Mostrando entradas con la etiqueta La música en historias. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta La música en historias. Mostrar todas las entradas

sábado, 18 de febrero de 2023

0779-. Mother - John Lennon & Plastic Ono Band

 

Mother, John Lennon & Plastic Ono Band 


     El 11 de diciembre de 1970 se producía el debut en solitario de John Lennon repaldado por la Plastic Ono Band, con el álbum titulado John Lennon / Plastic Ono Band. Fue grabado entre el 26 de septiembre y el 23 de otubre de 1970 en los Abbey Road Studios de Londres, bajo la producción de John Lennon, Yoko Ono y Phil Spector, y publicado bajo el sello discográfico Apple Records. En el momento de su edición, el disco recibió críticas buenas y malas a medias, pero con el tiempo llegó a ser considerado de largo como el mejor álbum en solitario de John Lennon.

Este álbum debut contine un sonido crudo con muchas canciones fuertemente influenciadas por la reciente terapia de "Gritos Primarios" que Lennon había seguido.  Tras la ruptura de los Beatles en abril de 1970, John Lennon y su esposa Yoko Ono emprendieron Terapia Primaria con la guía de Arthur Janov durante cuatro semanas en sus oficinas de Londres. Los tres volaron después a Los Ángeles para continuar la terapia durante cuatro meses. Sus letras reflejan los problemas de Lennon e incluyen temas donde trata el abandono de padres e hijos y el consiguiente sufrimiento psicológico. El disco llegó a alcanzar el puesto número ocho en la lista Uk Albums Chart del Reino Unido, y el puesto número seis en la lista estadounidense US Billboard 200.

Incluido en este disco debut se encuentra Mother, tema que abre el álbum, una desgarradora exploración de los propios traumas infantiles de Lennon, quien había sufrido el abandono de su madre y la ausencia de su padre. La canción arranca con unas sombrías campanadas de iglesia, y musicalmente es un buen ejemplo de la austeridad (que no aridez) del disco, al basarse únicamente en piano, bajo y batería, una fórmula que se repetirá en otras canciones del álbum. Una versión editada de la canción fue lanzada como sencillo en Estados Unidos por Apple Records el 28 de diciembre de 1970. Dicha edición es 1:41 minutos más corta que la de el álbum debido a la eliminacación de las campanas con las que comienza la canción, y a un Fade Out (técnica que consiste en reducir gradualmente el volumen hasta llegar a un silencio total) más rápido.

miércoles, 14 de diciembre de 2022

Artista del mes: Álbum Nimrod - Green Day (#MesGreenDay)

Artista del mes: Álbum Nimrod - Green Day (#MesGreenDay)

Vamos a conocer un poco más de la discografia de Green Day, y esta vez toca Nimrod que es el quinto álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Green Day, este álbum fue lanzado en el mes de octubre de 1997.

La banda lanzo este álbum a raíz de la cancelación de una gira por europea tras haber lanzado su álbum Insomniac. Grabado en Conway Recording Studios en Los Ángeles, el álbum fue escrito con la intención de crear un conjunto de canciones independientes. Nimrod se destaca por su diversidad musical y experimentación, que contiene elementos de folk, hardcore, surf rock y ska, y demustran la madurez de la banda.

El álbum alcanzó el puesto número diez en las listas de Billboard de EE. UU. y fue certificado doble platino por la Recording Industry Association of America. El álbum también fue certificado triple platino en Australia y doble platino en Canadá, estos son algunos de los éxitos que la banda obtuvo con Nimrod.

Tras su lanzamiento, Nimrod recibió críticas generalmente positivas de los críticos, quienes elogiaron la composición de Billie Joe Armstrong. Del álbum se desprendio el single acústico "Good Riddance (Time of Your Life)", que apareció en numerosos eventos de cultura popular, incluido el penúltimo episodio de la comedia de situación Seinfeld. Para promocionar el álbum, Green Day se embarcó en un extenso programa de giras. El álbum también se reeditó en vinilo en el año 2009, así como para los lanzamientos de ediciones de lujo y aniversario en 2012 y 2017. Las canciones "Nice Guys Finish Last", "Hitchin 'a Ride" y "Good Riddance (Time of Your Life)" aparecen en el videojuego Green Day: Rock Band.

Nimrod es musicalmente el más variado que los álbumes anteriores de Green Day. el propio Billie Joe Armstrong ha declarado que con este álbum, Green Day tomó diferentes caminos, y agregó que cada canción tiene su propio carácter e identidad, queriendo resaltar eso tanto como fuera posible. Resaltando la canción "Nice Guys Finish Last" que ha sido considerada una canción que "facilita la transición" entre los álbumes de Insomniac a Nimrod

Nimrod estar junto a American Idiot, como uno de los mejores álbumes de Green Day. Contiene canciones como, Nice Guys Finish Last que ya hemos mencionado con un riff poderoso y un estribillo demoledores, Hitchin’ A Ride puede perder algo de fuerza, pero desborda efectividad por todos los acordes. No en vano fue uno de los singles. Seguimos con el riff de The Grouch y aquí empiezas a entenderlo todo un poco mejor, la fórmula que Green Day había puesta en Dookie sigue aquí, son los mismos tocando, pero suena incluso más fuertes que en aquel primer éxito. 

En Redundant se bajan un poco las revoluciones, en la que es una de las caciones más elaboradas del álbum, la velocidad vuelve con Scattered, que termina siendo una de las más pegadizas. Increíble cómo parece que la canción entera se une en un solo estribillo. All The Time puede parecer dura, pero no será nada en comparación con lo que vendrá después. En Worry Rock las revoluciones aumentan progresivamente para dar como resultado una excelente combinación entre madurez y rabia punk. Sí, es una de las grandes canciones del álbum, y una de las que anuncia que el grupo no va a estar toda la vida grabando Dookies y Kerplunks. Platypus (I Hate You) es probablemente la canción más dura que Green Day haya grabado jamás, con una furia casi trash que resume precisamente odio desde el primer segundo. Se quedará cerca de igualarla más tarde Take Back, cantada en el estribillo a lo death metal, pero que se termina haciendo corta en su minuto de duración. Canciones como Jinx no hacen más que confirmar el buen momento que estaban experimentando en este álbum la banda. El enlace tan natural con Haushinka da la sencación canciones siamesas, con estribillos rompedores que invitan a ser coreados hasta el final.

La recta final del álbum nos deja los dos temas más conocidos del disco, King For A Day por un lado, y Good Riddance (Time Of Your Life) por otro. Respecto a la primera, es una canción festiva pensada para bailar un rato y hay que tomarla como tal, en cuanto a la segunda, es otra de las que anuncia nuevos sonidos para la banda, que nunca había grabado una balada hasta ese momento. Es una buena canción, quizá algo trillada, pero cumple con su cometido de ofrecer unos minutos de calma en un álbum que es continuamente una perfecta tempestad. 

Un muy buen álbum donde la banda demuestra que tiene mucho para dar.

