#MesTheBeatles: Let it be - The Beatles

 

Tras la publicación de Abbey Road (1969), el último disco grabado por los Beatles, aun hubo margen para la publicación en 1970 de un álbum más de la banda. Grabado en su mayoría durante sesiones previas a las del anterior disco, y publicado días después de que Paul McCartney anunciara oficialmente que abandonaba el grupo, Let it be se convertiría en su duodécimo y último álbum de estudio, y la publicación final de un proyecto que, desde su concepción, atravesó por multitud de dificultades y contratiempos, y que se desarrolló durante un período de la banda de Liverpool en el que las brechas y las desavenencias entre sus cuatro miembros eran cada vez mayores.

La idea de este álbum surgió, precisamente, como medida de choque contra la situación interna del grupo, desgastada por las complicadas grabaciones del disco The Beatles, más conocido como el "Disco Blanco". McCartney pensó que lo mejor era un regreso a sus raíces como grupo, y propuso al resto grabar un puñado de canciones de rock sin mayores aderezos, para que los cuatro pudieran interpretarlas en un retorno de la banda al directo. Las sesiones de grabación de lo que iba a ser el disco y el concierto de Get Back (Vuelve) se llevaron a cabo en los estudios de Twickenham, en lo que supuso un nuevo cambio al abandonar su habitual base de operaciones de Abbey Road. Sin embargo, las grabaciones no hicieron sino empeorar las heridas abiertas entre los cuatro Beatles, con sesiones de ensayo en las que la tensión era asfixiante y las discusiones estaban a la orden del día, hasta el punto de considerar que el proyecto era un callejón sin salida y de decidir aparcarlo hasta nueva orden.

Paul McCartney intentó mantener el barco a flote durante estas sesiones, y fue el Beatle que más se esforzó en aportar material nuevo al proyecto (los tres sencillos Let it be, The long and winding road, y Get back), mientras un desmotivado John Lennon repescaba viejas ideas y canciones inacabadas (Dig a pony, Across the Universe, Don't let me down), al tiempo que mostraba un abierto desinterés por lo que después calificó como "el pedazo de mierda peor grabado de la historia". George Harrison (con sus dos aportaciones I me mine y For you blue) y, en menor medida, Ringo Starr, también parecían haber perdido el interés y la paciencia para lidiar con las interminables tomas y ensayos a los que un perfeccionista McCartney pretendía someterles, y en esa atmósfera asfixiante el proyecto de Get Back fue poco a poco apagándose.

Fue precisamente tras una discusión con McCartney, cuando Harrison anunció al resto que abandonaba el grupo. Las aguas volvieron temporalmente a su cauce, pero a cambio de renunciar al frío y megalómano escenario de Twickenham para reconducir el proyecto de concierto hacia los estudios de grabación que acababan de construir en la sede de Apple en Savile Row. La vuelta del guitarrista evitó que la sarcástica reacción de Lennon al posible abandono de su compañero, proponiendo sustituirle por Hendrix o Clapton, y seguir como si nada hubiera pasado, fuera nunca tenida en cuenta. En Savile Row, y a recomendación de un crecido Harrison, se incorporó a los ensayos el teclista Billy Preston, para tocar el piano eléctrico y el órgano durante las sesiones de grabación y en el planeado concierto, que tras considerar diversos escenarios (un barco, un hospital de niños enfermos o incluso las pirámides de Egipto) acabaría también reduciéndose en alcance y dimensiones, optando por la comodidad de actuar en su propia sede, enchufando los instrumentos en la azotea del edificio e invitando a un reducido grupo de periodistas y allegados.

Ese fue el último concierto de la carrera de los Beatles, que se vio prematuramente interrumpido cuando las quejas de los vecinos de la zona alertaron a la policía. Varias de las canciones del concierto acabaron incluyéndose en el disco, junto con otras canciones que se añadieron de los ensayos o que se grabaron en los días posteriores, pero el disco quedó aplazado para hacer coincidir el lanzamiento con el del documental, primero, y con la posterior edición de Abbey Road, después. Fue entonces cuando Lennon decidió rescatar aquel "pedazo de mierda peor grabado de la historia" y prescindir por primera vez de George Martin como productor, para darle los mandos a Phil Spector, que no contó nunca con el beneplácito del ya ausente McCartney, que vio como su proyecto de retorno al rock and roll se había convertido en el característico "muro de sonido" de Spector, en el que no faltaban los edulcorados arreglos orquestales marca de la casa, o unos coros femeninos que nunca antes habían aparecido en un disco de The Beatles.

Al final, aquella ácida y excesiva declaración de Lennon sobre las grabaciones de las sesiones de Get back resultó ser completamente injusta, porque incluso en los momentos de mayor tensión y desgana, los Beatles eran capaces de entregar grandes y atemporales canciones. El remozado Get Back pasó a llamarse Let it be (Déjalo estar), tomando su nombre de otra de las grandes canciones que McCartney aportó al proyecto antes de su marcha, y nada tuvo que envidiar a sus predecesores en cuanto a éxito comercial, alcanzando el número 1 en las listas de ventas de Estados Unidos y Reino Unido. La película de las sesiones de grabación se publicó en 1970 y ganó un Óscar a la mejor banda sonora, pero a la entrega de los premios de la academia no fue ninguno de los cuatro Beatles. "El sueño había acabado" y todos prefirieron "dejarlo estar".

0424.- Frank Zappa - What's the ugliest part of your body

0424 - Frank Zappa - What's the ugliest part of your body

Todo artista tiene en cierta forma una contracultura a su cultura oficial, y Frank Zappa, en los años 60 escogió como enemigo a The Beatles, la mayor fuerza de la cultura popular en el siglo XX, la máquina más millonaria de la industria de la música.

De alguna manera, The Beatles representaban no sólo la encarnación de todos los pecados posibles de cualquier expresión de arte, también eran los principales llamados a propagar el credo del flower power y el movimiento hippie, a los que siempre consideró subordinados a un discurso falso, vacío, obsoleto y comercial.

Así Frank Zappa en su lucha de contracultura da un ejemplo de esa capacidad de ir contracorriente, y un buen ejemplo es What's the ugliest part of your body?, una canción donde imita el timbre meloso que explotaba John Lennon en sus primeros años para interpretar composiciones como Baby it's you. 

Cuando Frank Zappa tuvo las canciones resueltas, se enfocó sobre la imagen de portada, la referencia natural si el propósito era mofarse del Sargento Pimienta, el álbum que había hecho de la estética un aspecto tan esencial como la música. 

Para ello, invitó al proyecto al fotógrafo e ilustrador estadounidense Cal Schenkel, posteriormente uno de sus colaboradores históricos, quien le sugirió reemplazar el cielo azulado de la tapa Beatle por otro más tétrico, sacudido por rayos y tormentas.

Además, las estilizadas flores de Pepper serían desplazadas por un suelo de tierra donde, en vez de Beatles, se podía leer Mothers.

Ero lo más complejo era sustituir al puñado de personajes que aparecían detrás de The Beatles, una de las marcas registradas del disco. Para eso, Frank Zappa y Cal Schenkel dispusieron de una serie de imágenes de monstruos, figuras deformes y hasta el propio artista vestido de mujer, además de sumar a Jimi Hendrix, el guitarrista que voluntariamente quiso participar en la aventura. Curioso: Hendrix, el primer artista que realizó un homenaje a Sgt. Pepper, cuando tocó un cover del tema que abre el álbum a sólo tres días de su estreno, ahora se convertía en un cómplice entusiasta de su sátira más mordaz.

