domingo, 29 de noviembre de 2020

Nina Simone - Just in time (Mes Nina Simone)


El #MesNinaSimone llega a su fin. "Justo a tiempo", dice el título de este artículo. Y así es, porque el mes de Diciembre nos llevará a otro genial intérprete, al que dedicaremos mucho más de 7 días y 7 notas. Pero en realidad, lo que llega justo a tiempo, antes de que acabe el #MesNinaSimone, es la oportunidad de hablar de mi canción favorita de esta brillante y genuina artista. No se me ocurre otro cierre mejor, no después de todo lo que ya se ha dicho en este blog sobre ella y sus mejores discos.

Después de haber escuchado y descubierto el genial Little girl blue, encontré en una gran superficie una reedición en vinilo que incluía también de regalo una versión en CD, por tan solo 15 euros. Y no pude evitar salir de allí, 15 euros más pobre, pero sintiendo que ese había sido un auténtico "día de suerte". Y eso ocurrió también justo a tiempo, porque de no haber elegido a Nina Simone para el mes de Noviembre, no habría reparado en ese disco, durante esa rutinaria visita a la gran superficie.

Escuché por primera vez Just in time en la última escena de la película "Antes del atardecer". La canción encajaba a la perfección con el final de aquella película, en el que la frase "Cariño, vas a perder ese avión…" se convertía en el mantra de dos almas gemelas, condenadas a encontrarse y a estar juntos de nuevo. Nosotros no podemos perder el vuelo que nos llevará hasta el siguiente artista del mes, así que nos despedimos de la voz aterciopelada de Nina, y de sus mágicas notas de piano, con un "Hasta pronto", porque ya es imposible decirle adiós por completo, desde que ella nos encontrara "Justo a tiempo", y "cambiara nuestras noches solitarias ese día de suerte".

sábado, 28 de noviembre de 2020

La música en historias: Los músicos de sesión XI



     Los músicos de sesión pueden trabajar de forma independiente o de forma exclusiva para un estudio de grabación, como hicieran en su caso la famosa Sección de Ritmo de Muscle Shoals para los estudios FAME y posteriormente para sus propios estudios, los Muscle Shoals Sound Studio, o Booker T. & The MG's que trabajaron exclusivamentepara el mítico sellos Stax Records. Estos músicos suelen tener una gran versatilidad, y su trabajo con el artista de turno puede durar desde unas horas, lo que dure su trabajo de grabación, hasta varios meses, si estos son contratados para una gira. Vamos con la décimoprimera entrega dedicada a estos ilustres músicos...



James Marshall Hendrix, meas conocido como Jimi Hendrix, sí amigos el mago de las seis cuerdas que revolucionó la forma de entender y tocar la guitarra eléctrica. Aunque su carrera en la cúspide solo duro unos 4 años, tiempo en el que forjó su leyenda, tuvo que trabajar duro para llegar ahí. Nacido en Seattle, Washington (Estados Unidos) en 1942, y fallecido en Nothing Hill, Londres (Reino Unido) en 1970. De su vida y obra está prácticamente todo dicho, pero quizás no sea tan conocido el hecho de que en 1961 conoce durante su alistamiento militar al músico Billy Cox, con el que se dedica a tocar en todos los clubs de la base militar los fines de semana, y con el que tocaría posteriormente en The Jimi Hendrix Experience. En 1963 Jimi se muda a Tennessee, donde forma junto a Cox una banda llamada King Kasuals, con la que consigue tocar de forma asidua en los locales de moda de la ciudad. Pero además de tocar con su banda, alterna tocando como músico de sesión para artistas como Wilson Pickett, Slim Harpo, Sam Cooke y Jackie Wilson entre otros. En 1964 es contatado, tras realizar una audición, para ser guitarrista de The I. B. Specials, la banda de apoyo de los Isley Brothers. Con ellos graba el famoso tema Testify, que al principio no tiene apenas éxito. Con los Isley Brothers se embarca en una gira durante 1964, pero en octubre de ese año, cansado de hacer todas las noches lo mismo decide abandonar la formación. Poco después Jimi ficha como músico de apoyo de la banda The Upsetters, el grupo de apoyo de Little Richard, con el que permanece hasta julio de 1965, fecha en la que es despedido. Jimi realiza algunas colaboraciones aquí y allá hasta que en 1966 se embarca en el proyecto The Jimi Hendrix Experience, marcando un antes y un después en la historia del rock.



Red Callender, nacido en 1916 en Virginia (Estados Unidos) y fallecido en 1992 en Saugus (Estados Unidos). La particularidad de Red es que hizo carrera fundamentalmente como músico de sesión de jazz con dos instrumentos que manejaba a la perfección, el contrabajo y la tuba. Red Callender forma parte de The Wrecking Crew, el famoso grupo de músicos de sesión del área de Los Ángeles. En la década de los 40 forma su propio trío y además graba con artistas como Nat King Cole, Charlie Parker o Dexter Gordon entre otros. Posteriormente se muda a Los Ángeles, donde se convierte en uno de los primeros músicos de color que trabaja asiduamente para los principales sellos discográficos. durante la década de los 50 se convierte en uno de los primeros solistas de tuba del jazz moderno. Durante su carrera colabora con artistas de la talla de Art Tatum, Jo Jones, Charles Mingus, Fred Astaire, Louis Bellson, Benny Carter, Dizzy Gillespie, Plas Johnson, B.B. King y Gerald Wilson entre otros además de publicar seis álbumes de estudio como solista.



Glen Campbell, guitarrista, cantante, compositor, presentador y actor estadounidense nacido en 1936 en Nashville (Estados Unidos), y fallecido en Tennessee (Estados unidos) en 2017. Durante su carrera ganó varios premios Grammy, siendo el único que lo ha conseguido en dos categorías diferentes (country y pop) simultáneamente. Glen, el séptimo de doce hijo, nace en el seno de una familia muy humilde, comienza a tocar la guitarra bajo la influencia de un tío suyo, y lo hace sin tener conocimientos de leer música y además toca como diestro a pesar de ser zurdo. Al cumplir 18 años se marcha al sur donde empieza su aventura como músico, y en 1958 se traslada a Los Ángeles, donde se convierte en músico de sesión y pasa a formar parte del famoso grupo The Wrecking Crew. A principios de los 60 es muy solicitado por gran variedad de artistas, tales como Nat King Cole, Bobby Darin, Nacy Sinatra, Merle Haggard, Phil Spector, The Monkees, Elci Presley, Frank Sinatra, Dean Martin o The Mamas & The Papas. Glen también se convierte en 1964 en miembro de pleno derecho del grupo The Beach Boys al sustituir en la gira de 1964 a 1965 a Brian Wilson debido a su enfermedad, llegando incluso a participar en la grabación del álbum Pet Sounds. En 1969 aparece junto a John Wayne en la película Valor de Ley, donde canta la canción The Grit, nominada al Globo de Oro y al Oscar ese año. A finales de los 60 y hasta 1972 también ejerce como presentador de televisión, y aprovecha su relaciones como músico para llevar a artistas invitados como Eric Clapton, Cream, The Monkees, Neil Diamond, Linda Ronstadt, Johnny Cash o Willie Nelson entre otros. Durante los 70 y los 80 irá alternando sus apariciones en la música con sus trabajos musicales, cosechando más éxitos dentro del género country. 



