El disco de la semana 355: Fire and Water - Free

 

Fire and Water, Free

     Free fue una banda británica fundada en 1968, y compuesta originalmente por Paul Rodgers (Voz, guitarra y teclados), Paul Kossoff (Guitarra), Andy Fraser (Bajo y teclados), y Simon Kirke (Batería). Este grupo se convirtió en una influyente banda dentro del panorama británico rockero, y sólo los problemas internos impidieron que esta banda perdurase más en el tiempo y se hiciera más grande, como varios de sus integrantes reconocerían posteriormente. Dejaron tras de sí 6 discos de estudio, siendo con el tercero Fire and Water, editado en 1970, con el que consiguieron despuntar, consiguiendo todo un éxito de ventas con su clásico tema All Right Now. Pero los problemas de algunos miembros con las drogas y la rencillas internas avocaron al grupo a realizar algunos cambios en la formación, que no llegó a cuajar y por tanto su disolución. Paul Rodgers fundaría Bad Company  junto con Simon Kirke. Paul Kossoff lo intentó con Back Street Crawler, pero desgraciadamente fallecería poco después a causa de una sobredosis a la edad de 25 años.

Nos vamos a centrar precisamente en su tercer álbum de estudio en la recomendación de esta semana, Fire and Water, grabado durante los meses de enero y junio de 1970 entre los Trident Studios y Island Studios de Londres, bajo la producción del propio grupo, y publicado el 26 de junio de 1970 por el sello discográfico Island Records. Tal fue el espaldarazo de este tercer disco, que gracias a él llegaron a encabezar el famoso Festival de la Isla de Wight en 1970, con una audiencia estimada de dicho festival de entre 600.000 y 700.000. En dicho festival llegaron a compartir cartel con artistas como Jimi Hendrix, The Doors, Taste, Ten Years After, Miles Davis, Leonard Cohen, The Moody Blues y Jethro Tull, por nombrar sólo algunos. Llegaron a alcanzar el puesto número 2 en las listas de ventas del Reino Unido, permaneciendo en dicha lista un total de dieciocho semanas. En Estados Unidos alcanzaron el puesto número 17 en las listas de ventas. 

Fire and Water contiene una mezcla de blues rock, hard rock y elementos de música soul, y muestra la potente voz de Paul Rodgers, el virtuosismo a la guitarra de Paul Kossoff y el buen hacer compositivo de la dupla Rogers/Fraser. Comienza el álbum con la canción que da título al disco, Fire and Water, tema donde podemos disfrutar de un buen blues rock aderezado con un toque de soul, mostrando ya desde inicio la potente voz y gran clase de Paul Rodgers y la habilidad a las seis cuerdas de Paul Kossoff. Le sigue Oh I Wept, una conmovedora balada donde Rodgers sigue demostrando por qué es una de las grandes voces del rock. Remember es una canción con un ambiente más suave, menos crudo que los temas anteriores, con una melodía muy emotiva y muy efectiva, conteniendo además unas letras muy reflexivas. Cierra la cara A Heavy Load, una canción más potente y enérgica que se encarga de equilibrar la balanza para mantener la intensidad del álbum. 

Abre la cara B Mr. Big, uno de los grandes momentos del álbum. La canción contiene una letra muy dura, y Paul Rodgers se sorprendió cuando vió que el tema salía adelante. Sobre la letra Rodgers afirmaba: "Solía escuchar a BB King, y creo que me inspiré en su enfoque sobre la feminidad, ¡su postura varonil!, y esa canción es una lección de simplicidad". La canción también destaca por su característico riff de guitarra, para impulsar la canción. todo un reflejo del talento instrumental y vocal de la banda. Don't Say You Love Me combina elementos de blues y rock con unas emotivas letras, y no desentona con la química del disco. Cierra este gran disco con All Right Now, el mayor éxito de toda la discografía de la banda. Contiene un riff de guitarra que se convertido en todo un clásico dentro del género. La versión del álbum es más larga que la editada como sencillo, ya que contiene el segundo estribillo repetido y un solo de guitarra más largo. La canción fue escrita por el bajista Andy Fraser y el vocalista Paul Rodgers en el edificio de la Unión de Estudiantes de Durham, después de un mal concierto en Durham. Al terminar el espectáculo y salir al escenario para despedirse del público salieron con el sonido de sus propios pasos. Los aplausos habían muerto antes de que la banda abandonara el escenario. Necesitaban algo potente para cerrar los conciertos, y de repente, les llegó la inspiración, Fraser comenzó a bailar cantando "All Right Now". Se sentó y la escribió allí mismo, en el camerino.

Fire and Water es un álbum fundamental en la historia del rock por varias razones. En primer lugar, este disco fue el punto de inflexión para Free, llevándolos a la fama mundial y convirtiendo All Right Now en un icónico himno del rock; Además, el álbum mostró, con mucha elegancia y clase, una combinación de géneros como el blues rock, el hard rock y el soul, que influenció a multitud de bandas posteriores a la hora de fusionar diferentes estilos musicales; Muy destacables también la poderosa voz de Paul Rodgers y la habilidad con la guitarra de Paul Kossoff; Y por último, el impacto y legado que la banda ha dejado en generaciones de músicos y bandas posteriores, un impacto que a día de hoy todavía perdura. 

Disco de la semana 329: Chulahoma - The Black Keys

 

Siempre he sido bastante fan de The Black Keys por su fuerza y la diversión que trasmiten, es por eso que me he sorbido sus disco pero un buen día llego a mi conocimiento la existencia de un EP de The Black Keys que aún no había escuchado y que consistía en canciones escritas originalmente por Junior Kimbrough, tenia que poner solución así que les propuse que para empezar el mes de junio no íbamos a tener disco de la semana, sino que se transformaría en el EP de la semana, ellos al comprobar el artista que proponía me dieron su beneplácito y bueno, 7 canciones y casi media hora es un buen EP, hemos reseñado discos con menos canciones.

Lo primero es presentar a Junior Kimbrough, que fue una de las primeras influencias del pionero del rockabilly Charlie Feathers, y representaba la visión modélica e hipnótica del bluesman del Delta del Mississippi, a pesar de que su carrera no trascendió mas allá de su región hasta que a principios de los 90, cuando apareció en la película de 1991 'Deep Blues'. Junior Kimbrough nació y creció en Hudsonville, Mississippi, donde aprendió a tocar la guitarra escuchando discos de los bluesmen del Delta. En 1968, cortó su primer sencillo, 'Tramp', para el sello local Philwood. Durante los años 70 y 80, Kimbrough toco a lo largo del Mississippi, donde el periodista musical Robert Palmer lo descubrió a finales de los años 80. Palmer presentó a Kimbrough en su documental 'Deep Blues'. Esto le condujo a un contrato discográfico nacional con Fat Possum y lanzó su primer álbum de larga duración, 'All Night Long', en 1992. El disco fue aclamado por la crítica tanto de ambientes blues como de otras tendencias. Después de una oleada hiperactiva en 1992, Junior Kimbrough volvió a tocar por el Delta, grabando su segundo álbum, 'Sad Days, Lonely Nights', en 1993. Las cosas empezaron a no ir bien en 1997, y un año después Kimbrough regresó con 'God Knows I Tried'. Murió de un ataque al corazón el 17 de enero de 1998.

