1798 - Victim of Love - Elton John

Victim of Lovers - Elton John

“Victim of Love” es uno de esos momentos curiosos y, al mismo tiempo, fascinantes dentro de la carrera de Elton John. Lanzada en 1979 como canción principal del álbum del mismo nombre, la pista marcó un giro inesperado hacia la música disco en plena era post–Saturday Night Fever. Para un artista que venía de dominar los ’70 con baladas, rock suave y pop elegante, este viraje fue visto en su momento como un experimento arriesgado. Hoy, sin embargo, la canción se redescubre con una mirada más amable y hasta con cierto encanto retro.

Desde los primeros segundos, “Victim of Love” deja claro su objetivo: sumergirse de lleno en la pista de baile. Un beat constante, guitarras rítmicas estilo Nile Rodgers y líneas de bajo bien marcadas forman un groove que no frena en ningún momento. Elton John, a diferencia de sus trabajos más personales, adopta aquí un tono casi teatral, más cercano al lenguaje corporal de la disco que a la sensibilidad introspectiva que le dio fama. Su voz se mueve sobre la base con soltura, aportando un toque de sofisticación que evita que el tema caiga en lo genérico.

La producción, a cargo de Pete Bellotte (colaborador histórico de Giorgio Moroder), desnuda la intención detrás del proyecto: convertir a un cantautor de pop-rock en una figura apta para la pista sin perder su identidad. ¿Lo logra? En parte sí. Aunque la canción no alcanza la categoría de clásico dentro de su discografía, tiene suficiente energía y estilo como para funcionar como un registro singular de la época. Es, de hecho, un ejemplo de cómo incluso artistas establecidos sintieron la necesidad —o el deseo— de dialogar con el clima musical del momento.

Líricamente, el tema gira en torno a un protagonista atrapado en un ciclo emocional donde se siente víctima del amor, una temática simple pero efectiva para el género. La repetición, tan típica de la música disco, juega a favor: refuerza la sensación de trance y movimiento continuo, como si fuera imposible salir de esa pista emocional y literal.

Con el tiempo, “Victim of Love” terminó siendo uno de los discos menos valorados de Elton John, pero la canción que lo abre tiene un aura particular. Suena a un artista explorando, probando límites, abriéndose a nuevas texturas. Hoy, lejos del prejuicio inicial, puede escucharse como una postal sonora de una era dorada para la música de baile. No será su obra más profunda, pero sí un capítulo peculiar, audaz y con una cuota innegable de diversión.

Daniel 

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1675.- Song for a guy - Elton John

Song for Guy es uno de los pocos éxitos de Elton John escritos sin su letrista de toda la vida, Bernie Taupin. Esta evocadora canción, mayormente instrumental, se convirtió en una pieza destacada de «A Single Man» , el duodécimo álbum de estudio de Elton y el primero sin Bernie. En una época en la que Elton era conocido por su potente voz, su exuberante producción y su pop radiofónico, esta delicada composición sonaba como si se hubiera contenido el aliento, sin estribillo imponente, sin versos recargados de letra, solo una suave melodía de piano y un verso que se repite: «La vida no lo es todo». Todo el mundo se preguntara quien era Guy, pues bien, Guy Burchett era un joven mensajero de oficina en Rocket Records, el sello de Elton, justo cuando A Single Man estaba a punto de terminar, Guy falleció trágicamente en un accidente de moto, se dice que Elton había escrito la pieza la noche anterior, pero al enterarse de la noticia, le puso el nombre en memoria de Guy. ¿De verdad fue escrita para Guy? Probablemente no, pero la dedicatoria le dio a la canción una carga emocional duradera, pasó de ser una composición a una elegía.

En 1976, tras una racha de álbumes que batió récords, Elton y Bernie tomaron caminos separados. Bernie, para entonces agotado por una década desenfrenada que incluyó Tumbleweed Connection , Madman Across the Water , Honky Château y Goodbye Yellow Brick Road , se internó en una clínica para reponerse, Elton no se detuvo, junto con el letrista Gary Osborne , impulsó un nuevo álbum que se convertiría en "A Single Man", el cambio fue sutil pero perceptible: nuevos compositores, nuevos músicos y una energía diferente, el resultado no fue demasiado satisfactorio, algunos sencillos como Part-Time Love , Shooting Star y Return to Paradise mostraron destellos del Elton clásico, pero no lograron conectar, la crítica fue benévola y los fans sintieron curiosidad por esas canciones pero fue Song for Guy la que realmente conquistó el mundo. Uno de los ganchos es “La vida no lo es todo” que es el único verso de la canción, dicho suavemente, como si no le hablara a nadie. ¿Es esperanzadora? ¿Cínica? ¿Espiritual?, nadie lo sabe con certeza, esa ambigüedad, sumada a la triste línea de piano, le da a la canción su poder persistente, suena como una silenciosa despedida de algo, o alguien, que quedó en el olvido, y para un compositor que habitualmente se apoyaba en las palabras de Bernie, este momento de casi silencio resulta importante.

Song for Guy alcanzó el número 4 en las listas de éxitos del Reino Unido, pero nunca se convirtió en un clásico en directo. Rara vez aparece en los repertorios de Elton y no formó parte de su gira Farewell Yellow Brick Road. Aun así, perdura, entre un catálogo de éxitos sensacionales y rockeros extravagantes, Song for Guy se destaca como uno de los temas más introspectivos de Elton John: una melodía simple con un peso emocional complejo. Y quizás ese sea el punto, a veces, las canciones más personales son las que tienen menos letra.

1390.- Island Girl - Elton John

Incluida en el disco de Elton John "Rock of the Westies" (1975) , "Island Girl" fue escrita por Elton John junto a su colaborador habitual Bernie Taupin, y destaca por su controvertida letra sobre una prostituta jamaicana que ejercía en Nueva York, a la que un hombre jamaicano quiere llevar de vuelta a su país de origen.

Quizá por la oscura y difícil temática, Elton John no volvió a interpretarla en directo desde 1990, a pesar de tratarse de una canción que, publicada como primer single de "Rock of the Westies", alcanzó el primer puesto del Billboard Hot 100 estadounidense y se mantuvo en esa privilegiada posición durante tres semanas, en lo que sería el último nº 1 del artista británico en USA durante más de veinte años.

El single de "Island Girl", con el tema "Sugar on the Floor" en la cara B (una canción escrita por Kiki Dee, con quién Elton John cantó a dúo un año en el éxito "Don't go breaking my heart") vendió más de un millón de copias en Estados Unidos, y llegó hasta el quinto puesto en las listas de ventas de Canadá y Nueva Zelanda, llegando además al puesto nº 20 en Reino Unido y Australia.

1388 - Elton John - Don't Go Breaking My Heart

1388 - Elton John - Don't Go Breaking My Heart

"Don’t Go Breaking My Heart" es una canción lanzada en 1976 por Elton John en colaboración con la cantante británica Kiki Dee. Esta alegre y pegajosa pieza destaca dentro del repertorio de John no solo por su energía y frescura, sino también por haber sido su primer sencillo en alcanzar el número uno en las listas de éxitos en Estados Unidos y Reino Unido.

Desde el primer acorde, la canción establece un tono optimista, con una melodía de piano brillante que guía a los oyentes a lo largo de la canción. La voz de Elton John, característica por su calidez y expresividad, encuentra el complemento perfecto en el tono dulce y claro de Kiki Dee. Ambos interpretan el tema como si estuvieran inmersos en un juego de seducción musical, con cada frase como un diálogo entre dos personas que están enamoradas y se prometen no herirse mutuamente.

Líricamente, la canción no presenta un mensaje profundo o filosófico, pero su encanto radica precisamente en su simplicidad. Es una declaración de amor ligera, en la que ambas partes piden que no se rompa el corazón del otro. Sin complicaciones ni dramas innecesarios, la letra se centra en la dulzura y el juego del romance. Es una canción que evoca la idea de amor juvenil y despreocupado, donde el mayor temor es perder la magia de una relación floreciente.

