Disco de la semana 256: Crooked Rain, Crooked Rain - Pavement

 

Pavement, banda estadounidense cuyas letras atrevidas y texturas sonoras derivadas del punk se fusionaron en una poesía de referencia flotante que personificaba el rock universitario de los noventa. Los miembros originales eran cantante, guitarrista y compositor principal Stephen Malkmus y el guitarrista Scott Kannberg. El batería original Gary Young, un veterano de la contracultura que dirigía el estudio donde Pavement grabó inicialmente, fue reemplazado por Steve West en 1993, el Percusionista Bob Nastanovich y el bajista Mark Ibold se incorporaron en 1991 y 1990, respectivamente. Formado en Stockton, California, en 1989, Pavement fue uno de los primeros grupos musicales en alcanzar la mayoría de edad dentro de la subcultura del indie rock, formando sus identidades musicales escuchando REM. Sus primeros lanzamientos, luego compilados en el álbum de 1993 Westing, ofreció fragmentos comprimidos de sonido industrial y fragmentos de pop de baja fidelidad sorprendentemente melódico (Baja fidelidad: música hecha con equipos de grabación rudimentarios, como cintas de cuatro pistas). Pero Slanted and Enchanted (1992) reveló una nueva grandeza, con enigmáticos himnos de devoción subcultural que tratan la vida de los holgazanes como un derecho propio. Después de este álbum llegaría Crooked Rain, Crooked Rain, el álbum que tendría que consagrarlos.

 

Silence Kit tiene a la melodía de "Every Day" de Buddy Holly como base ¿dónde más podríamos escuchar esa melodía en la forma de rock indie de principios de los 90? Una reinvención fantástica, con guitarras ruidosas, la letra por supuesto es marca de la casa, una pequeña reivindicación de como dejar a tu familia por la vida del rock n roll y arrepentirte. Interesante cómo cambia allí al final. Elevate Me Later, es una buena cancion, todos estamos de acuerdo, sí, es solo un riff, en términos de un interés musical sostenido, pero es un riff lo suficientemente agradable como para dejar que te inunde mientras pasas por la ciudad que olvidamos nombrar, pero nos gusta, porque están mezclados tan jodidamente ruidoso. Hay mucha locura en las letras, supuestamente es una canción es "anti-pc", cuando dice "hay 40 tonos diferentes de negro", quiere decir que hay muchas formas diferentes de ver algo negativo, o hay muchos tonos diferentes que podría tener una percepcion negativa, me encanta este mensaje, aunque es un poco críptico, realmente edificante. Escuchar Stop Breathin y escuchas a Malkmus cantar 'Papá, me han destrozado' como una pregunta y luego compruebas que esta el mismo para responderla, y en medio de todo esto, curiosamente, jodidas imagenes otoñales, y siento su confusión y, por extensión, la confusión de muchos otros: querer hacer lo correcto por todo el mundo, pero sin haber sido debidamente capacitado para saber exactamente cómo hacerlo, o incluso si es lo suficientemente posible como para que valga la pena intentarlo. ¿quién soy yo para decirle que no al melancólico brillo del indie-rock cuando nos lo sirve de esta manera tan dulce? Y sino mira la pequeña genialidad que nos entrega ¿solo / riff / build? Al final de la canción, estos tíos te vuelven loco, nunca sabras hacia lo que te llevaran las canciones. 

Es imposible no amar Cut your hair, una de sus canciones mas conocidas y por una buena razón, tiene ese estribillo pegadizo de "oooh oooh oooh oooh oooh oooh", y un rock muy divertido en todas partes, la pista incluye un coro tarareable al instante y varias observaciones sobre la música popular “Cariño, no te vayas a cortarte el pelo / ¿Crees que te hará cambiar?", Y a medida que avanza la pista, es obvio que la canción se centra en la industria de la música, en la loca escena musical de los 90, específicamente en cuántas bandas nuevas se preocupaban más por su imagen que por su música. Por el contrario, Pavement nunca se preocupó de su imagen. Newark Wilde suena exactamente como el rock indie, Si, es suficiente, la transición del coro al verso es perezosa incluso para los estándares de esta banda. La mejor parte de la canción, de lejos, es esa pequeña y pequeña guitarra que la abre, y de esa manera la canción me recuerda al "Try Not to Breathe" de sus héroes REM, más o menos contemporáneo, con su sublime Línea de guitarra de apertura (de un guitarrista que no era un santo) que justifica toda la mediocre canción. No es particularmente atractivo, y seguramente no es genial, pero tiene algo bueno, lo que pasa con Pavement es que todo lo que ofrecen es al menos interesante y único y eso realmente es suficiente. Unfair es sin duda una de las canciones más ruidosas y más "abrasivas" del álbum), es difícil no subir el volumen de esta canción y ponerla a todo volumen. Hay muchas frases geniales sobre California, pero sobre todo son emocionantes y catárticas. Me gusta la forma en que alternan entre canciones melosas y rockeras.