Larry Knechtel, nacido en Bell (Estados Unidos) en 1940 y fallecido en Yakima, Washington (Estados Unidos) en 2009, fue un tecladista y bajista muy reputado por su trabajo como músico de sesión. Desde bien pequeño empieza a recibir clases de piano, y en 1957, con 17 años se une a una banda de rock and roll de Los Ángeles. Dos años después se une a  la banda de Duane Eddy, The Rebels, con la que recorre el país y lo escenarios durante 4 años, tras los cuales decide dedicarse a trabajar como músico de sesión. Larry se convierte en una pieza importante en la escena de los músicos de sesión de Hollywood al trabajar para Phil Spector como pianista y ayudarle a crear su famoso efecto "Muro de Sonido", una formula de producción que se basaba en la creación de un sonido muy denso y reverberado con muchas capas, convirtiéndose también en miembro y en uno de los músicos más destacados de The Wrecking Crew. En 1970 gana un premio Grammy por sus arreglos para piano en la canción Bridge Over Troubled Water, compuesta por Simon & Garfunkel. Larry también era un consumado especialista tocando la armónica y el bajo eléctrico,  instrumentos que podemos escuchar en Mr. Tambourine Man de The Byrds, y en los discos de The Doors, que no tenían bajista. En 1971 se una a la banda Bread, y en la década de los 80 se muda a Nashville donde firma un contrato discográfico como solista. En los 90 lanza dos discos más como solista, y al final de su carrera, pesar de estar semirretirado tiene tempo para colaborar con Rick Rubin y Neil Diamond, y girar con Elvis Costello.



James Jamerson, (Isla Edisto, Carolina del Sur, 1936 - Los Ángeles, California, 1983), bajista estadounidense, es el músico cuyo bajo aparece no acreditado en la mayoría de los éxitos del sello Motown Records de la década de los 60 y principios de los 70. como músico de sesión grabó en 23 temas que llegaron al número 1 en la lista estadounidese Billboard Hot 100, y en 56 número 1 de R&B. Gran parte de su educación la recibe de su abuela que le enseña a tocar el piano, y de su tía que canta en el coro de una iglesia. De pequeño ya actuaba tocando el piano y después el trombón. sus influencias vienen de sus largas  escuchas en la radio de música gospel, blues y jazz. En 1954 se muda con su madre a Detroit, donde asiste a la Northwestern High school, y empieza a tocar allí el contrabajo. Sus inicios los encontramos tocando en locales de blues y jazz del área de Detroit. Después de graduarse en la escuela secundaria se une a la banda de Washboard Willie, y después realiza una gira con Jackie Wilson, lo que le ayuda a ir ganando cada vez más reputación. En 1959 es contratado en el estudio de Berry Gordy el fundador del sello Motown, para sus estudios en Hitsville (Estados Unidos). Allí se convierte en miembro de un nutrido núcleo de músicos de estudio que se llamaban así mismos The Funk Brothers. The Funk Brothers eran un grupo de músicos de jazz que habían sido contratados por Berry Gordy, durante el día grababan en el pequeño Studio A ubicado en el sótano de Motown, y por las noches se dedicaban a tocar en clubs de jazz. Jamerson es considerado como uno de los bajistas más influyentes de la historia de la música moderna, siendo nombrado como referente por bajistas de la talla de Geddy Lee, Pino Palladino, Anthony Jackson, Marcus Miller, John Paul jones, Suzi Quatro, Peter Cetera, Bootsy Collins, Jaco Pastorius, Michael "Flea" Balzary, Andy fraser o Brian Wilson entre otro muchos. 

viernes, 27 de noviembre de 2020

El disco de la semana 201: Burning.- Altura

 




Una de las bandas con más pedigrí en el rock en español nos regalaron música incluso en el siglo XXI, si bien con la ausencia de Pepe Risi, la cabeza visible y sin duda el que más representativo del grupo, aun asi Johnny en los teclados, Eduardo Pinilla a la guitarra, Carlos Guardado al bajo y Kacho Casal en la batería, se entregan una vez más a lo que mejor han sabido hacer desde el comienzo de la banda, puro rock and roll donde hablan de temas comunes, de lo que te ocurre a ti y a mí, del amor perdido, del amor encontrado y de tantas cosas que el dia a dia nos depara. Burning fue un grupo de rock de Madrid creado en 1974 por José Casas Toledo (Pepe Risi, guitarra), Juan Antonio Martín Díaz (Toño Martín, voz), Juan Antonio Cifuentes Laso (Johnny Cifuentes, teclados), Enrique Pérez (bajo) y Ernesto Estepa (Tito, batería). Aunque Burning comenzaron cantando en inglés, fueron, junto a la corriente del rock urbano (de la que nunca formaron realmente parte) y otros grupos y solistas como Moris y Tequila (con los que conformaron una escena paralela y muy diferente a lo que por entonces se estilaba), responsables de la normalización del idioma español durante la segunda mitad de los 70 en el rock español. Su estilo, que ha permanecido fiel a sus raíces desde el principio, bebe del rock and roll clásico, el rythm and blues y el blues (aunque en sus inicios también fueron muy influidos por el glam rock), con referentes claros como Lou Reed, Johnny Thunders, The New York Dolls, los viejos rockers de los 50-60 y, sobre todo, The Rolling Stones.


 

Abre el álbum Soy yo y mis amigos es un rock and roll clásico al más puro del que hacían al principio de su carrera, parece que los chicos no han perdido la forma y los ritmos suenan como entonces, un buen tema. El perro se mete con uno de sus temas más universales, el amor, de nuevo expresado de forma salvaje y sin miramientos con el fracaso y la necesidad, es un buen tema, pero se queda muy repetitivo. Zenkiu Sugar, es una canción con mucha guitarra, ese sonido que sin dudar te devuelve a tiempos de la música con mayúscula, mientras que la batería le hace el juego, un tema sin duda pícaro. Es una roca, comienza tranquilo, pero de nuevo el amor y el desamor toma el mando para contarnos las relaciones de chico y chica, aquí tenemos un tema donde más que nunca se le notan las raíces de los Stones. 