Musicalmente, "Don’t Go Breaking My Heart" se enmarca dentro del pop y soft rock de los años 70. La instrumentación es vibrante, con una marcada presencia de piano, bajos y baterías que refuerzan el ritmo alegre. El arreglo musical, producido por Gus Dudgeon, hace uso de cuerdas y vientos que le añaden una capa extra de dinamismo, lo que la convierte en una canción ideal para la radio y pistas de baile de la época. A pesar de su sencillez en cuanto a estructura, la producción es impecable y consigue un sonido atemporal.

El éxito de esta canción también se debe en gran parte a la química palpable entre Elton John y Kiki Dee. A lo largo de la interpretación, se siente la diversión y el carisma que ambos artistas comparten, lo que se transmite de manera natural a los oyentes. Es un tema que, si bien no revolucionó la música de los años 70, contribuyó a consolidar la imagen de Elton John como una figura prominente en la música pop.

"Don’t Go Breaking My Heart" es una canción que logra capturar la esencia del pop ligero de los 70, con su melodía optimista, letras simples y una interpretación que destila carisma. Aunque es un tema sencillo, su energía contagiosa y la icónica colaboración entre Elton John y Kiki Dee lo han convertido en un clásico atemporal.

Daniel 

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1304.- We all fall in love sometimes - Elton John

"We All Fall in Love Sometimes" es un romántico tema de piano incluido en el disco "Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy" (1975) de Elton John, un disco conceptual que enmascara experiencias y disputas personales entre el propio Elton John (en el papel de "Capitán Fantástico") y su letrista Bernie Taupin (como el "Sucio Cowboy Marrón") entre 1967 y 1969, durante los primeros años de su fructífero tándem compositivo.

Emparentada en estilo y estructura con su gran éxito de 1970 "Your Song", "We All Fall in Love Sometimes" tiene el piano y la voz de Elton John en un primer plano, hasta el punto que la banda de acompañamiento no entra hasta el puente. Situada en la novena posición de un disco dispuesto en el orden cronológico en el que se escribieron las canciones que lo componen, esta brillante canción habla de las relaciones de amistad y de como, en ocasiones, éstas se convierten con el tiempo en relaciones de amor.

Elton John compuso la música de "We All Fall in Love Sometimes" durante un viaje en crucero a los Estados Unidos, y aunque el tema estrella del disco es sin duda "Someone Saved My Life Tonight", su presencia en todos los conciertos de la gira promocional del ábum, el lanzamiento en single de la canción junto a otras de las canciones del disco en Filipinas en 1975, y la posterior inclusión como cara B en el single de "Funeral for a Friend/Love Lies Bleeding" en 1978. la convirtieron en un éxito de radio y en una de las piezas favoritas de sus seguidores más acérrimos.

1303 - Elton John - Someone saved my life tonight

1303 - Elton John - Someone saved my life tonight

"Someone Saved My Life Tonight" de Elton John es una poderosa balada que resuena con una profundidad emocional y una narrativa impactante. Lanzada en 1975 como parte del álbum "Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy", la canción se destaca por su honestidad lírica y su composición musical compleja, características que definen gran parte del trabajo de Elton John y su colaborador Bernie Taupin.

La canción narra un episodio oscuro en la vida de Elton John, cuando se encontraba al borde del suicidio debido a una relación tóxica y una crisis personal. En lugar de caer en el sentimentalismo, la letra de Taupin captura la desesperación y el alivio con una franqueza cruda. La línea "Someone saved my life tonight, sugar bear" hace referencia a Long John Baldry, quien intervino y ayudó a Elton John a reconsiderar su decisión, brindándole un momento de claridad y redención.

Musicalmente, "Someone Saved My Life Tonight" es un testamento del virtuosismo de Elton John. La canción comienza con una suave introducción de piano, creando una atmósfera introspectiva que se despliega lentamente en una rica y orquestada balada. La voz de Elton John, cargada de emoción, guía al oyente a través de los altibajos de la narrativa. La producción es meticulosa, con arreglos que incluyen suaves armonías de fondo y una batería discreta pero efectiva, que subraya los momentos de mayor intensidad emocional.

Uno de los aspectos más notables de la canción es su estructura. A diferencia de muchas baladas de la época, "Someone Saved My Life Tonight" no sigue una fórmula predecible de verso-estribillo. En su lugar, se desarrolla de manera más libre, permitiendo que la emoción y la historia dicten el flujo de la música. Esto hace que la experiencia de escucharla sea más envolvente y conmovedora.

La recepción crítica de la canción ha sido abrumadoramente positiva. Es considerada una de las mejores interpretaciones de Elton John, destacándose no solo por su capacidad vocal sino también por su habilidad para transmitir una narrativa compleja a través de la música. La canción también ha resonado profundamente con los fans, muchos de los cuales encuentran en ella una fuente de consuelo y fortaleza.

"Someone Saved My Life Tonight" es una obra maestra de la música pop/rock de los años 70. A través de su combinación de letras sinceras, composición sofisticada y una interpretación vocal apasionada, Elton John y Bernie Taupin lograron crear una canción que no solo captura un momento crucial en la vida de John, sino que también ofrece un mensaje universal de esperanza y redención. Para cualquier amante de la música, esta canción es un recordatorio del poder de la música para sanar y transformar.

Daniel 

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Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy - Elton John

"Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy" de Elton John

"Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy", lanzado en mayo de 1975, es una obra maestra autobiográfica que captura la esencia de Elton John y Bernie Taupin en su apogeo artístico. Este álbum, el noveno de la prolífica carrera de Elton John, no solo consolidó su estatus como uno de los músicos más influyentes de la década de 1970, sino que también ofreció una introspección profunda y sincera en la vida y la relación creativa del dúo.

El álbum se distingue por ser una narrativa cohesionada que relata el ascenso de Elton John (Captain Fantastic) y Bernie Taupin (the Brown Dirt Cowboy) desde sus humildes comienzos hasta alcanzar el estrellato. A diferencia de muchos álbumes conceptuales de la época, que a menudo se centraban en la ciencia ficción o en narrativas ficticias, "Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy" es profundamente personal. Cada canción está impregnada de las luchas, los triunfos y las emociones reales del dúo, haciendo que el álbum sea tan íntimo como grandioso.

El álbum abre con la canción homónima, "Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy", una pieza que establece el tono autobiográfico desde el principio. La letra de Taupin es un homenaje a su amistad con Elton John, narrando cómo trabajaron juntos en sus primeros años, enfrentando el rechazo y la incertidumbre. La música de Elton John, con su característico piano, captura la mezcla de nostalgia y esperanza.

"Tower of Babel" sigue con una crítica al sistema de la industria musical y las trampas del éxito. Esta canción presenta una de las actuaciones vocales más apasionadas de John, acompañada por una instrumentación rica y compleja. La frustración y el desencanto son palpables, mostrando una faceta más oscura del camino hacia la fama.

"Bitter Fingers" ofrece una mirada irónica a la vida de los compositores, destacando la presión de crear éxitos comerciales y la explotación por parte de las discográficas. La letra mordaz de Taupin y la interpretación melódica de Elton John se complementan perfectamente, creando una pieza que es tanto un comentario social como una declaración personal.

Uno de los puntos culminantes del álbum es "Someone Saved My Life Tonight". Esta canción es una confesión cruda y emocional sobre el intento de suicidio de Elton John y cómo un amigo intervino para salvarlo. La honestidad en la letra de Taupin y la desgarradora interpretación de John hacen de esta canción una de las más poderosas y emotivas de su carrera. La línea "Someone saved my life tonight, sugar bear" se convierte en un estribillo catártico que resuena profundamente con los oyentes.

En contraste, "Meal Ticket" ofrece una visión más cínica de la fama y la fortuna. La canción explora las dificultades de mantener la autenticidad en una industria que a menudo valora más el éxito comercial que el arte verdadero. La energía frenética de la música refleja la tensión y el conflicto descritos en la letra.

La producción del álbum estuvo a cargo de Gus Dudgeon, quien trabajó con John en muchos de sus álbumes anteriores. La producción es rica y detallada, con una instrumentación que incluye guitarras, pianos, cuerdas y percusiones, todo en perfecta armonía. Cada canción está meticulosamente arreglada, permitiendo que la voz y el piano de John brillen mientras se complementan con la letra de Taupin.

"Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy" fue un éxito comercial inmediato, debutando en el número uno de la lista Billboard 200, una hazaña sin precedentes en ese momento. La crítica también fue en gran medida positiva, elogiando tanto la honestidad del álbum como su complejidad musical. Los críticos destacaron la capacidad de John para combinar elementos pop y rock con letras introspectivas y profundas, creando una obra que es tanto accesible como artística.

Con los años, "Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy" ha sido reconocido no solo como uno de los mejores álbumes de Elton John, sino también como uno de los mejores álbumes conceptuales de todos los tiempos. Su influencia se puede ver en la forma en que los artistas contemporáneos abordan la autobiografía y la narrativa en sus trabajos. La honestidad y la vulnerabilidad demostradas por John y Taupin han resonado con generaciones de músicos y fanáticos.

"Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy" es más que un álbum; es un viaje emocional y personal que captura la esencia de dos artistas en su lucha por el éxito y la identidad. Es una celebración de la amistad, la creatividad y la resiliencia, y sigue siendo un testimonio perdurable del talento y la visión de Elton John y Bernie Taupin.

Daniel 

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Elton John - Caribou (Mes Elton John)

Lanzado en 1974, el octavo álbum de estudio de John, Caribou se basó en el éxito de sus lanzamientos anteriores y continúa destacando las extraordinarias habilidades de escritura de John y Bernie Taupin; porque su capacidad para crear canciones y melodías memorables conocía pocos límites. Sí, se podría decir que Caribou no es tan fuerte como Goodbye Yellow Brick Road , pero si lo miramos por sí solo, Caribou es una obra maestra por derecho propio; siempre, por supuesto, que ignores las pistas extra del CD remasterizado de 1995. Afortunadamente, puedo optar por no incluir esas canciones en mi biblioteca digital y tengo la suerte de tener la reedición en vinilo de 2017 que no tiene material extra. Es una reedición encantadora, particularmente sonoramente, ya que suena significativamente mejor que la remasterización digital antes mencionada con una presentación más completa e inmersiva. La carátula del álbum, sin embargo, se ha reproducido a partir de una fuente escaneada, ya que se obtienen las bandas en la portada que son comunes en dichos procesos de reproducción. La funda interior está mejor producida, pero podría haber sido un poco más nítida ya que el texto es fácilmente legible, pero las fotografías asociadas son un poco suaves. Sin embargo, cuando un disco suena así de bien, no me voy a quejar demasiado de los atajos tomados con los diseños de las portadas.

El álbum comienza con el icónico sencillo The Bitch Is Back, un comienzo perfecto que no pierde el tiempo, a diferencia de “Funeral For A Friend/Love Lies Bleeding” de su predecesor, no hay una introducción de sintetizador de 2 minutos, solo un riff de guitarra eléctrica clásico de Elton John de los 70 y un estribillo que les dice todo lo que necesitan saber: damas y caballeros, “la perra” ha vuelto, puede ser una copia de los Stones (me viene a la mente “Bitch” de 3 años antes). John solo se sumergió en el espectro musical del hard rock, podría haber ido aún más lejos porque sus rocks son tan memorables como sus melodías pop y baladas, el estribillo contagioso y el ritmo de la canción la convierten en un clasico instantáneo y, por lo tanto, es el comienzo perfecto para Caribou. Pinky es la primera de muchas canciones de este álbum que tienen un título estúpido pero que en realidad son potencialmente las mejores canciones del álbum. Este, en particular, tiene una letra sorprendentemente conmovedora, que supongo que trata sobre alguien llamado Pinky que tiene un buen sueño. Es tonalmente hermosa y ofrece un ligero cambio de ritmo, avanzando hacia una presentación sonora más introspectiva y reflexiva que incorpora el sonido de rock de piano característico de John. Grimsby tiene un ritmo adictivo, estarás dando golpecitos con los pies y con la cabeza desde la primera nota. Además, la afinación única del riff de guitarra, que se encuentra en todas partes, es lo que sólo puede describirse como perfección sonora. ¡Me encanta!, siguiendo nuevamente la tradición de malos títulos, pero grandes canciones, ese riff de guitarra de octava es perfecto, no tengo idea de qué es un Grimsby pero aparentemente ninguno se puede comparar con él. Olvídate de Dixie Lily, es una estúpida canción country que es la más saltable de todo el asunto, tal vez sea mi poco apego general por el country lo que impide que me guste, pero esta canción simplemente me parece perezosa, habría sido más adecuada para su inclusión en Tumbleweed Connection, ya que se siente un poco fuera de lugar en Caribou. Dicho esto, después de todos estos años, no puedo imaginarme a Caribou sin Dixie Lily. La siguiente canción, Solar Prestige A Gammon, vuelve a seguir la línea de títulos horribles, pero la canción, de nuevo, es buena. Sentimiento semifrancés con letras sin sentido, en mi opinión es una peculiar pieza experimental que muestra la voluntad de John de explorar diferentes vías musicales. Si bien es poco probable que atraiga a todos los amantes de la música, Solar Prestige A Gammon crece en ti cuanto más lo escuchas. Yo, posteriormente, la he considero una joya escondida. Tu So Static se deja escuchar, supongo que el título es extraño, pero no lo suficientemente extraño, nos devuelve a un sonido más orientado al rock, con su instrumentación enérgica y su estribillo pegadizo.

Dale la vuelta al disco, sólo tienes cuatro canciones, pero yo diría que todas, como mínimo, son buenas. I've Seen The Saucers podría considerarse una secuela de "Rocket Man", siempre y cuando estés dispuesto a aceptar que todas las canciones de Elton John están conectadas en algún gran canon de Elton John. Ambas son líricamente similares, musicalmente esta es la canción estándar para piano de Elton, comienza maravillosamente con un ritmo magnífico y un sonido atmosférico. La voz de John está algo inspirada en el jazz y, a medida que la canción continúa su flujo lineal, se convierte en una melodía sólida de pop/rock. Dicho esto, si a esta canción se le hubiera aplicado un poco más de pulido y pulido, podría haber sido un gran éxito. El resultado es que hay una obra maestra escondida, justo debajo de la superficie, que permanecerá oculta para siempre. Stinker no es exactamente una castaña, pero tampoco es destacable, se inclina hacia un estilo de blues rock, ofreciendo una experiencia musical cruda y cruda, pero escúchala porque la siguiente es el momento que todos estaban esperando... Don't Let The Sun Go Down On Me es una balada épica que de la que al final, Elton nunca estuvo realmente orgulloso, un clásico de mi juventud y el cierre perfecto del álbum. Excepto que no es el cerrador perfecto porque el cerrador perfecto real es el cerrador, Ticking, una de las favoritas de los fans, es súper oscuro y es lo más destacado, es otra de esas joyas escondidas que tanto me gustan. No hay nada de malo en las canciones favoritas de los fans, por supuesto, pero John tiene tal diversidad en su catálogo, con tantas grabaciones memorables, que cada vez que escucho sus álbumes clásicos, puedo experimentar un nivel de frescura musical, una hermosa canción que permite contemplar el álbum que acabas de escuchar y al mismo tiempo te obliga a tocar Caribou nuevamente.

Algunas de las canciones de Caribou fueron sin duda descartes rápidos, pero cada una de ellas tiene sus encantos. Éste no es uno de los grandes logros de John en la música pop. En cambio, Caribou representa el simple placer de un brillante compositor e intérprete de rock que trabaja rápidamente en la cima de su juego, rodeado de una banda increíble. Incluso si sus ambiciones son pequeñas, las realiza plenamente. Caribou no tiene que ser un clásico para ser una buena escucha.

Goodbye Yellow Brick Road - Elton John (Mes Elton John)

La obra cumbre de la etapa más progresiva de Elton John es sin duda el disco "Goodbye Yellow Brick Road" (1973), su séptimo álbum de estudio y el primer disco doble publicado por el célebre artista británico. No era la intención inicial de Elton John y de la discográfica sacar un disco doble, pero el período de composición y grabación fue tan productivo que se encontraron con mucho material de calidad para el disco, y pese a descartar varias canciones, 17 fueron los temas que pasaron el corte y constituyeron el brillante equipaje con el que Elton realizó su particular viaje por "el camino de baldosas amarillas", en una clara referencia a la película de "El mago de Oz".

