0031: Peggy Sue - Buddy Holly

 

Peggy Sue, Buddy Holly

    El 20 de septimbre de 1957, bajo el sello Coral Records, se publica el tema Peggy Sue, grabado por Buddy Holly. Posteriormente, el 15 de noviembre de 1957, también se publica en el Reino Unido.

El tema fue escrito por Jerry allison, baterista de The Crickets, la banda de acompañamiento de Buddy Holly, y por Norman Petty, músico y porductor de discos que solía trabajar con Buddy Holly and The Crickets. La grabación del tema se produce entre el 20 de junio y el 1 de julio de 1957, y durante estas sesiones se encuentran presentes Norman Petty, que se encarga de la producción, y Buddy Holly acompañado del baterista Jerry Allison y del contrabajista Joe B. Mauldin, miembros de The Crickets, el grupo de compañamiento de Buddy.

El tema se iba a titular originalmente Cindy Lou, en honor a la hija de la hermana pequeña de Buddy, Pat Holley Kater. Cuando Jerry Allison se entera, le pregunta a Buddy si podría cambiar el título del tema por el de Peggy Sue, en honor a una chica con la que estaba saliendo, Peggy Sue Gerron, y con la que había discutido. La intención de Allison era salvar la relación con su novia Peggy, cosa que consiguió, y además de salvar la relación se casó con ella una año después, en 1958, aunque se acabarían divorciando 9 años después.

Jerry Allison estaba teniendo problemas para grabar el ritmo de de la batería de la canción, pues no acababa de coger el tempo en el que había sido escrita. Para motivarle, el productor Norman Petty le dijo: "Si no lo haces bien en la siguiente toma, cambiaremos el nombre de la cación de nuevo a Cindy Lou"; ni que decir tiene que aquello espoleó y motivó lo suficiente al baterista y grabó la toma siguiente satisfactoriamente. Inicialmente el tema estaba únicamente acreditado a Norman Petty y Jerry Allison, Buddy Holly sería acreditado como coguionista después de su muerte ante la insistencia de jerry Allison. El tema tiene un curiosidd, fue el primer éxito acreditado a Buddy Holly sin su banda, en aquellos tiempos las canciones de Holly eran publicadas por los sellos Coral Records y Brunswick Records, ambos pertenenientes a Decca Records, y la primera edición con Coral sólo se le acreditaba a él, mientras que una posterior con Brunswick acreditaba también a The Crickets.

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La música en historias: Finaliza el Mes David Bowie

 

Finaliza el #MesDavidBowie, y mientras paseo por un bulevar cercano a mi casa, tengo la sensación de que, para abarcar toda la obra del Duque Blanco, tendríamos que haberle dedicado el #trimestreDavidBowie, para poder profundizar en muchos otros discos relevantes de su extensa discografía. Al final del bulevar, me detengo en un pequeño recodo de la calle, desde el que se accede a una zona de pistas de skate, en la que el gris de las rampas de cemento está salpicado de pintadas de grafiteros. Pienso en la portada de Lodger (1979), el tercer disco de la trilogía berlinesa, con un Bowie caracterizado como si se hubiera desplomado desde gran altura o, por qué no, como si se hubiera caído de un patinete en una de esas cuestas de áspero cemento. Lodger no era tan áspero ni tan atropellado como la portada sugería, y no llegaba a las cotas de experimentación de los dos discos anteriores, pero aportaba de nuevo un buen puñado de canciones al "universo Bowie".

Al caer la tarde sobre las solitarias pistas de skate, el lugar empieza a tornarse algo inquietante. No vivo en un barrio peligroso, pero las sombras que proyectan las luces de las farolas al iluminar las afiladas rampas hacen que mi imaginación se dispare y mi mente se ponga en alerta ante la posibilidad de encontrarme con monstruos terroríficos como los de Scary Monsters (1980), considerado por muchos como el último gran disco de Bowie, tras el que su patinete se lanzó en caída libre por una de esas escarpadas rampas del destino. Y hablando de patinetes, como no recordar que, precisamente, la primera vez que vi a Bowie fue montado en unos patines, en el vídeo promocional de "Day in day out", el single de lanzamiento del fallido Never let me down (1987), uno de sus desvaídos discos de los ochenta. El bajo tono general del disco no impide que, en mi caso, y quizá asociado a esa potente imagen de un Bowie con cazadora de cuero, patines y guitarra eléctrica, cantando sobre la difícil vida de una madre en los suburbios de la gran ciudad, la canción siga teniendo mi indulto permanente.

Ya en los 90, Black tie, white noise (1993) fue uno de los primeros discos con los que estrené mi primer equipo de sonido en CD, y aunque seguían siendo escasas las vetas doradas que se podían encontrar en sus discos, el brillo de "Jump they say" mantenía la esperanza en que la llama de los geniales discos de los setenta volviera a prender en algún momento. Lo hizo, de manera más o menos intermitente, en esa extraña pero meritoria obra conceptual llamada Outside (1995), protagonista de una de mis primeras citas con mi futura mujer. Paseando por el centro de Madrid, pasamos por delante de una tienda de discos, y le pedí que me acompañara a su interior por tan solo unos minutos. Al fin y al cabo, si iba a convertirse en la mujer de mi vida, tenía que empezar a acostumbrarse al mayor y más sano de mis muchos vicios. 

De allí salí con ella de la mano, y con Outside bajo el brazo. ¿Qué más se le puede pedir a la vida? Pues ya puestos, que Bowie hubiera mantenido el pulso firme de discos como The Buddha of Suburbia (1993), Earthling (1997) o  Heathen (2002), frente a discos más apagados y desiguales como Hours (1999) o Reality (2003). Que el tiempo se hubiera detenido eternamente en ese inesperado gran retorno que fue The Next Day (2013), y que una estrella negra no hubiera anunciado nunca el final de su vida y de su obra en Black Star (2016). Pero el tiempo sigue su rumbo de manera inexorable, y ya es noche cerrada en las pistas de skate del barrio. Un perro ladra a lo lejos, y se oye el ruido de alguien dando una patada a lo que parece una lata de refresco vacía. Los monstruos terribles se acercan, y es el momento de regresar a casa. Al volver sobre mis pasos, y por sólo un segundo, juraría haber visto por el rabillo del ojo una delgada silueta enfundada en una cazadora de cuero, alejándose patinando al mismo tiempo que el #MesDavidBowie llega a su fin.

0030: Buddy Holly - Everyday

 

Nacido en Texas el 7 de septiembre de 1936, gran parte de la leyenda de Holly es tristemente absorbida por su famosa muerte, un momento en la historia conocido como “el día en que murió la música”. Involucrado en un accidente de avión junto a Ritchie Valens y The Big Bopper, Holly murió tristemente en el apogeo de su fama. Solo tenía poco más de 20 años, pero, a pesar de su corta edad, había comenzado a ser aclamado en todo el país y más allá. A medida que la nueva generación del rock 'n' roll pasó a primer plano, fue tomando fuerza la música pop y Holly fue un miembro fundacional en la fiesta de bienvenida a este estilo musical, aunque solo haya publicado tres LP en su desgraciadamente corta carrera.

 

'Everyday', fue publicada a finales de 1957 una vez que ya se había separado del grupo The Crickets y en pleno despegue, en los créditos aparece como autores Charles Hardin y Norman Petty. Charles Hardin es en realidad Buddy Holly: su verdadero nombre era Charles Hardin Holley. Este tema sirvió como cara B de posiblemente la canción más conocida de Holly, 'Peggy Sue', pero, tras el paso de los años, la canción se ha convertido en un clásico por sí solo. En una época en la que la instrumentación en la música comercial aún estaba encontrando su camino, Holly cuenta con un bajo acústico, una guitarra acústica, voces y un estaño teclado glockenspiel llamado Celesta. Sin embargo, es la percusión es lo más curioso dentro de la canción, ya que se improvisaron palmadas sobre la rodilla para llevar el ritmo de la canción.

