con la visión apocalíptica de humanos y androides del director de arte Liam Carl. Así cocinó Scorpions Humanity: Hour I en 2007, el decimosexto álbum de la banda germana, donde a través de todas esa ideas anteriores crean un cóctel y nos cuentan la historia de los supervivientes al final de la humanidad, y como estos, para organizarse nuevamente deben rescatar los valores más significativos de la raza; el amor, el compañerismo o la amistad entre otros. Según Klau Meine, querían hacer un álbum que estuviera actualizado, con un sonido más moderno pero sin perder la esencia del sonido del grupo. También afirmaba que "No era tanto experimentar, todavía queríamos un disco de Scorpions, pero no tanto un álbum de rock clásico como volver a los viejos tiempos, los años 80. Realmente queríamos que el disco sonara como ahora, en 2007".

Humanity: Hour I es grabado entre octubre de 2006 y febrero de 2007 entre varios estudios, los Little Big Guy Studios, Gentelmen's Club, Glenwood Place Studios, Track Record Studios, The Village y los estudios Record Plant. El disco fue lanzado en Europa el 14 de mayo de 2007 por el sello discográfico RCA / Sony BMG, y en Estados Unidos y Canadá el 28 de agosto de 2007 por el sello discográfico New Door / UME. Según Rudolf Schenker, la intención de este disco es que continuara donde su anterior disco, Unbreakable (2004) lo había dejado. El grupo tenía en mente contar para la producción del disco con Dieter Dierks, pero la cosa no cuajó debido a un desacuerdo sobre el contrato. Durante los conciertos del grupo en 2006, el grupo invitó a varios productores a venir a Alemania para una entrevista, pero los miembros de la banda no estaban muy contentos con lo que los productores ofrecían, por lo que al final eligieron al productor y compositor estadounidense Desmond Child y al productor, músico, compositor, cantante, ingeniero de sonido y mezclador estadounidense James Michael.

A finales de 2006, concretamente en octubre, la banda se trasladó a Los Ángeles para comenzar a grabar el material que comprendería este álbum. Estuvieron trabajando durante mes y medio en la grabación de pistas básicas para el disco. El grupo había llegado allí con 30 canciones ya escritas y poco después comenzaron el proceso de composición. Muchas de esas canciones tenían un tono demasiado oscuro desde el punto de vista lírico, por lo que optaron por eliminar muchas de esas canciones más oscuras y trabajar en temas más optimistas. Para que las canciones encajaran en el concepto del disco, los compositores tuvieron que reescribir las letras y los coros de las canciones. En el periodo comprendido entre octubre de 2006 y febrero de 2007 la banda consiguió grabar trece canciones, de la cuales fueron incluidas en el Humanity: Hour I. Una vez terminado el proceso de grabación, la banda comenzó inmediatamente la gira promocional, y dado que en ese periodo el material aún no estaba mezclado, el grupo tuvo que colaborar con Desmond Child a través de Internet en el proceso de mezcla, y para hacerlo tuvieron que descargar todo el álbum, obtener el sistema de altavoces apropiado y luego enviar comentarios a Child a través de la red. 

La portada del disco presenta a un robot humano con el logotipo de Scorpions en la parte posterior de su cuello. El disco recibió en general muy buenas críticas, destacando que el disco mostraba a una banda potente y poderosa como antaño, que su creatividad y musicalidad estaba aún intacta o que las ondas de la radio necesitaban mucho a Scorpions. Hay quien incluso catalogó este álbum como el mejor del grupo germano desde Crazy World (1990). Tampoco se libró de alguna que otra crítica negativa, hay quien afirmó que el disco sonaba más como si hubiera sido escrito para Aerosmith en vez de para Scorpions, o que era un disco plano y sin complicaciones. 

Humanity: Hour I me parece un disco más que interesante, nos encontramos ante un disco conceptual en el que curiosamente las canciones no están conectadas entre sí. Según Klaus Meine: "Es conceptual en el sentido de que 'Humaniti' es como un tema global que ronda y se repite a lo  largo de todas las canciones, pero no es conceptual en el sentido de que cada canciónestá conectada entre sí, como si fuese una historia". En cuanto al sonido, todo está en su sitio y se nota en el equilibrio que logran mantener entre el sonido nu metal y las melodías de los años 80 que tan bien saben manejar. Encontramos colaboraciones como la del multinstrumentista, compositor, cantante y fundador de The Hooters, Eric Bazilian, que toca la  guitarra en Love Will Keep Us Alive, o la de Billy Corgan (The Smashing Pumpkins) colaborando en las voces en The Cross. La banda suena compacta y contundente y Klaus Meine está a la altura, como podemos comprobar en temas como The Game of Life o We Were Born to Fly, temas que nos recuerdaa a esa poderosa banda de los 80 cuando estaban en pleno apogeo. Quizás uno de los momentos más planos del disco sea The Future Never Dies, donde el piano acústico de esta balada no es suficiente para hacerla despegar. Pero no importa, no deja de ser anecdótico, pues las guitarras de Matthias Jabs y Rudolf Schenker en You're Lovin' Me to Death hace que no enganchemos de lleno, en 321, un tema de corte nu metal, las melodías y el estribillo te contagia, o The Cross y Humanity, que se mantienen en una gran línea y hacen de este disco más que recomendable su escucha.

0818.- Photograph - Ringo Starr

 

¿Cómo crees que se sintió John Lennon por el hecho de que Ringo Starr tuviera un sencillo #1 antes que él? La respuesta: Lennon estaba orgulloso, era feliz, abordó la cuestión de Ringo en una entrevista de 1975 donde Lennon admite que él y los otros Beatles estaban un poco preocupados por Ringo cuando la banda se separó. Es difícil exagerar el nivel de buena voluntad que generó Ringo Starr durante sus años en los Beatles. Starr, el último Beatle en unirse a la banda, fue un gran baterista, por supuesto, era genial en formas que no siempre eran fáciles de percibir, sus pequeños y sutiles ajustes impulsaron algunas de esas canciones. Ringo fue esencialmente el héroe de A Hard Day's Night, y era divertido pero era el único Beatle que parecía vagamente normal, lo que lo hacía más querido. Era como si tu amigo más “tonto” se hubiera topado de alguna manera para unirse a la banda más importante del mundo. El estrellato en solitario de Ringo Starr no parecía fácil, aunque solo fuera porque no tenía el tipo de personalidad que llama la atención y que parece ser un requisito previo para el estrellato. Tocó discos de sus excompañeros de banda Lennon y George Harrison. Actuó en algunas películas, en su mayoría comedias: Candy , The Magic Christian , un spaghetti western de 1971 llamado Blindman, hizo un álbum de estándares de jazz y un álbum de country, los cuales previsiblemente fracasaron. Y así, cuando Starr explotó con "Photograph2, fue una sorpresa para todos, incluido el propio Ringo.

