1248.- Sugar Baby Love - The Rubettes

The Rubettes fue una exitosa banda de glam rock de segundo nivel que llegó demasiado tarde para ser parte de la explosión T-Rex/Bowie/Slade de principios de los 70. Aunque carecían en cierto modo de glamour real, tenían una imagen fuerte y tonta (trajes blancos y gorras flexibles) e hicieron tres o cuatro discos pop decentes. Una banda que comienza su carrera con un sencillo número uno internacional con tres millones de ventas solo tiene un camino por recorrer aunque lograron lanzar algunas cosas interesantes en su pronunciado descenso. Eran típicos de la segunda ola de bandas de glam rock del Reino Unido que apuntaban directamente al extremo más joven del mercado del pop adolescente que en el 74, se montaron en el espíritu de la época del Graffiti americano, casando rock y pop deliberadamente cursi de los años 50 y principios de los 60 con una imagen extravagante que hacía referencia al glamour, evitando al mismo tiempo el hecho de que no eran tipos andróginos de Bolan/Bowie, pero un grupo de músicos de sesión que no exudaban exactamente un poder de estrella brillante. La discografía de los Rubettes cubre una extraña variedad de estilos sin siquiera establecer una identidad musical distintiva para la banda, el grupo se reunió apresuradamente después de que su sencillo debut “Sugar Baby Love”, elaborado con músicos de sesión, ocupara un lugar destacado en las listas y todas sus mejores canciones provienen de las mismas sesiones de demostración originales que produjo “Sugar Baby Love”. De los músicos en esa grabación, el versátil cantante y guitarrista Alan Williams se convertiría en la cara de la banda, mientras que el baterista y cantante John Richardson también mantendría el rumbo durante los años 70 y el dúo contribuiría a la composición de los álbumes de la banda.

Vamos con la "sobredosis de azúcar", vamos a con un tema que está construida a partir de unos claros ingredientes: acordes potentes, batería robusta, coros y una gran mirada al pop de principios de los sesenta. “Sugar baby love, Sugar baby lo-ove, no quise ponerte triste...” El cantante está tratando de hacerle el favor a su novia, tratando de disculparse por un delito menor no especificado. Si fuera ellos, me habría limitado a una carta o una llamada telefónica. ¿Puedes imaginar a alguien haciendo esto afuera en la ventana del dormitorio de una niña por la noche y, con suerte, llamar a la policía? Pero lo petaron, incomprensiblemente todos hemos tatareado ese estribillo y lo confieso, no puedo odiar esta canción, no importa lo que represente. Mis pies avanzan bastante felices, tengo una tolerancia extremadamente alta hacia las secciones de palabras habladas en las canciones pop y, por supuesto, 'Sugar Baby Love' tiene que ir ahí. Gente, sigan mi consejo. Si aman a alguien, no lo piensen dos veces... no le canten nunca esto, pero deja que sus acordes os rodeen cualquier noche mientras os mirais a los ojos.

0968.- I Won't Last A Day Without You - The Carpenters

 

I Won't Last A Day Without You, The Carpesnters

     A Song For You es el cuarto álbum de la banda estadounidense The Carpenters. Dicho álbum fue grabado en los A&M Studios de Hollywood, bajo la producción de Jack Daugherty, y publicado el 13 de junio de 1972 por el sello discográfico A&M Records. Según Richard Carpenter, este disco estaba destinado a ser algo así como un álbum conceptual con la melodía del título abriendo y cerrando el mismo. De A Song For You se lanzaron seis sencillos: Hurting Each Other, Its Going to Take Some Time, Goodbye to Love, Top of the World, Bless the Beast and Children y I Won't Last a Day Without You. Todos los sencillos menos Bless the Beast and Children ocuparon los primeros puestos en la lista estadounidense Adult Contemporary.

Nos vamos a centrar en I Won't Last a Day Witthout You, cuya música fue compuesta por el multi instrumentista y compositor estadounidense Roger Nichols, mientras que la letra fue escrita por el compositor, cantante y actor estadounidense Paul Williams. Dicho tema fue lanzado bastante tarde como sencillo, concretamente en 1974, y llegó a alcanzar el puesto número uno en las listas de Estados Unidos. En 1972 Richard Carpenter tiene conocimiento de que Nichols y Williams, quienes ya habían escrito anteriormente para The Carpenters los temas We've Only Just Begin y Rainy Days and Mondays, están trabajando en una nueva canción, por lo que deciden utilizarla e introducirla en el álbum Song For You. El grupo se encontraba con un apretado calendario de giras, lo que le impedía trabajar y dedicar el tiempo suficiente en componer material nuevo, por lo que deciden utilizar varios temas de otros compositores, entre los que se encuentra este bello y delicado tema.

0967.- Top of the world - The Carpenters

El dúo The Carpenters compuesto por dos hermanos fue uno de los grupos que mas vendieron en la década de 1970. Diez de sus sencillos vendieron un millón de copias o más y la voz de la cantante principal, Karen Carpenter, fue de las mas escuchadas en las ondas de radio durante toda la década. La voz de Karen inspiró a legiones de cantantes que vinieron después de ella, desde Kd Lang hasta Madonna, quien incluyó un homenaje a ella con la canción " Rain " en el álbum de 1992 Erótica . Sin embargo, el hermano de Karen, Richard, pianista y compositor, dijo que Karen realmente se consideraba una baterista que cantaba. The Carpenters ficharon por A&M Records en 1969 y se convirtieron en una sensación musical. Durante una época en la que el rock and roll dominaba la radio, seguido más tarde por la música disco, The Carpenters ofrecían un sonido distintivo y más suave que muchos descartaban por ser cursi o demasiado dulce. Éxitos como "There's a Kind of Hush" y " Rainy Days And Mondays " contrastaban marcadamente con otras canciones de la época de artistas como los Rolling Stones o Guess Who. Richard abordó este tema en una entrevista con NPR en 2009, cuando incluso el entrevistador Terry Gross dijo que solía pensar que su música era "cursi". Richard respondió diciendo que las personas que piensan eso son "ignorantes". La carrera discográfica de Carpenters tuvo un final abrupto y trágico en 1983. Karen luchó contra la anorexia nerviosa durante muchos años, en una época en la que se sabía relativamente poco sobre esta enfermedad. Estaba visiblemente bajo de peso y comenzó a sufrir los efectos de su enfermedad a finales de los años 1970. Los intentos de tratamiento fracasaron y el 4 de febrero de 1983 fue encontrada desplomada en su casa. Murió por insuficiencia cardíaca y complicaciones de la anorexia, en su honor fue bautizada como RA Oh42m57 una estrella recién descubierta en la constelación de Andrómeda. Atrás quedaron catorce años de carrera, once LP’s y mas de cien millones de discos vendidos.