Daniel
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423.- You keep me hanging on - Vanilla Fudge

 

Vanilla Fudge nacen en 1966, en Nueva York, con el nombre de Pigeons, en ese grupo estaban el guitarrista Vince Martell, el batería Carmine Appice, el bajista Tim Bogert y el teclista Mark Stein (los dos últimos habían formado parte de The Showmen de Rick Martin). El cuarteto graba 'While the world was eating', y después se cambian el nombre y resurgen en la escena neoyorquina firmando un contrato en 1967 con Atlantic. El estilo de Vanilla Fudge es una curiosa mezcla formada por referencias a famosas piezas de música clásica y por reseñas de temas beat y pop de éxito. De este tratamiento no se libran The Beatles ('Eleanor Rigby' y 'Ticket to ride'), o hits como 'People get ready'. Apoyados en una gran técnica instrumental, han hecho versiones personales de la 'Sonata claro de luna' y de 'Para Elisa', o cuando en 'Some velvet morning' "chapucean" con Stravinsky. A principios de 1967, el mánager de The Pigeons, Phil Basile, convenció al productor, George "Shadow" Morton, para ver a su grupo en directo. Impresionado por la versión psicodélica, psicodélica y de rock pesado de The Pidgeons de "You Keep Me Hangin 'On" de The Supremes, Morton se ofreció a grabar la canción como un sencillo que resultó en un acuerdo con la subsidiaria de Atlantic, que solicitó un cambio de nombre. La banda se decidió por Vanilla Fudge. Vanilla Fudge, el álbum, fue lanzado el 2 de junio de 1967, el día después de que The Beatles lanzaran Sergeant Pepper's Lonely Hearts Club Band. El primer álbum de Vanilla Fudge llego al puesto 4 de las listas sin la ayuda de un sencillo de gran éxito.

 

Se dice que la versión de Vanilla Fudge de "You Keep Me Hanging On" de The Supremes se grabó en una sola toma, sin embargo su versión necesito de dos intentos para encontrar su lugar en las listas de éxitos y en convertirse en un éxito por derecho propio. La primera edición fue un corte de álbum de siete minutos se lanzó originalmente en junio de 1967 y no consiguió pasar del puesto 67. Creyendo en el potencial de la banda, ATCO Records relanzó el sencillo en junio de 1968 y la segunda vez alcanzó el puesto número 6. El primer lanzamiento tituló la canción como "You Keep Me Hanging On", mientras que el segundo lanzamiento interpretó correctamente el título con la "G". Si bien parece inusual que una banda psicodélica como Vanilla Fudge grabara esta canción como su primer sencillo, el baterista Carmine Appice explica la razón: “En 1966, cuando me uní a la banda, había algo en el área de Nueva York y Long Island que consistía básicamente en ralentizar las canciones, convertirlas en números de producción y ponerles emoción. . . Todos buscábamos canciones que fueran éxitos y que pudieran ralentizarse con la emoción puesta en ellas. “You Keep Me Hangin' On” líricamente era una especie de canción hiriente, y cuando The Supremes la hizo, fue como una canción feliz. Tratamos de reducir la velocidad de la canción y poner la emoción que la canción debería tener en ella con el tipo de sentimiento doloroso que la canción debería haber tenido.” En 1968, había transcurrido suficiente tiempo desde el éxito de The Supremes y el sonido pesado de Vanilla Fudge era mucho más aceptable para el público que compraba discos.

0422.- The Motor City is Burning - John Lee Hooker

 

The Motor City Is Burning, John Lee Hooker

     En 1962, John Lee Hooker obtiene uno de sus mayores éxitos con el lanzamiento de Boom Boom. Ese año a raíz de realizar una gira por Europa en el American folk Blues festival, su reconocimiento empieza a crecer de forma importante, un reconocimiento que culminará con su gran éxito Dimples. Toda la carrera discográfica y el sonido de John Lee Hooker transcurrirá repartida entre los años de Detroit (The Detroit Years), los años de Chicago (The Chicago Years), los años folk (The Folk Years), los años en la discográfica ABC (The ABC Years), y The Rosebud Years (Grabaciones realizadas entre 1975 y 2001).

Durante su etapa en el sello discográfico ABC, John Lee Hooker graba Urban Blues, publicado bajo el sello discográfico ABC -Bluesway bajo la producción de Al Smith. En 1993 el sello discográfico MCA Records relanzaría este álbum añadiendo dos bonus tracks y cambiando el orden de las canciones. En este disco, que se caracteriza por su buen sonido, compato y sólido, Hooker graba además una nueva versión más animada de Boom Boom.

Incluido en este álbum encontramos un temazo como The Motor City is Burning, escrito por el productor del álbum, Al Smith. Hooker dota de su característico toque personal al tema, dándole ese toque sexy y sucio a la guitarra que sólo él es capaz de imprimir. Un tema dedicado a Detroit, la gran ciudad del motor. La ciudad se suma en el caos y las llamas y nadie puede hacer nada por apagarlo.

0421.- All along the watchtower - Bob Dylan

All Along the Watchtower, escrita por Bob Dylan, e incluida en su disco John Wesley Harding (1967), acabó estando más asociada a la incendiaria versión que Jimi Hendrix y su The Jimi Hendrix Experience realizaron solo seis meses después de que el artista de Minnesota publicara la canción original. Ya fuera por reivindicar su autoría, o para aprovechar el empuje que el genial guitarrista le dio a la canción, Dylan la incluyó en casi todos sus conciertos, hasta convertirla en el tema que más veces ha interpretado en directo a lo largo de toda su carrera.

Además de la icónica interpretación de Hendrix, la canción de Dylan ha sido versionada en muchas otras ocasiones, por artistas tan variados como U2 (que la incluyó en el disco Rattle and Hum), las versiones en directo de Neil Young o la Dave Mathews Band, o la interpretación de Prince durante su mítica actuación en la Superbowl de 2007, mezclada con el "Best of you" de Foo Fighters, en la que está considerada como la mejor actuación de la historia de los populares intermedios de la Superbowl.

La letra es sumamente críptica, plagada de extrañas metáforas, y abierta a todo tipo de interpretaciones, de las que solo el propio Dylan conoce su sentido y significado real. Comienza con un diálogo entre un "joker" y un "ladrón" que deciden alejarse de la amenaza de un mundo confuso y en el que nadie se toma la vida en serio. Se menciona una "atalaya" de príncipes, lo que podría ser una referencia al poder que ejercen las altas capas de al sociedad. La atalaya se ve amenazada por la presencia de un "gato montés" que merodea alrededor, mientras se acercan dos jinetes que parecen ser el "joker" y el "ladrón", lo que lleva a interpretar que en realidad la canción está escrita cronológicamente al revés, en una muestra más de la confusión y la compleja simbología con la que Dylan dotó a un tema histórico.

Disco de la semana 264: Back Street Crawler - Paul Kossoff

 

Back Street Crawler, Paul Kossoff

     A mediados de 1972 los problemas de algunos miembros del grupo Free con las drogas y la rencillas internas avocaron al mismo a realizar algunos cambios en la formación. Los serios problemas con las drogas que el guitarrista de la banda, Paul Kossoff tiene hacen que el teclista Andy Fraser, frustrado por la falta de fiabilidad del guitarrista para actuar o incluso presentarse en el escenario, decida abandonar el grupo. A pesar de la contratación de un bajista y un teclista para intentar reconducir la situación, el grupo se separa definitivamente en 1973. Paul Rodgers funda Bad Company  junto con Simon Kirke.

Paul Kossoff se queda entonces sólo para luchar contra sus adiciones y sus problemas personales. A pesar de que su hábito al consumo de drogas es cada vez más serio y problemático, consigue de alguna manera, moderarse en el consumo de estas y encerrarse en el estudio para sacar su primer y único álbum en solitario, Back Street Crawler. A pesar de sus problemas con las drogas y de no estar en plena forma, Paul kossof es capaz de sacarse un disco donde demuestra el enorme potencial que atesora y que no pudo llegar a explotar completamente a causa de su fallecimiento en marzo de 1976. 

Back Street Crawler es grabado en los Island Studios de Nothing Hill, Londres, producido por el mismo Kossoff junto a Bob Potter, Richard Digby Smith y Jean Roussel, y publicado bajo el sello discográfico Island Records el 16 de noviembre 1973. El disco, además de otros tantos músicos, contó con la colaboración de sus antiguos compañeros en la banda Free y del baterista de Yes Alan White. El resultado es un álbum donde además del excelente sonido, con ese magnífico vibrato marca de la casa de Paul Kossoff, destacan todos los colaboradores, pues las bases rítmicas y los arreglos son muy buenos y los teclados magníficos en este trabajo.