Ringo coescribió “Photograph” con George Harrison, los dos se alojaban en un yate que Ringo había alquilado para el Festival de Cine de Cannes y juntos hicieron una canción de ruptura, la historia de un chico que llora por un amor perdido y mira las fotos que son todo lo que le queda. Pero también es, en términos más generales, una canción sobre la nostalgia, sobre la pérdida de tiempos mejores. Tal vez fue, a su manera, una canción donde extrañaba a The Beatles…… O tal vez fue así es como el mundo lo interpretó. Hay una belleza musical en acción en “Photograph”: las cuerdas altísimas, el martilleo de los pianos, el sonido profundo de la guitarra acústica, las castañuelas enterradas en la mezcla, hay un solo de saxofón de Bobby Keys que logra sonar agridulcemente, lo cual no puede ser fácil. Como tantas producciones de Spector, es casi abrumadora de una manera profundamente satisfactoria. Y suena como una canción de principios de los 60, hasta el solo de saxofón, que probablemente tuvo mucho que ver con su éxito. Es una canción bastante simple, y parece bastante probable que a nadie le importe la canción si no les importa ya el tipo que la canta, pero sí les importaba el tipo que la cantaba. Starr cantó y tocó la batería en la canción, y Harrison tocó la guitarra y cantó coros.

A medida que los cuatro de los Beatles comenzaron a luchar por la identidad artística en el complicado ámbito solista, Ringo Starr comenzó a forjar un tipo de sonido diferente al del resto de sus antiguos compañeros de banda. Optó por algo un poco más pop y un poco más ligero que el rock experimental de McCartney, Lennon y Harrison. La influencia de Harrison en la canción también ayudó a que la canción se disparara a la fama. La canción tomó todo lo mejor de las melodías familiares y tarareables de los Beatles y la hizo fresca para la carrera en solitario de Starr. Humilde como siempre, Starr comentó más tarde sobre el papel de Harrison en su colaboración diciendo: "Solo sé tres acordes y él metería cuatro más, y todos pensarían que era un genio".

0817.- Aqualung - Jethro Tull

"Aqualung" es la canción que da nombre al disco más famoso de los británicos Jethro Tull. Escrita por Ian Anderson, a partir de dos versos compuestos por él y por Jennie Anderson, por aquel entonces su mujer,  e inspirados en una foto de un vagabundo que ella había hecho en Londres. Esos versos acabarían siendo los dos primeros de "Aqualung", la historia de un sórdido vagabundo, y aunque el disco del mismo nombre no es un álbum conceptual, el personaje aparece también en la siguiente canción del disco, "Cross-Eyed Mary".

"Aqualung" era el nombre del oscuro vagabundo inventando por Anderson, y le significado de la palabra refiere al tanque de oxígeno con el que los submarinistas respiran bajo el agua. Según el propio Ian Anderson, el nombre se le ocurrió al comparar la dificultosa y maléfica respiración de aquel personaje, con el sonido que los submarinistas producían al respirar bajo el agua con la ayuda de la escafandra y el tanque de oxígeno.

Anderson combinó los versos que había escrito sobre "Aqualung" con lo que le mismo describió como "un auténtico y tortuoso embrollo de acordes" con los que pretendía llevar a los oyentes de la canción a un carrusel de cambios de ritmo y a una combinación de pasajes intensos y melódicos que la hicieron tan particular y diferente. ​Con esta canción, los Jethro Tull lograron entrar en 1971 por primera vez en el U.S. Top 10 estadounidense, con un meritorio 7º puesto, que les alejó para siempre de cualquier riesgo de vivir en la calle como el depravado y tétrico personaje de "Aqualung".

0816 - Jethro Tull - Cross-Eyed Mary

0816 - Jethro Tull - Cross-Eyed Mary

Cross-Eyed Mary es la segunda canción del álbum Aqualung, de la banda británica de rock progresivo Jethro Tull (1971). La canción fue escrita por Ian Anderson.

La canción tiene la historia  de Cross-Eyed Mary, una joven prostituta sexual que va a la escuela, pero prefiere estar en compañía de hombres mayores que con sus compañeros. El autor la caracteriza como una "Robin Hood" ya que pese a que los hombres ricos pagan por su compañía, ella busca a los "viejos verdes" (Letching Grey, Aqualung) y los acompaña como favor.

Esta canción es la continuación de la  canción anterior, del álbum Aqualung, canción del mismo álbum que habla sobre un vagabundo llamado así. En este tema, el personaje de Aqualung realiza un cameo. Por esto junto a la temática en general del álbum, se lo considera a Aqualung un álbum conceptual.

En el inicio del tema destaca especialmente la flauta de Ian Anderson en compañía del piano de John Evan; ambos entran en conjunto de una manera armoniosa y tétrica simula una canción gótica, para luego dar paso al riff de Hard Rock con una marcada presencia de la guitarra eléctrica junto al bajo eléctrico y la batería.

La banda de heavy metal Iron Maiden realizó una versión de esta canción, ha hecho una versión de la canción, que ha sido lanzada de diferentes maneras.  En una entrevista de 2022 con BraveWords, Anderson habló sobre sus pensamientos sobre la versión de Maiden y afirmó: "¡Una interpretación enérgica de un joven Bruce que prueba su rango vocal en una clave que no se adapta realmente a él!" 

Daniel 

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Scorpions - Crazy World (Mes Scorpions)

 

Los años 90 no fueron buenos para el Hard Rock y el Heavy Metal clásicos, pero el comienzo de esta década fue al menos decente para esos géneros, albumes como Painkiller de Judas Priest y el quinto álbum homónimo de Metallica representaban el Metal melódico mientras la escena del Metal extremo se estaba desarrollando. Pero ¿qué pasa con el metal comercial? Ya sabes, ¿todas esas bandas Glam? Bueno, eso es algo interesante porque algunos de ellos estaban desapareciendo debido a la llegada del Grunge y algunas bandas lograron sobrevivir debido al cambio de estilo. Scorpions comenzó esta década bastante bien desde el punto de vista comercial cuando lanzaron un álbum recopilatorio en 1989 y obtuvieron éxito en las listas de éxitos con los sencillos Wind of Change y Send Me an Angel. Crazy World será recordado por sus sencillos principales que mencioné antes y no es algo malo para la banda porque obtuvieron mucho dinero debido a esos éxitos, pero ¿qué pasa con los fans? Seguramente fue una especie de decepción ver a una banda de Metal que alguna vez fue brillante escribir estas pistas de relleno.

 

Comenzando el álbum, “Tease Me Please Me” es un rockero puro al estilo de los ochenta con riffs buenos y profundos y una voz majestuosa del cantante principal Klaus Meine, el coro de la canción tiene un gancho pegadizo con acentos rudimentarios, una apertura divertida con un riff genial, un trabajo de guitarra desagradable, la voz arenosa de Klaus y, en general, pegadizo como el infierno, es puro rock & roll sucio. "Don't Believe Her", sigue en la misma línea que el tema de apertura, de hecho, esta canción es tan similar que podría ser la segunda parte de una suite de varias partes (que no lo es), con los mismos compositores, no es algo para destacar, pero sigue siendo una canción divertida y optimista, aunque el coro es bastante débil. “To Be with You in Heaven” comienza con un simple golpe de batería de Herman Rarebell junto con una creciente retroalimentación de guitarra antes de que los dos instrumentos unan sus fuerzas al unísono, moderada y metódica en todo momento. Pensé que iba a ser una balada, pero es demasiado optimista y demasiado rockera para serlo. Rarebell tiene un ritmo de percusión como base para la canción, el gancho esta en que tiene esas letras románticas que esperarías de una balada y Klaus las ejecuta impecablemente, pero no es una balada con ese trabajo de guitarra dual de Jabs y Schenker. “Wind of Change” fue escrita únicamente por Meine y es el verdadero clásico de este álbum (sin mencionar uno de los clásicos del rock de todos los tiempos), la introducción silbante de la canción está acompañada por una combinación perfecta de una guitarra acústica y dos guitarras eléctricas de Matthias Jabs y Rudolf Schenker. Puede ser la canción por la que todos conocen al grupo, la letra surge a raíz de la caída del Muro de Berlín y pronostica un cambio similar en Rusia (que en realidad sucedió al año siguiente, justo cuando la canción estaba en su apogeo). “Wind of Change” tiene el récord del sencillo más vendido de un artista alemán, encabezando las listas en siete países de todo el mundo (incluida Alemania) y alcanzó el Top 5 tanto en los EE. UU. como en el Reino Unido. Obviamente, después de este punto culminante, el álbum nunca mejora, pero todavía hay algunos momentos interesantes. “Restless Nights” contiene un blues crunch metódico con versos interesantes y melódicos, el bajista Francis Buchholz tiene unos momentos para brillar, pero todo es un poco oscuro y aprensivo. Incluso Klaus la canta con un poco de pesimismo hasta su coro más lucido Jabs establece un gran solo entre los gritos de Meine.