Tú, ruina total, sigue incidiendo en el amor, y el amor complicado, y extraño, quizás se está haciendo un poco monótono los temas del álbum, imagino que a los grandes fans es un soplo de pasado, muy agradecido, pero lo cierto que empieza a estancarse. Ojos grandes supone un pequeño gran cambio, nos encontramos ante la balada que te hace sentir universal, de esas que solían hacer ellos, cargada de dolor y de pesadumbre. Volvemos al rock de ciudad con Desde el Pantano, sucio y reivindicativo, de libro este tema rockarolero que te deja a unos pasos de los años 70. Un poquito de R & R podría ser una hoja de ruta de su carrera por la música, sino la suya, la de muchos que se embarcaron en este barco y en este viaje. Con A ella no le cuesta, ser como es vuelven a las mujeres, a esas chicas que les han acompañado en este camino y a las que tanto idolatran y homenajean, es uno de los temas que más me han gustado. El cierre lo ponen con la canción que da título al álbum, Altura, y es casi una canción autobiográfica con un toque de Blues muy interesante, melancólica, triste y a la vez un viaje esperado y nunca deseado. El mejor tema sin duda.


 

Puede que este disco esté cantado para los seguidores más acérrimos y que los que no hemos vivido su día a día se nos queda como ausente, pero en términos musicales no podemos más que hincar la rodilla ante los Burning, porque a ellos de música, pocos les pueden dar lecciones.

jueves, 26 de noviembre de 2020

Maradona (1960 - 2020)



Maradona (1960 - 2020

Como en la música y en el deporte existen personajes amados y odiados, pero por suerte es más fuerte el cariño de sus fans, ayer tuvimos la noticia que Diego Armando Maradona nos
dejaba, y las repercusiones de los medios de comunicación y las redes sociales se han hecho eco de esta noticia, y debo decir que he visto comentarios de todo tipo, por ello no voy a juzgar a nadie sino poner en valor una frase que resuena con fuera en todos lados, y me quedare con ello en señal de respeto y adiós!

HASTA SIEMPRE, DIEGO | No te juzgo por lo que hiciste con tu vida, te amo por lo que hiciste con la nuestra

Daniel
Instagram Storyboy 

La música en el cine: Feuer Frei (XXX), Rammstein

 

XXX 



     Rammstein es una banda alemana de metal industrial formada en 1994 que basa su sonido en la corriente alemana surgida en los 90 llamada NDH (Neue Deutsche Härte), un género de música que se originó en Alemania, donde las letras están escritas e interpretadas en lengua alemana y el registro vocal del cantante suele ser en un tono grave. El sonido de dicho movimiento se caracteriza por el trabajo de las guitarras eléctricas distorsionadas, el uso de los ya habituales bajo, batería y teclados, y la incorporación de samplers, sintetizadores y cajas de ritmos. De hecho, Rammstein se ha convertido en el máximo exponente mundial de este género musical.

En abril de 2001 la banda germana publica su tercer álbum de estudio, Mutter, el disco que consagra al grupo ante el público y la crítica. La portada del disco genera cierta polémica entre los estamentos religiosos, pues muestra la cara de un feto. El disco alcanza un gran éxito, alcanzando la categoría de Doble Platino en ventas, y lanzando nada menos que 5 temas del álbum como sencillos. 

El grupo consigue que hasta Hollywood se fije en ellos, y varios de sus canciones,  algunas de Mutter y alguna de otros discos aparecen incluidas en bandas sonoras de películas como Resident Evil (2002), Matrix (1999) ó Hellboy 2 (2008). Incluido en Mutter se encuentra Feuer Frei, tema que también fue incluido en la banda sonora de otra película, XXX.

XXX es una película de acción estadounidense dirigida por Rob Cohen, y protagonizada por Vin Diesel, Samuel L. jackson, Asia Argento, y Martn Csokas, y estrenada en agosto de 2002. El éxito de la película ha dado lugar a que se produzcan dos títulos más, convirtiendo a XXX en una exitosa saga dentro del género de películas de acción. 

Feuer Frei fue lanzada como quinto sencillo de su disco Mutter, y es uno de los temas más populares de la banda. El título del tema viene del comando en el idioma militar alemán para comenzar a disparar, pues significa literalmente "Dispara libremente", lo que viene a ser abran fuego. El tema trata del dolor de las relaciones y como la felicidad de una persona puede llegar a costa de otra. También se hizo un video musical que fue dirigido por Rob Cohen, quien también dirigió la película XXX, el vídeo se grabó precisamente para promocionarla película. 
Aunque Feuer Frei aparece publicado en Mutter, el tema se había gestado tiempo atrás, y fue tocado por primera vez en vivo por la banda en abril del año 2000 en un concierto exclusivo para miembros del club de fans del grupo, el tema por entonces se llamaba Punk. La siguiente vez que es tocada en directo es en mayo de 2001, ya con el nombre de Feuer Frei, siendo ésta la versión definitiva del disco. El tema es tocado desde entonces en casi todos los conciertos de Rammsten.

Getadelt wird, wer Schmerzen kennt
Vom Feuer, das die Haut verbrennt
Ich werf ein Licht
In mein Gesicht
Ein heißer Schrei
Feuer frei!
Bäng bäng
Bäng bäng
Geadelt ist, wer Schmerzen kennt
Vom Feuer, das in Lust verbrennt
Ein Funkenstoß
In ihren Schoß
Ein heißer Schrei
Feuer frei!
Bäng bäng
Bäng bäng
Feuer frei!
Bäng bäng
Bäng bäng
Feuer frei!
Gefährlich ist, wer Schmerzen kennt
Vom Feuer, das den Geist verbrennt
Bäng bäng
Gefährlich das gebrannte Kind
Mit Feuer, das vom Leben trennt
Ein heißer Schrei
Bäng bäng
Feuer frei!
Bäng bäng
Bäng bäng
Bäng bäng
Bäng bäng
Bäng bäng
Bäng bäng
Bäng bäng

miércoles, 25 de noviembre de 2020

Nina Simone.- Here Comes the sun (Mes Nina Simone)

Here Comes the sun #MesNinaSimone

Sigamos conociendo un poco más de Nina Simone en su mes, y vamos ahora con un nuevo álbum de la cantante y pianista estadounidense, pero vamos a ir con un álbum particular "Here Comes the Sun" es el decimotercer álbum de estudio de la cantante, que consta de versiones de canciones de músicos de pop y rock, lanzado por RCA en abril de 1971.

Este disco en particular es un disco de Cover de diferentes artistas de todos los tiempo. Aunque Simone cubre canciones de Bob Dylan y The Beatles, entre otros, la mayoría de las versiones presentan arreglos sustancialmente diferentes de las grabaciones originales. Esto es más claro en la canción final "My Way", que con su ritmo acelerado se desvía significativamente de las interpretaciones habituales.

