1206.- They Won't Go When I Go - Stevie Wonder

No es de extrañar que Stevie sea uno de los hombres más famosos de la historia de la música. Su virtuosismo en el piano junto con sus habilidades absolutamente estelares para escribir canciones son un dúo implacable y como si eso no fuera suficiente, su voz altísima y poderosa es una de las más reconocibles del soul. Simplemente tiene tanto talento que es casi un hecho que haya alcanzado el estatus que tiene. La década de 1970 generalmente se conoce como su período dorado, debido al lanzamiento de una serie de fuertes esfuerzos, incluidos Innvervisions , Songs In The Key Of LIfe y Fulfillingness' First Finale. Este ultimo es quizás uno de los discos más pasados por alto de Stevie, eclipsado por el gigantesco legado dejado por los discos antes mencionados. Atrapado entre los dos, a menudo se olvida, pero de ninguna manera deja de ser memorable, es decididamente más tenue que la mayoría de sus discos, con diez pistas escasas, carece de las composiciones extensas presentes en Innervisions . Líricamente, es menos político en su mayor parte y más centrado en sí mismo, por lo que es un disco más personal que los trabajos anteriores. Quizás fue el accidente automovilístico casi fatal en el que se metió en 1973 lo que hizo que su música fuera más cautelosa. A pesar de esto, todavía contiene la mezcla característica de funk pegadizo, soul downtempo y baladas tranquilas.

El núcleo emocional de todo el disco es la dolorosamente desoladora They Won't Go When I Go, que se remonta en sonido a Look Around, pero en una versión más extendida y abarcadora, con un sonido igualmente claramente clásico (probablemente influenciado por finales del siglo XIX), se nota su parte de piano casi improvisada y su escalofriante TONTO, parecido a una flauta, crean su tono sombrío, casi desesperado. La magistral interpretación vocal arqueada de Stevie es lo que hace que la canción sea tan conmovedora, aumentando la ira y el dolor hacia la sección media con su ataque a los pecadores y los políticos corruptos antes de volver a la silenciosa tristeza del principio. Desde su bella y oscura introducción de piano hasta los siniestros sonidos de sintetizador que se tambalean detrás de las voces, es una melodía que justifica la voz más sobreexcitada de Wonder en el álbum, el dramatismo, el tono y el tiempo de ejecución de seis minutos. Stevie Wonder realizó una versión de la canción en el funeral de Michael Jackson el 7 de julio de 2009.

1203.- Boogie On Reggae Woman - Stevie Wonder

 

Boggie On Reggae Woman, Stevie Wonder

     En 1974 Stevie Wonder publica su decimoséptimo álbum de estudio, Fulfilllingness' First Finale. Es grabado en los Record Plant y los Westlake Studios de Los Angeles, y en los Mediasound y lo Electric Lady Studios de Nueva York, bajo la producción de Robert Margouleff, Malcolm Cecil y del propio Stevie Wonder, y publicado el 22 de julio de 1974 por el sello discográfico Tamla Records, subsidiario de Motown Records.

Este disco fue el segundo del artista en encabezar la lista estadounidense Billboard Top LPs & Tapes, permaneciendo dos semanas, y también alcanzó el puesto número 1 en la lista Billboard Soul LPs, donde estuvo instalado durante nueve semanas, anunque no  consecutivas. Tuvo su culminación en la entrega anunal de los Premios Grammy de 1975, donde ganó en tres categorías: "Álbum del año", "Mejor Voz Pop Masculina" y "Mejor Interpretación Vocal Masculina de Rythm and Blues".

Incluído en este álbum se encuentra Boogie On Reggae Woman. Fue lanzada además como sencillo y continuó con la exitosa racha de Wonder en las listas de ventas. De hecho, con esta canción fue con la que ganó el premio Grammy a la "Mejor intepreetacón vocal masculina de R&B". En este punto de su carrera, Wonder se había ganado el derecho a negociar un contrato con Motown Records que le daba prácticamente el control total de sus grabaciones. Aprovechó para hacer algunas cancones de corte muy político, pero también grabó algún material más ligero, como Boogie On Reggae Woman. El éxito de Johnny Nash de 1972 con la canción "I Can See Clearly Now" demostró que el reggae podía tener hueco en las listas de éxitos, y Wonder apostó por utilizar este rirmo para esta canción.

Stevie Wonder grabó la canción en un momento muy prolíficio en su carrera. Tenía 21 años y había conseguido ya un más que prometedor contrato con Motown records. Con la ayuda de los ingenieros Margouleff y Cecil grababa constantemente, reservando tiempo en el estudio dondequiera que estuviera. Boogie On Reggae Woman fue una de esas muchas canciones que se grabron en aquel periodo, la cual estaba originalmente programada para su álbum Innervisions (1973), pero Margouleff logró convencerle de que encajaba mejor con su disco siguiente, Fulfillingness First Finale.

1096.- Higher Ground - Stevie Wonder

"Higher Ground" es el tema principal y de mayor éxito del disco de Stevie Wonder "Innervisions" (1973), una auténtica explosión de ritmo funk escrita y compuesta al completo por el propio Wonder en apenas tres horas, y publicada como single con la particularidad de contener un verso menos que la versión publicada en el disco, alcanzando el primer puesto de las listas de R&B y el cuarto del Billboard Hot 100. Peor suerte corrió en Reino Unido, donde solo alcanzó el puesto 29 de las listas de ventas.

En la grabación, Wonder se encarga de tocar todos los instrumentos, realizando la línea de bajo con un sintetizador Moog e incluyendo efectos de clavinet y wah wah con un pedal de filtro envolvente. Grabada justo antes de que Stevie Wonder sufriera un accidente que le tuvo temporalmente en coma, cuenta la leyenda que, durante el período de recuperación, su road manager le cantó la canción al oído, a lo que Wonder respondió moviendo los dedos al compás de "Higher Ground".