 

Gold Soundz es otra gran canción con una excelente letra, incluso no sepas exactamente qué significan, algunos ejemplos: "el juicio es por el arma encontrada" "eres el tipo de chica que me gusta, porque estás vacía y yo estoy vacío" "nunca puedes poner en cuarentena el pasado". Es breve, pero perfecto, Malkmus siempre ha sido muy hábil para interpretar el papel del rey bufón, perpetuamente irreverente y casi nunca 100 por ciento sincero, y sus mejores momentos son aquellos en los que su fachada imperturbable se resquebraja y un indicio de vulnerabilidad brilla, y este es el mejor de ellos. 5-4 = Unity no es nada innovador, sirve como intermedio entre dos de las canciones de mayor calidad del álbum, una canción instrumental que sirve de preludio a otro pelotazo. Range Life con la increíble línea de guitarra, y, lo mejor de todo, los coros. Malkmus intenta tocar una nota que está MUY fuera de su rango vocal y, por supuesto, se pierde por completo, pero es la cosa más encantadora de la historia, así que no me importa, una canción de rock alternativo country sobre la necesidad de establecerse en la vida doméstica, una canción tan maravillosa que casi desearía que Malkmus nunca cantara ese verso de Smashing Pumpkins, no porque sea mala o perjudicial para la canción, o porque no transmita el sentimiento de genuino desafecto hacia la corporación musical, una burbuja de pensamiento aturdida, de flujo de conciencia de un niño que se da cuenta de que está viviendo en una época en la que nadie parece tener nada que decir. Heaven is a Truck es otra bonita canción, quizás después de Range Life se nos queda corta, pero hay que disfrutarlaen ella misma, es el estado de ánimo que encaja perfectamente después de Range Life y tiene una gran letra, inquietante y absurda. 

Para algunos críticos el punto más alto del álbum es Hit the Plane Down, para mi posiblemente una de las pistas menores, aunque también es creativa y divertida cuando estás de humor. Supuestamente se basa en esa película "Alive". Fillmore Jive conlleva el mismo tipo de desafecto de calles nebulosas, un tenue estado de fatiga en el que no estás seguro de en qué dirección moverte la voz de Malk aporta algo especial y digno de empatía a los acordes lluviosos y serpenteantes; es como murmurar juntos en una habitación, enfadados y nerviosos porque no te dejan dormir.

0365 Purple Haze -Jimi Hendrix

 

Purple Haze, Jimi Hendrix

     Turno para el quinto tema del genio de las seis cuerdas de Seattle (Estados Unidos), Jimi Hendrix. No podíamos dejar fuera de la lista Purple Haze, otro de sus grandes temas. Are You Experienced? es publicado bajo el nombre Jimi Hendrix Experience, power trío donde Jimi está acompañado de Noel Redding (bajo) y Mitch Mitchell (batería). El resultado es un álbum que nos volará literalmente la cabeza gracias a la peculiar e innovadora visión de Hendrix a la hora de entender la música, abrazando sonidos que van desde el blues al rock psicodélico y al hard rock.

El disco es grabado entre octubre de 1966 y abril de 1967 en tres estudios de Londres, De Lane Lea, CBS y Olimpyc Studios, y publicado en mayo de 1967 en Reino Unido y en agosto de ese mismo años en Estados Unidos. En Reino Unido estuvo 33 semanas en las listas de ventas, y en Estados Unidos llegó a un excelente quinto puesto en la lista Billboard Hot 200, llegando ha permanecer durante 70 semanas en la lista Billboard R&B. 

Ya hemos comentado que este disco fue editado con varios temas diferentes para el mercado británico y para el estadounidense. Incluida en la edición que se hizo para Estados Unidos se encuentra Purple Haze, tema que fue publicado como segundo sencillo del disco, en marzo de 1967 en Reino Unido y en junio de ese mismo año en Estados Unidos. Purple Haze nos muestra esa innovadora forma de tocar que Hendrix traía bajo el brazo, una mezcla de blues con toques orientales, y todo moldeado por novedosas técnicas de procesamiento de sonido. 