 

La segunda cara original del álbum comienza con un par de pistas estándar de hard rock. el tema bastante académico "Lust or Love" una diversión bastante descabellada con un gran ritmo y un estribillo que persiste mucho después de que se ha ido y te encuentras cantándola en la casa y tu esposa te mira con un mal de ojo sospechosamente extraño. Es un himno de metal entusiasta... bueno, está cerca. Despues viene "Kicks After Six", es más de lo mismo, rock & roll tentadoramente divertido, debo admitir que me gustan los rockeros estridentes, sórdidos y sucios, son divertidos, alegres y ponen un poco animo en mi día a día. En esta ocasión la canción abre con un riff realmente genial, Rarebell golpea el ritmo de conducción y la canción me da una patada en el culo. Ah, y el solo... no olvides el solo. “Hit Between the Eyes” sigue con algunos buenos rudimentos de estilo fire-one y un hiper arreglo en todas partes, que incluye un genial dúo de guitarras dirigido por Jabs y Schenker. Klaus esta brutal cuando ataca los versos con una energía que aún no hemos visto en este álbum. Luego llega "Money and Fame", que presenta un efecto de caja de diálogo genial de Jabs, quien coescribió la canción con Rarebell. La canción principal, “Crazy World”, tiene progresiones de acordes interesantes y una armonía profunda y suave durante el estribillo. Sin embargo, con cinco minutos de duración, esta pista se alarga demasiado. Los "ooohs" de Klaus son un buen toque, especialmente acompañados de algunos riffs geniales. Esta es una pista diferente del resto del álbum, un poco más trabajada, un buen cambio de ritmo y un corte bastante profundo que tal vez debería haberse colocado antes en el set.  Vallance toca algunos teclados malhumorados junto con la acústica elegida por Schenker en “Send Me an Angel”, una balada que es a la vez melancólica y esperanzadora, vemos a Klaus dar su mejor interpretación vocal mientras transmite una sensación melancólica pero donde queda una luz brillante de esperanza. Los teclados se suman a la tristeza y están a cargo de Jim Vallance, quien en realidad también coescribió 7 de las pistas aquí. Hay una desesperación en la letra porque se siente tan perdido, pero la esperanza de que un ángel vendrá y hará que todo sea mejor. Una pista realmente hermosa y que nunca me canso de escuchar.

 

0815-. Locomotive Breath . Jethro Tull

 

Lcomotive Breath, Jethro Tull

     Aqualung, es el cuarto álbum de estudio de la banda de rock progresivo británica Jethro Tull, y se acabó convirtiendo en disco de culto dentro del género. Publicado en 1971 por  la compañía Chrysalis Records, fue considerado como un álbum conceptual basado en la temática de Dios y la religión, sin embargo el grupo siempre negó y rechazo el hecho de que el disco fuera considerado como tal, aunque si nos adentramos en la historia y los temas del mismo puede parecerlo.

El grupo estaba compuesto por aquel entonces por Ian Anderson (voz, flauta y guitarra acústica), Martin Barre (guitarra eléctrica), Clive Bunker (batería y percusión), Jeffrey Hammond (bajo) y John Evan (piano, órgano y melotrón). Para la portada se basaron en una fotografía que la esposa de Ian Anderson realizó a un vagabundo a orillas del río Tamesis. A partir de ahí se encargó de darle forma en forma de retrato de acuarela el dibujante Burton Silverman, donde se muestra a un hombre, un vagabundo con barba, el pelo largo y la ropa vieja.

Incluido en este indispensabe álbum se encuentra Locomotive Breath, una de las grandes joyas del disco. La canción comienza con una lenta y triste introducción de piano para luego ir cogiendo fuerza y como un tren de mercancias ir arrollando todo lo que encuentra a su paso, un magnífico tema. El tema trata de un hombre al que su mujer le engaña y encima sus hijos le han abandonado, por lo que este hombre, sin nada por lo que vivir y luchar ya,  decide suicidarse e ir al precipicio como una locomotora sin frenos. Tema que vuelve a ser una crítica a Dios, el cuál siempre gana frente al "eterno perdedor", el hombre.

0814.- I'm eighteen - Alice Cooper

Todo el mundo recuerda "My Generation" de The Who como el himno de la adolescencia de finales de los 60 por antonomasia, pero siendo justos, ese honor debería corresponderle también a "I'm Eighteen" de la banda de rock Alice Cooper, publicada como single en noviembre de 1970, y cuyo éxito de ventas facilitó que los directivos de Warner Bros. se convencieran de contratarles para grabar un álbum ("Love It to Death", 1971). La letra describe de manera certera y urgente la ansiedad del paso de la infancia a la adolescencia ("Tengo dieciocho, y no se lo que quiero... Tengo dieciocho y me gusta").

Tengo la sensación de que con Alice Cooper he tenido que ir superando diferentes fases de confusión y engaño. En primer lugar, y sin haber escuchado aún ninguno de sus temas, pensé que ese era realmente el nombre de aquel extraño rockero de pose gore y satánica, que se merendaba serpientes en el escenario, para descubrir después que Alice Cooper era, en realidad, el nombre de la banda. Después pensé que un tipo tan oscuro y extremo sería un cruce entre Pantera y Marilyn Manson, pero al escuchar precisamente "I'm Eighteen" hace ya algunos años, me sorprendió la cercanía sonora a los Rolling Stones, con riffs de guitarra lentos y una interpretación vocal áspera pero contenida, completamente alejada de la sensación trash que transmitía su imagen.

"I'm Eighteen" comenzó siendo una improvisación de ocho minutos, pero el productor Bob Ezrin les convenció para que la acortaran, hasta llegar al rotundo y áspero himno de tres minutos en que se convirtió la versión final. Fue su primer gran éxito, y el tema que más influencia ha tenido en muchas otras bandas de metal, punk y hard rock. Joey Ramone escribió su primera canción para los Ramones basándose en ella, y Johnny Rotten la cantó en la audición en la que fue seleccionado como cantante de los Sex Pistols. Son solo algunos ejemplos de adolescentes que, con Alice Cooper, descubrieron lo que querían hacer, quizá por haber cumplido ya los dieciocho, y haberse dado cuenta de que esa era la música que les gustaba.