Muchos álbumes tributo parecen nada más que artistas que han perdido la inspiración y deciden extraer viejos discos por un falso sentido de lo nuevo, pero en Chulahoma: The Songs of Junior Kimbrough, Dan Auerbach y Patrick Carney, conocidos juntos como The Black Keys , canalizan el espíritu del difunto Kimbrough con inmensa dedicación y precisión, sin apropiarse nunca de las canciones pero logrando dejar su propia huella en ellas. En las breves notas que acompañan al álbum, Auerbach habla de su fascinación por Kimbrough que lo inspiró a dejar la escuela para trabajar en su técnica de guitarra y ese amor es evidente aquí con el trato cálido y expresivo que él y Carney le dan a algunas de las mejores canciones de Kimbrough, como la suave y bellamente sentida “Meet Me In The City”. La canción está llena de afecto y romance, como los que son raros en la música blues y The Keys, que no rehúyen lo extraño y psicodélico, la tocan con la delicadeza y el detalle que la música de Kimbrough merece. La versión de Black Key de "My Mind is Ramblin" es como las luces de la calle que brillan en una carretera mojada: una canción llena de imágenes nítidas y contrastes audaces. Todo en este EP es poderoso y conmovedor. Otro de los momentos brillantes del EP es probablemente el minuto 2:15 en "Have Mercy On Me" cuando Dan comienza a hacer un solo de guitarra (que llega a su clímax alrededor de las 3:15). Solo cierro los ojos, empiezo a mecer todo mi cuerpo al ritmo del tambor y dejo qu e el tono de su guitarra me transporte a lugares lejanos. El órgano que entra en el minuto 1:04 es impresionante y no demasiado autoritario como para quitarle la sensación de blues de la canción.

Al escuchar estas canciones, es evidente lo arraigadas que están en la mente y el alma de Auerbach, pero en lugar de recrear las canciones de su héroe, tomó la inspiración de su juventud y la usó para reinterpretar estas canciones a través de su propia voz, permitiéndoles solo coquetear brevemente con los originales crudos de Kimbrough. Es un tributo hermoso, a menudo extraño, a un gigante del blues moderno que es perfecto para una noche de sábado oscura, solitaria y tranquila; una noche en la que el propio Kimbrough probablemente habría estado en su Juke Joint, en Chulahoma, Mississippi, manteniendo las caderas y los corazones de su público moviéndose y palpitando. En lo que respecta a los Keys, Chulahoma es, con mucho, uno de sus trabajos más singulares y menos apreciados y se deslizará en sus corazones como Kimbrough se deslizó en los Keys. En ese sentido, si te gusta Chulahoma, asegúrate de respetar a la leyenda que inspiró el álbum tributo y echa un vistazo a algunos de los trabajos de Junior. Ninguno defraudará.

Disco de la semana 309: Never Forget My Love - Joss Stone

 

Never Forget My Love, Joss Stone

     Para la recomendación de esta semana traemos una mujer con una voz espectacular, con un rango vocal que se mueve entre mezzosoprano y contralto, que suele actuar descalza y le han llegado a apodar "la Aretha Franklin blanca". Nos estamos refiriendo a Jocelyn Eve Stoker, más conocida como Joss Stone. Estamos ante una cantante, compositora y actriz inglesa que saltó a la fama a finales de 2003 con su álbum debut, The Soul Sessions, el cual llegó a ser multiplatino.

Joss Stone nació el 11 de abril de 1987 en Dover, perteneciente a la región de Kent, Reino Unido, y pasó su adolescencia en la localidad de Ashill, un pequeño pueblo de la región de Devon. La tercera de cuatro hijos, su padre Richard Stoker era dueño de un negocio de importación y exportación de frutas, y su madre Wendy trabajó como representante de Joss hasta octubre de 2004. La cantante, que padece dislexia, dejó la escuela a los dieciséis años, y su primera aparición publica fue en Uffculme, Devon, donde realizó una versión de "Reet Petite" de Jackie Wilson. 

Joss creció escuchando una amplia variedad de música, desde el R&B estadounidense de las décadas de los 60 y 70, pasando por la música soul interpretada por artistas de la talla de Dusty Springfield o Aretha Franklin. Esto le llevó a desarrollar un estilo muy profundo y lleno de feeling y sentimiento. Con tan sólo 13 años audiciona para el programa de talentos de la BBC llamado Star for a Nigth en Londres, llegando a ganar el concurso con versiones como (You Make Me Feel Like) A Natural Woman de Aretha Franklin, It's Not Right It's Okay de Whitney Houston, o la magnífica On The Radio de Donna Summer. En diciembre de 2001 actúa en un programa benéfico y llama la atención de los productores londinenses Andy Dean y Ben Wolfe, quienes afirman que "acaban de escuchar al mejor cantante que jamás habían escuchado de su país". Todo esto le vale para que el director ejecutivo Steve Greenberg, del sello discográfico S- Curve Records, la lleve a una audición a Nueva York. Nada más acabar dicha audición Steve Greenberg la firma para dicho sello discográfico.

En 2003 Joss Stone debuta con su primer álbum de estudio, The Soul Sessions, lanzado por el sello discográfico S-Curve Records para el mercado estadounidense, y por EMI Music para el mercado internacional. El disco resulta ser todo un pelotazo, llegando a ser álbum multiplatino y  ser finalista a los reconocidos Premios Mercury (Premio anual otorgado al mejor disco lanzado en el Reino Unido por un artista británico o irlandés) en 2004. Joss Stone iniciaba así una más que prometedora carrera que con el tiempo se ha quedado a medio camino. Quizás no se ha hecho justicia con la increible calidad que atesora, porque tiene, y de sobra para ser considerada una de las mejores sin duda.

