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viernes, 15 de marzo de 2024

Disco de la semana 368: Payin' the Dues - The Hellcopters

 

Payin' th Dues, The Hellacopters


     Payin' the Dues es el segundo álbum de estudio de la banda sueca The Hellacopters, y el último que presenta a su guitarrista fundador Dregen antes de su salida de la banda para centrarse a tiempo completo en su otra banda, Backyard Babies. Fue grabado en febrero de 1997 en los Sunlight Studios de Esctocolmo, Suecia, bajo la producción del propio grupo, de Andrew Shit y de Tomas Skogsberg, y publicado el 1 de octubre de 1997 por el sello discográfico White Jazz Records. Fue lanzado simultáneamente tanto en CD como en vinilo, sin embargo la canción City Slang únicamente estaba disponible en la edición de vinilo. Las ediciones iniciales fueron de 2000 unidades de humo transparente y 2500 unidades de vinilo violeta. Posteriormente estuvieron disponibles dos ediciones adicionales en dos versiones diferentes de vinilo negro.

El disco obtuvo críticas positivas por parte de la prensa especializada, y la banda realizó un gira por Escandinavia para promocionar el álbum, que les llevó por Suecia, Dinamarca y Noruega. Payin' the Dues fue relanzado en Estados Unidos en octubre de 1999 con un disco adicional de pistas extras en vivo, la cuales fueron grabadas en The Starfish Room en Vancouver el 28 de mayo de 1999 y contaron con Scott Morgan como invitado especial. 

La banda había comenzado en sus inicios con un sonido que se movía entre un punk y un speed metal muy agresivos. Disco a disco y con el tiempo The Hellacopters fueron evolucionando hacia un rock and roll menos cacofónico, más clásico y más elegante, y Payin' the Dues marcó el inicio de esa transición, con un sonido y un estilo entre punk y el metal, y todo ello con una gran solvencia musical. De hecho estamos ante un álbum que apenas llega a los 30 minutos de duración, y no nos vamos a aburrir en absoluto con la descarga que nos espera. Todas las canciones están acreditadas a la banda, y vamos a poder disfrutar de temazos como You Are Nothin, Hey!, Where the Adcition o Soulseller.

Desde el primer acorde, el álbum desata una tormenta de riffs abrasadores, ritmos contundentes y melodías contagiosas que llevan a los oyentes en un viaje nostálgico a la época dorada del género. Desde el principio del álbum y hasta el final, la banda realiza toda una declaración de intenciones, con su energía implacable y su actitud desafiante. La voz ronca y poderosa del vocalista Nicke Andersson se eleva sobre la cacofonía de guitarras distorsionadas y la sección rítmica implacable, creando una sensación de urgencia palpable que se mantiene durante todo el álbum.

A lo largo de Payin' the Dues, el grupo demuestra su habilidad para fusionar influencias clásicas con un enfoque moderno y fresco. A lo largo de todo el disco canalizan la ferocidad del garage rock de los años 60, siendo capaces de añadir en otros momentos un toque de psicodelia y experimentación sónica. Otra de las cosas que hace que Payin' the Dues sea verdaderamente notable es su sinceridad y autenticidad, en un momento en que el rock comercial estaba dominado por sonidos pulidos y producciones excesivamente elaboradas, The Hellacopters optaron por abrazar la crudeza y la imperfección. Este enfoque se refleja en la producción del álbum, que captura la energía cruda y la intensidad visceral de la banda en su forma más pura.

A pesar de su lanzamiento hace más de dos décadas, su influencia se extiende mucho más allá de su país de origen, sirviendo como inspiración para una nueva generación de músicos que buscan mantener viva la llama del rock and roll. Payin' the Dues es un recordatorio de que, incluso en un mundo en constante cambio, nos queda el poder del rock and roll para emocionar, inspirar y liberar. Y una última reflexión, ante este gran trabajo uno tiene que preguntarse que hubiera pasado si esta banda en vez de sueca fuera estadounidense.

viernes, 25 de agosto de 2023

Disco de la semana 341: Metallica - Metallica

 

Metallica, Metallica



     En San Francisco, Estados Unidos, establecerá su base y crecerá y forjará su leyenda una banda que lleva hasta la fecha alrededor de unos 120 millones de copias de sus discos, habiéndose ganado a pulso la consideración de una de las grandes bandas del trash metal, sino la mejor. Metallica nos ha deleitado con su gran calidad no sólo con sonidos trash metal, también con otras vertientes del género, como el heavy metal, speed metal o el hard rock.

Para esta semana vamos a recomendar su álbum Metallica (1991), disco que apostó por un cambio de sonido más contundente, perdiendo parte de esas raíces que provenían del trash metal. Con un cuidado extremo en la producción, el disco contó con varas innovaciones técnicas para aportar un sonido que se acercara lo máximo posible al directo. En un principio este disco recibió malas críticas de un sector que no entendió el cambio de estilo de la banda, más cercano al hard rock, pero con el tiempo se ha convertido en un disco que suele figurar en los puestos más altos en todas las listas que circulan por ahí de los mejores trabajos del grupo. Temas como Enter Sandman, Nothing Else Matters o The Unforgiven han pasado a ser parte imprescindible en la historia de la banda e hicieron que una nueva legión de adeptos se fijaran en la banda y pasaran a seguirla de forma incondicional.

Metallica, también conocido omo The Black album, es el quinto disco de estudio de la banda de San francisco. Grabado ente octubre de 1990 y junio de 1991 en los One on One Studios de Los Angeles, fue producido por  los miembros del grupo James Hetfield y Lars Ulrich, y por Bob Rock, y publicado el 12 de agosto de 1991 por el sello discográfico Elektra Records. Las sesiones de grabación no fueron especialmente fáciles, pues el grupo durante los ocho meses que duraron las sesiones, se encontraron frecuentemente con el desacuerdo el productor Bob Rock. El resultado fue un álbum que marcó un cambio en el sonido de la banda, la cual en sus cuatro discos anteriores había apostado por un estilo hacia el trash metal, por un sonido más lento, pesado y refinado. 

De este disco se lanzaron cinco sencillos para promocionarlo: Enter Sandman, The Unforgiven, Nothing Else Matters, Wherever I May Roam y Sad But True. La canción Don't Tread on Me, a pesar de haberse emitido en las cadenas de radio no fue lanzada como sencillo. A pesar de recibir en un principio algunos detractores por el cambio de sonido, en general recibio buenas críticas, convirtiéndose en el álbum más vendido de la banda hasta la fecha. Fue el rpimer disco del grupo en encabezar las listas de éxitos de Estados Unidos, situándose durante cuatro semanas consecutivas en el primer puesto de la lista Billboard Hot 200. Con más de 30 millones de copias vendidas. A día de hoy es uno de los disco más vendidos en todo el mundo.