Curiosamente, al hilo de la anterior anécdota, la letra de la canción aborda el tema de la reencarnación y de la esperanza en una nueva vida, algo en lo que Wonder creía fervientemente. En sus propias palabras; "Escribí Higher Ground antes del accidente, pero es como si algo me hubiera estado diciendo que iba a suceder, para hacerme consciente de muchas cosas y recomponerme. Esto es como mi segunda oportunidad de vida, de hacer algo o de hacer más, y de valorar el hecho de estar vivo".

1095.- He's Misstra Know-It-All - Stevie Wonder

"He's Misstra Know-It-All" ("Míster Sabelotodo") es una suave balada con un delicado y efectivo ritmo de teclado que Stevie Wonder publicó como sencillo de su disco Innervisions (1973), con la canción "You Can't Judge a Book by Its Cover" en la cara B, logrando alcanzar el décimo puesto de las listas de ventas del Reino Unido. Posteriormente, en 1977, fue lanzada de nuevo al mercado como cara B del sencillo de "Sir Duke" tanto en Estados Unidos como en Reino Unido.

Básicamente, "He's Misstra Know-It-All" es una demostración de las capacidades instrumentales y vocales de Stevie Wonder en solitario, ya que salvo la aportación de Willie Weeks al bajo eléctrico, todos los demás instrumentos corrieron a cargo del genial músico estadounidense, que además de la voz principal se encargó de coros, piano, batería, palmas, congas y un sintetizador con el que imitó el sonido de una flauta. 

El resultado es una obra maestra tanto vocal como instrumentalmente, y una de las piezas más relevantes tanto del disco Innervisions como de la carrera de Stevie Wonder, un tema que comienza más lento y pausado y que, al final, se vuelve más intenso y desatado y que, curiosamente, no es tan edulcorado como pudiera parecer en principio, ya que en su genial descripción de un anónimo embaucador al que llama irónicamente "Míster Sabelotodo" escondía una velada crítica al presidente estadounidense Richard Nixon, "un hombre con un plan" y con "un dólar falso en la mano".

1001.- You are the sunshine of my life - Stevie Wonder

Lanzada en 1972 dentro del álbum "Talking Book", "You Are the Sunshine of My Life" ("Eres el sol de mi vida") es una de las canciones más románticas de la carrera de Stevie Wonder, todo una declaración de amor arropada en suaves arreglos y un cálido ritmo de piano acompañando a la prodigiosa y apasionada voz del gran músico estadounidense, que regala a los oídos y los corazones de los oyentes una pieza melódica y cautivadora.

La canción es una optimista celebración del amor, y de la alegría y la felicidad de tener a la persona amada a tu lado, a priori un tema tan simple y tantas veces repetido, pero que en "You Are the Sunshine of My Life" está tratado con una belleza instrumental y lírica de lo más sencillas y, paradójicamente, de lo más impactantes. La imprescindible y característica armónica, tan presente en muchas de las grandes canciones de Stevie Wonder hace aquí también su aparición estelar, y el tema se completa con unos suaves coros que son el complemento perfecto para la voz principal.

Su mensaje es tan sencillo y, a la vez, tan universal, que la canción no ha quedado relegada al olvido ni ha sufrido las consecuencias del paso del tiempo como otras canciones de Wonder, sonando hoy en día con la misma vigencia e intensidad que antaño. Al fin y al cabo, el sol sigue saliendo cada día, y el sentimiento que produce tener a la persona adecuada a tu lado sigue siendo el mismo.

1000.- Superstition - Stevie Wonder

"Superstition" es, probablemente, la canción más icónica del músico estadounidense Stevie Wonder. Fue el gran single de su disco de 1972 "Talking Book". Considerada una de las grandes obras maestras del funk y el soul, su increíble ritmo de teclado, que tendría casi la categoría de "riff icónico", y su potente ritmo de acompañamiento con una batería y un bajo sensacionales, impresionan de principio a fin de la canción, y provocan que, para cuando la voz de Stevie Wonder entra en escena, estemos ya entregados a una canción legendaria.

Wonder le aporta además una interpretación vocal intensa y apasionada, alejada de la suavidad melódica de otras grandes piezas de su repertorio, y con una letra que explora la idea de la influencia negativa de la superstición en nuestro comportamiento y en las decisiones que tomamos en nuestras vidas, introduciendo una capa de crítica social al defender la importancia de mantenerse firme y no dejarse llevar por creencias falsas o irracionales que nos distraen de los problemas reales.

La inclusión de una sección de vientos es la guinda perfecta para terminar de darle el efectivo toque funk a la pieza y elevarla hasta la categoría de obra memorable, que tras su lanzamiento se convirtió en uno de los mayores éxitos comerciales y de crítica de la carrera de Stevie Wonder, y que a lo largo de las décadas ha sido versionada y sobre todo, sampleada hasta la saciedad por un buen número de artistas, atrapados por el embrujo y la adictiva cadencia de su mágico ritmo de teclado. ¿Embrujo? ¿Magia? No seamos supersticiosos, es mucho más evidente hablar, directamente de "obra maestra".

0930.- I love every little thing about you - Stevie Wonder

"I Love Every Little Thing About You" fue lanzada en 1972 como parte del álbum "Music of My Mind" de Stevie Wonder. La canción es una alegre y desenfadada declaración de amor, con una romántica letra en la que el cantante declara a voz en grito que le gustan todos y cada uno de los rasgos y detalles de su pareja ("todas tus pequeñas cosas").

Musicalmente, "I Love Every Little Thing About You" es una pegadiza combinación de sonidos del soul, el funk y el R&B, los géneros por los que el popular cantante estadounidense más ha transitado a lo largo de su extensa carrera. La línea de bajo va tejiendo la animada red sonora de la canción, y un agradable acompañamiento de arreglos de viento y cuerdas envuelve a la siempre brillante y apasionada voz de Stevie Wonder.