En 2022 aparecía publicado Never Forget My Love, el octavo álbum de estudio de la cantante y el recomendado para la ocasión. El disco fue grabado entre los Blackbird estudios de Nashville, Tennessee, los Dogwood estudios y los Little Big Sound de Bellevue, Tennessee, bajo la producción del músico, compositor y productor inglés Dave Stewart, y publicado el 11 de febrero de 2022. Una delicia de disco donde todas las pistas están escritas por Dave Stewart y Joss Stone, y que pretende colocar a Joss en el selecto grupo de grandes cantantes, algo que le ha costado mucho, y no es porque no la haya intentado. 

Never Forget My Love nos habla de los errores cometidos, el amor y los corazones rotos. Por momentos parece estar hablando de aspectos y vivencias de su vida, pues aunque ha vendido hasta la fecha unos 14 millones de álbumes en todo el mundo, hay quien sigue tachándola de eterna promesa desde su fulgurante debut con The Soul Sessions. También se nota, y mucho, la colaboración con Dave Stewart, con quien no había vuelto a colaborar desde 2011, y el resultado es un excelente disco donde los temazos se van sucediendo uno tras otro. 

El disco es una auténtica delicia, donde todo está en su sitio, nada sobra, y podemos disfrutar de temazos como Breaking Each Other's Heart, donde podemos apreciar las excelentes influencias de Dusty Springfield, Never Forget My love, que da título al disco y que nos recuerda a la gran Duffy; No Regrets, donde se entremzclan el pop y el soul, ambos de la vieja escuela; la alegre y adictiva Oh to Be loved by You con una contagiosa melodía apoyada por la magnífica voz de Joss; You're My Girl, toda una pegadiza oda a la amistad que podría haber firmado el mismísimo Allen Tousaint; o Does It Have to Be Today y You Couldn't Kill Me, donde nos habla de amores anhelados y rotos y relaciones abusivas.

Never Forget My Love es un excelente disco, desde la composición, pasando por la producción y hasta la interpretación del mismo. Un disco a la altura de una de las grandes voces del momento, aunque haya quien se niegue a aceptarlo.

Disco de la semana 285: White lies for dark times - Ben Harper and Relentless7

"Mentiras piadosas para tiempos oscuros" sería una traducción aproximada del título del noveno álbum de Ben Harper, pero en la traducción se pierde el matiz del contraste entre el "blanco" de las mentiras y el "oscuro" de los tiempos a los que hace referencia. Eran nuevos tiempos para Harper, que por primera vez aparcaba momentáneamente a su banda de apoyo The Innocent Criminals (Criminales inocentes) para embarcarse en este disco con la banda Relentless7 (Implacables7), formada por el guitarrista Jason Mozersky, el bajista Jesse Ingalls y el baterista Jordan Richardson, artífices junto a Harper de un llamativo tránsito del sonido más pulcro de los inocentes, a una propuesta de blues rock texano más árida e implacable.

Publicado en 2009, White lies for hard times es otro gran ejemplo de la inquietud de Ben Harper por ir evolucionando y cambiando el paso en cada uno de sus discos, lo cual no significa que a lo largo de sus 11 cortes no tengamos oportunidad de encontrar también alguno de sus tradicionales temas acústicos y con ese feeling soul que Harper ha llevado siempre de serie, pero lo que más impresiona del disco es la predominancia de un rock eléctrico áspero y potente, con marcadas raíces bluseras y texanas.

No hay que esperar mucho para comprobar lo que estamos describiendo, porque el primer corte Number with No Name ya es un compendio de riffs de blues eléctrico y ásperas guitarras slide, bien guiadas por un bajo y batería especialmente contundentes. El sonido es el de una gran banda perfectamente engrasada, algo digno de mención ya que se enfrentaban a su primer trabajo juntos. Le sigue Up to you know, que podríamos denominar como uno de los temas más Harper del disco, entendiendo esto como una mayor cercanía melódica a lo que el músico había hecho en discos anteriores con los Innocent Criminals, y que encuentra la manera de no desentonar en este disco a través del potente bajo y la distorsión de las guitarras. Es solo un alto en el camino, porque Shimmer & Shine, elegido como primer single del disco, vuelve al camino del rock al ritmo de una batería cercana al punk y unas guitarras que zumban de fondo mientras Harper canta un tema ideal para grandes estadios.

Lay there & hate me tiene un regusto soul funk contestatario y rebelde y aporta la dosis necesaria de variedad en un disco de rock, mientras que Why Must You Always Dress in Black supura blues rock con su riff vertiginoso e incendiario y la master class de intensidad que ofrece Jordan Richardson a la batería, antes de que con Skin Thin llegue el ya mencionado momento en el que Harper cuela en el disco una de sus habituales baladas acústicas de marcada melancolía sureña. Tras la pausa para respirar hondo, llega el turno de Fly one time, una agradable pieza que encajaría como un guante en discos de REM o U2, con guitarras efectivas pero menos agresivas que las de las canciones más relevantes del disco, entre las que sin duda está Keep it together (So I can fall apart) en la que las influencias de Hendrix en la guitarra wah wah son evidentes. Intensa y electrificada, te mantiene en vilo hasta que se frena a mitad, convirtiéndose en un leve lamento de voz y guitarra blues, que poco a poco van reponiéndose hasta estallar de nuevo en un intenso final eléctrico.

Boots like these tiene un ritmo vertiginoso y oscuras guitarras que prolongan acordes, mientras Harper canta en un estilo que es casi un recitar acelerado con el que conforma el tema más experimental del disco, una rareza que contrasta con la intensidad y la profundidad de The world suicide, uno de los momentos más inspirados del disco, con aires de himno épico y un evocador solo de guitarra. Y desde lo más alto, solo queda contemplar satisfechos el espectacular paisaje, e iniciar tranquilamente el descenso con Faithfully Remain, otra de esas bellas y aparentemente sencillas baladas marca de la casa, pero no por ello menos inspirada o más prescindible que cualquier otra de las 11 mentiras piadosas con las que Ben Harper nos ayuda a superar estos tiempos tan oscuros.

El disco de la semana 279: The Blues Album - Joanne Shaw Taylor

 

The Blues Album, Joanne Shaw Taylor 

     Esta semana, para la recomendación semanal nos acercamos a la localidad británica de Wednesbury, situada en West Midlands, donde nació allá por 1985 Joanne Shaw Taylor, una de los grandes estandartes en la actualidad, por derecho propio, del blues rock británico. Atrás queda ya el año 2001, cuando fue descubierta por Dave Stewart, del grupo Eurythmics, cuando contaba con apenas 16 años. Dave lo tuvo claro, y al escucharla tocar la invitó a unirse a su banda DUP para la gira por Europa en 2002.

