miércoles, 31 de enero de 2024

1126.- Birds of Fire - Mahavishnu Orchestra

 

Birds of Fire, Mahavishnu Orchestra



     Birds of fire es el segundo álbum de estudio de la banda de jazz fusión Mahavishnu Orchestra. Fue el último trabajo de estudio lanzado por la formación original antes de su disolución, la cual estaba integrada por John McLaughlin (guitarra), Rick Laird (bajo), Billy Cobham (batería, percusión), Jan Hammer (teclados) y Jerry Goodman (violín). Fue grabado en agosto de 1972 entre los CBS Studios de Nueva York y los Trident Studios de Londres, bajo la producción del mismo grupo, y publicado el 26 de marzo de 1972 por Columbia / CBS Records. 

Estamos ante un disco con una textura de sonidos más variada y más organizada que su anterior trabajo, donde podemos disfrutar de un gran intercambio de solos protagonizados por McLaughlin, Goodman y Hammer, todos trabajando al unísono como una sola mente, brillantemente apoyados por la sección rítmica de Cobham y Laird. A diferencia también de su álbum debut, donde únicamente una sola pista tenía duraba menos de 5 minutos, Birds of Fire tiene todas las pistas más cortas excepto dos que superan esa marca de 5 minutos, siendo una de ellas la canción que da nombre al álbum. 

La canción Birds of Fire es un torbellino de sensaciones y energía musical que fusiona elementos de jazz, rock y música étnica de manera única. La intensidad  desatada por McLaughlin, Goodman y Hammer nos llevan a un ritmo frenético e hipnótico a la vez. El título nos evoca una imagen de criaturas mitológicas, y la música nos lleva a una sensación de vuelo libre y desenfrenado provocado por tales criaturas, mientras la banda nos dirigen por territorios sonoros inexplorados. Elementos de música hindú, jazz y rock progresivo se entrelazan como una sinfonía arrolladora, donde la destreza técnica de cada miembro queda de sobra demostrada, pero más aún la perfecta sincronización entre ellos. Estamos ante una obra maestra donde el grupo nos regala una experiencia auditiva que va más allá de las barreras del género.

Sonic Highways - #MesFoo Fighters



Para el octavo disco de estudio de Foo Fighters, un siempre inquieto Dave Grohl tuvo la feliz idea de tomarse el proceso de creación y grabación del disco como un gran viaje sonoro por Estados Unidos. Con esa interesante premisa nació "Sonic Highways" ("Autopistas sonoras") pero la cosa no quedó ahí, porque los viajes que formaron parte del proceso creativo y de grabación del disco fueron filmados y retransmitidos posteriormente en la cadena de televisión HBO en formato serie, con el título "Foo Fighters: Sonic Highways" poco después de que el disco viera la luz en noviembre de 2014, publicado por los sellos Roswell RCA Records.

Como primer paso y para inspirarse en la composición de las letras de las ocho canciones que forman el disco, Dave Grohl viajó por otras tantas ciudades de Estados Unidos para reunirse con diferentes músicos, ingenieros de sonido y productores locales, con la idea de crear las canciones basándose en las conversaciones con ellos sobre la historia y legado musical de las ciudades que visitaba. Después, la banda al completo y el productor Butch Vig grabaron cada canción en un estudio de cada una de las ciudades.

Para Grohl, este innovador proceso era un reto y una importante fuente de motivación, y volcó en el proceso toda su energía y expectativas, ilusionado por un disco que iba a ser especial, sin dejar por ello de tener las características y las señas de identidad de un disco de "Foo Fighters". De manera inevitable, lo que surgió como un puñado de letras basadas en experiencias personales y de pareja, acabó por contagiarse de la atmósfera de cada una de las ciudades, y de las situaciones y experiencias que iban durante el proceso creativo. Además, y a consecuencia de la interacción con otros músicos, muchos de éstos acabaron contribuyendo y apareciendo en las canciones como músicos invitados. Lejos de caer en el riesgo de convertirlo en un típico disco de colaboraciones y duetos, estas colaboraciones conectan cada canción con las raíces y el estilo musical característico de la ciudad o la zona de Estados Unidos en la que fue grabada.

Las apariciones comienzan ya desde el primer tema, "Something from Nothing", un apreciable e intenso tema de rock grabado junto a Rick Nielsen (guitarrista de Cheap Trick) en los Electrical Audio Studios de Chicago, Illinois, y continúan en “The Feast And The Famine” canción de pegadizo estribillo y temática social grabada en los Inner Ear Studios de Arlington County, Virginia, en la que a los Foo Fighters se unen Peter Stahl y Skeeter Thompson del grupo hardcore Scream.

Tras el furioso arranque, Dave Grohl y los suyos toman una nueva autopista sonora hacia Nashville, Tennessee, y con la ayuda del músico country Zac Brown registran "Congregation" en los Southern Ground Studios. Aquí es quizá más evidente la influencia que buscaban de otros sonidos, pero el resultado no es todo lo brillante que se hubiera esperado, así que, no sin cierta sensación agridulce, tomamos de nuevo la autopista en dirección a Austin, Texas, donde el encuentro con el siempre genial Gary Clark Jr. en el Studio 6A facilita que el disco remonte nuevamente el vuelo en "What Did I Do? / God as My Witness", antes de llegar a la que probablemente sea la mejor canción del disco, "Outside" en la que con la ayuda de Joe Walsh (Eagles) facturan una lección magistral de como combinar hard rock, blues eléctrico y psicodelia, grabada en el famoso Rancho De La Luna en Joshua Tree, California.

El disco aún da para alguna que otra curiosidad, como la colaboración con la Preservation Hall Jazz Band de New Orleans en el tema power pop "In the Clear", grabada en Preservation Hall, New Orleans, Louisiana, y para otro momento bajo en "Subterranean", fallido tema pop rock que cuenta con las voces de Ben Gibbard (Death Cab For Cutie), grabado en los Robert Lang Studios de Seattle, Washington. Afortunadamente, saben salvar los muebles con un cierre a la altura de las expectativas del ambicioso proyecto, porque la extensa "I Am a River", grabada en The Magic Shop en Nueva York con Tony Visconti y Kristeen Young aportando al conjunto, tiene la suficiente dosis de pop rock y épica como para dejarnos un buen recuerdo de un viaje tan innovador como desigual por ocho de las muchas autopistas por las que se bifurcan las profundas raíces de la siempre interesante música estadounidense.

martes, 30 de enero de 2024

1125.- Spain - Return to Forever, Chick Corea

 


Chick Corea, fue un pianista y teclista que desde los años 70 ha sido líder en casi todos los géneros de jazz moderno, nacido en Chelsea, Massachusetts, en 1941, Corea comenzó a estudiar música a los 4 años y consiguió su primer concierto profesional con el showman Cab Calloway a principios de los años 60. Siguió un importante trabajo como acompañante con el trompetista Blue Mitchell, el flautista Herbie Mann y el saxofonista Stan Getz, y en 1966 grabó su álbum debut como líder, Tones for Joan's Bones . Después de trabajar con Miles Davis en la década de 1970, sobre todo en el revolucionario álbum de fusión de Davis, Filles de Kilimanjaro , Corea pasó a formar su propia banda de fusión, Return To Forever, con Stanley Clarke al bajo acústico, Joe Farrell al saxo soprano y flauta, Airto Moreira a la batería y percusión y la esposa de Moreira, Flora Purim, a la voz. Se convertiría en uno de los conjuntos de fusión más influyentes del siglo XX y Light As A Feather en uno de sus buque insignia. Todos los grupos pioneros de Jazz Fusion de la época fueron fundados por músicos que de una forma u otra estaban conectados con Miles Davis, y por lo tanto, el sonido de cada grupo a menudo tiene sus raíces en un álbum particular de 'The Prince of Darkness'. La naturaleza temprana, atmosférica y abstracta de The Weather Report se deriva directamente de In A Silent Way . El estilo agresivo y rockero de la Mahavishnu Orchestra está obviamente inspirado en el lado más bullicioso de Bitches Brew . La música de Return To Forever, por otro lado, originalmente tomó su sonido de álbumes que reflejan el período de transición de Miles Davis del Post-bop al Jazz Fusion, como Miles In The Sky y Filles de Kilimanjaro , un estilo mucho más en sintonía con el Bebop que el rock. La actuación en Light As A Feather continúa exudando las elegantes armonías eufónicas de su predecesor, mientras ignora por completo el enfoque más experimental que estaban explorando otros actos de Jazz Fusion. Pero Light As A Feather es igual de elaborado en su musicalidad, aunque en lugar de ser artísticamente complejos, se nos trata con piezas que nos mantienen flotando a lo largo de nebulosas nubes de exquisitas melodías.