La canción no fue lanzada como sencillo de "Music of My Mind" , pero eso no ha impedido que se haya convertido en uno de sus temas más destacados y reconocidos de la extensa discografía de Wonder, y que haya sido versionada por otros artistas, entre los cuales quiero destacar la de Miki Howard a dúo con Terence Trent D'Arby, quizá una versión poco conocida pero no por ello menos interesante. Ambos cantantes consiguen, como hizo su creador en su momento, que nos gusten todas las pequeñas partes y matices de esta gran canción.

0929 - Stevie Wonder - Superwoman (Where Were You When I Needed You)

0929 - Stevie Wonder - Superwoman (Where Were You When I Needed You)

"Superwoman (Where Were You When I Needed You)" es una canción del legendario cantante y compositor estadounidense Stevie Wonder. Fue lanzada como parte de su álbum de 1972, "Music of My Mind", y desde entonces se ha convertido en un clásico atemporal dentro de su discografía.

La canción es un himno conmovedor y poderoso que refleja la habilidad de Stevie Wonder para combinar letras significativas con una melodía cautivadora. "Superwoman" narra la historia de una mujer fuerte y valiente que ha enfrentado muchas adversidades en su vida, pero que a pesar de ello ha encontrado la fuerza para seguir adelante. Stevie Wonder utiliza su voz distintiva y llena de emoción para transmitir el mensaje de apoyo y solidaridad hacia esta "Superwoman" en su lucha diaria.

La melodía de "Superwoman" es suave y melancólica, con elementos de soul y R&B característicos del estilo musical de Stevie Wonder. El piano y los arreglos de cuerda añaden una profundidad y riqueza al sonido general de la canción, creando una atmósfera nostálgica y conmovedora.

Una de las cosas destacables de "Superwoman" es la habilidad de Stevie Wonder para capturar las emociones y transmitirlas al oyente. Su voz es verdaderamente expresiva y llena de pasión, lo que hace que la canción sea aún más impactante y memorable. Además, las letras son poéticas y profundas, abordando temas de superación, amor y apoyo mutuo.

"Superwoman (Where Were You When I Needed You)" muestra la habilidad innegable de Stevie Wonder como compositor y letrista, así como su talento para conectar con el público a través de la música. La canción ha dejado una marca indeleble en la historia de la música y sigue siendo una joya en el catálogo musical de Stevie Wonder.

"Superwoman (Where Were You When I Needed You)" es una canción icónica que combina una melodía cautivadora, letras profundas y la inigualable voz de Stevie Wonder. Es una oda a la fortaleza y la resistencia humana, y una muestra del genio creativo de este legendario artista.

Daniel 

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0719 - Stevie Wonder - Signed Sealed Delivered (I'm Yours)

0719 - Stevie Wonder - Signed Sealed Delivered (I'm Yours)

Vamos con la canción Signed, Sealed, Delivered (I'm Yours) que es una canción soul del músico estadounidense Stevie Wonder, lanzada en junio de 1970 como single para el sello discográfico Tamla de Motown. 

La canción paso seis semanas en el número uno en los EE. UU. en la lista de R&B y alcanzó el puesto número tres en los EE. UU. En la lista U.S. pop. En el mismo año, la canción también fue lanzada en el álbum Signed, Sealed & Delivered.

La canción tiene arreglos del artista Paul Riser y presenta un sitar eléctrico como instrumento, interpretado por Eddie "Chank" Willis.

La letra de la canción cuenta, que el cantante ha dejado a su novia pero se da cuenta de que eso fue un error. "He hecho muchas tonterías que realmente no quise decir". Ahora ha regresado, comprometiéndose a regresar, similar a un paquete de entrega especial de la oficina de correos, "firmado, sellado, entregado, soy tuyo".

La canción fue una serie de éxitos  para Stevie Wonder, a sus 20 años, Signed, Sealed, Delivered (I'm Yours) fue el primer single que Stevie Wonder produjo por su cuenta, y también fue el primero en presentar su canto femenino de respaldo. grupo compuesto por Lynda Tucker Laurence, quien se convirtió luego en miembro de la banda The Supremes, Syreeta Wright, quien también coescribió la canción y luego se casó con Stevie Wonder y Venetta Fields. La canción le dio a Stevie Wonder su sexta nominación al Grammy, y el premio de ese año fue para la canción de Clarence Carter "Patches".

Cash Box declaró que la canción es "lo suficientemente pulida y poderosa como para mantener un poder de mercado adulto y apunta hacia ventas gigantes". Está en el puesto 203 en la lista de Rolling Stone de las 500 mejores canciones de todos los tiempos.

Daniel 

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0535.- My Cherie Amour - Stevie Wonder

 

My Cherie Amour, Stevie Wonder

     El 29 de agosto de 1969 Stevie Wonder publica bajo el sello Tamla Records (Motown) el álbum My Cherie Amour, su undécimo trabajo de estudio. El material del disco es grabado en el estudio del sello Motown, conocido como Hitsville, de Detroit en 1969, excepto el tema que da título, My Cherie Amour, que había sido grabado entre 1967 y 1968. El álbum, que se mueve entre el pop-soul y el R&B, obtuvo bastante éxito, alcanzando el puesto número 12 en las listas de ventas del Reino Unido, y el número 34 en las listas de ventas de Estados Unidos.

Incluido en el álbum se encuentra el tema que da título al álbum, My Cherie Amour. Wonder escribió la canción en 1967 mientras estudiaba en la Escuela para Ciegos de Michigan, grabando una primera versión y guardándosela en su "Caja de Cintas", donde guardaba todas sus ideas para canciones. Escribió la canción para su por entonces novia Marcia y la titulo originalmente Oh My Marcia. El cantante acabaría cambiando el título de la canción por My Cherie Amour porque cuando se realizó la versión final ya no eran novios. Cuando Berry Gordy, fundador de Tamla - Motown Records, escuchó la canción pensó que la canción podía mejorarse y puso a trabajar sobre ella a los compositores del sello Henry Cosby y Silvia Moy, quienes figuran en los créditos de la canción junto a Wonder. A Silvia Moy se le ocurrió el título de la canción, una sutil combinación de inglés y francés que dió como resultado My Cherie Amour. 

