Una recomendación rockera y sabrosa

Hoy os traemos una recomendación muy curiosa, un libro sobre música con un enfoque bastante peculiar y sorprendente. “Las Recetas de Loretta Clark” (Comida en clave pop rock) recopila cuarenta recetas inspiradas en platos y alimentos que han dado título a canciones y discos del rock, el pop y el cancionero popular tanto nacional como internacional.

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En la introducción, Loretta Clark cuenta cómo surgió la idea para escribir este peculiar libro. Aficionada por igual a la música y a la cocina, casi nunca hacía una sin escuchar la otra, y una noche, mientras preparaba la cena antes de sentarse a comer frente al televisor, empezó a sonar en la radio la canción “TV Dinners” (“Cenas de televisión”) de ZZ Top, en lo que para ella fue “una mágica y casual conexión entre la comida y la música, que hizo que prendiera en mí la idea de escribir un libro que combinara ambas pasiones”.

Días después de aquella coincidencia, y mientras leía “Vida”, la autobiografía de Keith Richards, encontró en las palabras del genial guitarrista el impulso definitivo para poner en marcha su idea y, según sus propias palabras “recoger el guante que, días antes, me habían lanzado los ZZ Top”. Hacia el final del libro, cuando ya no tenía mucho más que contar, Richards se desmarcaba de las autobiografías al uso con una inesperada receta sobre cómo le gustaba preparar las salchichas. Al leer la receta, Loretta tuvo claro que su misión en la “Vida” no era otra que “encontrar la mayor cantidad posible de referencias a platos y comidas en el mundo de la música”, para después buscar las recetas y recopilarlas en un libro.

Así nació “Las recetas de Loretta Clark”, un trabajo de búsqueda y recopilación que no se queda en la mera mención y descripción de las canciones, sino que incluye las recetas completas de los platos, con todos sus ingredientes e instrucciones para prepararlos de una manera clara y sencilla. Y para los que penséis que la cosa va solo del “Cocidito madrileño” de Manolo Escobar o el “Arroz con bacalao” de Lolita, os sorprenderá que las recetas incluyan “recomendaciones” de intérpretes y grupos internacionales como Prince, De La Soul, Weezer, Guns and Roses, B’52, Led Zeppelin, The Beatles o The Supremes, y de artistas patrios como Joaquín Sabina o Siniestro Total, en un apetecible menú de música y cocina al que te recomendamos que le hinques el diente en formato kindle o tapa blanda, en Amazon.es:

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1435.- Roadrunner - The Modern Lovers

Después de graduarse de la escuela secundaria en 1969, Jonathan Richman se mudó a la ciudad de Nueva York. Después de nueve meses dambulando en Nueva York, Richman decidió que ya había tenido suficiente y regresó a su Boston natal con la intención de formar una banda de rock basada en lo que había aprendido observando a los Velvet y organizó rápidamente una banda con su amigo de la infancia John Felice como guitarrista, David Robinson en la batería y Rolfe Anderson en el bajo. Jonathan Richman, el genio flacucho que estaba detrás de todo esto, fue comparado por más de un crítico con su ídolo, Lou Reed, particularmente por su forma de cantar ronca y monótona. La verdad es que Richman fue capaz de transmitir cosas que Lou apenas podía ni siquiera conceptualizar. Los Modern Lovers tocaron por primera vez en septiembre de 1970, apenas un mes después del regreso de Richman. A principios de 1971, Anderson y Felice se marcharon, aunque Felice volvería a unirse al grupo más adelante, el grupo se hizo popular en los conciertos en vivo en Boston, y se corrió la voz sobre ellos. En el otoño de 1971, The Modern Lovers y grabaron la canción "Hospital" en el álbum The Modern Lovers de Beserkley tiene su origen en esta sesión. El éxito de The Modern Lovers como banda en vivo continuó sin obstáculos, pero en lo que se refiere a conseguir un contrato discográfico, la banda siempre fue una dama de honor, nunca una novia, pero nos dejaron un disco homónimo, The Modern Lovers. Los Lovers no llegaron a publicar otro disco. No lo necesitaban. Su álbum homónimo fue una especie de revolución silenciosa, que allanó el camino para una generación de estrellas de rock que no sentían la necesidad de adorarse a sí mismas ni de ser adoradas. Íconos enamorados que quieren tomarte de la mano y no te violarán después. Richman todavía hace giras en solitario, tocando principalmente música acústica, su legado solo es apreciado en esos ciertos rincones en los que esperarías que lo apreciaran, pero a él no le importa.

Y creo que nos dejaron una de las mejores canción de rock de todos los tiempos, Roadrunner, cualquiera puede tocarla, para empezar. Y mientras Richman se entusiasma con voz ronca sobre su amor por los detalles insignificantes de la luz de la luna moderna, yendo al Stop & Shop por la noche con la radio a todo volumen, cualquiera puede vivirla. Para adaptar una frase de la subestimada banda The Minutemen, “Roadrunner” que comienza con una explosión, robando el ritmo de dos acordes de su adorada " Sister Ray " de Velvet Underground. La forma en que Richman establece el escenario y donde la canción crece en el espacio en el que la mayoría de nosotros crecimos escuchando música con más pasión, es en tu coche y por la noche, recorriendo autopistas y callejones familiares, sin un lugar en particular al que ir, enamorado de la música de la radio. A pesar de las innumerables veces que la he escuchado, nunca dejo de enamorarme de nuevo de ese impulso creciente, de la insistencia enérgica y enérgica del ritmo de fondo, del centro de gravedad de la canción que siempre avanza sin descanso. Todos se sienten completamente atrapados en ese ritmo muy simple pero potente, sincronizado como una máquina bien engrasada. El baterista David Robinson, que más tarde se unirá a The Cars, marca el ritmo y, de manera emocionante, lanza algunos rellenos rápidos que mantienen la energía entre los cambios de acordes extremadamente básicos, de D a A, tan elementales como un corazón que late o un cambio de marcha repentino.  Mientras Richman habla y canta sobre el poder de la radio AM y del destello de las calles suburbanas que pasan a toda velocidad, y el futuro Talking-Head, Jerry Harrison, el arma secreta de la banda, toca un solo de teclado que ondula con gracia sobre el ritmo agitado como una mano que se agita desde una ventana abierta mientras el viento pasa rápidamente. Hacia el final, Richman empieza a cantar casi en un monólogo sobre todo lo que le está pasando a la vez: la radio, la noche, la carretera, la luz de la luna, la belleza de todo. La banda grita alentadoramente “¡RADIO ON!” detrás de él, acentuando su euforia como la reunión de ánimo más tonta de la historia, y la canción termina grandiosamente con algunos toques finales a esos dos acordes inmortales. La voz satisfecha de Richman nos dice adiós con un casual “bien, adiós” y nos informa que hemos llegado a nuestro destino, donde sea que esté.    