Figuras de los 70: Roy Harper

Nació el 12 de junio de 1941 en Rusholme, Manchester, Inglaterra y a lo largo de su carrera, ha demostrado un talento multifacético y una actitud peculiar que resultó poco convencional para las masas de oyentes, y eso le hizo tan distintivo y original que convirtió al artista rebelde en un ícono para muchos. Su música oscila entre el folk y el rock, aunque no es lo que es conocido como folk-rock, por lo que las compañías discográficas encontraron difícil de comercializar su música, sin embargo, tanto los críticos como otros artistas consideran a Harper como uno de los mejores cantautores de Gran Bretaña. A pesar del respeto ganado como figura de culto y músico de músicos por su enfoque poco convencional, Harper ha tenido problemas para lidiar, entre otras dificultades personales, con la falta de reconocimiento de la corriente principal, sometiéndose repetidamente a períodos prolongados de auto tortura y confusión emocional. Además, cuando terminó la relación de nueve años con Jenner, Harper nuevamente se sintió abandonado, aunque resurgió a finales de los 80 y principios de los 90 más seguro de sí mismo.

Harper pasó su juventud en constante tormento y disfunción. Su madre murió un mes después de dar a luz y Harper fue criado por su madrastra en Blackpool. Testigo de Jehová rígida pronto inculcó en Harper un odio de por vida por cualquier forma de religión. Pero en la música, Harper encontró un medio de escape. Cuando no se rebelaba contra sus padres o peleaba en la escuela, escuchaba los discos de los músicos de blues estadounidenses. A la edad de 14 años, Harper formó su primer grupo, De Boys, con sus hermanos David y Harry. Sin embargo, a los 15 años se fue de casa y mintió sobre su edad para unirse a la Royal Air Force. Durante su breve paso por la Fuerza Aérea, Harper actuó en conciertos en los cuarteles antes de que el régimen militar, que probablemente parecía aún más intenso debido a su corta edad, afectara su estado mental. Dado de alta por demencia después de sufrir una crisis nerviosa autoinducida, Harper fue internado en el Instituto Mental Lancaster Moor, donde parte de su tratamiento incluía terapia electroconvulsiva. Una noche, después de una golpiza por vestirse sin permiso, Harper escapó del hospital psiquiátrico en pijama por la ventana de un baño y su destino fue vivir en las calles.  Todas estas experiencias de su niñez y adolescencia convergieron para dar forma a las canciones de Harper. La música que escribió e interpretó, especialmente la de los inicios de su carrera, parecía estar al borde del abismo, alimentada por sus propias inseguridades, una profunda desconfianza hacia la autoridad y la creencia en la libertad individual, así como la ira contra la crueldad, el racismo y la autocomplacencia temeraria. En 1965, el pequeño sello independiente Strike le ofreció a Harper la oportunidad de grabar. Su debut, The Sophisticated Beggar, fue lanzado al año siguiente e incluía "Committed", una canción de celebración pero desgarradora sobre su condición mental y el sufrimiento impotente del tratamiento psiquiátrico. El álbum atrajo críticas favorables, así como la atención del sello más grande Columbia Records, para quien grabó su seguimiento de 1967, Come Out Fighting, en su siguiente álbum, Harper demostró aún más su voluntad de experimentar con formas de composición. Y al final de la década, se había establecido firmemente en la escena underground como un artista que se negaba a someterse a las convenciones. En 1970, alcanzó otra medida de fama como el tema de la canción "Hats off to (Roy) Harper" en el álbum Led Zeppelin III, Jimmy Page de Led Zeppelin, un amigo de toda la vida, escribió la canción en homenaje a Harper.

En 1971, sufrió un trastorno circulatorio congénito raro llamado fístula arteriovenosa pulmonar múltiple (donde las venas y las arterias se unen en los pulmones) que permanece con Harper hasta el día de hoy. Aunque la condición ralentizó su impulso durante algunos años a principios de la década de 1970, dice que, en general, no ha interferido con sus actividades musicales. Así, tras un descanso, volvió con dos conjuntos más de evocadoras canciones: Lifemask , estrenada en 1973, y Valentine ., lanzado en 1974. El día de San Valentín de ese año, realizó un concierto ahora legendario en el club Rainbow de Londres con una banda de acompañamiento formada por Page, Keith Moon y Ronnie Lane.  En 1975, Harper también fue invitado como vocalista principal de la canción "Have a Cigar" del álbum Wish You Were Here de Pink Floyd. Bullinamingvase, lanzado en 1977, fue su mayor éxito comercial, alcanzando el número 25 en las listas británicas y produciendo el éxito elegíaco "One of Those Days in England", que contó con las contribuciones vocales de Paul y Linda McCartney. En 1982, Harper formó su propio sello, Public, y lanzó Work of Heart, aunque obtuvo críticas favorables, el álbum no se vendió bien y Public se declaró en quiebra. Aunque ambos álbumes contenían algunas canciones excelentes, la mayoría de las pistas mostraban más amargura que su fuego habitual. En 1988, lanzó una sombría colección de canciones para Descendents of Smith, un álbum que Harper describió como sobregrabado y sobreproducido. En 1990 lanzó el aclamado álbum Once, que incluía contribuciones de Gilmour y Bush, aquí Harper mostró un tono más tranquilo, aunque más seguro, así como una mejor técnica vocal y de guitarra. Aunque había reafirmado su estatus en el mundo del rock, Harper se exilió durante varios años hasta alrededor de 1996

El disco de la semana 320 - Carne para la picadora - La Polla

Cuando propuse el disco "Carne para la picadora" (1996) como disco de la semana en 7dias7notas.net, me sorprendió que José María Hernández me dijera entre risas: "No lo conozco, yo me quedé en Revolución", porque fue gracias a él, a su hermano Koper y a un tercer culpable llamado Kina, que conocí a La Polla Récords. Está claro que, en mi círculo de amigos, los de Salvatierra (Álava) han ido perdiendo adeptos. Es verdad que desde aquellos míticos primeros discos ("Salve", "No somos nada" o el ya mencionado "Revolución") muchas cosas han cambiado, empezando por el nombre del grupo, que precisamente desde "Carne para la picadora" tuvieron que reducirlo a "La Polla" debido a un fallo judicial iniciado en 1991 contra la banda por uno de los técnicos de sonido, y terminando precisamente por el sonido del grupo, más limpio y mejorado en los últimos discos, lo cual no siempre ha sido del agrado de los seguidores más acérrimos y nostálgicos.

En discos previos a "Carne para la picadora" la intensidad de música y letras había perdido cierto fuelle, pero en esta nueva entrega, además de un sonido más limpio y trabajado, también traen consigo una intensidad recuperada, entregando un punk acelerado que en algunos temas llega a rozar el hardcore, y revitalizando de nuevo las letras con sus tradicionales temáticas, volviendo a retratar a una sociedad marcada por graves diferencias sociales, injusticias laborales, drogas, alienación de los medios, conflictos vecinales, violencia por todas partes y un panorama futuro desalentador. En lo musical, y en contra de lo que parece haberles sucedido a mis amigos, yo agradezco la pureza de sonido de discos como este, en el que con la misma contundencia de antaño, no tengo que esforzarme en entender lo que Evaristo está cantando, aunque como todo grupo con una trayectoria dilatada, flote en el ambiente la sensación de que los discos nuevos nunca serán como los grandes discos de antaño.