0523.- For once in my life - Stevie Wonder

For once in my life (Por una vez en mi vida) es una de las baladas más recordadas de Stevie Wonder, pese a no tratarse de un tema original del artista estadounidense. Fue grabado por primera vez por Barbara McNair, aunque se publicaría antes la versión de Jean DuShon, y posteriormente ha sido interpretado también por artistas de la talla de Diana Ross, The Four Tops o The Temptations, pero ninguna de esas versiones alcanzó la fama y el reconocimiento que consiguió la versión de Stevie Wonder de 1968.

Curiosamente, Stevie Wonder grabó la canción casi al mismo tiempo que la versión que de la misma canción hicieron The Temptations, y en aquel momento Berry Gordy, el capo de la Motown, prefirió la versión de los Temptations. Esto hizo que la versión de Wonder, mucho más rítmica y positiva, quedara archivada y sin fecha de publicación prevista, hasta que Billie Jean Brown, jefe del departamento de control de calidad de Motown, convenció a Gordy de que estaban ante un hit en potencia.

Y así era. El For once in my life de Stevie Wonder se convirtió en un enorme éxito desde su publicación en octubre de 1968, alcanzando el segundo puesto del Billboard estadounidense. Por una vez en la vida, el olfato le había fallado al normalmente infalible Berry Gordy, y a punto había estado de dejar que uno de los grandes temas de los años sesenta se llenara de telarañas en algún almacén de la discográfica. Sin desmerecer a The Temptations, eso habría sido un error imperdonable a la vista del resultado de la mágica interpretación de Stevie Wonder.

0384.- I Was Made to Love Her - Stevie Wonder

I Was to Love Her, Stevie Wonder

     El 27 de agosto de 1967, Stevie Wonder, uno de los pilares del sello Motown Records, publica su séptimo álbum de estudio, I Was Made to Love Her. El disco, de género soul, es grabado en el Estudio A de los Hitsville USA Studios de Detroit, Míchigan (Estados Unidos), y publicado bajo el sello Tamla Records, el cual es subsidiario de Motown Records.

El tema que da título al álbum, I Was Made to Love Her, fue lanzado como sencillo un mes antes del lanzamiento del álbum, en julio de 1967. La canción alcanzó el puesto número 1 en la lista Hot Rhytm & Blues Singles de Estados Unidos y el puesto número 2 en la Billboard Pop Singles de Estados Unidos también. En Reino Unido también llegó a alcanzar un notable éxito, colándose en el pueso número 5 en sus lisas de ventas y convirtiéndose en el primer éxito de Stevie Wonder en ese país. 

La canción fue escrita por Stevie Wonder cuando tenía 16 años, junto a su madre Lula Mae Hardaway, junto a la compositora de Motown Records Sylvia Moy y Henry Crosby, éste último a la vez el productor de la canción. Lula Mae, la madre de Stevie Wonder, coescribió muchos temas junto a su hijo durante la adolescencia de éste. Sobre la canción, Stevie Wonder afirmó que trataba de su primer amor, una chica muy hermosa llamada Angie. En realidad Angie fue su tercera novia, pero fue ella su primer gran amor. Por las noches ambos, antes de irse a dormir, se despedían por teléfono mientras hablaban y se declaraban su amor por teléfono. 

Después del éxito inicial que el cantante había tenido bajo el nombre Little Stevie Wonder, había dejado de tocar la armónica en la mayoría de sus canciones para ayudar a deshacerse de aquella imagen, sin embargo en I was Made to Love Her volvió fuerte con la interpretación de este instrumento.

0282: Uptight, Stevie Wonder

Uptight (Everything's Alright) de Stevie Wonder salió publicado como sencillo en 1965 y fue también incluida en el álbum Up-Tight de 1966. El chico de oro de Tamla Motown no defraudó y entregó una de sus canciones más populares, y el público y la crítica lo auparon a lo más alto (alcanzó el primer puesto del Billboard estadounidense, puesto que mantuvo durante cinco semanas, y fue nominada como mejor canción R&B y mejor interpretación R&B en los Grammys).

Uptight fue el espaldarazo definitivo de Wonder, que como (ya no tan niño) prodigio en ese momento generaba dudas en Motown, por el cambio que estaba sufriendo en la voz y por haber cosechado apenas un par de éxitos menores en las listas, corría incluso el riesgo de que prescindieran de sus servicios en la discográfica. Sin embargo, las nuevas y más maduras tonalidades de su voz encajaron a la perfección con una línea instrumental que el propio Wonder había compuesto inspirándose en los riffs de los Rolling Stones, con los que acababa de compartir gira.

El equipo de compositores de la Motown se apresuró a completar la letra de una canción de la que Wonder solo tenía la frase "Todo está bien, tenso". La versión definitiva, en la que un joven sin apenas recursos corteja a una chica rica e intenta que ella le valore y vea más allá de su pobreza, no estaba escrita en Braille el día de la grabación, por lo que Silvia Moy, una de las compositoras de la canción, actuó de apuntadora y le fue cantando las frases durante la grabación. Como no podía ser de otra manera, y más si hablamos de un tipo que se apellida Maravilla, Stevie Wonder no perdió en ningún momento el ritmo ni se equivocó al repetir las frases que Silvia le apuntaba, completando con éxito una grabación histórica.

0109: Fingertips - Stevie Wonder

 

Fingertips, Stevie Wonder

     Nos encontramos en el año 1962, año en el que un jovencísimo Stevie Wonder con 12 añitos graba un tema que le catapultará al año siguiente, con la grabación de una segunda parte, hacia uno de sus primeros éxitos, Fingertips.