Joanne Shaw Taylor aprendió a tocar la guitarra bien temprano, insprándose en artistas de la talla de Stevie Ray Vaughan, Albert Collins y Jimi Hendrix. Su imagen suele esar asociada a la de una Fender Telecaster, guitarra que suele usar con asiduidad, aunque también suele usar Gibson Les Paul. También ha admitido que le gusta la Fender Stratocaster, pero ésta para trabajos de guitarra rítmica. Suele usar una Telecaster, a la que llama Junior, y que adquirió a la edad de 15 años, un modelo Esquire de 1966 modifcado y que compró de segunda mano en Londres, al que se le había agregado una pastilla de mástil humbucker Fender Jazz además de la pastilla de fábrica que llevaba en el puente. También suele usar una Telecaster modelo Fender Albert Collins, la cual fue un regalo que le hizo Joe Bonamassa. 

En 2009 Joanne debutaba lanzando su primer álbum de estudio, White Sugar, bajo el sello discográfico Ruf Records. Unos 13 años después, con 8 álbumes y un EP,  la genial guitarrista británica se ha asentado en la élite musical del blues rock, y esta semana vamos a recomendar uno de sus álbumes, más concretamente su último trabajo, The Blues Album, publicado en el año 2021. The blues Album empezó a tomar forma durante la pandemia, y para este proyecto contó con la colaboración en la producción de dos gigantes de la guitarra, Joe Bonamassa y Josh Smith, que ayudan a Joane a exprimir todo su potencial con la guitarra y con la voz. 

The Blues Album es grabado en los estudios Ocean Way de Nashville, bajo la producción, como hemos comentado anteriormente, de Joe Bonamassa y Josh Smith, y publicado en 2021 bajo el sello discográfico Keeping the Blues Alive, propiedad del mismo Joe Bonamassa. Los dos productores tenían claro que había que rodear a Joanne de musicos solventes, y para ello contaron con Reese Wynans (teclados), Greg Morrow (batería), Steve MAckey (bajo), Steve Patrick (trompeta), Mark Douthit (saxo) y Barry Green (trombón). También contaron con la colaboración de Mike Farris.

El resultado es The Blues Album, compuesto por doce versiones de blues, donde se nota el gran trabajo a la producción de los dos excelsos gutarristas, y donde Joanne está a la altura dando su propio toque personal con su indudable calidad a la guitarra, y también con su áspera y elegante voz. Compone el material de este disco Stop Messin' Round, compuesta por Peter Green, y que fue grabado por primera vez por éste en 1968 e incluido en el ábum Mr. Wonderful de Fleetwwod Mac. Una versión donde destaca el buen hacer de los teclados. If That Ain't a Reason, compuesta por Little Milton y publicada en su álbum Chronicle en 1979. Podemos  apreciar el gran trabajo vocal de Joanne, muy bien escoltada por unos magníficos coros. Keep On Lovin' Me, tema escrito por Otis Rush y publicado en 1969 en su álbum This One's A Good 'Un. Tema con unos buenos arreglos de la sección de metales, y un sólo abrasivo de la guitarrista marca de la casa. La ardiente y apasionada If You've Gotta Make a Fool of Somebody, escrita por Rudy Clark y grabada por pimera vez en 1961. Sería convertida en un clásico por la gran Aretha Franklin en su grabación en 1969. Don't Go Away Mad, tema acreditado a Ry Cooder, John Hiatt, Nick Lowe, y Jim Keltner, quienes en 1992 formaron un supergrupo llamado Little Village y lanzaron un álbum de título homónimo. Este tema forma parte de este disco. En esta alegre versión Joe Bonamossa colabora aportando su toque en la guitarra y las voces. En Scraps Vignette Joanne saca a relucir todo su potencial en este breve instrumental lleno de garra y fuerza escrito por Josh Smith. Tampoco se olvida del gran Albert king en su repertorio, y el tema elegido es Can't You See What You're Doing To Me, tema que el guitarrista lanzó en fomarto single en 1970 bajo el sello discográfico Stax. Let Me Down Easy, otro tema popularizado por Little Milton y que fue compuesto por Maurice Dollison. Dollison escribió temas de éxito para artistas de la talla de Etta james, Otis Clay o Blood, Sweat & Tears entre otros. En esta versión, Joanne es capaz de inyectar, con su voz lenta y cruda, al tema un plus de emoción e intensidad. El alegre Two Time My Lovin', escrito por Kim Wilson, vocalista de The Fabulous Thunderbirds, y que fue publicado en su álbum Tuff Enuff (1986). Cierran la brillante selección de once temas de este álbum dos escritos por Don Covay, famoso compositor y cantante estadounidense de R&B, rock and roll y soul: I Don't Know What You've Got, un medio tiempo que se mueve entre el soul y el blues, y grabado y popularizado por Little Richard allá por el año 1965. Joanne cuenta en este tema con la colaboración de Mike Farris, quien agrega armonías vocales y coros; y Three Time Loser, cerrando este disco a rimo de shuffle (ritmo musical vinculado al blues y el jazz).

The Blues Album es un más que recomendable disco, surigo en una época difícil, la pandemia, para darnos ilusión y esperanza. Joanne ve convertido en realidad uno de sus sueños, trabajar con uno de sus ídolos, Joe Bonamassa, y además se suma al proyecto otro de los grandes, Josh Smith. Y la gran guitarrista sabe aprovechar esta oportunidad que se le brinda, no en vano ahora mismo es el referente, la punta de lanza del blues rock británico, un título que se ha ganado a pulso con trabajo, dedicación y esfuerzo. 

El disco de la semana 278: Santana III - Santana

 

Santana III, Santana

Nos encontramos en 1971, y la banda Santana con Carlos Santana al frente, y acompañado de Gregg Rolie (vocalista, teclados, piano), Neal Schon (guitarra), David Brown (bajo), Michael Shrieve (batería, percusión), José "Chepito" Arias (percusión, conga, timbales, batería), y Mike Carabello (percusión, conga, pandereta) se encuentra en su momento más álgido. Entre enero y julio de 1971 la banda publica su tercer álbum de estudio, Santana III, otro gran álbum a la altura de los dos anteriores, y que será el último disco grabado con la formación clásica, ya que en el siguiente se producirán numerosos cambios en la formación. Con Santana III la banda iba a cerrar una imprescindible trilogía junto a los aclamados Santana  y Abraxas.

Santana III, también conocido como Man With an Oustretched Hand (Hombre con una mano extendida), por la imagen de la portada del álbum, es grabado entre enero y julio de 1971 en los estudios Columbia de San Francisco, bajo la producción del mismo grupo, y publicado en septiembre de 1971 por el sello discográfico Columbia Records. Este disco supondrá el último de la llamada formación de la "era de Woodstock" hasta su posterior reunión en Santana IV, en 2016. El grupo había alcanzado la cima de la popularidad, y esto se notó en las listas de ventas, pues Santana III alcanzó el puesto número 1 en la lista estadounidense Billboard 200. 