El disco comienza con el desgarrador grito a capella de “Carne para la picadora”, metáfora de como la droga acaba destrozando a las personas. Es la canción bandera del disco, y el mejor ejemplo de la fuerza que le van a imprimir a las canciones, y del rotuno pero cuidado sonido de punk rock moderno que tiene este disco. "Envidia cochina" es aún más punk si cabe, tanto en la música como en la ácida letra contra la figura del rey y la monarquía, y es quizá la más emparentada con el tipo de canción que hacían en sus comienzos.

Por el disco desfila un carrusel de personajes e instituciones que no escapan a la crítica mordaz e irónica del grupo, que no deja títere con cabeza, empezando por el sistema de selección laboral en "Amigo, si quieres currar", la manipulación televisiva y publicitaria en "Distorsión", o el modelo educativo, que lleva a los estudiantes a estudiar hasta la extenuación, para después poder acceder a un gris puesto de trabajo, en lo que parece una precuela de "Amigo, si quieres currar" y que comparte temática con el “Career oportunities” de The Clash.

El cambio de marcha y la mayor aceleración de algunos temas tiene un buen ejemplo en "Quinta criminal", que precede a la no menos acelerada "Jodiana", uno de los momentos cumbre del disco, y una de las composiciones más oscuras de su discografía, con frases tan rotundas y apocalípticas como la de "la verdad va descalza, pidiendo para comer”). No parece que haya una solución positiva para el mundo y la sociedad que denuncian, porque “La solución final”, con un toque más rockero que punk, es para ellos, "una cámara de gas, con los políticos adentro".

La manipulación que denuncian no se queda solo en la influencia de la "caja tonta" televisiva, sino que se adelantan diez años en el tiempo, y ponen sobre la mesa la deshumanización y el aislamiento al que los ordenadores e Internet podían llevarnos en "Incomunicado". De nuevo, la situación parece no tener remedio en la acelerada "Sin salida", y vuelven a la ácida crítica, planteando en clave punk rock que si la energía nuclear es "Tan segura y natural", las centrales deberían construirse en las zonas nobles de las ciudades, en lugar de llevarlas a las zonas más marginadas y rurales.

En el final del disco, vuelven por sus fueros más brillantes en "Cara de perro", retratando a la perfección al traicionero vecino que puebla los rellanos, las escaleras y las comunidades, escondido tras los visillos o la mirilla, alimentándose de las vidas de los demás para compensar lo triste que es la suya, y concienciado en denunciar cualquier conducta o situación que pueda alterar el buen funcionamiento de la sociedad. No menos ácida y acertada es “Gol en el campo”, en la que, a través de una ingeniosa letra futbolera, disparan también contra la corrupción social, política y mediática, todas ellas tapadas por el influjo de la pelota, el llamado opio del pueblo ("Justicia corrompida arbitra la contienda / patrón enloquecido despide libremente / y roban la pelota por la extrema derecha / atentos al remate que va directa a puerta”). Mientras suene tan actual, seguiremos siendo "carne para la picadora".

0813-. Ballad of Dwight Fry - Alice Cooper

 

Ballad of Dwight Fry, Alice Cooper

     El 9 de marzo de 1971, la banda de Phoenix, Arizona, Alice Cooper, liderada por Vince Fournier, quien adoptaría como nombre artístico el de la banda, Alice Cooper, publica su tercer álbum de estudio, Love it to Death. Este fue el primer disco de la banda que conseguía tener éxito comercial, y fue también el disco que consolidaría el sonido de la  banda, que apuesta por un sonido más rockero y agresivo en detrimento del sonido psicodélico y experimenal de sus anteriores trabajos. El álbum fue grabado en los estudios RCA Mid-American Recording Center de Chicago, Illionois (Estados Unidos), bajo la producción de Jack Richardson y Bob Ezrin, y publicado por el sello discográfico Straight, perteneciente a Warner Bros.

La portada del grupo originó cierta controversia, pues presentaba al cantante, Alice Cooper, posando con el pulgar sobresaliendo para que pareciera que era su pene. Warenr Bros. pronto reemplazaría la portada por una versión censurada. Un joven llamado Bob Ezrin, quien a la postre trabajó con artistas como Lou Reed, Aerosmith, Kiss, Pink Floyd, Deep Purple o Peter Gabriel entre otros muchos, se une al proyecto de la banda como productor y anima al grupo a que mejore su composiciones,por lo que la banda estuvo ensayando durante dos meses entre diez y doce horas al día. Ezrin tenía la intención de desarrollar un sonido cohesivo para el disco, aunque su seriedad y rigor fue objeto de humor y bromas por parte de la banda. 

Incluido en este disco encontramos el tema Ballad of Dwight Fry, en homenaje al actor Dwight Frye, quien intepretó a personajes maniacos en muchas películas de terror producidos por Universal, incluido el personaje de Renfield, de la película original de Drácula (1931). En el título de la canción se eliminó la "e" final del apellido para evitar una posible demanda judical. El cantante Alice Cooper escribió este tema junto al por entonces guitarrista y compositor de la banda Michael Bruce. Curiosamente la voz del niño en la introducción de la canción fue en realidad grabada por una mujer de unos 20 años que era amiga de la banda, y el productor Bob Ezrin tuvo la de idea de que Cooper, para grabar la canción, se acostara en el suelo rodeado por una jaula de sillas de metal para crear un elemento de realismo en los gritos frenéticos del cantante.

0812 - Northern Sky - Nick Drake

0812 - Northern Sky - Nick Drake 

Northern Sky es una canción del álbum Bryter Layter de 1971 del cantautor inglés Nick Drake, producido por Joe Boyd. Durante las sesiones de grabación del álbum, el compositor crónicamente tímido y retraído formó una amistad y una especie de tutoría con el productor Joe Boyd, uno de los primeros seguidores de Nick Drake. Boyd vio potencial comercial en la versión de demostración acústica y sin acompañamiento de la canción, y reclutó al ex miembro de Velvet Underground, John Cale, como productor. Cale añadió arreglos de piano, órgano y celesta, inicialmente en contra de los deseos de Nick Drake.

La canción marcó un fuerte cambio de dirección en el sonido de Nick Drake. Estaba complacido con la producción de Cale y anticipó que la canción sería su éxito comercial. Sin embargo, Island Records decidió no lanzarlo como sencillo, y el álbum que lo acompaña, como su predecesor, no recibió apoyo de marketing y, por lo tanto, no se vendió. Habiendo probado arreglos exuberantes, el siguiente álbum de Nick Drake, Pink Moon, se caracteriza por voces sombrías y partes de guitarra escasas, pero nuevamente solo recibió un lanzamiento limitado.

En la década de 1980, Northern Sky se convirtió en fundamental para resucitar el interés en la música de Drake que hasta entonces había sido en gran parte olvidado. El biógrafo Patrick Humphries describe la canción como "la mejor... a la que Nick Drake alguna vez prestó su nombre. De nuevo sonando solo y vulnerable... suplica que llegue el brillo".