Nuestra canción del día, “Spain”, proviene del segundo álbum de Return to Forever, una oda impresionante a la maravillosa joya del Mediterráneo, "España" toma mucha influencia de la música tradicional española. En el arreglo de apertura de la canción, encontramos a Chick Corea imitando un estilo flamenco al tocar el piano, generando un ambiente dramático para crear el ambiente antes de florecer en un elegante toque melódico. Una vez más, cada músico se turna para ser el centro de atención para mostrar su destreza musical. La interpretación más suntuosa es quizás la de Joe Farrell, cuyas prominentes exhibiciones de flauta ejercen la mayor versatilidad entre los demás instrumentos. Opulentos e impresionantes, los solos de Joe Farrell siempre adornan la música con tanta elegancia, ya sea en el tema melódico general de la pieza o cuando se aventura por su cuenta. Pero para ser justos, cada sonido que emana de cada instrumento es igualmente importante, porque es su íntima fusión lo que hace de "España" una maravilla tan ilustre de brujería musical.


lunes, 29 de enero de 2024

1124 - Herbie Hancock - Watermelon Man

1124 - Herbie Hancock - Watermelon Man

Herbie Hancock es un virtuoso del jazz y un icono en la escena musical internacional. Nacido el 12 de abril de 1940 en Chicago, Herbie Hancock ha dejado una marca indeleble en la historia del jazz, destacándose como pianista, compositor y líder innovador. Su carrera abarca décadas y abarca una diversidad de estilos, desde el hard bop hasta el jazz fusión, estableciéndolo como un pionero y visionario en el mundo de la música.

Herbie Hancock comenzó a destacar en la década de 1960 como parte del segundo quinteto de Miles Davis, donde su destreza técnica y su capacidad para explorar nuevas fronteras sonoras se volvieron evidentes. Su contribución al álbum "Maiden Voyage" (1965) es particularmente memorable, ya que exhibe su habilidad para combinar la complejidad armónica con una sensibilidad melódica excepcional.

Uno de los momentos más emblemáticos de la carrera de Herbie Hancock es su álbum "Head Hunters" (1973), que marcó su incursión exitosa en el jazz fusión y la música popular. "Chameleon", una de las pistas destacadas del álbum, se convirtió en un clásico instantáneo con su fusión única de ritmos funk y progresiones de acordes sofisticadas. Este trabajo no solo consolidó su estatus como un innovador, sino que también le otorgó un lugar en la historia de la música contemporánea.

En cuanto a la canción "Watermelon Man", es un tema clásico de Herbie Hancock que apareció originalmente en su álbum "Takin' Off" (1962). La pieza fusiona elementos de hard bop, blues y ritmos afrocubanos, creando una amalgama única que ha resistido la prueba del tiempo. "Watermelon Man" se destaca por su irresistible energía y su distintivo riff de piano, convirtiéndola en una de las composiciones más reconocibles de Herbie Hancock.

La pieza ha trascendido los límites del jazz convencional y ha sido reinterpretada por diversos artistas en diversos géneros. La versión de Herbie Hancock encapsula su capacidad para incorporar influencias diversas en su música, mostrando su habilidad para fusionar lo tradicional con lo innovador.

Herbie Hancock ha recibido innumerables premios y reconocimientos a lo largo de su carrera, incluyendo múltiples premios Grammy. Su legado va más allá de la mera técnica pianística; es un visionario que ha desafiado constantemente las expectativas y ha llevado la música jazz a nuevas alturas. Hancock sigue siendo una figura influyente en la escena musical, tanto por su contribución continua como por su capacidad para inspirar a generaciones de músicos.

En resumen, Herbie Hancock es un titán del jazz, cuya creatividad y genialidad musical han dejado una marca perdurable en la historia de la música. "Watermelon Man" es solo un ejemplo de su habilidad para fusionar estilos y crear obras maestras que trascienden géneros. Su legado continuará resonando en el mundo de la música mucho después de su tiempo.

Daniel 
Instagram storyboy 

domingo, 28 de enero de 2024

1123.- Sorrow - David Bowie



Grabada originalmente por The McCoys en 1965, no consideraron que "Sorrow" lo suficientemente relevante como para ser un gran éxito, y la publicaron como cara B de su versión de "Fever". Sin embargo, y solo un año después, The Merseys la versionaron y la elevaron al cuarto puesto de las listas de ventas del Reino Unido, y ya entrados los primeros setenta, fue la versión de David Bowie la que la hizo popular a nivel mundial. 

Bowie grabó "Sorrow" en julio de 1973 en el estudio "Chateau d'Herouville" como parte del repertorio de su disco de versiones "Pin Ups", y la publicó como único single de promoción del disco en septiembre de 1973, con la canción "Amsterdam" en la cara B. En la voz de Bowie, la historia sobre una ex pareja de ojos azules y larga melena rubia, a la que el protagonista recuerda con tristeza por su comportamiento extraño y su excesiva tendencia al dispendio y el lujo, llegó a su máxima cota de melancolía y plenitud artística.

"Sorrow" llegó al primer puesto de las listas de ventas de Australia, donde se mantuvo durante dos semanas, y al tercer puesto de las del Reino Unido, permaneciendo en las listas británicas durante 15 semanas. En España no tuvo tanto éxito, pero el single que se publicó de "Sorrow" en nuestro país tiene, como curiosidad para coleccionistas, la particularidad de contener una canción distinta en la cara B ("Lady Grinning Soul"), dotando al conjunto de una, si cabe, mayor profundidad lírica y melancólica.

Wasting Light - #MesFoofighters

 

Wasting Ligt, Foo Fighters


     Wasting Light es el séptimo álbum de estudio de la banda estadounidense Foo Fighters. Fue grabado entre septiembre y diciembre de 2010 en la residencia de David Grohl en Encino, California, bajo la producción de Butch Vig, quien había trabajado en el álbum Nevermind de Nirvana, y del propio grupo, y publicado el 12 de abril de 2011 por los sellos discográficos Roswell Records y RCA Records. El grupo quería evitar la artificialidad de la grabación digital, por lo que fue grabado en el garaje del líder de la banda, David Grohl, de su residencia en Encino, California, utilizando exclusivamente equipos analógicos. Estos equipos analógicos antiguos no permitían muchos errores, por lo que el grupo pasó tres semanas ensayando las canciones, y el productor Butch Vig tuvo que aprender técnicas de edición obsoletas. Buscaban un sonido más pesado y crudo en contraste con la experimentación de sus discos anteriores. 

La idea de Grohl era crear un álbum que definiera a Foo Fighters al igual que otras bandas tenían ese disco que las definía, como podía ser el caso del Back in Black definía a AC/DC o el Black Album a Metallica. Grohl afirmaba sobre esto: "Puede que no sea su mejor álbum, pero es con el que la gente identifica a la banda... Tomas todas las cosas que la gente considera características distintivas de tu banda y simplemente las amplificas y haces un álbum simple con eso". Grohl contrató a Butch Vig porque consideraba que tenía la habilidad de "recortar la grasa y darle sentido a todo". La mayoría de las letras fueron escritas mientras Grohl, y en ellas reflexionaba sobre su vida y su posible futuro. Fueron invitados músicos de la talla de Bob Mold, Krist Novoselic, Jessy Greene, Rami Jaffe y Fee Wabill.

 

Durante la gira de 2010 con Them Crooked Vultures, Grohl escribió canciones y grabó demos, que luego llevó al baterista de Foo Fighters, Taylor Hawkins, para su desarrollo. También se hizo miembro de pleno derecho de la banda al guitarrista Pat Smear, quien había dejado el grupo en 1997, pero había sido parte de la banda de gira desde el año 2006. Grohl consideraba que la grabación digital se estaba saliendo de control: "Cuando escucho música estos días, y escucho baterías que suenan como una máquina, le quita un poco de vida a la música". Según Grohl, la estrategia analógica haría que el disco sonara "más crudo e imperfecto". Al principio, el productor Vig pensó que la idea era una broma, más tarde al ver que era cierto, advirtió al grupo que tendrían que tocar bien, ya que los errores no se corregían fácilmente sin la tecnología digital. El grupo pasó tres semanas ensayando en su estudio habitual donde se completó la composición de las canciones, pasando de cuarenta a catorce escogidas. Ensayaron las canciones escogidas con la intención de grabarlas en vivo en el garaje de la casa de Grohl, comprometiéndose a no cambiar nada de lo grabado; según Pat Smear: "Hiciéramos lo que hiciéramos, no lo cambiaríamos. Si una voz distorsionada pasaba por un pedal, eso es lo que iba a ser".