Fingertips fue compuesto originalmente por el compositor, productor y cantante Clarence Paul y por el compositor, arreglista, productor  y músico Henry Crosby. El tema fue grabado originalmente como un instrumental de jazz para el primer álbum de estudio de Stevie Wonder, The Jazz Soul Of Little Stevie, quien en aquel momento debido a su edad era conocido como Little Stevie Wonder. El disco fue lanzado en septiembre de 1962 por el sello discográfico Tamla Records, y ya nos da muestras del enorme talento musical de aquel chiquillo que con tan sólo 12 años ya componía y tocaba la percusión, la armónica y los teclados.

Sería un año más tarde, en 1963, cuando Fingertips se convierte en un éxito tras la grabación de una versión en vivo compuesta por dos partes, la primera parte, la original que es instrumental, y la segunda parte donde Stevie Wonder alienta al público cantando unas pocas estrofas mediante el conocido método musical de preguntas y respuestas. 

La edición de ese poterior sencillo compuesto por Fingertips part I en la cara A, y Fingertips part II en la cara B, fue publiado en mayo de 1963 por Tamla Records, y recoge la versión que hizo Little Stevie durante un concierto en el Regal Theatre  de Chicago en junio de 1962. La segunda pate empieza cuando Stevie grita: "Everybody Say 'Yeah", inciando un intercembio con el público de llamadas y respuestas. Sería esta edición lanzada en 1963 de aquel concierto de 1962 la que asomaría al artista por primera vez a las famosas listas Billboard de éxitos de Estados Unidos. 

Historia del rock and roll: 28.- Año 1963

¿Estamos ante el año en el que el cambio en la música se hace realidad? ¿El fin de una época? ¿El comienzo de otra? Para muchos estudiosos este es otro de los años claves para la música por las siguientes razones: La Motown se consolida y encuentra su sonido, el fenómeno grupo de chicas está en pleno auge, el surf sigue en su mejor momento con una consolidación a nivel nacional y con The beach boys arrasando allá donde van, Bob Dylan pone el folk en mapa de la música y sobre todo The Beatles inicia la nueva era.

The Beatles

The Beatles publican su segundo single y causa furor entre el público, “Please, please me”, una canción compuesto por John Lennon. El siguiente fue “Ask me why” un tema con reminiscencias a The Miracles de la Motown, visto el éxito del single rápidamente se ponen manos a la obra y graban un LP, que sale el 22 de marzo de 1963, el primer corte es la canción de Paul McCartney “I saw standing here”, el tercer corte compuesta por Lennon, la melosa “Do you want to know a secret” y cerraba el álbum con la voz rota de Lennon el pelotazo “Twist and Shout”. También publicaron un single, que se convirtió en el single más vendido en Inglaterra, su título “She loves you” y fue la primera gran canción escuchada en Estados Unidos del grupo. A finales de año el grupo actúa en el Royal Variety Performance de Londres, ante la reina de Inglaterra, la grabación de esta actuación es el momento donde Lennon dice una de sus frases legendarias: "Para nuestro siguiente número me gustaría pedir vuestra ayuda: la gente de los asientos más baratos debe aplaudir y el resto de ustedes puede simplemente sacudir sus joyas.", y tocan “Twist and shout” como pocas veces lo hicieron.

El 22 de noviembre de 1963, The Beatles publican su segundo Lp, titulado With the Beatles, un disco que contenía 6 versiones de temas americanos, el disco abría con el tema de Lennon “It wont be long” una canción plagada de acordes vocales que hizo las delicias de los fans. Una de los temas versionados más apreciadas era el “Mr. Postman” de The Marvelles, otra fue el “Roll over Beethoven” de Chuck Berry con George Harrison a la voz, y como no el “Money (that´s what I want)” una versión salvaje del clásico de la Motown a cargo de John Lennon.

The Big Three fue un grupo de Liverpool que no tuvieron demasiada suerte, pero dejaron joyas como “Some other guy”, o “Cavern Stomp”, fichados por Brian Epstein The Searchers es otro de los grupos de Liverpool, quizás los segundos más importantes después de The Beatles, pero a pesar de temas como “Sweets for my sweet” no llegaron a tener un éxito rotundo, otra buena canción fue “Sugar and spice”. Otro de los grupos de Liverpool que merece la pena mencionar son Gerry and the Pacemakers su primer y único Lp esta plagado de versiones de temas americanos como “A shot of rhythm and blues” o “Jambalaya”, pero si por algo han pasado a la historia es por ser los autores de “You never walk alone” que cantan los hinchas del Liverpool C.F. cuando juega su equipo.

The animals es un grupo de Newcastle que debutan en la música este año, al principio hacen versiones de temas conocidos como el “Boom, boom” de John Lee Hocker o “Big boss Man” escrita por Luther Dixon and Al Smith. Otro grupo Ingles importante que debuta este año fuera del circulo de Liverpool son The Yardbirds, fue el grupo de Blues donde empezaron Eric Clapton, Jimmy Page y Jeff Beck, casi nada, a finales de este año publican “You can´t judge a book by looking at the cover” un tema original de Bo Diddley

Bob Dylan

“Blowin' in the Wind” es la canción que abre el segundo álbum de Bob Dylan titulado “The Freewheelin” y quizás la canción más reconocible del artista un disco donde él compuso todas las canciones salvo una, y donde también podemos disfrutar de “Girl from the North of country” o la grandiosa canción “Masters of war” un alegato contra la guerra, adaptación de la canción folk tradicional estadounidense Nottamun Town. Otro de los temas imprescindibles que encontramos en este álbum es “A hard rain a-gonna fall”, la canción se publicó poco antes de la Crisis de los misiles de Cuba, por lo que en su época se dijo que la letra tenía que ver con dicha crisis, aunque el cantautor comentaba que la canción versaba sobre las injusticias y el sufrimiento en general.