Daniel
Instagram Storyboy


domingo, 11 de diciembre de 2022

Insomniac - #MesGreenDay

 

Insomniac, Green Day


     Tras el gran éxito de Dookie, y antes de publicar su siguiente álbum de estudio, Green Day editó el sencillo J.A.R. para la película Angus de 1995. Las letras del sencillo se refieren a Jason Andrew Relva, un amigo de la infancia de Mike Dirnt que murió en un desafortunado accidente de tráfico a los 19 años de edad. Dirnt  escribió la canción haciendo referencia a lo inmortal que se cree uno cuando es joven, y del golpe psicológico y la forma de ver la vida al ver a un joven amigo morir.



Tras este exitoso sencillo, Green Day publica Insomniac. El disco es grabado entre mayo y julio de 1995 bajo la producción del mismo grupo y de Rob Cavallo, y publicado el 10 de octubre de 1995 por el sello discográfico Reprise Records. El disco obtuvo buenas cifras y bastante éxito, pero no se acercó ni de lejos a su antecesor, Dookie. No obstante, con Insomniac el grupo ganó los premios a artista favorito, artista favorito de hard rock y artista alternativo favorito en los premios American Music Awards de 1996, obteniendo además, gracias al tema Walking Contradiction, una nominación a los premios Grammy en el apartado de mejor vídeo, y otra nominación a los mejores efectos especiales en los MTV Video Music Awards. Green Day había cancelado la gira que iba a hacer por Europa para centrarse en la preparación del material que iba a integrar Insomniac, lo que avivó los rumores de  separación del grupo. Nada más lejos de la realidad, lo que tenían muy claro era que este disco tenía que ser diferente a sus anteriores trabajos. A pesar de no llegar a tener el éxito de Dookie, este último trabajo llegó  vender mas de 5'800.000 copias en todo el mundo, convirtiéndose en uno de los discos más exitosos de la carrera de Green Day, sólo superado en ventas por Dookie y American Idiot

El collage que aparece en la portada del álbum fue creado por Winston Smith, y se titula "God Told Me to skin You Alive", toda una referencia a la canción "I Kill Children" de Dead Kennedys. La portada, además de contener la imagen de un dentista que apareció en el collage de la portada interior del álbum de Dead Kennedys "Plastic Surgery", contiene tres cráneos, uno por cada miembro de la banda, y varias imágenes ocultas, como una mujer desnuda, tres hadas y varios rostros fantasmales en llamas.

Estamos ante un disco oscuro y pesimista, pero con un sonido sucio, muy potente y distorsionado, y con unas letras muy explícitas que fueron duramente criticadas por la prensa. Esa rabia y oscuridad vertidas en el disco son fruto de la situación personal de los miembros de la banda. Apenas habían digerido el rotundo éxito mundial de Dookie, de hecho tenían problemas personales derivados de tan rotundo éxito, sumado al cansancio y desgaste de la extensa gira que siguió al disco. Tampoco ayudó el hecho de que hubo un sector de fieles seguidores del grupo que no entendieran Dookie como un auténtico álbum de punk, y con Insomniac lo que pretendieron fue quizá recuperar esos fieles seguidores y recuperar un prestigio que habían perdido al ser vetados por cierto sector, además de ser también vetados por el entorno del club que les vió crecer, The Gilman



La banda descarga toda esa rabia y frustración en catorce canciones que comienan con Armatage Shanks, escrita por Billie Joe antes de que saliera Dookie. En aquella época había roto con su por entonces novia, la cual no aprobaba que estuviera en un sello discográfico importante, y él se encontraba pensando en el suicidio en plan "Es tan fácil suicidarse, pero tan difícil mantenerse con vida". Se rumorea que el título lo tomó de una marca británica de inodoros y que modificó la ortografía para evitar problemas judiciales. Brat, canción que escribió Billie Joe sobre esperar que tus padres mueran para cobrar la herencia. También podría tratarse sobre niños malcriados que obtienen todo sin dar un palo al agua. Stuck With Me, la cual trata el hecho de ser demasiado débil como para defenderse. Refleja el ascenso de Green Day de los pequeños clubs punk hasta las listas de éxitos pop como la MTV con su disco Dookie. Sentían que no encajaban en aquel entorno. Geek Stink Breath, trata sobre el consumo de anfetaminas y metanfetaminas. Billie escribió esta canción desde su experiencia, pero no lo hizo para emitir una opinión sobre tal hecho, lo hizo tal cual, sin emitir juicio alguno, como quien escribe sobre estar sentado o aburrido por ejemplo. No Pride, escrita sobre un chico que no tiene orgullo y que es tonto por simple hecho de que no puede defenderse. Bab's Uvula Who?, nos habla, con un ritmo demoledor, sobre la ira, encarnada en un personaje al que todo le sale mal y tiene el don de arruinar todo, y como su cuerpo exterioriza los síntomas, como la desesperación, tensión, pánico o la presión. 86 se refiere a la violenta reacción que sufrió Green Day por parte de la comunidad punk rock de California, y más concretamente del club que les vió nacer, el 924 Gilman Street, una vez que alcanzaron el estrellato. Dicha comunidad vetó al grupo y amenazó con atacarlo si alguna vez se presentaban en el lugar. 86'd significaba ser expulsado del local. La Comunidad no perdonaba al grupo que se hubieran convertido en una banda comercial. Con Insomniac la banda volvería sus raíces y regresaría para tocar en The Gilman con el beneplácito de la comunidad californiana.



Panic song
, co-escrita por Dirnt y Armstrong, la canción explota a los casi dos  minuto después de una introducción instrumental donde comienza el bajo, al que se van sumando gradualmente la guitarra y la batería. Una canción que nos habla como dice el título del pánico, cuando este te invade. Stuart ant the Ave, con un interesante bajo y con un ritmo muy pagadizo es quizás una de las canciones más flojas del disco. Brain stew, Billie Joe había sido padre en febrero de 1995, y por entonces se encontraba muy delgado y no dormía porque su pequeño hijo Joey (llamado así en honor de Joey Ramone) no le dejaba, por lo que se encontraba tenso, paranóico, y tenía el cerebro revuelto, o como dice la canción Brain Stew (guiso de cerebro), que es de lo que trata la canción. Los últimos 90 segundos de la canción son en realidad la canción siguiente, la cual a menudo es confundida como una única pieza junto con Brain Stew. Esta corta canción es Jaded, que con un ritmo muy rápido y cañero, nos habla de los efectos de las drogas. Westbound Sing, la letra de la canción se sale de la dinámica oscura y frutrante del disco. Billie Joe escribió esta canción sobre su esposa Adrienne cuando se mudó de su hogar en Minnesota para vivir en el oeste de California con él. Es de largo la canción más esperanzadora de este oscuro álbum. Tight Wad Hill, canción que iba a dar nombre al disco, pero al final no sucedió. Green Day tuvo gran éxito en Berkeley, Califoria, y TightWad Hill es e apodo de Charter Hill, una gran colina donde los estudiante universitarios se subían para ver los partido de fútbol en la Universidad de California y así no pagar entrada. y Walking Contradiction, el tema que cierra el disco y que trata sobre las constantes contradicciones de la sociedad. Se suponía que las bandas de punk no eran populares, lo cual se convirtió en una gran contradicción para Green Day cuando firmaron por un gran sello como Reprise Records, y más todavía cuando dieron el gran pelotazo comercial con el lanzamiento de su álbum Dookie.

