domingo, 31 de julio de 2022

0577.- Walk on by - Isaac Hayes



Walk on by es el tema de apertura del aclamado disco de Isaac Hayes "Hot Buttered Soul", una versión de más de 12 minutos de un tema compuesto originalmente por Burt Bacharach, con letra de Hal David, que fue grabada por primera vez por Dionne Warwick. y versionada además de Hayes por artistas como The Stranglers, Gabrielle, Cindy Lauper y Seal, entre otros.

La versión de Hayes, con The Bar-Kays como grupo de acompañamiento, es sin duda la más innovadora, en la línea de un álbum con el que en 1969 dio un golpe encima de la mesa de la música soul del momento, mezclando la rítmica de lo que se conoció como "vamp funk" con largas estructuras melódicas y orquestadas, aplicando a las canciones todo lujo de detalles musicales, y en consecuencia alargándolas hasta el punto de que en el álbum solo hubo espacio para cuatro canciones, por la extensa duración de todas ellas.

Walk on by fue recortada hasta los 5 minutos para la versión que se publicó en single, que alcanzó el puesto 30 en las listas de ventas estadounidenses. En la otra cara se incluyó una versión también recortada del tema de Jimmy Webb's "By the Time I Get to Phoenix", el tema que cerraba "Hot Buttered Soul" con sus más de 19 minutos de duración. El álbum alcanzó el número 1 en las listas de R&B, y el octavo puesto en el Billboard 200, premios merecidos para el que está considerado el mejor álbum de la carrera de Isaac Hayes, en gran medida por la manera en la que reenfocó canciones como Walk on by para convertirlas en piezas instrumentalmente complejas y sublimes.

Unplugged In New York - #MesNirvana

 

Unplugged In New York


     El 1 de noviembre de 1994 la banda de estadounidense Nirvana publicaba sus primer álbum en directo, más concretamente una actuación acústica grabada en los Sony Music Studios de Nueva York el 18 de noviembre de 1993 para el programa de televisión MTV Unplugged. Este álbum fue producido por Scott Litt, Alex Coletti y el grupo Nirvana, y publicado por el sello discográfico Geffen Records.



El programa fue dirigido por Beth McCarthy y transmitido por la cadena de televisión por cable MTV el 16 de diciembre de 1993. Curiosamente y en contra de lo que se solía hacer en el conocido programa, Nirvana tocó principalmente temas menos conocidos y versiones de The Vaselines, David Bowie, Lead Belly y Meat Puppets. Según David Grohl, Nirvana quería hacer alg diferente a una actuación típica de MTV Unplugged, ya que habían visto varias y no les habían gustado muchas de ellas, ya que la mayoría de las bandas se dedicaban a tocar sus éxitos de siempre como si estuvieran en el Madison Square Garden, solo que lo hacían con guitarras acústicas. Aunque las presentaciones anteriores habían sido completamente acústicas, Nirvana usó amplificación eléctrica y efectos de guitarra durante el concierto, y contaron con la colaboración del guitarrista rítmico Pat Smear, la violonchelista Lori Goldston, además de algunos miembros de Meat Puppets para algunas canciones. 

MTV Unplugged In New York fue lanzado después de que el grupo abandonara los planes de lanzar la actuación como parte de una compilación de doble álbum en vivo titulada Verse Chorus Verse. Este álbum fue el primer lanzamiento del grupo después de la muerte de Kurt Cobain, fallecido unos  siete meses antes. El disco debutó con el puesto número uno en la lista Billboard 200 de Estados Unidos, y en 2020 ya había conseguido ocho certificaciones de platino. En 1996 ya había superado los 6'8  millones de copias vendidas de su álbum In Utero y ganó el premio Grammy a la Mejor Interpretación de Música Alternativa.

Para la actuación, el grupo se inspiró en el álbum The Winding Sheet de Mark Lanegan de 1990, y la actuación fue grabda el 18 de noviembre de 1993 en los Sony Studios de Nueva York. Cobain sugirió que el escenario se decorara con lirios, velas negras y un candelabro de cristal. Al ser preguntado que si lo quería como si fuera un funeral éste respondió: "Exactamente como un funeral". A pesar de la premisa acústica del programa Cobain había insistido en pasar su guitarra acústica por su amplificador y pedales de efectos. Para ello el productor Coletti construyó una caja falsa frente al amplificador para disfrazarlo como una cuña de monitor. Otra de las curiosidades de este directo es que a diferencia que muchos de los artistas que aparecieron en este programa, Nirvana filmó la actuación completa de los 14 temas en una sola toma. 



MTV Unplugged In New York
incluía una canción de sus álbum debut Bleach, cuatro de su segundo álbum Nevermind, tres del recientemente lanzado In Utero y seis versiones. Los temas que integran el álbum son About A Girl, incluido en Bleach, tema que supuestamente fue escrito en 1988 después de que que Cobain pasara una tarde escuchando repetidamente Meet the Beatles. Cobain escribió la canción para su novia Tracy Marander, quien no lo supo hasta unos años después al leerlo en el libro "Come as You Are: The Story of Nirvana". Come as You Are, perteneciente al álbum Nevermind y el único tema de renombre que la banda grabó en este directo. Una canción que Kurt Cobain escribió sobre la gente y de como se espera que actúe. Jesus Doesn't Want Me For a Sunbeam, versión que el grupo realiza del la banda de pop indie escocesa The Vaselines. El tema es una parodia sobre el himno cristiano para niños. The Man Who Sold the World, versión del maravilloso tema de David Bowie. Kurt había incluido este disco de Bowie en el puesto 45 de su lista personal de sus 50 discos favoritos. Pennyroyal Tea, incluido en el álbum In Utero, canción que trata sobre tomar una difícil decisión y las consecuencias y el sentimiento de culpa que le sigue. Dumb, incluido también en In Utero, el malogrado cantante la escribió sobre los simples y tontos placeres de la vida. Polly, del disco Nirvana, trata sobre un hecho real, el secuestro de una niña de 14 años en 1987. Esta niña regresaba de un concierto en Tacoma, Washington, cuando fue secuestrada por un hombre llamado Gerald Friend, quien la llevó a su refugio, la violó y la torturó con un látigo, un soplete y una navaja. La niña se las arregló para escapar y Gerad Friend fue arrestado y enviado a prisión. On a Plain, incluida en Nevermind. Cobain escribió esta canción sobre el acto de escribir una canción, explorando aspectos como el del proceso de la composición, el bloqueo a la hora de componer y el intento de encontrar la voz adecuada. Something in the Way, última canción que aparece del disco Nevermind. Cobain expresa sus sentimientos en algo que sufrió en sus propias carnes cuando le echaron de casa y tuvo que vivir debajo de un puente cercano. Plateau, Oh MeLake of Fire son los tres temas que vesionan del grupo estadounidense Meat Puppets, con el que habían coincidido en una gira anterior. Se encarga de cerrar este Unplugged otra versión, Where Did You Sleep Last Night, tema tradicional folclórico estadounidense. Nirvana se basó en la versión y los arreglos que hizo el músico y compositor estadounidense de folk y blues Lead Belly

sábado, 30 de julio de 2022

0576.- Strange Feelin' -Tim Buckley

 

Strenge Feelin', Tim buckley


     Happy Sad fue el tercer álbum publicado del cantautor estadounidense Tim Buckley. el disco fue grabado en los estudios Elektra Sound Recorders de Los Angeles en diciembre de 1968, contó con la producción de Zal Yanovsky, sustituido posteriormente por Jerry Jester, y fue publicado en marzo de 1969 bajo el sello discográfico Elektra Records en abril de 1969. Este disco marcó el comienzo de un periodo más experimental del cantautor ya que incorporó elementos de jazz que nunca había utilizado.

Muchas de las canciones de este álbum se alejan de la forma binaria (forma musical) que habia predominado en gran parte de su trabajo anterior. El sonido del disco se caracteriza por el uso del vibráfono del percusionista David Freeman y las canciones son  mucho más largas. Tim Buckley había dejado de trabajar con el letrista Larry Beckett, con el que había trabajado en sus dos anteriores álbumes, y comenzó a escribir las letras el mismo. 