Los primeros bocetos del disco se planearon en Jamaica bajo los títulos provisionales de "Vodka and Tonics" y "Silent Movies, Talking Pictures", con Bernie Taupin escribiendo las letras y Elton John encargándose de la composición de la música en el Hotel Pink Flamingo en Kingston en enero de 1973, pero los múltiples problemas con el sonido y las continuas manifestaciones por la complicada situación política y económica del país, les llevaron a decidir mudarse al Castillo de Hérouville en Francia, al mismo estudio en el que habían grabado los discos Honky Château y Don't Shoot Me, I'm Only the Piano Player.

El disco comienza de manera apabullante con "Funeral for a Friend / Love Lies Bleeding", un tema plagado de teclados futuristas, intensos acordes de piano y progresivos cambios de ritmo que está entre los mejores temas de la carrera de Elton John, y que corresponde en realidad a la mezcla de dos de las canciones que se grabaron para el disco, convertidas en una sola canción de rock progresivo de más de 11 minutos. Solo este tema ya garantizaría un single de éxito (aunque lidiando con la problemática de su larga duración), pero es que a continuación suena nada más y nada menos que "Candle in the wind", obra cumbre de la dupla compositiva John / Taupin, en aquel momento dedicada a Marilyn Monroe y años después adaptada para homenajear a la tristemente desaparecida Lady Di. Y por si esto fuera poco, la cara A cierra con el tema "Bennie and the Jets", que publicado como sencillo alcanzó el primer puesto de las listas de ventas de Estados Unidos.

La cara B comienza con "Goodbye Yellow Brick Road", la canción que finalmente dio título al álbum, una metáfora cinematográfica que profundiza en la nostalgia de la infancia y de un tiempo pasado mejor, y la acompañan agradables temas de piano ("This Song Has No Title") intensos medios tiempos rítmicos de fastuosa instrumentación ("Grey Seal"), referencias al período jamaicano de la gestación del disco ("Jamaica Jerk-Off") y nuevos guiños a la temática cinematográfica de algunas de las letras del disco ("I've Seen That Movie Too").

La sofisticación y la dulzura vuelven al comienzo de la cara C con el piano y la melodía de "Sweet Painted Lady", dando paso después al aire teatral y de himno melancólico de "The Ballad of Danny Bailey (1909–34)". La fórmula funciona, y Elton John la sigue explotando en la correcta "Dirty Little Girl" y la rotunda y pegadiza "All the Girls Love Alice", buenos temas que no logran evitar estar un pequeño escalón por debajo de las grandes obras que conforman el primero de los discos de "Goodbye Yellow Brick Road", que retomará su fuerza en la cuarta cara del álbum, y de que manera, con temas como "Your Sister Can't Twist (But She Can Rock 'n Roll)" y muy especialmente con el grandioso ejercicio de actitud de rock and roll de "Saturday Night's Alright for Fighting", un tema inspirado en un pub que Taupin frecuentaba en su juventud, que llegó a grabarse en Jamaica en una primera versión, pero la versión final del disco y la del sencillo de lanzamiento del álbum fue la grabada en los estudios de Francia.

Tras esta obra maestra, la última parte del disco aún desgrana otro tema de homenaje a figuras y referencias cinematográficas en la bella y melancólica pieza de aires country "Roy Rogers". Menos trascendental pero igualmente marcada por referencias country es "Social Disease", un agradable preámbulo para el gran cierre del disco con "Harmony", un tema que llegó a plantearse como cuarto single, y pese a publicarse finalmente como cara B del sencillo estadounidense de "Bennie and the Jets", pasó tres semanas en el primer puesto de la lista de la emisora estadounidense WBZ-FM en junio de 1974.

"Goodbye Yellow Brick Road" fue un éxito inmediato, debutando en el no. 17 en el Billboard 200 y ascendiendo rápidamente al primer puesto en solo cuatro semanas, lugar en el que permaneció durante ocho semanas consecutivas, convirtiéndose en el álbum más vendido en Estados Unidos en 1974. Con los años, ha llegado a vender más de treinta millones de copias en todo el mundo, lo que le llevó a entrar en 2003 en el "Hall of Fame" de los Premios Grammy, y a ser incluido en 2005 en el libro "1001 discos que hay que escuchar antes de morir". Considerado por la mayor parte de la crítica especializada como el mejor álbum de la carrera de Elton John, su ascenso al éxito fue tan idílico como el mundo imaginario del Mago de Oz en el que se inspiraba, y escucharlo hoy en día sigue siendo un agradable paseo por un camino de brillantes baldosas amarillas.

Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player - Elton John (Mes Elton John)

 

Don't Shoot Me ?m Only the Piano Player
Elton John

     Elton John fue el álbum que presentó al mundo al artista y compositor británico Elton John en 1970, ya que su primer trabajo, Empty Sky (1969), fue publicado originalmente sólo en Reino Unido. Con su sexto disco, Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player (1973), Sir Elton John realizaba esta extraña petición, ¿Acaso necesitaba algo cuando ya había alcanzo el estatus de estrella internacional? Por entonces ya tenía en su catálogo un buen puñado de canciones que habían alcanzado el estatus de clásicas. Sin embargo, se encontraba bajo una enorme presión debido al frenético ritmo y la excesiva carga de trabajo a la que se encontraba sometido, la promoción de álbumes, las giras y la creación de divertidos clips promocionales que podían llevar más de un mes de trabajo. Todo esto le daba a Elton John muy poco tiempo para relajarse y escribir material nuevo para su nuevo álbum. No obstante saldría airoso, siendo capaz de continuar con su fulgurante proyección hacia el estrellato.

Don't Shoot Me I'm Only the PIano Player fue grabado entre el 10 y el 19 de junio de 1972 en el castillo Château d'Hérouville, Francia, y mezclado en los Trident Studios de Londres, bajo la producción de Gus Dudgeon, y publicado el 26 de enero de 1973 por el sello discográfico MCA Records para Estados Unidos y por DJM Records para Reino Unido. El disco fue el segundo álbum consecutivo que conseguía el puesto número 1 en las listas de ventas de Estados Unidos, y el primero en conseguir dicho puesto en el Reino Unido. Además, el sencillo Cocodrile Rock le proporcionó a Elton su primer sencillo número uno tanto en Estados Unidos como en Canadá.

 

El título del disco surgió de un suceso anecdótico que Elton John tuvo con Groucho Marx. Elton estaba tocando el piano en una fiesta en casa de Groucho; Groucho, después de pasar toda la noche bromeando, extendió sus dedos medio e índice a modo de pistola y apuntó a Elton, seguidamente Elton levantó las manos y dijo: "No me disparen, sólo soy el pianista". La fotografía de la portada del álbum muestra una pareja joven afuera de una sala de cine cuya marquesina dice: "No me dispares, solo soy el pianista, protagonizada por Eltotn John". En la pared hay un cartel de película que anuncia la película "Go West" (1940) de los hermanos Marx, todo un tributo a Groucho Marx.

Las influencias que más tarde se atribuyeron a este álbum ayudaron a formar el estilo general de Elton en ese momento. Elton no era ajeno a diferentes estilos de música y, a menudo, sus mayores éxitos mostraban algo de su pasado. Desde el temprano tono de su voz que se puede explicar en la aplicación del rock and roll estadounidense en sus primeras grabaciones hasta las orquestaciones de cuerdas que solía utilizar en su carrera anterior, Elton a menudo miraba a la música del pasado para crear un nuevo sonido. Sin embargo, Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player presentaba influencias que no eran ajenas a Elton, estilos que habían aparecido a menudo en los cortes del lado B de sus sencillos. Esta vez, Elton estaba influenciado por el sonido de lo que él llamaba "esos Webtones escalofriantes y todos esos falsetes agudos", el sonido de "Esos pop suaves de los años 50" y el "Funk y country de los años 70".

Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player aumentó aún más las fama de Elton John, consolidando al artista como una de las principales estrellas de rock de los años 70. Gus Dudgeon, que había producido anteriormente varios trabajos de Elton, repitió en la producción, y las letras fueron escritas por Bernie Taupin, el colaborador habitual de Elton John. Estamos ante un disco que mezcla rock, pop y elementos de glam rock, mostrando la versatilidad de Elton John como músico y compositor, y vamos a poder disfrutarlo en canciones como Daniel, una de las canciones más populares del disco, convirtiéndose además en una de las baladas más apreciadas de Elton John, La letra fue escrita por Bernie Taupin inspirándose en un artículo de la revista Time sobre la Ofensiva del Tet en Vietnam. En dicho artículo se relataba la historia de cuántos soldados que regresaban de Vietnam eran chicos simples y que generalmente se sentían avergonzados por tanta adulación. Ellos simplemente querían volver a la normalidad; Teacher I Need You, descrito como un tema rockero retro, con un sonido que evoca la música de los años 50 y principios de los 60. Elton John se inspiró vocalmente en Bobby Vee, cantante estadounidense que se convirtió en un ídolo adolescente en las décadas de los 50 y 60. En cuanto a la letra, Taupin describe el deseo sexual que un escolar adolescente siente por su maestra; Elderberry Wine, que fue la cara B del sencillo "Coccodrile Rock". La canción está basada en los orígenes de Bernie Taupin como un chico de campo, así como en las imágenes del inframundo de su imaginación. Trata desde la perspectiva de un hombre perezoso que recuerda los buenos tiempos en los que su esposa hacía realidad todos sus caprichos, pero finalmente ella se cansó de recoger las cosechas y elaborar el vino; Have Mercy on the Criminal describe como es la vida de un fugitivo. la canción es una de las dos únicas del álbum que presenta orquestación. El responsable de los arreglos orquestales fue Paul Buckmaster, colaborador desde hace mucho tiempo de Elton John. Elton afirmaba que nadie hacía arreglos orquestales como Buckmaster en aquellos tiempos; y Cocodrile Rock, todo un homenaje al rock and roll de los años 50 y 60. Esta canción pegadiza, con una letra realmente triste, fue la primera en llegar al puesto número 1 en Estados Unidos. La canción cuenta la historia de un chico que en los años 50 y 60 frecuentaba un restaurante donde a los clientes les encantaba un oscuro baile llamado "Cocodrile Rock". Al cabo de los años este baile poco conocido desapareció de la historia y a nadie le pareció importar. 

Don't Shoot Me I'm Only te PIano Player fue lanzado en un momento en el que Elton John estaba en auge, ayudándole a afianzar su estatus de superestrella y solidificando aún más su reputación como uno de los artistas más talentosos y prolíficos de la década de los años 70.

"Honky Château y el Genio de Elton John en su Máxima Expresión" (Mes Elton John)

"Honky Château y el Genio de Elton John en su Máxima Expresión" #mesEltonJohn

"Honky Château," el quinto álbum de estudio de Elton John, lanzado en 1972, marca un punto de inflexión significativo en la carrera del artista. El título del álbum hace referencia al Château d'Hérouville, el estudio en Francia donde fue grabado. Este disco muestra un desarrollo notable en el sonido de Elton John, consolidando su lugar en la élite del rock y del pop de la época.

El álbum abre con "Honky Cat," una canción vibrante y enérgica que fusiona elementos del rock y del jazz. La introducción de piano, acompañada por una sección de vientos, sienta el tono para un álbum ecléctico y lleno de vida. La letra, escrita por Bernie Taupin, explora la dicotomía entre la vida urbana y rural, un tema recurrente en las composiciones de la dupla John-Taupin.

"Honky Château" es también conocido por incluir uno de los mayores éxitos de Elton John, "Rocket Man (I Think It's Going to Be a Long, Long Time)." Esta balada melódica, inspirada por la creciente fascinación por el espacio en la década de los 70, es un retrato emotivo de la soledad y la alienación, encapsulando la sensación de ser un extraño en un entorno desconocido. La voz de Elton John y su ejecución al piano, combinadas con la letra evocadora de Taupin, hacen de esta canción un clásico atemporal.

"Suzie (Dramas)" es una pista menos conocida pero igualmente significativa. Con su ritmo contagioso y su alegre melodía, es una muestra del talento de Elton John para crear canciones pegajosas y memorables. La letra parece ser una referencia juguetona a las experiencias personales de Taupin, añadiendo una capa de profundidad al álbum.

Otro punto destacado es "Mona Lisas and Mad Hatters," una balada introspectiva que muestra el lado más sensible y reflexivo de Elton John. La canción, una oda a Nueva York, es una de las composiciones más líricas y conmovedoras del álbum, con una melodía que resuena profundamente y una interpretación vocal que capta la melancolía y la esperanza simultáneamente.

En contraste, "I Think I'm Going to Kill Myself" presenta un enfoque más oscuro y sardónico. Con un arreglo alegre que contrasta con su temática sombría, la canción aborda el tema del suicidio adolescente con un humor negro inusual. Es un ejemplo perfecto de cómo Elton John y Bernie Taupin podían tratar temas serios con una ligereza sorprendente, sin dejar de ser impactantes.

"Salvation" es una pista inspiradora que combina elementos del gospel con el rock, mostrando la versatilidad musical de Elton John. La letra, con referencias religiosas, puede interpretarse como una búsqueda de redención y significado, temas universales que resuenan con muchos oyentes.

"Amy" es otra canción que destaca por su estilo más country, un género que Elton John exploró con frecuencia a lo largo de su carrera. La melodía pegajosa y la letra sobre un amor no correspondido añaden variedad al álbum, demostrando la capacidad del artista para moverse entre diferentes estilos con facilidad.

El álbum cierra con "Hercules," una canción que mezcla rock y boogie-woogie, cerrando el disco con una nota energética y positiva. La simplicidad de la canción y su ritmo alegre hacen de "Hercules" un final apropiado para un álbum lleno de diversidad musical.

"Honky Château" es un testimonio de la capacidad de Elton John para reinventarse y explorar nuevos territorios musicales. Cada canción en el álbum ofrece algo único, desde el jazz y el rock hasta el country y el gospel, manteniendo una cohesión que es testimonio del talento y la visión artística de Elton John y Bernie Taupin.

El éxito de "Honky Château" no solo cimentó la posición de Elton John en la industria musical, sino que también demostró su capacidad para crear música que resuena profundamente con el público. La variedad de estilos y temas tratados en el álbum es una muestra de la versatilidad y el genio creativo del dúo, haciendo de "Honky Château" un álbum esencial en la discografía de Elton John y un hito en la historia de la música popular.

Daniel

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Elton John - Madman across the Water (Mes Elton John)

Madman Across the Water (1971) fue el cuarto álbum de estudio de Elton John, pero el primero en el que el músico inglés se alejó de la música comercial de discos anteriores para lanzarse a explorar terrenos más cercanos al rock progresivo. El reto era mayúsculo, y de ahí viene también otra gran diferencia con sus álbumes anteriores, porque el productor Gus Dudgeon no confió en la banda de acompañamiento que habitualmente acompañaba a Elton John en sus giras y en sus discos, y a excepción de la presencia del bajista Dee Murray y el baterista Nigel Olsson en una canción, para las ocho restantes se sirvió de músicos de sesión y de arreglos de cuerda a cargo de Paul Buckmaster. La banda la completó Davey Johnstone como guitarrista principal, y a pesar de la conocida solvencia del propio Elton John al piano, Rick Wakeman tocó el órgano Hammond en dos canciones.

El disco arranca con "Tiny Dancer", una balada para piano aderezada con un ritmo de percusión ligera, una guitarra de pedal steel y los arreglos de cuerda de Paul Buckmaster. Para la célebre letra sobre una "delgada bailarina", Bernie Taupin (letrista habitual de Elton John en las canciones de la mayoría de sus discos) se inspiró a la vez en su propia esposa y en el ambiente desenfadado de la California del momento, que le resultaba muy diferente respecto al de su Inglaterra natal. Es, sin duda, la canción de más pegada comercial y la que ha quedado para la historia como uno de los grandes clásicos del cancionero de Elton John,. pero en el momento de decidir cuál sería el single principal, desconfiaron de las posibilidades de una canción de más de 6 minutos, y optaron por "Levon" como punta de lanza de Madman Across the Water.