Las canciones de la banda fueron escritas principalmente por James Hetfield y Lars Ulrich, con Hetfield como letrista. El dúo solía componer juntos en casa de Ulrich en Berkeley, California. A pesar de llevar el gran peso de la composición, otros miembros de la banda contribuyeron ideas y conceptos en algunos temas. El grupo tuvo muchos debates sobre el título del álbum, en un principio ibn a llamarlo Five o usar el título de una de las canciones, pero finalmente eligieron Metallica porque era el nombre del grupo y porque querían algo simple. La portada del disco muestra el logo del grupo en ángulo en una esquina y una serpiente enroscada en la esquina contraria.



Entramos en materia y el disco abre con uno de sus grandes éxitos de siempre, Enter Sandman, escrita por Hetfield y Ulrich. La canción trata sobre pesadillas y cosas que acechan en la noche. Es, con diferencia, la canción más reproducida del grupo en la radio. La letra originalmente trataba sobre el síndrome de la muerte súbita del lactante, cuando un bebé muere inexplicablemente en su cuna. El productor Bob Rock consiguió convencer a Hetfield para que o cambiara e hiciera la letra algo más accesible. El grupo tenía la política de no comentar las contribuciones individuales de los demás, pero el productor no era miembro y se sentía libre de hablar y opinar. Sad But True es una canción que trata sobre la relgión y hasta donde es capaz de llegar la gente para practicar su fe. Hetfield tuvo la idea de la letra al ver la película Magic de Anthony Hopkins de 1978, donde un ventrilocuo es controlado por su títere malvado. El productor Bob Rock llegó a pensar que Holier Tahan Thou trataba sobre él, de hecho aborda la irritación de Hetfield con aquellos que trabajan en la industria musical y se apresuran a señalar con el dedo los errores de los demás. El mismo Hetfield admitiría más tarde en una entrevista en 2001 que esta fue "una de las canciones más tontas que había escrito". The Unforgiven es otro de los grandes temasde siempre de la banda. Acreditada a Hetifel, Ulrich y Kirk Hammett. La banda se sumergió en un nuevo estilo con esta canción, querían probar un tema con un verso pesado y un estribillo suave, algo que rara vez se escucha en el hard rock o el metal. La introducción se basó en una partitura de una película occidental y se invirtió para que no se pudiera identificar. El grupo, obviamente nunca reveló la película para evitar problemas legales, aunque se especula que fue La muerte tenía un precio (1965) interpretada por Clint Eastwood. Kirk Hammett había compuesto dos riffs de guitarra basados en el sonido del gran guitarrista Gary Moore, los cuales acabó utilizándo en esta canción. Wherever I May Roam, lanzado como sencillo, nos habla sobre la vida en la carretera, y todo lo que conlleva, el cansancio y el agotamiento. El instrumento que suena al principio en un sitar eléctrico tocado por kirk Hammett, y el extraño sonido, como un crujido, que se escucha a lo largo del tema proviene de un bajo de 12 cuerdas tocado por el bajista Jason Newsted. Cierra la cara A Don't Tread On Me (No me pises) proviene de un lema muy popular en la América colonial. Dicha frase se combinó con la imagen de una serpiente de cascabel de madera estadounidense y se imprimió en una famosa bandera conocida como "Gadsden Flag" (Bandera de Gadsden). El uso de esta bandera y sus variaciones por parte de de soldados, marineros e infantes de marina creció rápidamente y se generalizó durante la Revolución estadounidense. El riff de guitarra de apertura del tema fue tomado de la canción America del musical de 1957 West Side Story.



Trough The Never
se encarga de abrir la cara B. Sobre esta canción el productor Bob Rock llegaría a admitir que le costó bastante tiempo darse cuenta de lo bueno que era este tema. Otro ejemplo de los contínuos encontronazos que surgieron entre el productor y la banda durante las sesiones de grabación del disco. Nothing Else Matters se ha convertido por derecho propio en otro de los grande temas de siempre del grupo. Compuesta entre Hetfield y Ulrich, Hetfield afirmó que escribió la letra de esta canción sobre una novia que tuvo una vez. La orquestación de la canción contó con los arreglos hechos por Michael Kamen, quien también dirigió la Orquesta Sinfónica de San Francisco que tocaría en vivo junto al grupo en su álbum en vivo S&M (1999). También contó como fuente de inspiración de la canción las constantes giras y las innumerables horas de autobús y hotel que el grupo pasaba. Es uno de los únicos temas donde el solo de guitarra es tocado por Hetfield en lugar de Kirk Hammett. A Hetfield al principio le preocupaba escribir una canción de amor, pues luego tendría que tocarla para el resto del grupo. Sobre esto afirmaba: "Al principio ni siquiera quería tocarla para los muchachos. Pensé que Metallica solo podíamos ser nosotros cuatro. Estas son canciones sobre destruir cosas, golpear la cabeza, sangrar para la multitud, lo que sea, siempre y cuando no se tratara de chicas y coches rápidos, aunque eso es lo que nos gustaba. La canción era sobre una novia en ese momento. Resultó ser una canción bastante importante". Le sigue Of Wolf and Man es una canción sobre la que el productor Bob Rock en un principio tenía dudas por la letra que Hetfield había escrito, le parecía una  tontería escribir sobre un lobo. Más adelante se fue dando cuenta de que la canción no era en absoluta tonta, pues tenía más trasfondo del que en principio parecía. The God That Failed nos habla sobre la fe. 
Durante la adolescencia de James su madre enferma de cáncer, y resulta que la doctrina religiosa a la que pertenece su familia prohibía el uso de medicinas para la curación. Su madre, fiel a los dictámenes de su doctrina, rehúsa tomar medicina alguna confiando únicamente en la fe como remedio para su enfermedad. La madre de James fallece debido a su enfermedad cuando éste tiene 16 años. Este hecho influirá en en el músico, produciéndose en su interior un conflicto entre la perdida de fe y las enseñanzas y doctrinas practicadas por su familia, las cuales le habían enseñado desde pequeño. El conflicto entre la doctrina religiosa y si la gente se apoya demasiado en ésta buscando la solución a sus problemas ha quedado reflejado por James en otras composiciones con Metallica, tales como Dyers Eye (...And Justice For All, 1988), The God That Failed (The black Álbum, 1991), Mama Said y Until It Sleeps (Load,1996). My Friend of Misery es una canción que tiene que ver con el estado de ánimo. El origen de la canción se encuentra en un riff que el bajista Jason Newsted había compuesto. A partir de ahí el productor y la banda se dedicó a desarrollar ese gran riff. The Struggle Within se encarga de cerrar este magnífico álbum. La canción surge en un momento en que Hetfield admitía haberse quedado sin energía, en un momento en el que sentía ira por este hecho, y la lucha interna que tenía, pues estaba lidiando con ello. Pues no se le dio nada mal tanto a él como al resto de la banda ni esta canción ni las otras 11 que componen este brillante "Álbum negro".

miércoles, 19 de julio de 2023

Guns N' Roses - Use Your Illusion I (Mes Guns N' Roses)

 

Use Your Illusion I, Guns N' Roses

1991 sería un año para recordar para el grupo estadounidense Guns N' Roses, pues el 17 de septiembre de ese año aparecen publicados sus determinantes Use Your Illusion I y Use Your Illusion II. Nos vamos a centrar en el primero, Use Your Illusion I, del cual se han vendido la nada despreciable cifra de alrededor de 17 millones de copias en todo el mundo.