 

La letra nos habla de cómo el amor es más vertiginoso que una montaña rusa, cada vez es más fuerte y que está a la espera de que se tenga el valor de declararse. Puede que tenga que esperar para alcanzar ese momento verdadero, pero sabe que le llegará. Ocupa el puesto 238 en la lista de la revista Rolling Stone de las "500 mejores canciones de todos los tiempos".

La música en historias: Los músicos de sesión XVIII

 

     Como hemos podido apreciar, algunos estudios de grabación suelen tener músicos profesionales a disposición del artista de turno para sus grabaciones en estudio o presentaciones en directo. Así, por ejemplo, en los años 30 era muy común que las discográficas tuvieran contratadas a las llamadas Big Bands para acompañar a los artistas. Vamos con la entrega número 18 de ésta sección dedicada a los músicos de sesión.

Jennifer Batten, guitarrista estadounidense nacida en Nueva York en 1957. empieza a tocar a la edad de 8 años cuando su padre le compra su primera guitarra eléctrica. Su primeras influencias son BB King, Jeff Beck y Lightnin' Hopkins. en 1978, y mientras estudia en el Musicians Institute, la famosa facultad para músicos de Los Ángeles, empieza a experimentar con la técnica del tapping a dos manos inspirada por su compañero de clase, el guitarrista Steve Lynch. Durante su carrera ha lanzado tres álbumes de estudio, y como guitarrista de sesión participó en tres giras mundiales de Michael jackson, Bad (1987-89), Dangerous (1992) e History (996-97). Jeff Beck, Natalie Cole, Miguel Mateos, Carmine Appice, Michael Sembello, Carl Anderson, Sara Hickman o Cindy Cruse son algunos de los artistas con los que ha trabajado durante su productiva carrera musical.

Lili Haydn, violinista, vocalista y compositora estadounidense nacida en Toronto, Ontario (Canadá) en 1969. Hija de la comediante estadounidense Lotus Weinstock y del escritor, director y productor canadiense David Jove, Lili comienza su carrera como actriz infantil a los 7 años, sin embargo, un año después descubre el violín y empieza a estudiar música clásica, y con 15 años ya toca con la Filarmónica de Los Ángeles. Empieza su carrera como profesional en 1990, y en 1992 se gradúa en la Universidad de Brown con una licenciatura en ciencias políticas. Es después de graduarse cuando empieza a componer sus propias canciones originales a la vez que se convierte en uno de los violinistas de sesión más solicitados de Los Ángeles. Para cuando firma un contrato con Atlantic Records, ya ha tocado diversidad de estilos, como clásica, jazz, rock y música alternativa entre otros, y trabajado con artistas tan dispares como Quwaali Nusrat Fateh Ali Khan, Porno for Pyros, Tracy Chapman, The Jayhawks, Brandy, No Doubt y Tom Petty. También ha compartido escenario con Sting, Herbie Hancock, Robert Plant y Jimmy Page, Seal y George Clinton, el líder de los míticos Parliament / Funkadelic, quien apoda a la violinista "La Jimi Hendrix del violín". En 2009 gana una beca para componer del Instituto de Cine de Sundance, y compone bandas sonoras de tres películas, Jacklight, The Horse Boy y The Lightmaker. Hasta la fecha cuenta con cinco álbumes grabados en solitario.

Catherine Popper, bajista, cantante y compositora estadounidense nacida en Charlotte, Carolina de Norte en 1973. Comienza a tocar el contrabajo a los 9 años, asiste a la Escuela de Artes de Carolina del Norte donde estudia bajo de cuerda clásico, y durante la universidad estudia jazz en la Manhattan School of Music. Entre 2004 y 2006 toca el bajo, el contrabajo y hace coros para Ryan Adams en su grupo de acompañamiento. En 2009 se une a Grace Potter and The Nocturnals, para la gira y la grabación del quinto disco de la banda lanzado en 2010 (Grace Potter and The Nocturnals). En 2013 colabora en el décimo álbum de estudio del cantante y compositor estadounidense Joseph Arthur, The Ballad of Boogie Christ. En 2012 sustituye a la bajista Bryn Davies en la banda femenina de Jack White, The Peacocks. Además de todos los artistas anteriormente mencionados que han contado con sus servicios, podemos sumar a Willie Nelson, Rachael Yamagata, Mike Doughty, Puss n Boots, Levon Helm, Jesse Malin, Brian Fallon y D Generation entre otros muchos. 

Gail Ann Dorsey, bajista estadounidense nacida en Filadelfia, Pensilvania en 1962. Aunque su instrumento fuerte es el bajo, también es vocalista y domina la guitarra y el clarinete. Empieza a tocar la guitarra a los 9 años, atraída por artistas como Mark Farner (Grand Funk Railroad), Terry Kath (Chicago) Jimi Hendrix y Nacy Wilson (Heart), y a los 14 años se compra su primer bajo. Asiste al Instituto de Artes de California donde estudia cine y vídeo. Gracias a sus guiones y cortometrajes en super 8 consigue un beca completa, convirtiéndose además en la mujer más joven en ser admitida en el departamento de Live Action. Sin embargo, a pesar de su gran valía, y tras completar tres semestres completos, decide que la industria del cine no es para ella y decide dedicarse a la música. Con 22 años se muda a Londres para proseguir con su carrera y evolución musical. sus primeras demos son producidas por Paul "Doc" Stewart, quien la consigue su primer contrato discográfico con CBS Records. La carrera de Gail ya no parará. En 1995 ficha para la banda de David Bowie, donde permanece hasta la muerte del genial artista en 2016. De 1993 a 1996 graba y realiza una gira con Tears for Fears, colaborando además en la composición de canciones de la banda. Además ha trabajado con otros artistas como Lenny Kravitz, Bryan Ferry, Boy George, Khaled, Gwen Stefani, Charlie Watts, Seal, Skin, Jane Siberry, Gang of Cuatro y Ani DiFranco entre otros.

Rhonda Smith, bajista canadiense nacida en Halifax, Nueva Escocia. Cuando es pequeña se muda con su familia a Montreal, y alentada junto a sus tres hermanos, empieza a tocar la trompa barítono, teclado y guitarra, hasta que un día su hermano mayor se presenta en casa con un bajo y le dice que no se le ocurra tocarlo, Rhonda entonces lo tiene claro, quiere tocar el bajo. Recibe formación clásica privada de contrabajo y asiste a la Universidad de McGill en Montreal, donde estudia interpretación de jazz. Empieza a trabar con artistas canadienses como Claude Dubois, Daniel Lavoie, Robert Charlebois, Joanne Blouin y James Bovlin. Gracias a su dedicación consigue ganar un premio Juno (El equivalente canadiense a un premio Grammy) al Mejor Álbum de Jazz Contemporáneo por su trabajo con Jim Hillman y The Merlin Factor. Mientras asiste a una convención de música en Alemania conoce a Sheila E., quien hace llegar el trabajo de Rhonda a Prince, pues en ese momento está buscando personal para su banda. Dos meses después, y tras superar una jam session con el mismo Prince y con un baterista, pasa a formar parte de New Power Generation, la banda de acompañamiento de Prince, donde permanece casi 10 años. Otros artistas con los que ha trabajado son Chaka Khan, Beyonce, Patti Austin, Brenda Rusell, Lee Retinour, Patti Labellem Little Richard, Najee, Kirk Whalum, Jeff Beck y George Clinton.

0029: You send me - Sam Cooke

 

No pudo tener mejor ojo el malogrado Sam Cooke en la elección de su sencillo de debut. You Send Me, escrita por el propio Sam Cooke pero acreditada en un primer momento a su hermano menor para evitar que su editor se beneficiara de las ventas, fue un éxito enorme tanto en el Billboard estadounidense como en las listas de Rhythm & Blues de la época. La canción estuvo, de hecho, planteada originalmente para que fuera grabada por su hermano, pero tras grabar Cooke una primera toma de demostración, se dio cuenta de que la joya que tenía entre manos brillaría aún más con su privilegiada voz.