Después de haber alcanzado la cima con Dookie, parecía que con Insomniac la banda había comenzado el lento y pulatino descenso hacia los infiernos y el olvido. Cuán equivocados estábamos, pues casi diez años después, seguían en la brecha, nos iban a regalar su gran obra maestra y nos iban a recordar que Green Day no eran fruto de un único éxito o disco. además iban a convertirse en una de las bandas más influyentes del género en las décadas de los 90 y 2000, pero eso es otra historia...



miércoles, 7 de diciembre de 2022

Dookie- #MesGreenDay

 

Dookie, Green Day


     Nos encontramos en el ciclo dedicado a Green Day, y en esta ocasión vamos a desgranar el álbum que inspiró a la generación del nuevo milenio. Un disco que sirvió además para catapultar la carrera del grupo, gracias tanto a las excelentes críticas, como a lo que vendió en su momento y sigue vendiendo a día de hoy. Junto con bandas como The Offspring y Rancid, consiguieron el renacimiento y popularización del punk rock en Estados Unidos, y con su álbum Dookie, su primer trabajo grabado con una multinacional, darían el salto definitivo al estrellato internacional.

Estamos de acuerdo en que Green Day realizó con Dookie uno de los mejores discos que se hayan publicado de lo que podríamos llamar punk rok y punk pop. La influencia de este disco fue tan grande que surgieron tras de sí un gran número de bandas imitando el sonido logrado por Green Day, un sonido basado en guitarras distorsionadas y melodías muy pegadizas. 

Con un sonido diferente, Green Day fue uno de esos grupos que nació en el famoso club 924 Gilman Street, un club de música organizado de forma colectiva y sin ánimo de lucro. El club, conocido como The Gilman, se encuentra situado en la zona oeste de Berkeley, California. Las primeras publicaciones del grupo fueron realizadas a través del sello discográfico independiente Lookout, y gracias al éxito conseguido con estos primeros trabajos, el grupo consigue un contrato con la discográfica Reprise Records, con el que lanzarán Dookie, disco que hasta la fecha lleva vendidas la nada despreciable cantidad de más de treinta millones de copias en todo el  mundo.

Una vez firmado el contrato con Reprise Records, fue elegido como productor del álbum el reputado productor musical Rob Cavallo, mientras que el productor Jerry Finn fue escogido para la mezcla del disco, quien tiene una amplia experiencia de trabajo con bandas de punk rock, pop punk y rock alternativo, tales como AFDI, Blink 182, Rancid, Alkaline Trio y Morrissey entre otros. Green Day había entregado una demo a Cavallo, quien tras escucharla inmeditamente supo que había "tropezado con algo grande". Las sesiones de grabación duraron unas tres semanas, entre septiembre y octubre de 1993, y el disco fue remezclado dos veces, ya que la primera mezcla no fue del agrado del grupo. Según Armstrong, el grupo quería crear un sonido seco similar al disco de los Sex Pistols o los primeros de Black Sabbath.



El nombre del álbum hace referencia a la diarrea que solían sufrir los componentes del grupo, a la que se referían como "liquid dookie" (caca líquida), tras haber consumido alimentos en mal estado mientras se encontraban de gira. En un principio iban a titular el disco así, pero al final lo dejaron en "Dookie" a secas, ya que podían ser tachados de demasiado groseros. En cuanto a la portada, fue diseñada por Richie Bucher, quien realizó una ilustración que describía bombas lanzadas sobre personas y edificios, y en el centro de lsa portada había una explosión con el nombre del grupo. La contraportada del álbum de las primeras ediciones en CD contenía una imagen de un juguete de Epi, de Barrio Sésamo, la cual sería retirada más tarde para evitar problemas judiciales.

Dookie fue publicado el 1 de febrero de 1994 por Reprise Records, y rápidamente se convirtió en todo un éxito en todo el mundo, consiguiendo alcanzar el puesto número 2 en el Billboard estadounidense, y alcanzando muy buenas cifras en países como Reino Unido, Suecia, Nueva Zelanda, Austria, Finlandia y Suiza. Este disco es además el único del grupo que hasta la fecha ha conseguido la certificación de Álbum de Diamante. También fue uno de los trabajos de rock alternativo más exitosos de la década, únicamente superado por Nevermind de Nirvana, y Blood Sugar Sex Magik de Red Hot Chili Peppers. Green Day sería ese año el conjunto más aclamado en el festival de Woodstock '94, y también en el festival de Lollapalooza.

Todas las letras menos en Emenius Sleepus, que fue escrita por Mike Dirnt. fueron escritas por Billie Joe Armstrong, y están basadas en experiencias de los miembros de la banda, tales como la ansiedad, ataques de pánico, la masturbación, las orientaciones sexuales, el aburrimiento o las antiguas novias. No hay que olvidar que en el momento de la grabación ninguno de sus componentes superaban los 22 años de edad.



Una vez iniciado este enérgico y electrizante el álbum, las descargas se van sucediendo desde el primer tema, Burnout, un trallazo donde el peso recae en la caña que imprime Tré Cool a los mandos de la batería; pasando por Having a Blast, una canción muy personal donde Billie Joe Armstrong expresaba sus ansiedades y su estado depresivo. El la definía como "una canción sobre querer explotar porque estás pasando por algún tipo de tormento".; Chump, escrita por Armstrong sobre el novio de una chica que le gustaba. Curiosamente el músico nunca conoció al referido novio.  Esta canción tiene un estridente final que acaba en una especie de desvanecimiento que fue hecho a propósito para que los acordes finales fluyeran hacia la siguiente pista, Longview, que trata sobre estar aburrido y sentirse solo y como un completo perdedor. La canción también hace alguna referencia sobre la masturbación como medio de escape. el canatante describía tales hábitos en su caso como crónicos; Welcome to Paradise, escrita por Armstrong y Mike Dirnt sobre un barrio marginal de Oakland. Compartieron vivencias en su adolescencia en ese barrio y tuvieron una banda llamada Sweet Children. Esta canción fue lanzada originalmente en su álbum Kerplunk, y posteriormente sería regrabada para
lanzarla en este álbum.; Pulling Teeth, una visión irónica sobre una relación abusiva. Billie escribió esta canción a raíz de una broma interna de la banda, después de que el bajista Mike Dirnt acabara en urgencias a causa de una guerra de almohadas con su por entonces novia.; Basket Case, una de las canciones por excelencia de toda la carrera discográfica del grupo. Este tema que vuelve a tratar los ataques de ansiedad y la sensación de volverse loco. Armstorng sufrió en su adolescencia, mientras crecía, ataques de pánico, y lo que solía hacer para calmarse era caminar por el vecindario. Una canción, como él mismo decía, "catártica y personal" que estereotipaba y asemejaba la paranoia con el hecho de estar drogado.;