Gran parte del material de Happy Sad fue escrito al mismo tiempo que el material que formaría parte de sus dos disco posteriores, Lorca y Blue Afternoon, convirtiendo esta etapa en la más productiva y prolífica del cantautor. Incluido en en Happy Sad se encuentra el tema Strange Feelin', con una duración de algo  más de 7 minutos y medio, y escrito por Buckley. Este tema se inspiró instrumentalmente en la canción All Blues de Miles Davis, el cual había aparecido publicado en su disco Kind Of Blue de 1959. La melodía que Tim utilizó para la canción era totalmente original. Lo toques de blues de la guitarra de Lee Underwood en este tema se hacen notar y ensamblan perfectamente con la voz de Buckley, y los efectos jazzisticos de Buckley, recurso que utiliza durante todo el álbum, hacen que se recuerde a los discos finales de Miles Davis.

viernes, 29 de julio de 2022

575.- Nada - Ma che freddo fa

 


Hacia mediados de los años 70 del siglo pasado, fue cuando la italiana Nada Malanima (Gabbro, 1953), una de las más exitosas cantantes italianas de los años dorados de la canzone, decidió poner fin a su estela de estrella del pop para adentrarse en territorios más sociales y enraizados en el folk y el rock más combativo. Antes, sin embargo, su figura se había hecho realmente famosa a la tierna edad de 16 años en países como España, gracias a sus grandes éxitos de finales de los años 60 y principios de los 70, especialmente con 'Ma che fredo fa' canción con la que participó en el festival de San Remo de 1969, sin llegar a ganarlo pero obteniendo un eco popular que aún todavía perdura, con 'Pa' diglielo a Ma' (1970) o con la esplendorosa 'Il cuore è uno zíngaro', canción con la que en 1971, triunfó y resultó laureada en el festival de los festivales de la canzone italiana. Pero, volviendo a la época en la que decidió colgar los hábitos de estrella del pop para optar por un control artístico más férreo sobre su música, también consideró realizar incursiones en el mundo de la actuación y encauzar sus primeros pinitos con la poesía y la narrativa. Nada sacrificó las mieles de la popularidad para intentar mantener un carrera en la que tuviera más peso lo artístico y todo lo relacionado con sus propias inquietudes ideológicas, lo que considera como algo natural, propio del devenir de los años y, es probable, íntimamente ligado a la madurez.

El disco de la semana 286: Post - Björk

 


Nos detenemos en otro álbum de la maravilla islandesa, en esta ocasión nos deja algo excelso, Björk una vez más crea música innovadora para la cultura pop y dance, sin embargo, aquí tenemos a Björk saliéndose un poco de la corriente principal y de sus raíces Sugarcubes. Producida por Nellee Hooper, Graham Massey de 808 State, Howie Bernstein, Tricky y la propia Björk, Post generó mucha admiración en sus extravagantes expresiones, sonidos industrializados y colores fluidos. Grabado en los legendarios Compass Point Studios de las Bahamas, Post necesitaba gestarse en un entorno y una mentalidad completamente diferentes, las estrellas vívidamente en el cielo y las tranquilas playas nocturnas es todo lo que se necesitaba para impulsar los poderes creativos de Björk. Además, la gama eventual de música electrónica cálida y relajante a finales de los 90 ayudó a cambiar la tendencia controladora de pensar en cualquier cosa generada por computadora como fría, aburrida o inhumana, Post reinventó el amor por la música electrónica inteligente. Björk aún toma la idea de Debut al crear una variedad impredecible de tonos y sonidos de la vida cotidiana de los sonidos. El álbum incomparable, sin embargo, es mucho más maduro y creativo que el Debut exultante y despreocupado. Post recoge las experiencias recientes de Björk en la vida con su música y muy especialmente con su amor.

 


El álbum comienza con Army of Me, y desde el principio es peculiar, con gritos y estruendos distorsionados y una línea de bajo palpitante que se mezcla con una percusión más dura. Bjork entra, ligeramente distorsionado y más bajo en el registro, suena un poco amenazante, pero el mensaje es más alegre que su sonido. Cancion dedicada a su hermano, es una alegato a la independencia y autosuficiencia, puede parecer una canción sobre la rivalidad entre hermanos, hay muchas cosas que creo que podemos identificarlo con eso, los enfados que sentimos, nuestras emociones, nuestras relaciones con nuestras familias, pero creo que la canción se pueda interpretar de otra manera, creo que el mensaje de Army of Me se puede aplicar a todas las relaciones, ya sean amistades o romances, el espacio debe estar ahí. Cuesta un tiempo disrutar del contraste entre el brillo de las melodías anteriores de Björk y la intensidad industrial de este, pero una vez que acepté lo que estaba escuchando, llegué a apreciarlo ya que es una canción que roza el rock industrial. La siguiente canción, Hyperballad, incorpora un espectro de estilos electrónicos y orquestales, comienza con una suave folktrónica y luego se adentra más en un estilo acid house teñido de batería y bajo. Es un intento de reflejar la letra de la canción, que trata sobre no olvidarse de uno mismo, en la cancion Björk describe vivir en la cima de una montaña e ir a un acantilado al amanecer, lanza objetos por el acantilado mientras reflexiona sobre su propio suicidio, este ritual le permite exorcizar pensamientos más oscuros y volver con su pareja. The Modern Things es una esencia de Bjork, una intuición curiosa rodeada de un poco de lógica, un canto de posibilidades, de lo que podría pasar. El bajo sonoro y palpitante es un gran acierto en esta canción, y parte del sutil sintetizador que circula de un lado a otro bajo su voz en el pre-estribillo es increíble. Sé que Björk es rara, y sus letras pueden llegar a lugares muy abstractos cuando quiere, y no tengo ni idea de a qué se dirige aquí. ¿Por qué los autos están esperando en una montaña y qué tipo de ruidos hacen los dinosaurios que son tan irritantes? El resto de la letra de la canción es menos desagradable, todo en islandés y abstracto hasta el punto de que todavía no sé qué está pasando. No lo entiendo, pero no me importa. 

It's Oh So Quiet es una canción de jazz-pop de big band que es realmente una novedad, pero merece mucho más de lo que implica la palabra "novedad". La base es una vieja canción pop alemana (que Betty Hutton hizo famosa por primera vez en Estados Unidos en 1951), pero también es un intento genuino de perfeccionar esa canción con los poderes y fuerzas más extravagantes, maníacos y cambiantes que ella sabe que debería haber tenido desde el principio. ¡Y ella simplemente lo hace!. Björk hace esta canción suya, los instrumentos de jazz son geniales, especialmente el contrabajo, y cuando está el pequeño dúo interverso entre este y la caja de música, es una sección perfecta de esta canción. Silencioso, luego fuerte y luego silencioso. Bjork tiene extremos, y esta canción los muestra. El video musical al estilo de Jacques Demy es realmente el complemento perfecto para la música, ya que la voz de Björk se calma como (y para) una caja de música y luego lanza grandes ojos boquiabiertos al aire. En pleno arte pop, dance, y tal vez hasta algún trip pop (no sé), AQUÍ ESTÁ EL SWING JAZZ. Y es increíble. Si bien es una versión, Bjork hace de esta una de las mejores canciones del álbum.

 

Enjoy una pista de bajo distorsionada y un sintetizador de registro medio que forma un comienzo increíble, Bjork esta excelente en la voz y la letra es interesante porque al mismo tiempo desea la simplicidad siendo bastante compleja. La canción tiene sus momentos de pura alegría, apropiados para una canción llamada Enjoy, particularmente en la parte del coro y las transiciones del coro al verso. La melodía es pegadiza y, como Army of Me, la distorsión de su voz permite resaltar el bajo. Lo atractivo de esta canciones eso surge como una canción divertida pero es muy compleja, una canción sobre los vínculos entre el sexo y el miedo, sobre tambores militares, ella canta sobre sus tendencias hedonistas. You've Been Flirting Again es de los temas mas flojis, presenta a Bjork cantando suavemente sobre un fondo de cuerdas, como casi siempre, Bjork cumple con las voces pero tal la falta de claridad en torno a la letra, hace que sientas que el nivel ha bajado.