La versión definitiva de You Send Me se editó como single en 1957, junto a una versión del popular tema Summertime en la otra cara. Aunque You Send Me era una incógnita, y Summertime la clara apuesta de aquel single, las emisoras radiofónicas lo tuvieron mucho más claro que los asesores musicales del cantante, y acabaron casi siempre programando You Send Me en detrimento del otro tema, hasta llegar a encumbrarla en el número uno de las listas, y con ella situar al recién llegado Sam Cooke en el Olimpo de los artistas del momento.

El disco de la semana 210: Derby Motoreta's Burrito Kachimba - Derby Motoreta's Burrito Kachimba

Pocas veces el disco de la semana de 7dias7notas podrá presumir de ser el primero de un nuevo género. Si en los ochenta, Extremoduro acuñó el término de Rock Transgresivo, y durante varias décadas defendieron a golpe de verso y guitarra sus brillantes postulados, con el disco debut de los sevillanos Derby Motoreta's Burrito Kachimba comienza la era incandescente de lo que ellos mismos,con gran acierto, han decidido llamar la kinkidelia.

¿Y qué es la kinkidelia? ¿Qué se esconde detrás de un nombre tan extraño como el de Derby Motoreta’s Burrito Kachimba? Contengamos, por un momento, la emoción que nos embarga, e intentemos explicarlo con calma y, sobre todo, por partes. Cada uno de los integrantes de la banda venían rebotados de formaciones previas (The Milkyway Express, Furia Trinidad, Quentin Gas & Los Zíngaros...) con las que la búsqueda del éxito había sido infructuosa, y quizá se subieron en marcha a la Motoreta a sabiendas de que ese podía ser su último viaje, un desesperado último disparo con el que acertarle por fin al cielo. Y puestos a morir en el intento, ¿por qué no hacerlo mezclando los estilos musicales con los que habían crecido, y que les habían llevado a engancharse al maravilloso y a la vez complicado carrusel del mundo de la música: el rock andaluz de grupos como Medina Azahara o Triana, y la psicodelia y el rock progresivo de los años setenta.

Dandy Piranha (voz) Bacca y Gringo (guitarras), Papi Pachuli (batería), Soni (bajo) y Von Máscara (teclados) se pusieron manos a la obra, y confeccionaron los ocho trallazos (si contamos como tal el tema KBMD, una intro de poco más de un minuto en la que una voz distorsionada repite el nombre de la banda) de su primer y, hasta ahora, único disco, publicado en 2019 con el nombre de la banda como título. Al escucharlo, es muy poco lo que tardamos en engancharnos a la llamada kinkidelia, porque tras la intro, ya con The New Gizz los ojos se nos ponen en blanco, ante la desbordante explosión de color y energía que desprenden sus casi cinco minutos de imaginación y decibelios.

Para los que crean que este arranque puede no ser más que un espejismo, o más propiamente dicho, una lisérgica alucinación, nada como una buena bocanada de Aliento de Dragón para comprobar que los Derby Motoretta's Burrito Kachimba vienen cargados de dosis reales de azufre y calor. Estamos ante un nuevo derroche de psicodelia y prog-rock con el que de nuevo tocan el cielo, con letras tan poéticas y visuales como "Una cicatriz es un río seco que el dolor y el tiempo dibujaron en tu cuerpo". Difícil resistirse a eso, dicho además con la intensidad y sentimiento que Dandy Piranha le imprime a los textos, y acompañado por una troupé de músicos que en el disco están a un nivel estratosférico.

La deuda con el flamenco y el rock andaluz de los años setenta es evidente en homenajes como Somnium Igni (Pt. I), de la que, a tenor del título, esperamos con ansia una segunda parte en posteriores entregas del grupo. Es apenas un breve oasis de tranquilidad, y un preámbulo para una nueva descarga en El salto del gitano, el tema más duro del disco y en el que más evidentes son las influencias de grupos insignia como Medina Azahara. El grupo sigue pedaleando con firmeza y sin descanso en Grecas, con toques de rock andaluz clásico y a la vez introduciendo vibrantes e imaginativos cambios de ritmo, hasta el punto de adentrarse en terrenos de auténtico rock progresivo.

Llegamos al tramo final del disco con Samrkanda, una larga suite de siete minutos en la que los teclados y el bajo llevan gran parte del peso y el mérito de la canción. Con La piedra de Sharon vuelven al rock setentero y a los tintes psicodélicos, en otros generosos cinco minutos de virtuosismo e intensidad, en el gran final hacia el que todos los focos acaban girándose, para iluminar el talento resplandeciente de un grupo nuevo de nombre imposible: Derby Motoreta's Burrito Kachimba. ¿Psicodelia macarra? ¿Prog rock poligonero? Dejémoslo en kinkidelia y no le demos más vueltas, salvo que sean las que da el vinilo en el tocadiscos. Deja girar el disco, baby, hasta que la música nos transporte de nuevo a "la cima del tiempo", allí dónde "la diosa del amor está bailando (al ritmo del disco de Derby Motoreta's Burrito Kachimba) en todo su esplendor"

0028: The Everly Brothers - Wake Up Little Susie

Como comentamos en un artículo anterior (Bye, bye love), The Everly Brothers fue una gran banda que se convirtieron en uno de los referentes del pre-pop y del pre-rock en los años 50, con unas melodías muy exquisitas y un particular sonido muy personal.

Wake up Little Susie fue escrita el matrimonio Bryant, responsables de su anterior éxito antes mencionado y responsables de las canciones de The Everly Brothers en los años 50. El matrimonio también hicieron temas para Bob Dylan, Elvis y Buddy Holly. Fue el primer número 1 de los hermanos Everly y se han realizado versiones maravillosas de lo que ya puede considerarse un clásico: entre ellos Simon & Garfunkel y los Rattlesnakes, un grupo que acabó evolucionando para ser Bee Gees.

Contaros que el tema fue prohibido por todas las emisoras del Boston ya que entendieron que su título “Levántate Susanita” tenía veladas referencias sexuales, ya que la canción cuenta la historia de una pareja de jóvenes que se quedan dormidos dentro de un coche en un cine al aire libre y despiertan a las 4:00 de la madrugada cuando tenian que estar a las 22:00 h en casa. La canción incide en los miedos (exagerados) de su novio, por las consecuencias de un error involuntario y aparentemente inocente como es haberse quedado dormido en un coche, un acto fortuito y no deseado que podrían consecuencias como la vergüenza, el miedo a que dirán y a quedar marcado lo que supondría una gran mancha en ellos, mentalidad total años 50 Estadounidenses, sin duda muy particular, no podemos imaginarnos una canción como está, explicándoles a tus padres que llegas de madrugada porque te has dormido en tu coche

La música en el cine: Sunshine Or Your Love (Uno de los Nuestros) - Cream

 

Uno de los Nuestros

     En 1990 se estrenaba la película Uno de los nuestros, dirigida por el magistral Martin Scorsese. Basada en el libro Wise guy de Nicholas Pileggi, donde se hace eco de unos hechos reales, el guión es coescrito por el propio escritor junto a Martin Scorsese, y la trama gira en torno al ascenso y caida de tres delincuentes, encarnados por Ray Liotta, Robert De Niro y Joe Pesci, y secundados por actores de la talla de Lorraine Brasco, Paul Sorvino, Frank Sivero, Tony Darrow y Mike Starr entro otros. El título del libro y en el que se centra la película, ya había sido utilizado pra una serie de televisión y para una película anteriores, por lo que Pileggi y Scorsese deciden cambiar el título por Goodfellas (Uno de los Nuestros).

Para preparar sus respectivos papeles, los tres actores principales hablaban a menudo con Pileggi, quien compartió con los actores material de investigación omitido en la creación del libro. En los ensayos Scorsese dio libertad a los actores para actuar como quisieran, después realizó la transcripción de las sesiones, eligió las que más le gustaban y las incluyó en el guión definitivo. El resultado no pudo se mejor, candidata a 6 premios Oscar de los cuales ganó uno (Joe Pesci, mejor actor de reparto), candidata a 7 premios BAFTA (Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión) de los cuales ganó 5, y candidata a 5 Globos de Oro de los cuales finalmente no se llevó ninguno. En taquilla también obtiene buenos resultados, obteniendo 46,8 millones de dólares en Estdos Unidos, doblando casi el presupuesto de 25 millones de la película. La película fue incluida para su preservación en el Registro Nacional del Cine de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, por su "Importancia Cultural".