She
, una canción que Billie escribió para una antigua novia, al parecer una estudiante de la Universidad de California llamada Amanda. ambos se conocieron en el famoso The Gilman, y Amanda era una activista feminista que cautivó al cantante. Según el artista, él era entonces sólo un niño tonto que había abandonado la escuela secundaria y ella le marcó profundamente.; Sassafras Roots,  canción que trata sobre perder el tiempo en una relación en la que ninguno de los dos está muy entusiasmado.; When I Come Around, canción que el cantante escribió en su momento reflejando sus sentimientos al estar lejos de su novia Adrienne, y sus frustraciones al estar lejos de ella cuando se encontraba de gira. El artista conoció a Adrienne en 1990 mientras actuaba con su grupo en Minnesota, donde ella vivía, y le resultó muy difícil mantener una relación a distancia con ella. En la canción Billie aseguraba que cuando volviera a verla se lo compensaría todo. En julio de 1994 se casarían, manteniendo una relación que perdura a día de hoy; Coming Clean, donde el cantante profundiza sobre sus pensamientos sobre temas como la heterosexualidad y la homosexualidad, y sobre salir del armario. En 1995 llegó a declarar, en una edición de la publicación The Advocate: "Creo que siempre he sido bisexual", "Creo que principalmente se hamantenido en mi cabeza. Realmente nunca he tenido una relación con otro hombre. Pero es algo que surge como una lucha en mí. Surgió cuando tenía alrededor de 16 o 17 años. En la escuela secundaria la gente piensa que tienes que ser muy macho, y hay quien es atacado sólo por insinuar algo sobre su sexualidad. Creo que eso es espantoso"; Smenius Sleepus, uno de los únicos temas que no fue escrito por Billie, ya que fue coescrita entre éste y el bajista Mike Dirnt; In the End, canción que Billie Joe escribía sobre su madre y el novio de ésta. Hay quien especuló sobre la canción, afirmando que trataba sobre una chica, él se encargo de aclarar que no trataba sobre ninguna chica, trataba sobre el marido de su madre y ella misma; hasta llegar al tema final, F.O.D., donde el cantante muestra su odio al sentirse apuñalado por la espalda por alguien. Las siglas del título provienen de "Fuck Off and Die", lo que viene a significar algo así como "Que te den y muérete". Pero el disco no acaba aquí, ya que contiene una pista oculta que se reproduce 1 minuto y 17 segundos después de acabar la última canción. El tema sorpresa se titula All By Myself y fue compuesta por el baterista de la banda, Tré Cool.

Con Dookie, Green Day hacían resurgir el punk rock, alcanzaban el estatus de supergrupo y ponían los cimientos para ser considerados como una de las bandas más grandes del género de las décadas de los 90 y los 2000.

domingo, 4 de diciembre de 2022

Kerplunk - #MesGreenDay

Kerplunk #MesGreenDay

Green Day, debo decir que es una de las bandas de mi adolescencia, que descubrí a mediados de la década del 90, a través de su disco Dookie, pero hoy no hablaremos de este álbum, sino de Kerplunk que es el segundo álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Green Day, lanzado el 17 de diciembre de 1991 por la productora Lookout! Registros.

Así que comenzamos este mes de diciembre que hemos definido como #mesGreenDayKerplunk fue el último lanzamiento independiente de Green Day en el sello Lookout Records, y también fue el primer álbum en presentar a Tré Cool en la batería. 

Kerplunk incluye oficialmente solo 12 pistas, pero las versiones lanzadas en CD y casete también incluyen las 4 pistas del álbum Sweet Children. Una de esas pistas es una versión de "My Generation" de The Who. El guitarrista y cantante de Green Day, Billie Joe Armstrong, declaró en una entrevista de la revista Vulture de 2021 que Kerplunk es su álbum favorito, y lo citó como "una especie de autobiografía".

El álbum vendió 10.000 copias su primer día y se convirtió en el lanzamiento más vendido de Lookout!. Después de debutarlo ante sus fanáticos en el área de Berkeley, California, y recibir mucha aprobación de la multitud crítica de 924 Gilman Street, la banda empacó en una biblioteca móvil convertida y abarrotada y se dirigió hacia el este. Green Day desarrolló una base de admiradores en la costa este gracias a los decididos esfuerzos de base del cantante principal Billie Joe Armstrong. La oportunidad valió la pena, ya que las ventas de álbumes superaron las 50.000 copias. Junto con los exitosos shows en vivo, las principales discográficas se dieron cuenta de la fenomenal popularidad de Kerplunk. Como resultado, muchos sellos se acercaron a la banda. Green Day se dio cuenta de que habían superado su capacidad de distribución récord con Lookout! y finalmente firmó con Reprise Records. Con Reprise, Green Day grabó y lanzó su próximo álbum Dookie (1994).

En agosto de 2005, Green Day sacó el álbum, ¡así como todo su otro material lanzado a través de Lookout! etiqueta – debido a regalías no pagadas. Fue reeditado en CD por Reprise Records, con quien Green Day ha estado desde que dejó Lookout!, el 9 de enero de 2007. 

En Europa, el álbum fue lanzado por Epitaph Europe y se ha mantenido impreso, fue reeditado en vinilo el 24 de marzo de 2009 por Reprise Records. No se lanzaron single oficiales del álbum, aunque "2000 Light Years Away" y "Christie Road" se lanzaron como single de prueba en una caja de single de Green Day titulada Green Day: Ultimate Collectors. En noviembre de 2017, coincidiendo con la segunda compilación de la banda, Greatest Hits: God's Favourite Band, se lanzó un video musical de "2000 Light Years Away". Hasta noviembre de 2013, Kerplunk ha vendido más de 1 000 000 de copias en los Estados Unidos y más de 4 000 000 de copias en todo el mundo.

AllMusic considera a Kerplunk como el "ensayo perfecto" para el posterior atractivo general de la banda, y dice que contiene "más variedad y más éxitos rotundos que los lanzamientos anteriores". magnitud mejor que su predecesor y solo un pelo detrás del seguimiento".

En diciembre de 2007, la revista Blender clasificó el álbum en el puesto 47 de su lista "Los 100 mejores álbumes de rock independiente de todos los tiempos".

miércoles, 23 de noviembre de 2022

Álbum In Rainbows en el artista del #MesRadiohead

Álbum In Rainbows en el artista del #MesRadiohead

In Rainbows es el séptimo álbum de estudio de la banda de rock inglesa Radiohead. Fue autoeditado por la banda el 10 de octubre de 2007 como un álbum digital donde los fans podrían descarga las canciones, luego la banda hizo un lanzamiento de álbum a nivel internacional a través de XL Recordings y en América del Norte a través de TBD Records. Fue el primer lanzamiento de Radiohead después de que terminara su contrato de grabación con EMI con su álbum Hail to the Thief.

In Rainbows incorpora elementos de art rock, rock experimental, art pop, y electrónica. La pista de apertura, 15 Step, presenta un ritmo de palmas inspirado en Fuck the Pain Away de Peaches. Radiohead grabó los aplausos de un grupo de niños de Matrix Music School & Arts Center en Oxford; cuando los aplausos resultaron "no lo suficientemente buenos", grabaron a los niños vitoreando en su lugar.

Bodysnatchers, que Yorke describió como una combinación de Wolfmother, Neu! y dodgy hippy rock, se grabó cuando estaba en un período de "manía hiperactiva". En All I Need, Jonny Greenwood quería capturar el ruido blanco generado por una banda tocando a todo volumen en una habitación, algo que nunca ocurre en el estudio. Su solución fue hacer que una sección de cuerdas tocara cada nota de la escala, cubriendo las frecuencias.