Wasting Light supuso el explosivo retorno a sus raíces, y consiguió capturar la esencia cruda y enérgica de la banda gracias a su proceso de grabación único. Un poderoso sonido que podemos disfrutar en temas como Bridge Burning, que abre el álbum, una poderosa introducción que nos establece lo que nos espera durante el resto del viaje musical; RopeDear Rosemary, esta última donde colabora Bob Mould, que continúan con esa explosión de energía inicial fusionando poderosos riffs de guitarra con emotivas letras; o Walk, una emocional balada que se ha convertido con el tiempo en todo un himno de superación personal.

Wasting Light no sólo revitalizó la carrera de Foo Fighters, su enfoque y su energías cruda y la habilidad de David Grohl como letrista para ofrecernos letras sinceras e introspectivas colocó este disco en un privilegiado lugar en la discografía de la banda, convirtiéndose en un duradero testimonio del impacto de la banda en la escena musical. Y parte del mérito también hay que atribuirlo a su productor Butch Vig, quien recogió el guante y se arremangó para trabajar con antiguas técnicas de grabación, convirtiéndose también una pieza clave en el feroz sonido del grupo.

sábado, 27 de enero de 2024

1122.- Wishing Well - Free

 

Wishing Well, Free


     Heartbreaker es el sexto y último álbum de la banda de rock inglesa Free. El disco fue grabado entre octubre y noviembre de 1972 en los Island Studios de Londres, bajo la producción del grupo y de Andy Johns, y publicado en enero de 1973 por el sello discográfico Island Records. El disco fue grabado después de que el bajista Andy Fraser dejara la banda y mientras el guitarrista Paul Kossoff tenía ya una fuerte adicción a las drogas. Para sustituir a Fraser fue contratado el bajista Tetsu Yamauchi, y también fue contratado el teclista John "Rabbit" Bundrick para compensar a un cada vez más poco confiable Paul Kossoff debido a sus adicciones. Las tensiones crecían en el seno de la banda, y el hecho de que el grupo contratara al guitarrista de sesión "Snuffy" Walden para proporcionar partes de guitarra no ayudó, ya que Kossoff se mostró extremadamente resentido ante tal hecho.  La partida de Fraser ponía en jaque la famosa dupla compositiva de la banda, pues él y Paul Rodgers habían proporcionado la mayor parte del catálogo del grupo. De ahí que muchas de las canciones del disco fueran escritas únicamente por Rodgers, aunque algunas fueron atribuidas a toda la banda como gesto simbólico, como es el caso del exitoso sencillo Wishing Well. 

Sin embargo hubo ocasiones en las que las grabaciones salieron bien, y dieron como resultado algún tema notable, como es el caso de Wishing Well, donde curiosamente no está acreditado en la guitarra principal Paul Kossoff, aunque su sonido en la pista es inconfundible. Simon Kirke lo llegaría a confirmar posteriormente. Muchos han interpretado las letras de Wishing Well como una canción dirigida expresamente a Paul Kossoff, quien había desarrollado un peligroso y grave hábito a las drogas que acabarían costándole la vida. Sin embargo el vocalista y letrista Paul Rodgers negó tal hecho: "Es sólo una canción que escribí sobre una persona imaginaria".  También llegaría a admitir más tarde: "Escribí la canción como canción divertida para tocar en vivo, pero inconscientemente puede haber sido sobre personas que conocía". Estamos ante una canción que fusiona elementos de blues y rock, característicos del sonido del grupo, y la energía cruda y la poderosa ejecución de la banda nos recuerdan esa banda que nació a finales de los 60 y no ese grupo que se acercaba inevitablemente a su fín debido a sus múltiples problemas internos.

viernes, 26 de enero de 2024

1121 - Steve Miller Band - The Joker


1121 - Steve Miller Band - The Joker

"The Joker" es una icónica canción de la Steve Miller Band que ha dejado una huella imborrable en la historia del rock desde su lanzamiento en 1973. Con su distintivo sonido y letras ingeniosas, la canción se ha convertido en un himno atemporal que ha perdurado a lo largo de las décadas.

Desde los primeros acordes de la guitarra, "The Joker" establece su tono único y relajado. La melodía, que combina elementos de rock, blues y pop, captura la esencia del sonido característico de la Steve Miller Band. La guitarra de Miller es la protagonista, con sus riffs suaves y su estilo distintivo que le da a la canción un toque de frescura y energía.

La letra de "The Joker" es un viaje surrealista a través de imágenes poéticas y referencias culturales. La famosa línea "Some people call me the space cowboy, some call me the gangster of love" se ha convertido en una de las más reconocibles en la historia del rock. La canción es una mezcla de metáforas y juegos de palabras que crean un ambiente lúdico y misterioso. Las referencias al Tarot, como el "midnight toker" (consumidor de marihuana a medianoche), añaden un toque de misticismo y misterio a la narrativa.

A medida que la canción avanza, se revela una sensación de libertad y desenfado. La letra refleja la actitud despreocupada de los años 70 y encapsula el espíritu contracultural de la época. La figura del "Joker" simboliza la rebeldía y la individualidad, personificando la filosofía de vivir la vida sin preocupaciones y disfrutar del momento presente. Esta actitud hedonista y liberadora resuena en la letra y se combina perfectamente con la melodía relajada de la canción.

La instrumentación, además de la destacada guitarra de Miller, incluye una armoniosa combinación de teclados y percusiones que contribuyen a la riqueza sonora de la canción. La producción impecable realza cada elemento musical, creando una experiencia auditiva envolvente.

"The Joker" ha trascendido el tiempo y ha mantenido su relevancia en la cultura popular. Su inclusión en películas, programas de televisión y anuncios ha asegurado que nuevas generaciones descubran y aprecien esta obra maestra del rock. La canción ha sido versionada y reinterpretada en varias ocasiones, pero la versión original de la Steve Miller Band sigue siendo la definitiva y la más querida por los fanáticos.

En conclusión, "The Joker" es mucho más que una simple canción; es un hito en la historia del rock. Con su combinación única de sonido, letras ingeniosas y actitud desenfadada, la Steve Miller Band creó una obra maestra que sigue resonando con oyentes de todas las edades. La canción es un recordatorio intemporal de la importancia de la individualidad, la diversión y la libertad en la experiencia humana.

Daniel
Instagram storyboy

Disco de la semana 362: Souvlaki - Slowdive

Souvlaki , lanzado en 1993, es el segundo álbum de la banda británica de dreampop/shoegaze Slowdive, el álbum trata temas que van desde la soledad y la alienación hasta el consumo de drogas y la sedación. Siguiendo la tradición de los géneros dreampop y shoegaze, la instrumentación a lo largo del álbum explora un paisaje sonoro de otro mundo, plagado de distorsión de guitarra y sintetizadores atmosféricos, es importante señalar que los miembros Neil Halstead y Rachel Goswell se separaron poco antes de que se creara el disco, y Halstead había escrito algunas de las canciones de forma aislada, lo que parece haber influido mucho en el tema del álbum.