Recién salido el primer sencillo del disco, Hey Joe, versión del tema escrito por Billy Roberts, el productor Chas Chandler y Jimi estaban buscando un tema que diera continuidad al éxito. A mediados de diciembre de 1966 Chandler escuchó tocando en el piso de Hendrix uhn riff de guitarra, un riff que según él hizo que se quedara alucinado. Chandler a raíz de escuhar ese riff instó a Hendrix a que siguiera trabajando en ese riff, pues sería su siguiente éxito. Según el productor, Hendrix escribió el resto del tema en el camerino de un club de Londres  durante la tarde del 26 de diciembre de 1966, justo antes de un concierto. 

Hendrix afirmó que para escribir Purple Haze se basó en un sueño que tuvo en el que él caminaba bajo el mar, mientras una neblina púrpura le rodeaba, le envolvía y le perdía. Fue una experiencia traumática, pero su fe en Jesús le salvó. De hecho, en un principio Hendrix escribió el coro donde decía: "Purple haze, Jesus Save" / "Brúma púrpura, Jesús salva", pero al final decidió no incluirlo.

0364.- The wind cries Mary - Jimi Hendrix

 

El 5 de Junio de 1967 se publicó en el Reino Unido el single “The wind cries Mary”, un claro ejemplo de blues-rock psicodélico. La inspiración para la canción fue un incidente con su novia en ese momento, Kathy Mary Etchingham, había tenido una discusión con ella sobre su forma de cocinar, se enfadó y comenzó a tirar ollas y sartenes, y salió furiosa para quedarse en la casa de un amigo por un día o dos. Cuando regresó, Jimi le había escrito "El viento llora a María". Kathy Mary recordó: "Habíamos tenido una discusión por la comida. A Jimi no le gustaba el puré de papas grumoso. Hubo platos tirados y yo salí corriendo. Cuando regresé al día siguiente, él había escrito esa canción sobre mí. Es increíblemente halagador". Material biográfico más reciente ha indicado que algunas de las letras aparecieron en una poesía escrita por Hendrix al principio de su carrera cuando estaba en Seattle . Según su novia anterior de Seattle, Mary Washington, las palabras "En algún lugar una reina está llorando / En algún lugar un rey no tiene esposa", fueron escritas en un poema de amor que Hendrix había escrito para ella. Por si fuera poco muchas han relacionado este tema con la marihuana (Mary Jane), pero de estos casos hay cientos.

 

Jimi Hendrix grabó la canción en enero del 1967 y comentan que lo hizo tan solo en 20 minutos y sin ensayo previo, comienza con una introducción distintiva y reconocible, en la que tres acordes de "cinco" ascendentes cromáticamente se tocan en una segunda inversión. Un acorde de 'cinco' consta de dos notas (primera o "raíz" y quinta) en lugar de tres (raíz, tercera y quinta). La nota media que falta le da al acorde un sonido más 'abierto' o 'desnudo'. Una segunda inversión "voltea" las notas en el acorde, de modo que la quinta, no la nota fundamental, es la nota que suena más baja. Esto hace que sea más difícil para el oyente identificar inmediatamente en qué tono se está tocando la canción. Además, un ritmo sincopado dificulta que el oyente identifique los "tiempos bajos" de la canción. Esta combinación de elementos musicales crea una experiencia única y desorientadora cuando se escucha la canción por primera vez. La letra está llena de imágenes vívidas y potencia emocional mientras sus suaves guitarras soplan a través de la canción como el viento titular que impregna cada verso. Verdaderamente una canción increíble. La otra balada importante del disco Are you experience? es May This Be Love , con sus imágenes de cascada serena y alucinante y el uso impecable de los pedales para evocar esa sensación de calma y serenidad de otro mundo, en definitiva una canción bastante dulce, e incluso muy diferente del resto de la pista, pero a la que no puede faltar otro maravilloso solo de guitarra. Lo hermoso de 'The Wind Cries Mary' es que representa un sincero contraste con los sencillos viscerales ' Hey Joe ' y 'Purple Haze', mostrando que Hendrix ha sido el compositor completo y que, además, este ícono del rock and roll sexual también tenía alma y corazón.