Así que vamos con la lista de los covers que Nina Simone ha interpretado, y te sorprenderá cada una de las interpretaciones. 

Comenzamos con el tema que le da al disco "Here Comes the Sun" una canción escrita por George Harrison, y que se incluye en Abbey Road, y Nina Simone le pone su impronta en una versión única para este disco.  

Continua el disco con otro clásico pero ahora de la mano de Bod Dylan con su "Just Like a Woman", Simone quizás la ha seleccionado por ser una de las canciones de desamor favoritas de toda la historia, por ser tan hermosa, pero al mismo tiempo tan agridulce y cruel.

"O-o-h Child" es es el tercer tema de este disco, un sencillo de 1970 grabado por el grupo familiar de soul de Chicago Five Stairsteps y publicado en el sello Buddah.  

Otro claro ejemplo de la versatilidad de Nina Simone, y en su cuarta canción "Mr. Bojangles", Nina Simone nos trae una interpretación de Jerry Jeff Walker quien dijo que se inspiró para escribir la canción después de un encuentro con un artista callejero en una cárcel de Nueva Orleans.

Seguimos con "New World Coming" es una canción pop escrita por Barry Mann y Cynthia Weil. Se convirtió en un éxito para Cass Elliot a principios de 1970, y es otra de las canciones seleccionada por Nina Simone para su disco. 

Este es un disco lleno de covers que la artista fue capturando e interpretando como ella sola sabia hacerlo, la siguiente canción fue compuesta en 1967 por Chip Taylor, quien dijo al respecto: "Escribí Angel of the Morning después de escuchar la canción de los Rolling Stones Ruby Tuesday en la radio del auto cuando conducía hacia la ciudad de Nueva York. Quería capturar ese tipo de pasión ".

"How Long Must I Wander" una canción para mi desconocida que he descubierto a través de la voz de Nina Simone, lo que puedo decir es que es original de Weldon Irvine, pero lo mejor queda para el final de este disco con "My Way" un clásico de todos los tiempo interpretada por Nina Simone, y tan particular como todos los interpretes que han realizado la versión de esta canción, creo que My Way no es otra cosa que el cierre que le dio Nina Simone a este disco, por que a su manera interpreta una y cada una de las canciones. 

Daniel 
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martes, 24 de noviembre de 2020

Un país, un artista: Austria - Summoning

 




Austria, el país de Mozart, Viena, la sede más importante de la música clásica y donde se celebra el tradicional concierto de año nuevo, retransmitido para multitud de países y una cita ineludible para mucho amantes de la música en la mañana del primer día del año, un país donde además hay más de 200 festivales dedicados a la música clásica y artes escénicas, pero no se queda en eso, también es la patria chica de El vals, un elegante baile de lento ritmo. El origen de este género se remonta al siglo XII y proviene de la zona oeste de Austria, de la zona de Tirol. En su época, el vals era un baile practicado únicamente por la nobleza…. Se que mucho sois degustadores de estos tipos de música, incluso nosotros la disfrutamos, pero no es nuestro estilo, es otro, y vamos con a hablar de un grupo muy curioso de Austria que llevan dando caña casi 30 años:

 





Summoning es una banda de black metal austríaca y su estilo ha sido descrito como Black Metal/Tolkien Folk, ya que las letras de la mayor parte de sus álbumes hacen referencia al mundo mitológico de J. R. R. Tolkien. Summoning se formó en 1991, grabaron 2 demos, así como una colaboración con la banda austriaca Pazuzu. Los demos se vendieron bastante bien en una tienda de discos de Viena, llamada "Why not".

El primer álbum es LUGBURZ, tanto el título y la temática es del universo ficticio de Tolkien y el estilo músical se establece desde las primeras notas en el folk medieval, escucharlo es encontrarse en un viaje melódico a través de las tierras oscurecidas, quizás el único hilo de cordura cuando parece eminente que el anillo de poder usurpará por completo el control de la Tierra Media y todos los seres vivos serán esclavizados en las garras de Sauron. Es un estilo bastante alejado a lo que nos vamos a encontrar en los siguientes trabajos encauzado a un black metal minimalista, lejos de ser un clon genérico de los divisores iniciales del metal extremo temprano, especialmente de la rama del black metal encontramos melodías muy sencillas, batería rápida (no la mejor) y un ambiente agradable, es una rareza, Lugburz tiene poco o nada en común con lo que seguiría con el proyecto de la banda, moneto en que llegamos a MINAS MORGUL, para que su sonido se volviera más fiero, como si abrieran la puerta de la torre, aun les faltaba de evolucionar, ya que la batería suena un poco demasiado computarizada y parte del trabajo del teclado parece poco consistente, pero la composición es brillante y cada pista comienza con un riff lento y repetitivo basado en el teclado y luego se repite hasta el infinito, sin embargo, los cambios sutiles en el tempo y la dinámica fortalecen el paisaje sonoro general con crecientes distorsiones de la guitarra mientras “Protector” ofrece sus famosos chillidos frenéticos y declaraciones ásperas de todas las cosas de la Tierra Media. DOL GUDUR fue su primer gran salto de calidad, black metal sinfónico con temas de fantasía la banda empujó las guitarras aún más hacia un segundo plano, para darle al aspecto sinfónico épico y dejar cierto descanso que nos conduce a la relajación sin olvidar el poder del metal, quizás peca de pistas largas y repetitivas, pero es una gozada, están encontrando su sonido especial y único. 

STRONGOLD es su obra maestra, incluso para muchos es, uno de los mejores álbumes de black metal jamás escritos. Todo en este álbum es simplemente perfecto: todas las canciones están escritas y compuestas de manera brillante, la atmósfera es simplemente increíble, las pistas son diversas y diferentes entre sí, la música es épica y, por lo tanto, consigue su objetivo de sumergir al oyente en el paisaje musical de la Tierra Media, creando bellas imágenes y llevándolo en un viaje hacia donde ningún camino va. LET MORTAL HEROES SING YOUR FAME sigue la senda, contundentes tambores marciales y la atmósfera más fantástica si cabe, todos esos elementos que hacen de Summoning una banda tan fenomenal y única están en perfecto equilibrio: los teclados, los instrumentos de viento, la atmósfera Tolkien / medieval, los riffs de guitarra piadosos (ese tono es asombroso), cada canción tiene algo memorable o una melodía que te encontrarás tarareando más adelante. El diseño y el arte del álbum también resultan ser mis favoritos de todos sus álbumes. Los colores le dan una calidad otoñal que me encanta

OATH BOUND este álbum tiene una extraña sensación de tristeza que sus otros álbumes no tienen. es su disco más triste, con sus melodías más dolorosas, y land of the dead es probablemente su canción más grande y emotiva, es también el álbum mas accesible para los que nos son fans del grupo, no os voy a sugerir que empecéis por él, porque personalmente me gusta ir descubriéndolo cronológicamente, pero si queréis una pildorita para saber lo que os vais a encontrar empezar por land of the dead, eso si, son casi 13 minutazos. 