Alison probablemente sea mi canción favorita del disco y una de mis canciones favoritas de shoegaze/dream pop, es una canción PERFECTA en mi opinión, preciosa y una excelente introducción a lo grandioso y deprimente que puede ser este álbum. Todo te impacta aún más una vez que sabes que los cantantes y guitarristas Neil Halstead y Rachel Goswell terminaron recientemente una relación y cómo les afectó a ambos, especialmente a Neil, quien también escribió la mayoría de las canciones de Souvlaki. El fascinante riff de guitarra distorsionado (que sube y baja en un patrón cíclico que refleja la naturaleza cíclica de la adicción a las drogas y las relaciones codependientes) y la voz suave y casi somnolienta de Neil están presentes en todo el tema de la canción, que se escribió después de que Neil tuviera un sueño bajo el efecto de las drogas. "Alison" cuenta la relación del cantante con una chica llamada Alison, quien tiene un problema con las drogas, al principio, parece decidido a salvarla de su adicción a las drogas, sin embargo, queda claro que Alison no tiene intención de renunciar, ha quedado atrapada en ese mundo impulsado por las drogas, libre de responsabilidades y no puede imaginar una vida sin los placeres a los que se ha acostumbrado mientras estaba drogada. Quizás por amor a Alison, el cantante decide entregarse a su "mundo desordenado" en la segunda mitad de la canción es cuando parece que ya no reconoce a Alison como la chica que una vez conoció. Al final, él sucumbe al mismo destino que ella y trata su caída con falta de cuidado mientras pronuncia la frase final: "Supongo que ella está por ahí en alguna parte". "Machine Gun", es una canción menos intensa, crea una atmósfera ondulada a través de capas de distorsión espacial de guitarra. La letra, que indica que el cantante se siente como si se estuviera ahogando en el agua y convirtiéndose en uno con ella, sirve como metáfora de una vida de abuso de drogas, siguiendo el ejemplo de los temas introducidos en "Alison". Rachel Goswell tiene una de las voces más encantadoras y majestuosas que he escuchado jamás y en Souvlaki la utiliza en todo su potencial, superando su debut “Just for a Day”, la canción te arrastra a esta melodía etérea y suena tan soñadora que me dan ganas de abrazar fuerte a alguien o abrazar fuerte mi almohada y llorar hasta quedarme dormido, la canción significa muchas cosas para mí. Cuando Neal entra y esas guitarras comienzan a sonar y regresa la voz de Rachel, parece que llegas al cielo. 
40 Days se mueve más en la dirección del shoegaze que del dreampop, cantada con una armonía engañosamente optimista entre Goswell y Halstead, la letra habla de una persona que vive en el pasado, no puede seguir adelante con su vida porque están desconsolados por el fin de su relación. El título se suma al tema del dolor de la canción, ya que cuarenta días es el tiempo habitual que la gente espera antes de celebrar un servicio religioso en memoria de alguien que ha muerto. En el momento de escribir la canción , Neal se sentía desolado por su ruptura, lo cual es muy lógico pero le dio el impulso creativo Neal hizo un viaje de dos semanas a Gales, donde escribió algunas canciones del álbum, como la tranquila Here She Comes, la maldita y deprimente Dagger, y la siguiente canción, Sing que se despoja de la distorsión de la guitarra y opta por un ritmo de batería instrumental combinado con sintetizadores de ensueño, es una de las dos pistas del álbum que fueron escritas parcialmente por Brian Eno, donde hace un gran trabajo al decantarse por el ambient y alejarse del shoegaze. La suave voz de Goswell se superpone cuidadosamente a los instrumentos de una manera que tiene un parecido sorprendente con la voz de Elizabeth Fraser, la cantante de Cocteau Twins. Siento como si estuviera en lo profundo del océano explorando los arrecifes de coral y viendo pasar los peces exóticos, es simplemente hermoso, cuando entran las guitarras retrasadas, los sintetizadores se vuelven más prominentes, todo sale a la luz y brilla de la manera más luminosa posible. Here She Comes nos muestra a Neil, desconsolado y miserable, esta canción salió de su escapada de dos semanas a Gales, la veo casi como un limpiador de alma, todo es tan sutil, el instrumental se siente como una canción de cuna y Neil está cantando lentamente para alejar su dolor anhelando alivio. Puedes imaginarte esta banda sonora mientras contemplas tu amor perdido evitando desmoronarte.


“Souvlaki Space Station” ofrece un cambio de ritmo, pero bienvenido, a mitad del álbum, la canción es fiel a su título y crea un paisaje sonoro industrial que uno podría imaginar fácilmente en alguna estación espacial futurista. Hasta el momento, ninguna canción del álbum encapsula el sonido shoegaze tan bien como “Souvlaki Space Station”, una canción que agrega más y más capas de distorsión de guitarra a medida que avanza. La letra, entregada por Goswell, es bastante críptica, pero parece describir a una persona que lucha contra un ex amante, negando su existencia y negándose a aceptar el pasado tal como es. La percusión tartamudeante, las guitarras deslizantes y también las líneas de bajo que llenan cada espacio vacío que pueda haber, una canción extraordinaria me hace sentir como si estuviera en un psicodélico. When the Sun Hits comienza con riffs de guitarra superpuestos que se alternan con una fuerte distorsión de guitarra a lo largo de la canción, aproximadamente un minuto después, la distorsión estalla inesperadamente y la batería suena cuando Halstead pronuncia las palabras: "Importa dónde estés". La dinámica entre estos dos tonos le da a la canción una cualidad épica, casi apocalíptica. De hecho, al mirar la letra, la canción parece comparar una ruptura con el fin del mundo, el fin de la relación del cantante significa para él tanto como el fin del mundo. Siente que el dolor que experimentaría si su amante lo abandonara lo consumiría por completo, del mismo modo que el sol quema todo lo que entra en contacto. Probablemente su canción más popular hasta la fecha es deprimente, encantadora, romántica, y tiene uno de los mejores riffs de shoegaze que he escuchado, todo se siente como una fantasía, otra canción estelar en un álbum estelar. 
Altogether suena agridulce, pero feliz y jodidamente deprimente, siento como si estuviera recibiendo el abrazo más cálido de la persona que amo y eso simplemente llena mi corazón de calidez, pero también tristeza. Neil simplemente se siente acabado con la vida mientras canta, lo único que quiere es amor, un abrazo, un beso o simplemente la sensación de saber que tienes a alguien que te está esperando. Mellow Yellow es muy extraña, Neil suena relajado pero casi como si se hubiera rendido, no relajado como si estuviera bien, gran trabajo el de Nick Chaplin y sus relajantes líneas de bajo, que pueden ser simples pero encajan todo perfectamente y sin él, este álbum no sería tan bueno como es, una buena canción que te prepara para el golpe final. Dagger se siente como un puñal en el corazón, Neil en este punto suena completamente fuera de la vida, está entumecido, no se siente herido, simplemente no quiere sentir nada. Esta es la parte menos shoegaze/dream pop del álbum, pero no desentona. La guitarra acústica produce una de las progresiones de acordes más melancólicas que he escuchado y en el segundo verso donde ese piano atraviesa tu alma una y otra vez, puede ser deprimente, muy deprimente, y esto representa el estado de Neil al momento de escribir esto, ya que esta fue la última canción que escribió durante su escapada a esa cabaña galesa después de su separación con Rachel, realmente estaba desconsolado, deprimido y se sentía un miserable. Sigue siendo un cierre excelente, especialmente porque los últimos 10 segundos son de silencio, lo que te permite digerir todo y, para algunas personas, probablemente es hora de llorar y contemplar sus relaciones fallidas… brillante.

jueves, 25 de enero de 2024

1120.- Daughter of the Everglades - Rory Gallagher

 

Daghter of the Everglades, Rory Gallaghr


     Blueprint es el tercer álbum de estudio del genial guitarrista irlandés Rory Gallgher. Fue concebido originalmente como disco de vinilo, grabado en diciembre de 1972 en los Marquee Studios y Polydor Studios, ambos en Londres, bajo la producción del guitarrista, y publicado en febrero de 1973 por el sello discográfico Polydor Records. El disco llegó a alcanzar el puesto número 12 en las listas de ventas del Reino Unido. 

Después de trabajar con la fórmula de Power Trío, Rory decide apostar por la inclusión de teclados en sus grabaciones incluyendo al teclista Lou Martin, y reemplaza en la batería a Wilgar Campbell, siendo sustituido por Rod de'Ath. Estos dos nuevos miembros se unen al guitarrista y a su inseparable bajista Garry McAvoy, llegando a consolidarse como una de las formaciones más exitosas con las que llegó a trabajar Rory, de hecho, compartieron andanzas durante cinco años. 

Este álbum muestra la versatilidad y maestría de Rory fusionando elementos de blues, rock y folk. Destacan canciones como la cautivadora Daughter of the Everglades, donde el guitarrista se sumerge precisamente en dicha fusión fusión. Su habilidad para mezclar géneros crea una experiencia auditiva y emocional única. Las letras de la canción evocan imágenes vividas en algún lugar misterioso, y la narrativa sigue los pasos de una figura enigmática, conectado con la naturaleza y la esencia misma de las Everglades (región de humedales tropicales que se encuentra en el sur del estado de Florida, Estados Unidos, y donde e encuentra en Parque Nacional de los Everglades, el parque subtropical más grande de los Estados Unidos). Y para la narrativa, Rory utiliza la guitarra como hilo conductor, la interacción entre la guitarra y la voz del artista nos envuelven en un cúmulo de cautivadoras sensaciones y emociones. La canción ha sido interpretada como una metáfora de la búsqueda de la identidad y conexión con la naturaleza, estamos ante una canción que transporta al oyente a un viaje a través de diversos paisajes sonoros, y todo ello a través de la guitarra y la voz de Rory.

miércoles, 24 de enero de 2024

Echoes, Patience and Grace - Foo Fighters (Mes Foo Fighters)

Descubriendo la Magia de "Echoes, Patience and Grace": Un Viaje a Través del Último Clásico de Foo Fighters

En 2007, Foo Fighters nos regaló un tesoro sonoro que ha resistido el paso del tiempo y ha dejado una huella imborrable en el panorama del rock: "Echoes, Patience and Grace". Este sexto álbum de estudio, liderado por la incomparable presencia de Dave Grohl, se erige como una obra maestra que fusiona la energía cruda del rock con la madurez lírica y artística de una banda en la cima de su juego.