Radiohead grabó una versión de Nude durante las sesiones de OK Computer, pero la descartó; esta versión presentaba un órgano Hammond, una sensación "más directa" y letras diferentes. Para In Rainbows , Colin Greenwood escribió una nueva línea de bajo para la canción, que Godrich dijo que "la transformó de algo muy directo a algo que tenía mucho más flujo rítmico". Reckoner se desarrolló mientras Radiohead trabajaba en otra canción, Feeling Pulled Apart by Horses. Presenta el falsete de Yorke, percusión "escarchada y sonora", una línea de guitarra "serpenteante", piano y un arreglo de cuerdas de Jonny Greenwood. Yorke lo describió como "una canción de amor... más o menos".

Yorke describió el proceso de composición de Videotape como una "agonía absoluta" y dijo que "pasó por todos los parámetros posibles". Inicialmente quería que fuera una "pista de trance post-rave", similar a la música de Surgeon, y Jonny Greenwood estaba "obsesionado" con cambiar el comienzo de la barra. Radiohead interpretó un arreglo de rock más convencional en la gira de 2006, con la batería de Selway llegando al clímax. Para el álbum, Godrich y Greenwood redujeron la canción a una balada de piano minimalista, con percusión de una caja de ritmos.

Daniel 
Instagram storyboy 


jueves, 3 de noviembre de 2022

Grandes éxitos y tropiezos: Phil Collins


Grandes éxitos y tropiezos: Phil Collins

Phil Collins, es un cantante, baterista, compositor, productor y actor británico, y uno de los artistas de mayor éxito de la música rock. Phil Collins ha liderado la lista de éxitos estadounidense Billboard Top 100 como cantante en ocho ocasiones, siete como solista y una con junto a la banda Genesis, se podría decir un artista de éxito.

La discografía completa de la carrera en solitario de Phil Collins, consta de ocho álbumes de estudio, un álbum en vivo , dos bandas sonoras, dos álbumes de compilación, un álbum de remezclas, un box set y cuarenta y cinco sencillos. Y ha vendido más de 33 millones de álbumes en los Estados Unidos, y en todo el mundo alrededor de 150 millones de discos.

El primer álbum como solista de Collins, Face Value, fue lanzado en el Reino Unido en febrero de 1981 y alcanzó el puesto número uno en el UK Albums Chart y fue certificado 5 veces por Platino por la Industria Fonográfica Británica (BPI). Su segundo álbum, Hello, I Must Be Going! , fue lanzado en 1982 e incluía el número uno del Reino Unido " No puedes apurar al amor ". El álbum alcanzó el número dos en el Reino Unido y fue certificado 3 veces de Platino.​ En 1984, Collins grabó "Against All Odds (Take a Look at Me Now)", la balada que disparó al número uno en los EE. UU. en el Billboard Hot 100 y el número dos en el Reino Unido. Él también realizó un dúo con Philip Bailey, para la canción "Easy Lover" (1985), que alcanzó el número dos en los EE. UU. y pasó cuatro semanas en el número uno en el Reino Unido. También en 1984, Collins participó con Bob Geldof en la Band Aid para la caridad los tambores de los proyectos, y tocó en el sencillo de Band Aid "Do They Know It's Christmas?".

A principios de 1985 Collins lanzó su tercer álbum, No Jacket Required, que contenía los éxitos "Sussudio" y "One More Night". También grabó la canción "Separate Lives", donde formó un dueto con Marilyn Martin, que alcanzó el número uno en los EE. UU. No Jacket Required debutó en el número uno en los EE. UU. y el Reino Unido, es el álbum más vendido de su carrera y ha sido certificado por Diamante en los EE. UU. por las ventas de más de 10 millones y seis veces Platino en el Reino Unido. En 1988, Collins contribuyó con canciones para la banda sonora de la película Buster, en el que también interpretó: "Two Hearts", y la contraportada de " Un lindo tipo de amor ", el último de los cuales se convirtió en un número uno por el Reino Unido y en EE. UU. En 1989, Collins produjo otro álbum exitoso álbum, ...But Seriously, con el himno de lucha contra la falta de vivienda "Another Day in Paradise", que alcanzó el número uno en los EE. UU. y el número dos en el Reino Unido. Un álbum en vivo, Serious Hits... Live! fue publicado en 1990.

El quinto álbum de Collins, Both Sides, fue lanzado en noviembre de 1993, a pesar de que tuvo menos éxito que sus anteriores discos, el álbum alcanzó el número uno en el Reino Unido. Su siguiente álbum, Dance into the Light , fue lanzado en 1996 y fue aún menos exitoso, alcanzando el número cuatro en el Reino Unido y fue solamente certificado Plata. Una recopilación de grandes éxitos fue lanzado en 1998 y fue éxito, volviendo Collins al número uno y multi-platino en el Reino Unido y los EE. UU.

Collins también escribió e interpretó canciones para la película animada de Disney "Tarzán", y "Brother Bear". Testify fue el séptimo álbum de estudio de Collins y fue lanzado en 2002. Fue un éxito en Europa, con un pico en el número quince en el Reino Unido y dentro de los primeros cinco en Austria, Alemania y los Países Bajos. Después de la publicación de Testify, Collins anunció que iba a entrar en un semi-retiro, y lanzó dos compilados. En septiembre de 2010, Collins lanzó su octavo y último álbum de estudio, Going Back.

Pero no todo es éxito para el británico, una rebelde lesión en su espalda que le impide moverse con normalidad, un complejo divorcio y una recaída en el alcohol han marcado el camino reciente de la leyenda británica de 70 años, quien esta semana reapareció en los escenarios junto a Genesis, evidenciando su frágil estado de salud. "Apenas puedo sostener una baqueta", ha confesado el músico, quien tras una depresión y hasta pensar en el suicidio ha decidido darse una última oportunidad frente al público.

Daniel 
Instagram storyboy 

domingo, 2 de octubre de 2022

#Mes Lenny Kravitz: Lenny en la FNAC de Callao



Comienza el #Mes Lenny Kravitz, y para presentarlo he pensado que no hay nada mejor que recordar una vieja anécdota con él mismo:

Durante la gira de promoción del disco "5" (1998), Lenny Kravitz llegó a Madrid para un concierto al que estuve pensando en ir, pero para el que finalmente no compré entradas (puede que el precio o la designación de Rosario como telonera fueran razones de peso para justificar mi ausencia). Pero el destino quiso que, pese a esa discutible decisión, si que viera finalmente a Lenny Kravitz, más cerca de lo que lo hubiera hecho durante su concierto.

Por aquel entonces, yo trabajaba en la Gran Vía madrileña, y entre el almuerzo y la vuelta al trabajo aprovechaba para dejarme caer por la FNAC de Callao, siempre a la caza de buenos discos y novedades. Y allí estaba yo, absorto en una de tantas búsquedas en la sección de cd's, cuando un hombre afroamericano y su hija se pusieron a buscar a mi lado. Giré la cabeza un segundo para mirarles, y volví a mi entretenimiento favorito mientras me decía a mi mismo: "Vaya, como se parece este tío a Lenny Kravitz".