El  álbum contiene únicamente 5 temas de los cuales el primero, Tuesday Morning, ocupa enteramente la cara A, pues tiene una extensa duración de algo  más de 17 minutos. Durante ese tiempo, Paul Kossoff es capaz de transportarnos por varios estados diferentes de ánimo gracias sus cambios, riffs contundentes que dan paso a sonidos con toques de soul, jazz o blues. La compenetración entre los teclados de John "Rabbit" Bundrick y Kossoff es total y se nota en el resultado, creando una atmósfera magnífica. I'm Ready abre la cara B, compuesta por Jess Roden, quien contribuye en la parte lírica además, y Jean Roussel. El tema se desenvuelve en una delgada línea entre el rock y el jazz. Time Away es otro brillante instrumental que Kossoff escribió con John Martyn. Este tema, cuya duración no llega a los seis minutos, salió de una improvisación instrumental que duró unos 38 minutos y se inspiró en una experiencia cercana a la muerte de Paul Kossoff. Molten Gold, escrita por Kossoff, cuenta con la colaboración de Paul Rodgers a la voz, Andy Fraser al bajo y Simon Kirke a la batería, o  lo que es lo mismo, la que fuera la formación original de Free. Más tarde serían añadidos el órgano y el piano tocados por John "Rabbit" y los coros de Jess Roden. El tema final, Back Street Crawler (Don't Need You No More), compuesto por kossoff es toda una delicia instrumental, quizás el tema más sobresaliente de un álbum donde ningún tema desentona. Se suponía que este tema tenía letra, una letra grabada por la voz del mismo Kossoff, pero por algún motivo nunca se llegó a agregar, dejándolo en un tema instrumental. Creo que la decisión de no grabar letra no pudo ser más acertada pues la guitarra de Paul habla por sí sola en este magnífico tema. 

El álbum debut y único en solitario de Paul Kossoff es una muestra perfecta de la calidad y destreza que el guitarrista atesoraba, una calidad que no pudo llegar a explotar plenamente. Qué hubiera pasado si Paul kossoff no nos hubiera dejado con apenas 25 años de edad...?

0420.- Spanish Castle Magic - Jimi Hendrix

 

El segundo álbum de Jimi Hendrix a menudo se deja de lado y se olvida, lo que supongo que tiene que tener algún sentido, aunque sinceramente no entiendo esa catalogación, publicado entre Are You Experienced? y el estallido experimental Electric Ladyland, es un pequeño álbum humilde y tranquilo lleno de baladas en su mayoría psicodélicas, que generalmente se olvidan en comparación con los revolucionarios riffs de proto-metal del primer álbum y la simplemente asombrosa calidad del tercero. Pero si bien es probablemente el más débil de los tres, llamar a algo el "álbum más débil de Jimi Hendrix" no es exactamente menospreciarlo. Casi cualquier otra persona estaría feliz de tener un álbum tan bueno. Según los estándares de cualquier otra persona, este es un disco de cinco estrellas. ¿Simplemente no está a la altura de los otros dos álbumes de Jimi? No me atrevo a cuestionarlo pero lo que sí puedo decir que el quizás el motivo es que aquí no hay mucho "rock, amigo" “rock real”, y eso probablemente explica por qué es relativamente más oscuro que los otros. Las únicas canciones que definiría como rockeras son "Spanish Castle Magic" (que sorprende, por supuesto) y el jam de rock duro y fusión "If 6 Was 9" (que sorprende aún más). Pero Jimi escribió un montón de canciones pop psicodélicas excelentes para este album.

 

Nos detenemos en Spanish Castle Magic y para entender el origen de la canción nos trasladamos a cuando Hendrix vivía en Seattle, en aquellos años era una ciudad muy segregada. The Spanish Castle era el primer club nocturno para adolescentes en el área de Seattle. El título de la canción es un homenaje a ese club y a los días de Escuela Secundaria de Jimi (aproximadamente 1957-1961), cuando a veces visitaba ese local. El club estaba al sur de Seattle en lo que entonces era el condado de King. The Spanish Castle fue construido en la década de 1930 fuera de la ciudad para evitar las restricciones con las leyes contra el alcohol de Seattle. En 1950 mucha de la fama de los clubs había desaparecido, pero allí todavía tocaban grupos de rock locales, tales como The Wailers y, ocasionalmente, las estrellas que andaban de gira. Jimi tuvo la oportunidad de tocar con otros músicos de rock en el club en varias ocasiones. Deteniendonos en la canción en si hay que resaltar que es absolutamente explosiva, estamos delante de una elocuente demostración de Hard Rock que tiene todos los ingredientes de un Heavy Metal innovador donde descubrimos la potencia sonora sin precedentes que la banda logró producir, ritmos de batería enormes y contundentes que soportan matorrales de guitarra sobrecargada, que aquí se vuelven aún más pesados por el empleo de Hendrix de la séptima, acordes y piano-sostenido sobre grabado, a medida que el solo estrellado de Hendrix rebota a la mitad de la pista, te sientes como si hubieras sido disparado al espacio desde un cañón…..a dia de hoy no hay muchas canciones que puedan competir con la pura ferocidad de esta pista. En Woodstock, Hendrix incluyó esta pista en su actuación como cabeza de cartel, que no comenzó hasta las 9 a.m. de la mañana siguiente a la finalización programada del festival.

0419.- Bold as love - The Jimi Hendrix Experience

 

La canción que daba título y cierre al álbum Axis: Bold As Love (1967) de The Jimi Hendrix Experience, tiene una atmósfera marcadamente onírica (Hendrix la definió como "el sonido que aparecía en sus sueños") y una estructura progresiva e "in crescendo", que tiene su culminación en un extenso solo de guitarra de más de dos minutos de duración.

La letra es un curioso ejemplo de una peculiaridad sensorial conocida como "sinestesia", por la que algunas personas mezclan sensaciones sensoriales provenientes de diferentes sentidos físicos. En la sinestesia, los números y las letras pueden percibirse de diferentes colores, y las diferentes emociones pueden asociarse a diferentes olores o sabores. En Bold as love, Hendrix habla de emociones como el amor y la ira, percibidas como intensos colores. El amor es lo más importante, por eso lo percibe como "bold" ("en negrita") mientras que "La ira es de color púrpura..."

La grabación de la canción comenzó a partir de una demo interpretada por Hendrix y grabada en una cassette, a la que después se añadieron las partes de bajo. Desde el germen primerizo de aquella rudimentaria grabación, hasta la versión final del tema, fueron necesarias veintisiete tomas para llegar a conseguir el sonido que Hendrix deseaba plasmar en Bold as love. El sonido de sus sueños, música mayúscula y remarcada en "negrita como el amor", escrita en grandes notas de colores extraídas de esa incendiaria máquina de generar sinestesias que era su Fender Stratocaster.

#MesTheBeatles: Abbey Road - The Beatles

 

Tras las tensas sesiones del Álbum Blanco, y el por entonces aparcado proyecto de Let it be, las expectativas que en el entorno de los Beatles generaba la noticia de una nueva grabación no eran precisamente positivas. Los técnicos de sonido recibieron la noticia de su designación para el proyecto casi como un castigo, anticipando los problemas y los conflictos con los que habían lidiado en las grabaciones anteriores. Sin embargo, y en contra de lo esperado, Paul McCartney se mostró menos autoritario y más conciliador, John Lennon fue menos sarcástico en sus comentarios, George Harrison aportó la confianza y la madurez que había volcado en sus nuevas composiciones y Ringo siguió aportando su personalidad apacible e inmutable ante cualquier situación, pero el problema (o la solución, dado el renovado buen ambiente de las grabaciones) fue que rara vez coincidieron todos juntos en una misma sesión, en lo que a la postre fue otro indicador más del cisma que ya se había abierto, sin remedio, en el seno de la banda.