Desde el épico inicio con "The Pretender", un himno que establece el tono con su potente riff de guitarra y la inconfundible voz de Grohl, hasta la emotiva despedida con "Home", cada pista de este álbum es un viaje por la maestría musical de Foo Fighters.

- "Let It Die" nos sumerge en una introspección melódica, con su cautivadora melodía y letras reflexivas, marcando un contraste perfecto con la energía de la canción anterior.

- "Erase/Replace" nos golpea con la potencia característica de la banda. Los riffs de guitarra abrasadores y la entrega apasionada de Grohl hacen de esta pista un himno de rock enérgico.

- "Long Road to Ruin" destaca con su melodía pegajosa y letras que exploran los desafíos en la vida. La combinación de la voz melódica de Grohl y los arreglos instrumentales sólidos la convierten en una de las pistas más destacadas del álbum.

- "Come Alive" muestra la versatilidad de la banda, comenzando suavemente y construyendo gradualmente hacia un clímax emocional. Los arreglos orquestales adicionales agregan una capa de profundidad, destacando la habilidad de Foo Fighters para experimentar con su sonido.

- "Stranger Things Have Happened" es una balada acústica que revela la destreza compositiva de Grohl. La vulnerabilidad de la letra y la emotividad en la interpretación vocal hacen de esta pista una joya introspectiva.

- "Cheer Up, Boys (Your Make-Up Is Running)" añade una dosis de energía al álbum con sus riffs de guitarra y ritmo enérgico, equilibrando la introspección con la potencia del rock.

- "Summer's End" evoca una sensación de nostalgia y reflexión, explorando la fugacidad del tiempo con una melodía suave y letras emotivas.

- "Ballad of the Beaconsfield Miners" es una pieza instrumental y emotiva que rinde homenaje a los mineros atrapados en Beaconsfield, Tasmania, destacando la habilidad musical de la banda.

- "Statues" es una canción acústica que presenta letras poéticas y una melodía suave, mostrando la versatilidad de Foo Fighters en la exploración de diferentes estilos y emociones.

- "But, Honestly" combina fuerza y vulnerabilidad, destacando la habilidad de la banda para fusionar letras significativas con un sonido potente.

- "Home" cierra el álbum con una conclusión reflexiva, ofreciendo una melodía suave y letras emotivas.

Foo Fighters demuestra su versatilidad con este álbum, explorando desde la energía cruda del rock hasta momentos de reflexión y experimentación sonora. "Echoes, Patience and Grace" es una amalgama de estilos y emociones que se entrelazan para crear una experiencia musical completa.

El álbum no solo cautivó nuestros corazones; también se apoderó de las listas de éxitos. Debutó en el número uno en múltiples países y las ventas globales superaron millones, consolidando a Foo Fighters como iconos del rock contemporáneo.

Este álbum es más que una colección de canciones; es un testimonio del genio musical de Foo Fighters. Con su capacidad para fusionar letras significativas con poderosos riffs, han creado una obra que no solo se destacó en su tiempo, sino que continúa inspirando a nuevas generaciones de amantes del rock.

En conclusión, "Echoes, Patience and Grace" es un viaje musical que merece ser explorado y celebrado. Una pieza clave en la historia del rock que sigue resonando con la misma intensidad y relevancia que el día en que fue lanzado. Así que, ¿por qué no sumergirse en este clásico atemporal y redescubrir la magia de Foo Fighters? La recompensa es una experiencia musical que perdura, mucho después de que las notas hayan dejado de sonar.

Daniel
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1119 - Genesis - Frith of Fifth

 

1119 - Genesis - Frith of Fifth

"Frith of Fifth" es una joya progresiva que se erige como un pilar fundamental en el legado musical de la icónica banda británica Genesis. Lanzada en 1973 como parte del álbum "Selling England by the Pound", la canción es un viaje auditivo que fusiona virtuosismo instrumental, letras poéticas y una narrativa musical envolvente.

Desde los primeros acordes de piano interpretados por Tony Banks, "Frith of Fifth" establece un tono melancólico y evocador que cautiva de inmediato. La habilidad de Banks para crear paisajes sonoros complejos se destaca, y su piano sirve como el hilo conductor a lo largo de la canción. La introducción instrumental es una obra maestra en sí misma, con cambios de tiempo y arreglos que demuestran la destreza técnica y la creatividad del tecladista.

La entrada de la guitarra de Steve Hackett agrega capas adicionales a la composición, fusionando a la perfección con la rica paleta sonora creada por Banks. Los solos de guitarra de Hackett son intrincados y emotivos, contribuyendo a la complejidad emocional de la canción. La sección instrumental, en particular, es un despliegue impresionante de la maestría musical de Genesis, con cada miembro de la banda aportando su talento de manera única.

El componente lírico, a cargo del carismático vocalista Peter Gabriel, agrega una dimensión narrativa profunda a "Frith of Fifth". Las letras son poéticas y enigmáticas, tejiendo una historia que invita a la reflexión sobre temas como el tiempo, la realidad y la búsqueda de significado. La voz distintiva de Gabriel transmite las emociones encapsuladas en las letras, complementando la complejidad instrumental de la canción.

La sección central de la canción, a menudo conocida como "Los Desfiles de Euterpe", es un punto culminante que destaca por su atmósfera etérea y su enfoque en la improvisación instrumental. Este segmento muestra la capacidad de la banda para fusionar elementos clásicos y progresivos, creando una amalgama única de estilos musicales.

"Frith of Fifth" es un testimonio del enfoque experimental y la ambición artística de Genesis en la era de los setenta. La habilidad para fusionar elementos clásicos con el rock progresivo, la complejidad técnica y la profundidad lírica hacen de esta canción una obra maestra atemporal. Su impacto perdura a lo largo de las décadas, consolidándola como una pieza fundamental en el vasto catálogo de Genesis y como una referencia ineludible en la historia del rock progresivo.

Daniel
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martes, 23 de enero de 2024

1118 - Elton John - Bennie and the Jets


1118 - Elton John - Bennie and the Jets

Elton John
, un ícono indiscutible de la música pop, ha dejado una huella imborrable en la industria a lo largo de décadas. Su habilidad para fusionar letras profundas con melodías pegajosas ha consolidado su lugar en la historia musical. Una de sus piezas más emblemáticas, "Bennie and the Jets", encapsula la genialidad creativa que define su carrera.

Lanzada en 1974 como parte del álbum "Goodbye Yellow Brick Road", "Bennie and the Jets" es un testimonio de la diversidad artística de Elton John. La canción se destaca por su distintivo sonido retro-futurista, una amalgama única de piano, sintetizadores y la inconfundible voz de Elton John. Desde los primeros acordes, la pista transporta a los oyentes a una época donde la música pop experimentaba con nuevos sonidos y estilos.

La letra de "Bennie and the Jets" agrega otra capa de complejidad a la canción. La historia ficticia de Bennie, una estrella de glam rock, y su banda, narrada en un tono de espectáculo en vivo, refleja la fascinación de Elton John por la cultura pop y su habilidad para crear personajes entrañables a través de la música. Las líneas enérgicas y la repetición del nombre "Bennie" crean un estribillo pegajoso que ha perdurado en la memoria colectiva.

El rendimiento vocal de Elton John en esta pista es inconfundible. Su entrega apasionada y su capacidad para transmitir emociones han sido un sello distintivo a lo largo de su carrera, y "Bennie and the Jets" no es la excepción. La canción destaca la versatilidad de su voz, desde sus tonos más suaves hasta momentos de intensidad dramática.

La influencia de "Bennie and the Jets" trasciende las décadas. Su impacto se ha sentido en múltiples géneros, desde el pop hasta el rock y más allá. La fusión de elementos clásicos y vanguardistas en esta pista ha inspirado a generaciones de músicos, consolidando la posición de Elton John como un referente musical perdurable.