The Modern Lovers fueron una banda única por varias razones, y una de ellas, la menor, es que sobrevive muy poco de su trabajo. Aparte de algunos bootlegs en vivo, se trata principalmente de un solo disco homónimo que se grabó a principios de los 70 y se lanzó en 1976, que tiene una intimidad similar a la de un diario, en parte porque inicialmente se pretendía que fueran demos para un disco que nunca se haría debido a la separación de la banda. La instrumentación es potente pero sencilla, vibrante pero minimalista, lo que es un acompañamiento ideal para la gira sincera de Richman a través de sus alegrías y tristezas profundamente personales pero demasiado humanas. 

1434.- The year of the cat - Al Stewart

Al Stewart es un artista folk británico que se distinguió en la primera mitad de los años setenta por cantar páginas de la historia, su gran pasión. En 1976 escribió una canción, "El año del gato", que fue un éxito unos meses antes de hundirse en el olvido. El álbum que acompañó el lanzamiento de esta canción es un verdadero ejemplo del sonido relajado, liberado, floreciente y rico que se respiraba a finales de los años setenta en los estudios de Abbey Road, antes de que los sintetizadores de los años ochenta abrieran una nueva era. Stewart tocó una guitarra acústica Epiphone Texan, mientras que Tim Renwick fue el encargado de grabar los solos de guitarra acústica y eléctrica. “Tim tomó prestada una guitarra Guild de gran tamaño que me pertenecía para los solos acústicos”, recuerda Stewart. “Para el solo de guitarra eléctrica, tocó su fiel Strat del 62 a través de un amplificador de válvulas combo personalizado de Wallace que conoció a su creador cuando se derritió poco después de la sesión”. Aunque el acompañamiento estaba completo, el productor Alan Parsons sintió que faltaba algo, concretamente, un saxofón. “Para mí, los saxofones pertenecían al jazz”, dice Stewart. “Pensé que era una idea terrible y se lo dije, pero él dijo: 'Simplemente hazme caso y si no te gusta, lo borraremos'”. El saxofonista elegido por Parson fue Phil Kenzie, un contemporáneo de Liverpool de los Beatles. “Phil estaba viendo una película y no quería hacer la sesión”, dice Stewart. “Pero Alan le dijo: ‘Ven y haz una toma. Solo queremos escuchar cómo suena’”. A Stewart no le convenció la sesión. “No me gustó mucho”, dice, “pero a todos los demás sí. Dijeron: ‘¡Guau! Esto es diferente’. Así que en lugar de pelearme por ello, dejé que Alan hiciera lo que quisiera y lo puse al final del álbum como la última canción, así no tuve que preocuparme por eso”.

Lanzado como sencillo en los EE. UU. en octubre de 1976, "Year of the Cat" llegó al puesto número ocho en el Billboard Hot 100, con este tema Stewart consiguió su primer sencillo en las listas de éxitos de los EE. UU. y a dia de hoy sigue siendo un elemento básico en los sets en vivo del guitarrista. Él cree que los matices de cine negro de la canción y la instrumentación variada son fundamentales para que la canción siga cautivando al público. “Creo que simplemente atrae a la gente”, reflexiona. “Y también hay cuatro instrumentos diferentes tocando solos en el medio de la canción, donde se pasa de las cuerdas al solo acústico, luego al solo eléctrico y finalmente al solo de saxofón. La longevidad de la canción también confirma que uno debe escribir sobre lo que le interesa, sin tener en cuenta la moda o los favores del público. Que es exactamente lo que hice”.

Rod Stewart: An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down #MesRodSteward

Rod Stewart: El Artista del Mes y su álbum An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down. #MesRodSteward

Este mes nos dedicaremos a la carrera de Rod Stewart, una de las voces más icónicas y versátiles de la música. Con más de cinco décadas de trayectoria, Rod Stewart ha conquistado géneros como el rock, el folk, el pop y el soul, dejando una marca indeleble en la historia musical. A lo largo de noviembre, exploraremos sus álbumes, éxitos y legado, comenzando por el disco que lo inició todo: An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down.

En este primer paso de su carrera solista, Rod Stewart demostró ser mucho más que una voz única; reveló su talento como intérprete, narrador y renovador de géneros. Este álbum no solo marcó el inicio de una carrera histórica, sino que también destacó su capacidad para reinventar canciones y fusionar estilos, elementos que se convertirían en el sello distintivo de su música.

Lanzado en 1969, An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down presentó al mundo a un joven británico que ya había trabajado junto a Jeff Beck y The Faces, pero que buscaba establecerse como solista. El álbum capturó su esencia más pura, mezclando folk, blues, rock e incluso soul, creando una experiencia que rompió con los moldes del rock de finales de los sesenta.

La producción, a cargo del propio Rod Stewart junto a Lou Reizner, tiene un tono crudo e íntimo que lo distingue de otros discos de la época. Acompañado por músicos de renombre como Ron Wood y Martin Quittenton, el álbum tiene una atmósfera que recuerda a una sesión en vivo, con interacciones naturales entre los músicos. Este enfoque orgánico y desenfadado dotó al disco de una autenticidad que sigue resonando décadas después.

El álbum abre con “Street Fighting Man”, una reinterpretación del clásico de The Rolling Stones. Desde el primer momento, Rod Stewart demuestra su capacidad para tomar canciones icónicas y hacerlas suyas, transformando esta pieza en una versión más folk, menos agresiva pero igual de apasionada.

Le sigue “Man of Constant Sorrow”, un tradicional americano que Rod Stewart adapta con su distintiva voz y un acompañamiento minimalista. Esta canción destaca su respeto por las raíces del folk, un género que influyó profundamente en sus primeros años como artista solista.

Las composiciones originales como “Cindy’s Lament” y “Jo’s Lament” revelan el talento narrativo de Rod Stewart. Ambas canciones exploran temas de nostalgia y pérdida con una sensibilidad que encaja perfectamente con la textura rasposa de su voz. En contraste, “Handbags and Gladrags”, escrita por Mike d’Abo, brilla por su lirismo y un arreglo de viento que añade profundidad y sofisticación al disco.

La pieza que da título al álbum, “An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down”, encapsula el espíritu del proyecto. Aunque breve, la canción utiliza la metáfora del impermeable como símbolo de resiliencia y protección emocional, una imagen que conecta con el carácter humilde y auténtico que define tanto al disco como al propio Rod Stewart.

A pesar de que An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down no fue un éxito comercial inmediato, su importancia radica en cómo estableció las bases de la carrera de Rod Stewart. Su habilidad para combinar géneros, reinterpretar clásicos y contar historias a través de sus letras destacó en una época dominada por producciones grandilocuentes y virtuosismo técnico.

Con el tiempo, este álbum ha sido revalorizado tanto por críticos como por fanáticos. Canciones como “Handbags and Gladrags” y “Man of Constant Sorrow” se han convertido en favoritas, mientras que la diversidad estilística del disco prefiguraba el enfoque ecléctico que caracterizaría su carrera posterior.