“Top of the World” fue escrita por Richard Carpenter y John Bettis, dos colaboradores de toda la vida que se inspiraron para escribir la canción después de un viaje a un jardín en Beverly Hills. Como Richard recordó más tarde: “Cuando John y yo nos íbamos, nos subimos a su auto y, cuando encendió el motor, escuché a alguien decir: 'Estamos en la cima del mundo'. … Y esa frase se me quedó grabada en la cabeza”. La canción fue grabada por primera vez por Lynn Anderson en 1973, pero no fue hasta que se lanzó la versión de The Carpenters en 1973 que se convirtió en un éxito número uno. La exuberante voz de Karen Carpenter y la vertiginosa orquestación de la canción dieron vida a la canción, y rápidamente se convirtió en una de las melodías distintivas del dúo. En esencia, “Top of the World” es una canción sobre superar obstáculos y alcanzar tus sueños. Las primeras líneas, “Tal sentimiento me invade / Hay asombro en casi todo lo que veo”, marcan el tono para el resto de la melodía. El narrador se encuentra en un lugar de asombro y asombro, y el mundo se siente lleno de posibilidades. El estribillo de la canción: “Estoy en la cima del mundo mirando hacia abajo a la creación / Y la única explicación que puedo encontrar / Es el amor que he encontrado desde que estás aquí / Tu amor me puso en la cima del mundo” – habla de la idea de que el amor puede elevarnos más alto y ayudarnos a lograr grandes cosas. Pero la canción no se refiere sólo al amor romántico. También se trata del amor y el apoyo de amigos, familiares y comunidad. La letra también aborda la idea de ser derribado y volver a levantarse. En el segundo verso, el narrador canta sobre "las nubes oscuras que me tenían ciego, será un día brillante, brillante y soleado". Esta es una clara referencia a tiempos difíciles y desafíos, pero el uso de la palabra “voy a” da la impresión de que el narrador está decidido a superar estos obstáculos y salir del otro lado. Euforia desmedida derrama de esta obra positiva que nos invita a soñar que el amor es perfecto, al menos el que vive el protagonista de ‘Top of the world’. Porque está cargado de buenos sentimientos, de cariño correspondido y de alguien que simplemente está ahí para estar contigo y te lo demuestra día tras día. Por eso está en la cima del mundo. Es que no hay mejor sensación que la que vivimos cuando estamos enamorados. Todo es luz y alegría, todo es rosa y somos impermeables a los problemas gracias a la coraza de nuestras sonrisas perennes. Nos sentimos en la cima del mundo, centrados sólo en disfrutar de la vida.

0921.- Alone Again (Naturally) - Gilbert O'Sullivan

El nombre real de Gilbert O'Sullivan era Raymond O'Sullivan, y lo cambió, a instancias de su manaer, en ese momento de finales de los años 60 cuando la gente generalmente intentaba superarse en surrealismo entre ellos. Nació en Irlanda y se crió principalmente en Londres, y comenzó a hacer música siendo estudiante de arte en los años 60. Durante un tiempo, O'Sullivan tocó la batería en Rick's Blues, una banda liderada por el futuro líder de Supertramp, Rick Davies, y O'Sullivan le da crédito a Davies por haberle enseñado tanto la batería como el piano. Eventualmente, O'Sullivan comenzó a escribir canciones, consiguió un contrato con CBS y obtuvo un par de éxitos en el Reino Unido.

En los Estados Unidos, 1972 fue una época de profundas divisiones y prioridades revueltas. Richard Nixon fue reelegido de manera aplastante solo unos meses después de que sus subordinados irrumpieran en las oficinas del DNC en el Hotel Watergate unos meses antes de que "Alone Again (Naturally)" de Gilbert O'Sullivan llegara al número 1, Nixon ordenó la retirada de las tropas estadounidenses de Vietnam, una medida completamente necesaria que debería haber ocurrido años antes, y una pérdida militar que destrozó la sociedad Americana, cuatro días antes de que "Alone Again (Naturally)" alcanzara el número 1, los funcionarios de salud estadounidenses admitieron, que durante 40 años habían experimentado en secreto con hombres negros, infectándolos con sífilis y dejándolos sin tratamiento, en la Universidad de Tuskegee. Tres días después de que la canción llegara al número 1, Thomas Eagleton, el candidato demócrata a la vicepresidencia, abandonó la carrera. admitiendo que había sido hospitalizado por depresión tres veces. Y con este panorama es difícil explicar la popularidad de “Alone Again (Naturally)”, una de las canciones más populares del año fue una bagatela de pop florido en la que el cantante anuncia tranquilamente que está a punto de tirarse de una torre. Antes de que termine la canción, O'Sullivan cuestiona la existencia de Dios, canta sobre la muerte de sus padres y considera las formas en que el dolor puede destruir absolutamente a las personas, todo esto con música que podría haberse usado para promocionar detergente para ropa un caso muy extraño. O'Sullivan escribió y produjo "Alone Again (Naturally)" él mismo. Ha insistido en que no era autobiográfico. Su madre aún vivía cuando salió la canción. Su padre había muerto cuando O'Sullivan tenía 11 años y O'Sullivan no lo conocía bien, está cantando sobre el desamor, no de la experiencia vivida, sino de las situaciones más tristes y melodramáticas que puede imaginar. Musicalmente, es una cancion amable y de bajo perfil, todas las guitarras acústicas revoloteantes y los vientos de madera con suaves remolinos de cuerdas, música de oficina de dentista, O'Sullivan nunca busca grandes excesos, simplemente presenta sus escenarios absurdamente deprimentes con una sencillez franca y conversacional. Para una canción tan operísticamente triste, casi no hay sentimiento en ella, y no puedo imaginar dejarme llevar por ella. Tal vez Estados Unidos como pueblo en 1972 era más que presa fácil para una canción tan desanimada y a la vez tan insípida.

P.D.- Para finalizar la gracia, esta cancion fue el numero 1 de las listas el dia que este que escribe nació, siempre podria haber sido peor... 

0869 - How can you mend a broken heart - Bee Gees

"How can you mend a broken heart" (¿Cómo se repara un corazón roto?) fue el primer sencillo y la canción estrella del disco "Trafalgar" (1971), el noveno disco de estudio de los Bee Gees. Escrita por los hermanos Barry y Robin Gibb durante su reencuentro tras el período que habían pasado separados, es una balada melódica con el característico tono suave de las melodías de la banda, con una emotiva letra sobre la tristeza que se experimenta tras una ruptura amorosa, y la dificultad y el esfuerzo que supone encontrar una manera de superar el dolor y pasar página.