Vamos con un grupo que se formó en 1962 pero que hasta mediados de 1963 no publican su primera canción, una versión del clásico de Chuck Berry “Come On”, con todos ustedes sus satánicas majestades: The Rolling Stones había comenzado su leyenda, aunque para el segundo single eligieron una canción que Lennon y McCartney les cedieron “I wanna be your man”, The Beatles insatisfechos con el resultado, publicarían su versión en su siguiente álbum,  

The drifters llevaban 10 años de éxitos, este año lo estrenarían con una de sus canciones más conocidas “On Broadway”, con una gran conjunción de los instrumentos y las voces formando un cruce de doo-wop a R&B magnifico. The Kingsmen abanderaron la música garaje y en 1963 publicaron una de la grandes canciones de la época, “Louie Louie”, multitud de veces versionada. Marvin Gaye sigue tozudo en su pelea, intentando hacerse un hueco en lo más alto, este 1963 lo estrena con “Pride and Joy”, casi el preludio de su numero 1 que no trardaria en llegar. Stevie Wonder consigue el primer número uno en directo de la historia del rock con el tema “Fingertips”, en esa actuación a la batería encontramos a Marvin Gaye. The supremes aún no había llegado a su cima, pero daban muestra con temas como “A breath taking guy” o “When the lovelight starts shining through his eyes”

The Beach Boys

Y ahora vamos con la música Surf, The Beach Boys publican su cuarto single, un tema marcado por la polémica ya que Little Richard les puso una demanda por plagio de su tema Sweet Little sixteen, la verdad que se parece mucho pero aun así “Surfin USA” se convirtió en uno de los temas del año y el título de su segundo disco. También podemos encontrar el tema instrumental “Surf Jam”. Aun en este año tuvieron tiempo de grabar otro álbum, y para abrir la cara A eligieron la que dicen que es la primera composición de Brian Wilson, la muy melosa “Surfin Girl”, también encontramos la archiconocida “Little deuce coupe”. The Challengers publicaron el disco de surf instrumental más vendido de la historia, un disco de versiones de lo mejor del surf. Jan & Dean fue una de las pocas bandas que hicieron sombra a The beach boys y con “Surf City” conseguirían su único numero 1. The Trashmen fue un grupo musical estadounidense formado en 1962 en Minneapolis, su sonido es una mezcla de varios géneros, principalmente Surf Rock, Garage Rock, Beat y Rock and Roll, su tema “Surfin’ Bird” fue un auténtico hit del año, muchos la reconoceréis porque suena en la película La chaqueta metálica de Stanley Kubrick.

The Crystals

 Elvis Presley seguía desperdiciándose con su cine y de vez en cuando hace algo decente, este año fue “(You´re the) Devil in disguise”, aunque no deja de ser rock blando y comercial. Lesley Gore consiguió su primer y único número 1 cuando contaba con 18 años el tema “It´s a party”, Lesley fue una de las discípulas de Quincy Jones. Wilson Pickett publica “If you need me” canción escrita por él y que la casa de discos habían cedido a Solomon Burke sin conocimiento del autor, herido en su orgullo crea la versión que ha pasado a la historia. The Crystals publican una de las canciones más conocidas de los girls groups que lleva por titulo “Da doo ron ron”, refrendado por su siguiente single “The he Kiss me “disfrutarían de unos años de éxitos. A Merry Clayton le tenemos que agradecer que pusiera en circulación uno de los temas mas conocidos de Cher, estamos refiriéndonos a “It's in His Kiss”, que la cantante de góspel bordaba pero que no tuvo la suerte que merecía. The Shadows publican su ultimo numero 1 titulado “Foot Tapper”, otro gran tema instrumental, pero la época del grupo estaba tocando a su fin. The Ronettes era un girl group de Nueva York que tuvieron la inmensa suerte de dar con Phil Spector que las lanzó al estrellato con el tema “Be my baby”. Otis Reading nació en Georgia, y está considerado una de las figuras más importantes del Soul, a finales de este año publica “Pain in my heart” que más tarde versionarían The Rolling Stones. The Squires es una banda canadiense que no gozó de demasiado éxito, la fama y el renombre les vendría después, cuando pasados los años el componente que tocaba la guitarra eléctrica iniciaba una carrera en solitario llena de éxitos, aquí tenéis el primer grupo de Neil Young y destacamos su tema “The Sultan”, su primera composición conocida.

Historia del rock and roll: 24.-Stevie Wonder

Stevland Hardaway Morris nació el 13 de mayo de 1950. Su nacimiento fue seis semanas antes de tiempo, lo que, junto con la atmósfera rica en oxígeno en la incubadora del hospital, desarrollo la retinopatía del prematuro (ROP), una enfermedad en la cual el crecimiento de los ojos se paraliza y hace que las retinas se desprendan, quedándose ciego. Cuando Wonder tenía cuatro años, su madre dejó a su padre y se mudó a Detroit con sus hijos. Comenzó a tocar instrumentos a una edad temprana, como piano, armónica y batería.
En 1961, cuando tenía 11 años, Wonder cantó su propia composición, "Lonely Boy", para Ronnie White of the Miracles; White luego llevó a Wonder y a su madre a una audición en Motown, donde Berry Gordy hizo un contrato a Wonder con el sello Tamla de Motown. Antes de firmar, el productor Clarence Paul le dio el nombre de Little Stevie Wonder. Grabó un disco tributo a Ray Charles y un álbum instrumental titulado Jazz Soul de Little Stevie, donde ya escribió dos canciones. Ambos álbumes tuvieron poco éxito

A finales de 1962, cuando Wonder tenía 12 años, se unió a Motortown Revue, recorriendo los teatros de todo Estados Unidos que aceptaban artistas negros. En el Teatro Regal, Chicago, su actuación de 20 minutos fue grabada y lanzada en mayo de 1963 en el álbum Recorded Live: The 12 Year Old Genius, el sencillo "Fingertips", fue lanzado en mayo, y se convirtió en un gran éxito, fue número 1 en el BillboardHot 100 cuando Wonder tenía 13 años, lo que lo convirtió en el artista más joven en encabezar la lista, sin embargo sus siguientes grabaciones no tuvieron éxito, su voz estaba cambiando a medida que envejecía, y algunos ejecutivos de Motown estaban pensando anular su contrato de grabación. Sylvia Moy persuadió a Berry Gordy para que le diera otra oportunidad quitando el "Little" de su nombre, y trabajo junto a Wonder para publicar "Uptight (Everything's Alright)" que se convirtió en un éxito a los que sumo "With a Child's Heart" y "Blowin 'in the Wind", una versión de Bob Dylan, co-cantada por su mentor, el productor Clarence Paul. También comenzó a trabajar en el departamento de composición de Motown, componiendo canciones tanto para él como para sus compañeros de discográfica.