Use Your Illusion I es grabado en varios estudios de California (Estados Unidos) y Ontario (Canadá), bajo la producción de Mike Clink y los propios Guns N' Roses, y publicado bajo el sello discográfico Geffen Records en formatos de vinilo, cassette, CD, descarga digital y streaming. Este disco comenzó arrasando desde su publicación, alcanzando el puesto número 1 en las listas de ventas de Estados Unidos, alzándose 7 veces con el ansiado disco de platino. Fuera de casa también consiguieron cifras demoledoras en todo el mundo, en países como Argentina, Canadá, Reino Unido, Australia, Nueva Zelanda, Alemania, Japón, Islandia O Noruega. Todo esto se vería recompensado en 1992 con un premio Grammy

Use Your Illusion I representa un punto de inflexión y un cambio en el sonido del grupo, pues a pesar de no dejar de lado sus influencias con el hard rock, se atreven con otros estilos como el blues, la música clásica, el heavy metal, el punk rock o el rock n' roll de la vieja escuela. Para la grabación del álbum, el grupo tuvo que prescindir del batería Steven Adler, que no había superado superar sus problemas con las drogas, y sustituirlo por Matt Sorum. Varios temas habían sido ya escritos en los primeros días de la banda, temas como Back Off, Bitch, Bad Obsession, Don't Cry, November Rain y The Garden, atreviéndose también con una versión de Live and Let Die de Paul y Linda McCartney

Otra de las diferencias con sus inicios es que apuestan por un formato de canciones más largas, como por ejemplo November Rain, con una duración de casi 9 minutos, y Coma, que tiene una duración de más de 10 minutos. También apuesta el grupo por temas cantadas por otro de los integrantes de la banda aparte de Axl Rose, así Dust N' Bones, You Ain't the first y Double Talkin' Jive fueron interpretadas por Izzy Stradlin. Para la portada usaron una sección de la pintura "La escuela de atenas" de Rafael, que fue creada por el artista estonio -estadounidense Mark Kostabi. Dicha portada, de color roja y amarilla, fue utilizada también para el Use Your Illusion II, con la particularidad de que se usaron los colores púrpura y azul. 



Entramos a desgranar este apasionante doble álbum, el cual abre la traca con Right Next Door to Hell, la cual trata sobre la discusión que Axl Rose tuvo con su vecina de West Hollywood, Gabriella Kantor, y que denunció a Axl cuando este le arrojó una botella de vino en 1990. Dust N' Bones, escrita por Slash, izzy Stradlin y Duff McKagan. Como hemos comentado anteriormente, es la primera canción en ser interpretada por Izzy Stradlin en vez de Axl. También es la primera donde aparece el tecladista Dizzy Reed al piano y contiene una guitarra con el efecto Talkbox. Live and Let Die es un cover de la banda inglesa Wings, y fue compuesta por Paul y Linda McCartney. Don't Cry es uno de los grandes momentos del disco. Este es un tema anterior a los inicios del grupo, y fue escrita por Axl Rose e Izzy Stradlin después de que ambos se enamoraran de la misma chica. Ella no quiso elegir y le dijo a Axl mientras estaba sentado en un banco en el parque: "Don't Cry Bill", lo que dio origen al título. Intentaron grabar este tema para su Appetite for Destruction (1987), pero tuvieron que dejarlo al no obtener el sonido que buscaban para la canción. Cierra la cara 1 Perfect Crime, tema que fue escrito por Axl rose, mientras que la música corrió a cargo de Slash e Izzy Stradlin

La cara 2 comienza con You Ain't the First, uno de los pocos temas del disco que no contiene guitarras eléctricas, en su lugar se usaron guitarras acústicas, siendo una de ellas tocada con la técnica del Slide. Bad Obsession, escrita por Izzy Stradlin y West Arkeen. Una canción que habla de la adicción a las drogas que había perseguido a la banda antes de que se hicieran famosos. En la versión de estudio colabora Michael Monroe, de Hanoi Rocks, quien toca la armónica y el saxofón. Back Off Bitch, otra de las canciones escrita en los comienzos de la banda. Esa canción ya hbia sido interpretada por el grupo en conciertos antes el lanzamiento de Appetite For Destruction (1987). Double Talkin' Jive cierra el lado 2. Es otro de los temas escritos y cantados por Izzy, y el final de la canción contiene un particular solo de guitarra de estilo flamenco, interpretado por Slash. Sin embargo, en vivo la canción solía ser interpretada por Axl incluso cuando todavía estaba Izzy



El lado 3 abre con otro de los grandes momentos del disco, la balada November Rain. 
La letra está basada en una historieta escrita por el músico, escritor, periodista y artista estadounidense Del James, y que forma parte de una colección llamda The Language Of Fear. La versión original de la canción tenía una duración de unos 25 minutos, y finalmente fue acortada hasta los casi 9 minutos de duración. The Garden cuenta con la colaboración de Alice Cooper, quien se marca un interesante duelo con Axl Rose. Comienza Rose cantando sobre la bonanzas de un jardín, pero Cooper se encarga con su voz amenazante, de hablarnos de los inconvenientes de ese jardín. Hay quien interpreta este tema como una referencia a las drogas, de como surge la atracción por ellas, y como los inteligentes, en voz de Cooper, saben arreglárselas sin ellas. Garden of Eden, escrita por Axl y Slash, fue escrita mientras la banda se encontraba ensayando en Chicago. Don't Damn Me se encarga de cerrar el lado 3. La canción fue escrita como respuesta a la polémica que surgió en torno al grupo después del lanzamiento de G N' R Lies (1988), que contenía pistas con contenido explícito, como One in a Million. Esta es la única canción del álbum que nunca ha sido interpretada en vivo. 