En el contexto de finales de los años sesenta, el álbum también contribuyó al movimiento del roots rock, que buscaba regresar a las raíces más auténticas del rock y el folk. La sensibilidad de Rod Stewart para combinar lo tradicional con lo contemporáneo lo convirtió en un pionero dentro de esta corriente, y este debut fue el primer paso en ese camino.

Hablar de An Old Raincoat Won’t Ever Let You Down es hablar de un joven Rod Stewart que buscaba su lugar en el mundo musical. Este álbum no solo marcó el inicio de una carrera legendaria, sino que también es un recordatorio de que los comienzos humildes muchas veces contienen la esencia más pura de un artista.

La calidez y la sinceridad de este disco hacen que sea tan relevante hoy como lo fue en 1969. Si estás explorando la discografía de Rod Stewart por primera vez o redescubriéndola, este álbum es un excelente punto de partida. Más allá de su contexto histórico, sus canciones transmiten una atemporalidad que demuestra por qué Rod Stewart es, y siempre será, un ícono de la música.

A medida que avancemos este mes explorando su legado, recordemos que todo comenzó aquí, con un viejo impermeable que nunca nos dejará solos.

Daniel
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1433.- More Than a Feeling - Boston

 

More Than a Feeling, Boston

     El 25 de agosto de 1976, la Banda estadounidense Boston debutan con la publicación de su primer álbum de estudio de larga duración, de título homónimo, Boston. El líder de la banda, Tom Scholz, tenía formación clásica, había estudiado piano clásico en su infancia y se había involucrado en en la escena musical de Boston a finales de la década de los 60. Tom se dedicó a realizar demos de canciones grabadas en el sótano de su apartamento junto con el cantante Brad Delp, las cuales había mandado a principios de los 70 a numerosos sello discográficos, que las habían rechazado. En 1975 cayó un demo en manos de la discográfica CBS Records, y se interesó por ellos firmándoles un contrato con su compañía subsidiaria Epic Records.

Tom Scholz se había hecho un estudio en un sótano de Waterbown, Massachusetts, comprando los equipos con las ganancias de su trabajo como ingeniero de diseño de productos en Polaroid Corporation. La intención de Tom era grabar en su propio estudio, pero Epic no estaba por la labor y quería que el disco fuera grabado en Los Ángeles y a las ordenes de un productor discográfico. Para poder salirse con la suya, Tom puso en práctica un elaborado plan, contrató al productor discográfico John Boylan, y luego engañó al sello discográfico haciéndole creer que la banda estaba grabando tal y como Epic Records quería, cuando en realidad todos los instrumentos fueron grabados en el sótano de Tom en Massachusetts. Después hizo que Brad Delp  grabara las parte vocales en el estudio de Los Ángeles que Epic había preparado para tal efecto.

Incluido en el álbum se encuentra una de las canciones más exitosas de sus carrera, More Than A Feeling. La canción fue compuesta por Tom Scholz y tardó unos cinco años en tenerla completa. La canción nos habla del descontento del autor con el presente y su anhelo por un antiguo amor llamado Marianne. En un momento dado de la canción nuestro protagonista se despierta. Es entonces cuando pone algo de música y se vuelve a quedar dormido soñando con los días en los que anhelaba el amor de Marianne. Tom al parecer se inspiró para componer la letra sobre Marianne en una prima que tenía y que era mucho mayor que él. Cuando él tenía  unos 8 o 9 años pensaba que esa prima era la mujer más hermosa que había en el mundo y estaba secretamente enamorado de ella. El sólo de guitarra tiene la particularidad de incorporar elementos que se usaban en la música barroca, poniendo de manifiesto las influencias de Tom en su formación clásica.

1432.- On the Border - Al Stewart

 

On the Border, Al Stewart

     Al Stewart se hizo popular a principios y mediados de los años 70. Su año de mayor éxito en Estados Unidos fue 1976, tras el lanzamiento de su álbum Year of the Cat. Su lanzamiento anterior contenía material con un marcado sabor medieval. Al Stewart mostró afecto por el tema, pero con este álbum demostró una mayor comprensión del período histórico. Los álbumes posteriores volverían a temas históricos de diferentes períodos y mostrarían una técnica disciplinada de composición que se haría más evidente con el paso de los años. Este álbum incluye canciones de varias épocas diferentes, algunas quizás historias personales o ficticias influenciadas por eventos históricos, y otras que no están directamente relacionadas con ningún período histórico. Además, Al Stewart escribió algunas canciones de manera sencilla y pidió que se grabaran lo más fielmente posible a su visión original.

Year of the Cat fue grabado entre los Abbey Road Studios de Londres y los Davlen Sound Studios de Noth Hollywood, California, bajo la producción de Alan Parsons, y publicado e 22 de octubre de 1976 en Reino Unido. Supuso el séptimo álbum de estudio de Al Stewart , lanzado en 1976. Sus ventas fueron ayudadas por el exitoso sencillo Year of the Cat. El otro sencillo del álbum fue On the Border, precisamente en el que nos vamos a centrar en esta ocasión. 

En una entrevista con la BBC sobre esta canción, Stewart explicó: "La primera estrofa habla del movimiento separatista vasco y la segunda estrofa trata de lo que entonces era la crisis de Rodesia. Mugabe: 'La mano que incendia las granjas ha hecho correr la voz entre quienes esperan en la frontera'. Treinta años después de que escribiera la canción, Mugabe estaba prendiendo fuego a todas las granjas de los blancos".La guitarra española en esta canción fue cortesía de Peter White, quien fue contratado para tocar el piano en la sesión. "Es la primera vez que graba con una guitarra", dijo Stewart en la misma entrevista de la BBC. "La primera vez que estaba en un estudio. Lo contraté como pianista y Alan Parsons , por supuesto, produjo el disco y estábamos sentados en el estudio y él dijo: 'Puedo escuchar algo de guitarra española en esto'. Ninguno de nosotros sabía tocar la guiarra, y entonces Peter dijo: 'Bueno, puedo tocar la guitarra española', pero 'Espera eres pianista', a lo que él replicó: 'sí, pero puedo tocarla'. Al Stewart comentaba que tenía una guitarra española muy barata que le había costado unas 30 libras, se la dió a Peter, y este se sentó y se puso a tocarla. Al Stewart en ese momento le dijo: "Vaya, no sabía que pudieras hacer eso".

1431 - Alas - Buenos Aires solo es piedra

1431 - Alas - Buenos Aires solo es piedra

Alas fue una banda emblemática del rock progresivo y sinfónico en Argentina, activa durante la década de 1970. Fundada en 1974, el grupo estuvo integrado por Gustavo Moretto (teclados, voz y trompeta), Carlos Riganti (batería y percusión) y Alex Zuker (bajo y guitarra). Su propuesta musical fusionaba rock, jazz fusión y música clásica con una fuerte raíz folclórica argentina, logrando una identidad única que los destacó en la escena musical de su tiempo.