La música en historias: The Wall, derribando el muro del #MesPinkFloyd

Cerramos el mes de Pink Floyd con el inmenso muro musical que fue The Wall (1979), el undécimo álbum de estudio de la banda británica. Producido por Bob Ezrin, junto con David Gilmour y, sobre todo, Roger Waters, que volcó en Pink, el personaje protagonista de esta enorme obra conceptual, multitud de detalles autobiográficos y del estado anímico por el que atravesaba en aquellos momentos, fue aclamado como uno de los mejores discos de la historia del rock. Dotado de una atmósfera opresiva, que va generando en el oyente esa misma angustia en la que vive encerrado el personaje, al tiempo que nos permite disfrutar de una obra musicalmente compleja que combina estructuras de ópera rock y de rock progresivo, se ha convertido con los años en un auténtico icono cultural. Comercialmente, disfrutó desde el principio de un éxito a nivel mundial, convirtiéndose en el disco más vendido de la década de los 70, y en el disco doble más vendido de la historia.

Pink es una estrella del rock, agobiado por diversos traumas acumulados a lo largo de su vida, que incluyen desde la trágica muerte de su padre combatiendo en la Segunda Guerra Mundial, pasando por una infancia marcada por la sobre-protección de una madre viuda y por la opresión de la rígida educación británica, y culminando en una etapa adulta plagada de fracasos sentimentales y de las adicciones habituales de una estrella del rock. Una a una, estas complicadas experiencias van erigiendo un muro alrededor suyo, aislándole del resto del mundo, impidiendo su desarrollo personal y alejándole de su verdadero yo y de la persona que podría haber llegado a ser. Los paralelismos con la vida de Waters son evidentes, y el propio músico declararía años después que “Cuando escribí The Wall era un joven lleno de traumas y miedos que, con el tiempo y con la exploración de las sensaciones, y la exploración de mi propio yo a través de la música, conseguí ir venciendo y racionalizando…” Si creemos en la música como herramienta terapéutica para el alma, y recurrimos a ella en los momentos en los que necesitamos esa cura milagrosa que nos proporciona su escucha, entonces este disco es un auténtico tratamiento de choque, que debería ser pautado como vacuna obligatoria para todo aquel que se haya sentido alguna vez angustiado por ese muro invisible, esa coraza que aparentemente nos protege, pero que en realidad, nos aísla y nos impide vivir la vida de manera plena y satisfactoria.

El disco comienza con la épica oscura y rotunda de In the Flesh?, una introducción al imaginario y desequilibrado mundo interior de Pink, una especie de himno aterrador y apocalíptico que, musicalmente, nos traslada de inmediato a un campo de batalla de la segunda guerra mundial. La letra es un prosaico discurso de un alentador de masas, con un aire dramático que parece anticipar la tragedia personal y la degradación del personaje ("Dime si hay algo que esté eludiéndote, querida. ¿No es esto lo que esperabas ver? ¡Si quieres encontrar lo que hay detrás de estos ojos fríos, no tienes más que escarbar a través de este disfraz!") La canción termina con un avión de combate estrellándose, en la primera de las referencias a la muerte del padre de Pink (Waters) en acto de servicio, que constituye sin duda el primero y más grande ladrillo de los que conformarán el muro de aislamiento del protagonista.

Con los ecos del fatídico accidente aéreo aún resonando en los altavoces, The Thing Ice emana la tristeza y la desolación por la pérdida, y la fría realidad de una infancia al lado de una madre destrozada por la pérdida, y con la perspectiva de una vida adulta tan complicada y frágil como caminar sobre una fina capa de hielo, "arrastrando tras de tí el silencioso reproche, de un millón de ojos llenos de lágrimas. No te sorprendas, cuando una grieta en el hielo aparezca bajo tus pies..." 

Le sigue la primera de las tres piezas en las que se descompone el tema central, Another brick in the wall, que continúa desentrañando los lúgubres sentimientos y recuerdos del pequeño Pink sobre la muerte de su padre ("Papá se fue volando a través del océano, dejando solo un recuerdo... Después de todo, no fue más que un ladrillo en el muro...") en una infancia en la que, supuestamente, vivimos The happiest days of our lives (Los días más felices de nuestras vidas). La brillante transición in crescendo con la que está estructurado este breve pero intenso tema, casi indivisible de Another brick in the wall II, es uno de los momentos más intensos del disco, y da paso al siguiente ladrillo, centrado en la férrea y asfixiante educación inglesa de los años setenta, personalizada en la figura de un sádico profesor que pasa las clases "derramando su sarcasmo sobre cualquier cosa que hiciéramos, y exponiendo cualquier debilidad de los niños, aunque éstos se esforzaran en ocultarlas".