Santana siguen con la formula de sus anteriores trabajos, mezclando con maestría rock, jazz, blues y sonidos latinos. Abre la Cara A Batuka, acreditada  "Chepito", Brown, Carabello, Rolie y Shrieve. Un genial instrumental compuesto bajo el patrón de una conga, un tema abrasador con una genial sección rítmica a la que pone la guinda un Neal Schon con esos brutales sólos de guitarra. No One to Depended On, acreditada a Carabello, Rollie y Cove Escobedo (percusionista adicional de la banda en esa época). Otro tema con una base muy instrumental, con unos magníficos riffs de bajo y guitarra y una larga introducción instrumental. El tema contiene poca letra, y donde se repite prácticamente todo el tema "Ain't got nobody that i can depend on". Este tema fue lanzado como segundo sencillo el álbum. Taboo, escrita por "Chepito" y Rolie. Un tema con claro sabor a blues donde el protagonista está enamorado de la chica de sus sus sueños pero tiene miedo a dar el primer paso por temor a perderla. Cierra esta primera cara Touissant L'Overture, acreditada a "Chepito", Rolie, Brown, Carabello, Shrieve y Santana. La canción lleva el nombre de un antiguo esclavo hatiano que ayudó a su país a independizarse de Francia en 1804. El tema es prácticamente un instrumental, ya que tiene apenas unas pocas letras. Es maravilloso escuchar la perfecta comunión de la guitarra con las percusiones. 

La cara B comienza con Everybody's Everytihing, acreditada a Carlos Santana, Milton Brown y Tyrone Moss. El sólo de guitarra de este tema es obra de Neal Schon, y es la primera vez que el grupo utilizó músicos invitados, nada más y nada menos que la sección de metales de la mítica banda Tower of Power, y el resultado no puede ser mejor, porque la sección de la mítica banda de funky encajan a la perfección. Guajira, acreditada a Brown, "Chepito" y Rico Reyes, un temazo con una pegadiza y rítimica melodía latina donde estos muchachos nos animan a bailar. Muy destacables el trabajo de la trompeta y la guitarra en este tema. Jungle Strut es un instrumental compuesto por el reconocido saxofonista tenor de jazz estadounidense Eugene "Jug" Ammons, y donde Carlos Santana y Schon hacen las delicias de nuestros oídos con sus guitarras. Everything's Coming Our Way, escrita por Carlos Santana, y donde él mismo asume el rol de vocalista, cosa rara por entonces, pues el rol de vocalista solía ser asumido por Gregg Rolie. Muy destacable el piano de Rolie es este tema con esos sutiles cambios que nos regla durante el tema. Cierra la cara B, y por tanto este magnífico álbum, Para los Rumberos, escrita por el genial músico, compositor y compositor  Tito Puente. En su disco anterior, la banda ya había realizado una versión de un tema de Tito Puente, Oye Como Va, y en este disco vuelven a repetir con este número de baile donde el músico de jazz Luis Gasca colabora tocando la trompeta. 

El disco, llamado III o Santana III para diferenciarlo del primero, también conocido como el disco del "Hombre con una mano extendida", cerraba una magnífica trilogía y donde además de la clásica formación, se unía un segundo guitarrista, un jovencísimo Neal Schon con apenas 17 años de edad. A partir de aquí se abriría una etapa donde la banda se dedicaría a realizar álbumes de corte más experimental.

Grandes éxitos y tropiezos: The Black Crowes

 

The Black Crowes

     En esta ocasión aparece en esta sección la banda estadounidense The Black Crowes, una de las máximas exponentes del rock sureño. La historia de The Black Crowes comienza en 1984, en la Walton High School de la localidad de Marietta, Georgia (Estados Unidos), escuela a la que asisten los hermanos Chris y Rich Robinson. Es allí donde forman un grupo llamado Mr. Crowe's Garden, en honor al libro infantil Johnny Crow's Garden escrito por Leonard Leslie Brookes, un nombre que acabarían modificando para acabar llamándose The Black Crowes. En sus inicios están influenciados por grupos como REM, el rock sureño y el pop psicodélico de los años 60, si bien van evolucionando hacia un sonido mas blues rock con el paso del tiempo. Iniciaban una fulgurante carrera que nos deja ya para la historia 8 álbumes de estudio y 3 grabados en directo. Como ya sabéis esta sección trata de ser una guía para aquellos que quieran hacerse con la discografía del grupo de turno, recomendando por cuales habría que empezar y cuales dejar para el final, por lo que sin más preámbulos, vamos allá:

Estás tardando en comprarlo:

Shake your Money Maker (1990), un disco que supondría el estreno de la formación con un rotundo éxito tanto por parte de la crítica especializada como por el público. Un disco con grandes dosis de blues rock, rock & roll e incluso algún que otro tinte de hard rock, y donde podremos apreciar influencias de grupos como los Rolling Stones, The Faces, Led Zeppelin, The Allman Brothers Band ó Lynyrd Skynyrd. Este disco con el paso del tiempo se convertirá en uno de los mejores álbum debut de todos los tiempos, siendo también un disco indispensable en cualquier biblioteca musical. Álbum de muchos kilates envuelto en una vorágine de sonidos de rock sureño y rock & roll. The Southern Harmony and Musical Companion (1992), disco con el que la banda iba más allá y mostraba un vertiginoso crecimiento musical, ampliando su gama de sonidos y matices. Un disco con una producción extremadamente cuidada, perfecta, donde los sonidos de los teclados y los coros cobran importancia. Disco con temazos como Sting Me, Remedy, Hotell Illness, Bad Luck Eyes Goodbye o Sometimes Salvation elevan este disco a la categoría de indispensable.

Si te queda pasta, llévate también: 

Amorica (1994), considerado como el tercer gran álbum de la banda junto con Shake Your Money Maker y The Southern Harmony and Musical Companion. El grupo de Atlanta ya se encontraba asentado en la élite musical y se marcaba un álbum completamente diferente a sus anteriores trabajos. Con este disco el grupo demostraba que podían ser algo más que unos rockeros con alma de blues. Amorica es quizás el álbum con un sonido más vanguardista y contemporáneo de la banda, mostrándose más reflexivos, y donde predominan los medios tiempos y las baladas. La banda se abría a otras influencias y sonidos, como se pueden apreciar en P25 London con eso aires funkies, los aires latinos en Thorn on my Pride, grandes baladas como Cursed Diamond, o la brillante y minimalista A conspiracy. Otro álbum que no puedes dejar en el expositor si te queda algo de pasta es Lions (2001), disco que marca un antes y un después en la banda, pues es el primero que graban con una discográfica no internacional, concretamente lo hacen con V2, propiedad de Richard Branson. El grupo vuelve a sus orígenes con un sonido menos producido y más rudo, y donde más se notan las influencias de la música negra en el grupo, y que podemos apreciar en temas con aires soul como No Use Lying, o con influencias de música gospel como Soul Singing.