El lado 4, y último de este álbum doble, es abierto por Bad Apples, escrita durante la estancia del grupo en Chicago. Esta canción si ha sido tocada en vivo, aunque únicamente un par de veces. Dead Horse fue escrita por Axl rose, quien además toca una guitarra acústica. La canción tiene dos curiosidades más, la primera es que al interpretarla en vivo en algunos conciertos, Axl Rose tocaba la guitarra acústica al comienzo, y la otra es que al comienzo de la canción se escucha un efecto como el rebobinado de un cassette. Llegamos al final del álbum con el tema más largo, Coma, con una duración de más de 10 minutos. La letra corrió a cargo de Axl, mientras que la música fue obra de Slash, aunque Axl siempre la  ha descrito como el "bebé" de Slash. Axl escribió la letra cuando tuvo una sobredosis, la cual fue, según el propio Axl, provocada por el estrés: "Tomé un frasco de pastillas en una discusión y me las tragué... Terminé en un hospital, pero me gustó que ya no estaba luchando. Mis primeros pensamientos reales fueron, 'no has trabajado lo suficiente, el disco va a ser olvidado, tienes trabajo que hacer, vete de esto', y me desperté. Pero al describir esto, la  gente podría malinterpretarlo y pensar que significa ponerse en coma". También comentaba Slash sobre la canción, "Escribí 'Coma' en mi delirio de heroína... Esa es una canción de la que todavía estoy orgulloso, no hay mucha técnica, pero tiene un enfoque bastante directo". también comentaba el genial guitarrista que lo realmente interesante de la canción era la progresión de acordes giratoria que nunca terminaba, la misma progresión de acordes cada vez, pero que seguía cambiando de tono. Todo un descubrimiento musical matemático para Slash, "Me topé con él y es mucho yo haciendo lo mío...pero funcionó"

lunes, 17 de abril de 2023

#MesPearlJam - No Code

Pearl Jam - No Code

En esta entrega de lo que hemos llamado #MesPearlJam vamos con el álbum de la banda llamado No Code es el cuarto álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Pearl Jam, lanzado en 1996. Fue grabado después de la exitosa gira de su álbum anterior, "Vitalogy". El álbum muestra un cambio de estilo musical de Pearl Jam, con una amalgama de géneros como el rock alternativo, el punk rock y el experimentalismo. 

Las letras a menudo son más oscuras y introspectivas, con temas que van desde la alienación y la soledad hasta la crítica social y política. 

El álbum comienza con una canción Instrumental llamada "Sometimes", seguido de "Hail, Hail", una canción de rock explosiva. Una de las canciones más destacadas del álbum es "Who You Are", una canción con una mezcla de música étnica y rock alternativo. Además, la canción "Off He Goes" es una emotiva canción acústica sobre la vida en la carretera y las relaciones personales. 

Otras canciones notables del álbum incluyen "In My Tree", una canción de rock llena de energía, "Red Mosquito", que cuenta con el invitado Brendan O'Brien en el órgano Hammond, y "Present Tense", una canción emocional que habla sobre la importancia de vivir en el presente. 

Cada canción del álbum es única, y se  destaca el espíritu experimentador de la banda en ese periodo. A continuación, una breve descripción de cada canción: 

1. Sometimes - Una canción acústica lenta que reflexiona sobre el sentimiento de ser un extraño. 

2. Hail, Hail - Un comienzo fuerte, con un riff de guitarra enérgico y letras a menudo interpretadas como una crítica a los medios de comunicación. 

3. Who You Are - Una canción con una melodía pegadiza y un gran trabajo instrumental, con letras sobre el autoconocimiento y la autoaceptación. 

4. In My Tree - Una canción con un ritmo singular y descripciones detalladas de la naturaleza, con un posible mensaje sobre la pérdida de la conexión con el mundo natural. 

5. Smile - Una canción más experimental, con influencias jazzísticas, letras crípticas y una percusión inesperada. 

6. Off He Goes - Una canción emotiva inspirada en experiencias personales de la banda, caracterizada por una melodía sencilla, letras conmovedoras y un solo de guitarra delicado. 

7. Habit - Una canción punk llena de energía, con letras que pueden ser interpretadas como una crítica al abuso de sustancias. 

8. Red Mosquito - Una canción con una atmósfera oscura y un tono vocal intenso, con letras que sugieren una lucha interna y una posible metáfora sobre el acoso. 

9. Lukin - Una canción explosiva y corta, con un gran trabajo instrumental y letras inquietantes sobre la violencia y la locura. 

10. Present Tense - Una canción reflexiva sobre el paso del tiempo y el valor del momento presente, destacando la voz emocional del vocalista Eddie Vedder y los arreglos melódicos de las guitarras. 

11. Mankind - Una canción punk-rock con una letra sarcástica y burlona sobre la masculinidad tóxica. 

12. I'm Open - Una canción extremadamente experimental con diferentes capas de sonidos, una letra surreal y un ambiente misterioso. 

13. Around the Bend - Una canción acústica y serena que cierra el álbum, señalando un regreso a las raíces folk de la banda. 

En resumen, No Code es un álbum diverso y experimental que demuestra la capacidad de Pearl Jam de alejarse de los clichés del grunge y explorar nuevos sonidos e ideas. Cada canción tiene su propia personalidad y es una muestra del amplio espectro musical y temático que aborda el álbum en su conjunto.

No Code es considerado por muchos como uno de los mejores álbumes de Pearl Jam y ha sido elogiado por su creatividad y musicalidad. Se aparta del sonido grunge de sus primeros álbumes y marca un punto de inflexión en la carrera de la banda hacia un sonido más experimental e introspectivo.

Daniel 
Instagram storyboy 

miércoles, 12 de abril de 2023

#MesPearlJam - Vitalogy

 

Vitalogy, Pearl Jam


     Vtalogy, el tercer álbum de estudio de la banda estadounidense Pear Jam, se gestó mientras el grupo se encontraba de gira de apoyo de su disco Vs (1993). El disco fue grabado ente noviembre de 1993 y octubre de 1994 utilizando varios estudios; los Bad Animals de Seattle, los Southern Tracks de Atlanta, los Doppier también de Atlanta, y los Kingsway de New Orleans. La producción corrió a cargo de Brendan O'Brien y del propio grupo, y la compañía discográfica Epic Records se hizo cargo de su edición y distribución, siendo lanzado el 22 de noviembre de 1994. Estamos ante el trabajo más experimental hasta la fecha del grupo, que apuesta por un sonido más diverso, con potentes canciones de rock y baladas, introduciendo además otros elementos estilísticos, acercándose hacia un sonido más enfocado al punk rock y el hardcore y alejándose algo del sonido grunge de sus dos primeros trabajos.

Para tal aventura, la banda decide volver a trabajar con el productor Brendan O'Brien. Muchas de las canciones fueron escritas y grabadas durante la gira de su álbum Vs, en la cual estaban inmersos. El trabajo de grabación de Vitalogy no fue nada sencillo, pues las tensiones internas en el seno de la banda se habían acrecentado. La falta de comunicación y colaboración entre sus miembros y los problemas de salud y adicciones provocan que el peso de las decisiones finales del arduo proceso del disco recaigan en el vocalista principal de la banda, Eddie Vedder. De ahí que la mayoría de las canciones fueran escritas 20 minutos antes de ser grabadas.

Es la propia banda la que identifica Vitalogy como un álbum de punk rock, donde nos hablan en sus letras de las presiones de la fama, la pérdida de la privacidad debido a esta fama y todos los problemas y conflictos que genera esta situación. El título de la canción fue sacado de un libro médico de principios de siglo XX, titulado Viralogy, que Eddie Vedder encontró en una venta de garaje. A partir de ahí el grupo decide enfocar el embalaje del disco como si fuera un libro, el cual contenía notas obsoletas sobre bienestar y salud, así como otras que trataban sobre reflexiones sobre la vida y la muerte. Tras su lanzamiento, el disco debutó en el puesto número 55 de la lista estadounidense Billboard 200, convirtiéndose además en el segundo disco más vendido de la historia de la banda, únicamente por detrás de Vs.