Las primeras sesiones avanzaron sin la participación de Lennon, y la consiguiente presencia de Yoko Ono, debido a que ambos sufrieron un accidente de coche que les tuvo alejados del estudio durante la primera semana. Sus compañeros dieron solos los primeros pasos del proyecto, que curiosamente empezó con McCartney interpretando con su guitarra acústica Her Majesty, el fragmento oculto con el que cerrarían el último disco que grabaron juntos (después vendría Let it be, pero repescando las canciones de aquellas sesiones anteriores). Horas después, los tres Beatles disponibles grabaron la base de Golden Slumbers/Carry that weight, dos canciones que habían surgido de manera independiente (Carry that weight surgió durante el proyecto Let it be, como la típica canción destinada a Ringo) y que fueron el germen de la suite de fragmentos entrelazados en la que acabaría convirtiéndose la cara B del disco.

De esa primera semana sin Lennon es también el trabajo realizado con Maxwell's Silver Hammer, otra de las canciones que McCartney había ensayado durante las sesiones de Let it be, en la que Ringo sustituyó al ausente Lennon en algunas partes vocales. Para que el sonido del martillo fuera lo más real posible, hicieron llevar al estudio un pesado yunque contra el que golpearlo, y esa poco agradecida labor recayó en un Mal Evans con poco sentido del ritmo, requiriendo de varias tomas a petición de un perfeccionista McCartney, que logró exasperar a un impaciente George Harrison. Una vez se marcharon los demás, McCartney se quedó a trabajar en que el bajo sonara como una tuba, para darle al tema un acabado más añejo.

La relativa calma y tranquilidad de aquella primera semana desapareció cuando Lennon hizo por fin su esperada aparición en el estudio, de la mano de una Yoko Ono que, como aún requería de un mayor periodo de reposo, había encargado una cama en los célebres almacenes Harrod´s. Los operarios entraron tras ellos y montaron la cama en el estudio de grabación, y acto seguido Yoko se acomodó en ella, ante la mirada de asombro del resto de miembros de la banda. Lennon declinó participar en los temas que ya estaban en proceso, de modo que los otros tres se dedicaron a trabajar en Something y Here Comes the Sun (los dos brillantes temas de Harrison, en los que se invirtieron los papeles y fue George el que abrumó a Paul con sus instrucciones y requerimiento) e incluso en Octopuss Garden, un divertido tema escrito por Ringo, que grabaron de manera alegre y distendida en el estudio.

Después le llegó el turno a Oh Darling, un tema con aires de rock and roll compuesto por McCartney, que se esforzó en llegar el primero durante varios días para ir puliendo en solitario un tema que le requería un gran esfuerzo vocal, y que estaba en realidad en un tono que, en otras circunstancias, habría encajado más en la voz de Lennon, pero habida cuenta del pasotismo que su compañero estaba mostrando hacia los temas del resto, McCartney no se planteó en ningún momento cederle la "voz cantante", y trabajó intensamente hasta lograr la toma perfecta.

Por su parte, Lennon había trabajado de manera tímida e intermitente en el tema I want you (She's so heavy) durante las dos semanas posteriores a su aparición estelar rodeado de operarios de Harrod's, y cuando nadie parecía esperar de él mucha más colaboración, apareció un buen día de buen humor en el estudio, y con una canción nueva llamada Come together bajo el brazo. Casi como en los viejos tiempos, McCartney se implicó en el proceso de creación y aportó las líneas de bajo y de piano eléctrico, y sugirió tocarla a un tempo inferior a la versión que Lennon les había mostrado con la guitarra acústica. Lennon aceptó los cambios sin mayor problema, pero llegado el momento no recurrió a su viejo amigo para grabar las voces de acompañamiento, pese a que McCartney se ofreció a ayudar en el tema que acabaría abriendo Abbey Road.

Lennon discrepaba además con la idea de Paul y George Martin de construir una suite orquestal para el segundo tramo del disco, pero acabó claudicando y ofreció los temas Here comes the Sun King y Mean Mr. Mustard al conjunto. El buen humor parecía había vuelto a un Lennon más participativo y generoso, que invitó a McCartney a participar en estas canciones, pero las cosas volvieron a torcerse cuando hubo que entrelazar la siguiente canción de John (Polythene Pan) con otro tema de Paul (She came in through the bathroom window). Lennon criticó abiertamente la manera de tocar la batería de Ringo, y su negativa a volver a grabar el tema pese a los supuestos errores de su compañero, volvió a abrir heridas que estaban aún recientes. Esta vez fue Ringo quien esperó a que todos se hubieran marchado, para volver a grabar su parte de batería hasta que quedó correcta.

Salvo estos episodios menores, reinaba en general una aparente y falsa calma en el estudio, que se vio un día interrumpida por un curioso episodio que, años atrás, no habría tenido la mayor importancia, pero que en aquel momento encendió de nuevo la chispa del malestar y el agotamiento latentes entre los miembros de la banda. Durante la grabación de The End, un tema que cerraba la intensa y cambiante suite final, los Beatles subieron a la cabina de control para escuchar una de las primeras tomas. En ese momento, y a través de los cristales de la cabina, vieron como Yoko Ono bajaba de la cama y abría un paquete de galletas de George Harrison para coger una galleta. Harrison no se contuvo y soltó un desproporcionado improperio contra lo que consideraba un hurto furtivo, y Lennon entró al trapo en defensa de su mujer. Tras un intercambio de gritos, todo pareció volver a su cauce, pero si una simple galleta era capaz de desestabilizarles de aquel modo, era evidente que el The End del título de aquella canción era más que profético.

Con Because (la última aportación de Lennon a la suite final, y en la que por última vez hicieron voces Lennon, McCartney y Harrison juntos) y You never give me your money (una aportación de Paul que aparece entrelazada en dos momentos distintos) la suite final estuvo prácticamente terminada, pero aún quedaban algunos compases libres tras el solo de batería que había grabado Ringo para The End, y George Harrison planteó que era el lugar perfecto para un gran solo de guitarra final. Un Lennon dispuesto a robarle nuevamente la galleta dijo que, de ser así, el debía ser quién lo interpretara. Las risas que inicialmente despertó su ocurrencia no ocultaban los nuevos nubarrones en el horizonte, y fue el propio Lennon el que resolvió el entuerto, proponiendo de manera salomónica que, incluyendo a Paul en el asunto, los tres tocaran partes del solo. McCartney aceptó entusiasmado, y añadió que debían grabar los tres a la vez, tocando juntos en la misma toma.

Y así llegamos al "final" soñado, ese que nunca querríamos que acabara, con los tres Beatles desmelenándose codo con codo y en directo en el estudio. McCartney abrió el fuego con el primer tramo, Harrison le siguió a continuación y Lennon se reservó el tramo final. Por tan solo unos minutos, fue como si nada hubiera pasado, y los tres estuvieran de nuevo en The Cavern o en Hamburgo, felices y despreocupados, disfrutando de la música que un día les unió para siempre, por más que se acabaran separando finalmente después de este álgido y, a la vez, agridulce final.

Un buen día, y a consecuencia de la misma desgana con la que habían afrontado algunos momentos de una grabación que, pese a todo, fue excelsa, salieron del estudio para hacerse una foto rápida con la que despachar la portada del disco. De nuevo esa decisión fue profética, porque en la foto los cuatro Beatles cruzan el famoso paso de cebra de Abbey Road en dirección contraria al estudio de grabación en el que habían grabado todos sus discos míticos, alejándose del pasado y mirando hacia un futuro marcado por caminos separados.