La trayectoria de Alas fue breve pero significativa. Publicaron su álbum debut homónimo en 1976, un trabajo que se considera una obra maestra del género en Argentina. Este disco incluye "Buenos Aires Solo Es Piedra", una de sus piezas más representativas. En 1977, lanzaron su segundo álbum, Pinta Tu Aldea, que continuó explorando su estilo innovador y experimental. Sin embargo, debido a las dificultades políticas y sociales de la época en Argentina, junto con las tensiones internas y las prioridades personales de sus miembros, la banda se disolvió a fines de los años 70.

Tras su separación, los integrantes tomaron caminos diferentes. Gustavo Moretto se dedicó a la música académica y la docencia, mientras que Alex Zuker y Carlos Riganti participaron en otros proyectos musicales. En 2003, Alas se reunió para lanzar un nuevo álbum, Mímame Bandoneón, donde retomaron su exploración artística incorporando elementos contemporáneos, aunque con un enfoque más maduro.

"Buenos Aires Solo Es Piedra"

Esta canción, incluida en el disco debut, es un reflejo perfecto del talento y la visión de la banda. La letra de Gustavo Moretto retrata a Buenos Aires como una ciudad imponente pero deshumanizada, donde la piedra y el cemento simbolizan la frialdad de la vida urbana. Sin embargo, la música no se queda en la melancolía; en cambio, propone una resistencia emocional y espiritual, invitando a la reflexión.

Musicalmente, la canción destaca por la combinación de influencias del jazz, el tango y el folclore argentino. El virtuosismo de los tres integrantes se percibe en cada pasaje: los teclados de Moretto crean un paisaje sonoro rico y envolvente; Riganti demuestra su maestría en los complejos ritmos de la batería, y Zuker aporta un groove preciso y dinámico con el bajo.

"Buenos Aires Solo Es Piedra" es una obra que trasciende las barreras del tiempo y el espacio, capturando las tensiones y contradicciones de la vida urbana a través de una fusión musical única. Aunque Alas tuvo una trayectoria corta, su legado sigue siendo un punto de referencia en la música progresiva argentina y en la historia del rock latinoamericano.

Daniel 

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1430.- Golden Years - David Bowie

"Golden Years" fue el primer sencillo del disco "Station to Station" (1976) de David Bowie, lanzado el 21 de noviembre de 1975 como adelanto de la posterior publicación del que sería su décimo álbum de estudio. Fue, además, la primera canción que se escribió para el disco, pues ya había sido escrita en una versión primitiva incluso antes de que David Bowie comenzara a filmar la película "The Man Who Fell to Earth" (1976), que inspiró parcialmente al disco y de la que se utilizó uno de sus fotogramas para la portada del mismo.

"Station to Station" es conocido como el disco de David Bowie del que el propio artista no recordaba prácticamente nada de su grabación, debido al estado físico y mental en el que se encontraba por su desmedido consumo de cocaína en aquella época, y su canción estrella "Golden Years" es también recordada por una leyenda que decía que, originalmente, Bowie la había escrito para Elvis Presley. No está claro si Elvis llegó a escuchar la demo de "Golden Years" pero ambos compartían discográfica y í que hubo algunos contactos, que no llegaron a fructificar.

Musicalmente, "Golden Years" es una continuación de la fórmula de funk y soul que tanto éxito le había reportado "Fame" en el disco anterior ("Young Americans", 1975), pero con un tono más oscuro y acústico, y yendo más allá hasta rayar incluso por momentos el doo-wop y el country (lo que encajaría con el tipo de canción que habría cantado Elvis Presley). Al igual que "Fame", "Golden Years" fue un gran éxito comercial, llegando al octavo puesto de las listas británicas y el décimo en las de Estados Unidos.

Cracker Island - Gorillaz - (Mes Gorillaz)

 

El octavo disco de estudio de Gorillaz fue el primero de la banda virtual liderada por Damon Albarn en alcanzar el primer puesto de las listas de ventas británicas desde Demon Days (2005), el que junto con Plastic Beach (2010) podría ser considerado su mejor álbum con el "disfraz" alternativo de Gorillaz. Fiel al espíritu de la popular banda animada, Cracker Island (2023) incluye colaboraciones con artistas tan variados como Stevie Nicks, Adeleye Omotayo, Thundercat, Tame Impala, Bootie Brown y Beck. Y sí, he olvidado mencionar a Bad Bunny, pero ha sido un olvido premeditado, porque para mí es el único punto discutible de un disco que, si Damon también se hubiera olvidado de llamar a Bunny, habría sido prácticamente perfecto, dotado de una cohesión muy reseñable a pesar de tener una lista tan larga y tan variopinta de invitados en el estudio de grabación.

Escarmentado de experiencias menos valoradas como Humanz (2017), Damon Albarn puso más de sí mismo en el proyecto, casi como si de un disco en solitario se tratase, dejando menos espacio vocal que en otros discos a sus invitados, recurriendo al productor Greg Kurstin para supervisar la producción, y dotando al disco de sus características atmósferas pop y de ritmos de teclados desde el primer minuto del primer tema, en este caso la canción titular Cracker Island, un brillante tema funky en el que destacan sobremanera el bajo de Thundercat y el efectivo y pegadizo contrapunto que los coros dan a la voz de Albarn.  

No menos brillante es Oil, una de las mejores canciones del disco, un melódico tema de synth pop que crece aún más con la aparición de la voz de Stevie Nicks. Igualmente pop, pero con toques más psicodélicos a lo Flaming Lips es The Tired Influencer, que es de las pocas canciones que no tienen una colaboración, y que ni mucho menos palidece ante los dos grandes temas del arranque del disco. El póker de ases lo cierra el diamante en bruto de "Silent Running", grabada con Adeleye Omotayo, otro excelso tema melódico con un estribillo memorable y todas las condiciones exigibles a un gran hit de Albarn y Gorillaz.

El barco cambia de rumbo en “New Gold”, colaboración con Tame Impala que, sí, tiene lo mejor de los dos mundos y funciona sorprendentemente bien, pero con la que quizá Albarn cae en el mismo error que en los discos anteriores, cediendo el cetro de la voz principal a sus colaboradores para regresar a unos Gorillaz más urbanos y modernos, pero a estas alturas de la película, ya debería saber que, aunque le honra la humidad de echarse a un lado y quedarse en la sombra, es su voz melancólica, envuelta en atmósferas a la vez melódicas y de pegadizo ritmo disco pop las que le dan a Gorillaz ese sello particular y esa fórmula que pasó de sorprendentemente exitosa en su disco de debut a ser la tónica habitual de sus entregas sucesivas.

Albarn vuelve a a tomar con fuerza y en solitario el timón vocal en la, de nuevo, melódica y agradable Baby Queen, otra de las que dan al disco ese sonido y ambiente tan cohesionado, y el disco continua su travesía viento en popa en Tarántula, canción de un corte similar a la anterior y un claro toque a disco funk suave y aterciopelado. Lástima que una Tormenta provocada por el marinero de agua dulce Bad Bunny casi haga encallar al disco. Habrá quién no esté de acuerdo con esto, pero lo siento, no puedo con esta colaboración y me parece el punto más bajo e innecesario que, como ya dije al principio, hasta aquí iba para disco perfecto.