El exitoso sencillo de 1985 en el Reino Unido "Life in a Northern Town" de The Dream Academy se basó e inspiró en Northern Sky, y contribuyó al resurgimiento del interés en la carrera del compositor desde principios hasta mediados de los 80. La voz del cantante Nick Laird-Clowes refleja directamente el estilo de Drake, mientras que la carátula del disco contiene las palabras "Nick Drake, Steve Reich & Classics For Pleasure". Nick Drake, entonces prácticamente desconocido en el Reino Unido, fue mencionado en una entrevista de Melody Maker con Laird-Clowes, quien dijo que su canción surgió de una "fuerte conexión con Nick Drake de una manera que ni siquiera puedo explicar". Como resultado de esto, la BBC comenzó a recibir solicitudes de la canción de Drake, mientras que Nick Stewart, jefe de A&R en Island Records, le dijo al sello que el catálogo del compositor podría estar en una posición ideal para reeditarlo en el CD para adultos en desarrollo. mercado. La canción se publicó como un maxi-sencillo de CD promocional para el álbum recopilatorio de 1994 Way to Blue: An Introduction to Nick Drake. En 2004, NME describió la canción como la "mejor canción de amor en inglés de los tiempos modernos".

La canción aparece en el álbum recopilatorio de 2005 Anthems in Eden: An Anthology of British & Irish Folk 1955–1978, y en la escena final de la película de comedia romántica estadounidense de 2001 Serendipity.

Daniel
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Scorpions - Savage Amusement (Mes Scorpions)

#MesScorpions - álbum Savage Amusement 

Seguimos recorriendo la discografía de la banda Scorpions en su mes, y en esta entrega vamos con Savage Amusement que es el décimo álbum de estudio de la banda alemana de hard rock y heavy metal Scorpions, publicado en 1988 a través de Mercury Records. Es el último trabajo de los alemanes en ser producido por Dieter Dierks, ya que durante las grabaciones tuvieron serias diferencias de opinión, que provocó que la banda no renovara contrato con él.

Las grabaciones de todas las canciones se realizaron entre mediados de 1987 y principios de 1988, en los Dierks Studios y en los Scorpio Sound Studios, este último propiedad de Rudolf Schenker. 

Dentro de este proceso la banda invitó a la canadiense Lee Aaron, que colaboró en los coros de «Rhythm of Love» y al bajista de Accept, Peter Baltes, que también colaboró en los coros de varios temas entre ellas «Every Minute Every Day». 

Durante su grabación, Scorpions y el productor Dieter Dierks comenzaron a tener serias diferencias de opinión, que provocó que la banda no renovara contrato con él dando, fin a la colaboración en noviembre de 1988. 

Para esta nueva producción, Scorpions adoptó algunos sonidos más accesibles con la idea de obtener mayor radiodifusión, lo que se ve demostrado en canciones como «Passion Rules the Game» y «Walking on the Edge». De acuerdo a Barry Weber de Allmusic, este cambio de sonido estuvo inspirado en el éxito radial de bandas como Def Leppard, que a pesar de ser bueno, no se puede comparar con la música de sus álbumes anteriores.

Savage Amusement se publicó el 16 de abril de 1988 en Europa por Harvest/EMI y en los Estados Unidos, a través de Mercury Records. A los pocos días de su lanzamiento, recibió un gran éxito en las listas musicales del mundo, donde se ubicó dentro de los top veinte de varios países. Por ejemplo, en los Estados Unidos alcanzó el quinto puesto en los Billboard 200, superando así lo conseguido con Love at First Sting. Además, y solo meses después, fue certificado con álbum de platino en el mercado estadounidense tras vender más de un millón de copias.​

Para promocionarlo se lanzaron tres canciones como sencillos; «Rhythm of Love» publicado en mayo, que logró el sexto lugar en la lista estadounidense Mainstream Rock Tracks, la power ballad «Believe In Love» que se ubicó en la posición 12 de dicha lista y «Passion Rules the Game», lanzado meses más tarde.​ Cabe destacar que las tres pistas fueron promocionadas con vídeos musicales, con gran rotación en la MTV. Por otro lado, en abril del mismo año iniciaron la Savage Amusement Tour que destacó por poseer diez presentaciones en Leningrado en la Unión Soviética, que los convierte en la segunda banda de rock en tocar en dicho país gobernado por el comunismo.

El 6 de noviembre de 2015 y debido a la celebración del 50° aniversario de la banda, el disco fue remasterizado bajo el nombre de Savage Amusement 50th Anniversary. Esta reedición contó con seis pistas adicionales; Can't Explain —cover de The Who—, las versiones demo de «Edge of Time», «Living for Tomorrow» y «Dancing with the Moonlight», y las maquetas de «Taste of Love» y «Fast and Furious», canciones que fueron registradas durante el proceso de grabación, pero que al final fueron descartadas.

Además, se agregó un DVD con el video completo de To Russia With Love and Other Savage Amusement y los videos musicales de «Rhythm of Love», «Passion Rules the Game», «Believe In Love» y «Can't Explain». Por último, se incluyó un documental sobre la historia del álbum que posee entrevistas a Klaus Meine, Rudolf Schenker, Matthias Jabs y Herman Rarebell.

Daniel 

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0811.- Never can say goodbye - Jackson 5

Escrita por Clifton Davies y ofrecida originalmente a The Supremes, Never Can Say Goodbye ("Nunca puedo decir adiós"), finalmente fue grabada y publicada como single en 1971 por los Jackson 5, como primer single lanzado para la promoción del disco Maybe Tomorrow (1971), y en la voz del pequeño Michael Jackson se convirtió en uno de los mayores éxitos del grupo de hermanos más famoso de todos los tiempos.

Con tan solo 11 años, Michael Jackson le imprime a la interpretación del tema una profundidad sorprendente para su edad, y pese a ser una canción que algunos consideraban demasiado seria para un grupo adolescente, Never Can Say Goodbye llegó al nº 2 del Billboard estadounidense y al nº 33 de las listas británicas de singles.

Desde entonces, son muchas las versiones que se han grabado de este mítico tema de la Motown, siendo la más notable la de Gloria Gaynor en 1987, y la más recordada (al menos para los que crecimos en los ochenta) la del grupo británico The Communards en 1987. En ambas versiones optaron por modificar el estilo de Never Can Say Goodbye para transformar la seria balada original en una bailable canción disco. Y para los amantes de las curiosidades, existe una versión en castellano, grabada por Paloma San Basilio en 1975, bajo el título de "No puedes volver a mí".

0810.- Soy Rebelde - Jeanette

Jeanette Anne Dimech, más conocida como Jeanette, nació en Londres, Inglaterra, el 10 de octubre de 1951, esta cantante y compositora hispano-británica que se dio a conocer a finales de la década de 1960. En 1982 la revista Billboard le otorgó el premio Billboard en español y en 2012 la revista Rolling Stone incluyó una de sus canciones entre Las 200 Mejores Canciones del Pop-Rock Español. Algunas figuras del medio musical han hecho versiones propias de sus temas como Rocío Jurado, Masterboy, Enrique Bunbury, Juan Bau, Chayanne, entre otros. Debido a su peculiar forma de pronunciar las palabras al entonar una canción y su atractivo aspecto físico, Jeanette se hizo un espacio fuera del Reino Unido, su país natal. El público hispanohablante adoraba su música, pues era algo atractivo para la época, fue así como su tema “Por qué te vas” llegó a ser versionada por el famoso Enrique Bunbury.