Dediqué una segunda mirada furtiva al individuo que buscaba cd's a mi derecha, y lo que me dije a mi mismo en esa ocasión fue mucho más rotundo: "¡¡¡Pero que demonios, es Lenny Kravitz!!!". En ese momento, me giré hacia atrás y vi a varias personas, incluido un par de agentes de seguridad de la FNAC, que observaban desde una prudente distancia al astro musical, acompañado de su hija Zoe (que por entonces era solo una niña), y de un tipo con traje (yo), que a buen seguro no encajaba del todo en aquella estampa.

"¡Esta es la mía!", me dije. En aquella época ya había móviles, pero no hablamos ni mucho menos de los smartphones actuales, que han hecho que un "selfie" sustituya a un autógrafo, así que me puse a buscar, rápidamente, algo en lo que el autor de "Fly Away" (su single de éxito del momento) pudiera dejar su rúbrica. Con los nervios a flor de piel, solo encontré una tarjeta de visita de un responsable del área de calidad de mi empresa, con el que había tenido una reunión poco antes de salir a comer, así que la giré para que la firmara en el reverso y me armé de valor:

- "Hola, puedes darme tu autógrafo"? dije, en lo que para mí era un perfecto inglés, y casi perfecto debió ser, porque Lenny me entendió al instante.

- "Por supuesto", contestó educadamente, y claramente habituado a ese tipo de peticiones, mientras con un gesto de la mano me pidió la tarjeta y el bolígrafo que yo ya tenía preparados. Se los di con mi mano temblorosa, y Lenny los tomó con una mano, mientras en la otra llevaba varios cd's que, al parecer, iba a comprarse.

Hasta aquí todo bien, el plan funcionaba a la perfección. Pero entonces me soltó una frase, no muy larga, pero lo suficientemente rápido para que las barreras lingüísticas existentes entre los dos se dispararan al instante, como los mecanismos de cierre automático de las puertas de los coches.

-"¿Perdona, qué...?" le dije sin acabar la frase. No había entendido nada de lo que me había dicho.

El repitió la frase de nuevo, y yo entendí exactamente lo mismo que la vez anterior. Nada. Por fin, el empezó a hacer gestos con las manos, y de pronto comprendí, por suerte para mi gran objetivo, que ¡¡¡Me estaba pidiendo que le quitara la tapa al bolígrafo!!!

Se la quité rápidamente, y Lenny apoyó entonces la tarjeta encima de los cd's, sujetándola con el pulgar para poder firmar con el bolígrafo. Completada por fin la tarea, me devolvió amablemente la tarjeta y el bolígrafo, y me preguntó dónde estaba la sección de hip hop, y pese a haberle entendido esa vez a la perfección, volví a fastidiarla porque, la verdad, no es un  estilo al que yo tenga demasiado afecto. Suelo moverme como pez en el agua en la sección de rock, e incluso en otras secciones como las de blues, jazz y funk, pero en lo concerniente al rap y el hip hop, me tengo puesta a mi mismo una estricta orden de alejamiento.

Le dije que no lo sabía, y entonces Lenny me miró asombrado:

-"¿Pero... no trabajas aquí?", me preguntó extrañado.

-"Ahhh, no", contesté yo, más extrañado aún por la pregunta.

-"OK, gracias", contestó mientras hacia un gesto a su hija, para marcharse a continuación en busca de la maldita sección de hip hop.

Y ahí acabó todo, por mi aversión a un género musical en concreto me perdí la posibilidad de haber sido el guía de Lenny Kravitz por la FNAC de Callao, realizando mi tarea favorita en compañía de uno de mis ídolos. Mientras ambos se alejaban comprendí el motivo de aquel singular equívoco. La tranquilidad con la que me acerqué a mirar discos junto a él, sin enterarme de lo que ocurría a mi alrededor, y el traje y la corbata con el que iba a trabajar cada día a la oficina, fueron los salvoconductos que me llevaron en presencia del astro estadounidense. Mi desconocimiento del hip hop me retiró los permisos y me sacó de la escena. En la foto podéis ver la tarjeta con su firma, que guardé en el cd "5" que había comprado apenas un mes antes, como recuerdo de aquel mágico momento.

Y así fue como llegue a tener a Lenny Kravitz frente a frente, en una conversación tan breve como surrealista, pero una conversación, al fin y al cabo. Un suceso extraño, pero no tanto como que, en aquel concierto, tuviera de telonera a Rosario. Ambas cosas raras ocurrieron realmente, y por si acaso, desde entonces he perfeccionado mi inglés, y tengo controladas las secciones de hip hop de todas las FNAC cercanas. Nunca se sabe, y hay que estar siempre preparado. Entretanto ¡Que comience el #Mes Lenny Kravitz!

domingo, 25 de septiembre de 2022

Correos - Platero y Tú #MesPlateroyTú

Correos - Platero y Tú artista del mes #MesPlateroyTu 

Vamos con un álbum de la banda bilbaína Platero y Tú, que para mí ha escrito una de las páginas más memorables en la historia del rock vasco y español, alcanzado tres discos de oro y un legado que perdurará por siempre. 
Como su álbum Correos, publicado en octubre de 2000, que supuso el capítulo final de esa gran trayectoria de Platero y Tú.

Dos y dos son cuatro, y cuatro los Platero” dice la canción Cigarrito, la canción que abría el álbum Correos, el último álbum de la banda, y tan esperado por sus seguidores tras casi tres años sin nuevos lanzamientos. 

Esos cuatro de los que hablaba Cigarrito no podían ser otros que la voz de Adolfo Cabrales (Fito), la guitarra de Iñaki Antón, con Juantxu Olano al bajo y Jesús García con la batería. 
Se trataba del octavo trabajo del grupo en apenas diez años. 

Este álbum con su portada emulando a un paquete de envío y con los cuatro integrantes de la banda como sello, Correos no fue distinto a sus otros álbumes, después de su lanzamiento en el mes de octubre del año 2000, la acogida de sus fans, cada vez más numerosos, llevó a Platero y Tú con su álbum Correos a ser  Disco de Oro de la mano de canciones que se convirtieron en éxitos como Cigarrito, Entre dos mares (que  Fito con los Fitipaldis, la incluiría en su álbum “Fitografía") y Humo de mis pies. Este álbum fue grabado en el estudio La Casa de Iñaki que era propiedad del guitarrista de la banda, contaba entre sus canciones con la colaboración de músicos de la talla de Robe Iniesta de Extremoduro o José Alberto Batiz. 

Si bien es cierto que el disco mantiene la línea rockera que definía al grupo, tuvo algunos detractores que no reconocían en este álbum a los Platero y Tú de principios de los noventa, especialmente en los versos de canciones como Caminar cuesta arriba o Qué demonios!, más introspectivos y, quizá, algo menos provocadores. 

La gira de presentación de Correos, que terminaría siendo la última, ya que Fito anunciara que abandonaba el grupo para continuar su carrera en solitario y le siguiera Iñaki Antón para ingresar por completo en Extremoduro donde ya había trabajado de forma esporádica durante los últimos años. 