Isobel es la obra definitiva del álbum, con metales sensuales al comienzo y un bajo de percusión, Bjork muestra aquí su máxima imaginación, la letra es hermosa, cuenta la historia de una niña / mujer nacida mágicamente en un bosque que encuentra a las personas en la ciudad "demasiado inteligentes para ella", y finalmente se retira a la naturaleza y les envía un mensaje de paz a través de polillas entrenadas. Inspirada en la literatura sudamericana, particularmente en Gabriel García Márquez, la letra de la canción habla de "la dualidad entre la razón y las emociones, entre la intuición y el intelecto". El estribillo es pegadizo y los versos, a pesar de su rapidez, cuentan con maravillosas rimas líricas. Mi parte favorita de la canción esta al final del segundo estribillo, hay un solo de cuerdas perfecto. El resto de la canción es igualmente pegadiza, y la parte de la canción que se aparta del típico verso-estribillo-verso-estribillo también es entretenida. El volumen crece ligeramente a medida que avanza la canción, pero se mantiene relativamente bajo. Hacia el final de la canción se convierte en una suave canción pop bailable, que recuerda la excelencia de Debut. El desvanecimiento con los "na-nas" asegura que fluya bien en la siguiente canción. Lo mejor del álbum.

 



La balada simple y desgarradora Possably Maybe se basa en la repetición de las dos palabras del título, mientras su hablante se desplaza sobre los sonidos vagos y confusos del instrumental, como si estuviera flotando en un río de tristes recuerdos de un amor perdido. Björk ha dicho que fue la primera canción infeliz que escribió, afirmando en 1997: "Fue muy difícil para mí. Me avergonzaba escribir una canción que no daba esperanza". La guitarra slide en el fondo de la canción originalmente estaba destinada a ser su punto focal, ya que Björk inicialmente se esforzó por lograr un sonido de "country ambiental" inspirado en "Wicked Game" de Chris Isaak. La letra documenta las diversas etapas de la desafortunada relación de Björk con Stéphane Sednaoui. I Miss You es bastante chirriante y en comparación con el resto de Post, ni las letras ni las voces destacan, u punto positivo es la forma en que los metales y los instrumentos forman el coro de gritos, y la inclusion de bongos funciona bien, hay un sintetizador nadando debajo de esta cosa que suena como un acordeón, una línea de bajo siniestra y retumbante, y estos cuernos danzantes triunfantes que se unen para un descanso alrededor del punto medio, todo rodeado por tambores más rugosos, sin embargo, esta canción sigue siendo la más débil de Post. Cover Me es otra pista transitoria, las cuerdas pulsantes me recuerdan a un instrumento japonés llamado koto, y la canción me hace pensar que podría tocarse en cualquier tipo de tradición popular. Björk parece estar muy cerca de varias marcas de música "World" sin siquiera profundizar en ella, y hace que su música parezca como si fuera un renacimiento de una antigua tradición perdida hace mucho tiempo. Headphones es asombrosamente hermosa y sin embargo es poco apreciada, es solo la voz de Björk y algunos puntos y bucles variables de percusión electrónica, está jugando con los más simples fragmentos de sonido como si estuviera conectando silenciosamente puntos de diferentes tamaños y colores en un lienzo enorme, rodando palabras alrededor de sus labios de una manera que no parecería tener algún potencial para quedarse en tu cabeza, pero lo hace de todos modos, acentúa lo que la propia Björk llamó el sonido del sonido: resonancias, frecuencias, silencios y demás convirtiéndola en una canción soñadora, serena, perdida en el espacio.

jueves, 28 de julio de 2022

0574.- We're not gonna take it / See me, feel me - The Who



We're Not Gonna Take It/See me, feel me es la última canción de la ópera rock Tommy, de los ingleses The Who. La canción es en realidad un compendio de dos canciones, ya que en su parte final retoma los temas See me, feel me y Listening to you, himnos centrales de la densa ópera rock ideada por Pete Townshend, autor de la letra de ésta y de la mayor parte de las canciones de la banda.

Sin embargo, We're Not Gonna Take It no fue originalmente escrita para Tommy, y su letra describía en realidad una reacción del pueblo a, en palabras del propio Townshend, las políticas "fascistas" de los gobernantes de la época en el Reino Unido. La canción encontró su lugar en el disco transformada en la respuesta airada de los seguidores de Tommy a la nueva religión de éste, que prohibía el alcohol y las drogas y se centraba en jugar al "pinball" ("Él dice 'no puedes beber, no puedes fumar droga, no puedes hacer esto, no puedes hacer aquello, tienes que jugar al pinball, tienes que hacerlo a mi manera; si no lo haces a mi manera, estás fuera").

Además de ser incluida en el álbum de TommyWe're Not Gonna Take It fue lanzada como single en Estados Unidos, como cara B de I'm Free, otro de los grandes temas del disco, mientras que ya en 1970, la parte de la canción en la que se retomaba See Me, Feel Me fue también lanzada como sencillo, esta vez como cara A, con la apertura del álbum (Overture from Tommy) en la cara B. En un formato o en otro, la combinación de estos tres temas (We're Not Gonna Take It/See me, feel me/Listening to you) es probablemente la mejor manera de acercarse y de entender la tan desproporcionada como impactante ópera rock de Tommy

miércoles, 27 de julio de 2022

0573 - Pinball Wizard - The Who

0573 - Pinball Wizard - The Who

Pinball Wizard 
es una canción escrita por Pete Townshend e interpretada por la banda de rock inglesa The Who, incluida en su álbum de ópera rock de 1969 Tommy. 
La grabación original se lanzó como sencillo en 1969 y alcanzó el puesto número 4 en las listas del Reino Unido y el número 19 en el Billboard Hot 100 de EE. UU.

Esta canción es una de las canciones en vivo más famosas de la banda y se toca en casi todos los conciertos de The Who desde su presentación en vivo en su debut el 2 de mayo de 1969. Las presentaciones en vivo rara vez se desviaron del arreglo del álbum, salvo por un atasco ocasional al final que a veces conduce a otra cancion. Las grabaciones piratas muestran que se sabe que esta canción dura hasta 8 minutos, y estos sucedió en un concierto en el Rainbow Theatre de Londres el 3 de febrero de 1981, aunque las versiones en vivo que duran tanto son extremadamente raras. Pinball Wizard también se jugó durante el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl XLIV el 7 de febrero de 2010.

La canción fue interpretada por el músico inglés Elton John en la adaptación cinematográfica de Tommy de Ken Russell de 1975. Esta versión se lanzó en 1975 como sencillo promocional solo en los EE. UU., y en 1976 en el Reino Unido, donde alcanzó el número 7. Debido a que no se lanzó como sencillo comercial en los EE. UU., no era elegible para ser incluido en el Billboard Tabla de 100 calientes. Sin embargo, llegó a la lista de reproducción al aire de US Radio & Records, donde alcanzó el número 9.

Daniel 
Instagram storyboy 

martes, 26 de julio de 2022

0572.- I'm Free - The Who

 

I''m Free, The Who


     Tommy es considerada la ópera prima de la banda británica The Who, el cuarto álbum de estudio del grupo, y que precedió a las mini óperas que el grupo ya había  compuesto anteriormente, A Quick One, While He's Away y Rael. El grupo, dentro de su creciente interés por técnicas de composición más refinadas en el campo de la música popular dentro de la década de los 60, culminó ese interés con la publicación de Tommy, su primera ópera rock completa, un disco de rock and roll con una narrativa lineal completa a través de su progresión de canciones.

Tommy es grabado entre septiembre de 1968 y marzo de 1969 en los IBC Studios de Londres, Inglaterra, bajo la producción de Kit Lambert, y publicado el 23 de mayo de 1969. El álbum se convirtió en uno de los discos más vendidos de la carrera de The Who, llegando a alcanzar la certificación de doble  disco de platino al superar la cifra de los dos millones de copias vendidas, cifra únicamente superada por su disco Who's Next, publicado por el grupo dos años después. 

Tommy fue compuesto en su mayoría por Pete Townshend, y se inspiró para escribirlo en las enseñanzas de Meher Baba, un gurú que enlazaba elementos de las escuelas de venta y mística a partes iguales. Townshend había sentido interés en las enseñanzas del gurú después de la publicación de The Who Sell Out en 1968. 