Fue inicialmente ofrecida al músico Andy Williams, pero en el último momento los Bee Gees se arrepintieron y la grabaron para su propio disco el 28 de enero de 1971. Los tres hermanos se encargaron de las voces y armonías vocales de los coros, y en la parte instrumental Barry Gibb se encargó de las guitarras, acompañado por Alan Kendall y Maurice Gibb, que también tocó el bajo y el piano, con Geoff Bridgeford a la batería. Durante la grabación, se añadieron arreglos de cuerda y vientos a cargo de Bill Shepherd.

La canción se convirtió en uno de los mayores éxitos de los Bee Gees y en un clásico de su repertorio. Pese al relativo fracaso en los charts del Reino Unido (alcanzó el top ten pero no llegó a los primeros puestos de la lista), sí que saboreó las mieles del éxito y del primer puesto en las listas de ventas de Estados Unidos, Canadá y Australia. Con los años, se ha convertido por derecho propio en una canción habitual de las listas de las mejores canciones de todos los tiempos. 

0784 -. Lonely Days - Bee Gees

 

Lonely Day, Bee Gees

     En noviembre e 1970 aparece publicado 2 Years On, el octavo álbum de estudio de los Bee Gees. Este disco supuso el regreso a la formación de Robin Gibb, quien quien había abandonado la formación tras un desacuerdo anterior y una posterior separación después del disco Odessa. También fue el primer disco como miembro a tiempo completo del baterista Geoff Bridgford, aunque no aparecería en la portada del álbum. El disco fue grabado entre el 13 de junio y el 5 de octubre de 1970 en los estudios IBC de Londres, bajo la producción de Robert Stigwood y del propio grupo, y publicado bajo el sello discográfico Polydor en Reino Unido, Atco en Estados Unidos y Spin en Australia y Nueva Zelanda. Este disco llegaría a alcanzar el puesto 32 en las listas de ventas de Estados Unidos.

Incluido en este disco encontramos Lonely Days, acreditado a los tres hermanos, Barry, Maurice y Robin. Es el tema más conocido y exitoso del disco y uno de los más populares de toda su obra. Estamos ante una balada que llegó a alcanzar como sencillo el primer Top Five de la banda en Estados Unidos, concretamente el puesto número 3 en el Billboard Hot 100, así como el número uno el las listas Cashbox y Record World también de Estados Unidos. 

Los Bee Gees se habían separado en 1969 cuando los hermanos Robin y Maurice Gibb y el baterista Colin Petersen abandonaron el grupo debido a conflictos inetrpersonales, dejando a Barry Gibb como único integrante de la banda. La separación se haría efectiva durante 1970 después de acabar algunos proyectos y compromisos que tenían por acabar. El 21 de agosto de 1970, casi 16 meses después de que Robin abandonara el grupo, los tres hermanos Gibb anunciaban que se reunían y comenzarían a grabar juntos. Los hermanos afirmaban que de en la primera sesión y reunión, hecha en el sótano que Barry tenía en Addison Road, ubicado en Holland Park en Londres, escribieron dos temas, Lonely Days y How Can Mend a Broken Heart. La canción fue cantada por los tres hermanos juntos con el piano y el bajo a cargo de Maurice y los arreglos de cuerdas y trompetas de Bill Sepherd. Según Maurice, la canción fue escrita muy rápido, en diez minutos. La canción incorporaba la innovadora y habilidosa estructura de cambiar los tempos que los Beatles habían utilizado en su álbum Abbey Road, y Lonely Days estaba claramente influenciada por los chicos de Liverpool. De hecho Barry recordaba en 1998 una anécdota de un gerente que tuvieron: "Un gerente que teníamos hace unos cinco años escuchó Lonely Days en un restaurante y le dijo a un amigo: 'Esa es una de mis canciones favoritas de los Beatles'. ¡Y él nos estaba manejando!".

 

0723 (They Long To Be ) Close To You - The Carpenters

 

Close To You, The Carpenters

     El 19 de agosto de 1970, el dúo estadounidense The Carpenters publica su segundo álbum de estudio, Close to You. El disco fue grabado entre 1969 y mediados de 1970 en los estudios A&M de Hollywood, bajo la producción de Jack Daugherty, y publicado por el sello discográfico A&M / Polydor. El disco y sus sencillos alcanzaron un gran éxito, llegando a conseguir ocho nominaciones a los premios Grammy, incluyendo Álbum del año, Canción del año y Grabación del año, y ganando los premios a Mejor Artista Nuevo y Mejor Interpretación Vocal Contemporánea por un Dúo, Grupo o Coro. En cuanto a ventas, el álbum llegó al puesto número 1 en las listas de ventas de Canadá, alcanzando también la cima en las listas estadounidenses Billboard Hot 100 y Adult Contemporary. En Reino Unido llegó a entrar en el top 50 de su lista oficial, llegando a permanecer durante 76 semanas en la misma.

Uno de sus exitosos sencillos fue (They Long To Be) Close To You, una canción escrita por el dúo Burt Bacharach y Hal David, y que fue la primera canción de estos compositores que The Carpenters grabarían. Si bien es cierto que hubo varias versiones anteriores, entre las que se encuentran las realizadas por Richard Chamberlain (1963), Dionne Warwick (1964) o Dusty Springfield (1964), la canción no conseguiría un gran éxito hasta la versión hecha por The Carpenters con el respaldo instrumental de músicos de sesión de Wrecking Crew de Los Ángeles. 

En las primeras sesiones de grabación de la canción Karen Carpenter tocó la batería, pero al productor no le gustó, por lo que decidieron volver a grabarla con Hal Blaine a la batería, Joe Osborn al bajo, Chick Findley a la trompeta, Bob Messenger a la flauta, Karen Carpenter voz principal y coros y Richard Carpenter piano, piano electrónico, clavecín, orquestación y coros. La parte de la trompeta en el medio de la canción tampoco fue fácil, pues Richard Carpenter tenía un sonido muy específico en mente y tenía varias trompetas tratando de tocarlo. Al final sería Chuck Findley quien resolvería el problema, tocando todas las partes de trompeta él mismo y luego superponiéndolas para crear el sonido escurridizo que Richard quería.

0722.- We've Only Just Begun - The Carpenters

The Carpenters en los años 70 dominaron las listas de éxitos y vendieron cientos de discos, y eso lo consiguieron sin obtener ningún tipo de alabanza por parte de la critica musical, han pasado mas de 50 años y ahora tenemos la previsión histórica y la nostalgia para reevaluar a The Carpenters. Si bien no estaba vivo en los años 70, todavía tengo algo de nostalgia por los Carpenters de mi infancia, y puedo decir con confianza que Close to You es un álbum pop superior al promedio de lo editado en aquellos años y contiene algunas de las mejores canciones pop de la historia, se pude decir que es un gran álbum, pero quizás para ser una joya le sobra alguna canción que esta de relleno. Gran parte del éxito se debe sin duda sus componentes, principalmente Karen Carpenter que es una cantante fantástica, a su lado, su hermano Richard Carpenter es un buen vocalista, pero un excelente arreglista musical, y la unión de ambos hace que suene realmente bien. No es la música más profunda, pero no necesariamente creo que el pop deba ser excepcionalmente profundo para ser genial.