La canción que da título al álbum no fue publicada como single, pero es la tercera pieza destacable de Madman Across the Water, un tema que ya se había grabado en una primera versión que inicialmente estaba destinada al anterior disco de Elton John ("Tumbleweed Connection", 1971), con Mick Ronson (guitarrista de David Bowie y sus "Spiders from Mars") a la guitarra principal,  pero esa versión fue descartada finalmente para ese disco, y se regrabó completamente para Madman Across the Water, con Davey Johnstone ocupando el lugar de Mick Ronson. La popularidad de esta canción le vino en parte por la polémica que suscitó la interpretación de quién era realmente el "hombre loco a través del agua" al que Taupin se refería en la letra, que mucha gente atribuyó a Richard Nixon.

Como curiosidad para los seguidores de las versiones de buenas canciones, el tema que cierra el disco ("Goodbye") fue versionado recientemente por Jerry Cantrell (Alice in Chains) para su disco "Brighten" (2021), haciendo justicia a una de las canciones menos conocidas de un disco que comercialmente pinchó en Reino Unido, y que tuvo mejor recorrido en Estados Unidos. Nadie es profeta en su tierra, y menos con una propuesta tan arriesgada y progresiva, pero como dijo acertadamente Robe Iniesta, si las ventas es lo que decide que la música sea buena o mala, entonces la música clásica sería una mierda, y no es así. Así que disfrutemos de la bendita locura de Elton John en la época en la que hacía discos de este tipo, y pongamos en valor la grandeza de obras como Madman Across the Water.

Tumbleweed Connecton - Elton John (Mes Elton John)

 

Tumbleweed Connection, Elton John

     Tumbleweed Connection es el tercer álbum de estudio del compositor y cantante inglés Elton John. Fue grabado durante el mes de marzo de 1970 en los Trident Studios de Londres, bajo la producción de Gus Dudgeon, y publicado el 30 de octubre de 1970 en Reino Unido bajo el sello discográfico DJM Records, y en enero de 1971 en Estados Unidos bajo el sello Universal Records. Este es un trabajo conceptual basado en temas country, western y americana, y todas las canciones fueron escritas por Elton John y Bernie Taupin, a excepción de "Love Song" de Lesley Duncan. El disco llegó a alcanzar el puesto número 2 en las listas de ventas del Reino Unido y el número 5 en las la  lista estadounidense Billboard 200. En el año 2012, la revista Rolling Stone incluyó este disco en el puesto número 458 en su lista de "Los 500 mejores álbumes de todos los tiempos", un debut inusualmente alto para un artista nuevo en ese momento, y alcanzó su posición máxima en sólo cuatro semanas. Ni DJM Records ni Universal Records lanzaron ningún sencillo del álbum en Estados Unidos, pero "Country Comfot", acompañado de "Love song" en la cara B, fue lanzado como sencillo en Australia, Nueva Zelanda y Brasil, llegando a alcanzar el puesto 15 en Nueva Zelanda, pero no consiguieron entrar en las listas de los otros dos países.

Bernie Taupin, uno de los artífices junto a Elton John de este álbum, comentaba sobre el sonido del álbum: "Todo el mundo piensa que fui influenciado por la cultura americana y por haber visto Estados Unidos de primera mano, pero escribimos y grabamos el disco incluso antes de haber estado en Estados Unidos. Estaba totalmente influenciado por The Band... Lírica y melódicamente, este es probablemente uno de nuestros álbumes más perfectos. No creo que haya ninguna canción que no se ajuste melódicamente a la letra".

Las pistas básicas de las canciones "Come Down in Time", "Country Comfort" y "Burn Down the Mission", fueron grabados en los estudios Trident durante las sesiones del disco anterior de Elton John, y fueron completadas con sobregrabaciones para Tumbleweed Connection. También se grabó durante las sesiones una versión de la canción "Madman Across the Water", con Mick Ronson a la guitarra eléctrica. Aunque fue lanzado en lanzado en varias reediciones del disco, finalmente fue regrabada para el álbum Madman Across the Water (1971). El bajista Dee Murray y el baterista Nigel Olsson aparecen juntos por primera vez en este disco como la sección rítmica de la canción "Amoreena". Posteriormente se convertirían en miembros habituales de la formación de Elton John. También contó Elton con la colaboración en varias pistas del disco de varios músicos de respaldo de la banda Hookfoot, que también figuraban en la cartera de la discográfica DJM Records.

La foto de la portada fue tomada en la estación de tren de Sheffield Park en Sussex, aproximadamente a unos 50 kilómetros al sur de Londres. El fotógrafo Ian Digby Ovens fue el encargado de capturar la foto en la que se encuentra Elton John sentado, y a Bernie Taupin de pie, en la contraportada, frente a una casa de finales del siglo XIX. La fotografía pretendía capturar la esencia del entorno rural americano. También se tomaron fotos adicionales desde el interior de un tren en la línea para las notas y el libreto del álbum. En agosto de 200, la compañía Bluebell Railway anunció que, para conmemorar el 50 aniversario del lanzamiento del álbum, había restaurado la estación para que luciera como cuando se tomó la foto de portada, brindando a la gente la oportunidad de recrear la escena en sus propias fotos.

Estamos ante un disco con unas canciones que no siguen las típicas estructuras de canciones pop convencionales, con unas letras que fluyen entre versos y estribillos notables. Y el resultado es un disco que alcanzó el estatus de clásico gracias a canciones como Come Down in Time, que es una de las dos excepciones del disco, ya que no tiene tintes del oeste americano. La canción comienza con una evocadora introducción de arpa aumentada por armónicos naturales de guitarra, y el uso de cuerdas, arpa, oboe y trompa por parte del director y arreglista orquestal Paul Buckmaster rodea de un ambiente lacónico al tema. En cuanto a la letra, describe una conversación entre un hombre y su amante; ella lo insta a que venga a encontrarse con ella una noche. Mientras camina y se acerca al lugar acordado para el encuentro, se pregunta si ella estará allí o si ella no aparecerá y se quedará solo contando las estrellas; My Father's Gun, que si es una de las canciones basadas en el lejano oeste, cuenta la historia de un joven soldado confederado cuyo padre muere en una batalla durante la Guerra Civil estadounidense. Después de enterrar a su padre, el joven toma su arma y se reincorpora a la lucha heredando no sólo su arma, sino también la causa por la que luchó su padre; Where to Now St. Peter?, que trata sobre la muerte de un soldado que está pasando al otro lado. Si bien no se especifica en que guerra murió, es más que probable que Taupin estuviera pensando en el escenario de la Guerra Civil estadounidense, como en la mayoría de los temas del disco; Amoreena, donde Elton John canta sobre los gratos recuerdos de una chica que conoció. La esposa de Ray Williams, quien representaba a Elton John y Bernie Taupin, estaba embarazada cuando escribieron la canción, y Taupin sugirió que Amoreena sería un nombre encantador para una niña. Cuando nació la hija de Ray y su esposa la llamaron así. Poco después del nacimiento de su hija, Ray Williams terminaría separándose de John y Taupin; o Burn Down the Mission, tema que cierra este brillante álbum. La letra, aunque cuenta una sencilla historia, es tan brillante que deja lugar a varias interpretaciones. Aparentemente es la historia de una comunidad pobre oprimida por una fuerza rica y poderosa, y el narrador, impulsado por algún tipo de revelación, ha decidido tomar medidas directas para remediar la situación. Sin embargo, su intento fracasa y se lo llevan para enfrentarse a su destino, justificando él sus acciones como un intento de defender a su familia. 

Estamos, sin el menor género de duda, ante un gran álbum de contry-rock, y Bernie Taupin no se equivocaba al afirmar que era uno de sus mejores trabajos junto a Elton John. La dupla John / Taupin estaba en uno de sus mejore momentos.