Otro de sus temas que causó sensación fue “Soy rebelde”, «Yo soy rebelde porque el mundo me ha hecho así». A quién no le suena esta frase o, es más, quién no ha llegado a utilizarla en alguna ocasión. El paso del tiempo la ha convertido en parte del acerbo popular y en hasta manida expresión sine die, pero realmente su génesis tuvo lugar en 1971 en la mente creativa del compositor y arreglista Manuel Alejandro. Esta canción fue su debut en solitario de Jeanette, después de pertenecer por cuatro años al grupo Pic-Nic, del cual salió por presión de su madre, quien la obligó a dejar la industria musical. Un año antes de lanzar este tema Jeanette se casó y tuvo un hijo, creyó que se dedicaría únicamente a su hogar o se convertiría en piloto de avión, hasta que el compositor Manuel Alejandro la contacta para ofrecerle una canción. El magistral uso de una melodía basada en piano, instrumentos de viento y violines envolvió la suave voz de Jeanette para crear un producto que incluso hoy en día, más de cuarenta años después, y sin duda la elección fue un acierto ya que unas semanas atrás, el mencionado tema había sido publicado con la voz de la mexicana Sola, pero no obtuvo el éxito esperado. Por esta razón pensaron en la londinense, como una segunda oportunidad para el tema. Aunque al inició Jeanette lo rechazó, después de un mes de negociaciones terminó aceptando el trato. El tema rompió récords. Si bien tenía una dulce melodía, la letra de “Soy Rebelde” era considerada como una incitación a los jóvenes para no obedecer a la ley, por lo que se prohibió que el tema sea escuchado por menores de 16 años. La canción habla sobre la adolescencia y los sentimientos que afloran en esa etapa de la vida, según el compositor, jamás pensó en hablar de política. La historia de aquella chica incomprendida y solitaria que se reprocha su existencia de la que habla la letra prendió entre los jóvenes aficionados al pop. Estaban necesitados de un himno que canalizara la rebeldía típica de su edad, de su apasionamiento, de su fantasía, de su idealismo... Había muchos deseos de cambiar España, de enfrentarse a un sistema que los encorsetaba y coartaba las ansias de libertad. La repercusión de 'Soy rebelde' fue tal que incluso Jeanette se vio obligada a grabarla en varios idiomas inglés, francés, portugués, italiano... y hasta japonés, algo que no le resultó difícil debido a su condición de políglota, al haber residido durante su niñez en distintas ciudades del mundo. El single se distribuyó en veinte países y fue el tema más vendido de los compuestos por Manuel Alejandro.

0809.- Angel - Jimi Hendrix

Incluida en su álbum póstumo "The Cry of Love" (1971), "Angel" es una de las últimas grandes canciones del siempre genial Jimi Hendrix, sin duda uno de los mejores guitarristas de la historia de la música. Escrita y producida por el propio Hendrix, como muchas de las canciones del que iba a ser su cuarto álbum de estudio antes de su repentina muerte en Septiembre de 1970, fue además seleccionada para ser lanzada como single en el Reino Unido, y apareció también como cara B de la canción "Freedom" en Estados Unidos.

La letra de "Angel" hace referencia a un sueño de Hendrix sobre su madre Lucille, en el que ella se despedía mientras se la llevaban en una gran caravana, a lomos de un camello. Inspirado por aquel extraño sueño, Hendrix construyó una canción que es una rara gema en su discografía, ya que aunque incluye los habituales elementos psicodélicos de su obra, son pocas las baladas melancólicas que en el estilo de "Angel" podemos encontrar en su discografía.

En realidad, "Angel" no era uno de los últimos temas compuestos por Hendrix, que ya en 1967 grabó una primera versión en los Olympic Studios de Londres, con el título provisional de "Little Wing". En una demo posterior, también grabada en Londres, el nombre de la canción cambió a "Sweet Angel", y a finales de 1967 Hendrix le añadió algunos overdubs, pero no terminó de perfilar la letra definitiva hasta ya entrado 1968, y por esa época el título era una combinación de los anteriores: "My Angel Catherina (Return of Little Wing)". Tras abandonarla durante casi dos años, en 1970 la retomó de nuevo en los Electric Lady Studios de Nueva York, con la intención de que formara parte del nuevo disco. Afortunadamente, Hendrix llegó a terminarla a tiempo, partiendo de la séptima toma de las sesiones en Electric Lady, a la que añadió después capas adicionales de guitarra, porque poco después, la caravana de su sueño vino a buscarle, para llevarle en un camello junto a su ángel soñado.

0808-. Freedom - Jimi Hendrix

 

Freedom, Jimi Hendrix

     El 5 de marzo de 1971 veía la luz The Cry of Love, álbum póstumo del genial cantante, compositor y excelso guitarrista Jimi Hendrix. Dicho disco fue realizado a partir de material en el que Hendrix estaba trabajando para la publicación de su cuarto disco de estudio, planeado antes de su muerte. Si bien la mayoría de las canciones fueron incluidas en las listas de canciones propuestas por Hendrix, la selección final del material corrió a cargo del ingeniero y productor Eddie Kramer y del baterista Mitch Mitchell, con el aporte de mánager de Hendrix, Michael Jeffery. El disco fue grabado entre los estudios Electric Lady y Record Plant, ambos de Nueva York, y publicado por el sello discográfico Reprise Records para el mercado estadounidense, y por el sello Track Records para el Reino Unido. El disco obtuvo un gran éxito en las listas de ventas de ambos países, y la crítica definió dicho trabajo como un impresionante tributo a Hendrix.

Incluido en este brillante tributo se encuentra la canción titulada Freedom, considerada como uno de los mejores temas que Hendrix escribió y grabó en los meses previos a su muerte.la canción, que presenta varios estilos musicales y sus letras reflejan varias situaciones a las que Hendrix se enfrentaba en aquel momento, fue grabada a mediados de 1970 por el guitarrista con su formación de acompañamiento después de Band of Gyspsys, compuesta por el baterista Mitch Mitchell y el bajista Billy Cox, junto con músicos de sesión adicionales. La canción fue el tema de apertura del álbum The Cry of Love, y en Estados Unidos fue lanzado como el primer sencillo del disco. Freedom, aparentemente puede parecer una canción simple, lujuriosa y arrogante que nos habla de la libertad en el mundo, un grito de libertad para dos amantes en guerra entre sí, cuando en realidad reflejaba algunos de los problemas gerenciales y comerciales o los problemas de adicción con los que Hendrix estaba lidiando en aquel momento.

Scorpions - Love At First Sting (Mes Scorpions)

Lo que me ha ocurrido al escuchar Love at First Sting (1984) el que fuera noveno disco de Scorpions fue sin duda "Amor a primera vista" o, para ser más fieles a la traducción del título, "Amor al primer picotazo". Nunca he sido un gran fan de esta banda alemana de heavy rock, pero me encantaban algunas de las canciones sueltas, esas que todo el mundo ha escuchado y que han pasado a la historia del heavy rock, como por ejemplo "Still loving you", "Big city nights" o "Rock you like a hurricane". Cuál sería mi sorpresa cuando, al ver las canciones que componían el disco antes de ponerlo en el reproductor, comprobé que todas ellas estaban incluidas en Love at First Sting.