La calidad prístina de 'We've Only Just Begun' tiene mucho más mérito cuando te das cuenta de que la canción fue compuesta originalmente para un anuncio bancario. En 1968, Crocker Bank se acercó a Paul Williams y Roger Nichols y les pidió que escribieran una canción que atrajera a jóvenes y recién casados a su institución. En declaraciones a una web Williams recuerda como "La agencia de publicidad nos llamó y dijo: 'Mira, vamos a mostrar a una pareja joven casándose, conduciendo hacia la puesta del sol, y va a decir: 'Tienes un largo camino por recorrer, nos gustaría ayudarlo a llegar al Crocker Bank. Y dije: Vale, ¿qué rima con Crocker? ¿Crocker qué? Y dijeron muy específicamente: "No, no queremos un jingle". Lo que pidieron es lo que hoy llamaríamos un video musical. Iba a mostrar a una pareja joven casándose, conduciendo hacia la puesta del sol. Después de la ceremonia, el primer beso y todo. Así que Roger y yo escribimos la canción que tocaría sobre eso”. La pareja terminó escribiendo los dos primeros versos de 'We've Only Just Begun'. Aunque la canción no encabezó las listas como lo hizo "Close To You" un par de meses antes, alcanzó el puesto número 2 en el Billboard Hot 100 y el número 1 en las listas Adult Contemporary. También ganó un Grammy por Canción del Año y Mejor Canción Contemporánea, y a diferencia de algunos estándares del pop que parecen convertirse en canciones de "cualquiera", donde la interpretación original se eclipsa o se olvida (piense en "Unchained Melody"), "We've Only Just Begun" se ha mantenido indeleblemente vinculada a The Carpenters, incluso después de innumerables versiones y mas de 50 años. Los tradicionalistas de línea dura pueden erizarse ante la idea de que una canción de 1970 esté clasificada entre los clásicos de la canción popular estadounidense. No les hagas caso, como cualquier gran clasico, "We've Only Just Begun" sirve para definir un tiempo y una generación, pero también es atemporal: suena tan actual y musicalmente convincente hoy como lo hizo en 1970.

The Carpenters llegaron incluso a tocar en 1972 en la Casa Blanca tras aceptar una invitación del presidente Richard Nixon. Musicalmente eran inofensivos, lo que los llevó a ser muy queridos por los medios de comunicación más conservadores, aunque lo que por entonces pocos sabían a ciencia cierta es que Karen no solamente estaba luchando contra el fantasma de la fama, sino también contra sí misma, sin duda fue una de las grandes voces de todos los tiempos, pero su corta vida transcurrió entre el desamor y la obsesión, como Janis Joplin, como Amy Winehouse, Karen tuvo una vida intensa, vertiginosa, una de esas vidas que suelen pasar, rápidamente, de la gloria al drama, del éxito al pesar más profundo. Y su trágica muerte visibilizo una enfermedad como la Anorexia, lacra del Siglo XXI para muchas niñas condenadas por una sociedad que exprime la imagen hasta secarlas y que en los años 70 del siglo pasado ya causaba dolor y muerte.

546.- Odessa (City on the Black Sea) - Bee Gees

 En 1969, los Bee Gees eran Barry Gibb: voz principal, armonía y coros y guitarra rítmica. Robin Gibb: voz principal, armonía y coros y órgano Hammond, melotrón y piano. Maurice Gibb: armonía y coros y bajo, piano, mellotron, guitarra principal y rítmica y voz principal en dos de las pistas de "Odessa". Colin Petersen tocaba la batería. El guitarrista principal de Bee Gees (y atractivo adolescente): Vince Melouney tocó en seis de las canciones de "Odessa", pero renunció amistosamente durante la grabación de "Odessa". Después de dos años de sólido éxito mundial y grandes éxitos, los hermanos Gibb no se llevaban bien durante las sesiones de grabación de este álbum y la huida en mitad de la grabación del álbum del guitarrista, dejó a los cuatro miembros restantes de la banda para completar el álbum, por lo que Barry, Maurice, Robin y el baterista Colin Petersen se encargaron de la tarea e hicieron exactamente eso. Lo que se les ocurrió fue una obra maestra. Curiosamente, casi se tituló Masterpeace en un momento. Lo mismo puede decirse de su primer álbum esencial de los Bee Gees en el '67. Odessa ha sido llamado un álbum conceptual, pero Barry Gibb disipó esa noción cuando fue lanzado en el '69…. “Puedes establecer una conexión con un par de canciones del álbum, pero más allá de esto no hay nada más,”. La idea de hacer un álbum doble no fue elección de la banda, sino de su manager, Robert Stigwood. "Robert quería un álbum doble, no sabíamos por qué", recordó Barry Gibb, "Creo que básicamente fue un asunto económico, si hacemos un álbum doble, todos ganan más dinero…. excepto el grupo". A Barry nunca le convenció la idea del álbum doble, y dijo sin rodeos: "Un solo álbum hubiera sido perfecto." Así que “Odessa” es bastante corto para un álbum doble (63:49) y se describe mejor como pop progresivo sinfónico.

La canción principal, "Odessa (City On The Black Sea)" establece el tono de todo el álbum, y es muy dramática, las magníficas florituras de la guitarra flamenca de Maurice Gibb se encuentran entre los aspectos más destacados de la canción, junto con el creciente océano orquestal de Bill Shepherd, las voces llegan como si descendieran del cielo. El estilo dramático siempre fue uno de sus puntos más fuertes en sus primeros años y aquí estamos ante una canción sobre la superviviente del ficticio barco británico 'Veronica', que flota sobre un iceberg en el Mar Báltico, se nos cuenta que 'el Capitán Richardson se dejó una esposa en Hull' y que ella encuentra consuelo en las oraciones del vicario. Sin embargo, las referencias a 'navegar por el Atlántico Norte', mudarse a Finlandia y, de hecho, a la propia Odessa, a primera vista, oscurecen una historia coherente, pero lo importante es que trata esencialmente de una soledad desconsolada que parece prolongarse para siempre. La historia se cuenta ostensiblemente desde el punto de vista del Capitán, pero a veces es como si de alguna manera casi pudiera ver o, al menos, imaginar, la vida que ahora lleva su esposa en casa.