En esta ópera rock se detallan todas las etapas de la vida del protagonista, un chico que queda sordo, mudo y ciego tras un episodio traumático. Durante su convalecencia Tommy sufre abusos  de su primo Kevin y de su tío Ernie, es engañado por  una prostituta que intenta curarle mediante el uso de drogas y descubre su afición al pinball, al que juega con gran éxito mediante su único sentido disponible: el tacto. 

La trama evoluciona hacia la recuperación de sus sentidos cuando su madre rompe los espejos de la casa y la ganancia de adeptos que reconocen en Tommy una figura de culto por su cura milagrosa. Sin embargo, la actitud despótia de Tommy en el campamento de verano creado por su tío Ernie hace que sus discípulos le abandonen y el protagonista vuelva a refugiarse en su fuero interno. 

Incluido en este doble álbum se encuentra la canción I'm Free, compuesta por Pete Townshend. Esta canción relata la visión de Tommy para iluminar a otros espiritualmente debido a su inmensa y creciente popularidad. Tommy se ha liberado porque su madre acaba de romper el espejo de la casa en el cual se encontraba atrapado y se ha liberado. El riff principal de otro de los temas del álbum, Pinball Wizard, aparece en el final de la canción. Pete Townshend escribió Tommy, pero su mánager, Kit Lambert tuvo bastante que ver, el padre de Kit era director de orquesta y bastante reputado en el mundo de la música clásica, y Kit ayudó a Pete a pensar en la idea de una ópera rock.

lunes, 25 de julio de 2022

0571.- Stand! - Sly & The Family Stone

 

Stand!, Sly & The Family Stone


     Entra en escena una de las primeras bandas que se adentraron en el mundo de la psicodelia dentro del género funk, Sly & The Family Stone.

Sly Stone, al frente de su formación clásica, no entendía de razas ni sexo, entendía de música, por lo que estaba integrada por blancos y negros y mujeres y hombres por igual. La banda, liderada por el mítico Sylvester Stewart, más conocido como Sly Stone, surge en 1966 de la fusión del grupo liderado por SlySly & The Stoners y el grupo del hermano de SlyFreddie Stone, llamada Freddie & The Stone Souls. La fusión más alguna incorporación a la recien creada banda dio como resultado una formación compuesta por Sly Stone (teclados y voz), Freddie Stone (guitarra y voz), Gregg Erico (batería), Cynthia Robinson (trompeta) y Larry Graham (bajo). Al grupo se unen los componentes de un grupo de gospel que se hacían llamar Little Sister, compuesto por la hermana de los Stone, Vaetta StoneMary McCreary Y Elva Mouton, que se suman al proyecto como coristas. Acababa de nacer Sly & The Family Stone, una de las bandas más influyentes del género funk, una banda que se movía como pez en el agua con géneros como el funk, soul, soul psicodélico ó rock psicodélico entre otros.

En mayo de 1969, publican bajo el sello Epic Records, su cuarto álbum de estudio, Stand!, disco que supone el lanzamiento definitivo del grupo hacia el estrellato vendiendo más de tres millones de copias. Stand! era un álbum lanzado por un grupo compuesto por músicos de todas las razas y sexos, en una época donde imperaban los mensajes de paz, amor y tolerancia, y donde sus músicos derrochaban soul y funk de muchos kilates, aderezado con altas dosis de rock, blues, pop ó jazz, siendo capaces de envolverlo todo en un aire de psicodelia. Sly & The Family Stone estaban rompiendo moldes.

Incluido en el álbum se encuentra el tema que da título al álbum, Stand!, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, un medio tiempo donde los coros a modo de gospel nos acompañan durante todo el tema. El tema fue compuesto por Sly Stone, un alegato que nos anima a afrontar los obstaculos y defender nuestros derechos, todos somos libres y nadie debe decirnos que hacer ni como pensar, y si queremos algo debemos ir a por ello.

domingo, 24 de julio de 2022

0570.- Neil Young and Crazy Horse - Running Dry (Requiem for the Rockets)

 


Antes de que Crazy Horse fuera Crazy Horse, eran The Rockets. Como The Rockets, lanzaron un álbum homónimo en White Whale Records en 1968 y una de sus canciones, "Let Me Go", fue versionada en el debut de Three Dog Night en 1968, no fue algo que rompiera récords, pero parecían tener futuro. Neil Young conoció a los Rockets en agosto de 1968, tres meses después de que Buffalo Springfield se hiciera añicos, tocó con ellos en el icónico Whisky A Go Go y le gustó lo que escuchó, así que luego les pidió que lo ayudaran en un disco que estaba trabajando y que llevaría por titulo Everybody Knows This Is Nowhere. No todos los Rockets estuvieron de acuerdo, se suponía que era algo temporal, uno de los Rockets que no se presentó fue George Whitsell, quien recuerda: "Todos pensaban que Neil los usaría para un disco y una gira rápida, los traería de regreso y nos ayudaría a producir el próximo álbum de los Rockets, pero no lo cierto es que me costó un año y medio darme cuenta de que me habían quitado la banda".

La canción "Running Dry (Requiem for the Rockets" deja en claro que Neil Young nunca tuvo la intención de simplemente "tomar prestada" la banda. La canción trata sobre los arrepentimientos de Young por mentir y arruinar relaciones. Es algo que lo ha seguido toda su vida, pero algo que parece creer que es inevitable se piensa un esclavo de su musa, y hará cualquier otro sacrificio que necesite hacer por esa musa, es inquietante, suena como algo sacado directamente del set de un espeluznante western con su violín torturado y retorcido y sus tristes acordes menores, estamos ante el equivalente musical de las nubes de tormenta que se acumulan sobre el cielo más gris que puedas imaginar y por esa razón podría imaginar que a muchos no les gustará. La atmósfera es tal que uno pensaría que se han cometido múltiples asesinatos en lugar de lo que describe: una relación rota, donde creíamos que Neil iba a hacer un tributo/homenaje a la banda que empezó a acompañarle en sus inicios, nos regala una triste canción de una ruptura que no tiene solución, una canción sincera y confesional y, francamente, nunca he visto la necesidad de profundizar más en su significado. La interpretación vocal de Young es convincente, pero también lo es la inclusión de la parte del violín, que sirve como una desviación estilística pero que también complementa perfectamente la triste (no sabemos en realidad si sincera) interpretación de Young.

 

In Utero - #MesNirvana

#MesNirvana álbum In Utero

Vamos con la publicación de In Utero que es el tercer y último álbum de estudio de la banda de rock estadounidense Nirvana, lanzado el 21 de septiembre de 1993 por DGC Records.

Después de irrumpir en la escena de la música con su segundo álbum, Nevermind (1991), Nirvana contrató a Steve Albini para grabar In Utero, buscando un sonido más complejo y atrevido.

La grabación se llevó a cabo durante dos semanas en febrero de 1993 en Pachyderm Studio en Cannon Falls, Minnesota. Un rumor después de que se completó la grabación, circulaba  que DGC podría no lanzar In Utero debido al sonido atrevido de Steve Albini. El productor Scott Litt fue contratado para remezclar los sencillos "All Apologies", "Heart-Shaped Box" y "Pennyroyal Tea", lo que molestó a Steve Albini.

Pero In Utero fue un gran éxito comercial y de crítica. Los críticos elogiaron el cambio de sonido y la letra de Kurt Cobain. Alcanzó el número uno en el Billboard 200 de EE. UU. y en la lista de álbumes del Reino Unido; "Heart-Shaped Box" y "All Apologies" alcanzaron el número uno en la lista Billboard Alternative Songs. El álbum está certificado cinco veces platino y ha vendido 15 millones de copias.

In Utero fue el último álbum de Nirvana antes del suicidio de Kurt Cobain en 1994. "Pennyroyal Tea", planeado como sencillo antes de la muerte de Kurt Cobain, fue lanzado en 2014 y alcanzó el número uno en la lista Billboard Hot Singles Sales.