Tras el éxito de su anterior disco Blackout (1982), el disco sigue una línea continuista en cuanto al sonido, aunque el giro hacia canciones de corte más comercial es bastante evidente. Con este "picotazo", los Scorpions pretendían por fin alcanzar el éxito en Estados Unidos, que hasta ese momento se les seguía resistiendo. Love at First Sting recibió muy buenas críticas por parte de la prensa especializada, que destacó especialmente el sonido y el gancho comercial de sus sencillos, entre los que estaban los tres ya mencionados "Rock You Like a Hurricane", "Still Loving You" y "Big City Nights", y un cuarto single ("I'm leaving you"), publicado únicamente en Estados Unidos, en un nuevo ejemplo de la obsesión del grupo por hacerse un nombre más allá de Europa. Lo consiguieron gracias a este disco, y gran parte de la culpa la tuvo la power ballad "Still Loving You", que obtuvo un éxito masivo en Europa, y que a día de hoy sigue siendo la más reconocible y aclamada de aquellas gloriosas "baladas heavies" de los ochenta.

El guitarrista Rudolf Schenker fue el compositor de la música de todas las canciones del disco, siguiendo la pauta marcada por la discográfica de que las canciones fueran más "radiables". Para ello, toda la banda siguió durante un tiempo y con extrema atención el tipo de canciones que se emitían en las radios musicales estadounidenses de la época, y adoptaron algunas de esas pautas de sonido ochentero sin dejar de lado su estilo heavy, llegando a un cuidado equilibrio entre el rock y las baladas comerciales. En el lado más rockero estarían temas como "Bad Boys Running Wild" o "Rock You Like a Hurricane", uno de los temas más comerciales del disco junto con "I'm Leaving You", la canción que mejor ejemplifica el cambio estilístico de la banda, porque tras un riff rockero, la canción cambia repentinamente y adopta el tono suave y relajado con el que terminaron ganándose el favor del gran público.

A medio camino entre un sonido y otro estaría "Coming Home", que hace el camino opuesto a "I'm leaving you", arrancando como una balada triste que después va mutando y acelerando gracias a un efectivo riff rockero. A continuación llega la canción más "metalera" del disco, "The Same Thrill", llena de poderosas guitarras y una estructura simple y efectiva. Entre las dos canciones, calientan los motores para la llegada de otros de los grandes himnos comerciales de la banda, la pegadiza y hard rockera "Big City Nights", inspirada en unas vistas de la ciudad de Tokyo, desde la habitación de un hotel durante la gira anterior. En este tema, así como en "As Soon as the Good Times Roll" y "Still Loving You" fue el propio Schenker el que se encargó de los solos de guitarra, en lugar del habitual Matthias Jabs. Ambos guitarristas brillan especialmente en "Crossfire", una de las joyas ocultas de este álbum, más cercana a la línea que los fans primigenios de la banda hubieran preferido.

El disco cierra con "Still loving you", su gran apuesta por las power ballads, y la canción más épica de toda su discografía. Un tema cuya creación databa de varios años atrás, pero solo en un disco tan cuidado como éste pudo al fin tener cabida una canción que, a la postre, acabaría siendo histórica, el picotazo definitivo de los escorpiones alemanes en las listas de ventas, y el cierre perfecto para uno de los mejores discos de heavy metal de los ochenta. Con un disco tan robusto bajo el hombro, la banda emprendió una gira (Love at First Sting Tour) de más de 180 conciertos para promocionarlo, y entre otros hitos, actuaron en el primer Rock in Rio de Río de Janeiro, el 15 y 19 de enero de 1985. También pasearon su Love at First Sting por el festival Monsters of Rock de Inglaterra (16 de agosto de 1986) y concluyeron su larga y exitosa gira precisamente en Madrid, el 5 de septiembre de 1986, donde un público entregado les declaró a los Scorpions su amor a primera vista por el nuevo sonido y la calidad de las nuevas composiciones, algunas de las cuales siguen hoy en día ocupando un lugar privilegiado en nuestra memoria, y siguen arrancándonos una sonrisa cada vez que vuelven a sonar en la radio. Nos enamoraron entonces, y las seguimos queriendo.

Figuras de los 90: Mary Chapin Carpenter

 

Mary Chapin Carpenter forma parte de la industria de la música de Nashville después de su aparición estelar en el espectáculo en los Country Music Awards de 1990 que fueron televisados ​​a nivel nacional. Al interpretar su canción, "(You Don't Know Me) I'm the Opening Act", se ganó los elogios de muchas de las estrellas más brillantes de la música country, algunas de las cuales fueron la clara inspiraron para que Carpenter escribiera esa canción. El tema musical se burla de los grandes egos de la industria y fue una apuesta arriesgada porque era un comentario crítico sobre el mundo de Nashville de alguien externo, de alguien que en ese momento era un don nadie. Chapin relató años depues a la prensa como "Estando sentada al lado de Tammy Wynette, ella me tomó de la mano y me contó esta maravillosa historia sobre cómo años antes, cuando ella apenas comenzaba, un tipo la trató como basura... Ahí fue cuando quedé impactada, podrías ser un don nadie como yo o ser Tammy Wynette, y podrías identificarte con esa canción, esa es la razon por eso que la escribí". Las letras de Carpenter a menudo hablan de experiencias de vida, de ganar y perder, y de mantenerse fiel a sus ideales, su habilidad para conectar con temas personales la hizo popular entre hombres y mujeres. En 1987, Carpenter lanzó su álbum debut, Hometown Girl , para CBS. el álbum contenía baladas largas que revelaron su talento como compositora talentosa, y recibió principalmente difusión en la radio universitaria. Su segundo álbum, State of the Heart , fue lanzado en 1989 y fue bien recibido por la crítica y se convirtió en un éxito comercial, también obtuvo importantes premios a las Mejores Nuevas Vocalistas Femeninas de la Academia de Música Country y una nominación al premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Country/Femenina.

En 1990, Carpenter alcanzó el platino con su álbum Shooting Straight In The Dark . La canción "Down at the Twist and Shout" alcanzó el número uno y le valió un premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal Country/Femenina, sin embargo, fue la canción "Middle Ground" la que capturó un tema y la convirtió en la favorita del grupo de solteros de treinta y tantos, la canción trataba sobre una conversación que tuvo con su hermana sobre la búsqueda de un punto medio y evitar los altibajos extremos de la vida con el trabajo, las relaciones y los amigos. Carpenter ganaría cuatro premios Grammy entre 1991 y 1994, la mayor cantidad para cualquier artista. Come On Come On , su lanzamiento de 1992, llevó a Carpenter a la estratosfera de la escena de la música country, el álbum fue triple platino, recibió tres premios Grammy, tuvo siete sencillos exitosos y pasó dos años en la cima de las listas de Billboard. Su lanzamiento de 1994, Stones In The Road , debutó en la posición número uno en los mejores álbumes country de Billboard y permaneció allí durante cinco semanas. Las canciones contenían temas profundamente personales y serios que revelan momentos de amor y soledad. A Place in The World , el lanzamiento de Carpenter en 1996, fue una búsqueda de uno mismo, Carpenter dijo "El lugar está conectado con la identidad, y la identidad está conectada con uno mismo y el valor, y juntas estas canciones tienen un sentido espiritual artístico. Siempre estoy tratando de descubrir dónde encajo".

Carpenter usó su éxito comercial para llamar la atención sobre muchos problemas nacionales. Ha escrito dos cuentos para antes de dormir para niños, los beneficios de su libro fueron donados al Proyecto Víctimas sin Voz del Instituto para el Entendimiento Intercultural. Carpenter actuó en el concierto del quincuagésimo aniversario de UNICEF en 1997. Acompañó al secretario de Defensa William S. Cohen a Bosnia para realizar un concierto de Nochebuena para los soldados estacionados allí.