En términos de producción, la canción exhibe la maestría de Elton John y su colaborador Bernie Taupin. La combinación de arreglos intrincados, cambios dinámicos y la experimentación con sintetizadores crea una experiencia auditiva envolvente. La producción atemporal de "Bennie and the Jets" es un testimonio de la habilidad de John para adelantarse a su tiempo.

En conclusión, "Bennie and the Jets" no solo representa un hito en la carrera de Elton John, sino que también encapsula la esencia de una era musical vibrante. Con su mezcla única de estilo, narrativa y producción innovadora, esta canción sigue siendo un testimonio duradero de la genialidad artística de Elton John y su impacto perdurable en la música popular.

Daniel 
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lunes, 22 de enero de 2024

1117.- Candle in the wind - Elton John


La mayoría de oyentes relacionara esa canción del maestro Elton John con la princesa Diana, más concretamente con el fallecimiento de la princesa Diana de Gales, ya que en 1997 hubo un resurgimiento de este tema publicado 24 años antes a causa de este luctuoso acontecimiento.

La canción original “Candle In The Wind” no tenía nada que ver con la princesa Diana, que tenía 12 años cuando salió la canción por primera vez. Elton y su antiguo colaborador Bernie Taupin escribieron “Candle In The Wind” sobre Marilyn Monroe, que había muerto cuando Elton tenía 15 años. La canción es un conmovedor tributo a alguien a quien no se le concedió mucha dignidad durante su vida, y es también una especie de meditación sobre la fama. Años más tarde, Taupin le dijo a Rolling Stone que nunca se había sentido especialmente atraído por Marilyn Monroe, pero que ella constituía un vehículo eficaz para expresar lo que quería decir con la letra de la canción: “En realidad se trataba de los excesos de la celebridad, la temprana desaparición de celebridades y 'vive rápido, muere joven y deja un cadáver hermoso'”. Había tomado el título de algo que Clive Davis había dicho una vez sobre Janis Joplin. Bernie Taupin quedó impresionado por la personalidad de Marilyn Monroe tan accesible que parecía extenderse más allá de cualquier barrera en particular. Después de coescribir "Tiny Dancer", publicada en el álbum de estudio de 1971, Madman Across the Water , cuyo vídeo se realiza un homenaje a Monroe, Taupin siempre había querido escribir una canción sobre ella, le dijo a BBC News, “pero nunca encontré la manera correcta de hacerlo sin ser increíblemente vulgar”. Por mucho que “Candle in the Wind” sea sin duda una dedicatoria a Marilyn Monroe, habla de una tema mucho más punzante, ya que habla sobre las presiones que se ejercen sobre las celebridades. “Creo que el mayor error acerca de [esta canción] es que yo era un fanático rabioso de Marilyn Monroe, lo cual realmente no podría estar más lejos de la verdad”, ha dicho Taupin. "Es sólo que la canción fácilmente podría haber sido sobre James Dean o Jim Morrison, Kurt Cobain". También sugirió que fácilmente podría haber representado las vidas trágicas de autores tan innovadores como Sylvia Plath y Virginia Woolf. “Me refiero, básicamente, a cualquier persona, cualquier escritor, actor, actriz o músico que murió joven y se convirtió en esa imagen icónica de Dorian Gray, esa cosa en la que simplemente dejó de envejecer. Es una belleza congelada en el tiempo”, dijo.

 A Elton John le pidieron que cantara en el funeral de Diana en la Abadía de Westminster y él quería cantar una nueva canción. El libro de Bronson afirma que Elton llamó a Taupin a Los Ángeles y le pidió que escribiera algunos textos nuevos, y también mencionó que “Candle In The Wind” había estado recibiendo mucha difusión en la radio desde la muerte de Diana. Taupin “no entendió” y pensó que Elton le estaba pidiendo que escribiera una nueva letra para “Candle In The Wind”, así que eso fue lo que hizo. Taupin pasó dos horas adaptando “Candle In The Wind” para hacer frente a estas circunstancias cambiantes. Una canción sobre una celebridad corrosiva se convirtió en una despedida cariñosa y sentimental, y "adiós, Norma Jeane" se convirtió en "adiós, la rosa de Inglaterra".

Marilyn Monroe y la princesa Diana eran damas blancas bonitas y glamorosas que murieron a la edad de 36 años, pero no tenían mucho en común más allá de eso. En cierto nivel, es bastante cómodo reescribir una vieja canción querida, eliminando todos los matices y aplicando todo el sentimiento a una persona completamente diferente. Pero a la princesa Diana siempre le había encantado “Candle In The Wind” y había llegado a identificarse con la imagen de fama de la canción. Desde esa perspectiva, entonces, la reescritura fue Elton honrando a un amigo reutilizando una de sus canciones favoritas. Podría haber sido cómodo, pero no fue cínico.


domingo, 21 de enero de 2024

1116.- The Real Me - The Who



The Real Me ("Mi yo real") o “Can You See the Real Me” ("Puedes ver mi yo real"), título con el que su autor Pete Townshend se refiere siempre a ella, fue el tercer single publicado por The Who en Estados Unidos y Canadá, con "I´m One" en la cara B, para promocionar su película y disco de ópera rock Quadrophenia, tras los singles "5:15" y "Love, Reign o’er Me". Se publicó también una versión del single para el mercado francés, en esa ocasión con "Doctor Jimmy" en la cara B.

En la letra, como en muchas de las canciones que conforman el doble álbum conceptual de Quadrophenia, el personaje del adolescente Jimmy es el protagonista, debatiéndose entre sus diversos conflictos internos  y su búsqueda de su propia identidad ("Mi yo real") entre las cuatro personalidades que se enfrentan y chocan en su interior, y que Pete Townshend construyó basándose en cada una de las personalidades y características de los miembros del grupo.

La banda al completo está excelsa en este tema, pero si hay algo que destaca muy por encima del conjunto, y que ha hecho de esta canción un tema mítico del grupo, es la línea de bajo de John Entwistle, surgida a modo de broma en la primera toma de la canción. El resto del grupo, en lugar de decirle a Entwistle que se tomara su parte en serio, alabo el resultado de aquella interpretación, y decidieron usarla para la versión definitiva de The Real Me.

In Your Honor - Foo Fighters (Mes Foo Fighters)

One by One, el trabajo anterior de Foo Fighters, fue un trabajo bueno pero, en todo caso, demostró que la banda se había vuelto un poco obsoleta, en algún momento entre el lanzamiento de One by One y In Your Honor, Dave Grohl decidió que quería ser un trovador, pero con ese disfraz no podía no hacer un disco de rock, asi que se le ocurrió Your Honor , una trabajo de dos CD, uno "ruidoso" y otro "no tan ruidoso", de esta manera, Grohl pudo hacer su trabajo de trovador y las masas obtuvieron otro álbum de rock. Vamos a ver cómo le salió la jugada.

La primera mitad de In Your Honor es ruidosa, Grohl lo deja claro desde el primer minuto gritando "¿¡PUEDES OÍRME!? ¡OÍRME GRITAR!?" de una manera bastante consciente en la canción de apertura. Y sí, escuchamos a Dave gritar, durante 10 pistas seguidas, sin apenas un espacio entre ellas. Y este es, en última instancia, el defecto del álbum este ritmo implacable en todo momento, casi sin descanso y podría haber estado bien si tuviéramos algo crudo, peroesta bastante pulido. Grohl tiene ahora la idea de poder cerrar cada canción con alguna frase repetida hasta el infinito (funcionó en "All My Life" pero no lo ha hecho desde entonces). Hay algunas buenas ideas en algunos lugares, el verso y el riff de "DOA", el coro de "The Deepest Blues are Black", la batería de Taylor Hawkins en general también es buena. El sencillo principal "Best of You" es bueno, principalmente porque es muy exagerado y realmente tenso. El punto más bajo de esto es "End Over End", que intenta ser una conclusión exagerada, pero termina siendo la peor canción de Foo Fighters hasta la fecha. Tiene un estribillo terriblemente repetitivo que Grohl decide repetir (sí, repitiendo lo repetitivo, imagínate) una y otra vez hasta el punto en que seguramente ya nadie pueda molestarse. Sin embargo, In Your Honor Disco 1 tiene mas luces que sombras: las primeras cuatro canciones del disco son algunas de las mejores de Foo Fighters, una cadena momentáneamente ininterrumpida de material contundente y impactante que prospera en su simplicidad. El enorme espacio abierto y la atmósfera distorsionada del grandilocuente "In Your Honor" encaja perfectamente en "No Way Back", una pista espectacular reforzada por su guitarra oscilante, la batería contundente y  los gritos de fuego del himno de Grohl con mucha reverberación. Hay algo repugnantemente contagioso en "Best of You", su gancho de mantra de locura, pegadizo y a todo pulmón, "DOA" es un éxito subestimado: la batería de Hawkins es lo más destacado coloca un un ritmo de fondo contundente y pesado que complementa perfectamente los ritmos gruesos de guitarra y bajo que se pavonean a través de los versos con una sorprendente cantidad de arrogancia. Parte del mejor material que los Foo Fighters han publicado está presente aquí: la dicotomía entre el eruptivo coro grunge y los versos oscuros y descendentes de "Free Me" es una combinación asesina plagada de tensión cautivadora.