A principios de 1992, el compositor Kurt Cobain le dijo a la revista The Rolling Stone que el próximo álbum de Nirvana mostraría "ambos extremos" de su sonido y dijo: "Será más crudo con algunas canciones y más dulce en algunas de las otras. Ganó no ser tan unidimensional". El productor de Nevermind, Butch Vig, dijo más tarde que Cobain había necesitado trabajar con un productor diferente para "recuperar su ética o credibilidad punk".

Cobain quería empezar a trabajar a mediados de 1992, pero sus compañeros de banda vivían en diferentes ciudades, y Kurt Cobain y su esposa, Courtney Love, esperaban el nacimiento de su hija, Frances Bean. El sello discográfico de Nirvana, DGC Records, esperaba lanzar un nuevo álbum de Nirvana para la temporada navideña de 1992; en cambio, lanzaron el álbum recopilatorio Incesticide. 

En una entrevista de Melody Maker publicada en julio de 1992, Cobain dijo que estaba interesado en grabar con Jack Endino, quien había producido el álbum debut de Nirvana en 1989, Bleach, y Steve Albini, exlíder de la banda de noise rock Big Black, quien había producido varios lanzamientos independientes. En Seattle, en octubre de 1992, Nirvana grabó varias demos con Endino, principalmente como instrumentales, incluidas canciones que luego se volvieron a grabar para In Utero. Endino recordó que la banda no le pidió que produjera su próximo disco y que constantemente debatían trabajar con Albini. Nirvana grabó otra serie de demos mientras estaba de gira en Brasil en enero de 1993. "Galones de alcohol para frotar fluyen a través de la tira" fue grabado por Craig Montgomery en BMG Ariola Ltda en Río de Janeiro, durante la sesión de demostración de tres días. La canción se tituló originalmente "I'll Take You Down to the Pavement", una referencia a una discusión entre Cobain y el cantante de Guns N' Roses, Axl Rose, en los MTV Video Music Awards de 1992.

Nirvana finalmente eligió a Steve Albini para grabar su tercer álbum. Steve Albini tenía una reputación en la escena de la música independiente estadounidense por ser crítico con la industria de la música convencional y tenía una estricta preferencia por la grabación analógica en lugar de la digital. Envió un descargo de responsabilidad a la prensa musical británica negando los rumores de su participación en Nirvana, solo para recibir una llamada de la gerencia de Nirvana unos días después. Steve Albini descartó a Nirvana como "REM con un fuzzbox" y "una versión corriente del sonido de Seattle". Sin embargo, aceptó el trabajo porque sentía pena por ellos, percibiéndolos como "el mismo tipo de personas que todas las bandas de poca monta con las que trato", a merced de su compañía discográfica.

Kurt Cobain dijo que eligió a Steve Albini porque había producido dos de sus discos favoritos, Surfer Rosa (1988) de Pixies y Pod (1990) de Breeders. Cobain quería usar la técnica de Steve Albini de capturar el ambiente natural de una habitación a través de la colocación de varios micrófonos, algo que los productores anteriores de Nirvana habían sido reacios a intentar. Antes de la grabación, la banda le envió a Albini una cinta de los demos que habían hecho en Brasil. A cambio, Albini le envió a Cobain una copia del álbum Rid of Me (1993) de PJ Harvey para darle una idea de la acústica en el estudio donde grabarían.

Daniel 
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sábado, 23 de julio de 2022

0569 - Cowgirl in the Sand - Neil Young

0569 - Cowgirl in the Sand - Neil Young

Cowgirl in the Sand
es una canción escrita por Neil Young y lanzada por primera vez en su álbum de 1969 Everybody Knows This Is Nowhere.

Neil Young ha incluido versiones en vivo de la canción en varios álbumes y en el álbum 4 Way Street de Crosby, Stills, Nash and Young. 

También ha sido versionada por The Byrds en su álbum homónimo. Al igual que otras tres canciones de Everybody Knows This Is Nowhere, "Cinnamon Girl", "Down by the River" y la canción principal, Neil Young escribió Cowgirl in the Sand mientras sufría de gripe y fiebre alta en su casa en Topanga, California.

El crítico de Allmusic Matthew Greenwald describió Cowgirl in the Sand como "una de las composiciones más duraderas de Neil Young" y "un verdadero clásico". El crítico de Rolling Stone, Rob Sheffield, las llama "Down by the River" y "Down by the River" como las "pistas clave" de Everybody Knows This is Nowhere, llamándolas "atascas de guitarra largas y violentas, divagando sobre la marca de los nueve minutos sin ningún rastro de virtuosismo". solo explosiones de guitarra entrecortadas que suenan como si Neil Young se lanzara en paracaídas en medio de la disputa Hatfield-McCoy ".

Daniel 
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viernes, 22 de julio de 2022

Disco de la semana 285: White lies for dark times - Ben Harper and Relentless7



"Mentiras piadosas para tiempos oscuros" sería una traducción aproximada del título del noveno álbum de Ben Harper, pero en la traducción se pierde el matiz del contraste entre el "blanco" de las mentiras y el "oscuro" de los tiempos a los que hace referencia. Eran nuevos tiempos para Harper, que por primera vez aparcaba momentáneamente a su banda de apoyo The Innocent Criminals (Criminales inocentes) para embarcarse en este disco con la banda Relentless7 (Implacables7), formada por el guitarrista Jason Mozersky, el bajista Jesse Ingalls y el baterista Jordan Richardson, artífices junto a Harper de un llamativo tránsito del sonido más pulcro de los inocentes, a una propuesta de blues rock texano más árida e implacable.

Publicado en 2009, White lies for hard times es otro gran ejemplo de la inquietud de Ben Harper por ir evolucionando y cambiando el paso en cada uno de sus discos, lo cual no significa que a lo largo de sus 11 cortes no tengamos oportunidad de encontrar también alguno de sus tradicionales temas acústicos y con ese feeling soul que Harper ha llevado siempre de serie, pero lo que más impresiona del disco es la predominancia de un rock eléctrico áspero y potente, con marcadas raíces bluseras y texanas.

No hay que esperar mucho para comprobar lo que estamos describiendo, porque el primer corte Number with No Name ya es un compendio de riffs de blues eléctrico y ásperas guitarras slide, bien guiadas por un bajo y batería especialmente contundentes. El sonido es el de una gran banda perfectamente engrasada, algo digno de mención ya que se enfrentaban a su primer trabajo juntos. Le sigue Up to you know, que podríamos denominar como uno de los temas más Harper del disco, entendiendo esto como una mayor cercanía melódica a lo que el músico había hecho en discos anteriores con los Innocent Criminals, y que encuentra la manera de no desentonar en este disco a través del potente bajo y la distorsión de las guitarras. Es solo un alto en el camino, porque Shimmer & Shine, elegido como primer single del disco, vuelve al camino del rock al ritmo de una batería cercana al punk y unas guitarras que zumban de fondo mientras Harper canta un tema ideal para grandes estadios.

Lay there & hate me tiene un regusto soul funk contestatario y rebelde y aporta la dosis necesaria de variedad en un disco de rock, mientras que Why Must You Always Dress in Black supura blues rock con su riff vertiginoso e incendiario y la master class de intensidad que ofrece Jordan Richardson a la batería, antes de que con Skin Thin llegue el ya mencionado momento en el que Harper cuela en el disco una de sus habituales baladas acústicas de marcada melancolía sureña. Tras la pausa para respirar hondo, llega el turno de Fly one time, una agradable pieza que encajaría como un guante en discos de REM o U2, con guitarras efectivas pero menos agresivas que las de las canciones más relevantes del disco, entre las que sin duda está Keep it together (So I can fall apart) en la que las influencias de Hendrix en la guitarra wah wah son evidentes. Intensa y electrificada, te mantiene en vilo hasta que se frena a mitad, convirtiéndose en un leve lamento de voz y guitarra blues, que poco a poco van reponiéndose hasta estallar de nuevo en un intenso final eléctrico.

Boots like these tiene un ritmo vertiginoso y oscuras guitarras que prolongan acordes, mientras Harper canta en un estilo que es casi un recitar acelerado con el que conforma el tema más experimental del disco, una rareza que contrasta con la intensidad y la profundidad de The world suicide, uno de los momentos más inspirados del disco, con aires de himno épico y un evocador solo de guitarra. Y desde lo más alto, solo queda contemplar satisfechos el espectacular paisaje, e iniciar tranquilamente el descenso con Faithfully Remain, otra de esas bellas y aparentemente sencillas baladas marca de la casa, pero no por ello menos inspirada o más prescindible que cualquier otra de las 11 mentiras piadosas con las que Ben Harper nos ayuda a superar estos tiempos tan oscuros.