Incluida en la banda sonora de la película nos encontramos el tema Sunshine Of Your Love, incluida en el segundo álbum del grupo británico Cream, formado por Ginger baker, Jack Bruce y Eric Clapton, Disralei Gears, y publicado por Atlantic Records. El disco alcanza el puesto número 5 en las listas de ventas británicas y el número 4 en las listas de Estados Unidos. Del citado álbum se publican dos sencillos, uno de ellos sunshine Of Your Love, que resulta ser el más comercial y más vendido hasta ese momento de la banda. 

La gestación del tema se remonta a comienzos de 1967, cuando Jack Bruce y Eric Clapton asisten en el Saville Theatre de Londres, a un concierto de Jimi Hendrix. Después del concierto, y mientras Bruce regresaba a su casa, se le ocurrió la línea de bajo del tema. Las letras fueron escritas en una sesión que duró toda la noche por Jack Bruce y Pete Brown, un poeta, letrista y canante inglés amigo de Jack Bruce y Ginger Baker. El estribillo del tema fue escrito posteriormente por Eric Clapton, y para el ritmo de la batería se inspiraron en las películas clásicas de Westerns. El tema es acreditado a Jack Bruce, Pete Brown y Eric Clapton. 

It's getting near dawn

When lights close their tired eyes

I'll soon be with you my love

Give you my dawn surprise

I'll be with you darling soon

I'll be with you when the stars start falling

I've been waiting so long

To be where I'm going

In the sunshine of your love

I'm with you my love

The light's shining through on you

Yes, I'm with you my love

It's the morning and just we two

I'll stay with you darling now

I'll stay with you 'til my seas are dried up

I've been waiting so long

To be where I'm going

In the sunshine of your love

I'm with you my love

The light's shining through on you

Yes, I'm with you my love

It's the morning and just we two

I'll stay with you darling now

I'll stay with you 'til my seas are dried up

I've been waiting so long

I've been waiting so long

I've been waiting so long

To be where I'm going

In the sunshine of your love

0027: Diana - Paul Anka

Diana fue el primer éxito de Paul Albert Anka, músico y actor canadiense nacido el 30 de julio de 1941. A esta canción, con la que logró fama internacional a finales de los años 50, le siguieron otros grandes temas de la talla de "Lonely Boy", "Put your head on my shoulder" o "She's a lady", esta última popularizada en la voz de otro grande, el "Tigre de Gales" Tom Jones. Paul Anka es también el autor de la letra de "My Way" de Frank Sinatra, por lo que podría decirse, si nos ponemos muy literales, que las cosas que Frank decía hacer "a su manera", en realidad estaban hechas a la manera de Paul. Como lo estaba la canción Diana, una canción tan personal e intransferible, que aunque ha sido versionada por multitud de artistas, siempre estará dedicada a una sola Diana, la antigua niñera adolescente a la que un imberbe Anka declaraba su amor, a lo largo de los versos de esta canción eterna.

Diana nunca correspondió al joven Anka, y no sabemos si se acabo arrepintiendo, aunque solo fuera un poquito, al escuchar este tema basado en el ritmo del calypso caribeño y combinado con el del cha-cha-chá, que alcanzó  a toda velocidad los primeros puestos de las listas de ventas, tanto canadienses como norteamericanas, y que pasaría a la historia como una de las mejores canciones románticas de todos los tiempos. Paradójicamente, el jovenzuelo rechazado se convirtió, gracias a esta canción, en todo un ídolo de adolescentes, que sucumbían a los encantos de su voz aterciopelada, que rogaba desesperadamente a Diana que se quedara a su lado.

Cantantes de la talla de Elvis Presley, Caetano Veloso, Raphael o Enrique Guzmán nunca conocieron a Diana, pero no resistieron la tentación de hacer también suya esta canción e incluirla en sus repertorios, con resultados notables en la mayoría de los casos, pero sin llegar nunca a superar al original, demostrando una vez más que Diana no hubo más que una, porque solo Paul Anka podía cantarla "a su manera".

David Bowie - Héroes (Mes David Bowie)

Héroes, David Bowie

 

     En esta ocasión vamos a detenernos en Héroes, como el segundo disco de la llamada trilogía berlinesa de David Bowie. Recordemos que a finales de 1976 se muda a vivir a Berlín Occidental en un intento por dexintosicarse y revitalizar su carrera. Allí comparte piso con Iggy Pop y comienza a trabajar con el cantante, compositor y productor musical Brian Eno. En 1977 ayuda a componer y escribir el álbum debut de Iggy Pop, The Idiot, y ese mismo año publica Low, el cuál ha reseñado nuestro querido Nevermind. Con Low le da a su forma de componer letra y música una forma más oscura y abstracta, y el disco aunque obtiene críticas negativas y no es recibido tampoco con mucha alegría por su compañía discográfica en ese momento, RCA Records, que lo que pretendía era mantener el tirón comercial que Bowie tenía y pensaba que iba a fracasar con éste disco, acaba superando en ventas en el Reino Unido a su anterior trabajo, Station To Station. 

El 14 de octubre de 1977 Bowe publica el duodécimo disco de su carrera en solitario, y el segundo de la trilogía berlinesa, Héroes. Para éste álbum Bowie trabaja con Biran Eno al igual que con el anterior disco, Low, y es grabado en el Hansa Studio by the Wall, de Berlín Occidental entre julio y agosto de 1977 bajo la producción de él mismo y Tony Visconti. El disco contiene el mismo concepto minimalista e instrumental que Low, pero le dota de un aire más alegre y positivo y le introduce más elementos pop y rock. El personal que colabora con Bowie para la grabación de Héroes está compuesto por Carlos Alomar (guitarra rítmica), Dennis Davis (percusión), George Murray (bajo), Brian Eno (sintetizador y teclados), Robert Fripp (guitarra), Tony Visconti (coros) y Antonia Maass (coros). El disco obtiene una muy buena recepción de la crítica y del público, llegando al puesto número 3 en las listas británicas y permaneciendo en ellas durante 26 semanas seguidas, el puesto 35 en las listas estadounidenses, y obteniendo muy buenos resultados también en países como Alemania y Francia.

Héroes es un disco donde Bowie vuelve a poner de manifiesto el espíritu de la Guerra Fría, y vuelve a rendir homenaje a sus influencias de Krautrock, la corriente musical de rock experimental surgida a finales de los años 60 en la antigua República Federa Alemania. El tema que abre el disco es Beauty and the Beast, compuesta por Bowie, comienza con una especia de música inconexa de guitarra, piano, música electrónica y voz que va in crescendo. Podemos apreciar el toque que Robert Fripp le da con su guitarra eléctrica y el gran trabajo de Brian Eno con los sintetizadores. En cuanto a la letra, es una especie de oda de la relación amor / odio que Bowie mantenía en aquella época con su adicción a las drogas, más concretamente a la cocaína en ese momento. Joe the Lion, compuesta por Bowie, uno de los temas influenciados por el krautrock alemán, es un tributo al artista conceptual estadounidense Chris Burden, quién se crucificó una vez a sí mismo en 1974 en un Volkswagen New Beetle, y al que Bowie compara en el tema con una cruz de hierro. Para la lína de bajo de éste tema Bowie utilizó la de su tema Changes (Hunky Dory - 1971). Héroes, compuesta por Bowie y Brian Eno, el título es un guiño al tema Hero del disco Neu! '75 de la banda alemana Neu!, y cuyo guitarrista de esa banda, Michael Rother, había sido tanteado para tocar en éste álbum. Al parecer la inspiración le vino a Bowie al observar por la ventana del estudio, desde la que podía verse el muro de Berlín, a una pareja besándose, y aquella imgen de contraste entre el amor y la guerra le sugirió la idea del tema. Aquella pareja que Bowie vió en aqel momento no era sino al mismísimo Tony Visconti junto a una mujer, algo que sería confirmado años después. Sons of the Silent Age, compuesta por Bowie, fue el único tem que se gestó antes de las sesiones de grabación, pues todos los demás fueron creados e improvisados en las sesiones de grabación del disco. El tema hace referencia a los personajes de su canción The supermen (1970), y según la crítica, la letra es una revisión en tercera persona de lo temas de la abstinencia psicótica que Bowie había explorado en su anterior álbum, Low. Cierra la cara A Blackout, compuesta por Bowie, es quizás el tema más difícil del disco, con unas letras difíciles de esntender, donde Bowie hace alusión a cortes de energía, refiriendose probablemente al apagón sucedido en la ciudad de Nueva York en 1977,  que ha sido interpretado como al apagón personal sufrido por Bowie en Berlín, donde sufrió un colapso, siendo trasladado al hospital de urgencia. 