El tema que se encarga de abrir este disco es Go, lanzada como primer sencillo del disco. Aunque figura acreditado a toda la banda, las letras fueron escritas por Eddie Vedder y la música principalmente por el baterista Dave Abbruzzese. Estamos ante un tema con una letra mucho más seria de lo que en principio nos pueda parecer. Animal, con letras escritas por Eddie Vedder y música por Stone Gossard, surgió como una demo instrumental escrita por el guitarrista Gossard. Había quien afirmaba que la canción trataba sobre el odio de la banda hacia los medios, y había quien pensaba que hablaba de una violación en grupo, cuando en realidad, según Gossard representaba todas las luchas por las que pasas tratando de hacer un disco. Not for You, canción escrita por Eddie Vedder y en la cual Mike McCready estrenó una guitarra Rickenbacker de 12 que le había regalado recientemente Tom Petty. Eddie escribió la canción basándose en la juventud, en la cual creía que había algo sagrado y de como estaba siendo vendida y explotada, y de como creía haberse convertido en parte de eso. Tremor Christ, una extraña canción con una melodía muy similar a las utilizadas por los Beatles,  grabada durante una noche en Nueva Orleans, Nothingman, escrita en una hora por Eddie Vedder, según él consiguió capturar el estado de animo que había allí en aquel momento. Según Vedder: "La idea es sobre si amas a alguien y ellos te aman, no te jodas ... porque te quedas con menos que nada". Whiping contiene referencias en su letra al asesinato del Dr. David Gunn, físico originario de Florida, especialista en ginecobstetricia y que estaba a favor del derecho al aborto. La letra de esta canción figura impresa en el arte del álbum como petición hecha a Bill Clinton contra lo que mencionaba como asesinatos de las organizaciones a favor del aborto. Pry, To, en la que podemos escuchar que la letra contiene dos frases que se repiten varias veces: "Privacy is priceless to me" y "Privacy", las cuales son tomadas como una retirada intencional del grupo de su estatus de superestrellas abogando por su privacidad, la cual había quedado denostada desde el éxito de su anterior álbum, Vs. Esta canción contiene un mensaje oculto cuando se toca la canción al revés, al hacerlo se puede escuchar la voz de Eddie Vedder diciendo: "Oh, Pete Townshend, how you saved my life!"



Pasamos el ecuador del álbum con Corduroy, escrita por Eddie Vedder después de ver a la venta una chaqueta de pana por unos 650 dólares que se parecía mucho a la que había comprado algunos años antes en una tienda de segunda mano y que le había costado unos 12 dólares. Sobre Bugs,de la cual se cree que trata sobre los medios de comunicación, Vedder recordaba: "Antes de entrar al estudio, estaba caminando por una pequeña tienda de segunda mano y encontré un acordeón y toqué algo con él, y luego hablé un galimatías por encima. Recuerdo reirme y decir: Ese es el primer single". Satan's Bed nos habla acerca de resistir las tentaciones que ofrece la fama. En la letra Vedder ridiculiza a las modelos profesionales, poniéndolas como ejemplo del vacío de la gente cuando alcanza algún tipo de fama. Better Man es sin duda uno de los grandes temas de la banda, fue escrita por Vedder antes de unirse a Pearl Jam, cuando todavía era un adolescente, y llegó a interpretarla con su grupo anterior, Bad Radio. En ella,el cantante nos habla de una mujer que se conforma con el hombre que tiene porque no cree que pueda aspirar a algo mejor. Eddie Vedder tenía en mente a su padrastro cuando escribió esta canción. nos vamos acercando al final del disco y suena Aye Davanita, una canción prácticamente instrumental donde una serie de frases se repiten constantemente. el penúltimo tema que suena es Immortality, la gente pensaba que esta canción hablaba sobre la vida y la muerte de Kurt Cobain, sin embargo Eddie Vedder explicaría sobre este tema: "No, eso fue escrito cuando estábamos de gira en Atlanta. No se trata de Kurt. Nada en el álbum fue escrito directamente sobre Kurt, y no tengo ganas de hablar de él, porque podría ser visto como explotación. Pero creo que puede haber algunas cosas en la letra que podrías leer y tal vez respondan algunas preguntas o te ayuden a comprender la presiones sobre alguien que está en un tren paralelo". Este intenso álbum cierra con Hey Foxymophandlemama, That's Me, también conocida como Stupid Mod, la canción más larga del disco con sus más de siete minutos de duración y un ambiente muy perturbador. Definió muy bien la esencia de esta canción un crítico musical al afirmar que se trataba en esencia de feedbacks distorsionados, algo de batería y mezclas distorsionadas de pacientes reales de un hospital psiquiátrico. La canción fue grabada después de que el baterisdta Dave Abbruzzesse dejara la banda, siendo la primera vez que aparece Jack Irons a la batería de manera provisional en aquel momento.

miércoles, 25 de enero de 2023

Run Devil Run - #MesPaulMcCartney

Run Devil Run, Paul McCartney


En 1997 Paul McCartney publica su décimo álbum de estudio, Flaming Pie, y a finales de ese mismo año publica también su segundo trabajo de música clásica, Standing Stone, pero la intensa actividad de Paul se ve frenada por la muerte de su esposa Linda McCartney, a causa de un cáncer, en abril de 1998. Es entonces cuando Paul decide retirarse temporalmente de la música.

Tras estar un año retirado decide grabar un álbum, su intención es hacerlo lo más rápido posible para mantener la frescura y hacerlo como lo solía hacer con The Beatles en sus primeros años, por lo que decide contratar a Chris Thomas como productor, el cual ya había trabajado con él anteriormente, como ingeniero de The Beatles y luego como productor del disco Wings Back to the Egg!. Para dicha tarea decide grabar en los Abbey Road Studios de Londres. Así nace Run Devil Run, un proyecto que Paul había estado planeando durante años con su mujer Linda. El disco es grabado en tan sólo una semana y está compuesto por versiones de temas de rock and roll de los años 50, una de las pasiones de Paul, y por tres temas nuevos del artista. 


Paul quiere trabajar en este nuevo proyecto lo más a gusto posible, y con esa esperanza se lanza a la búsqueda de músicos fiables y con empatía. Decide llamar entonces al guitarrista de Pink Floyd David Gilmour, al guitarrista Mike Green, quien había trabajado en su anterior proyecto Choba B CCCP, a los teclistas Pete Wingfield y Geraint Watkins, y a los baterías Ian Paice y Dave Mattacks. Todos estos músicos, de gran calidad contrastada, acuden a su llamada.