0533.- Son of a preacher man - Dusty Springfield

Son of a Preacher Man ("Hijo de un predicador"), incluida en el disco Dusty in Memphis de Dusty Springfield, es uno de esos temas que, pese a estar a la altura de las mejores canciones de su década, tuvo que sufrir un gran rechazo inicial, antes de convertirse en un éxito a nivel internacional. Escrito por John Hurley y Ronnie Wilkins y ofrecido en un primer momento a Aretha Franklin, fue rechazado por la gran diva estadounidense, que quizá por ser precisamente hija de un predicador, no veía con buenos ojos cantar sobre una joven que mantiene una relación amorosa secreta con el hijo del predicador de su pueblo.

Tras ese primer revés, la canción encontró acomodo en la voz de Dusty Springfield, y tras comprobar el gran resultado, la propia Aretha Franklin tuvo que admitir su error y acabó grabando su propia versión sólo dos años después, pero ya era demasiado tarde. La versión de Aretha no logró siquiera acercarse al éxito mundial que poco antes había cosechado la versión de Dusty, porque para el hijo del predicador ya solo había una mujer, y esa era Dusty Springfield.

En 1994 la canción tuvo un gran resurgimiento comercial tras ser incluida en la banda sonora de la película Pulp Fiction de Quentin Tarantino, que alcanzó ventas superiores a los dos millones de copias. Ante estas cifras, es posible que la "Reina del Soul" volviera a tirarse de los pelos, lamentando no haber sido la primera en inmortalizar aquellas líneas que entonces consideró irrespetuosas:

"El único que pudo alcanzarme

Era hijo de un predicador.

El único chico que podría enseñarme

Era hijo de un predicador."

1 artista, 3 canciones: The Supremes

Iniciamos una sección en el blog donde hablaremos brevemente la carrera de un artista y resaltaremos vuestros tres temas favoritos, la elección como casi siempre será a través de nuestras redes sociales, en el twitter de @7dias7notas donde cada domingo os solicitaremos que nos dejéis vuestras tres canciones de un artista que la redacción propone.

THE SUPREMES

Formado en Detroit en los años 60 por unas adolescentes, The Supremes se convirtieron en el grupo más grande de Motown de los años 60 y el "grupo de chicas" más exitoso de todos los años 60. Originalmente llamadas Primettes, el grupo estaba formado por Diane Ross, Florence Ballard, Mary Wilson y Betty McGlown (luego reemplazada por Barbara Martin, quien dejó el grupo como un trío por 1964). Se juntaron en 1959 y pronto hicieron realidad el sueño de muchos habitantes de Detroit, ser contratados por el nuevo sello musical Motown.

El éxito tardo en llamar a su puerta, durante el periodo comprendido entre 1962 y 1964, las Supremes lanzaron una serie de sencillos sin éxito, trabajando con diferentes compositores y vocalistas principales alternos. Barbara Martin que estaba embarazada, dejo el grupo y redujo la formación a un trío, y tras sugerencia de Gordy, Ballard fue reemplazada como la vocalista principal habitual del grupo por Diana Ross. En 1964, Gordy los unió a Holland-Dozier-Holland y publicaron "Where Did Our Love Go”, al fin dieron con la tecla, la canción alcanzó el número 1 en las listas de Pop y Soul y marcó el camino para el éxito del grupo durante la próxima media década, la formula era publicar una serie de sencillos engañosamente simples y pegadizos donde destacaba la voz tenue de Ross y los coros cantados de Ballard y Wilson. El grupo lanzó cinco sencillos #1 consecutivos en el siguiente año, incluidos "Baby Love", "Stop! In the name of love”, “Come See About Me” y “Back In My Arms Again. Todos estos sencillos giraban en torno a ritmos insistentes, muy bailables, con letras y melodías repetitivas, que no suponían un gran esfuerzo para la frágil voz de Ross. Con su aspecto de chicas de al lado y su comportamiento encantador y poco sofisticado, The Supremes se convirtieron en modelos a seguir para los jóvenes estadounidenses negros. El magnetismo de Ross en el escenario y la creciente obsesión personal de Berry Gordy con ella, la llevaron a convertirse en la primera entre iguales, y en 1967 el grupo fue rebautizado como "Diana Ross & the Supremes", con las talentosas Wilson y Ballard en un desafortunado segundo plano. Aquello afecto a las dos integrantes del grupo que estaban siendo eclipsadas, Florence Ballard se había vuelto cada vez más infeliz en el papel secundario al que Berry Gordy la había enviado, y su comportamiento ocasionalmente errático y problemático se usó como un excusa para obligarla a salir del grupo, fue reemplazada por la ex Bluebell Cindy Birdsong. En 1967 se iba a producir un hecho que iba a tambalear el camino de éxito de The Suprems, Holland-Dozier-Holland dejaron la Motown para formar su sello Invictus y The Supremes se quedaron sin sus exitosos compositores. Aun asi durante los siguientes dos años, el grupo continuó publicando éxitos (aunque también algunos fracasos) con escritores de The Motown como Ashford & Simpson, incluidos "Love Child" y "The Happening". A pesar de la creciente fricción dentro del grupo, las Supremes eran más grandes que nunca y habían conquistado tanto Las Vegas como la televisión. En 1968 también formaron equipo con The Temptations, y su dúo "I'm Gonna Make You Love Me" se convirtió en un éxito instantaneo.

Diana Ross dejo el grupo e inicio su carrera en solitario, fue reemplazada por Jean Terrell, hermana del boxeador de peso pesado Ernie Terrell. La nueva formación, con Terrell y Mary Wilson alternando las funciones vocales principales, obtuvo un éxito inmediato con "Up The Ladder To The Roof" a principios de 1970, y con "Stoned Love", el mayor éxito del grupo en el Reino Unido durante cuatro años, revivió recuerdos de sus primeros éxitos con su base rítmica y gancho repetitivo. The Supremes también intentaron revivir la atmósfera de sus grabaciones anteriores con Temptations , en esta ocasión con una serie de álbumes junto a Four Tops. Gradualmente, su impulso se fue perdiendo, y cuando Motown cambió su centro de actividad de Detroit a California, las Supremes se quedaron atrás. El último éxito del grupo con Ross, el conmovedor "Someday We' ll Be Together”, fue un “testamento” muy apropiado para una de los grupos de Soul más exitoso de todos los tiempos.

Pasados los años comprobamos como la luz de las Supremes ardió como un cometa, brillando increíblemente brillante y breve, y aunque sus éxitos masivos de 1964 a 1969 no han envejecido tan bien como el trabajo The Temptations de ese período, en cualquier medida todavía deben ser considerados como uno de los mayores éxitos del pop/soul de esa época y del grupo: Diana Ross, Flo Ballard, Mary Wilson y Cindy Birdsong, fueron las prtoagonistas uno de los grandes grupos de Soul de todos los tiempos.