Sería, por tanto, la última gira de Platero y Tú y para la posteridad sólo quedaría su legado y varios recopilatorios. Platero y Tú, de las calles de Bilbao a iconos del rock. 

Platero y Tú han marcado a fuego ese rock español que ya hemos mencionado por ello se merecían estar entres las banda del mes #MesPlateroyTu. 

Daniel 
Instagram storyboy 

viernes, 23 de septiembre de 2022

El disco de la semana 294: Blackout - Scorpions

 

Blackout, Sorpions


     A finales de 1981 y depués de cerrar dicha gira exitosa, Scorpions decide regresar a Alemania para preparar y grabar el que sería su octavo álbum de estudio Blackout. El grupo se mete en los Dierks Studios de colonia (Alemania) propiedad de Dieter Dierks que además sería el productor del disco.



Durante la grabación del disco sucedió un hecho que puso en peligro la grabación el disco e incluso la continuidad del grupo. El vocalista 
Klaus Meine empezó a tener problemas en su voz que le impedían mantener su registro y mantener tonos altos, llegando incluso momentos en los que no podía ni pronunciar palabra. Klaus preocupado por los problemas de su voz decidió acudir a un médico, el cuál tras valorarle le dijo que no tenía solución y que lo mejor que podía hacer era cambiar de profesión. Klaus hundido y frustrado por el diagnostico decide reunir a la banda y les plantea la posibilidad de renunciar al grupo para que buscasen otro vocalista. Sobre éste hecho Rudolf Schenker siempre afirmó que nunca se les pasó por la cabeza reemplazar a Klaus y que esperarían el tiempo que hiciera falta para que éste se recuperara, no importaba si el disco se retrasaba o incluso si la banda se tenía que separar, pues tenían muy claro que Scorpions sólo seguirían con Klaus Meine como vocalista, al que consideraban una pieza fundamental del grupo.

Animado por el apoyo de sus compañeros Klaus decide buscar una segunda opinión médica, y para ello acaba viajando a Austria y se pone en manos de un doctor que estaba especializado en tratar a varios cantantes de ópera. Después de dos cirugías vocales y un riguroso y metódico entrenamiento pudo volver a trabajar con sus compañeros, consiguiendo además después del tratamiento tener una voz mucho más cristalina y un rango vocal mucho más amplio.

Así nace Blackout, el octavo disco de estudio y uno de los mejores trabajos del grupo germano. El disco es grabado en los Dierks Studios de Colonia durante el año 1981, bajo la producción del mismo Dieter Dierks, y publicado el 29 de marzo de 1982 por el sello discográfico Harvest/EMI y unos días más tarde por el sello Mercury Records únicamente para el mercado norteamericano. La portada del disco fue obra del artista austriaco Gottfried Helnwein, y se trata de un autorretrato de él mismo, donde se le ve utilizando una bandana en su cabeza y tenedores en ambos ojos. El álbum tuvo un gran éxito nada mas ser lanzado en Europa, y en Estados Unidos llegó a alcanzar el puesto número 10 en la lista Billboard 200.



Un disco redondo de los alemanes en el que podemos disfrutar de temas como el cañero Dynamite, el trallazo inicial de 
Blackout, uno de los temas buque insignia de la banda y que fue compuesto por el grupo tras una fiesta en la que estuvieron con los guitarristas KK Downing y Glenn Tripton de Judas Priest y los chicos de Deff leppard y en el que tras la misma Schenker sufrió un apagón (blackout en inglés) al no recordar nada a partir de cierto momento de la noche; la gran Can't Live Withoutn You con una apertura y un riff de guitarra es brutal, tema dedicado a los fans. La letras fueron escritas por Klaus Meine y la música fue obra de Rudolf Schenker, un tema que trata sobre las bandas de rock y sobre que no pueden vivir sin sus fans; o la clásica No One Like You, otro de los grandes iconos y éxitos de la banda que logró alcanzar el puesto número 1 en la famosa lista Mainstream de Estados Unidos. Curiosamente el tema originalmente fue compuesto primero en alemán y modificado y traducido posteriormente al inglés. Al igual que el tema anterior, obra de Meine y Schenker, y la temática trata sobre un hombre que perdió a su amor y como trata de recuperarla. 

Blackout forma ya parte de los grandes clásicos del heavy metal, un disco que hay que escuchar al menos una vez en la vida.

martes, 20 de septiembre de 2022

Grandes éxitos y tropiezos - Red Hot Chili Peppers

Red Hot Chili Peppers


     Como ya sabéis, en la sección de Grandes éxitos y tropiezos solemos profundizar un poco más en el artista elegir, hablando de su obra y por qué discos empezar, algo que te puede venir muy bien si estás empezando a escuchar al artista de turno, y así tener una ayuda para saber por donde ir empezando. También hablamos sobre que discos dejar para el final, pues además de sus grandes trabajos, en 7dias7notas no somos ajenos a aquellos trabajos que no tuvieron el impacto deseado o simplemente no llegaron a estar a la altura del resto de su obra. El grupo que proponemos en esta ocasión es Red Hot Chilli Peppers:

Estás tardando en comprarlo: 



Blood Sugar Sex Magic
(1991), si no el mejor, sin duda uno de sus mejores trabajos. 
El grupo quería grabar un álbum diferente, algo que se saliera de lo convencional, y para ello decidieron encerrarse en una mansión en la que vivió un tiempo el mago Harry Houdini y acordaron que no saldrían hasta que el disco estuviera terminado. En este disco se atreven a ir más allá y aparte de los ritmos punk, rock o funk que estaban acostumbrados a tocar, deciden meter también riffs más duros, coqueteando también con el Heavy metal. Un disco que no deja indiferente pues la tematica que emplearon en los temas fueron el sexo, las drogas, la muerte o la lujuria. El disco les catapultó al super estrellato mundial, vendiendo sólo en Estados Unidos más de 7 millones de copias. El disco fue editado por la discográfica Warner Bros, y para tal aventura contaron con el productor Rick Rubin, el cual había trabajado entre otros para Beastie Boys, un tipo de mente abierta, algo que iba a necesitar para trabajar con Kiedis, Flea y compañía. Mother's Milk (1989) es otro disco que no puedes dejar de llevarte. Era su cuarto álbum de estudio, y tiene el honor de ser el primero en conseguir el primer disco de oro para el grupo. Casi un año antes del lanzamiento de este disco, el guitarrista Hillel Slovak fallecía por sobredosis, lo que causó que el batería Jack Irons abandonase el grupo. John Frusciante y Chad Smith llegaban para suplirlos. La llegada de Frusciante se nota de inmediato, pues alterará en gran medida el sonido de la banda, poniendo más énfasis en sonidos melódicos. Un disco muy funk, pero con poderosos toques metaleros. También te recomendamos Californication (1999). Es cierto que es un disco bastante controvertido entre los fans de la banda, pues hay a quienes le resultan un gran disco y hay a quienes le parece insufrible. A nosotros nos parece un gran trabajo. Un disco que volvía a poner a California en el mapa del rock. Un disco que contiene temazos como Around the World, Otherside, Californication o Scar Tissue.