El lado acústico de In Your Honor no sólo es sorprendentemente sólido, sino que el material se siente genuino y legítimo. La voz áspera de Dave Grohl agrega una interesante capa de calidez a las pistas de ritmo lento, cambiando su estilo de himno y canto por algo sorprendentemente dulce. "Still" lo abre con arpegios suaves y es sutil, algo que falta por completo en el primer disco. "Friend of a Friend", una canción sobre la relación de Grohl con Kurt Cobain cuando eran compañeros de banda de Nirvana, tiene una sensación de aislamiento y soledad, mientras que "Over and Out" tiene voces y guitarras muy melódicas. Todas estas son cualidades que se suman a la seriedad de Grohl, que en sí misma no es una cualidad que pueda abarcar un álbum completo. Si bien es muy criticada "Virginia Moon" una sorprendente desviación de la norma, con una bossa nova simplificado a ritmo completo con una acústica relajada y de jazz, un bajo vertical tarareante, adornos gélidos de piano y una voz de acompañamiento excepcional de Norah Jones (una de mis favoritas), cuya voz suave y susurrante es una compañera inesperadamente maravillosa del tono más rico y erizado de Grohl. Sin embargo, la banda logra guardar lo mejor de este disco para el final. 

"Cold Day in the Sun", cantada por Taylor Hawkins en lugar de Grohl, tiene un aire de country alternativo y "Razor" es realmente fantástico. Con la ayuda de Josh Homme como guitarrista extra, hay un punteo de guitarra magnífico, con una sensación oscura y discreta que tal vez no se extienda lo suficiente al resto del álbum. "Miracle" es una excelente pista de pop acústico: es agradablemente cursi e inspiradora, con la guitarra acústica folk y la melodía vocal pop de Grohl respaldada por un ritmo de batería constante y bajo, un piano ligero como una pluma y cuerdas ricas. Todos estos elementos funcionan maravillosamente en conjunto, sin competir nunca por llamar la atención ni pasar a un segundo plano. La cálida instrumentación de "What If I Do?" inunda al oyente como una agradable tarde de verano, acentuada por la suave voz de Grohl, Estamos ante el proyecto vanidoso de Grohl el que en realidad termina siendo la mejor mitad de este álbum y tal vez demuestra que si hubieran podido mezclar lo acústico con lo pesado y cortar el álbum a la mitad, o incluso simplemente lanzar la parte acústica y desechar el disco ruidoso, guardando "Best of You" y "The Sign" para otro álbum que también habría funcionado. Al menos ha mostrado otra cuerda del arco de Grohl, aunque necesita mucho refinamiento.


sábado, 20 de enero de 2024

Foo Fighters - Foo Fighters (Mes Foo Fighters)


El post-grunge es un género que muchos no disfrutan pero siempre ha habido una banda que sobresale del resto, una que es la principal excepción a la regla. Por supuesto, estoy hablando de Foo Fighters, un proyecto en solitario iniciado por Dave Grohl , famoso por Nirvana . Aunque la mayoría de las veces se los considera como otra banda genérica de hard rock, hubo un momento en el que, lo creas o no, eran una banda realmente buena con un gran potencial que, en su mayor parte no exploto como debería hacerlo. Si Nirvana fueron los Beatles de la Generación X, entonces Foo Fighters fueron definitivamente los Wings, las similitudes son muy fáciles de encontrar si comparas a los dos grupos uno al lado del otro: bandas formadas después de la traumática explosión de una banda más grande e influyente, alineaciones en constante cambio, una gran cantidad de éxitos que absorben toda la difusión radiofónica de rock clásico para el punto de volverse omnipresente e ineludible. Incluso el proceso de grabación de sus primeros discos es similar, es decir, el álbum debut de los Foo Fighters no es técnicamente un disco de banda, es un álbum solista de Dave Grohl, que es exactamente el mismo enfoque que adoptó Paul McCartney en su primer álbum de McCartney después del repentino fin de los Beatles. Ahora bien, eso no quiere decir que a nivel sonoro Foo Fighters recuerde a McCartney de alguna manera, el álbum de Paul era una extraña colección de demos de canciones y garabatos instrumentales que transmitían un tipo simple de encanto rústico a través de su deleite con los placeres simplistas de la domesticidad casera. El álbum de Dave es un conjunto logrado de canciones que claramente ha pasado algún tiempo puliendo a la perfección para poder probarse mejor como líder y compositor mientras intenta emerger de la gran sombra que se avecina de Kurt Cobain.


Grohl escribió la mayoría de las canción del álbum debut de Foo Fighters mientras todavía estaba en Nirvana y muy cerca de Cobain, por lo que no hace falta decir que recibió una gran influencia de su antiguo compañero de banda en términos de construcción de canciones y dinámicas cambiantes. Si estás buscando ese "sonido clásico de Nirvana" de guitarras eléctricas distorsionadas y voces estridentes tocando melodías pop con versos suaves y estribillos salvajes y enojados, seguramente lo encontrarás aquí. Y diablos, incluso iría un paso más allá y diría que hay algunas cosas aquí como "Alone + Easy Target" y la joya pop del sencillo "Big Me" que podrían haber sido excelentes temas de Nirvana si la banda hubiera permanecido junta por mucho tiempo, el suficiente para que Grohl se imponga como socio creativo de Cobain. Pero al mismo tiempo, la mayor parte de lo que hay aquí es simplemente una especie de rock alternativo genérico de mediados de los 90 que podrías haber escuchado de cualquier otra persona en 94-95. Durante un período en el que grupos como Pearl Jam y Soundgarden estaban haciendo algunos de sus materiales más memorables, y bandas como Green Day, Weezer, Oasis, Smashing Pumpkins y Radiohead estaban en ascenso, no hay nada que realmente hiciera destacar a los Foo Fighters entre la multitud aparte del rumor de que ésta es "la nueva banda del baterista de Nirvana". 


La canción que abre, “This Is a Call”, es en realidad una de las canciones más recientes escritas por Grohl y, desde el principio, su sentido de la melodía y la accesibilidad son evidentes junto con su inclinación por el rock descarado y duro. La canción comienza con algunas voces dobles encima de un rasgueo eléctrico antes de que la canción explote en un arreglo de rock completo e intenso,  la incómoda mezcla sobre el papel tiene la sensación de ser lo mejor de muchos mundos en la realidad. No es punk duro, pero tampoco es rock convencional. Mientras tanto, la voz de Grohl varía desde suavemente melódica hasta intensa y al borde del grito. “I'll Stick Around” se parece más a una canción tradicional de Nirvana con riffs rotativos y una sensación casi punk, el tono vocal de la canción varía desde un gemido indiferente hasta una perorata emocional y la música sigue perfectamente en todo momento. Comenzando con un increíble relleno de batería, luego nos muestra ese riff increíblemente contundente con platillos fuertes y estridentes para respaldarlo todo. El trabajo de batería, como era de esperar, es realmente bueno, pero el trabajo de guitarra, por otro lado, está en otro nivel. Creo que el contenido lírico de este se refiere a algún tipo de batalla legal en la que se vieron envueltos Grohl y la esposa de Cobain, Courtney Love, ese pequeño chillido de respuesta durante el primer verso es magnifico. “Big Me”, muestra un tercer tipo distinto de talentoso estilo musical de Grohl, vemos su faceta como compositor de una cancion pop tranquila y melódica, la pista muestra una habilidad especial para el uso efectivo de la repetición y los arreglos para transmitir el mensaje de la canción de una manera rápida y efectiva. Sólo trata de escuchar "Big Me" un par de veces seguidas y luego pasa el resto del día sin tararear esa melodía vocal repetitiva pero gloriosamente sinuosa. “Alone + Easy Target” se remonta a 1991 y es otro buen tema, aunque no tan innovador como las tres primeras canciones, una de las canciones más ruidosas de este proyecto y quizás también una de las más agresivas, especialmente con las voces y guitarras trabajando juntas en el coro ayudando a lograr este efecto.