0418.- Castles Made of Sand - Jimi Hendrix

 

Castles Made of Sand, Jimi Hndrix

     El 1 de diciembre de 1967 The Jimi Hendrix Experience, con Jimi Hendrix a la cabeza, publica su segundo álbum de estudio, Axis: Bold As Love. El disco es grabado en los Olympic Studios de Londres entre mayo y junio, y posteriormente en octubre de 1967, bajo la producción de Chas Chandler. Este segundo disco fue lanzado escasamente siete meses después de la publicación del exitoso disco debut Are You Experienced. En estados Unidos el álbum fue publicado un mes después, y tanto es ese país como en Reino Unido logró meterse entre los diez primeros de las listas de ventas.

La portada del álbum se inspiró en la iconografía religiosa hindú, y generó una fuerte polémica pues fue diseñada sin la aprobación de Jimi hendrix, el cual expresó en público su disconformidad. 

Incluido en este álbum se encuentra Castles Made of Sand, uno de los temas más autobiográficos y personales que escribió Hendrix en su carrera. Hendrix era muy reservado sobre su pasado, tanto, que odiaba hablar de su pasado y lo evitaba a toda costa tanto en entrevistas como en ruedas de prensa. El tema es una aguda reflexión sobre las amargas ironías de la vida, y se cree que Hendrix abordaba su incierta infancia y su futuro, el cual implicaba diferentes hogares, diferentes escuelas, diferentes carreras y una madre que estuvo escaso tiempo y se marchó. Según el hermano de Jimi Hendrix, Leon Hendrix, las letras aludían al alcoholismo de su padre, como los servicios de protección infantil se llevaron al propio Leon repentinamente y sin aviso, y la relación abusiva entre sus padres. La madre de Jimi Hendrix era una india Cherokee, y en esta canción Jimi se identificaba con su herencia de nativo americano. 

Hendrix leyó las palabras del tema como un poema en vez de cantarlas y tocó las partes de guitarra al revés, por lo que comienza el tema con dicha guitarra grabada al revés, la cual acompañada de la batería a medio tiempo y una concisa línea de bajo, dotan al tema de un ambiente único, una atmósfera relajada que invita al oyente a sentarse y relajarse disfrutando el característico y limpio sonido que fluye de la guitarra de Hendrix.

Grandes éxitos y tropiezos: Metallica

Metallica

     Si la semana pasada en la sección de Grandes éxitos y tropiezos estuvimos en Nueva York, en esta ocasión no cambiamos de país pero sí de sitio, concretamente San Francisco, donde esta banda originaria de Los Ángeles, estableció su base allá por 1983, no podía ser otra que Metallica. Allí se forjó y creció una banda que lleva dando caña desde 1981, habiendo vendido hasta la fecha más de 120 millones de copias de sus discos y habiéndose ganado a pulso la consideración de una de las grandes bandas del trash metal, sino la mejor. Metallica nos ha deleitado con su gran calidad no sólo con sonidos trash metal, también con otras vertientes del género, como el heavy metal, speed metal o el hard rock. Tras una trayectoria que abarca ya más de cuarenta años se esconde un amplísimo material, y si estás interesado en comprar algo de ese extenso trabajo, vamos a intentar aportar un poco de luz sobre que discos deberías comprar primero si estás empezando a indagar sobre esta banda y que discos dejar para el final, pues además de grandes trabajos también tiene algún que otro tropiezo.

Estás tardando en comprarlo:

Podemos comenzar tranquilamente con Master Of Puppets (1986), considerado uno de los mejores discos del grupo, sino el mejor, y también uno de los mejores álbumes de metal de la historia. Un disco que supuso además el primer disco de oro de la banda tras vender 500.000 copias, cifra que con el tiempo llegaría a las 6.000.000 millones de copias vendidas. Todo un clásico del trash metal que contiene temas que ya se han convertido en himnos de la banda y del género, tales como Master of Puppets, Orion, Battery o Damage Inc. Otro discazo que deberías llevarte bajo el brazo es ...And Justice For All (1988). Y es que la banda seguía enchufada y en plena ascensión hacia el éxito, pues con este álbum ganó la friolera de ocho discos de platino al vender nada menos que unos ocho millones de copias. Para la historia queda ya la mitica portada donde aparece la estatua de la Dama de la Justicia agrietada, atada con cuerdas, con los pechos al descubierto y con su balanza llena de dólares, y con las palabras "...And Justice For All" escritas en el lado derecho. Con este disco la banda muestra una clara evolución a la hora de la composición, mostrando temas más complejos que los vertiginosos temas a los que nos tienen acostumbrados, temas como ...And Justice For All o la obra maestra One. Kill 'Em All (1983) es otro de esos discos que no nos puede faltar. Este es el disco preferido de muchos de los más fieles seguidores de la banda, quizás porque además de ser el primero fue el que marcó claramente las señas de identidad del grupo, unas señas que a día de hoy todavía se mantienen. Ya desde su publicación llamó la atención de la crítica por su innovación dentro del género trash metal, y es que esa mezcla de punk y metal a un ritmo frenético acabaría marcando escuela para multitud de bandas que llegarían con posteridad. Ride The Lightning (1984) es otro de esos discos que no pueden faltar. Segundo disco de estudio del grupo, es otro de los discos clásicos del grupo, considerado además por la crítica como uno de los mejores álbumes de de metal de todos los tiempos. Con Kirk Hammett asentado como solista del grupo, mantiene la esencia y la velocidad de su álbum debut, Kill 'Em All, y marcaría la esencia y los pasos a seguir de sus siguientes trabajos. Disco que contiene trallazos como Fight Fire With Fire, For Whom The Bell Tolls o Fade To Black.

Si te queda pasta, llévate también: 

Metallica (1991), disco que apostó por un cambio de sonido más contundente, perdiendo parte de esas raíces que provenían del trash metal. Con un cuidado extremo en la producción, el disco contó con varas innovaciones técnicas para aportar un sonido que se acercara lo máximo posible al directo. En un principio este disco recibió malas críticas de un sector que no entendió el cambio de estilo de la banda, más cercano al hard rock, pero con el tiempo se ha convertido en un disco que suele figurar en los puestos más altos en todas las listas que circulan por ahí de los mejores trabajos del grupo. Temas como Enter Sandman, Nothing Else Matters o The Unforgiven han pasado a ser parte imprescindible en la historia de la banda e hicieron que una nueva legión de adeptos se fijaran en la banda y pasaran a seguirla de forma incondicional. S&M (1999), no es un disco de estudio, es en directo, pero merece la pena que te lo lleves si todavía te queda algo de dinero. Estamos hablando de un disco doble en directo grabado con la Orquesta Sinfónica de San Francisco. El título S&M fue elegido por ser un juego de palabras que aludía a Sinfonía (S) y a Metallica (M). La banda demuestra todo su potencial en directo y su perfecta adaptación, que nunca es fácil, para trabajar con una orquesta sinfónica. Muy destacables lo arreglos orquestales, hechos por Michael kamen, director de la Orquesta Sinfónica de San Francisco en aquel momento. 

Vuelve a dejarlo en el expositor: 

El hecho de juntar a dos grandes estrellas no es siempre garantía de éxito, y es precisamente lo que sucedió con Lulú (2011), grabado por la banda junto con el difunto amigo de ésta, el gran Lou Reed. Curiosamente éste fue el último trabajo de estudio de Lou Reed en estudio antes de su fallecimiento en 2013. El disco se basó en la ópera Lulú, la cual estaba inspirada a su vez en los escritos del dramaturgo alemán Frank Wedekind. Los estilos de Lou Reed y de Metallica no acaban de encajar en este trabajo, es como si cada uno hiciese la guerra por su cuenta. A pesar de tener alguna que otra crítica positiva, casi todas fueron en este sentido, negativas. Dos artistas de la talla de Lou Reed y Metallica podían habernos dado más, mucho más. St. Anger (2003), la banda llevaba unos seis años sin sacar nada nuevo desde Reload (1997), y este trabajo era muy esperado por parte de los fans. La banda apostó por un estilo basado en el Metal Alternativo y el Nu-Metal. Esta sería la primera y la última vez que tocaran algo así, no volverían a hacerlo. Casi nadie entendió este cambio de estilo. Para cualquier otro grupo St. Anger podría llegar a ser un disco correcto, incluso bueno, pero no para Metallica si lo comparamos con sus otros grandes trabajos. La baja de Jason Newsted, la falta de guitarras contundentes y de sólos de guitarra, los problemas de alcoholismo y adicciones de James Hetfield que hicieron que se suspendiera indefinidamente la grabación al entrar éste en rehabilitación, y apostar por un sonido más moderno y una producción más cruda, quizás nos da la explicación de este extraño y fallido proyecto. No cabe duda que se equivocaron. 