Metidos ya en la segunda década del siglo XXI, publican su penúltimo álbum, OLD MORNINGS DAWN, La banda presenta sus texturas sonoras (que evocan bosques encantados antiguos, etc.) con tanta fuerza como siempre, y cada canción te envía a un viaje fascinante a través de los valles brumosos y bosques oscuros como los de la portada del álbum para descubrir maravillas prohibidas, letras excelentes las del dúo, interpretadas apasionadamente junto con melodías que te harán llorar y las progresiones de acordes de guitarra que te harán temblar la espalda. También me encanta su mayor uso de coros e instrumentos de viento en este álbum. Se usan con frecuencia, en casi todas las canciones, pero no exageradamente ni con mal gusto. En 2018 y mientras esperamos nuevos trabajos publican WITH DOOM WE COME que es un trabajo muy similar a los anteriores, pero si estamos satisfechos ¿Quién necesita otra cosa?

domingo, 22 de noviembre de 2020

Nina Simone.- A very rare evening (Mes Nina Simone)

 


A very rare evening - #MesNinaSimone

Hoy hablaremos de un disco de Nina Simone que ha sido grabado en la gira de la artista por Europa, en el año 1969, escenas capturadas de este disco, donde se puede ver a Nina Simone en un programa en vivo de la televisión alemana, junto a ella Weldon Irvine en el órgano, Don Allias en la batería y la leyenda del jazz Gene Perla (quien produjo el álbum) en el bajo.

Pero este disco no fue lanzado hasta 1979 bajo la discográfica PM Records, esta leyenda del Jazz y Blues incluirá de su gira por Europa del 1969, clásicos de la artista, y versiones raras de canciones escrita por Aretha Franklin, Barry Gibb, Randy Newman y Pete Seeger.

Algunas de las canciones de los artistas mencionados serán, “In The Morning”, que escribió Barry Gibb en 1966, cuando tenía apenas veinte años, y es interpretada por la artista al inicio del álbum, continuara con una versión de “Turn! Turn! Turn!”, del artista Pete Seeger, un clásico que fue escrito a finales de la década de los ’50, la letra es una copia casi literal de un artículo bíblico, donde da lugar a que existe un tiempo y un lugar para todas las cosas: la risa y el dolor, la curación y la muerte, la guerra y la paz, en favor de la paz mundial, enfatizando la estrofa final: "un tiempo para la paz, te juro que no es demasiado tarde."Esta estrofa y la frase del título "Turn! Turn! Turn!" son las únicas partes de la letra escritas por el propio Seeger.

El siguiente tema de este álbum no necesita presentación un clásico de todos los tiempos “To Love Somebody”, Nina Simone realizó en este disco la versión de los Bee Gees que vale la pena escuchar una y mil veces más.

Luego de pasar por la versión de To Love Somebody, Nina (Simone) interpretara la canción Ain't Got No, I Got Life, la canción fue publicado en 1968 por la pianista, cantante y compositora Nina Simone en su álbum “Nuff Said” y contribuyó a que la artista gane notoriedad entre los jóvenes, es un popurrí de dos canciones, “Ain’t Got No” y “I Got Life”, del musical “Hair” (1967), con letra de James Rado y Gerome Ragni y música de Galt MacDermot.

La siguiente canción cambia el ritmo del disco “The Other Woman”, es penetrantemente triste, Simone le canta a la victoria silenciosa de una esposa sobre la amante de su esposo, creyendo en que su hombre siempre volverá a ella. Además de ser un sutil indicativo de triunfo de las dinámicas del momento entre hombre y mujer, la canción puede eludir a las batallas internas que vivió Simone, la exitosa y pionera "sacerdotisa del soul", y la impredecible bipolaridad que sufrió y que le descubrieron a través de exámenes mentales antes de que estas cosas fueran comúnmente diagnosticadas. El ritmo no cambia con “I Think It's Going to Rain Today” es una canción del cantautor estadounidense Randy Newman.

En cambio, en las dos últimas canciones, vuelve una Nina Simone, con “Save Me” del álbum Silk & Soul (1967), vuelve el sonido al Soul, y finalmente "Revolution" es una canción de respuesta de 1969 del músico de jazz estadounidense Nina Simone y Weldon Irvine. Fue lanzado como single en 1969 y en el álbum To Love Somebody en 1969.

Así que nuestro homenaje a esta artista que fue una de las artistas más extraordinarias del siglo XX, un ícono de la música estadounidense.

Daniel 
Instagram: Storyboy

sábado, 21 de noviembre de 2020

La música en historias: Los músicos de sesión X

 



     Décima entrega dedicada a todos esos músicos que sin ser miembros permanentes de un grupo han colaborado con multitud de artistas en el estudio y en directo. Unos músicos que han ayudado a engrandecer el noble arte de la música gracias a su gran trabajo en la sombra.



Abre esta nueva entrega el guitarrista Melvin M. Ragin, más conocido como Wah Wah Watson, apodo por el que se le conoce gracias a su habilidad y maestría con el pedal de wah-wah. Wah Wah además de un excelente guitarrista de sesión, fue compositor, productor y arreglista. Nacido en Richmond, Virgina (Virginia), pronto se muda a Detroit, donde logra convertirse en miembro de la banda The Funk Brothers, la banda de acompañamiento de sello Motown, y que estaba compuesto por músicos de sesión que realizaron la mayoría de la grabaciones para el sello discográfico desde 1959 hasta 1972, fecha en la que el sello abandona Detroit y se muda a Los Ángeles. Especializado sobre todo en funk, fusion, R & B y soul, Wah Wah durante su permanencia en la banda del sello Motown graba con artistas de la talla de The Temptations, The Jackson 5, The Four Tops y The supremes entre otros. También participó en multitud de sesiones funk, soul e incluso música disco durante la década de lo 70 y los 80. Tambien tiene tiempo para publicar su primer y único disco en solitario, Elementary, en 1977. En 1994 participa en el álbum recopilatorio Stolen Moments: Red Hot + Cool, de la organización Red Hot Organization (Organización internacional sin ánimo de lucro dedicada a la lucha contra el SIDA a travEes de la cultura pop), disco que pretende concienciar y recaudar fondos en la lucha contra el SIDA. El álbum fue nombrado como disco del año por la revista Time. Aunque en la década de los 2000 su trabajo disminuye, trabaja con Angie Stone, Janet Jackson, Allicia Keys y en la banda sonora del remake de la película Shaft entre otros. Wah Wah watson fallecía en octubre de 2018, Marvin Gaye, Martha Reeves, Quincy Jones, John Lee Hooker, Boz Scaggs, Dizzy Gillespie, Herbie Hancock, Gloria Gaynor, Cher, The Beach Boys, Michael Jackson, Blondie, Stevie Wonder y George Benson fueron algunos más de los artistas que trabajaron con Wah Wah Watson.