VOTACIONES

1.- You keep me hangin' on: Diana Ross combina la intensidad de la música con una de sus interpretaciones vocales más poderosas, mientras que Mary Wilson y Florence Ballard brindan su presencia habitual, la cancion sirvió como una especie de puente entre el pop inmaculado de los primeros éxitos de Motown y los sonidos más duros de la música soul de finales de los sesenta. cuenta la historia de un 'homme fatal', que atormenta sádicamente a una mujer sensible que en realidad no quiere, un tema fascinante para una canción pop.

2.- You can´t hurry love: Diana Ross está describiendo cuánto anhela el amor y, en su propia impaciencia, le pide consejo a su madre, presumiblemente anticipando algo concreto y satisfactorio al instante, pero su madre no quiere decepcionarla con cuentos de hadas y promesas de pociones de amor u otros. soluciones de aceite de serpiente, fingiendo que sabe exactamente lo que se necesita para encontrar el amor, por lo que en cambio es completamente honesta: "no puedes apurar amor, solo tienes que esperar, el amor no es fácil, es un juego de dar y tomar, tienes que confiar y darle tiempo sin importar cuánto tiempo tome”.

3.- Where Did Our Love Go: Fue la primera canción de The Supremes en encabezar las listas pop estadounidenses, una hazaña que el grupo lograría una docena de veces, incluso con los cuatro sencillos consecutivos lanzados después de este. Aunque relativamente simplista en su construcción, la pista de 1964 es una pieza inmaculada de perfección pop.

0401.- Massachusetts - The Bee Gees

 

Massachusetts, The Bee Gees

     Entra en escena uno de los grupos musicales británicos de pop rock que más exito cosechó entre las décadas de los  60 y 70: Bee Gees. En 1967 los hermanos Barry, Robyn y Maurice Gibb escriben la canción Massachusetts, que luego sería incluida en el álbum Horizontal, el cual sería publicado a comienzos de 1968. La canción fue grabada entre el 9 y el 17 de agosto de 1967 en los estudios IBC de Londres, y publicada por el sello Polydor en Reino Unido y pulicado en septiembre de 1967. En Estados Unidos fue publicado en noviembre de 1967y por el sello Atco Records.

Robin Gibb se encargó de de la voz proncipal esta canción, siendo el primer tema del grupo donde se atrevió a hacerlo. La canción se convirtió en una fija en prácticamente todos los conciertos del trío. Massachusetts se convirtió en el primer gran éxito de Bee Gees, alcanzando el puesto número 1 en las listas del Reino Unido y de doce países europeos más. En Estados Unidos llegó a alcanzar el puesto número 11 en la lista Billboard Hot 100. 

Al parecer, la canción fue escrita en el Hotel Regis de Nueva York durante una gira de la banda por Estados Unidos. La canción pretendía ser una antítesis de de las canciones de la época que representaban el movimiento del Flower Power, tales como Let's Go To San francisco o San Francisco (Be Sure to Wear Flowers in Your Hair), temas donde los protagonistas contaban que habían estado en San Francisco para unirse al movimiento hippie. En Massachusetts el cantante, Robin, nos relata que tiene añoranza por regresar a Massachusetts, lugar donde dejó a una chica con el corazón roto. Curiosamente los hermanos no habían estado nunca en Massachusetts, pero les gustó el sonido del nombre.

0341 Can't Take My Eyes Off You - Frankie Valli

 

Can't Take My Eyes Off you, Frankie Valli

     Entra en escena Frankie Valli, el conocido cantante y actor estadounidense, conocido por ser el cantante del grupo The Four Seasons, uno de los grupos musicales más destacados de la década de los años 60. Frankie fue operado de una lesión en los oídos lo cual casi le originó una sordera casi completa, por lo que para cantar muchas de las canciones se basaba en el movimiento de los labios de sus compañeros.

En mayo de 1967 Frankie publica un de las más bellas canciones de amor jamás escritas, Can't Take My Eyes Off  You, tema que además es incluido en el álbum The 4 Seasons Present Frankie Valli Solo. El tema fue escrito por Bob Crewe y Bob Gaudio, quienes eran los compositores habituales de Four Seasons, y contó con los arreglos de Artie Schroeck y el propio Gaudio, siendo Frankie el primero en interpretar un tema que se ha convertido en uno de los más versionados a lo largo de la historia de la música. 

El sencillo alcanzó el puesto número 2 en la lista estadounidense Billboard Hot 100, ganando además un disco de oro, y convirtiéndose además el mayor éxito en solitario de Frankie Valli hasta su My Eyes Adored You de 1975. Sobre la canción uno de sus compositores, Bob Gaudio, comentaba que se encontraba a medio camino entre el pop y el rock, y que fue una de las canciones más desafiantes que jamás había escrito. Un tema así sólo podía ser interpretado por una voz con el excepcional rango vocal como la de Frankie Valli. A Bob Crewe se le ocurrió el título, y a partir de ahí el y Gaudio comenzaron el proceso de elaborar la canción y la historia de un hombre que está perdidamente enamorado.

0302 You Can't Hurry Love - The Supremes

0302 You Can't Hurry Love - The Supremes 

"You Can't Hurry Love" es una canción de 1966 grabada originalmente por The Supremes por el sello Motown. Y otro éxito de The Supremes.

Esta canción fue escrita y producida por el equipo de producción del sello discográfico Motown, por Holland-Dozier-Holland, como nos tenía acostumbrados The Supremes logró con la canción alcanzar el primer puesto en la lista de singles pop del Billboard de los Estados Unidos, se situó en el top 5 del Reino Unido y en el top 10 de la lista de singles de Australia. Se publicó y alcanzó su punto máximo a finales del verano y principios del otoño de 1966. 

El éxito de la canción hizo que dieciséis años después, se convertiría en un número uno en el Reino Unido cuando Phil Collins volvió a grabar la canción. Llegó al número uno en la lista de singles del Reino Unido durante dos semanas a partir de enero de 1983 y alcanzó el número 10 en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos ese mismo mes.

Billboard incluyó la canción en el número 19 de su lista de las 100 mejores canciones de grupos femeninos de todos los tiempos. La BBC situó "You Can't Hurry Love" en el número 16 de la lista The Top 100 Digital Motown Chart, que se basa únicamente en las descargas y transmisiones de todos los tiempos de los lanzamientos de Motown en el Reino Unido. "You Can't Hurry Love" fue el segundo sencillo del álbum de The Supremes. 

La canción, es un recuerdo de las palabras de aliento de una madre ("Mi mamá decía 'no puedes apurar el amor/Sólo tienes que esperar'") que le decía a su hija que con paciencia encontraría a esa persona especial algún día, es un ejemplo de la fuerte influencia de la música gospel presente en gran parte de la música R&B y soul. "You Can't Hurry Love" se inspiró y se basó parcialmente en "(You Can't Hurry God) He's Right on Time" ("No puedes apresurar a Dios/Sólo tienes que esperar/Confía y dale tiempo/Sin importar el tiempo que tome"), una canción gospel de los años 50 escrita por Dorothy Love Coates de The Original Gospel Harmonettes.