Y aún reponiéndome del susto de ver el barco tan cerca de semejante arrecife de reggaeton, valoro aún más positivamente la relajada calma de temas como el melancólico Skinny Ape, que explota en un colorido tramo tecno pop en su tramo central, y la aparición de una nueva colaboración de peso en la bella Possession Island, con Albarn y Beck en modo acústico e introspectivo, para cerrar de manera épica y contundente el disco. Y con ella acaba también la historia de Cracker Island y el #Mesgorillaz, tal y como la hemos contado en 7dias7notas.net. Justo cuando ya creíamos que los mejores "días de Damon" ya habían pasado, y que ninguna barca lograría llegar a buen puerto en una olvidada “playa de plástico", un inesperado y colorido barco pirata atracó en una isla conocida como la "Isla del Cracker", dándole nueva vida a una aventura musical que ya creíamos agotada. Larga vida a Gorillaz, si su historia viene contada con una banda sonora como ésta.

1429.- TVC 15 - David Bowie

TVC 15, David Bowie

     Station to station es el décimo álbum de estudio de David Bowie. Fue grabado entre septiembre y noviembre de 1975 en  los Cherokee Studios de Hollywood y los Record Plant Studios de Los Angeles, y publicado el 23 de enero de 1976 por el sello discográfico RCA Records. Considerado como uno de sus trabajos más significativos, el álbum fue el vehículo para el personaje de Bowie en el escenario, The Thin White Duke. Coproducido por Bowie y Harry Maslin, fue grabado después de que Bowie terminara de filmar la película The Man Who Fell to Earth. Durante las sesiones, Bowie sufría varias adicciones a las drogas, la más prominente a la cocaína, y más tarde dijo que no recordaba casi nada de la producción.

El éxito comercial de su anterior lanzamiento, Young Americans (1975), le permitió a Bowie una mayor libertad cuando comenzó a grabar su siguiente álbum. Las sesiones establecieron la formación del guitarrista Carlos Alomar, el bajista George Murray y el baterista Dennis Davis que Bowie utilizaría durante el resto de la década, y también contó con contribuciones del guitarrista Earl Slick y el pianista Roy Bittan. Musicalmente, Station to Station fue un álbum de transición para Bowie, desarrollando el funk y el soul de Young Americans, al tiempo que presentaba una nueva dirección influenciada por el género musical alemán del krautrock, particularmente bandas como Neu! y Kraftwerk. Las letras reflejaban las preocupaciones de Bowie por Friedrich Nietzsche, Aleister Crowley, la mitología y la religión.

Incluido en este álbum se encuentra TVC 15 . RCA Records lanzaría más tarde como la canción como segundo sencillo del álbum el 30 de abril de 1976. La canción fue grabada a fines de 1975 en Cherokee Studios en Los Ángeles. La grabación contó con los guitarristas Carlos Alomar y Earl Slick , el bajista George Murray , el baterista Dennis Davis, el pianista Roy Bittan y Warren Peace en coros. La alegre canción es principalmente rock artístico interpretada en un estilo que recuerda a la década de 1950. Líricamente, la canción trata sobre la novia de un personaje que es devorada por un televisor. Bowie escribió esto después de enterarse de la alucinación inducida por drogas de Iggy Pop, en la que creyó que su novia estaba siendo consumida por su televisor. Los detalles de la historia son escasos, ya que Bowie recuerda poco sobre la grabación bajo el efecto de las drogas de su álbum Station To Station . El tecladista estadounidense Roy Bittan, más conocido como miembro de la E Street Band de Bruce Springsteen, tocó las teclas. Bittan recordaba sobre la grabción:  "Cuando grabé con él en Station to Station , lo primero que quería que tocara era 'TVC 15'. Me dijo: 'Oye, ¿puedes hacer algo como el Profesor Longhair (músico y cantante estadounidense de blues) en esta canción?'. Yo le dije: '¿Profesor Longhair? ¿Este británico me está preguntando por el Profesor Longhair?' "Me quedé realmente desconcertado"... "Lo curioso fue que, literalmente, tres semanas antes de esa sesión, habíamos estado en Houston y (el bajista de E Street) Garry Talent y yo habíamos visto en el periódico que el Profesor Longhair estaba tocando en un bar de carretera en las afueras de la ciudad. Así que fuimos a ese lugar y Longhair estaba sentado frente a un piano vertical y tocando en un pequeño club. Fue fantástico. Así que cuando David me pidió que lo hiciera, fue un momento muy fortuito y muy sorprendente".

Tras su lanzamiento como sencillo, TVC 15 alcanzó el puesto número 33 en la lista de sencillos del Reino Unido y el número 64 en la lista Billboard Hot 100 de Estados Unidos. Su lanzamiento coincidió con la etapa europea de la gira Isolar . Las críticas iniciales elogiaron la canción como uno de los aspectos más destacados del álbum, aunque algunos críticos encontraron la letra difícil de comprender. Las críticas posteriores continúan elogiando la canción, y algunos la consideran una de las mejores de Bowie. Ha aparecido en varios álbumes recopilatorios y fue remezclada por Maslin en 2010 para las reediciones de Station to Station y remasterizada en 2016 para el box set Who Can I Be Now? (1974-1976) .

Disco de la semana 406: Stranger in Town - Bob Seger

Descubrí a Bob Seger recientemente, cuando en un capítulo de la serie "Ray Donovan" sonó la canción "We've Got Tonite". Rápidamente abrí la aplicación de Shazam en mi móvil, y tras unos segundos de tensa espera, el cantautor y músico estadounidense Bob Seger se cruzó para siempre en mi camino. Gran invento Shazam, sin duda alguna, y gran disco "Stranger in Town", el álbum de Bob Seger de 1978 en el que está incluida esa maravilla que es "We've Got Tonite".

"Stranger in Town" es el segundo disco que Bob Seger grabó con su banda The Silver Bullet Band, y como ya hiciera en el anterior disco grabado con ellos, la banda le acompañó en la mitad de los temas, mientras en la otra mitad de canciones fue la Muscle Shoals Rhythm Section la que arropó al brillante músico. Al escucharlo, descubrí que "We've Got Tonite" no iba a ser la única sorpresa del disco, porque tras el excelso y luminoso rock de "Hollywood Nights" y la algo más sombría y con cierto aire country "Still the Same", me topé con la canción "Old Time Rock and Roll", el perfecto ejemplo de canción que, habiéndola escuchado mil veces en la radio, nunca la había relacionado con su autor.

La escucha siguió deparando momentos memorables con "Till It Shines", un tema robusto e introspectivo de agradable melodía y cierto aire acústico, pero nada comparable a la emoción de comprobar que, una vez más, "Feel Like a Number" sonaba con fuerza en mi cabeza y mis recuerdos radiofónicos, y al igual que me había pasado con "Old Time Rock and Roll" nunca la había relacionado con Bob Seger. Mea Culpa. ¿Por qué no le había prestado atención a este músico muchos años antes? me pregunté mientras sonaba en mi equipo de sonido "Ain't Got No Money", la versión de Seger del tema de Frankie Miller.