Entre ambos temas, un grito que el productor Bob Ezrin le pidió a Roger Waters por  teléfono. Le pidió que lo repitiera varias veces mientras lo grababa al otro lado del auricular, hasta que Waters le dijo que su familia empezaba a mirarle de una manera muy rara ante los gritos que estaba profiriendo, que pasarían a la historia como el aterrador comienzo de Another brick in the wall II, el single por antonomasia del disco, y que comparte temática con su predecesora en el disco, con el famoso manifiesto rebelde de los niños del coro de la Islington Green School contra una educación opresiva y alienante: "¡No necesitamos no-educación, no necesitamos control del pensamiento, no al oscuro sarcasmo en clase, profesores dejad a los chicos en paz! Después de todo, no somos más que otro ladrillo en el muro." Los profesores de aquel colegio cercano a los estudios de grabación de la banda desconocían la letra de la canción hasta que los chicos la interpretaron en el estudio, y palidecieron ante una iniciativa de la que ya no pudieron desligarse. Y no debió parecerles del todo mal, porque años después demandaron a Pink Floyd, reclamando (y ganando) un porcentaje de las ventas de la canción, por la relevancia en la misma del coro de niños del colegio.

Con Mother llega el turno de otro de los grandes traumas (ladrillos) del protagonista del disco. La ya mencionada viuda deprimida y sobre-protectora hace su demoledora aparición estelar: "Calla, niño, no llores, Mamá va a hacer que todas tus pesadillas se conviertan en realidad. Mamá te va a inculcar todos sus miedos. Mamá va a tenerte aquí , bajo su ala... Y por supuesto, Mamá te ayudará a construir el muro". Es en esta canción dónde la historia hace el tránsito hacia los desengaños de la vida adulta, a través todavía de la influencia de la madre: "Mamá examinará a todas tus novias por tí. Mamá no dejará que ninguna guarra se te acerque... Siempre serás un niño para mí". Y es también aquí dónde Pink empieza a mostrar signos de su infinita tristeza, en una frase demoledora con la que termina esta asfixiante pieza: "Madre...¿Era necesario que (el muro) fuera tan alto?

Goodbye Blue Sky es un breve recuerdo de los bombardeos alemanes sobre Londres, probablemente parte de la infancia de Waters (y por tanto también de Pink), una pesadilla apocalíptica envuelta en la suave guitarra acústica de David Gilmour y los sobrecogedores teclados de fondo de Richard Wright. Es el último retazo de la dura infancia del personaje, antes de adentrarse en los espacios vacíos de la etapa adulta. En Empty Spaces, el muro apenas tiene ya huecos visibles, y las malas experiencias amorosas acabarán de construirlo. Antes de que el muro le aisle por completo, Pink busca compañía femenina en Young Lust, uno de los pocos temas firmados por David Gilmour: "¿Podrá alguna fría mujer, en esta tierra desértica, hacerme sentir un hombre de verdad?.

La relación de pareja va degenerando con el paso del tiempo en One of my turns (Uno de mis ataques) y la situación de Pink es cada vez más oscura y asfixiante: Noche tras noche, fingimos que todo está bien, pero yo me he hecho más viejo y tu te has vuelto más fría, y nada es ya divertido. Y puedo sentir que uno de mis ataques se aproxima, me siento frío como una cuchilla de afeitar, rígido como un torniquete, seco como un tambor fúnebre. En esta canción, encontramos cínicas y exageradas referencias a esa relación autodestructiva y violenta: "Corre al dormitorio, en la maleta de la izquierda, encontrarás mi hacha favorita. No te asustes tanto, es solo una fase pasajera, uno de mis días malos" La locura del personaje es evidente, cuando al final de la canción, después de una amenaza tan grave, se pregunta "¿Por qué estás huyendo?". Y en la clara continuación que supone Don't leave me now (No me dejes ahora) un abandonado Pink sigue mezclando el dolor y la rabia, el arrepentimiento y la amenaza, implorando por la vuelta de su amada al tiempo que no puede evitar verbalizar sus oscuros pensamientos: "No me dejes ahora, no digas que es el final del camino. Te necesito... para ponerte en la trituradora..."