Elton John - Elton John (Mes Elton John)

 

El segundo álbum de Elton John es una combinación interesante de estilos enfrentados, algunos de ellos suenan como el clásico Elton John y otros suenan como si realmente no supiera cómo quiere sonar. A mí me suena mucho a un debut en el sentido de que parece que no ha encontrado su voz. Una cosa por la que no se puede criticar a Elton John, en mi opinión, es por su fuerte sentido de la melodía, además, cuanto más presto atención a las letras de Taupin, más pienso que es realmente bueno. Escuchar este álbum me hizo leer sobre su proceso y me sorprendió saber que, durante la mayor parte de su carrera, Taupin nunca se había juntado con John en el estudio y que Taupin simplemente le enviaba a John las letras y John componía la música, es fascinante que tantas canciones icónicas se hayan escrito de esta manera. Así la asociación de compositores de Elton John y Bernie Taupin fue imparable durante la mayor parte de la década de 1970, un gigante que derribó cualquier canción que se interpusiera entre él y el puesto número uno en las listas. Pero su éxito no se debió a las letras de Taupin, no hay mayor testimonio de la prodigiosa habilidad y talento compositor de Elton que el hecho de que fue capaz de hacer tantas canciones geniales con letras tan horribles. Elton estaba en tan buena racha en la primera mitad de los años 70 que casi cualquiera podría haberle dado casi cualquier letra y él podría haberle sacado oro glam rock.

 

El álbum de Elton John se puede dividir fácilmente en dos conjuntos de canciones: canciones con letras que tienen sentido y significado, y canciones que no. Apostaría mi vida a que si a 50 oyentes al azar se les pidiera que clasificaran las canciones de Elton John en estas dos categorías, más del 95% de las veces las clasificarían todas de la misma manera. “Your Song” entra en la primera categoría; parte de lo que hizo de esta una de las canciones más importantes de Elton fueron esas exquisitas líneas: “Puedes decirle a todos que esta es tu canción... Espero que no te importe que lo haya escrito en palabras/Qué maravilloso”. la vida es, ahora estás en el mundo”. ¿A quién no le gustaría una letra así? Escribí esta canción para ti, espero que no te importe, pero haces que mi mundo sea tan maravilloso que no puedo evitarlo. Justo lo que toda mujer quiere escuchar. Y la mayoría de los hombres, aunque no quieran admitirlo por miedo a parecer sensible. Taupin hace un trabajo tan magistral al pintar una imagen de la vida que inevitablemente pasa de largo a los jóvenes amantes y el tiempo que los separa inexorablemente. Realmente me encanta ésta canción. Y lo odio, porque me muestra de lo que Taupin era capaz con sus letras y de lo que podría haber sido en los años venideros. Por mucho que me gusten las canciones de Elton John de principios de los 70, esta canción me muestra cuánto podrían haber sido mejores. “I Need You to Turn To” no sólo tiene una letra que tiene sentido, la considero una de las mejores canciones de Elton John de todos los tiempos, el clavicémbalo inicial es encantador, el arreglo de cuerdas en este es excepcional y el violonchelo después del primer estribillo es muy efectivo: las orquestaciones de Paul Buckmaster en los primeros álbumes de Elton John son maravillosas, y este es uno de los mejores. Elton inicialmente se acercó a George Martin para producir el álbum, pero Martin también quería hacer las orquestaciones si él producía el álbum, y a Elton le gustó tanto el trabajo de Buckmaster que decidio rechazar al legendario George Martin, así que en su lugar El álbum fue producido por Gus Dudgeon. 

Absolutamente acertada, Paul Buckmaster merece mucho crédito por el éxito de las canciones de Elton de principios de los 70. Esta canción es el ejemplo perfecto de la habilidad de Buckmaster como arreglista, simplemente una hermosa, hermosa canción. En “Take me to the Pilot” el estribillo es pegadizo, pero ¿de qué diablos trata esta canción? “Llévame al piloto de tu alma”??? Incluso sus autores no tienen ni idea al respecto, Elton dijo una vez sobre la canción "No creo que ninguno de nosotros sepa de qué se trata". Estamos ante una canción sin sentido que Elton logra hacer aceptable dándole al coro una gran inyección de melodía, pero la canción realmente no llega a ninguna parte ni comunica nada. ¿Me gusta? Está bien, supongo, pero hay tantas otras canciones en el álbum que realmente dicen algo, que me cuesta mucho emocionarme con esta. No llamaría "sofisticado" el arreglo de "No Shoe Strings on Louise", pero sí interesante, la guitarra slide y la voz medio gruñida me recuerdan las primeras grabaciones en solitario de John Lennon. En realidad, todo el álbum tiene algunos arreglos elegantes a pesar de la dominante orquestación: el trágico defecto del álbum. Quizas es una de las canciones más flojitas. No estoy seguro de por qué “First Episode at Hienton” no es más apreciada, es una canción tan encantadora y una historia coherente de novios de la infancia que crecen juntos, estoy dispuesto a perdonar la atroz frase sobre que los muslos de Valerie son los cojines de su amor, pero el resto de la canción es genial, y por alguna razón el Moog no parece fuera de lugar, encaja perfectamente con el ambiente embrujado de la canción.

“Sixty Years On” es más o menos comprensible líricamente, pero con el arpa, las cuerdas y la maravillosa melodía, me hubiera encantado la canción de todos modos. Y si la vejez es tan vacía para mí como lo es para el narrador de esta canción, pues tampoco deseo vivir cuarenta años más. "Border Song" es un himno clásico a la igualdadeste tipo de canciones nunca pasan de moda, supongo que será así hasta que el mundo alcance una verdadera igualdad, fue el primer sencillo de Elton en las listas de Estados Unidos, alcanzando el puesto 34 y preparando el escenario para Your Song. “The Greatest Discovery” fue grabada virtualmente en vivo en Trident Studios en Londres, con Elton cantando al piano y acompañado por una orquesta, que se escucha en particular al comienzo de la canción, la letra, de Bernie Taupin, trata sobre un niño que descubre la llegada de un nuevo hermanito, habla de un niño que escucha sonidos nuevos y extraños en su casa y sale a explorar para ver qué son. Se da cuenta de que hay una cama extra en su casa… ¿qué es esto? Resulta que tiene un nuevo hermanito. Conocer a esta nueva criatura de aspecto extraño es un nuevo descubrimiento extraño y emocionante para el niño. Lo que hace que The Greatest Discovery sea único es que es un territorio inusual para una canción, y eso es emocionante. La canción es tierna e imagina la maravilla de ser un niño y conocer a tu nuevo hermano por primera vez. Las letras de Taupin ayudan a brindar esa sensación de asombro y extrañeza que debe sentir alguien que llega a tu casa cuando es un niño. La melodía de John es acertada: suena como un viaje a través del punto de vista de los niños y la canta con delicadeza. “The Cage” la letra tiene sentido, tiene un funk maravilloso, me gusta, también me encanta el falsete de Elton en esta canción. Ha aprendido a lo largo de los años a sonar genial con su rango vocal reducido, pero debo decir que extraño esos falsetes del Elton de principios de los 70. “The King Must Die” es sólo una mezcla de líneas que parecen tener algo que ver con complots reales y cortesanos, podría haber sido una buena canción con algunas letras enfocadas y tal vez algo parecido a una narrativa, pero Taupin cree que puede tirar algunas imágenes relacionadas tangencialmente y eso será suficiente. Hay una pereza lírica en la canción que representa bastante bien el enfoque de Taupin durante el resto de la década. Hay potencial allí y Elton logra crear un estribillo memorable, pero no es la gran canción que podría ser.

Elton John es fácilmente el mejor álbum de Elton: aquí se encuentra en la encrucijada con su letrista, varias canciones excelentes, coherentes y con las que se puede identificarse en la mano, y la oportunidad de elegir un camino que conduzca a muchas más como ellos en los años venideros. Pero con Tumbleweed Connection, Taupin había girado bruscamente hacia la izquierda en el camino hacia letras impenetrables y perezosas que a veces evocaban imágenes, y tal vez con una o dos líneas que despertaban tu interés, pero casi nunca con letras que se mantenían unidas a lo largo de toda una canción. Por Madman Across the Water estaba demasiado lejos para volver atrás, y me puede gustar “Levon” y al mismo tiempo desear algo mejor, puedo adorar “Tiny Dancer”, puedo admirar la melodía y la orquestación de “Madman Across the Water” y fingir que no escucho “Volveremos el próximo jueves por la tarde/Los suegros esperan verte muy pronto”. Si bien todavía puedo disfrutar de estas canciones, eso no me impide desear que tuvieran la letra que se merecen.