Poco después, me rendí definitivamente ante la gran culpable de toda esta historia, la ya mencionada "We've Got Tonite", exquisita balada de piano que recuerda a los mejores momentos de Neil Diamond, y que años después, en 1983, tuvo un éxito aún mayor en manos de Kenny Rogers y Sheena Easton, en una versión que, como parte del coma profundo que parece que atravesé en todo lo referente a Bob Seger, tampoco conocía antes de escribir estas líneas.

Tentado he estado de dejarlo aquí, en todo lo alto y con esta hermosa canción, pero no quiero cerrar esta reseña sin mencionar las dos canciones con las que cierra el disco, las igualmente destacables "Brave Strangers" (un tema con influencias de jazz que es de lo mejor de la segunda cara del disco) y la balada "The Famous Final Scene", en la que me resulta imposible no hacer referencia a la sorprendente coincidencia que encierra su título: "La famosa escena final"... de aquel bendito episodio de "Ray Donovan" cuya escena final y sus títulos de crédito me llevaron hasta Bob Seger y este "Stranger in Town", que se ha convertido por méritos propios en el brillante disco de la semana en 7días7notas.net de una manera tan rotunda y violenta como la trama de la serie que lo puso en el radar de este blog.

1428 - David Bowie - Station to Station

1428 - David Bowie - Station to Station

"Station to Station", lanzada en 1976 como parte del álbum del mismo nombre, es una obra maestra que encapsula la experimentación artística y musical de David Bowie durante una de las etapas más transformadoras de su carrera. La canción, que se extiende por más de diez minutos, es una odisea sonora que marca el puente entre su era del glam rock y la trilogía de Berlín, combinando elementos de funk, soul, krautrock y proto-electrónica.

La pieza se abre con un misterioso zumbido de tren, creando una atmósfera de expectativa. Esta introducción minimalista y cargada de tensión da paso a un ritmo lento y ceremonial, dominado por el sonido de la guitarra y el bajo, que refleja la desorientación y el dramatismo de su personaje The Thin White Duke. Bowie, sumido en el abuso de drogas durante esta época, encarnaba en esta figura un aristócrata frío, distante y obsesionado con lo oculto, y estas cualidades se reflejan en la música y las letras.

A nivel lírico, "Station to Station" es críptica y cargada de simbolismo. David Bowie hace referencias a la mística cabalística ("One magical movement from Kether to Malkuth") y a los trenes como metáfora de transición y cambio. La canción explora temas de alienación, espiritualidad y redención, reflejando las luchas internas del artista. Aunque la narrativa puede parecer fragmentada, su estructura sugiere un viaje tanto físico como espiritual, con estaciones que representan diferentes estados emocionales y mentales.

Musicalmente, la canción progresa de manera magistral, con una transición de su lenta introducción a un clímax frenético que incorpora elementos de funk y rock experimental. La segunda mitad, marcada por un cambio de tempo y un ritmo más acelerado, introduce un tono optimista y casi eufórico, como si el viajero finalmente encontrara una forma de liberación. La interpretación vocal de David Bowie es intensa y magnética, oscilando entre la melancolía y la exaltación.

"Station to Station" no solo es una de las canciones más ambiciosas de David Bowie, sino que también captura la complejidad de su arte y su vida personal durante este periodo turbulento. Es un testimonio de su capacidad para reinventarse y experimentar con nuevas formas de expresión musical, influyendo profundamente en el desarrollo del rock experimental y la música electrónica.

"Station to Station" es una obra monumental que no solo desafía las expectativas del oyente, sino que también ofrece una visión única del genio creativo de David Bowie. Es un viaje que sigue cautivando y fascinando a generaciones de oyentes.

Daniel 

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1427.- Wild is the wind - David Bowie

Lo primero que tenemos que saber es que estamos ante una version, esto no tiene nada de particular, versiones las ha habido de todos los colores, pero la que nos ocupa hoy es una version de uno de los mas grandes hacia una de las mas grandes, es decir David Bowie rendido a los pies de Nina Simone. Ciertamente si quieres saber algo mas de la versión original tenemos buenas noticias, fue nuestra canción 314 y si quieres saber algo mas de ella puedes pasarte por aquí:  0314: Wild is the wind - Nina Simone  ya que en este articulo lo que nos ocupa es la versión de Bowie aunque inevitablemente tendremos que retrotraernos a 1966.

En 1976 las seis canciones de Station To Station se han lanzado en sencillos (cinco de ellas como caras A), y "Wild Is The Wind" es la única que ha evadido el bisturí del editor. Como resultado, tenemos el placer de disfrutar de una de las mejores interpretaciones vocales de Bowie en todo su esplendor sin cortes. Como me encanta Nina Simone, tengo que decir que Bowie toma las claves vocales de la versión de Simone. Casi cada línea. Ella le inyectó a la canción una pasión anhelante y él la sacó del ritmo lento y deprimente. En conjunto, es lo que considero la versión definitiva. Bowie había escuchado la canción gracias a Nina Simone y, dado su historial de versiones dudosas, uno podría esperar razonablemente lo peor, pero aquí hay un cambio de rumbo. La experiencia de grabar Young Americans le había enseñado mucho sobre cómo controlar su voz. Echa un vistazo a la sección alrededor del minuto 3:40 - "Oigo el sonido de las mandolinas / Me besas" - donde cambia entre los extremos polares de su rango vocal en el espacio de dos palabras (aunque estirado hasta el olvido). La banda sensatamente pasa a un segundo plano aquí, pero Bowie sabe cuándo agregar un choque simbólico y la suntuosa guitarra principal de Earl Slick parpadea como la llama de una vela que se apaga a la luz de la luna. Es el punto perfecto para terminar el mejor álbum de Bowie: una serenata de San Valentín de un vampiro. Sinceramente, creo que esta es una de las mejores versiones que ha hecho David Bowie, la forma en que Bowie le dio forma a esta canción es muy diferente a la original de Nina Simone y, sin embargo, la potencia y el hipnotismo siguen siendo inequívocamente puros. Encaja muy bien con el álbum Station to Station y te deja sin aliento como último tema, la admiración de David Bowie por Nina Simone es evidente a través de esta canción y te deja asombrado por una canción tan conmovedora de una de las mejores voces del mundo, solo tienes que esperar al final de la canción para que la carne se te ponga de gallina, ¡el bajo de Gail! ¡el piano de Garson! El clímax es una supernova que te golpea duro en cada uno de tus sentidos…. Llegamos a los 5:15

¡WIIIIIIIIILD! ¡ISSS! ¡THEEEEE! ¡WIIIIIIIIIIIIIND!

Y luego llega el éxtasis del solo de guitarra de Earl Slick, escalofríos, cada vez que la oigo tengo que ir a recuperar el aliento... me quita el aire me quita la vida.