Si por el contrario, lo que quieres es empezar a conocer a Metallica a través de sus canciones, te recomendamos que empieces por:

Nuestro TOP 5:

1.- One

2.- Creeping Death

3.- Orion

4.- Seek And Destroy

5.- The Unforgiven

0417.- Little Wing - Jimi Hendrix

0417 - Little Wing - Jimi Hendrix

Little Wing es una canción escrita por y grabada por la Jimi Hendrix en 1967. Se trata de una balada de tempo lento, inspirada en el rhythm and blues, en la que Jimi Hendrix canta y toca la guitarra con efectos de estudio de grabación, acompañado de bajo, batería y glockenspiel.

Desde el punto de vista lírico, es una de sus canciones que hacen referencia a una figura femenina idealizada o a un ángel de la guarda. Con unos dos minutos y medio de duración, es una de sus canciones más concisas y centradas en la melodía.

Jimi Hendrix comenzó su carrera como guitarrista de rhythm and blues y actuó y grabó con varios artistas populares de R&B, como los Isley Brothers, Don Covay y Little Richard, aprendió de otros guitarristas de R&B, como Curtis Mayfield, que era conocido por sus discretos rellenos rítmicos y sus acordes Hendrix realizó una gira como telonero de Mayfield en 1963. Describió la experiencia como "El mejor concierto fue con Curtis Mayfield y los Impressions. Curtis era un guitarrista realmente bueno... aprendí mucho en ese corto tiempo, probablemente me influyó más que cualquier otra persona con la que hubiera tocado hasta entonces, ese dulce sonido suyo, ya sabes" En 1966, Hendrix grabó una canción titulada "(My Girl) She's a Fox" con los Icemen, un dúo de R&B. El biógrafo de Hendrix, Harry Shapiro, la ha descrito como "con un ritmo y un fraseo al estilo de Curtis Mayfield, que es virtualmente un plano para Little Wing" Más tarde, el productor de Hendrix, John McDermott, calificó su contribución a "She's a Fox" (incluida en el libro de 2010 West Coast Seattle Boy: The Jimi Hendrix Anthology) como "quizás la más fuerte de su carrera anterior a la experiencia". El estilo de guitarra de Hendrix, influenciado por Curtis Mayfield, es el atributo más fuerte de la canción".

Según Hendrix, "Little Wing" surgió de una idea que había desarrollado originalmente mientras tocaba en Greenwich Village, cuando estaba al frente de su banda Jimmy James and the Blue Flames en el verano de 1966. Más tarde explicó que se inspiró aún más durante la actuación de la Experience en el Monterey Pop Festival de 1967.

Daniel

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0416.- Groovin' - The Young Rascals

 

Groovin', The Young Rascals

     El 31 de julio de 1967 la banda originaria de New Jersey The Young Rascals, fundada en 1965, publica su tercer álbum de estudio, Groovin'. El disco es grabado entre el 9 de mayo y el 22 de junio de 1967 y publicado bajo el sello discográfico Atlantic Records. Groovin' sería el último trabajo de la banda donde esta se llamaría The Young Rascals, en sus siguientes discos sería llamada simplemente The rascals.

El  diseño de la portada fue ideado por el baterista de la banda Dino Danelli, y fue ilustrado por la amiga de éste Lynn Rubin. Groovin' supuso un gran éxito, alcanzando el puesto número 5 en la lista estadounidense Billboard Top LPs Chart, y ocho de los temas incluidos alcanzaron el puesto número 1 en la las listas de sencillos Pop Chart del país. 

Incluido en este exitoso álbum se encuentra el tema que da título al mismo, Groovin'. El tema fue compuesto por los miembros el grupo Felix Cavaliere y Eddie Brigati. La canción incluye el sonido de una conga, una línea de bajo con influencias de sonido cubano y el sonido de una armónica. 

El tema se inspiró en la por entonces novia de Felix cavaliere, Adrienne Buccheri, siendo él quien escribió la letra y Eddie y él mismo crearon la música. Felix y Eddie se habían dado cuenta que debido a su horario de trabajo sólo podían ver a  sus novias los domingos por la tarde ya que los viernes y los sábados era cuando normalmente los músicos trabajaban. 

A los ejecutivos de Atlantic no les gustó especialmente Groovin' cuando lo escucharon y no tenían pensado incluirlo en el disco, sin embargo sí le gustó en aquella escucha al influyente DJ Murray the K, quien calificó aquel tema de número 1, y sin que el grupo lo supiera instó a los directivos de Atlantic a que ese tema se publicara. Murray the K además de tener esa influencia con las discográficas, tenía una innata habilidad para reconocer un éxito cuando lo escuchaba, y con Groovin' tampoco se equivocó.

#MesTheBeatles: White Album - The Beatles

 

White Album, The Beatles

     En muy pocos años John Lennon, Paul McCartney, Ringo Starr y George Harrison habían pasado por muchas cosas, habían tocado la cima con Revolver y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, pero también habían sufrido los sinsabores de la crítica tras el fallido proyecto de Magical Mystery Tour. Según relata el ingeniero de sonido Geoff Emerick en sus memorias sobre el grupo, a su vuelta del viaje de la India, donde habían estado realizando meditación trascendental con el Masharishi Mahesh Yogi en Rishikesh, India, parecían personas diferentes, si antes eran modernos y exigentes, ahora iban desaliñados y descuidados, donde antes había ingenio y buen humor, ahora había irritación y enfado, si antes era divertido estar con ellos, ahora era un sufrimiento ya que siempre estaban enfadados.

Las sesiones de grabación fueron extremadamente difíciles, siempre estaban discutiendo y nunca se ponían de acuerdo, un álbum muy tenso en todos los sentidos. John, Paul, Ringo y George habían ido en busca de la paz interior, pero a su vuelta no se sabe si la encontraron. Un indicador fue cuando empezaron a llegar de su retiro en la India por separado, si antes hacían todo juntos, ahora no iba a ser el caso. A los problemas personales entre el grupo, entre los que también se encontraba la gran pérdida de Brian Eipstein, se le juntaron los problemas en los negocios. El grupo había decidido representarse a sí mismo y además habían creado una empresa llamada Apple Corps, para dar oportunidades a artistas desconocidos. En definitiva, los cuatro chicos de Liverpool, quizás acuciados por la presión, empezaron a llevarse los problemas al estudio. A todo esto hay que sumar que Ringo Starr abandona la banda brevemente en agosto de 1968, que Yoko Ono empieza a irrumpir y asistir a las sesiones de grabación del álbum, algo que molesta a Paul, George y Ringo, que George Martin decide bajarse del barco pidiendo un permiso vacacional, y que Geoff Emerick, el mago de la ingeniería de sonido, harto de tanta presión y ante la dificultad de trabajar en ese tumultuoso ambiente, el 16 de julio de 1968 renuncia y abandona el trabajo de grabación del álbum. Todo se desmoronaba. 

En ese ambiente fue creado The Beatles, también conocido como White Album (Álbum Blanco), publicado el 22 de noviembre de 1968 por la propia discográfica del grupo, Apple Records, y grabado entre el 30 de mayo y el 14 de octubre de 1968 en los EMI Studios y los Trident Studios de Londres. La mayoría de las canciones fueron escritas entre marzo y abril de 1968, durante el curso de meditación trascendental que el grupo había realizado en Rishikeshi, India. El álbum consiguió el puesto número uno tanto en las listas del Reino Unido como las de Estados Unidos, y si en un principio recibió críticas mixtas por parte de los críticos musicales, con el tiempo ha sido considerado como uno de los mejores álbumes de todos los tiempos. La revista Rolling Stone colocó en el años 2003 este álbum en el puesto número 10 de los 500 mejores álbumes de todos los tiempos. Irónico que en un clima de tanta tensión externa como interna del grupo, fueran capaces de sacarse una de sus mejores álbumes. The Beatles fue concebido como un doble álbum con 30 temas. Más adelante surgiría la duda en el grupo sobe si quizás hubiera sido mejor  haber sacado un LP normal en vez de doble. 