Abre la cara B V-2 Schneider, compuesta por Bowie, pieza instrumental donde el artista rinde tributo a Florian Schneider, cofundador de la banda alemana Kraftwerk, para quien Bowie supuso una clara influencia. V-2 era el apodo por el que se conocía a Schneider. También se llamó así al primer misíl balísitico desarrollado por el ejercito alemán durante la Segunda Guerra Mundial. Para ayudar a generar ideas creativas, Brian Eno empleó sus llamadas Oblique Strategies, un método ideado por el mismo y por el artista Peter Schmidt, y cuyas cartas ofrecían desafíos con el fín de ayudar a los artitas a romper los bloqueos creativos y así fomentar la creatividad. Los siguientes tres temas, instrumentales, fueron creados a partir de éste juego entre Eno y Bowie,  Sense of Doubt, compuesta por Bowie, otro de los temas más oscuros del disco, Moss Garden, compuesta por Bowie y Eno, y Neuköln, compuesta también por ambos. Éste último instrumental lleva el nombre de un distrito de Berlín, y según la crítica especializada, con la música Bowie pretendía reflejar el desarraigo de los inmigrantes turcos que constituían un gran parte de la población de dicho barrio berlinés. Cierra la cara B y por tanto éste imprescindible disco del genial artista The Secret Live of Arabia, compuesto por Bowie, Eno y Carlos Alomar, tema que sería versionado en 1982 por la banda y productora British Electric Fundation (formada por los exmiembros de Human League y Heaven 17 Martyn Ware) en su álbum Music of Quality and Distinction.

0026: The Lady is a tramp - Frank Sinatra

“The Lady is a Tramp” es una canción con música de Richard Rodgers (1902-1979) y letra de Lorenz Hart (1895-1943) compuesta para el musical Babes in Arms, que se estrenó en Brodway en 1937, con Mitzi Green y Ray Heatherton en los papeles protagonistas. “The Lady is a Tramp” parodia la alta sociedad de Nueva York y su estricta etiqueta, se canta desde una perspectiva femenina de igual manera que "My Funny Valentine" es del mismo programa y cantada por el mismo personaje. 

La letra se burla de la alta sociedad de Nueva York al retratar a una mujer fuerte e independiente con sus propias prioridades en la vida. No se preocupa lo mas mínimo de las reglas sociales que le imponen, la frivolidad o mantener las apariencias. Así, los estereotipos de la alta sociedad adinerados la etiquetan como una vagabunda (una persona bohemia o de clase baja).

Durante la década de 1950 fueron muchos los cantantes y músicos  –especialmente del mundo del jazz– que la incorporaron a su repertorio y las grabaciones proliferaron. Su éxito fue a más y el cine volvió a tenerla en cuenta al adaptar a la gran pantalla otro magnífico musical de Rodgers y Hart de 1940. La adaptación al cine se hizo en 1957, dirigida por George Sidney y con la coreografía de Hermes Pan, que contaron con un trío de excepción en los principales papeles: Frank Sinatra (Joey), Rita Hayworth (Vera) y Kim Novak (Linda). La película es mucho menos ácida que el musical original, ya que en el film Joey es cantante y Linda es una bailarina del club, y cuando Vera, celosa, obliga a Joey a despedirle pero ante la negativa de él. Linda sabiendo lo que significa el club para Joey habla con Vera diciendo que se marchará si reabre el club, pero Joey lo descubre y corre tras Linda que termina caminando junto a él. Hoy en día la versión más popular es la de Frank Sinatra en esta versión (y otras con cantantes masculinos) él está defendiendo a la mujer por ser poco convencional, aunque las grabaciones de Ella Fitzgerald, Bing Crosby, Wesla Whitfield y Mel Torme también merecen grandes elogios. Los instrumentistas tienden a acelerar el tempo incluso más que los cantantes; Stephane Grappelli, Oscar Peterson, Gerry Mulligan y Kenny Drew también han ofrecido interpretaciones superiores.

Un país, un artista: Dinamarca - Pretty Maids

     En esta ocasón, el elegido por vosotros para esta sección ha sido el país de Dinamarca, y para hablar del grupo elegido nos vamos a principios de los años 80, donde se gestó una de las bandas más influyentes de hard rock y heavy metal del país y que consiguió traspasar las fronteras del país, Pretty Maids, grupo que definió su estilo con unas afiladas y pesadas guitarras mezcladas con elementos melódicos de teclados y voces. A lo largo de su historia ha conseguido vender cientos de miles de discos, y  ha tocado junto a grandes bandas como Black Sabbath, Whitesnake, Deep Purple, Alice Cooper ó Saxon entre otras, siendo el país de Japón donde consiguió tener más éxito durante la década de los 90.

Año 1981, dos amigos de Horsens, localidad de la región de Jutlandia (Dinamarca), Ken Hammer y Ronnie Atkins, deciden formar una banda que en sus comienzos se didica a realizar covers de otros grupos. Pero pronto empiezan a escribir y componer sus propios temas y tras grabar una demo utofinanciada por ellos mismos consiguen un contrato discográfico con el sello inglés Bullet Records. Con éste sello lanzan en 1983 su primer EP, titulado Pretty Maids y lo hacen ya bajo el nombre de Pretty Maids. El lanzamiento supone un gran éxito y gracias a ello consiguen realizar un gira por tierras británicas impulsada por el sello discográfico. La banda ha conseguido una gran popularidad y lógicamente empiezan a tener más ambición por lo que ese mismo año firman con CBS Records quién relanza el EP debut de la banda con una versión diferente.

La banda, que está formada en su inicios por Ronnie Atkins (Vocalista), Ken Hammer (guitarra), Rick Hanson (guitarra), Allan Dellong (bajo), Phil Moorhead (batería) y Alan Owen (teclados), debuta en 1984 con su primer álbum de larga duración, Red, Hot and Heavy, con el que continúan su escalada al éxito durante la década de los 80. A éste le seguirá Future World, publicado en 1987 bajo la produccón de Eddie Kramer, y que será el disco que definirá el sonido de la banda, fuertes y agresivos riffs guitarreros mezclados con elementos muy melódicos y más comerciales. 

En 1990 la banada publica Jump the Gun, disco que va en la misma línea que el anterior, producido por Roger Glover, el bajista de Deep Purple, y pubicado por CBS Records, que puso toda la carne en el asador para que éste disco fuera el que rompiera las listas de ventas, pero eso nunca sucedió, excepto en Japón. La banda, que ignoraba si la falta de éxito del disco se debía a estrategias de marketing, al propio material del álbum, o al creciente interés y despegue de la música grunge que imperaba en la época, se disuelve quedando sólo los dos miembros fundadores, Hammer y Atkins, quienes deciden seguir al frente del cañón, reclutan nuevos músicos y bajo la producción del productor de Metallica, Flemming Rasmusen, publican Sin-Decade en 1992, con el que consiguen abrirse a un público más amplio y además se asientan en el mercado japonés, consiguiendo establecer allí uno de sus bastiones durante toda la década de los 90, pues los temas suaves y con tintes comerciales de la banda le van como un guante al público japonés. A mediados de los 90, concretamente en 1995 sorprenden con la publicación de Scream, enfocándolo hacia un sonido más pesado y más duro y vuelven a posicionarse en primera línea, culminándo ésto con la publicación de su directo Scream Live. sus siguiente trabajos durante la década de los 90, Spooked (1997) y Anything Worth Doing Is Worth Overdoing (1999) siguen la línea de scream, si bien a Anything Worth Doing Is Worth Overdoing le dotan de un sonido algo más comercial. 