1426.- Amelia - Joni Mitchell

 

Amelia, Joni Mitchell

En el mundo del folk, el trabajo de Joni Mitchell se incluye en la narración de historias, y las versiones de su material se consideran activos preciados. Su interés por las afinaciones alternativas estimuló a algunos guitarristas a explorar más a fondo y crear sus propias piezas. Las melodías de Mitchell fueron seminales para aquellos que la estudiaron por su perspicacia compositiva, y su técnica de fingerstyle se ganó el respeto de sus compañeros. Sus atrevidas incursiones en el jazz atrajeron a los aficionados al jazz y a algunos músicos al ámbito del pop/rock. A finales de la década de 1960 y principios de la de 1970, Mitchell era una individualista, y era algo más, era su propia mujer, independiente y una superviviente. Todos estos atributos sugieren por qué Joni Mitchell es una artista muy admirada.

El 22 de noviembre de 1976, Joni Mitchell publica Hejira, su octavo álbum de estudio. Este trabajo es grabado en los A&M Studios de Hollywood, bajo la producción de Henry Lewy y de la propia Joni Mitchell, y publicado bajo el sello discográfico Asylum Records. Su material fue escrito durante un período de viajes frecuentes a finales de 1975 y principios de 1976, y refleja las experiencias de Mitchell en la carretera durante ese tiempo. Se caracteriza por canciones líricamente densas y extensas y el acompañamiento musical de varios instrumentistas orientados al jazz, entre los que destacan el bajista sin trastes Jaco Pastorius, el guitarrista Larry Carlton y el baterista John Guerin.

Según Mitchell, el álbum fue escrito durante o después de tres viajes que realizó a finales de 1975 y la primera mitad de 1976. El primero fue una temporada como miembro de la Rolling Thunder Revue de Bob Dylan a finales de 1975. Durante este período de tiempo, se convirtió en una consumidora frecuente de cocaína. En febrero de 1976, Mitchell tenía programado tocar unas seis semanas de conciertos en los Estados Unidos promocionando The Hissing of Summer Lawns. Sin embargo, la relación entre Mitchell y su novio John Guerin (que actuaba como su baterista en la serie de conciertos) se había agriado y surgieron tales tensiones que la gira tuvo que ser abandonada a mitad de camino El tercer viaje se produjo poco después, cuando Mitchell viajó a través de Estados Unidos. Este viaje inspiró seis de las canciones del álbum. Mitchell se reunió con el maestro budista tibetano Chogyam Trungpa en Colorado, atribuyendo a aquella visita la curación de su adicción a la cocaína, dejándola en un "estado despierto" desinteresado que duró tres días.

Incluido en este álbum se encuentra la canción Amelia, inspirada en la ruptura de Mitchell con John Guerin, y fue descrita por ella como un relato casi exacto de su experiencia en el desierto. La canción entreteje la historia de un viaje por el desierto con la famosa aviadora Amelia Earhart, quien desapareció misteriosamente durante un vuelo sobre el Océano Pacífico. En la canción, cada estrofa con la cual termina el estribillo "Amelia, fue solo una falsa alarma", cambia repetidamente entre dos tonalidades, lo que le da una sensación de inquietud constante. Mitchell confesaba sobre la canción: "Escribí el álbum mientras viajaba solo a través del país y hay una sensación de inquietud a lo largo de todo el tiempo... la dulce soledad del viaje solitario. En esta canción, estaba pensando en Amelia Earhart y la abordaba de un piloto en solitario a otro, una especie de reflexión sobre el costo de ser mujer y tener algo que debes hacer". Amelia Earhart fue una aviadora pionera que en 1932 se convirtió en la primera mujer en volar sola a través del Océano Atlántico.

Song Machine, Season One - Gorillaz (Mes Gorillaz)

 

En 2020, Gorillaz lanzó la serie "Song Machine", una serie de canciones que Gorillaz haría en colaboración con otros artistas. La serie se creó después de que Noodle viera el estado ambiental del mundo y quisiera ir a explorarlo antes de que el mundo tal como lo conocemos desapareciera. Debido a los viajes, cada nueva canción tendría diferentes artistas de todo el mundo que representan un montón de géneros diferentes, que van desde los géneros habituales en las obras de Gorillaz como el rap y el synthpop, hasta otros sonidos como el art pop y el R&B. Todos los episodios de Song Machine que Gorillaz lanzaría a lo largo de 2020, junto con los resultados musicales de las aventuras itinerantes de la banda gracias a un nuevo portal al que tienen acceso, se combinarían en un álbum completo, también conocido como la primera temporada de "Song Machine". 

El álbum comienza con la canción que da título al disco, "Strange Timez", en la que participa como invitado el legendario Robert Smith, de The Cure. Me encanta lo psicodélica que es esta canción. Su voz complementa los versos hablados de 2D y se siente muy a gusto en este sonido electrónico arremolinado. La producción en este corte es increíble, es tan completa y abundante con variedad y pequeños toques que se suman para formar una composición increíble. El piano súper frío y escalofriante y los sintetizadores sutiles que cambian de profundo a ligero son fantásticos cuando se combinan, sin olvidar la increíble escritura en esta canción que ilustra imágenes realmente escalofriantes de oscuridad eterna amenazada por arañas y también hace algunas críticas políticas. "Valley of the Pagans" es una de mis canciones favoritas de este disco, la voz de Beck encaja muy bien aquí. Me encantan los momentos en los que tanto él como 2D están básicamente armonizando, lo que enfatiza el poder pegadizo de la letra y el sonido de esta canción. También quiero destacar lo denso y extravagante que es el instrumental en esta canción, te pierdes en él y te conquista en la primera escucha. Es tan pegadiza que no puedo evitar asentir con la cabeza y cantar el estribillo. 

"The Lost Chord" es mucho más relajada, sin embargo, aun así, se las arregla para encontrar su camino y quedarse atrapada en mi cabeza. Realmente se siente como una canción perdida hace mucho tiempo de Plastic Beach con lo burbujeante y relajada que es la instrumentación. La voz de Leee John aquí funciona perfectamente con la sensación relajada y envolvente de esta pista. "Pac-Man" es la primera canción que realmente se siente como Gorillaz clásico en el sentido de que realmente querían mezclar pop y rock con hip hop, te lleva de vuelta a los viejos cortes de Gorillaz que contaban con una colaboración de un rapero que ocuparía la mayor parte de la pista para obtener esa fusión de géneros por la que la banda es conocida (por ejemplo, Clint Eastwood o November Has Come). Esta canción realmente hace justicia a esa fórmula clásica de Gorillaz La primera mitad es una gran sección, con versos de 2D y establece el instrumental único, la segunda mitad presenta los versos de ScHoolboy Q que suenan un poco discordantes en la primera escucha, sin embargo, después de muchas escuchas de este disco, creo que termina la canción en una nota increíblemente alta. "Chalk Tablet Towers" es una canción que no recibe suficientes alabanzas. El hecho de que sea una de las dos pistas que no tuvieron un lanzamiento sencillo o un video musical ayuda a reforzar mi caso. Esta es OTRA canción pegadiza como el infierno y la voz de St. Vincent junto con la de 2D demuestra ser exitosa