0568.- Cinnamon girl - Neil Young



Cinnamon girl, del disco de Neil Young "Everybody Knows This Is Nowhere" tiene una estructura de dúo en la que juega un papel principal la voz de Danny Whitten, colaborador habitual en sus primeras grabaciones, que canta las armonías vocales altas mientras Young hace lo mismo en las bajas. La canción comparte el mismo tono que otras grandes canciones de Young, como "The Loner", "The Old Laughing Lady" o "Ohio", entre otras, y fue escrita en su casa de Topanga, California, junto a otras dos canciones del mismo disco ("Cowgirl in the Sand" y "Down by the River"), en un estado febril producido por una fuerte gripe.

Lanzada como single en 1970, Cinnamon girl solo alcanzó el puesto 55 del Billboard estadounidense, pero más allá de su aceptable recorrido comercial, la canción destacó por sus muchas e innovadoras virtudes musicales. Su progresión de acordes de apertura está considerada uno de los mejores riffs de guitarra de todos los tiempos, y su vertiginosa línea de bajo descendente y su repetitivo solo de guitarra, consistente en gran parte en la repetición de una nota "Re" tocada muy aguda y alargando la duración del sonido, han hecho que se la considere un ejemplo adelantado y primerizo de lo que en los años noventa sería el grunge.

En la letra, Young sueña despierto con una misteriosa chica ¿mexicana?. Mucho se ha especulado sobre si la "chica canela" era real, y de serlo, cual sería su identidad. Una de las teorías apunta a Pamela Courson, novia de Jim Morrison, por ser parte del entorno de Young en aquella época, y por el color rojizo de su pelo, muy parecido al de la canela. Young siempre ha negado que escribiera la canción pensando en ella, así que nos quedamos con las ganas de saber si existió realmente la Cinnamon girl de Neil Young, o solo fue fruto de su imaginación y, ahí es nada, de su increíble talento.

jueves, 21 de julio de 2022

567.- Sweet Caroline - Neil Diamond



Podría conformarme con decir que Sweet Caroline es una canción compuesta e interpretada por Neil Diamond, sin perder la ocasión de mencionar que fue el mayor éxito de su carrera, llegando hasta la cuarta posición del Billboard estadounidense en el año de su publicación (1969). O con recurrir a la mención de los muchos artistas que, posteriormente, la han versionado, y saldrían entonces a la palestra nombres como Bobby Womack, Julio Iglesias, Roy Orbison, Chet Atkins, Ray Conniff, Elvis Presley, U2 o Frank Sinatra, entre muchos otros, pero nada de eso sería suficiente para que quedara reflejado el valor mágico y emocional de esta canción.

Y es que para entender la magnitud de Sweet Caroline, además de todo lo ya comentado, no puedo dejar de mencionar que para mí, y para muchos de mis amigos, es la canción que sonaba en aquella maravillosa película generacional que respondía al título de "Beautiful girls", en la que el protagonista realizaba un viaje a su pequeña localidad de origen para reencontrarse con sus antiguos compañeros de instituto, y el regreso a los lugares y los rostros del pasado le hacía reflexionar sobre su futuro y el difícil tránsito de los sueños de juventud (ser pianista) a las obligaciones de la vida adulta (trabajar como responsable de ventas).

Lo más probables es que la mayoría de nosotros optara por algo equivalente a aquel puesto de ventas, en lugar de perseguir algo similar al sonido de aquellas teclas del piano, pero incluso habiendo casi olvidado los dulces sueños de la infancia y la adolescencia, hay pocas tardes que recuerde tan felices como el día que, en el estadio de Twickenham en Londres, asistiendo con mi mujer a un partido de la selección inglesa de rugby, en los momentos en los que el partido se paraba por cualquier decisión técnica que demorara su reanudación, por los altavoces del estadio sonaba a todo trapo Sweet Caroline. Pensaréis que esto no tiene ninguna relevancia adicional para reflejar la magnitud emocional de la canción, pero lo entenderíais al instante si hubierais estado allí y hubierais visto las caras de felicidad de miles de adultos cantando al unísono, trasladados de inmediato a un lugar del pasado en el que los sueños eran posibles.

miércoles, 20 de julio de 2022

0566.- Sugar, sugar – The Archies

 


El final de la década de 1960 trajo la moda de la música el Bubblegum Pop, un género musical de la música pop de carácter melódico y ritmo animado, comercializado para atraer a los preadolescentes y adolescentes que encabezada por bandas como The Banana Splits,  The Partridge Family o The Ohio Express, pero sin duda este lanzamiento único, creado en el estudio para resaltar a los personajes de dibujos animados The Archie que fueron un gran éxito en la televisión de los sábados por la mañana, fue el mejor representante de este estilo.

The Archies se formaron en el 68, en Riverdale, EE. UU., después de ver a los Monkees, un grupo de amigos adolescentes decidió formar una banda, encabezada por el guitarrista y cantante principal Archie Andrews, rápidamente fueron captados por Calendar Records y tuvieron un par de éxitos nacionales antes de obtener un éxito mundial con esta dulce balada y apuntándose el gran éxito de 1969, tuvieron el sentido común de lanzarlo justo cuando estaba comenzando el verano, cuando los jóvenes son los más felices y están de buen humor, esperando toda la diversión del verano, la canción no paro de sonar incesantemente en la radio, ya que alcanzó el número 1 en muchas listas de la ciudad y es que el producto era perfecto, no hay duda de que las letras, la maestría musical, y las voces son muy entrañables acompañado del tono y el ritmo necesario para un día de verano perezoso y caluroso, a los jóvenes y a los mayores les encantó y fue tan popular que incluso el maestro del soul Wilson Pickett hizo su versión, sorprendentemente, la canción ha permanecido en nuestra memoria, en nuestros oídos e incluso en nuestras radios durante muchas décadas convirtiéndose en un clásico para cualquier temporada de verano, una cancion para crear nuevos recuerdos y recordar veranos pasados.

Posiblemente una de las canciones de chicle más perfectas de la historia, es este Sugar, sugar, quiero decir, solo escucha esas letras dulces y dulces mientras Andrews compara a su chica con un dulce. El coro es tan memorable y esas pequeñas pausas instrumentales con el excelente teclado de Veronica Lodge son mágicas. Es cierto que es un poco repetitivo y el contenido lírico en sí mismo entra por un oído y sale por el otro, pero a pesar de eso, es muy agradable de escuchar y mas en cualquier verano si tienes 16 años y un pelin de gusto musical.

 

Bleach - Nirvana #MesNirvana

 



Este álbum parece formulado, con sus introducciones de retroalimentación, riffs de estilo heavy metal y percusión. La música y las letras son melancólicas, con voces roncas y roncas de Kurt Cobain. Lanzado por Sub Pop Records en junio de 1989, el álbum debut de Nirvana, Bleach , se grabó por solo 600 dolares, un riesgo escaso para la banda. A pesar de sus orígenes de sello independiente, Bleach ha vendido más de dos millones de copias en todo el mundo y sigue siendo el lanzamiento más vendido de Sub Pop. Como muchos recuperamos este disco después de haber machacado Nevermind y al escuchar Bleach por primera vez, fue difícil entenderlo, la magnificencia pop que se escuchó en Nevermind (es esencialmente un disco pop) fue enterrado bajo varias capas de lodo. Las armonías de Cobain estaban en su mayoría ausentes y todo lo que parecía presente eran los gritos, aullidos y aullidos de Cobain mientras intentaba hacer oír su voz por encima de la música. La mayoría de las letras fueron masticadas y escupidas como incomprensibles y sin importancia, no un galimatías como tal, sino gemidos guturales de frustración y alienación. La emoción y el poder de la música eran obvios, pero escuchando a través de la lente de la producción más nítida de Nevermind de Butch Vig , Bleach sonaba como si estuviera siendo hecha por extraterrestres, sin duda extraterrestres con conocimiento de cómo mantener una melodía decente.