El grupo comienza el nuevo siglo con el lanzamiento de Carpe Diem, disco con un sonido más mélodico que los de la segunda mitad de la década de los 90, volviendo a la senda de sonidos más pesados en 2002 con la publicación de Planet Panic. Sin embargo un hecho marcaría el futuro inmediato de la banda, la empresa Rock On, que gestiona los derechos de la banda quiebra, lo que deja en una mala situación financiera y con un cúmulo de prooblemas legales al grupo danés, lo que unido a un ataque al corazón sufrido por Ken Hammer en diciembre de 2003 hace que Pretty Maids corra peligro de desaparecer. Afortunadamente Ken se recupera satisfactoriamente de su dolencia cardiaca y vuelve a los escenarios, el grupo consigue salir de la crisis financiera, y en 2006 publica Wake Up to the Real.

En 2010 publican Pandemonium, considerado por la crítica especializada como uno de sus mejores álbumes. Curiosamente, tras más de 30 años en activo, en septiembre de 2012 tocan por pimera vez en Estados Unidos, concretamente en el festival ProgPower, hecho que ayuda a la publicación y promoción de su siguiente disco, Motherland, en tierras estadounidenses además de en Europa, disco coniderado por uno Ronnie Atkins como el mejor trabajo de la banda canción por canción. Durante ésta década tienen tiempo para pulbicar todavía dos discos más, Kingmaker (2016) y Undress Your Madness (2019).

Es Pretty Maids una más que interesante banda de rock danesa que consiguió abrir brecha y expandir fuera de sus fronteras el hard rock y el hevy metal danés, y que a día de hoy podemos seguir disfrutando, pues es habitual verla dándolo todo en directo además de en Dinamarca, en países como Suecia, Alemania y España sobre todo.

0025: Whole Lotta Shakin' Goin' On - Jerry Lee Lewis

 

Whole Lotta Shakin'Goin' On

     Whole Lotta Shakin' Goin' On es un tema que popularizó Jerry Lee Lewis con su vibrante versión rock and roll, y que generó cierta polémica en cuanto a la autoría, pues tanto el cantante Dave "Curlee" Williams como el pianista James Faye"Roy" Hall se atribuyeron la autoría de la canción. En marzo de 1955 aparece la primera grabación del tema, bajo el sello dicográfico Okeh Records, hecha por la cantante Big Maybelle, y firmada por Curlee. En septiembre de 1955 Roy Hall hace una grabación del tema para Decca Records, manteniendo que él la había escrito y registrado bajo el pseudónimo "Sunny David". Sin embargo, una demo de la grabción de Hall para Decca acreditaba a Curlee como único autor. La cosa quedaría solucionada al aparecer todas las grabaciones posteriores firmadas por Dave Curlee y Roy Hall (bajo el pseudónimo de Sunny David).

Hall era compositor y pianista, dirigía un local de música en Nashville, y además tocaba en la banda del popular cantante Webb Pierce. Al parecer, el origen de la canción la encontramos en 1954 en el lago Okeechobee ubicado en Florida, donde se encontraban Curlee y Hall pescando. Se encontraban ebrios, cuando en un momento dado escucharon el sonido de una campana en medio del lago, comenzaron a bromear sobre ello, y lo reflejaron en un tema que se acabó llamando Whole Lotta Shakin' Goin' On. Jerry Lee Lewis y Hall se conocieron en 1954, año en el que Hall contrata a Jerry para que toque en el local que dirige. 

     En 1956 Jerry ficha por la discográfica de Sam Phillips, Sun Records, y graba su dos primeros temas para el sello, una versión de Crazy Arms de Ray Pierce, y una canción suya llamada End Of The Road, temas con los no obtiene apenas repercusión. Cuando llega el momento de grabar su siguiente tema para Sun Records, Hall desempolva Whole Lotta Shakin' Goin' On y se la ofrece a Jerry para que la grabe.

Jerry acepta y coge la canción, pero le da una vuelta de tuerca y le hace sus propios arreglos bajo la supervisión del productor Jack Clement. Jerry le añade un explosivo ritmo de piano, una potente percusión y le añade una parte hablada. A pesar de que a Sam Phillips no le acaba de convencer el tema debido a su alto contenido sexual, acepta y el tema se graba y aparece publicado el 15 de abril de 1957 como cara B de un sencillo que incluía como cara principal el tema It'll Be Me. La mayoría de las emisoras de radio del país son reticentes y censuran Whole Lotta Shakin' Goin' On por su alto contenido sexual, y aún así la canción se funciona y se vende bastante bien, sobre todo en el sur de Estados Unidos. Habría que esperar a que Jerry aparezca en el programa televisivo The Steve Allen Show el 28 de julio de 1957 e interprete el tema, para que se convierta en un auténtico trallazo, pues a partir de ahí el tema se convierte en un exitazo nacional y vende más de 6 millones de copias. El tema alcanza el puesto número 1 en la lista del país Billboard R&B, el número 3 en la Billboard Hot 100, y el puesto número 8 en la lista de ventas del Reino Unido. 

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0024: All Shook Up - Elvis Presley

0024 La música en canciones: All Shook Up - Elvis Presley

Vamos hablar de uno de los clásicos de Elvis Presley, que uno de los grandes éxitos de su carrera como artista, estamos hablando del clásico All Shook Up, que fue escrito por Otis Blackwell, con arreglos del propio Elvis (Presley), que el propio Elvis, durante una entrevista el 28 de octubre de 1957, dijo: "Nunca tuve una idea para una canción. Solo una vez, tal vez. Me fui a la cama una noche, tuve un gran sueño y me desperté todo agitado. . Llamé a un amigo y le conté. Por la mañana, tenía una nueva canción, 'All Shook Up' ".

La fuerza de Elvis hizo que All Shook Up lograra entrar a todas las listas más importantes de Estados Unidos (pop, country y R&B), permaneciendo en todas ellas durante ocho semanas en 1957, desde el 13 de abril hasta el 27 de mayo. El sencillo fue certificado 2x Platino por la RIAA.​ En la lista de R&B, "All Shook Up" fue el segundo sencillo de Elvis en alcanzar el número uno.

"All Shook Up" se a definido dentro del rock como un género de rock suave. Esta canción también ha demostrado ser una versión cada vez más popular entre los amantes del rock, obteniendo versiones de Paul McCartney, Carl Perkins, Jeff Beck, Ry Cooder, Suzi Quatro, Cliff Richard, Albert King, Jim Dale y Humble Pie, entre otros. 

Daniel
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David Bowie - Low (Mes David Bowie)

 "Hoy voy a empezar a construir la casa dónde estaré para toda la vida..."

No, no me he despistado, creyendo que estoy de nuevo en el #MesCoqueMalla en lugar del #MesDavidBowie. Es que creo que Berlín, la canción de Coque, refleja perfectamente el momento vital en el que se encontraba David Bowie, en el momento de crear y publicar Low (1977), el disco con el que abrió algo más que lo que todos conocemos como su "Trilogía de Berlín" (Completada con los posteriores Heroes y Lodger). Con este disco, y más concretamente con la decisión previa de alejarse del "star system" y buscar el anonimato en Berlín, David Bowie buscaba un nuevo comienzo, una búsqueda de sentido y de dirección para su vida, inmerso como estaba en una lucha por salir del infierno de las drogas. No es de extrañar que un cambio de este tipo no acabara también manifestándose en un cambio relevante en su enfoque artístico. Low nace de ese estado vital y de ese momento personal concreto, además de la fascinación de Bowie por la escena musical alemana.