En 1968 grabó un álbum de canciones instrumentales de soul / jazz, en su mayoría armónicos solos, bajo el título Eivets Rednow , que es "Stevie Wonder" escrito al revés. El álbum no obtuvo mucho éxito en las listas de éxitos estadounidenses, no obstante, logró obtener varios éxitos entre 1968 y 1970, como "My Cherie Amour", "I Was Made to Love Her" y "Uptight (Everything's Alright)", que fueron co-escritos con Henry Cosby.

En septiembre de 1970, a la edad de 20 años, Wonder se casó con Syreeta Wright, una compositora y ex secretaria de Motown. Wright y Wonder trabajaron juntos en el próximo álbum, “Where I'm Coming From” en donde trataban de "denunciar los problemas sociales del mundo" y con la idea de que las letras "significaran algo". Fue lanzado aproximadamente al mismo tiempo que What's Marvin Gaye's What's Going On . Como ambos álbumes tenían ambiciones y temas similares, se han comparado; en una revisión contemporánea de Vince Aletti en Rolling Stone, Gaye's fue visto como exitoso, mientras que Wonder's fue visto como un fracaso debido a la producción "autocomplaciente y abarrotada", letras "indistinguibles" y "pretenciosas", y una falta general de unidad y flujo. Al cumplir 21 años el 13 de mayo de 1971, permitió que su contrato de Motown expirara.

Durante este período, Wonder grabó de forma independiente dos álbumes y firmó un contrato con Motown Records. El contrato de 120 páginas fue un precedente en Motown y le dio a Wonder una tasa de privilegios mucho más alta de las que nunca había tenido un artista con lo que regresó a Motown en marzo de 1972 con el álbum Music of My Mind . A diferencia de la mayoría de los álbumes anteriores en Motown, que generalmente consistía en una colección de singles, lados B y covers, Music of My Mind fue una declaración artística de larga duración con canciones que fluyen juntas temáticamente. Las letras de Wonder trataban temas sociales, políticos y místicos, así como temas románticos. Ya a finales de 1972, lanzo el éxito “Superstition", que es uno de los ejemplos más distintivos y famosos del sonido del teclado Hohner Clavinet. También presentó "You Are the Sunshine of My Life", Wonder comenzó a viajar con los Rolling Stones. La gira de Wonder con los Stones también fue un factor detrás del éxito de "Superstition" y "You Are the Sunshine of My Life".

El 6 de agosto de 1973, Wonder sufrió un grave accidente automovilístico mientras estaba de gira en Carolina del Norte, cuando un automóvil en el que viajaba golpeó la parte trasera de un camión. Esto lo dejó en coma durante cuatro días y resultó en una pérdida parcial de su sentido del olfato y una pérdida temporal del sentido del gusto. A pesar del revés, Wonder volvió a aparecer para una gira europea a principios de 1974- El álbum doble con extra EP Songs in the Key of Life fue lanzado en septiembre de 1976. Con un estilo extenso, una ambición ilimitada y, a veces, líricamente difícil de comprender, el álbum fue difícil de asimilar para algunos oyentes, pero es considerado por muchos como el disco de mayor calidad de Wonder y uno de los álbumes más reconocidos y exitosos en la historia de la música pop donde destacan "I Wish" y "Sir Duke”.

En la década de 1980, Wonder logró sus mayores éxitos y subió su fama. En 1982, lanzó una retrospectiva de su trabajo de la década de 1970 con el Musiquarium original de Stevie Wonder , que incluía cuatro nuevas canciones: el clásico funk de diez minutos "Do I Do" (que contó con Dizzy Gillespie), "That Girl”, "Front Line", (una narración sobre un soldado en la Guerra de Vietnam que Wonder escribió y cantó en primera persona), y "Ribbon in the Sky", una de sus muchas composiciones clásicas. También obtuvo un éxito No. 1 ese año en colaboración con Paul McCartney en su himno a la armonía racial, "Ebony and Ivory".

En 1984 tuvo el lanzamiento del álbum de la banda sonora para The Woman in Red. El sencillo principal, "I Just Called to Say I Love You", fue un éxito, ganó un premio de la Academia del cine a la mejor canción, Wonder aceptó el premio en nombre de Nelson Mandela y posteriormente fue prohibido en todas las radios sudafricanas por el Gobierno de Sudáfrica. También apareció en la armónica en el single de Eurythmics, "There Must Be an Angel (Playing with My Heart)" y "I Guess That Why That Call It the Blues" de Elton John. Participó en un dúo con Bruce Springsteen en el sencillo benéfico "We Are the World", tocó la armónica con John Denver en la canción "If Ever". En 1987, apareció en el álbum Bad de Michael Jackson, en el dueto "Just Good Friends". Michael Jackson también cantó un dueto con él titulado ". Este fue un sencillo de menor éxito, al igual que "Skeletons" y "You Will Know".

En la década de los 90 Wonder continuó lanzando nuevo material, pero a un ritmo más lento. Entre sus otras actividades, tocó la armónica en una canción para el álbum tributo de 1994 KISS My Ass: Classic KISS Regrooved; cantó en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Verano de 1996; colaboró en 1997 con Babyface en "How Come, How Long", una canción sobre violencia doméstica que fue nominada para un premio Grammy; y tocó la armónica en el "Brand New Day" de Sting de 1999.