The Supremes alcanzó el número uno en la lista de pop Billboard Hot 100 en Estados Unidos, y el número tres en el Reino Unido. La versión de The Supremes ha sido incluida en la colección permanente del Salón de la Fama del Rock and Roll de las 500 canciones que dieron forma al rock and roll.

Daniel 

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0275: You Don't Have to Say You Love Me - Dusty Springfield

 

Mary Isabel Catherine Bernardette O’Brien nació el 16 de abril de 1939 y murió, como Dusty Springfield, el 2 de marzo de 1999 a los 59 años, está considerada por muchos como la mejor voz blanca de la historia, a la altura de la mismísima Aretha Franklin, la carrera de Dusty Sprinfield tocó todos los palos, Dusty presentó programas de televisión, se convirtió en una de las más grandes cantantes del Reino Unido, incluso en un icono de la cultura gay. Sus primeros pasos en la música los realizo cuando tenía 11 años, Mary Isabel había crecido en una familia donde su padre tenía una gran pasión por la música y desde muy pequeña fue un espejo donde reflejarse. A principios de la década de 1960, después de unirse brevemente a un acto de cabaret llamado Lana Sisters, Mary se reunió con su hermano para formar un nuevo grupo, The Springfields. Dion había comenzado a trabajar con otro vocalista, Tim Field, e inspirado por su apellido, el trío adoptó el nombre, The Springfields. Además, los hermanos adoptaron nombres artísticos para ellos mismos. Mary llegó a ser conocida como Dusty Springfield y su hermano como Tom Springfield. El estilo del grupo, folclórico con el tipo de sonido amapola que más tarde impulsaría la Beatlemanía, llegó en el momento justo. Los Springfield grabaron varios éxitos británicos Top Five, como "Island of Dreams" (1962) y "Say I Won't Be There" (1963). Incluso disfrutaron de algo de atención estadounidense, algo raro para los grupos británicos en ese momento, con el lanzamiento de 1962 de "Silver Threads and Golden Needles", que alcanzó el número 20 en las listas estadounidenses. Aunque su mayor éxito fue un álbum titulado Dusty in Memphis, pasaba una mala racha ya que la llegada del rock psicodélico y la cultura hippie estaban acallando su voz de jazz y soul, cuando.

 

La canción en la que nos detenemos antes de llegar al gran álbum se titula You Don't Have to Say You Love Me, y es una versión en inglés de la canción original de Pino Donaggio que canto en el festival de San Remo. En ese festival se encontraba Dusty Springfield cuando la interpreto el artista Italiano, y fue tal la conmoción que provoco en la cantante que sin llegar a entender nada de lo que decía, provocó una gran tristeza y llanto, desde ese momento tuvo la convicción de que esa canción tenía que hacerla suya y llevarla al idioma de Shakespeare, como así fue como junto al productor de The Yardbirds y Vicki Wickham le dieron forma a la nueva letra y quedo lista para hacer furor en los seguidores de Springfield, y tanto que lo hizo, con una poderosa instrumentalización donde el viento, la percusión y los coros tienen una gran presencia acompañando a esa voz tan grande mientras nos cuenta una historia de un amor roto, y donde una parte no se resigna a perderlo y suplica, implora y reza porque la otra parte dé marcha atrás y no le deje vacía en este mundo, le necesita a su lado y no pondrá ninguna condición.

0271: Monday, Monday - The Mamas & the Papas

The Mamas & The Papas se formó en la ciudad de Nueva York en el año 1963, cuando John Phillips, un músico amante del jazz y el folk que era componente del grupo Journeymen y la modelo Michelle Phillips con quien se había casado un año antes, se unieron a dos componentes del grupo The Mugwumps, el canadiense Dennis Doherty y la cantante Cass Elliot. En el año 1964 consiguieron firmar gracias a un buen amigo de John, Barry McGuire, un contrato con Lou Adler y se trasladaron de costa asentándose en la efervescente ciudad de Los Ángeles. Su primer single fue Go where you wanna go, aunque en algunas emisoras ya estaba sonando su canción más emblemática, California dreamin’, el single de debut entró con fuerza en las listas estadounidenses y británicas, era espléndida composición que ejemplificaba a la perfección las armonías que poseían las cuatro voces de sus miembros.

"Monday, Monday" fue el segundo sencillo del grupo, las emisoras de radio comenzaron a reproducir este tema antes de que finalizara la carrera del primero y cuando el álbum estaba en venta, por lo que cuando se lanzó como single, ya era ampliamente conocido y rápidamente subió al número 1. La composición de este tema es muy sencilla, Phillips la escribió en 20 minutos y luego dijo que no tenía idea de lo que significaba. Realmente no significa nada, si bien todos la reconocen como una canción sobre la angustia, una canción sobre el lunes que suele ser un mal día.encontramos una instrumentación de lo más normal, con su batería, su bajo, los teclados y una guitarra, a la que se unen un tatareado de voces femeninas, hasta ahí sencillo, pero ahora encontramos que hay una voz principal, la de John Philips, que se va alternando con el resto de componentes a modo de maestro de orquesta. La temática de la canción es sarcástica en su enfoque. En la primera parte de la canción, la letra parece como si el cantante estuviera alabando el lunes, que como todos sabemos es el primer día de la semana. Pero profundizando en la pista, descubrimos que “cuando llega el lunes”, en cambio, está “llorando todo el tiempo”. De hecho, el sentimiento real en el que se basa esta canción es que el vocalista teme el lunes, en otras palabras, es un momento de tristeza, pavor e incluso, en cierta medida, como se destaca durante la conclusión de la canción, depresión.

El grupo se convirtió en uno de los conjuntos hippies más populares de la época con una imagen femenina muy definida: la guapa, delgada y rubia Michelle de frágil, sutil y delicada voz contrastaba con el físico orondo y la penetrante facturación vocal de Mama Cash, aunque la vida del grupo fue corta debido a los problemas, envidias y romances entre los cuatro componentes, que sin duda destruyo uno de los proyectos más genuinos y sobre todo con más calidad musical, del comienzo de la época dorada del movimiento hippie.

0270 California Dreamin' - The Mamas & The Papas

 

California Dreamin', The Mamas & The papas

     Vamos a hablar en esta ocasión de The Mamas & the Papas, uno de los estandartes el folk neoyorkino y que fue capaz de aguantar el envite de la llamada invasión británica en Estados Unidos, liderada por grupos como The Beatles y The Byrds.