 "The Pink Phantom" es una buena canción y una de las más originales de aquí, pero sigue siendo un desafío la mayoría de las veces que la escucho. Los versos de 6LACK , que están dominados por el autotune, todavía me resultan muy discordantes y se acercan mucho a la sensación de pertenecer, pero en su mayor parte me pierden. Sin embargo, la participación de Elton John aquí realmente me ha gustado. La mayor parte del poder emocional de esta canción se debe directamente a su voz. Grandes felicitaciones para él por sonar tan bien a sus 70 años. "Aries" es mi favorita personal en este álbum y probablemente se deba al hecho de que soy un adicto incondicional de New Order. En el segundo en que escuché el sonido de bajo increíblemente reconocible de Peter Hook, ya estaba atrapado, me encanta, no es una de las pistas más densas, pero hace su trabajo tan bien que es realmente innegable en su aparente simplicidad; Y digo aparente porque la pista no está vacía, aunque pueda parecerlo hay un uso realmente impresionante de sintetizadores, ya que hay al menos un par apilados uno sobre el otro, pero aún así se sienten como partes diferentes del instrumental.  

Otra de mis favoritas es “Friday 13th" es la primera canción con la que realmente me sentí muy confundido, pero definitivamente crece y me atrapa, las voces eran al principio muy molestas y chirriantes y el instrumental parecía muy simple. Sin embargo, después de meses de dejar que se agitara para mí, lentamente entendí lo que estaba tratando de hacer y definitivamente diría que es uno de los sencillos/canciones más subestimadas. "Dead Butterflies" es sin duda mi canción menos favorita en el lanzamiento estándar de este álbum. No tengo problema en decir esto porque soy todo menos un fanático del trap o las voces latinas. El estilo trap de la canción es pasable, pero simplemente no soporto las voces latinas de aquí. Afortunadamente, solo están disponibles por un tiempo muy breve. Esta no es una canción horrible de ninguna manera, la voz de 2D es bastante decente, pero todo lo demás aquí no me atrae en absoluto. "Désolé" es cuando el álbum retoma el ritmo. Instrumental colorido, divertido y rico que respalda las letras simples pero muy efectivas, el coro asombroso y la gran estructura que sigue dando con la introducción de instrumentos, alternancia de idiomas y un buen equilibrio entre partes pop y suaves también. Simplemente una canción increíble, un placer absoluto. Es casi una encapsulación de la visión que Gorillaz tenía cuando comenzó el proyecto hace más de 20 años y eso es una mezcla de géneros para crear música que es accesible para muchos pero que aún tiene una visión artística significativa. La voz de Diawara es hermosa en esta canción y funciona PERFECTAMENTE. Ella y el sonido de esta canción fueron una combinación perfecta. El hecho de que obtengamos una versión extendida aquí es solo la guinda del pastel. "Momentary Bliss" es el cierre del álbum y es un cierre increíble que hace que termine el disco con una nota alta y motivadora. Es la pista más explosiva del álbum y las letras son divertidas y creativas, la energía de la pista te eleva desde los momentos anteriores del disco y, en general, es simplemente una canción increíble. La instrumentación de SOFT PLAY junto con la voz de Slowthai le dan a esta canción un innegable toque 2 Tone Ska que adoro por completo. Siendo fan de grupos como The Beat, The Specials y Madness , me tiene ganado al momento, el pico que alcanza hacia el final es poderoso por decir lo menos.

 Este álbum me impresionó muchísimo, sobre todo el hecho de que Gorillaz estuviera lanzando un sencillo de primer nivel tras otro casi mensualmente. Fue una de las campañas de álbumes más emocionantes del año y el resultado final es realmente algo especial. Hablo por muchos cuando digo que estoy increíblemente feliz y aliviado de ver que Gorillaz está en su mejor momento. "Song Machine, Season One" es probablemente uno de los mejores álbumes de Gorillaz en mucho tiempo, eso no quiere decir que haya odiado ninguno de los álbumes de Gorillaz que han salido después de "Plastic Beach", pero todos han tenido sus defectos, que cambiarían de un álbum a otro. "Song Machine, Season One" es el primer álbum de Gorillaz en mucho tiempo que honestamente podría decir que me parece perfecto.

1425 - Kansas - Carry On Wayward Son

1425 - Kansas - Carry On Wayward Son

"Carry On Wayward Son" es una de esas canciones que, desde su lanzamiento en 1976, ha trascendido generaciones. Incluida en el álbum Leftoverture, esta pieza marcó un hito en la carrera de Kansas, consolidándolos como una de las bandas más influyentes del rock progresivo de los años setenta. Su mezcla de virtuosismo instrumental, lírica introspectiva y melodía inolvidable la han convertido en un clásico inmortal.

Desde el primer acorde, la canción capta la atención con una introducción de guitarras compleja y poderosa que combina elementos del rock clásico y progresivo. Esta apertura instrumental funciona casi como una pieza autónoma, preparando al oyente para la intensidad emocional que sigue. La voz de Steve Walsh, alternando entre suavidad y potencia, se complementa perfectamente con los coros armónicos, creando una atmósfera épica que es característica de la banda.

Líricamente, "Carry On Wayward Son" aborda temas universales como la lucha interna, el aprendizaje a través de los errores y la búsqueda de significado en la vida. Frases como "There'll be peace when you are done" sugieren un anhelo de redención y descanso tras las dificultades. La metáfora del "hijo descarriado" resuena con cualquiera que haya enfrentado retos personales y haya encontrado la fuerza para seguir adelante. Este mensaje de perseverancia es una de las razones por las que la canción sigue siendo relevante, especialmente en contextos culturales más amplios, como su aparición en la popular serie Supernatural.

Musicalmente, la canción destaca por su estructura poco convencional. Incluye múltiples cambios de ritmo, secciones instrumentales intrincadas y un dinámico juego entre guitarras, bajo y teclado. Kerry Livgren, el principal compositor, logró un equilibrio perfecto entre lo técnico y lo accesible, lo cual es un sello distintivo de Kansas. La fusión de estilos –del rock progresivo al hard rock– otorga a la canción una identidad única.

Otro aspecto fascinante es su capacidad para transmitir emociones complejas a través de la música. Las transiciones entre los segmentos más enérgicos y las secciones melódicas más calmadas evocan un viaje emocional que acompaña al mensaje de la letra. La energía y el dramatismo culminan en un final impactante, dejando al oyente con la sensación de haber experimentado algo verdaderamente especial.

"Carry On Wayward Son" no es solo una canción, sino una obra maestra del rock que combina profundidad lírica con excelencia musical. Su relevancia perdurable y su capacidad para conectar con las emociones humanas la han convertido en un himno que sigue inspirando a generaciones de oyentes. Kansas creó con esta pieza algo más que música; crearon un legado.

Daniel 

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