Abre la cara 1 Back in the U.S.S.R., escrita por Paul, quien escribió esta canción como una parodia surrealista de las canciones Back in the USA de Chuck Berry y Califoria Girls de The Beach Boys. La canción describe un mal vuelo desde los Estados Unidos a la Unión soviética a bordo de un avión británico BOAC, y hace mención a la belleza de la mujer soviética y el placer de regresar a su propio país. Se utilizó la grabación de un avión despegando al inicio de la canción y luego intermitentemente a lo largo de ella, y los coros fueron cantados por Lennon y Harrison al estilo de los Beach Boys a petición de Mike love, componente de ese grupo, quien había acompañado al grupo a la India. Dear Prudence, escrita por por Lennon, iba dirigida a Prudence Farrow, hermana de Mia Farrow, quien estaba presente en el curso de meditación donde estuvo el grupo. Prudence se encontraba tan concentrada en la meditación que rara vez salía de la habitación, y Lennon preocupado por el estado anímico de ella, escribió este tema invitándola a "salir a jugar". El estilo de la canción es típico de las canciones acústicas que se hacían en Rishikesh, usando arpegios de guitarra. Glass Onion, escrita por Lennon, es la primera canción donde aparece Ringo Starr a la batería, ya que había dejado el grupo durante un breve periodo de tiempo, habiendo  sido remplazado por en los dos temas anteriores por Paul McCartney. La canción hace referencia a anteriores canciones del grupo, tales como Strawberry Fiels Forever, I Am the Walrus, Lady Madonna, The Foool on the Hill y Fixing a Hole. Ob-La-Di, Ob-La-Da, escrita por McCartney como un imitación a las canciones de música ska. En esa época estaba empezando a popularizarse la música reggae en Gran Bretaña. Según Geoff Emerick, Lennon odiaba la canción a la que calificaba como "mierda para abuelas de Paul". John Tras abandonar el estudio durante la grabación de la canción, y después de varios días y docenas de tomas de grabación después, apareció un día en estudio hasta las cejas de marihuana, fue al piano y tocó los acordes de la canción mucho más rápido y más fuerte de como lo había hecho en las sesiones anteriores antes de desparecer. Esta sería la versión que se acabaría usando. Wild Honey Pie,  canción de poco más de 50 segundos escrita por Paul, quien fue el único miembro del grupo participante en las sesiones de grabación, pues Lenon y Ringo estaban trabajando en otras canciones, y Harrison se encontraba de vacaciones en Grecia. Este fue un tema experimental y un claro ejemplo de los breves fragmentos de canciones que Paul solía grabar entre tomas durante las sesiones del álbum. The Continuing Stoy of Bungalow Bill, escrita por Lennon al enterarse que un visitante estadounidense había dejado el retiro en Rishikesh para irse a cazar tigres. La canción cuenta la vida de Buffalo Bill con ciertas modificaciones, ridiculizando su actitud. En este tema se puede escuchar a Yoko Ono, quien participó cantando una línea completa y acompañando otras de fondo. While My Guitar Gently Weeps, maravillosa canción escrita por Harrison, quien lo hizo como un ejercicio de aleatoriedad inspirado en el libro chino I Ching. En la canción, Harrison se lamenta porque el mundo no explote todo su potencial por el amor, el cual se encuentra dormido. De esta canción se hizo una primera grabación interpretada por Harrison con guitarra acústica. En la versión definitiva Harrison invitó a Eric Calpton para que grabara el maravilloso sólo de guitarra de la canción. Happiness is a Warm Gun, escrita por Lennon, que se inspiró en una revista de armas que George Martin le había mostrado. Según Lennon, la canción era una clase de historia de rock and roll que tenía cinco secciones diferentes a pesar de su corta duración. Al parecer se había inspirado en las composiciones de un grupo escocés de folk psicodélico llamado The Incredible String Band. 

La cara 2 comienza con Martha My Dear, escrita por Paul, quien se inspiró en Martha, la perra bobtail de Paul, una perra ovejera. Hay quien cree que realmente escribió la canción para Jane Asher, su ex pareja. I'm so Tired, escrita por Lennon durante su viaje de meditación. Tras tres semanas de meditación constante, Lennon echaba de menos a su futura esposa, Yoko Ono, lo que le provocó un insomnio que le impedía dormir por la noche. La pista termina con Lennon diciendo "Señor, señor, ¿Qué hay acerca de otro?", y la gente afirmaba que al reproducir esto al revés decía "Paul está muerto, lo extraño lo extraño", lo que alimentó la teoría conspirativa que afirmaba que Paul estaba muerto. Blackbird, escrita por McCartney mientras se encontraba en Escocia. Lo hizo como una reacción a las tensiones que se estaban intensificando en Estados Unidos en la  primavera de 1968. La canción es interpretada por Paul en solitario, acompañado únicamente de una guitarra acústica. También se puede oír de fondo un sonido que fue confundido en un principio con un metrónomo. En realidad es el sonido de los zapatos de Paul, que fueron capturados al poner Geoff Emerick un micrófono al lado de estos. El canto de los pájaros fue grabado con una de las primeras grabadoras portátiles de la discográfica EMI. Piggies, escrita por Harrison inspirándose para la parte musical en el estilo barroco. La canción era un crítica a la codicia y el materialismo de la sociedad moderna. Junto al tema Helter skelter, éste inspiró a Charles Manson para cometer asesinatos masivos. Manson tomó la frase "lo que necesitan es una maldita y buena bofetada" para interpretar que debía atacar a la policía. Las palabras "political Piggy", "pig" y "death to pigs" fueron escritas con la sangre de sus víctimas en la pared de las habitaciones en las que cometió sus asesinatos. Rocky Raccoon, escrita por Paul, se inspiró en una jam session entre Lennon y el cantante Donovan en Rishikesh. George Martin consideraba que este tema era de relleno y que únicamente se incluyó en el álbum porque éste era doble. Don't Pass Me By, escrita por Ringo Starr, es una canción de carácter autorreflexivo. La canción ya había sido escrita por ringo en 1963, pero había sido rechazada en aquel momento por los demás Beatles. Why Don't We Do It in the Road?, escrita por McCartney, en la India después de observar a dos monos copulando en la calle, entonces se preguntó por qué los humanos eran demasiado civilizados para hacer lo mismo. Paul tocó todos los instrumentos excepto las percusiones, que corrieron a cargo de Ringo. Lennon se sintió molesto por no haber sido solicitado para tocar en este tema. Paul indicó que era un "ojo por ojo", ya que él no había sido llamado para tocar en Revolution 9. I Will, escrita por Paul, cantada por él mismo y acompañado por Lennon y Starr en las percusiones. Paul después de inspirarse en su ex pareja Jane Asher o en su perra Martha, se inspiró para escribir esta canción en Linda McCartney. Julia, escrita por Lennon y acreditada al dúo Lennon/McCartney como solía ser habitual, aunque Yoko Ono contribuyó con algunos versos. La canción, interpretada por Lennon en la voz y la guitarra acústica, es un reconocimiento a la  memoria de Julia, la madre de John, al cumplirse diez años de su muerte al ser atropellada por un coche conducido por un oficial de policía. 