1218.- Whatever gets you thru the night - John Lennon

"Whatever Gets You Thru the Night" ("Cualquier cosa que te lleve a través de la noche") fue el single de lanzamiento del disco "Walls and Bridges" de John Lennon, publicado en 1974 por Apple Records. Lennon tomó el título de una frase que escuchó a un reverendo evangelista en uno de los programas de televisión nocturnos de los que le gustaba sacar frases sueltas que apuntaba en un pequeño cuaderno para usarlas en sus canciones. Para la música, se inspiró en el ritmo de la canción "Rock Your Baby" de George McCrae, un número 1 del momento que a Lennon le encantaba, aunque el parecido final fue muy pequeño, y solo se hace evidente el rastro de la influencia de McCrae en una versión alternativa que fue incluida en la caja recopilatoria "John Lennon Anthology" (1998).

"Whatever Gets You Thru the Night" fue un éxito instantáneo que llegó al primer puesto de las listas de ventas estadounidenses (su único nº1 en solitario en USA en toda su carrera) en sus tres charts principales: Billboard Hot 100, Cashbox y Record World, y al número 36 en el Reino Unido. Fue un éxito que pilló desprevenido a un Lennon que nunca confió demasiado en la capacidad de "Whatever Gets You Thru the Night" como potencial single, a pesar de su intenso y animado ritmo y de contar con la colaboración de Elton John al piano y a los coros.

Por el contrario, Elton John estaba tan seguro del éxito de aquel tema, que apostó con Lennon que si llegaba al nº 1 tendría que aparecer en escena en una de sus actuaciones para tocarla juntos, y éste no tuvo más remedio que cumplir su promesa. Quizá no tuviera mayor importancia, y solo fuera cualquier cosa con la que lograr atravesar la noche, pero lo cierto es que Lennon salió a escena en la actuación de "Acción de Gracias" de Elton John en el Madison Square Garden de Nueva York, el 28 de Noviembre de 1974, e interpretó "Whatever Gets You Thru the Night" con su buen amigo Elton John y su banda.

1198.- Don't let the sun go down on me - Elton John

"Don't Let the Sun Go Down on Me" fue originalmente escrita por Elton John y su colaborador habitual Bernie Taupin para formar parte de Caribou (1974), el octavo disco de estudio de Elton John. Fue lanzada además ese mismo año como primer single promocional del disco, con la canción "Sick City" en la cara B, y alcanzó el segundo puesto del Billboard Hot 100 estadounidense, y el 16 de las listas de ventas del Reino Unido.

En esta versión original, el estribillo de "Don't Let the Sun Go Down on Me" está apoyado con un arreglo de vientos de Del Newman, una línea de percusión de Ray Cooper, un mellotron interpretado por Dave Hentschel, y cuenta además con los coros de Carl Wilson y Bruce Johnston de los Beach Boys.

Años después, volvió a gozar de popularidad y repercusión mediática, cuando Elton John la regrabó en 1991 a dúo con George Michael, con quien ya la había interpretado en directo en el concierto Live Aid celebrado en Londres en el estadio de Wembley en 1985. Ya sea en una versión o en otra, "Don't Let the Sun Go Down on Me" es una de las canciones más poéticas que Elton John ha escrito jamás, una balada intensa y melódica imprescindible en cualquier colección de discos que se precie.

1197.- Step Into Christmas - Elton John

En 1973, Elton John acababa de lanzar dos álbumes número uno: Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player y Goodbye Yellow Brick Road. Luego, culminó el año con el lanzamiento de su primer sencillo navideño, “Step Into Christmas”. “¡Hagamos un disco navideño! pensamos”, dijo Elton al contar cómo él y su compañero compositor Bernie Taupin escribieron la canción. “En aquellos días hacíamos discos todo el tiempo. A Bernie le encantan las canciones navideñas, así que estuvo totalmente de acuerdo”. Lanzado como sencillo único, "Step Into Christmas" alcanzó el número 1 en la lista Billboard Christmas Singles y alcanzó el puesto número 4 en la lista de singles del Reino Unido, donde permaneció durante siete semanas.  En la canción, John invita a los oyentes a adentrarse de lleno en la temporada navideña. Enviar tarjetas de Navidad. Mirar cómo cae la nieve , por los siglos de los siglos. Come, bebe y regocíjarte, la letra también sugiere llevar el espíritu navideño de asombro y alegría al nuevo año y los días siguientes.

John escribió “Step Into Christmas” con Taupin el domingo 11 de noviembre de 1973 y lo grabó esa misma tarde en Trident Studios en Londres, Inglaterra. "Fue escrita y grabada el domingo y estará en las tiendas esta semana", dijo John sobre la rápida producción de la canción en el momento de su lanzamiento. “Queríamos hacer un homenaje a Phil Spector. Parte de lo que hizo que Phil Spector grabara fueron las salas, los músicos y el ambiente”, dijo Elton sobre la canción, que también cuenta con Kiki Dee como coros no acreditados. La canción fue lanzada como sencillo independiente con la cara B “Ho, Ho, Ho (Who'd Be a Turkey at Christmas)”, una canción irónica sobre un encuentro con Santa Claus después de una noche llena de brandy. Step Into Christmas” apareció más tarde en la caja de John de 1990, To Be Continued… , la canción que cierra su versión de lujo de 2023 de su álbum de grandes éxitos Diamonds , y continúa resurgiendo y escalando en las listas del Reino Unido cada temporada navideña. En 2009, "Step into Christmas" figuraba como la novena canción navideña más reproducida de la década de 2000 en el Reino Unido y la canción fue certificada triple platino por la Industria Fonográfica Británica por ventas y transmisiones de 1.800.000 unidades. Estamos ante una clásico absoluto de la navidad sobre todo en Reino Unido.

1026.- Daniel - Elton John

"Daniel" fue el segundo sencillo lanzado del album Don't Shoot Me I'm Only the Piano Player. El primer sencillo del álbum fue “ Crocodile Rock”, esa  canción se convirtió en el primer éxito número uno de Elton John en Estados Unidos . Además, fue su primer éxito número uno en todo el mundo y alcanzó el primer puesto en Canadá, Nueva Zelanda y Suiza. Daniel esta grabada en do mayor con un tempo lento, eso enmarcó perfectamente la inquietante melodía y le dio a la canción el espacio y el tiempo que tanto necesitaba para respirar. La canción también se benefició de la adición de algunos toques atmosféricos encantadores, cortesía de la mandolina. En definitiva, tiene todos los elementos de una balada maravillosa.La canción comienza con una melodía aparentemente positiva, pero una vez que Elton comienza a cantar, queda claro que la historia tiene más profundidad de la que simplemente pretende la música.

“'Daniel había sido la canción peor entendida que jamás hayamos escrito”, explicó Taupin, en el   proyecto tributo a Two Rooms . “La historia trataba sobre un tipo que regresaba a un pequeño pueblo de Texas, regresando de la Guerra de Vietnam. Lo elogiaron cuando regresó a casa y lo trataron como a un héroe. Pero él sólo quería volver a casa, regresar a la granja y tratar de volver a la vida que había llevado antes. Quería escribir algo que simpatizara con la gente que regresaba a casa”. La letra incluía originalmente unas líneas que explicaban la relación de “Daniel” y el cantante. Taupin originalmente escribió algunas líneas más hacia el final de la canción para aclarar que "Daniel" era en realidad un veterano. Sin embargo, ante la preocupación de Elton y su sello discográfico, la canción fue acortada en un verso. Yo también pensaba que “Daniel” trataba sobre un hermano que había muerto, supongo que es la frase “Dios, se parece a Daniel / Deben ser las nubes en mis ojos” lo que me desconcertó, pero sin duda la canción homenajea el hecho de que muchos de estos jóvenes soldados que regresaban sólo querían regresar y volver a sus vidas anteriores, sin embargo, esto no fue fácil de lograr, principalmente por la atención no deseada que recibieron a su regreso. Además, también lucharon con todo el daño mental debido a su exposición a la guerra, esta última parte está expresada en el coro. Elton canta sobre las cicatrices que no sanan y el dolor que puede ver en los ojos de su hermano, como sabe cualquiera que haya estado cerca de personas que sufren de trastorno de estrés postraumático o angustia mental aguda, sus ojos a menudo están vacíos, y parecen estar atrapados en una mirada lejana. Independientemente del significado original de la canción, la canción comunica una relación íntima entre hermanos, una imagen poco común en ese momento.