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Three Snakes and One Charm (1996) tuvo la mala suerte de ser el cuarto álbum de estudio de la banda e ir detrás de tres grandes discos como Shake Your Money Maker, The Southern Harmony and Musical Companion y Amorica, y eso pesó mucho. El disco no fue capaz de mantener el nivel de ventas, siendo además hasta el momento el trabajo con menos calidad que la banda había hecho hasta el momento. No es un  disco malo, pero tuvo la mala suerte de ir detrás de tres auténticos trallazos. La banda se dedica a explorar los sonidos psicodélicos de la década de los 60 en un disco que no llega al nivel de sus anteriores trabajos. Warpaint (2008) es el álbum que supuso el retorno de la banda, lo que hacía que el público y los fans del grupo se mostraran más que receptivos con la banda, y ese es el contexto en el que nace Warpaint, un disco que, estado lejos de sus mejores álbumes, es bastante respetable. En lo musical se queda en uno de los menos trascendentes de la banda, pero lo importante es que la banda había vuelto a la carga y todavía le quedaba cuerda.

Pero si lo que buscas on canciones sueltas, esta nuestra propuesta para ir adentrándose en el mundo de The Black Crowes:

1.- Remedy

2.- Twice As Hard

3.- Gone

4.- Soul Singing

5.- Hard To Handle

Grandes éxitos y tropiezos: Stevie Ray Vaughan

 

Stevie Ray Vaughan

     Hablar de Stevie Ray Vaughan es hablar no sólo de un magnífico guitarrista, también cantante, compositor y productor estadounidense que fusionó como nadie los géneros blues y rock. Desde la creación de su Double Trouble allá por 1978, se foguea por todo el estado de su Texas natal dando infinidad de conciertos, hasta que en 1982 se le presenta la oportunidad de tocar en el mítico Festival de Jazz de Montreux. Aquel concierto dejó impresionados a todos los allí presentes, incluso a David Bowie, quien se encontraba allí presente. Tanto es así que Bowie contrata a Stevie para que toque en su álbum Let's dance (1983), grabando en seis de los ocho temas que contiene el disco. Ese mismo año comenzaba su carrera grabando su primer álbum de estudio e iniciaba su ascenso a la cima del blues rock, una carrera que estuvo marcada por sus altibajos por sus problemas con sus adicciones, las cuales fue capaz de superar. Stevie conseguía susperar sus adicciones y recuperar su forma con la guitarra, y cuando parecía que todo se le ponía de cara el infortunio volvía a cruzarse con él en forma de accidente de helicópero el 27 de agosto de 1990 y se llevaba a uno de los mejores guitarristas de blues y rock de la historia. Con una discografía que se compone de 6 discos de estudio y uno en directo publicados en vida, entre ellos hay algún que otro altibajo, y si lo que que quieres es iniciarte en conocer la discografía de este excelso guitarrista, vamos a intentar ayudarte recomendando por que discos empezar y cuales dejar para el final si tu presupuesto no da para adquirirlo todo de golpe.

Estás tardando en comprarlo:

Tenemos claro que hay que empezar por su álbum debut, Texas Flood. En 1983, depués de su colaboración con David Bowie se le brinda la oportunidad de grabar su primer disco. El disco es grabado en tan sólo tres días y prácticamente casi todo grabado en directo, sin adornos ni florituras, lo que da una muestra de la calidad de Stevie y su Double Trouble, pues llevaban cinco años batiendose el cobre en directo concierto tras concierto. Texas Flood es un disco extraordinario, sin fisuras, donde Stevie demuestra por qué es considerado uno de los mejores guitarristas que han existido, siendo capaz de coger temas de estilos tan diferentes como funky, blues, rock e icnluso temas infantiles y darles su toque personal llevándoselos a su terreno. Un disco considerado todo un clásico entre los amantes del género. Tampoco puede faltar su segundo álbum de estudio, Couldn't Stand the Weather (1984), confirmando la evolución que se esperaba de él y que su disco debut no había sido una casualidad. Un disco a la altura de su primer álbum que además tuvo una gran aceptación de público y crítica y superaba las cifras de ventas de Texas flood, alcanzando el puesto número 31 en la famosa lista estadounidense Billboard 200. 

Si te queda pasta, llévate también:

En noviembre de 1986, después de salir de rehabilitación Stevie se había embarcado en la gira de promoción de su álbum en directo Live Alive. Una gira que comenzó con muchas dudas, aunque pronto quedaron disipadas por su buen hacer en directo. Este hecho, unido a que en esa época estuvo sumido en un proceso de separación de su por entonces mujer Leonora "Lenny" Darlene Bailey, hizo que estuviera casi dos años sin escribir y componer material nuevo. Stevie entraba en el estudio de grabación en 1989 dejando atrás sus problemas de adicciones, pero con una dolorosa separación y con muchas dudas sobre sus habilidades musicales y creativas después de alcanzar la sobriedad. Así nace In Step, grabado en 1989, un álbum que demostró que la calidad seguía ahí y que además supuso una gran exeriencia de crecimiento y que generó gran confianza en el guitarrista. Family Style (1990), lanzado un mes después del fallecimiento del artista. Stevie siempre había comentado que le gustaría hacer un disco con su hermano mayor Jimmie Vaughan, y es precisamente lo que hizo, su última grabación de estudio. A pesar de recibir algunas críticas donde se le echaba en cara la falta de estilos personales propios y que las canciones se alejaban demasiado del blues tradicional es una buena oportunidad para disfrutar de la calidad como guitarristas de los dos hermanos. 