Comienza la cara 3 con Birthday, escrita a medias entre John y Paul, sería la última canción que ambos escribirían juntos antes de la ruptura del grupo. La canción surgió después de que ambos vieran la película The Girl Can not Help It en televisión. Cantaron la voz principal al estilo del protagonista de la misma, Little Richard, y después se añadieron los coros interpretados por Yoko Ono y la esposa de Harrison, Pattie Boyd. Esta canción representaba la vuelta del grupo al rock and roll, con un estilo más enfocado al hard rock, como ya hicieran en Revolver. Yer Bues, escrita por Lennon, el tema entremezcla el blues clásico con el hard rock, y fue escrita como un parodia del blues británico que estaba floreciendo a finales de los 60. La música es muy animada pero esconde una letra ciertamente depresiva que fue escrita por Lennon mientras se encontraba en la India. A pesar de la meditación y el ambiente tranquilo, todavía se sentía infeliz, Mother Nature's Son, escrita por McCartney en la India, trabajó en ella sin la colaboración de los otros tres miembros del grupo. Únicamente contó con la ayuda de George Martin, quien aportó los arreglos de la sección de metales. Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey, escrita por John Lennon, tiene la particularidad de tener el título más largo de todos los temas del grupo. Según Harrison la primera parte del título se refería a una frase de Masharisi Mahesh Yogi, sin saber e donde procedía el resto del título (Me and My Monkey). Por otro lado, Paul creía que era una referencia a la heroína, sustancia que solía consumir ocasionalmente Lennon. Sexy Sadie, escrita por Lennon, en un principio quiso que el título del tema fuera Maharishi, pero al final cambiaron el título para evitar posibles litigios con el Maharshi Mahesh Yogi por los versos que contenía el tema. Lennon acabaría muy desilusionado con el Maharishil, al parecer todo empezó cuando se extendió el rumor de que el Maharishi había mostrado interés sexual en una de las chicas que se encontraban en el curso, contraviniendo sus propias reglas. Helter Skelter, escrita por McCartney. Por su sonido sucio, contundente y agresivo, se considera clave en el desarrollo de estilos como el heavy metal o el punk rock. La idea surgió al leer Paul que The who habían publicado un tema extremadamente salvaje, Can See For Miles. Paul quería explorar todas la vertientes del rock y decidió componer una canción que superara a The Who en su propio terreno y estilo. Un helter skelter es un tobogán en espiral que se puede encontrar en los parque británicos, y fue utilizado en la canción como un símbolo de la caída y la decadencia. Long, Long, Long, escrita por Harrison, es una canción de amor y su estructura está basada en la canción de Bob Dylan Sad-Eyed Lady of the Lowlands. El sonido vibrante que se escucha al final es el de una botella de vino que estaba apoyada en un amplificador, cuando Paul estaba tocando el Órgano Hammond, al tocar cierta nota, la botella empezaba a vibrar.

Abre la cara 4 Revlution 1, escrita por Lennon y publicada en dos versiones diferentes, es un blues lento con arreglos de instrumentos de viento-metal. la primera versión se grabó en las sesiones de grabación de este álbum, y más tarde Lennon grabaría otra versión más agresiva con un sonido de guitarras distorsionadas, orientada más al hard rock. Esta fue la primera canción del grupo donde éste habla abiertamente de política. La canción, al contrario de promover el levantamiento de masas, es un llamamiento ha revolucionar las cosas, pero de forma no violenta. Honey Pie,

escrita por McCartney. El Liverpool donde crecieron y se formaron los Beatles era un lugar que estaba saliendo de la depresión y no permitía a sus habitantes un acceso fácil a un nivel de vida de clase media. Los hobbies estaban directamente relacionados con el dinero que tuvieras, por lo que uno de los mayoritarios era hacer música en las reuniones familiares, y las canciones que se solían interpretar eran viejas canciones de la primera guerra mundial o de los años 20. A Paul le encantaban este tipo de canciones y no perdía oportunidad para recordarlas o componerlas cuando podía. Savoy Truffle, escrita por Harrison, la escribió como un tributo a la adicción de su amigo Eric Clapton a los chocolates. Savoy Truffle era el nombre de uno de los tipos de chocolate que se encontraba en las cajas de dulces Mackintosh's, uno de los favoritos de Clapton. Cry, Baby, Cry, escrita por John. Parte de la letra tiene su origen en un viejo anuncio de televisión que Lennon recordaba de su juventud. Incluida en esta canción canción se encuentra una pista oculta que fue improvisada y cantada por Paul McCartney. Aunque no tiene nombre, esta pista es conocida como Can you Take My back, que es la línea o frase principal de la letra de esta pista oculta. Revolution 9 no es realmente una canción en sí, siendo una de las composiciones del grupo más controvertidas e incomprensibles. Fue evolucionada a partir de los overdubs que se utilizaron para la canción Revolution 1. Lennon, Harrison y Yoko Ono añadieron collages de cinta y extractos de palabras grabadas. Acreditada al dúo Lennon/McCartney, fue realmente obra de John Lennon, ya que Paul no participó en el tema al encontrarse fuera y no ser invitado. Cierra esta última cara 4 y por tanto el álbum Good Night, una canción de cuna escrita por John Lennon para su hijo Julian cuando este tenía cinco años de edad. Lennon quiso que esta canción la cantara específicamente Ringo Starr. Los arreglos orquestales de George Martin son excesivamente exuberantes, debido al parecer, a que Lennon quería que esta canción sonara "realmente cursi".

0415.- Callate niña - Pic-Nic

Pic-Nic fue un grupo de música con influencias folk y pop en España con una muy corta carrera que se desarrolló en Barcelona a finales de los años 60. Sus orígenes los encontramos en el grupo Vytas Brenner Quartet, que ensayaban en el sótano de una antigua farmacia barcelonesa situada en Via Laietana, en la pensión donde vivían los hermanos Brenner también lo hacía una mujer que al conocer que estos tenían un grupo, les comentó que la hija de una amiga suya sabía tocar la guitarra y había compuesto algunas canciones, y estos no pusieron ningún impedimento en que fuera a verles ensayar y que tocara algunos de esos temas. La chica en cuestión era una londinense de madre canaria que había pasado su infancia en los Estados Unidos, su nombre, Jeanette. Con ellos estuvo hasta que Vytas y Haalon Brenner vuelven con su familia a Venezuela y entra en su lugar en el grupo Isidoro de Montaberry al bajo y el mexicano Al Cárdenas a la guitarra rítmica. Con un primer repertorio en inglés ficharon por la discográfica Hispavox y cambian su nombre por el de Pic-Nic. A finales de 1967 publican su primer single Callate nicha que fue número uno de las listas de éxitos españolas durante nueve semanas con un año después el grupo se separó. El hecho de que la madre de Jeanette la obligara a terminar sus estudios y valorarlos por enciam de su carrera musical, llevaron a la disolución del grupo y a que cada integrante tomara un rumbo diferente. Tras la separación de Pic-Nic, algunos miembros continuaron dedicándose a la música, Toti Soler, Jordi Sabatés e Isidoro de Montaberry formaron parte del grupo Om. Jeanette después de terminar sus estudios seguiría su carrera y aunque su idea era seguir tocando folk se convertiría en uno de los máximos exponentes de la canción melódica en España con temas como Porque te vas, Corazón de poeta o Frente a frente.

“Cállate niña” fue tema que Jeanette había compuesto con tan sólo catorce años, provisto de tan solo tres acordes y es una de las canciones más sobrecogedoras que jamás se hayan escrito, una nana descorazonadora sobre una niña pequeña que se queda huérfana al morir su madre, y a la que sólo la puede consolar una persona. Al grabarla, todo el mundo en Hispavox la criticaba por no ser nada comercial, pero a Trabucchelli le gustaba tanto que no dudó en sacarla como primer single, ayudaba mucho la voz angelical de Jeanette, tierna, dulce que consigui llegar con su interpretación a los corazones del público, a eso hay que sumarle la letra que cantada con la voz de Jeannette pone los pelos de punta, es puro sentimiento, debía morir y está mejor así, ella descansa y te cuida desde el cielo, deja de llorar, Glory puedes ayudarla.. demoledor escuchar esto de una niña.