El baterista John Frederick Robinson, más conocido como John Robinson, que además de ser uno de los bateristas más grabados de la historia, tiene en su haber su gran trabajo con el productor Quincy Jones, y su batería la podemos escuchar por ejemplo en Of The Wall de Michael Jackson, y en el famoso single We Ware The World. John nace en 1954 Creston, Iowa (Estados Unidos), sus padres se preocupan desde su infancia por su educación musical, y se ocupan de que reciba ya a los 5 años clases de piano. El padre de John tocaba en sus ratos libres el violín y además era el arreglista de un coro local, y su madre solía ponerle discos de big band. A los 8 años consigue su primera batería, una batería de segunda mano de los años 40. A los 10 años forma parte de un grupo formado por él y un otro que toca la guitarra eléctrica, a los 14 además de tocar la batería en la banda de la escuela secundaria, actúa con la Big Band de Iowa. John asiste a un campamento para bandas de jazz, y es allí donde además de corregir malos hábitos, es animado por un profesor a inscribirse en la prestigiosa Berklee School of Music, donde consigue ingresar en 1973. Un año después comienza su carrera como músico de sesión trabajando para el profesor John LaPorta, que necesitaba un baterista preciso para sus cintas de enseñanza. John inicia a finales de los 70 una extensa y productiva carrera como músico de sesión además de formar parte de la banda de funk Rufus, trabajando asiduamente para Quincy Jones y Michael Jackson. A mediados de los 80 comienza a colaborar con artistas de rock, soft rock y pop, y en la década de los 90 enfoca su trabajo también hacia el jazz. También tiene tiempo de trabajar en bandas sonoras de películas, tales como El Guardaespaldas (1992), Space Jam (1996), Jerry Maguire (1996), Independence Day (1996) ó Batman & Superman (2016) entre otras. Al Jarreau, Barbra Streisand, Anita Baker, Bonnie Raitt, Chaka Khan, David Lee Roth, Donna summer, Eric Clapton, Kenny G, Julio Iglesias, Luis Miguel, Madonna, Mike Oldfield, Quincy Jones, Michael Jackson, Rod Stewart, Rubén Blades, Seal, The Brothers Johnson y Steve Winwood son algunos de los artistas con los que ha trabajado en su extensa carrera. 



Maceo Parker
, cantante y magnífico saxofonista de soul, jazz y funk. Maceo nace en Kinston, Carolina del Norte (Estados Unidos). Su padre tocaba el piano y la batería y cantaba junto a su madre en una iglesia. Además su hermano Melvin tocaba la batería y su hermano Kellis el trombón. En 1964 Maceo consigue ingresar junto con su hermano Melvin en la banda de apoyo de James Brown. En la banda de Brown permanece hasta 1975, si bien en 1970 junto con algunos integrantes de la banda de Brown forma Maceo & All The King's Men, con la que está dos años de gira. Después de la gira, en 1974 regresa con James Brown. Durante ese periodo Maceo participa en muchas de las grabaciones que catapultan a la fama a James Brown. En 1975 Maceo deja a James Brown y se incorpora a la banda de George Clinton, Parliament-Funkadelic, banda en la que permanece hasta 1983. En 1984 decide volver a trabajar con James Brown, permaneciendo a su lado hasta 1988. En 1990 decide iniciar su carrera en solitario, llegando a posicionar su primer disco, Roots Revisited, en lo más alto de las listas de jazz contemporáneo de Estados Unidos durante 10 semanas seguidas. Una productiva carrera en solitario que ya no abandona, pero si tiene tiempo para colaborar con artistas como De La soul en 1993, con Prince a finales de la década de los 90 en su gira, acompañando a su banda The New Power Generation. En 1997 colabora en el tema My Cat's Name Is Maceo de Jane's Addiction, y en 1998 actúa como invitado para Dave Matthews Band. En 2007 acompaña a Prince durante sus 21 noches en el Millenium Dome de Londres y el Forum de Los Ángeles. Actualmente sigue girando por todo el mundo, encabezando muchos festivales de jazz, sobre todo en Europa, llegando a realizar 290 conciertos al año.



Dewey Lindon "Spooner" Oldham, más conocido como Spooner Oldham, tecladista, compositor y músico de sesión nacido en Center Star, Alabama (Estados Unidos). Spooner comienza tocando en grupos durante sus estudios en la escuela secundaria, posteriormente, al acabar sus estudios de secundaria inicia sus estudios en la Universidad del Norte de Alabama, pero se acaba decantando por la música y se dedica a tocar en lo famosos estudios FAME y también en los Muscle Shoals Studios, formando parte de la famosa sección de ritmo de Muscle Shoals. En 1967 se muda a Memphis, Tennessee y se asocia con Dan Penn, reputado músico, cantante, compositor y productor de música soul, con quien trabaja en los Chips Moman's American Studios, y escribe temas de éxito para artistas de la talla de Percy Sledge o los Box Tops. Después de su aventura en Memphis se establece en Los Ángeles, donde sigue desarrollando su carrera como músico de sesión, grabando con artistas como Bob Dylan,Aretha Franklin, Willy DeVille, Joe Cocker, Linda Rondstadt, Bob Seger, Dickey Betts ó JJ Cale entre otros. Ha sido músico de respaldo de Neil Young con frecuencia, participando en su mítico disco Harvest Moon (1992), y también ha tocado con Crosby, Still, Nash & Young en su gira de 2006. En 2007 se une a los Drive-By Truckers para su gira The Dirt Underneath. Podemos escucharle en temas que forman parte de la historia de la música tales como When A Man Loves A Woman de Percy Sledge, Mustang Sally de Nelson Pickett, y I Never Loved A Man de Aretha Franklin