Vuelve a dejarlo en el expositor:

Si apenas te queda dinero o ya te has gastado gran parte de tu presupuesto deja para otra ocasión Soul to Soul (1985). Stevie había llegado a un punto en el que su abuso del alcohol y las drogas empezaban a interferir en su música. A medida que avanzaban las sesiones de grabación de este disco en los estudios Sound Lab de Dallas, el guitarrista, al que se le permitió un ritmo más relajado de grabación, empezó a notar una falta de concentración. Los abusos empezabn a hacer mella en esa época, donde Stevie solía llegar al estudio a drogarse y jugar al ping pong. Todo esto desembocó en que cada vez le costaba más cantar y tocar las partes de guitarra. El álbum consiguió acabarse y alcanzó muy buenas cifras, el puesto 34 en la lista Billboard 200 y su certificación de disco de oro, pero adolecía de esa fuerza y energía de discos anteriores. Live Alive (1986) fue grabado tomando material de conciertos dados en aquella época en Austin y Dallas en julio y publicado en noviembre, y como el mismo reconocería más tarde "No estaba en muy buena forma cuando grabamos Live Alive. En ese momento no me dí cuenta de la condición en la queme encontraba. Hubo más trabajos de corrección en el disco de los que me hubiera gustado". Todo un ejercicio de honestidad y sinceridad. 

Si lo que buscas son canciones sueltas: 

Puedes comenzar con esta selección de cinco canciones propuestas por 7dias7notas para ir abriendo boca: 

1. Pride and Joy

2. Cold Shot

3. Texas Flood

4. Crossfire

5. Change It

Disco de la semana 250: Are you experienced? - The Jimi Hendrix Experience

Siendo solo un crío, mientras en la radio o en un equipo de música sonaba un tema de cualquiera de los grandes guitarristas del momento (Van Halen, Gary Moore, Steve Vai, etc) siempre me llamó la atención que, inevitablemente, en las conversaciones siempre salía la coletilla de "es muy bueno, pero como Jimi Hendrix no hay otro". Tanto tuve que escucharlo, que fue también inevitable que, en cuanto pude hacerme con un disco suyo, me lanzara a la "experiencia" de comprobar que era lo que aquel guitarrista, compositor y cantante estadounidense había ofrecido a propios y extraños, para que todos coincidieran en otorgarle el cetro dorado del rey de los guitarristas, a pesar de que su carrera profesional duró solo cuatro años.

Jimi Hendrix comenzó a tocar la guitarra a los 15 años. Su padre intentó que su hijo tocara la guitarra como los diestros, ya que el uso de la mano izquierda se asociaba con el diablo, y a los niños zurdos les obligaban a "corregirse" en la escuela. Aquella absurda práctica permaneció vigente hasta mis tiempos de colegial por lo que, como zurdo "corregido", sentí todavía más empatía e interés por la cabeza visible de The Jimi Hendrix Experience, y del disco con el que decidí descubrirle: Are you experienced? (1967). Se trataba de su álbum de debut, que tuvo versiones diferentes en Reino Unido y Estados Unidos. Afortunadamente, la que llegó a mis manos fue la versión estadounidense, ya que en el Reino Unido aún mantenían la costumbre de no incluir en los discos las canciones publicadas como single, y no habría sido la misma experiencia sin canciones como Hey Joe, Purple Haze o The Wind Cries Mary, temas clave de su discografía que llegaron al Top 10 del Reino Unido como sencillos.

Are You Experienced fue producido por Chas Chandler (bajista de The Animals) y se grabó entre los meses de octubre de 1966 y abril de 1967, a lo largo de dieciséis sesiones de grabación en tres estudios diferentes de Londres. Hey Joe fue el primer single publicado (con Stone Free en la cara B), y también la primera de las canciones que se grabaron. La banda encontró tiempo entre actuaciones para juntarse en los estudios De Lane Lea y abordar un tema acreditado a Billy Roberts en 1962, pero que para muchos se basa en una canción tradicional de las Montañas Apalaches. La versión de Hendrix, además de tener a Noel Redding al bajo y a Mitch Mitchell a la batería, contó con el apoyo vocal del grupo The Breakaways. Con la primera canción, comenzaron también los primeros conflictos entre Hendrix y el productor. Cuando éste le pidió que bajase el volumen de su amplificador, Hendrix amenazó incluso con abandonar Inglaterra, pero Chandler se mantuvo firme y le entregó el pasaporte para que se fuera, y entonces Hendrix se echó a reír diciendo: "OK, has visto mi farol"

Love or Confusion, con influencias orientales, fue uno de los temas que se grabaron en los estudios de CBS, porque Chandler buscaba una mayor calidad de sonido que la que habían conseguido con Hey Joe y los temas de De Lane Lea. De aquella nueva tanda de grabaciones salieron también Foxy Lady (Con toques de heavy metal, grabada en una sola toma salvo algunos overdubs, e inspirada en Heather Taylor, que después se casaría con Roger Daltrey de los Who) y Third Stone from the Sun (tema de spoken word en clave rock y con tramos cercanos al jazz, sobre un extraterrestre que, tras evaluar a los seres humanos, decide que la única solución es su completa destrucción). La gran cantidad de guitarras Marshall que Hendrix empleó para estas grabaciones y el nivel de ruido que generaban, fueron toda una experiencia para los tímpanos de los ingenieros de sonido del estudio.

​Tras desavenencias con el dueño del estudio de CBS, decidieron volver a los estudios De Lane Lea, dónde empezaron a trabajar en nuevos temas, que finalmente pulirían en los estudios Olympic, donde de nuevo el alto volumen de la guitarra de Hendrix generó problemas, esta vez con el vecindario. De aquellas sesiones saldría el segundo sencillo Purple Haze, el tema que abre la edición estadounidense del disco.​ La complejidad y extravagancia de sus arreglos, y los múltiples efectos de guitarra con los que experimentaron, hicieron de este tema una de las cimas creativas de la carrera de Hendrix, y una de sus canciones más celebradas y reconocibles, pero para la época se trataba de un sonido tan novedoso como extraño, lo que motivó que al enviar la cinta para la remasterización, tuvieran que indicar en el embalaje que la distorsión allí grabada era deliberada y no debía ser corregida. A menudo se relaciona la letra de la canción con un viaje psicodélico, pero Hendrix por entonces no había probado aún el LSD, y el propio autor dijo haberse basado en un sueño y en una historia de ciencia ficción sobre un rayo mortal de color púrpura.

Ya entrados en enero de 1967, grabaron The Wind Cries Mary, la gran balada del disco, compuesta después de una discusión con su novia, Kathy Mary Etchingham. Tiene ecos de Curtis Mayfield y del folk de Bob Dylan. La canción, que sería su tercer single, es todo un ejercicio de overdubbing, mezclando hasta cinco guitarras en lo que finalmente parece ser una sola. El presupuesto iba menguando, por lo que salvo los overdubbings de guitarra, el resto del tema es una única y primera toma. En esas mismas fechas, grabaron Fire, un tema al más puro estilo soul-funk, a partir de una versión en directo.​ De vuelta una vez más a De Lane Lea, grabaron Manic Depression y I don't live today, uno de los primeros temas en los que Hendrix juega con el feedback y su característico efecto de guitarra wah wah, combinados con una letra oscura que contrasta con la luminosidad tribal de su ritmo.