 

Arranca el álbum con Blew no movemos en graves profundos mientras todo lo paga una especie de riffs de heavy metal. Guitarra principal, blues rock y medio tiempo, la voz apenas se puede apreciar y la no se distingue la letra, en el fondo ni está mal. El Floyd the Barber está basada en un personaje del programa The Andy Griffith Show del que Kurt Cobain dijo que la canción era sobre "un pequeño pueblo que se hizo malo. Todos terminan convirtiéndose en asesinos en serie"., de nuevo nos encontramos con otra canción dura, áspera donde predominan las guitarras ante las que todo sucumbe, introducción distorsionada, luego ritmos de heavy metal y riffs, sin embargo, las voces no son realmente de estilo heavy metal. El pelotazo del álbum, el diamante sobre el que iban a pulirse es About a girl, con un ambiente vagamente similar a "Come as you are" para la introducción (de su gran álbum "Nevermind" de todos los tiempos), una melodía tipo Beatles/Paul McCartney, especialmente en lo que respecta a la melodía vocal, es probablemente la canción más conocida de este álbum. Es una clara anomalía en Bleach , que es un álbum lleno de fango, tienes 11 pistas que son principalmente solo riffs agresivos, y luego esta canción pop perfectamente formada y brillantemente escrita fue una demostración temprana de la destreza de Kurt Cobain para escribir canciones , pero musicalmente es brillante, el verso, el solo de guitarra y la conclusión de cada estribillo se basan simplemente en dos acordes, lo que hace que esta sea una canción bastante fácil de aprender para los jóvenes guitarristas. Puede parecer simplista, pero proporciona la base para algunas de las melodías vocales más potentes que la banda lanzaría jamás. El estribillo es la perfección del pop clásico, mejorado aún más por la forma en que utiliza uno de esos cambios clave que parece que no debería funcionar, pero logra introducir una nueva dimensión espectacular a la canción, viendo el resto de canciones no sabemos si fue suerte ciega o Cobain realmente sabía que estaba haciendo. Probablemente lo último. ¡¿Pero quién sabe?!. School tiene una introducción distorsionada un Riff raro para quedarse en un rock duro de medio tiempo y tiene un bajo que suena fantástico a veces, el estribillo, con su gancho de lamentos de metal ", sigue siendo algo alegremente cursi peo el solo de guitarra es bastante bueno, quizás uno de los mejores del disco. El verso final de la canción, donde el bajo lleva el riff para apoyar la línea vocal repetida "Estás en la escuela secundaria otra vez" a medida que crece en intensidad es lo mejor.

Love buzz fue el primer sencillo de Nirvana, y es un clásico frío como la piedra, es una gran muestra del talento de la banda. El trabajo del bajo es excepcional, manteniendo la pista animada y divertida, y también es una de las pilas de fideos de guitarra interpretadas de manera más impresionante que Kurt Cobain jamás grabaría. La toma vocal cambia de dulcemente melódica a completamente desquiciada de una manera que se siente pegadiza e infecciosa, pero también un poco salvaje. Paper Cuts también retumba y palpita y básicamente contiene la plantilla para cada canción posterior de Alice in Chains, lleno de guitarra agria y voces chirriantes que son salvajes incluso para los estándares de un álbum más duro como Bleach. Negative Creep es de las mas bestias del álbum, nos lleva al extremo y nos regalan para los amantes de este estilo una barbaridad de riffs de heavy metal distorsionados. Scoff no alcanza los niveles de grandeza que tiene otros temas del álbum, como muchas de las pistas de Bleach, esta es más una colección de riffs traqueteantes que una canción cohesiva bien tejida, presenta algunas peculiaridades vocales bastante divertidas, pero creo que se suman a mi disfrute de la canción. Desde la línea "gimme back ma alky-hol" hasta algunos de los gruñidos y lamentos, esta pista tiene algunas cosas raras. Swap Meet comparte mucho ADN con "Scoff", es una colección de riffs que realmente se duplica en la estética SUBPOP de la escena grunge, y quizás no sea la canción más memorable en este ambiente, sin embargo, sigo pensando que esta melodía tiene algunos elementos divertidos y la parte más destacada de la canción (como es el caso con un montón de cosas de Bleach ) es la sección del solo de guitarra, que es un trabajo de guitarra realmente desquiciado. Cosas bastante salvajes. Mr. Moustache es divertida y accesible de una manera que no lo son algunas de las otras pistas y más cuando escuchamos el hilarante gemido agudo que sirve y el punto de salida para la interpretación vocal de esta canción. Simplemente tremendo. Sifting es un rechinar lento y acre del número final de Bleach y refleja una profunda sensación de alienación, cuando Kurt recordaba sus momentos de angustia infantil y la incapacidad de las figuras de autoridad en su vida para consolarlo. Big Cheese gana con cada escucha, tiene notas muy buenas en la guitarra y un interesante estilo vocal, me gusta la forma en que Kurt desafía a las notas. También me gusta su cambio de textura vocal... áspera, a suave y alucinante. Las letras son demasiado simples a veces, pero está bien. Cierra el álbum Downer, una buena introducción de bajo (tal vez un poco como el estilo del grupo de punk rock australiano "X"), letras más complejas y un sonido vocal extraño... mordido nasalmente... como un niño con mocos.

 


“Bleach” es el sonido de una banda que no es del todo termianda. Dave Grohl, el increíble baterista de la banda, no se unió hasta finales de 1990, hay algunas influencias bastante obvias de Husker Du y Pixies. Pero no se equivoquen: “Bleach” es un gran álbum, un disco enfadado y molesto – sobre la vida de Cobain en Aberdeen – las 13 pistas aquí (11 en el álbum original) son muy buenas. Bleach ha sido reevaluado a lo largo de los años como un estándar Grunge y se ha vendido por millones.   

martes, 19 de julio de 2022

0565 With a Little Help from My Friends - Joe Cocker

0565 With a Little Help from My Friends - Joe Cocker 

Uno de los clásicos de la música de The Beatles es With a Little Help from My Friends, pero también es el álbum debut del cantautor Joe Cocker, lanzado a fines de abril de 1969 donde Joe Cocker hace una versión de esta canción. El álbum fue certificado oro en los EE. UU. y alcanzó el puesto 35 en el Billboard 200. 1972 en el número 29 cuando fue relanzado como un paquete doble con el segundo LP de Cocker, Joe Cocker!.

With a Little Help from My Friends fue escrita por John Lennon y Paul McCartney e interpretada originalmente por los Beatles en el álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band; ha sido incluido tanto en el Salón de la Fama de los Premios Grammy como en el Salón de la Fama del Rock and Roll. 

La versión de Cocker fue el tema principal de la serie de televisión The Wonder Years durante las décadas de 1980 y 1990.

En 2015, la compañía Audio Fidelity lanzó una reedición limitada del álbum en formato SACD híbrido como tributo a Joe Cocker.

Daniel 
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lunes, 18 de julio de 2022

0564 .- Feeling Allright - Joe Cocker

 

Feeling Allright, Joe cocker


     El 23 de abril de 1969 se producía el debut discográfico del cantante británico Joe Cocker con el álbum With A Little From My Friends. Este disco debut es concebido entre los Olympic Studios y los Trident Studios de Londres bajo la producción de Denny Cordell, y publicado bajo el sello discográfico Regal Zonophone para Reino Unido y bajo el sello discográfico A&M para Estados Unidos. En estados Unidos el disco debut de Joe Cocker alcanzó el  puesto 35 en la lista Billboard 200, consiguiendo la certificación de oro merced a sus ventas. En Reino Unido alcanzaría el puesto 29 en 1972 gracias a su relanzamiento como disco doble junto a sus segundo álbum de estudio, ¡Joe Cocker!