Run Devil Run es grabado entre el 1 de marzo y el 5 de mayo de 1999 (las primeras sesiones tuvieron lugar durante una semana en marzo, seguidas de otras pocas sesiones entre abril y mayo) en los Abbey Studios de Londres, bajo la producción de Chris Thomas y el propio Paul, y publicado el 4 de octubre de 1999 bajo el sello discográfico Parlophone. Paul se presenta con una lista de canciones que quiere tocar, procedentes de clásicos del rock and roll de su infancia, siente que tiene que volver a sus raíces musicales. El 14 de diciembre de 1999 Paul McCartney regresa al Cavern Club, el local donde saltó a la fama con The Beatles, para promocionar este álbum.


Run Devil Run consiste en tres temas originales de Paul McCartney: la propia Run Devil Run, tema escrito al estilo de Chuck Berry y que fue titulado así por una marca de sales de baño y aceite llamada Run Devil Run, Try Not To Cry y What It Is, esta última escrita unos meses antes de la muerte de Linda; y doce versiones que incluyen Blue Jean Bop, el mítico rock and roll escrito por Gene Vincent y Hal Levy y grabado por el propio Vincent con su banda de acompañamiento His Blue CapsShe Said Yeah, escrita y grabada originalmente por el músico estadounidense Larry Williams; la mítica All Shook Up, escrita por Otis Blackwell y Elvis Presley y popularizada por este último; No Other Baby, escrita por Dickie Bishop y Bob Watson. Esta canción había sido grabada originalmente por el grupo de Skiffle (música originada por  los trabajadores negros en Estados Unidos en la década de los años 20) The Vipers. Dicha versión había sido producida por George Martin, quien posteriormente se daría a conocer con The Beatles.

Lonesome Town, escrita por Baker Night y grabada originalmente por Ricky Nelson con el acompañamiento en los coros del cuarteto vocal The Jordanaires; Movie Magg, escrita y grabada por Carl perkins. Perkins había escrito esta canción contando con tan sólo trece años, y se basó en una historia real junto a su novia Maggie y sus salidas con ella los  fines de semana al cine. El cantante no tenía coche para llevarla al cine por lo que iban en una mula llamada Becky; Brown Eyed Handsome Man, un enérgico rock and roll escrito y grabado por el gran Chuck Berry. Chuck escribió la canción durante su estancia en California debido a una sere de giras que allí estaba dando Fue donde tuvo una mala experiencia al ver a un hombre hispano ser arrestado por un policía y como una mujer se acercaba a la policía gritando que le dejara marchar; Coquette, escrita por Johnny Green, Carmen Lombardo y Gus Kahn. La canción fue grabada oiginalmente por Guy Lombardo en 1928 consiguiendo un notable éxito. La canción aparecería posteriormente en la película de 1934 Cockeyed Cavaliers (Caballeros Torcidos); I Got Stung, escrita por David Hill y Aaron Schroeder, un pegadizo y divertido rock and roll popularizado por Elvis Presley; Honey Hush, un R&B original escrito por el cantante de blues, R&B y rock and roll Big Joe Turner; Shake a Hand, acreditada al trompetista y director de orquesta Joe Morris y grabada originalmente por la cantante de R&B Faye Adams en 1953, aunque la versión más conocida es quizás la de Little Richard hecha en 1959; y Party, brillante y enérgico rock and roll que se encarga de cerrar este magnifico álbum. La canción fue escrita e 1957 por Jessie Mae Robinson con el título de Let's Have a Party, y grabada por Elvis Presley para la Película Loving You de ese mismo año. La canción fue lanzada como sencillo en Reino Unido bajo el título Party

Run Devil Run es un magnífico disco de versiones de grandes temas del rock and roll, y Paul McCartney consigue conservar la frescura y dotar este magnífico tributo a su esposa y al rock and roll de los 50 de un sonido enérgico, actual y de gran calidad, apoyado de unos grandes músicos de primer nivel, y desde la elección de los temas hasta la grabación y la producción es acertada (ya sabemos como le gusta a Paul cuidar todos los aspectos que incluyen el proceso de grabación de un álbum, desde la composición de los temas hasta la publicación del disco). Un disco imprescindible si te gusta Paul McCartney y el rock and roll. 

 

domingo, 11 de diciembre de 2022

Insomniac - #MesGreenDay

 

Insomniac, Green Day


     Tras el gran éxito de Dookie, y antes de publicar su siguiente álbum de estudio, Green Day editó el sencillo J.A.R. para la película Angus de 1995. Las letras del sencillo se refieren a Jason Andrew Relva, un amigo de la infancia de Mike Dirnt que murió en un desafortunado accidente de tráfico a los 19 años de edad. Dirnt  escribió la canción haciendo referencia a lo inmortal que se cree uno cuando es joven, y del golpe psicológico y la forma de ver la vida al ver a un joven amigo morir.



Tras este exitoso sencillo, Green Day publica Insomniac. El disco es grabado entre mayo y julio de 1995 bajo la producción del mismo grupo y de Rob Cavallo, y publicado el 10 de octubre de 1995 por el sello discográfico Reprise Records. El disco obtuvo buenas cifras y bastante éxito, pero no se acercó ni de lejos a su antecesor, Dookie. No obstante, con Insomniac el grupo ganó los premios a artista favorito, artista favorito de hard rock y artista alternativo favorito en los premios American Music Awards de 1996, obteniendo además, gracias al tema Walking Contradiction, una nominación a los premios Grammy en el apartado de mejor vídeo, y otra nominación a los mejores efectos especiales en los MTV Video Music Awards. Green Day había cancelado la gira que iba a hacer por Europa para centrarse en la preparación del material que iba a integrar Insomniac, lo que avivó los rumores de  separación del grupo. Nada más lejos de la realidad, lo que tenían muy claro era que este disco tenía que ser diferente a sus anteriores trabajos. A pesar de no llegar a tener el éxito de Dookie, este último trabajo llegó  vender mas de 5'800.000 copias en todo el mundo, convirtiéndose en uno de los discos más exitosos de la carrera de Green Day, sólo superado en ventas por Dookie y American Idiot

El collage que aparece en la portada del álbum fue creado por Winston Smith, y se titula "God Told Me to skin You Alive", toda una referencia a la canción "I Kill Children" de Dead Kennedys. La portada, además de contener la imagen de un dentista que apareció en el collage de la portada interior del álbum de Dead Kennedys "Plastic Surgery", contiene tres cráneos, uno por cada miembro de la banda, y varias imágenes ocultas, como una mujer desnuda, tres hadas y varios rostros fantasmales en llamas.