Barry Beckett
, tecladista, músico de sesión y productor nacido en Birmingham, Alabama (Estados Unidos) en 1943. Es conocido por ser uno de los cuatro fundadores de los Muscle Shoals Studios, y por su trabajo junto a David Hood, Jimmy Johnson y Roger Hawkins, los otros 3 fundadores, compañeros de la famosa sección de ritmo de Muscle Shoals, también conocidos como The Swampers. Además de dedicarse junto a los Swampers a apoyar a infinidad de artistas que pasaron por sus estudios, en 1973 toca como músico de apoyo con Traffic en la gira de la cual se graba su álbum en vivo On The Road. En 1979 coproduce y toca el piano y el órgano en el disco Slow Train Coming de Bob Dylan, una colaboración que se vueve a repetir en 1980, Beckett vuelve a coproducir y colabora a los teclados en el disco del maestro Dylan Saved. En 1982 trabaja para Warner Bros. Records. como director de música country, y después de dejar a compañía sigue produciendo discos de forma independiente. Beckett fallece en 2009 a la edad de 66 años debido complicaciones derivadas de un derrame cerebral. Solomon Burke, Etta james, Bob Seger, Joan Baez, Cher, Boz Scaggs, Mark Knopfler, Wilson Pickett, Paul Anka, Paul Simon, Aretha Franklin, Donovan, Dolly Parton, Laura Nyro, JJ Cale, Art Garfunkel, Cat Stevens ó Rod stewart son sólo algunos de los artistas que trabajaron con él durante su extensa y productiva carrera.

viernes, 20 de noviembre de 2020

El disco de la semana 200: Avalanch.- El Ángel Caído

 

El Ángel Caído,  Avalanch



     Asturias, año 1993, el joven guitarrista Alberto Rionda junto con el bajista Francisco Fidalgo y el vocalista Víctor García deciden formar una banda a la que se unen el baterista Alberto Ardines y Juan Lozano, pues en esos momentos estos dos últimos también están reclutando gente para su formación. Escogen como nombre del grupo Avalanch, un nombre que ya habían usado Ardines y Lozano para grabar junto con otros dos músicos un único álbum llamado Ready To The Glory

Son los comienzos de la banda, unos comienzos donde la formación va sufriendo cambios hasta llegar a 1997, cuando lanzan su primer álbum de estudio, La llama Eterna. Por entonces la banda está conformada por Juan Lozano (voz), Alberto Rionda (guitarra), Roberto García (guitarra), Fran fidalgo (bajo) y Alberto Ardines (batería). El disco es lanzado bajo el sello discográfico Búnker Estudios, y se edita también una edición en inglés (Eternal Flame). El estilo está orientado hacia el power metal, con unas letras que tratan sobre temas épicos y mitológicos. El grupo se embarca en una gira para promocionar el disco, pero mediada la gira, la banda decide prescindir del vocalista Juan Lozano y contactan con Víctor García que se une a ellos. 

Dos años después, en 1999, el grupo publica su segundo álbum de estudio, Llanto de un Héroe. El disco es publicado bajo la discográfica Mercury Records, y sigue en la línea del disco anterior, explorando el power metal, pero además lo combinan con toques de música clásica. Un disco donde vuelven a tratar temas épicos y medievales, donde el Cid Campeador, Don Pelayo o el inquisidor Tomás de Torquemada están presentes, teniendo también espacio para las leyendas asturianas. El grupo incluso hace un tema en honor a Jacques-Yves Cousteau. El grupo gracias a este trabajo se va asentando en el panorama nacional y se embarca en una gira por toda España. 

El grupo, que está de dulce, vuelve a meterse en el estudio y bajo la discográfica Xana Records publica en 2001 su tercer trabajo de estudio, El Ángel Caído, el disco recomendado para la ocasión por 7dias7notas. La banda está conformada en este momento por Víctor García (voz), Alberto Rionda (guitarra), Roberto García (guitarra), Francisco Fidalgo (bajo), Alberto Ardines (batería) e Iván Blanco (tecaldos). Concebido por Alberto Rionda, se convertirá a la larga en el disco más exitoso y vendido del grupo, donde el sonido del grupo sigue en la línea de los dos trabajos anteriores, el power metal, y la temática del disco gira en torno a temas bíblicos. 

La portada del disco es obra del dibujante Luis Royo, quien es conocido por sus ilustraciones erótico-fantásticas, y el álbum aunque no es un disco temático en sí, narra la historia de los orígenes del Ángel Caído y las consecuencias de sus actos en el planeta Tierra y de cómo esto afectó en la vida del hombre. El disco cuenta con la colaboración del vocalista de Saratoga y Stravaganzza Leo Jiménez en el segundo acto del tema Las Ruinas del Edén, y de la vocalista asturiana Tina Gutiérrez



El disco comienza con un tema instrumental, Hacia la Luz, que no llega a los dos minutos y que sirve de introducción para Tierra de Nadie, donde el grupo se lanza a todo trapo como un tren sin frenos que ya no parará hasta el final, y donde nos narran la ignorancia, y el racismo que sufren los inmigrantes. Turno para el tema que da título al disco, El Ángel Caído, con un comienzo con arreglos orquestales y unos riffs muy pesados pero más pausados. En cuanto a la temática abordan el rechazo a Dios y el dolor que provoca hasta en los ángeles condenados a la eternidad. Xana, una de las joyas del disco y que mantuvieron durante mucho tiempo en su repertorio en directo. Un guiño a Asturias, pues así son conocidas las ninfas de agua en la mitología asturiana. Un tema donde el amor y la muerte están presentes. La Buena Nueva es una bella introducción de poco más de medio minuto, el preámbulo de Levántante y Anda, con un comienzo muy agresivo, es uno de los temas más cañeros del disco, una llamada a levantarse contra los estamentos del poder eclesiástico. Alma en Pena, tema con un toque melancólico y nostálgico con unos coros femeninos buenísimos, y donde se hacen eco de los dolores y quebraderos que traen las mentiras. Corazón Negro, otro de los temas más potentes y agresivos del disco, con unos riffs de guitarra a una velocidad vertiginosa. En Delirios de Grandeza nos narran una leyenda que cuenta cuales son los verdaderos orígenes del amor. Antojo de Dios es una balada con una atmósfera triste y nostálgica brillantemente conseguida para hablarnos del dolor. Muy buenas las melodías y el sólo de guitarra de Víctor. El Séptimo Día, épica melodía con el piano y los teclados que no llega al minuto y que en realidad es la introducción para Las Ruinas del Edén, un tema con un aire muy apocalíptico dividido en tres partes donde se desarrolla un encuentro entre Dios y el hombre. Despues de discutir y lanzarse airadas protestas y reproches durante los tres actos que dura esta autentica joya, deciden separar sus caminos. Muy acertada la colaboración de Leo Jiménez en el segundo acto poniendo voz al hombre. El disco finaliza con Santa Bárbara, tema dedicado precisamente a la misma, que es la patrona de los mineros. Un brillante tema instrumental interpretado por Alberto Rionda, el broche perfecto para cerrar el disco.