En febrero de 1966 aparece publicado bajo el sello discográfico RCA Victor-Dunhill Records, el álbum debut del grupo estadounidense The Mamas & The Papas, titulado If You Can Believe Your Eyes and Ears. El disco es producido por el productor musical, mánager, compositor, director y productor cinematográfico estadounidense Lou Adler, y grabado entre octubre y noviembre de 1965. el disco obtuvo el disco de oro en Estado Unidos, y fue uno de los primeros álbumes en tener portadas diferentes. La primera tapa tenía al grupo en un cuarto de baño sentados en una bañera con un inodoro en una esquina. Esta edición fue declarada indecente y retirado de las tiendas, por lo que apareció una posterior edición con un cartel que tapaba el inodoro y que rezaba: California Dreamin'. La tapa original hoy en día es una ansiada pieza de colección.

Precisamente, incluido en éste álbum debut de la banda se encuentra el tema California Dreamin'. El tema había sido escrito por John Phillips y Michelle Phillips en 1963 mientras vivían en Nueva York. El tema se inspiró en la nostalgia que sentía Michelle por California. La misma Michelle Phillips comentaba que este tema surgió en 1963. Por aquél entonces estaba recien casada con John Phillips, con el que vivía en un apartamento en Nueva York, donde el invierno era bastante frío y duro para Michelle, ya que ella provenía de la soleada California. John solía pasar las noches componiendo melodías en aquel apartamento, y una mañana le llevó la primera estrofa de la canción a Michelle. La canción trataba sobre el anhelo de estar en otro lugar diferente y la nostalgia de Michelle, producida por la fría ciudad de Nueva York.

0229: I got you babe - Sonny & Cher

¡Arriba, excursionistas, despertad y no olvidéis los descansos, porque hoy hace mucho frío! Esa era la frase con la que, con I got you babe de Sonny & Cher sonando,  un locutor de radio despertaba todos los días a Bill Murray, condenado a vivir eternamente el mismo "día de la marmota", en la genial película Atrapado en el tiempo (1993). A día de hoy, resulta casi imposible no imaginar a Murray poniendo caras de hastío y agotamiento ante el puente de la canción y los rítmicos coros que acompañan al estribillo, pero el efecto de esta canción eterna dista mucho de ser de hastío, tras no perder su fuerza y magnetismo después de más de 50 años.

Compuesta por Sonny (Salvatore Phillip Bono), se convirtió inmediatamente en un éxito mundial que convirtió en estrellas a la pareja Sonny & Cher en 1965, y se ha mantenido en la memoria colectiva a través de los pinchazos radiofónicos, las revisiones de otros artistas como Chrissie Hynde y UB40, y su inclusión en películas y series de éxito como la ya mencionada Atrapado en el tiempo o los dibujos animados de Beavis and Butt-Head (en la que la propia Cher la interpreta junto a los dos descerebrados protagonistas).

La revista Rolling Stone la incluyó en el número 444 de las 500 mejores canciones de todos los tiempos, en un ejemplo más de que no es, ni mucho menos, una mala elección para nuestro despertador, aunque todos los días nos parezcan a veces un poco iguales. Somos nosotros los que podemos hacer de cada día algo diferente, al ritmo de cualquiera de las grandes canciones de la historia de la música. Es nuestra elección, así que: ¡Arriba, excursionistas, despertad y no olvidéis los descansos, porque hoy hace mucho frío!

0203 Stop! In the Name of Love - The Supremes

0203 Stop! In the Name of Love - The Supremes

Stop! In the Name of Love es una canción de 1965 grabada por el grupo The Supremes para el sello discográfico Motown. La canción fue escrita y producida por el equipo de producción principal de Motown, que estaba compuesto por Holland – Dozier – Holland,

Stop! In the Name of Love ocupó el puesto número uno en la lista de sencillos pop de Billboard en los Estados Unidos desde el 27 de marzo de 1965 hasta el 3 de abril de 1965. La revista  Billboard ha puesto a esta canción en el número #38 en su lista de las 100 mejores canciones de grupos femeninos de todos los tiempos. En cambio la BBC clasificó a Stop! In the Name of Love en el número 56 en el Top 100 Digital Motown Chart, que clasifica los lanzamientos de Motown por sus descargas y transmisiones de todos los tiempos en el Reino Unido.

Si hacemos un poco de historia de esta canción The Supremes grabaron Stop! In the Name of Love en enero de 1965 y se lanzó como sencillo el 8 de febrero de ese mismo año. Posteriormente la canción se incluyó en el sexto álbum de The Supremes, More Hits by The Supremes, y fue nominada para el 1966 Premio Grammy a la Mejor Interpretación Vocal de Grupo de Rock & Roll Contemporáneo, pero no lograr alcanzar el premio y perdieron ante Flowers on the Wall de los Statler Brothers.

La coreografía de The Supremes para esta canción involucró una mano en la cadera y la otra extendida en un gesto de Stop. Para su promoción interpretaron la canción en el programa de variedades de ABC Shindig que se emitió el miércoles 24 de febrero de 1965.

The Supremes logran ingresar nuevamente  a las listas de éxitos con esta nueva canción. 

Daniel 

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0178 Where Did Our Love Go - The Supremes

0179 Where Did Our Love Go - The Supremes

El grupo estadounidense The Supremes grabo bajo el sello Motown la canción Where Did Our Love Go en el año 1964.

La producción fue hecha por Holland-Dozier-Holland, y fue el primer sencillo del grupo The Supremes en alcanzar el número 1 de la lista de singles pop de Billboard Hot 100 en los Estados Unidos, y la canción Where Did Our Love Go se mantuvo durante dos semanas en esa posición, en el año 1964, también es una de las cinco canciones de la banda en llegar al puesto número 1.

Si hablamos de estadísticas la versión de esta canción hecha por The Supremes ocupa el puesto 475 en las 500 mejores canciones de todos los tiempos de Rolling Stone, y la lista Billboard ha rankeado la canción en el puesto número 4 en su lista de las 100 mejores canciones de grupos femeninos de todos los tiempos. La BBC clasificó a Where Did Our Love Go en el puesto 59 en la lista The Top 100 Digital Motown Chart, que clasifica los lanzamientos de Motown por sus descargas y transmisiones de todos los tiempos en el Reino Unido.

Where Did Our Love Go fue lanzado como sencillo el 17 de junio de 1964 y entró en el Hot 100 en el puesto 77. Seis semanas después, mientras The Supremes estaban de gira como parte de American Bandstand Caravan of Stars de Dick Clark, la canción llegó al puesto número 1 durante dos semanas, pasando un total de 9 semanas en el Billboard Top Ten. Las chicas The Supremes comenzaron su recorrido al final de la lista, pero al finalizar la gira, estaban en la cima de los rankings. Interpretaron la canción en el programa de variedades de NBC, Hullabaloo! el martes 26 de enero de 1965, otra curiosidad de la canción, es que la canción se transmitió a los astronautas que orbitaban la Tierra en agosto de 1965 durante la misión Gemini 5.

Daniel

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