Estamos ante un disco oscuro y pesimista, pero con un sonido sucio, muy potente y distorsionado, y con unas letras muy explícitas que fueron duramente criticadas por la prensa. Esa rabia y oscuridad vertidas en el disco son fruto de la situación personal de los miembros de la banda. Apenas habían digerido el rotundo éxito mundial de Dookie, de hecho tenían problemas personales derivados de tan rotundo éxito, sumado al cansancio y desgaste de la extensa gira que siguió al disco. Tampoco ayudó el hecho de que hubo un sector de fieles seguidores del grupo que no entendieran Dookie como un auténtico álbum de punk, y con Insomniac lo que pretendieron fue quizá recuperar esos fieles seguidores y recuperar un prestigio que habían perdido al ser vetados por cierto sector, además de ser también vetados por el entorno del club que les vió crecer, The Gilman



La banda descarga toda esa rabia y frustración en catorce canciones que comienan con Armatage Shanks, escrita por Billie Joe antes de que saliera Dookie. En aquella época había roto con su por entonces novia, la cual no aprobaba que estuviera en un sello discográfico importante, y él se encontraba pensando en el suicidio en plan "Es tan fácil suicidarse, pero tan difícil mantenerse con vida". Se rumorea que el título lo tomó de una marca británica de inodoros y que modificó la ortografía para evitar problemas judiciales. Brat, canción que escribió Billie Joe sobre esperar que tus padres mueran para cobrar la herencia. También podría tratarse sobre niños malcriados que obtienen todo sin dar un palo al agua. Stuck With Me, la cual trata el hecho de ser demasiado débil como para defenderse. Refleja el ascenso de Green Day de los pequeños clubs punk hasta las listas de éxitos pop como la MTV con su disco Dookie. Sentían que no encajaban en aquel entorno. Geek Stink Breath, trata sobre el consumo de anfetaminas y metanfetaminas. Billie escribió esta canción desde su experiencia, pero no lo hizo para emitir una opinión sobre tal hecho, lo hizo tal cual, sin emitir juicio alguno, como quien escribe sobre estar sentado o aburrido por ejemplo. No Pride, escrita sobre un chico que no tiene orgullo y que es tonto por simple hecho de que no puede defenderse. Bab's Uvula Who?, nos habla, con un ritmo demoledor, sobre la ira, encarnada en un personaje al que todo le sale mal y tiene el don de arruinar todo, y como su cuerpo exterioriza los síntomas, como la desesperación, tensión, pánico o la presión. 86 se refiere a la violenta reacción que sufrió Green Day por parte de la comunidad punk rock de California, y más concretamente del club que les vió nacer, el 924 Gilman Street, una vez que alcanzaron el estrellato. Dicha comunidad vetó al grupo y amenazó con atacarlo si alguna vez se presentaban en el lugar. 86'd significaba ser expulsado del local. La Comunidad no perdonaba al grupo que se hubieran convertido en una banda comercial. Con Insomniac la banda volvería sus raíces y regresaría para tocar en The Gilman con el beneplácito de la comunidad californiana.



Panic song
, co-escrita por Dirnt y Armstrong, la canción explota a los casi dos  minuto después de una introducción instrumental donde comienza el bajo, al que se van sumando gradualmente la guitarra y la batería. Una canción que nos habla como dice el título del pánico, cuando este te invade. Stuart ant the Ave, con un interesante bajo y con un ritmo muy pagadizo es quizás una de las canciones más flojas del disco. Brain stew, Billie Joe había sido padre en febrero de 1995, y por entonces se encontraba muy delgado y no dormía porque su pequeño hijo Joey (llamado así en honor de Joey Ramone) no le dejaba, por lo que se encontraba tenso, paranóico, y tenía el cerebro revuelto, o como dice la canción Brain Stew (guiso de cerebro), que es de lo que trata la canción. Los últimos 90 segundos de la canción son en realidad la canción siguiente, la cual a menudo es confundida como una única pieza junto con Brain Stew. Esta corta canción es Jaded, que con un ritmo muy rápido y cañero, nos habla de los efectos de las drogas. Westbound Sing, la letra de la canción se sale de la dinámica oscura y frutrante del disco. Billie Joe escribió esta canción sobre su esposa Adrienne cuando se mudó de su hogar en Minnesota para vivir en el oeste de California con él. Es de largo la canción más esperanzadora de este oscuro álbum. Tight Wad Hill, canción que iba a dar nombre al disco, pero al final no sucedió. Green Day tuvo gran éxito en Berkeley, Califoria, y TightWad Hill es e apodo de Charter Hill, una gran colina donde los estudiante universitarios se subían para ver los partido de fútbol en la Universidad de California y así no pagar entrada. y Walking Contradiction, el tema que cierra el disco y que trata sobre las constantes contradicciones de la sociedad. Se suponía que las bandas de punk no eran populares, lo cual se convirtió en una gran contradicción para Green Day cuando firmaron por un gran sello como Reprise Records, y más todavía cuando dieron el gran pelotazo comercial con el lanzamiento de su álbum Dookie.

Después de haber alcanzado la cima con Dookie, parecía que con Insomniac la banda había comenzado el lento y pulatino descenso hacia los infiernos y el olvido. Cuán equivocados estábamos, pues casi diez años después, seguían en la brecha, nos iban a regalar su gran obra maestra y nos iban a recordar que Green Day no eran fruto de un único éxito o disco. además iban a convertirse en una de las bandas más influyentes del género en las décadas de los 90 y 2000, pero eso es otra historia...



miércoles, 7 de diciembre de 2022

Dookie- #MesGreenDay

 

Dookie, Green Day


     Nos encontramos en el ciclo dedicado a Green Day, y en esta ocasión vamos a desgranar el álbum que inspiró a la generación del nuevo milenio. Un disco que sirvió además para catapultar la carrera del grupo, gracias tanto a las excelentes críticas, como a lo que vendió en su momento y sigue vendiendo a día de hoy. Junto con bandas como The Offspring y Rancid, consiguieron el renacimiento y popularización del punk rock en Estados Unidos, y con su álbum Dookie, su primer trabajo grabado con una multinacional, darían el salto definitivo al estrellato internacional.

Estamos de acuerdo en que Green Day realizó con Dookie uno de los mejores discos que se hayan publicado de lo que podríamos llamar punk rok y punk pop. La influencia de este disco fue tan grande que surgieron tras de sí un gran número de bandas imitando el sonido logrado por Green Day, un sonido basado en guitarras distorsionadas y melodías muy pegadizas. 

Con un sonido diferente, Green Day fue uno de esos grupos que nació en el famoso club 924 Gilman Street, un club de música organizado de forma colectiva y sin ánimo de lucro. El club, conocido como The Gilman, se encuentra situado en la zona oeste de Berkeley, California. Las primeras publicaciones del grupo fueron realizadas a través del sello discográfico independiente Lookout, y gracias al éxito conseguido con estos primeros trabajos, el grupo consigue un contrato con la discográfica Reprise Records, con el que lanzarán Dookie, disco que hasta la fecha lleva vendidas la nada despreciable cantidad de más de treinta millones de copias en todo el  mundo.

Una vez firmado el contrato con Reprise Records, fue elegido como productor del álbum el reputado productor musical Rob Cavallo, mientras que el productor Jerry Finn fue escogido para la mezcla del disco, quien tiene una amplia experiencia de trabajo con bandas de punk rock, pop punk y rock alternativo, tales como AFDI, Blink 182, Rancid, Alkaline Trio y Morrissey entre otros. Green Day había entregado una demo a Cavallo, quien tras escucharla inmeditamente supo que había "tropezado con algo grande". Las sesiones de grabación duraron unas tres semanas, entre septiembre y octubre de 1993, y el disco fue remezclado dos veces, ya que la primera mezcla no fue del agrado del grupo. Según Armstrong, el grupo quería crear un sonido seco similar al disco de los Sex Pistols o los primeros de Black Sabbath.