Tampoco estoy construyéndome una casa, aunque acabo de comprarme una nueva, y espero que sea para toda la vida. Cambiarse de casa es un cambio muy relevante, y una apuesta por un nuevo comienzo. En un pequeño cuarto de esa casa, montaré mi rincón para la música. Será un lugar presidido por estanterías llenas de vinilos y compactos, recopilados durante toda una vida. En ese lugar, habrá un espacio reservado para The Man Who Fell to Earth (1976), la película en la que Bowie encarnó a un extraterrestre llegado a La Tierra. Para la banda sonora del film, le propusieron que trabajara en varios temas, que finalmente no fueron utilizados. Ahí surgió el germen de lo que un año después sería Low, y quizá para reconocer ese nexo con la película, la portada del disco es una imagen de Bowie caracterizado como el personaje que interpretó en el film.

En Berlín, Bowie rompe con el pasado, y mira directamente hacia el futuro, aunque aún no sabe bien que dirección seguirá para encontrarlo. En algún momento, descubrió hacia dónde apuntaba ese Norte, y quizá mirándose en el espejo en alguna de las habitaciones del piso de la Hauptstrasse, se dijo algo parecido a "Voy a saltar, voy a nadar hasta otro lugar, para toda la vida", y tuvo claro que no seguiría el camino de discos anteriores como Young Americans, como le hubiera gustado a los directivos de la discográfica, sino que daría un paso más allá en el enfoque experimental iniciado en Station to Station. Con la inestimable ayuda de Brian Eno y del productor Toni Visconti, empezó a dar forma al que probablemente sea el disco más experimental de su carrera, un disco de culto y situado en las antípodas de lo que pueda considerarse un disco convencional.

UN RECORRIDO POR LAS HABITACIONES DE "LOW"

Veo la pared donde colgué, las fotos que acumulé, durante toda la vida. No reconozco a nadie, y sin embargo, cuando pienso que eran rostros que ayer eran toda mi vida, sé que ya no estoy, y que no quiero mirar la pared nunca más en la vida"

El disco comienza con Speed Of Life, corte instrumental en el que destacan los efectos electrónicos en los teclados, y la áspera guitarra de Ricky Gardiner, primer ejemplo del sonido oxidado y sin depurar que será la gran seña de identidad de toda la primera parte del disco. Con Breaking Glass el disco empieza a contagiarse del tono triste, oscuro y críptico de las letras, que aquí parecen reflejar aspectos de su pasado de los que se arrepiente ("No mires a la alfombra, dibujé algo desagradable en ella". Menos personal es el enfoque de What in the world, con la colaboración de Iggy Pop en los coros. Iggy fue uno de los pocos "rostros de la pared" de los que Bowie no quiso separarse, y aunque su participación en el disco se reduce a este tema, el retiro en Berlín del Duque Blanco no se entiende sin su presencia como compañero de piso y de aventuras en la capital alemana.

Low alcanza su momento más alto en Sound And Vision, tema muy por encima del resto de canciones, y que no por eso puede ser etiquetado como el más convencional. Al contrario, el desamparo que embargaba a Bowie se cuela en la aparentemente inofensiva y colorida letra. El "azul de la habitación en la que viviré" hace referencia a la tristeza,  y las "persianas pálidas todo el día" nos hablan de la depresión que no le permite ver la luz. Es Bowie aislado en su retiro voluntario, sin "nada que hacer, nada que decir", sólo esperar que la inspiración le llegue ("Me sentaré, esperando el regalo del sonido y la visión"). Todo un hit agridulce, que sin duda sonará insistentemente en la terraza de mi nueva casa, dónde pienso "preguntarme a veces sobre el sonido y la visión" con una buena cerveza en la mano.

Always crashing in the same car profundiza en el difícil momento vital que atravesaba. En todo propósito de cambio, hay momentos en los que las cosas parecen no estar saliendo de acuerdo a lo planeado. En una genial metáfora, inspirada en un accidente de coche real, Bowie describe esa sensación de estar dando "vueltas y vueltas en círculo" sin encontrar una salida, y resignado a acabar "estrellándose siempre contra el mismo coche". El tratamiento instrumental, con las guitarras y los teclados distorsionados, y la dejadez con la que la voz de Bowie transmite esa rendición ante el insalvable destino, la convierten en un tema tan irónico como brillante.

Be My Wife tiene un peso bastante marcado de los teclados, tanto en el ritmo como en las secciones de transición melódica, y podríamos decir que es, además de Sound and Vision, el otro hit radiable del disco, dentro de un álbum con pocas balas que disparar en radios convencionales. La primera cara termina con el tema más positivo, A New Career in a New Town ("Una nueva carrera en una nueva ciudad"), que reafirma con su título el proyecto de vida que se escondía tras la experimentación musical de Low. Un tema instrumental que cierra una primera parte que tiene, en sí misma, entidad de obra redonda y terminada, y muy diferente a lo que encontraremos al girar el disco.

Influido por la música vanguardista del emergente estilo Krautrock de grupos como Neu! o Kraftwerk, los temas del segundo tramo de Low son auténticos experimentos de música ambient. Temas como Art Decade o Weeping Wall pierden, con su ambiental minimalismo, el carácter áspero y urbano de los temas anteriores. A cambio, ganan en vanguardismo atmosférico y marcadamente instrumental, salvo por los puntuales gritos tribales de Bowie en Warszawa, o la breve letra de Subterraneans (el mejor tema de esta parte del disco). Son estancias de la futura casa muy marcadas por la influencia de Brian Eno, y que me generan menor entusiasmo. Algo así como el trastero, el tendedero o la plaza de parking, estancias menos cálidas de esa casa que Bowie empezó a construir, y de ese Berlín en el que no sabemos si llegó a pensar quedarse "para toda la vida".

0023: The Everly Brothers - Bye Bye Love

The Everly Brothers eran hermanos (Don y Phil Everly) tal como anuncian en su nombre artístico, nacen en 1937 y 1939 respectivamente dentro de una familia de artistas country que recorrían el país dando recitales en pequeños locales. Su primer sencillo apenas tendrá repercusión, pero atrae la atención de ese genio de la guitarra que fue Chet Atkins que los apadrina y les consigue un gran contrato y el inicio de una carrera fulgurante. Bandas como The Beatles, The Hollies, The Byrds, The Mamas and The Papas o el dúo Simon & Garfunkel, reconocieron su influencia y entre las versiones más conocidas están las de Roy Orbison, Ray Charles, The Righteous Brotheres, Simon and Garfunkel, George Harrison, The Proclaimers o The Coral.

“Bye Bye Love” fue grabada en 1957 en los estudios RCA de Nashville bajo la supervisión del gran guitarrista y productor de country Chet Atkins amigo de la familia que ayudó a los Everly Brothers a conseguir su primer contrato discográfico con Columbia Records. Sin embargo, su primer sencillo, "Keep A 'Lovin' Me", fracasó y el sello los eliminó. Chet les presentó un nuevo tema compuesto por una reconocida pareja de autores, el matrimonio Felice y Boudleaux Bryant, y que llegó por casualidad a las manos de Chet Atkins después de haber sido despreciada por más de una treintena de artistas. El éxito fue impactante en gran parte debido al arreglo que el dúo le implementó con su famoso trémolo al inicio y aderezado con la perfecta armonía de sus voces, lo cual desencadenaría en el popular “Sonido Everly” creado también por sus famosas guitarras Gibson acústicas de tapa plana. El tema fue un bombazo y enseguida llegó al nº 2 de las listas Billboard USA. Fue tan rápido que los hermanos Everly, recién regresados de una gira de tres semanas a lo largo del Mississippi, se encontraron con la sorpresa de haberse convertido en los ídolos musicales de toda América.

La canción arranca con un riff de guitarra mítico que da paso a la armonía cerrada de las dos voces y la perfecta coordinación de las dos guitarras, creando un efecto magnífico, siendo apoyados por un leve ritmo de batería. La letra nos habla de un amor que ha terminado por culpa de un tercero y de la tristeza que deja.

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La música en historias: Los músicos de sesión XVII

 

     Los músicos de sesión, esa fuente inagotable de recursos a la que los artitas pueden recurrir para sacar con éxito sus trabajos. La ventaja de los artistas con estos músicos, no tienen por qué tener ni disponer de su propia banda para sacar adelante esos proyectos y trabajos. Vamos con la decimoséptima entrega dedicada a los músicos de sesión y su vital importancia dentro de la música.