Después llegarían Highway Chile (que junto a Stone Free y 51st Anniversary acabarían siendo incluidas como temas extras en una edición posterior), May This Be Love (la otra balada del disco junto a The Wind Cries Mary) y Are You Experienced?, la pieza psicodélica y post moderna​ que dió nombre a un disco en el que la diversidad de estilos es la nota predominante, combinando de manera brillante y novedosa hard rock, folk, psicodelia, free jazz, blues y R&B, en una mezcla cruda y directa que tiene como hilo conductor las distorsionadas guitarras de Hendrix.

La relevancia de Are you experienced? es tal, que es uno de los discos incluidos en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, por su enorme valor histórico y cultural. La revista Rolling Stone la situó en el puesto nº 15 de la lista de 500 mejores álbumes de todos los tiempos, e incluyó además cuatro de las canciones entre las 500 mejores canciones de todos los tiempos (Purple Haze, Foxy Lady, Hey Joe y The Wind Cries Mary). ¿Y cuál fue mi veredicto tras aquella primera escucha? Mi opinión no es muy relevante, solo diré que coincide con la que de Horst Schmaltze, el ejecutivo de la discográfica Polydor al que Chandler entregó el disco, temeroso de cual fuera a ser su reacción ante una obra tan psicodélica y arriesgada. Horst escuchó el disco sin decir una palabra. Al finalizar la segunda cara, simplemente dijo: "Esto es genial. Es lo mejor que he escuchado jamás".

Disco de la semana 246: Come On In - R. L. Burnside

 

Come On In, R. L. Burnside

     Para la recomendación semanal de turno traemos una propuesta diferente, blues del Delta entremezclado con música electrónica y trip hop (fusión de hip hop con músia electrónica). El artifice: R. L. Burnside, uno de los grandes precursores del blues del Delta, y más concretamente de un estilo conocido como Trance Blues.

R. L. Burnside nace en 1926 en Harmontown, Mississippi (Estados Unidos), si bien pasa la mayor parte de su vida en Holy Spings, también en Mississippi. Su padre abandona a la familia desde que R. L. es pequeño, por lo que éste crece con su madre, sus abuelos y sus hermanos. De pequeño empezó a tocar la armónica y la guitarra, siendo una de sus principales influencias Mississippi Fred Mcdowell, quien era vecino suyo. Otras influencias para él fueron John Lee Hooker y Muddy Waters. 

A finales de la década de los 40 se muda a Chicago en busca de más oportunidades económicas, encontrando trabajo en varias fábricas dedicadas al vidrio y el metal. En menos de un año de su estancia en Chicago, un hermano suyo, su padre, quien vive allí, y un tío suyo son asesinados, por lo que Bunside, destrozado, regresa a Mississippi. En 1959 R. L. mata a un hombre debido a una disputa originada por el dinero que se juega jugando a los dados, aunque únicamente pasa 6 meses en la carcel gracias a la intermediación de su patrón, quien necesita al músico para que conduzca el tractor de donde trabaja.

Durante las décadas de los 60 hasta lo 90, R. L. Burnside pasó los siguientes años en Mississippi ejerciendo como músico a tiempo parcial, mientras trabajaba como aparcero, como pescador y como conductor de camión. Alternaba su trabajo tocando en locales de música, bares, picnics, fiestas, y en algún festival ocasionalmente. Durante esas décadas Burnside grabó varios discos, tanto en solitario como con una banda formada por él junto a dos de sus hijos y un nuero, llegando incluso a grabar en Holanda. Hasta entonces, en toda su obra predomina la guitarra acústica. Lo que no sabía R. L. es que su vida daría un giro inesperado en la década de los 90 que le permitría vivir completamente de la música, algo que no había logrado hasta entonces. 

A principios de los 90 R.L. consigue que Matthew Johnson se fije en él y le fiche para su sello recién salido sello discográfico Fat Possum Records. Así publica Bad Luck City en 1992, y Too Bad for Jim en 1994, los cuales le empiezan a prpoporcionar cierto éxito. En 1996, la banda de punk-rock-blues John Spencer Blues Explotion se fija en él gracias a estos últimos discos y graba con él el álbum A Ass Pocket of Whiskey, realizando además una posterior gira con él. Si bien este disco con un toque muy duro y crudo, no fue muy bien visto por por el sector más purista del blues, pero le abrió las puertas de otro sector, el de un público que se movía en una escena más undergorund del rock. 

En 1997 los dirigentes de su sello discográfico, Fat Possum Records, son conscientes que uno de sus artistas más punteros, R. L. Burnside, se está devaluando, debido en parte a la mala recepción por parte de la crítica de su último diso hasta entonces, Mr Wizzard. Deciden proponerle entonces un disco donde el blues se encuentre con la música electrónica. En un Principio Burnside, quien tiene ya 71 años, se muestra escéptico sobre esta idea, si bien al final decide apostar por el inusual proyecto. El álbum fue producido casi en su totalidad por el músico, compositor y productor de discos estadounidense Tom Rothrock, a excepción de una versión en vivo del tema Come On In, el cual fue producido por músico y productor, presentador de programas de radio y propietario de un local de música en Phoenix, Arizona, Bob Corritore. 

Así se gesta el álbum Come On In, publicado en 1998 por el sello discográfico Fat Possum Records, donde se mezcla y fusiona el blues y la guitarra de R. L Burnside con la musica dance y la música eléctrónica, incorporando además técnicas de muestreo y de bucle. Una fusión que en un principio fue considerada inusual por la crítica, y que acabó recibiendo ellogios por parte de ésta, consiguiendo además unas buenas cifras en ventas. 

Come On In remezcla la música de Burnside con ritmos electrónicos, dando como resultado una ruidosa fusión de blues con música dance. Más raro es aún encontrarse en un disco de blues del delta con música programada y remezclada, pero Burnside hace que ésta fusión fluya como algo natural, dejando que a lo largo del disco el blues se vaya entremezclando y cortando con ritmos eléctrónicos y de hip hop.

Se esperaba que Come In On alejara a los más puristas del blues, pero este se vendió con fuerza llegando a alcanzar el puesto número 20 en el Core Chart Radio, y parte de la crítica vio este álbum como la próxima evolución del blues. Un disco donde podemos disfrutar, por ejemplo, de temas con fuertes riffs como Let My Baby Ride, o temas más remezclados como Don't Stop Honey y It's Bad You Know. Come On In y Just Like a Woman son por el contrario los temas menos tecnificados del disco, más naturales. Un disco que no te dejará indiferente en absoluto.