El nombre del álbum hace referencia a la diarrea que solían sufrir los componentes del grupo, a la que se referían como "liquid dookie" (caca líquida), tras haber consumido alimentos en mal estado mientras se encontraban de gira. En un principio iban a titular el disco así, pero al final lo dejaron en "Dookie" a secas, ya que podían ser tachados de demasiado groseros. En cuanto a la portada, fue diseñada por Richie Bucher, quien realizó una ilustración que describía bombas lanzadas sobre personas y edificios, y en el centro de lsa portada había una explosión con el nombre del grupo. La contraportada del álbum de las primeras ediciones en CD contenía una imagen de un juguete de Epi, de Barrio Sésamo, la cual sería retirada más tarde para evitar problemas judiciales.

Dookie fue publicado el 1 de febrero de 1994 por Reprise Records, y rápidamente se convirtió en todo un éxito en todo el mundo, consiguiendo alcanzar el puesto número 2 en el Billboard estadounidense, y alcanzando muy buenas cifras en países como Reino Unido, Suecia, Nueva Zelanda, Austria, Finlandia y Suiza. Este disco es además el único del grupo que hasta la fecha ha conseguido la certificación de Álbum de Diamante. También fue uno de los trabajos de rock alternativo más exitosos de la década, únicamente superado por Nevermind de Nirvana, y Blood Sugar Sex Magik de Red Hot Chili Peppers. Green Day sería ese año el conjunto más aclamado en el festival de Woodstock '94, y también en el festival de Lollapalooza.

Todas las letras menos en Emenius Sleepus, que fue escrita por Mike Dirnt. fueron escritas por Billie Joe Armstrong, y están basadas en experiencias de los miembros de la banda, tales como la ansiedad, ataques de pánico, la masturbación, las orientaciones sexuales, el aburrimiento o las antiguas novias. No hay que olvidar que en el momento de la grabación ninguno de sus componentes superaban los 22 años de edad.



Una vez iniciado este enérgico y electrizante el álbum, las descargas se van sucediendo desde el primer tema, Burnout, un trallazo donde el peso recae en la caña que imprime Tré Cool a los mandos de la batería; pasando por Having a Blast, una canción muy personal donde Billie Joe Armstrong expresaba sus ansiedades y su estado depresivo. El la definía como "una canción sobre querer explotar porque estás pasando por algún tipo de tormento".; Chump, escrita por Armstrong sobre el novio de una chica que le gustaba. Curiosamente el músico nunca conoció al referido novio.  Esta canción tiene un estridente final que acaba en una especie de desvanecimiento que fue hecho a propósito para que los acordes finales fluyeran hacia la siguiente pista, Longview, que trata sobre estar aburrido y sentirse solo y como un completo perdedor. La canción también hace alguna referencia sobre la masturbación como medio de escape. el canatante describía tales hábitos en su caso como crónicos; Welcome to Paradise, escrita por Armstrong y Mike Dirnt sobre un barrio marginal de Oakland. Compartieron vivencias en su adolescencia en ese barrio y tuvieron una banda llamada Sweet Children. Esta canción fue lanzada originalmente en su álbum Kerplunk, y posteriormente sería regrabada para
lanzarla en este álbum.; Pulling Teeth, una visión irónica sobre una relación abusiva. Billie escribió esta canción a raíz de una broma interna de la banda, después de que el bajista Mike Dirnt acabara en urgencias a causa de una guerra de almohadas con su por entonces novia.; Basket Case, una de las canciones por excelencia de toda la carrera discográfica del grupo. Este tema que vuelve a tratar los ataques de ansiedad y la sensación de volverse loco. Armstorng sufrió en su adolescencia, mientras crecía, ataques de pánico, y lo que solía hacer para calmarse era caminar por el vecindario. Una canción, como él mismo decía, "catártica y personal" que estereotipaba y asemejaba la paranoia con el hecho de estar drogado.;



She
, una canción que Billie escribió para una antigua novia, al parecer una estudiante de la Universidad de California llamada Amanda. ambos se conocieron en el famoso The Gilman, y Amanda era una activista feminista que cautivó al cantante. Según el artista, él era entonces sólo un niño tonto que había abandonado la escuela secundaria y ella le marcó profundamente.; Sassafras Roots,  canción que trata sobre perder el tiempo en una relación en la que ninguno de los dos está muy entusiasmado.; When I Come Around, canción que el cantante escribió en su momento reflejando sus sentimientos al estar lejos de su novia Adrienne, y sus frustraciones al estar lejos de ella cuando se encontraba de gira. El artista conoció a Adrienne en 1990 mientras actuaba con su grupo en Minnesota, donde ella vivía, y le resultó muy difícil mantener una relación a distancia con ella. En la canción Billie aseguraba que cuando volviera a verla se lo compensaría todo. En julio de 1994 se casarían, manteniendo una relación que perdura a día de hoy; Coming Clean, donde el cantante profundiza sobre sus pensamientos sobre temas como la heterosexualidad y la homosexualidad, y sobre salir del armario. En 1995 llegó a declarar, en una edición de la publicación The Advocate: "Creo que siempre he sido bisexual", "Creo que principalmente se hamantenido en mi cabeza. Realmente nunca he tenido una relación con otro hombre. Pero es algo que surge como una lucha en mí. Surgió cuando tenía alrededor de 16 o 17 años. En la escuela secundaria la gente piensa que tienes que ser muy macho, y hay quien es atacado sólo por insinuar algo sobre su sexualidad. Creo que eso es espantoso"; Smenius Sleepus, uno de los únicos temas que no fue escrito por Billie, ya que fue coescrita entre éste y el bajista Mike Dirnt; In the End, canción que Billie Joe escribía sobre su madre y el novio de ésta. Hay quien especuló sobre la canción, afirmando que trataba sobre una chica, él se encargo de aclarar que no trataba sobre ninguna chica, trataba sobre el marido de su madre y ella misma; hasta llegar al tema final, F.O.D., donde el cantante muestra su odio al sentirse apuñalado por la espalda por alguien. Las siglas del título provienen de "Fuck Off and Die", lo que viene a significar algo así como "Que te den y muérete". Pero el disco no acaba aquí, ya que contiene una pista oculta que se reproduce 1 minuto y 17 segundos después de acabar la última canción. El tema sorpresa se titula All By Myself y fue compuesta por el baterista de la banda, Tré Cool.

Con Dookie, Green Day hacían resurgir el punk rock, alcanzaban el estatus de supergrupo y ponían los cimientos para ser considerados como una de las bandas más grandes del género de las décadas de los 90 y los 2000.