Reese Wynans, teclista estadounidense nacido en 1947. Crece en sarasota, Florida, y al igual que sus seis hermanos empieza a recibir lecciones de piano, con la particulardad que es el único de los hermanos al que le gusta realmente tocar dicho instrumento. Entre noviembre de 1968 y marzo de 1969 forma parte de la banda Second Coming, donde se econtraban dos de los futuros fundadores de los Allman Brothers Band, Dickey Betts y Berry Oakley. Estuvo  involucrado en las sesiones iniciales que llevaron a la formación de Allman Brothers, pero al final no formó parte ya que el tecldista elgido fue Gregg Allman, y Duane allman no quería una banda con dos tecladistas. En 1973 se une a la banda Capitan Beyond, y graba sufficiently Breathless, pero renuncia después de tocar un sólo concierto con la banda, el motivo: a pesar de ser una gran banda, estaba muy desorganizada, algo que no gustaba a Reese. A partir de mediados de los 70 toca en varias bandas, como la de Jerry Jeff Walker, The Explosives, Debert McClinton, trabajando incluso con Carole King. En 1985 se une a Stevie Ray Vaughan y la Double Trouble, donde permanece en la misma hasta el fallecimiento de Ray Vaughan en 1990. Tras la muerte de éste realiza giras para varias bandas. En 1992 se muda a Nashville, Tennessee, donde se establece y toca los eclados como músico de sesión sobre todo para artistas country y blues. Brooks & Dunn, Trisha Yearwood, Martina McBride, Hank Williams Jr, Buddy Guy, Ana Popovic, John Mayall, Kenny Wayne Shepherd, Colin James, Joe Bonamassa y Eli Cook son algunos de los artistas con los que ha trabajado durane su extensa carrera musical.

Anton Fig, baterista sudafricano nacido en 1952 en Ciudad del Cabo. Más conocido como "The Thunder From Down Under", y su trabajo en la banda Paul Shaffer And The World's Most Dangerous Band, la banda de apoyo del programa nocturno de David Letterman. Empieza a tocar la batería a los cuatro años, y después de ganarse una buena reputación local tocando en varias bandas locales, se muda Boston para poder seguir su progresión musical, estudiando en el Conservatorio de Música  de Nueva Inglaterra (Boston), donde estudia jazz y varias disciplinas clásicas. Una vez graduado, se muda en 1976 a Nueva York donde empieza a hacerse una carrera como músico. En 1978 toca en el disco en solitario de Ace Frehley, el guitarrista principal de Kiss, con quien trabajaría también de 1984 a 1987 en su proyecto en solitario Frehley's Comet. En 1979 es el reponsable de grabar la batería en todos los temas menos en uno del álbum Dinasty  y todas las canciones del álbum Unmasked de Kiss. Al parecer los productores pensaban que Peter Criss, el batería de Kiss, tenía un probelma con las drogas y no estaba en forma. Fue miembro de la banda Spider entre 1980 y 1982, y en 1986 ficha como baterista de la banda de Paul Shaffer, grupo que trabaja para la NBC primero y la CBS después acompañando siempre a David Letterman. Algunos de lo artistas con los que ha trabajado son Bob Dylan, BB KIng, Peter Frampton, Cyndi Lauper, Link Wray, Eric Johnson, Joe Bonamassa, Beth Hart, Mick Jagger, Gary Moore, Joe Cocker, Joe satriani, Paul Simon y Booker T & The MG's.

Jeff Bova, tecladista, trompetista, arreglista, compositor y productor estadounidense, nacido en Washington DC, Estados Unidos en 1953. Hijo de un tompetista profesional, coge éste instrumento como referencia desde su niñez, continuando con él en la escuela primaria, y posteriormente en la prestigiosa Berklee College of Music y en la Manhattan School of Music, llegando a recibir lecciones de la leyenda de la trompeta Maury Deutsch. Sin embargo, al final elige los teclados como instrumento de referencia y se especializa en él. Después de dejar la universidad se une a una banda de jazz fusión llamada Flying Island, y posteriormente se muda a Nueva York, donde forma parte de la banda de R&B Change desde 1982 hasta 1984. En 1983, después de colaborar con Norah Hendryx, conoce al bajista y productor de discos Bill Laswell, con quien trabaja durante los cinco años siguientes, incluyendo trabajos en bandas sonoras de películas, como por ejemplo Colors, protagonizada por Sean Penn. Su productiva carrera como músico de sesión, arreglista y productor ya no parará, y su trabajo con artistas como Celine Dion, Meat Loaf, Robert palmer, Yoko Ono, David Lee Roth, Billy Joel, Iggy Pop, Eric Clapton, Richie Sambora, Europe y Iron Maiden entre otros tantos, son una buena muestra de ello.

Thomas Lang, Baterista, multiinstrumenstista, compositor y productor de discos austriaco. Nacido en Viena en 1967, además de ser miembro fundador de la banda de metal progresivo stOrk, es un reputadisimo músico de sesión internacional que abarca una amplia variedad de géneros como jazz, rock, pop, heavy metal, jazz fusión o rock progresivo entre otros. Su fuerte es la batería, pero también toca guitarra, bajo y teclados. Comienza a tocar la batería a la edad de 5 años, y estudia en el Conservatorio de Música de Viena. Una vez acabados sus estudios en el conservatorio en 1985, comienza a abrirse paso en la escena musical europea, pero será en 1990, cuando se muda a Londres (Inglaterra), cuando empieza a despegar internacionalmente. El estilo y práctica de Lang con la batería se convierte en 1995 en la base de unos vídeos instructivos que son lanzados ese año, y en 2004 son reeditados. En 2007 lanza una gira en forma de campamento, el cual es una experiencia de percusión educativa llamada Thomas Lang Drumming Boot Camp, y dicha experiencia educativa la ha seguido compartiendo hasta la fecha, siendo reconocido y galardonado su concepto educativo en 35 países además de albergar más de 120 campamentos por todo el mundo. Su compromiso con la educación musical es tal, que es asiduamente invitado en universidades, seminarios de batería y campamentos de batería de todo el mundo. Como músico de sesión ha colaborado, entre otros muchos, con artistas de la talla de Paul Gilbert, Glenn Hughes, Robert Fripp, Peter Gabriel Asia, Tina Turner, Sugababes, Steve Hackett, Falco, Nina Hagen, Mick Jones, George Michael, Bonnie Tyler y la Orquesta de Arte de Viena.

Andrea Álvarez, baterista, percusionista, cantante y compositora argentina, nacida en Buenos Aires en 1962. formó parte de Rouge, la primera banda de rock argentino integrada únicamente por mujeres. Andrea es pionera entre las bateristas mujeres argentinas, y la primera en llevar y consolidar la carrera con la batería profesionalmente en aquel país. En 1979 entra a formar parte de Rouge reemplazando a Mary Sánchez, y permanece en la misma hasta su disolución a principios de la década de los 80. Como músico de sesión ha colaborado con artistas de la talla de Charly García, Davi Lebón, Memphis la Blusera, Los Rodríguez, Los Tipitos, Marcela Morelo, Patricia Sosa, Attaque 77, Celia Cruz, Tito Puente, Alex Acuña y Draco Rosa entre otros. Aunque una de sus colaboraciones más destacadas es la que hizo con Soda Stereo, con quién toca durante tres años, tanto en la grabación de tres de sus discos (Languis, Canción Animal y Mix), como en giras y shows de despedida de la mítica banda argentina. A finales de la década de los 90 comienza a producir su propia música, primero con el proyecto llamado Plusmadre (un ensamble de percusión formado por mujeres), y posteriormente en solitario. Desde entonces ha publicado ya dos EP's, cuatro discos de estudio y un directo. En 2015 recibe un premio Konex (premios argentinos para reconocer cada año a las personalidades e instituciones más distinguidas en la ramas del quehacer argentino y que sirven de ejemplo para la juventud) a "Mejor artista femenina de rock de la década" junto a otras cinco solistas femeninas argentinas, y en 2016 fue nominada en los premios Grammy Latinos en la categoría de "Mejor álbum de rock" por su disco Y lo dejamos venir.