Si te queda pasta, llévate también:




One Hot Minute
(1995), disco que fue grabado con Dave Navarro, el antiguo guitarrista de Jane's Addiction. Con la presencia de Dave Navarro el grupo recuperó ese estilo arrollador de sus comienzos. La presencia del guitarrista altera el sonido del grupo en un disco que contiene menos temas sexuales que en albumes anteriores y explora asuntos más oscuros como las drogas, la depresión, la angustia o el dolor. By the Way (2002) suponía un disco diferente a sus anteriores trabajos. Este disco es un acercamiento más sincero y reflexivo por parte de Anthony Kiedis en las letras, y se caracteriza por unas melodías menos animadas a las que nos tienen acostumbrados, dando un cambio de dirección en la grabación. Un trabjo muy interesante.

Vuelve a dejarlo en el expositor:



Si te has quedado sin dinero, o simplemente quieres ir poco a poco y tomártelo con calma, deja para el final I'm With You (2011). Este disco, el décimo de la banda, era el primero del guitarrista Josh Klinghoffer, que sustituía a John Frusciante. Se nota demasiado la marcha de John Frusciante, y el grupo se muestra por momentos perdido. El estilo y el sonido que John Frusciante había aportado al grupo eran algo único, además de la gran química que había entre Kiedis y Frusciante en la parte compositora. Los resultados ya no serían lo mismo sin Frusciante. The Red Hot Chili Peppers (1984), el album debut del grupo. La grabción del disco no fue fácil, pues se produjeron constantes desacuerdos entre la banda y el productor del álbum, el guitarrista de Gang of Four, Andy Gill. Gill quería llevar  la banda a un lado más pop. Al final el disco fue lanzado con el título The Red Hot Chili Peppers, algo con lo que también estuvo el grupo en desacuerdo, pues querían llamarlo True Men Don't Kill Coyotes. Entusiasmo y ganas no les faltan, pero los problemas y desacuerdos en la producción se notan, aunque es cierto que por momentos nos muestran pequeños destellos de la gran banda en que se iban a convertir.

Si lo que buscas son canciones sueltas, este es nuestro Top 5 de Red Hot Chili Peppers:

1.- Can't Stop

2.- Give It Away

3.- Under The Bridge

4.- Dani California

5.- Otherside




 






 

domingo, 4 de septiembre de 2022

Burrock'n Roll - Platero y Tú #MesPlateroyTú

 

Burrock'n Roll, Platero y Tú 


     Entramos en el mes de septiembre, mes en el que también hará su entrada el otoño, y nos toca despedir a The Smiths, quienes nos han acompañado durante agosto, y dar la bienvenida al grupo que nos va a acompañar durante este mes. Este grupo surgió en un lugar y una época donde lo que primaba y estaba en auge era el rock radical vasco. Con su apuesta clara por el rock consiguieron abrirse paso, convirtiéndose en una de las mejoras bandas que ha dado nuestro país y siendo una clara referencia para toda banda de rock que se precie. Bienvenidos pues al #MesPlateroyTú.

Bilbao, finales de la década de los 80, Iñaki Antón "Uoho" y Juantxu Olano "Mongol" comienzan tocando juntos en una banda llamada Qué, con la que llegan a grabar una maqueta de cuatro temas. El proyecto no dura mucho y se disuelve, entonces Uoho y Juantxu siguen ensayando juntos, unos ensayos a los que se une Jesús García "Maguila" tocando la batería. Un día de diciembre de 1989 Juantxu invita a un vecino suyo, de nombre Adolfo Cabrales "Fito" a ver los ensayos que estaba realizando con Uoho y Jesús. Aquel día estuvieron tocando versiones de Leño. La química surge y Fito se une al proyecto, quedando el grupo compuesto por Fito (guitarra y voz), Uoho (guitarra), Mongol (batería) y Maguila (batería).

El sonido de la banda está basado en el rock, con influencias de bandas como Leño, Status Quo, AC/DC o la Creedence Clearwater Revival, y se hace hueco curiosamente en una época donde en el País Vasco estaba en auge el rock radical vasco. El dinero que ganan en sus primeras actuaciones lo invierten en grabar su primera maqueta en los estudios Arion de Pamplona en julio de 1990. También es en esa época cuando deciden el nombre de la banda, Platero y Tú, en honor a la famosa obra de Juan Ramón Jiménez

La maqueta que graban es Burrock'n roll, la cual sale a la venta ese mismo año con la particularidad de que salen muy pocas copias y ahora es una pieza de coleccionista, formando parte además de una de las colecciones más grandes de este país, la colección de la mismísima Biblioteca Nacional. Más tarde, el grupo consigue que unos cazatalentos del sello discográfico DRO se interesen por ellos, y para empezar reeditan en 1992 Burrock'n roll, mejorando la producción y reconfigurando la lista de temas. 



La maqueta original grabada por el grupo y que supone su debut, es grabada en julio de 1990 en los estudios Arion de pamplona, bajo la producción misma del grupo, y publicada ese mismo año únicamente en formato cassette. Dicha maqueta con el tiempo se ha convertido no sólo en pieza de coleccionista debido a sus escasez de copias, también en un disco indispensable por el material que contiene, pues varios de sus temas se han convertido en indispensables en la discografía del grupo vasco. La portada de Burrock'n roll eran unos muñecos de plastilina que resultan ser los cuatro componentes del grupo y la foto fue hecha por ellos mismos. Según ellos "Era muy cutre pero tenía su gracia", y le pusieron ese título porque decían ser muy burros. 

A pesar de ser una maqueta, con sus consecuentes deficiencias técnicas y de sonido, quedan claras tanto la calidad del grupo como la  fuerza y energía que transmiten en su sonido, con temas que contiene temas que se han convertido en himnos de la banda. Podemos disfrutar de temas como Un ABC sin letras o Ya no existe la vida, compuesta por Fito, Ramón, quién no ha canturreado esta canción compuesta por Iñaki Antón "Uoho", Si tu te vas y Déjame en paz, temas con un toque humorístico pero llenos de calidad y compuestos por los cuatro componentes, o los trallazos y contundentes Esa chica tan cara y Desertor, que fueron descartados de la reedición y fueron incluidas posteriormente en el segundo álbum de estudio de la banda, Muy deficiente (1992), quedando la reedición definitiva en únicamente 10 temas en vez de los 12 de la maqueta original 

A continuación los temas de la edición de la maqueta original en cassette y los temas de la reedicicón posterior en vinilo y formato CD:

Canciones maqueta original (1990)





Cara A:

  1. Un ABC sin letras
  2. Ramón
  3. No me quieres saludar
  4. Ya no existe la vida
  5. Vamos a ponernos muy bien
  6. Si tú te vas

Cara B:

  1. Déjame en paz
  2. Canción pa' ti
  3. Cómo has perdido tú
  4. Esa chica tan cara
  5. Desertor
  6. Mira hacia mí

Lista de canciones de la reedición de DRO Music (1992)




  1. Un ABC sin letras
  2. Ramón
  3. No me quieres saludar
  4. Vamos a ponernos muy bien
  5. Si tú te vas
  6. Déjame en paz
  7. Canción pa' ti
  8. Cómo has perdido tú
  9. Mira hacia Mí
  10. Ya no existe la vida