“Good Grief” está impulsado por una batería constante y alegre y texturas de guitarra perforadoras y los estribillos se vuelven un poco punk intensivos, la canción tiene ese tono post-hardcore/emo convencional, especialmente cuando se trata de los temas melódicos que nos presentan casi de inmediato, creando esta interesante mezcolanza de ideas, con el coro de repente volviéndose súper rápido y violento mientras las guitarras y la batería golpean armoniosamente. “Floaty” contrasta con una agradable introducción acústica de 12 cuerdas antes de lanzarse a un balanceo de rock constante y empapado de bridas durante los versos. “Weenie Beenie” se lleva la palma por ser una de las mejores canciones del disco y realmente me dejó atónito al escucharla. Retroalimentación, un rápido asalto total de riffs duros y pistas casi disonantes, baterías grandilocuentes y, para colmo, Grohl gritando y gritando mientras se ahoga en la distorsión hasta el punto en que su voz es casi ininteligible. Es realmente increíble y rápidamente se convirtió en una de mis canciones favoritas de Foo Fighters. “Oh, George” regresa al hard rock melódico y es un homenaje a George Harrison, a quien llama su “Beatle favorito”, una canción que no pasara a la historia.  “For All the Cows” es otra canción al estilo Nirvana, comienza como este extraño tipo de jazz o blues, con las guitarras y la batería actuando, antes de convertirse finalmente en una canción puramente de rock alternativo en sus momentos finales. El final hace que todo valga la pena. “X-Static” se destaca como la única pista con un músico externo, ya que Greg Dulli de Afghan Whigs toca la guitarra. “Wattershed” es una improvisación punk con voces casi a gritos que critican a los carteros, los bancos, los contratos discográficos y otros temas divergentes, es el único tema que me siento tentado a saltarme repetidamente), pero ¿de qué sirve la coherencia si hay muy poca sustancia que justifique escuchar todo el relleno? ? Es un álbum poblado de ideas ligeramente subdesarrolladas y decisiones de producción confusas. “Exhausted” cierra las cosas y funciona muy bien con su título como tema final de esta colección grabada rápidamente. La pista se destaca por una sección de “retroalimentación” extremadamente larga en el medio, antes de que el riff musical principal reaparezca para guiar el álbum con algunos riffs pesados ocasionales que se incluyen en algunos puntos. Todos estos elementos contribuyen en gran medida a la calidad general de la canción.


Foo Fighters obtuvo bun gran exito en todo el mundo y fue promocionado a través de varias giras a nivel nacional e internacional. Estas giras sirvieron para consolidar a los miembros como un “grupo” adecuado y les seguiría mucho éxito, comenzando con el segundo álbum de 1997, The Color and the Shape , y continuando hasta bien entrado el siglo siguiente. El debut homónimo de Foo Fighters es un gigante absoluto, compuesto casi en su totalidad por riffs duros, baterías ruidosas y canciones que sin duda están increíblemente subestimadas y merecen tener su lugar dentro del canon del rock de los 90. Es honestos, quiza lo mejor que la banda ha lanzado jamás, aunque si merece o no exactamente los elogios que recibió depende de a quién le preguntes. Justo cuando creo que ya no tengo una banda y he pasado a cosas más grandes y mejores, siempre hay algo como esto que me recuerda por qué me enamoré de ellos en primer lugar. Este disco encaja perfectamente en ese aspecto, y me hace pensar que tal vez, sólo tal vez, haya algo más en estos chicos de lo que había pensado anteriormente: no son solo papá rock.


1115.- Love Reign O'er Me - The Who



Love, Reign o’er Me fue el segundo single extraído de la ópera rock Quadrophenia (1973) del grupo británico The Who, publicado el 27 Octubre de 1973 en Estados Unidos y Canadá, en una versión más corta (3:07 minutos) que la que estaba incluida en el disco (5:48 minutos), y con la canción Water como cara B. Esta versión alcanzó el puesto 76 del US Billboard Hot 100 y el 31 de las listas de ventas canadienses. Posteriormente, se publicó de nuevo como single en el mercado europeo (Bélgica y Países Bajos) con el tema Is It In My Head? en la otra cara.

Son muchas las diferencias entre la canción que se publicó como single y la que se incluyó en el disco, no solo porque en la versión corta de Love, Reign o’er Me se eliminaran los efectos de sonido de lluvia del inicio y la intro de piano para reducir su duración, sino porque hay también cambios en las letras y en la instrumentación. La versión del álbum culmina en un rotundo solo de batería, acompañado de guitarras, metales y hasta un gong, mientras que la versión editada para el single llega a su fin entre sintetizadores y teclados.

En cualquier caso, y con independencia de la versión que escuchemos, Love, Reign o’er Me es uno de los momentos álgidos de Quadrophenia y de la carrera de The Who. En el disco y la película, la canción está fuertemente ligada a Jimmy, el personaje principal, y a su crisis de adolescencia y sus pensamientos de suicidio, pero en su origen, Love, Reign o’er Me surgió en 1972 como parte de "Rock Is Dead – Long Live Rock!", un proyecto abandonado de ópera rock, que acabó siendo el germen de lo que finalmente sería Quadrophenia.

viernes, 19 de enero de 2024

1114.- Red Baron - Billy Cobham

 


En 1973, los conflictos comenzaban a aparecer en la máquina Mahavishnu, una agenda de giras agotadora e implacable combinada con el resentimiento de algun miembro por el control dictatorial de John McLaughlin sobre el grupo estaba causando que aumentaran las tensiones en la banda, ya que muchos de los otros miembros sentían que no tenían salida para sus propias composiciones. En medio de todo esto, el baterista Billy Cobham de alguna manera encontró su momento para grabar un álbum en solitario, el titulo “Spectrum” que sigue siendo el mejor y más interesante álbum en solitario hasta el día de hoy de Cobham, un álbum de fusión con una fuerte inclinación hacia el rock y el funk que elimina algunos de los excesos espirituales más floridos de la orquesta en favor de un sonido mucho más centrado en el groove pero con presagios del sonido que los jóvenes DJ hambrientos en busca de samples pronto explotarían. Cobham reunió una banda eléctrica pobr,  compuesta por el miembro de Mahavishnu Jan Hammer en los teclados, el bajista de sesión Leland Sklar y el héroe de la guitarra que podría haber sido un contendiente Tommy Bolin, quien estaba entre períodos reemplazando a Joe Walsh en James Gang o Ritchie Blackmore en Deep Purple.

“Red Baron” abre con una digna línea de bajo funk de Bootsy-in-the-JB y una fuerte batería de Cobham mientras los teclados y la guitarra duplican el tema principal. La guitarra suena más blues que en el resto del album aquí, un tono menos crujiente pero aún punzante. Los teclados de Hammer también suenan más terrenales que en las otras pistas, e incluso cuando abusa del modulador en anillo, sigue siendo más funky de lo habitual. Mientras tanto, el bajo y la batería están tan encerrados como siempre, Cobham solo rompe el ritmo para agregar algunos redobles y rellenos y acentuar los pasajes al unísono. Una muy buena flauta , arreglos de saxo soprano y fliscorno completan la mezcla. Después de un final falso, la banda continúa con el ritmo antes de que la pista se desvanezca lentamente, llevando el álbum a un buen final.

Aunque Cobham escribió todas las pistas y fue el líder indiscutible de este álbum, siempre me sorprende la atención que brinda a los otros músicos, Cobham logra la hazaña de mostrarle al oyente lo genial que es como baterista sin que nunca sienta que está presumiendo. En cierto modo, este álbum es en realidad más un esfuerzo colaborativo que Mahavishnu, y una parte de mí no puede evitar preguntarse qué habría resultado si Cobham, Hammer, Sklar y Bolin hubieran decidido permanecer juntos. Pero claro, la historia del rock está llena de "¿Y si?", ¿no es así? Poco después del lanzamiento de “Spectrum”, la Orquesta Mahavishnu original se disolvió y Cobham comenzó una larga y variada carrera en solitario. A pesar de varios buenos momentos, ninguno de sus álbumes en solitario igualó la potente mezcla de actitud rockera, virtuosismo del jazz y puro groove de su debut que sólo un baterista podría aportar como líder de banda, y sigue siendo uno de los mejores álbumes de fusión de todos los tiempos, antes de que el alcahuete comercial ahogara el vida de un género que alguna vez fue prometedor.