Ya en el siglo XXI, Wonder continúa grabando y actuando; aunque principalmente apariciones ocasionales y actuaciones de invitados, hizo dos giras y lanzó un álbum de material nuevo, A Time to Love de 2005 . Sus apariciones más importantes fueron actuar en la ceremonia de apertura de los Juegos Paralímpicos de Invierno de 2002 en Salt Lake City, el concierto Live 8 de 2005 en Filadelfia, el espectáculo previo al juego para el Super Bowl XL en 2006, la Celebración Inaugural de Obama en 2009 y la ceremonia de apertura de los Juegos Mundiales de Verano de Olimpiadas Especiales 2011 en Atenas, Grecia. Cantó en el funeral de Michael Jackson en 2009, en el funeral de Etta James, en 2012, y un mes después en el funeral de Whitney Houston.

Wonder, es una figura destacada de la música popular durante la segunda mitad del siglo XX, ha registrado más de 30 éxitos en los diez mejores de EE. UU. Y ganó 25 premios Grammy, así como un premio a la trayectoria. También ganó un Premio de la Academia a la Mejor Canción y fue incluido en los salones de la fama del Rock and Roll y los Compositores. También ha sido galardonado con el Premio Polar Music. La revista de música estadounidense Rolling Stone lo nombró el noveno mejor cantante de todos los tiempos. En junio de 2009 se convirtió en el cuarto artista en recibir el Montreal Spirit Festival Spirit Award.

El disco de la semana 23: Stevie Wonder - Talking Book

"Estoy buscando un disco para mi hija, es para su cumpleaños, I just called to say I love you, ¿lo tenéis?"

Así comienza una escena memorable de la película "Alta Fidelidad", un padre de aspecto conservador, vestido con corbata, traje y gabardina entra en la tienda de discos del protagonista y pregunta a  uno de los trabajadores de la tienda, el descontrolado freaky de la música interpretado por Jack Black, que contesta: "Sí, lo tenemos"

"Genial, ¿puedes dármelo? contesta el ilusionado padre, que seguramente había buscado antes en otros sitios sin éxito y que parece un poco perdido en el mundillo de los discos.

"No, no puedo", contesta sorprendentemente Jack Black.

"¿Por qué?" contesta a su vez el padre, que pasa rápidamente de ilusionado a sorprendido.

"Porque es una horterada sentimentaloide y da pena, ¿cree que en esta clase de tienda venderíamos algo así? ¡Dese el piro!"

"¿Pero qué te pasa?" protesta el padre, sin tiempo para decir más porque en ese momento Jack Black estalla:

"¿Conoce bien a su hija? ¡Es imposible que le guste esa canción!. ¿Ha estado usted en coma?"

Sin estar totalmente de acuerdo con la animadversión del personaje hacia "I just called to say I love you", si que coincido en que el mundo parece haber estado en coma selectivo durante el período de los 70 en el que Stevie Wonder realizó varios discos míticos, entre ellos el "Talking Book" de esta reseña. De otra manera no se explica que las radio fórmulas recurran siempre a la amorosa llamada de teléfono de Stevie en los 80, olvidando  canciones del calibre de "You are the sunshine of my life", "I believe" o por supuesto "Superstition" (esta quizá algo más recordada en radios más puristas en los momentos en los que el coma selectivo tiene remisiones o leves signos de esperanza en la recuperación).


Talking Book se publicó en Octubre de 1972, el segundo de una serie de discos de lo que se conoce como el período clásico de Stevie Wonder, en el que se incluyen también discos de la talla de Innervisions o Songs in the key of life. Stevie ya era una estrella de la Motown, y en contra de las clásicas y férreas directrices de control que la caracterizaban, se le dió total libertad artística para desarrollar su idea sobre como quería que sonaran las canciones.

Decidió que el peso del ritmo de las canciones lo llevarían sus interpretaciones de sintetizadores y teclados, especialmente a través del uso del Hohner Clavinet en algunos temas, que dió empaque y unidad sonora al disco, además de dotarlo de un marcado sabor funky. El distintivo sonido del disco lo consiguió además sustituyendo los arreglos tradicionales de orquesta por infinitas capas de sintetizadores, tocados por el propio Wonder.

 El álbum arranca con “You Are The Sunshine Of My Life”, uno de los temas de más éxito, en el que además del teclado de Wonder destaca una inspirada percusión.

El tono cambia después hacia el funky con tintes rock de “Maybe Your Baby”, o al piano intimista de "You and I". Por supuesto no se puede olvidar la mención a “Superstition”, cumbre absoluta del disco y probablemente de su carrera, canción de brillante ritmo funk ante el que es imposible quedarse quieto. Su ritmo de teclado es ya histórico e imperecedero, a la altura del mejor de los "riffs" de las canciones rockeras que todos recordamos.

Pero sería injusto quedarse solo con esta canción, teniendo el disco temas de exuberantes arreglos como "Big Brother" o rutilantes baladas de la calidad de “Lookin’ For Another Pure Love” (con la colaboración de Jeff Beck en el solo de guitarra).

El disco cierra como empezó, a lo grande y con otro de los temas bandera de esta colección de hits, la brillante y atmosférica “I Believe (When I Fall In Love It Will Be Forever)”, en castellano "Creo que cuando me enamore será para siempre".

Que así sea, Stevie. Pero cuando lo hagas, recuerda no decirle a nadie que la llamaste para decirle que la quieres. El mundo podría entrar en coma, y olvidarse de este y otros grandes discos que nos regalaste, para no despertar jamás de ese letargo intrascendente. Y ahora ya no hay tiendas de discos ni dependientes mal encarados que puedan despertarnos y decirnos que nos demos el piro cuando llevemos el rumbo errado.