Se escucha el ruido de un televisor encendido, que Pink golpea hasta destrozarlo, mientras canta los primeros versos de Another Brick in the wall III: "No necesito brazos a mi alrededor, no necesito drogas para calmarme, he visto la pintada en el muro (...) Después de todo, todos vosotros no erais más que ladrillos en el muro".  El grado de deterioro psicológico es tal en este punto, que Pink solo encuentra salida en el suicidio, y Goodbye Cruel World es su breve y concisa nota de despedida: "Adiós mundo cruel, hoy te dejo atrás (...) Adiós a todo el mundo, no hay nada que podáis decir para hacerme cambiar de opinión. Adiós." En concierto, Roger Waters la canta desde detrás del único hueco que queda en el muro, y ese último ladrillo es colocado justo después de ese "Adiós" final. El muro se ha completado, aislando completamente a Pink de la realidad del mundo exterior y de todos los que le rodean. Desde el otro lado, lanza una tenue y lastimosa llamada a quién pueda escucharle en Hey You, pero nadie responde, por lo que el tono se vuelve aún más resignado y melancólico en Nobody Home: "Tengo sorprendentes poderes e observación, y así es como se que, cuando intente contactar contigo por teléfono, no habrá nadie en casa".

Los dos siguientes temas parecen apenas retazos de alucinaciones o recuerdos de la infancia de Pink, con referencias a la actriz de los años cuarenta Vera Lynn, conocida como "la novia de las fuerzas armadas" durante la Segunda Guerra Mundial, y a un canto de protesta para que las tropas inglesas volvieran a casa (Bring the boys back home). Ninguna de ellas llega a los dos minutos de duración, y son la antesala de Comfortably Numb, el plato fuerte del segundo disco de The Wall y su auténtica obra maestra. Los solos de guitarra de David Gilmour para este tema se cuentan siempre entre los mejores de toda la historia del rock, y la alternancia entre los tramos lúgubres y atmosféricos de Waters, con los tramos luminosos y orquestales que acompañan a la voz de Gilmour es, probablemente, el mayor acierto sonoro del disco. La letra mezcla igualmente los tramos de ensoñación el los que se ha sumido el personaje (cómodamente insensibilizado como reza el título) con los esfuerzos de un médico por devolverle a la vida después de lo que parece una sobredosis. La inyección surte el efecto deseado, porque Pink vuelve a tiempo de que el show continúe (The Show must go on).

El espectáculo comienza de nuevo con In the Flesh, al que seguirán temas como Run Like Hell o Waiting for the Worms, antes de entrar de nuevo en crisis y parar definitivamente en Stop: "Quiero irme a casa, quitarme este uniforme y dejar el show, pero estoy esperando en esta celda, porque tengo que saber si he sido culpable todo este tiempo". La supuesta culpabilidad es entonces sometida a juicio en The Trial, una impresionante mini ópera rock en la que Roger Waters hace todas las voces del juez, los testigos (la madre, el profesor, la novia...) y el propio Pink, que se debate entre la locura y el anhelo de encontrar una puerta de salida del muro. Tras las declaraciones de los testigos, el implacable juez emite su lapidaria sentencia: "Amigo mío. has revelado tu más profundo miedo, y te condeno a ser expuesto ante tus semejantes... ¡Echen el muro abajo!"

Outside the wall

"Completamente solos, o de dos en dos, aquellos que realmente te aman caminan arriba y abajo, fuera del muro..." susurra una voz sobre una lejana melodía, la misma que apagaron los ecos de In the Flesh? al comienzo del disco. Es la calma melancólica de después de una batalla, la banda sonora de la esperanza en un nuevo comienzo, y es aún más emotiva si esa batalla la has librado en tu interior.

The Wall fue criticado, en su momento, por su desproporcionada duración, y por la ausencia de grandes singles comerciales. Hay quien piensa que se le ha sobrevalorado y vanagloriado en exceso, y posiblemente todos esos reproches tengan su parte de razón, si lo enfocamos únicamente como un disco al uso, pero esta obra va mucho más allá del concepto normal de un álbum. Los ladrillos de este descomunal muro psicológico no pueden ser juzgados como meras canciones. Os invito a deteneros en la escucha de cada canción, y que la atmósfera agobiante y cerrada de cada uno de los temas os ayude a identificar vuestras propias experiencias negativas. Haced, al mismo tiempo, una lista de los acontecimientos que os marcaron negativamente, y de las personas tóxicas de vuestro entorno cercano. Por último, pensad en cómo os han afectado, y afectan, sus acciones y comentarios, y en como podéis bloquearlos o impedir que os sigan lastrando. Yo lo hice, y sacando todo ese ruido hacia afuera, conseguí derrumbar muchos muros interiores, y abrirme mucho más a un crecimiento personal que, de otro modo, no habría logrado. Y eso es algo que no me ha dado ningún otro disco. Con The Wall pude dejar muchas de esas cosas atrás. Después de todo, no son más que ladrillos en el muro.