Después de este álbum, y con la llegada del vocalista Ramón Lage sustituyendo a Victor García el grupo se orienta hacia un sonido más heavy metal y más progresivo, lo que convierte a El Ángel Caído en la obra culmen de su primera trilogía de discos y en disco imprescindible en la carrera de Avalanch y del heavy metal español.

jueves, 19 de noviembre de 2020

La música en el cine: The Pink Panther Theme, Henry Mancini

 

The Pink Panther



     En 1963 se estrenaba en Italia la película The Pink Panther (La Pantera Rosa), dirigida por Blake Edwards y protagonizada por David Niven, Peter Sellers, Robert Wagner, Capucine y Claudia Cardinale. La trama de la película sigue las peripecias del Inspector Jacques Clouseau mientras viaja desde Roma a Cortina D'Ampezzo para atrapar a un conocido ladrón de joyas apodado "El Fantasma". La película alcanzó tal popularidad y éxito que en marzo de 1964 se estrena en Estados Unidos.

En 2010 la película es seleccionada para ser preservada por La Biblioteca del Congreso como parte de su Registro Nacional de Cine, considerándola "Cultural, histórica y estéticamente significativa". Pero además esta película marca el comienzo de una exitosa serie de películas dedicadas al famoso inspector, Un disparo en la oscuridad (1964), Inspector Clouseau (1968), El regreso de la Pantera Rosa (1975), La Pantera Rosa ataca de nuevo (1976), La venganza de la Pantera Rosa (1978), Sendero de la Pantera Rosa (1982), La maldición de la Pantera Rosa (1983), Hijo de la Pantera Rosa (1993). 

En la primera película de la saga, aparecía en los créditos un personaje de animación, una pantera  de color rosa que inmediatamente llamó la atención, tanto que los productores se plantean de viabilidad de hacer del personaje un dibujo animado independiente. Por tanto, en 1964 se hace un cortometraje de animación de la Pantera Rosa, y éste gana el premio Oscar al mejor cortometraje animado, se iniciaba el comienzo de la saga del personaje en forma de dibujos animados.

Por si esto no fuera poco, al éxito de la saga de películas y dibujos animados de la nuestra querida pantera, hay que añadirle el tema principal de la saga, que suena por primera vez en la película de 1963, The Pink Panther Theme, compuesto como tema central mientras aparece el título y los créditos de la película. El tema fue compuesto por Henry Mancini, y es un tema de jazz que tiene al saxo tenor como instrumento principal. Durante el resto de películas el tema irá desarrollando una serie de variaciones, pero siempre manteniendo la esencia del tema. El artífice del sonido del saxo de esta famosa melodía es el estadounidense Plas Johnson, de hecho cuando Henri Mancini escribe el tema, lo hace pensando en Plas Johnson y su saxo, quien forma parte de su banda de orquesta de estudio por entonces, digamos que le hace un tema a medida. A partir de 1965 el encargado de dar forma a tan famosa melodía es el saxofonista británico Tony Coe.

The Pink Panther Theme, bajo la discográfica RCA se incluye en la banda sonora de la película y es lanzado como sencillo en Estados Unidos en 1964, alcanzando el top 10 en la lista Billboard de adultos contemporáneos de Estados Unidos y ganando además 3 premios Grammy.

miércoles, 18 de noviembre de 2020

Nina Simone.- Wild is the wind (Mes Nina Simone)

 



Wild Is the Wind es un álbum que consta en su totalidad de grabaciones sobrantes de sesiones de grabación en 1964 y 1965 que no se usaron en álbumes. Ahora, el hecho de que se quedaran fuera claramente no tenía nada que ver con su calidad, y quizás más que ver con el hecho de que no eran tan "accesibles" o "vendibles".

 

El álbum comienza muy optimista con el rock 'n' roll “I Love Your Lovin 'Ways”, que podría haber encajado perfectamente en Pastel Blues de 1965. Es pegadizo, bien interpretado y divertido, quizás un poco estándar para lo que esperamos de Nina, aun así, un buen tema. “Four Women”, la única canción escrita por Simone expresamente para el álbum es la primera obra maestra del álbum, una canción que cuenta la historia de cuatro mujeres afroamericanas, que han sufrido durante muchos años el racismo, opresión y esclavitud. Nina cuenta la historia sobre un suave acompañamiento de piano, bajo y guitarra eléctrica, tejiendo una historia tristes y evocadoras antes de que todo explote en un crescendo cuando Nina revela enfáticamente el nombre de la cuarta mujer, es una de las actuaciones emblemáticas de Nina. "What More Can I Say", cuenta con un grandioso acompañamiento orquestal que crece y crece hasta una explosión final, es un tema corto, pero muy intenso donde la emotividad se puede notar desde la primera nota.

 


“Lilac Wine” es otro ejemplo donde el piano, el bajo y la batería te envuelven dejando pista libre al canto y el timbre hipnótico de Nina Simone, mientras canta cómo se rindió a un "extraño deleite" en una "noche fresca y húmeda", bajo un árbol de lilas, la letra reflejara su propia batalla personal con el trastorno bipolar y los violentos cambios de humor que la convirtieron en una figura tan asombrosa y trágica, Simone dice: 'Escúchame, ¿Por qué todo es tan confuso? ¿No es él, o simplemente me estoy volviendo loco, querido?. “That´s all I ask” son poco mas de 2 minutos con una combinación de bajos medidos, un magnífico arreglo de trompetas y un lento crescendo de Simone donde da otra exhibición de la potencia de su voz.“Break Down and Let It All Out” con sus redobles de batería cinematográficos y sus instrumentos de viento triunfantes tiene el espíritu del elegante y oscuro estándar de jazz after-hours. "Why Keep on Breaking My Heart" sigue la estela de la anterior y nos sumerge en los clubs.

 

La canción principal del álbum, “Wild Is The Wind” (que fue versionada por David Bowie como un tributo a Simone en Station to Station) presenta su interpretación de piano más impresionante. Es absolutamente mágico, crear un cielo estrellado de mil notas mientras se apresura alrededor del teclado creando una 'pared de sonido' con un solo instrumento. A medida que esta magia de piano se construye y se construye, se vuelve completamente fascinante, y para ser honesto, no podía creer lo que estaba escuchando, hasta que, cuando terminó la canción, me encontré sentado allí completamente convencido. El drama, la intensidad y el sentimiento eran diferentes a todo lo que había escuchado. Es difícil seguir adelante después de esta joya, vamos a intentarlo, "Black is the Color of My True Love's Hair", entregada en solitario en el piano con una voz suave y aguda de Simone interpreta esta canción tradicional originaria de Escocia pero muy popular en Estados Unidos, sigue el mismo tono que la anterior, aunque aquí el piano está más suavizado y es más intermitente, el derroche vocal de Simone es excelente. "If I Should Lose You" es un tema compuesto por Ralph Rainger y es otro tema en la misma línea que las anteriores, una balada de piano y voz, ojo a ese final de piano que te puede quitar el hipo. Cierra el álbum con “Either way I lose” un número jazzístico de ritmo lento que se hace más memorable por su arreglo de trompas y su gancho vocal de acompañamiento masculino.