Incluido en este magnífico disco debut de Cocker encontramos el tema Feeling Allright, compuesto por Dave Mason, de la banda de rock inglesa Traffic, y publicado en el disco homónimo de dicha banda en 1968. El tema fue lanzado por Traffic como sencillo y no logró posicionarse ni en las listas de éxitos de Estados Unidos ni Reino Unido. Joe Cocker grabó este tema para su álbum debut un año después, en 1969, y modificó el título original Feeling Allright? por Feeling Allright. El tema grabado por Joe Cocker fue lanzado como sencillo y consiguió buenas cifras, alcanzado el puesto 69 en las listas de sencillos de Estados unidos y el puesto 35 en las canadienses. Feeling Allright? se ha convertido a lo largo de su historia en un tema muy versionado, además de Joe Cocker han sido numerosos artistas los que han hecho versiones del tema, entre los que se encuentran Rare Earth, Three Dog Night, Hubert Laws, The 5th Dimension, Gladys Night & The Pips, The Jackson 5, Gran Funk Railroad, Isaac Hayes, The Bar-Kays, Little Milton, Paul Weller, Juliette Lewis y Ohio Players entre otros.

domingo, 17 de julio de 2022

0563.- Aquarius / Let the sunshine in - 5th Dimension



Aquarius/Let the Sunshine In (The Flesh Failures) es un "medley" de dos canciones que podríamos identificar como "The Age of Aquarius" y "Let the Sunshine In", ambas escritas por James Rado y George Ragni para el musical Hair de 1967, convertidas en single en 1969 de la mano del grupo The 5th Dimension.

Cuando el cantante Billy Davis Jr. se dejó olvidada la cartera en un taxi de New York, el destino jugó un papel importante en la gestación de Aquarius/Let the Sunshine In, porque quién encontró la cartera resultó ser uno de los productores del musical Hair, e invitó al grupo a ver una de las representaciones. Después de ver el musical, los miembros de 5th Dimension quedaron prendados del tramo de "Aquarius" y decidieron grabarlo como single. El veterano productor Bones Howe no lo tenía claro, y consideraba que aquella pieza era una mera introducción a una sección del musical, sin las condiciones necesarias para poder ser considerada una canción.

La solución la encontraron en la creación de un "medley" con otra parte del musical llamada The Flesh Failures, en la que se repetía de manera constante la frase "Let the Sunshine in". Aunque las dos partes estaban en un tempo y clave diferentes, el ensamblaje que consiguieron de aquellos dos trenes a diferente velocidad resultó ser mágico, y la locomotora desbocada de Aquarius/Let the Sunshine In llevó a The 5th Dimension al número 1 del Billboard estadounidense, manteniéndose en lo más alto durante un mes y medio.

Nirvana: Nevermind #MesNirvana



Cuando hicimos el reparto de los discos a reseñar en el #MesNirvana, uno de mis compañeros en 7días7notas dijo: "Dejemos el de Nevermind al experto en ese disco" con un emoticono de un guiño y señalándome "virtualmente" a mí, por aquello del sobrenombre con el que firmo los artículos en el blog. Los demás estuvieron de acuerdo, y no quise sacarlos de su error, porque (en primer lugar) es un disco que me encanta y porque (en segundo lugar) clarificar que ni soy experto, ni lo de Nevermind va realmente por el disco de Nirvana, me pareció un buen punto de partida para la reseña de este genial disco.

Y es que Nevermind (en español "No importa") me pareció una buena manera de quitarle importancia al que escribe, y centrar el foco en la música, la auténtica razón de ser del blog, pero lo hice inspirado en uno de los sobrenombres con los que firmaba Prince (Alexander Nevermind) y no el que fue el exitoso segundo álbum de estudio de los estadounidenses Nirvana, producido por Butch Vig y publicado a finales de 1991. Pero ya que estoy, y aprovechando el equívoco, me permitiré aquí el homenaje de reseñar un disco que es la auténtica Biblia del nacimiento del grunge en los noventa.

Para su segundo disco de estudio, Kurt Cobain quería ir más allá de los estándares del recién nacido grunge, y asimiló conceptos de otras escenas musicales, dejándose influenciar por grupos como The Pixies o REM, que alternaban en sus canciones tramos ruidosos con secciones más acústicas y calmadas. Puede que ahí resida la magia que, en comparación, no tiene el anterior Bleach (1989), y esa misma magia fue la que, pese a surgir de un intento de abrirse a otras tendencias, convirtió al álbum en el mayor referente del grunge y catapultó al género al reconocimiento a nivel mundial. Y más allá de cualquier etiqueta, l oque es innegable es que Nevermind es uno de los mejores de la historia.

La primera canción de este disco histórico es, ni más ni menos, Smells Like Teen Spirit, que fue además el primer sencillo del álbum, y que desbancó del primer puesto del Billboard al megaproyecto de ventas que Michael Jackson había diseñado con su disco Dangerous. Con este archiconocido tema, Nirvana volvió a poner al rock alternativo en una posición de prevalencia de la que había estado alejado durante toda la década de los ochenta, dominada por el pop enlatado y que abusaba en exceso de los sintetizadores. In Bloom comienza con esa misma premisa de canción melódica y tono de voz bajo, para romper después agresivamente en el estribillo, llevando al oyente al paroxismo y la admiración más absolutas. La banda luchaba contra su propio estigma en el video promocional de la canción, en el que en blanco y negro, un presentador de los años 50 presentaba a un grupo de músicos ataviados con traje y corbata, y en el caso de Cobain, unas gafas de pasta al más puro estilo Buddy Holly.

Sin tiempo para respirar, o aprovechando para hacerlo en los momentos más melódicos, llega el turno de Come as you are, el otro gran single del disco, que igualmente se convertiría en un himno para toda una generación. Le sigue Breed, una de las primeras ocho canciones que se compusieron y grabaron en las primeras sesiones para el disco, con el título provisional de Immodium. En esa tanda inicial estaban también canciones que quedaron fuera del álbum como Sappy, Here she comes nowDive (la cara B de Sliver, en un single planeado como anticipo del disco, pero del que ninguna de las dos canciones terminó formando parte de Nevermind), y temas que acabarían siendo pilares del disco como In Bloom, PollyStay Away (con el nombre inicial de Pay to Play) y Lithium. La intensidad vocal de ésta última fue el motivo por el que, tras este prometedor comienzo, la grabación del disco quedó aplazada y sin fecha de reanudación a la vista, por el deterioro que supuso para la voz de Cobain.

Tras este forzado y prolongado paréntesis, los miembros de Nirvana grabaron una demo con una nueva compañía discográfica, y acabaron firmando un nuevo contrato con la todopoderosa Geffen Records, que les recomendó a varios de sus productores de cabecera, pero Nirvana insistió en repescar a Butch Vig, y continuar así con el trabajo realizado hasta ese momento.​ En sesiones maratonianas de 8 a 10 horas diarias, en las que Butch Vig se las apañaba para convencer a un Cobain poco amigo de las mezclas y los overdubs de que ese era el camino adecuado, se fue gestando lo que terminaría siendo un disco histórico.

Paradójicamente, los miembros de Nirvana no quedaron muy convencidos del resultado final de Nevermind, en lo que Cobain definió como "un disco más parecido a Mötley Crüe que a un disco de punk rock". Tampoco ayudó que el tema Endless, Nameless, planeado como pista oculta al final de Something in the way, la canción que cierra el disco, se quedara accidentalmente fuera en las primeras ediciones del álbum. Kurt Cobain insistió en que se reparara aquel error, y lo que se hizo en las siguientes ediciones fue incluirla en la misma pista de Something in the way, tras un silencio de diez minutos.

Geffen Records esperaba que Nevermind vendiese unas 250 000 copias, tomando como referencia lo que había sido el debut de Sonic Youth en el mismo sello, y nunca imaginaron lo que estaba por llegar. Ha día de hoy, se calcula que Nevermind ha vendido más de treinta millones de copias en todo el mundo, y la revista Rolling Stone lo situó en 2020 en el sexto puesto de su lista de los 500 mejores álbumes de la historia y en el primer puesto de los 100 mejores álbumes de los 90. No está nada mal para un disco que no buscaba ventas millonarias ni convertirse en referente de ningún movimiento, y del que, en contra de la opinión más extendida en 7días7notas, estoy muy lejos de ser un experto. Y en el fondo no me hace falta, porque no es necesario ser un entendido en Nirvana para ponerse el Nevermind a toda pastilla y darse rápidamente cuenta de que todo lo demás No importa.