La musica en historias: Fresh Evidence - Rory Gallagher (Mes Rory Gallagher)

 

La música en historias: Fresh Evidence - Rory Gallagher #MesRoryGallagher

Como despedida de un mes dedicado a un artista del blues rock, nos vamos a ir en homenaje a Rory Gallagher con uno de sus últimos discos.

Rory Gallagher publicó el disco Fresh Evidence en 1990, este fue su último álbum como hemos dicho y el undécimo álbum de estudio que publicaría el artista antes de su muerte en 1995.

Este álbum fue publicado por su propio sello discográfico Capo Records para el Reino Unido y por Interscope Records para los Estados Unidos.

Sus canciones en este último álbum hablan de enfermedades y todo ello pareciera ser un presagio de la enfermedad que arrastraba Rory ya que en sus canciones nombra temas como la muerte y la mala salud. Por ello creo, que todo hace pensar que ese presagio anima al artista no solo a tocar con su banda habitual en este álbum, sino que incluye una serie de músicos invitados, destacando el piano de Lou Martín quien le acompañaba habitualmente, así como una sección de vientos, armónica y acordeón, una vez más un excelente trabajo por parte de Rory Gallagher y una vez más demuestra su amor por el blues y la música tradicional.

Y no lo decimos nosotros, tras la muerte de Rory Gallagher, algunos críticos consideraron que este disco es un verdadero reconocimiento a la enfermedad que tenia el artista, y al momento de realizarse la publicación del disco dicha enfermedad no era de publico conocimiento.

Su obra Fresh Evidence comienza con Kid Gloves un rock de su vieja escuela que el solo Rory Gallagher podría interpretar junto a su guitarra, y acompañado por Lou Martin en los teclados.

La segunda canción que continua en el disco es The King of Zydeco un tributo a su amigo Clifton Chenier un gran acordeonista con el cual Rory Gallagher realizo actuaciones en conjunto, así que no faltan los arreglos de acordeones en esta canción.

A continuación, Middle Name con un sonido más romántico, la canción encierra riff del artistas y punteos con su guitarra, y no falta la armónica, la canción lleva un tono suave y despacio como si quisiera dar un subidón, pero nunca despunta, si demuestra su sonido en las entradas de su guitarra.

El disco avanza demostrando que Rory Gallagher es un verdadero maestro con su guitarra, y esto si a alguien le quedaban dudas, el maestro interpresa Alexis su cuarta canción con un sonido de guitarra único, que es acompañado por su banda en una canción que vale la pena de escuchar en cuatro minutos de autentico rock.

Empire State Express otro homenaje dentro de este disco y es dedicada a su autor Eddie “Son” House. Esta canción no es la primera vez que Rory Gallagher la interpreta.

Vamos nuevamente con un blues del artista irlandés Ghost Blues, y este es un blues de 8 minutos de duración que como nunca en manos de este maestro del blues demuestran una guitarra acústica, en un solo de guitarra que confirma nuevamente el poderío de su música, uno de los mejores blues claramente.

Vamos ahora nuevamente con otro blues Heaven's Gate y aquí la connotación de ese repentino sentido con la muerte que demuestra la letra de la canción, pero de repente saltamos a The Loop una canción netamente instrumental que el artista sabe hacer de las suyas.

Walkin' Wounded nos marca las dos últimas canciones del disco por venir, y nuevamente de forma inconsciente o consciente el artista nos refleja su frágil salud. Y por último Slumming Angel como despedida, Rory Gallagher se pone en plan duro con influencias a lo Jimi Hendrix cerrando un excelente álbum. Posteriormente, en otras reediciones se incluirán dos canciones más del artista, Never Asked You for Nothin' y Bowed But Not Broken.

¡Esta obra es una verdadera despedida de un maestro como fue Rory Gallagher, así que maestro nos encantó tenerte aquí!

Daniel
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0273 - When a men loves a Woman - Percy Sledge

 

0273 - When a men loves a Woman - Percy Sledge

When a Man Loves a Woman es una canción escrita por Calvin Lewis y Andrew Wright y grabada por primera vez por Percy Sledge en 1966 en el estudio Norala Sound de Sheffield, Alabama.

Llegó al número uno en las listas de singles de Billboard Hot 100 y R&B. Esta canción ha tenido numerosos artistas que la han interpretado, una de las actrices que la interpreto fue la cantante y actriz Bette Midler, quien grabó la canción 14 años después y tuvo un éxito en el Top 40 con su versión en 1980. Otro interprete que la reeditará en 1991, será Michael Bolton, quien grabó la canción, y su versión alcanzó el número uno tanto en la lista Billboard Hot 100 como en la lista Billboard Adult Contemporary Singles.

La canción fue grabada inicialmente por Percy Sledge en los estudios FAME de Rick Hall, en Muscle Shoals, antes de ser regrabada en los estudios Norala. Curiosamente, Andrew Wright y Calvin Lewis no tocaron en el disco, en cambio esta primera grabación fue acompañada por los artistas como Spooner Oldham, órgano Farfisa; Marlin Greene, guitarra; Albert "Junior" Lowe, bajo eléctrico y Roger Hawkins, batería. También participaron en la sesión Jack Peck, trompeta, Billy Cofield y Don "Rim" Pollard, saxo tenor, y Jerry Eddleman, Jeannie Greene, Sandy Posey y Hershel Wiggington, coros.

Posterior a su grabación se llegó a un acuerdo de distribución con Atlantic Records, pero antes de ello, se pidió que se volviera a grabar la canción porque las trompetas estaban desafinadas. Se volvió a editar y fue finalmente publicada por Atlantic Records en abril de 1966, y la grabación de Percy Sledge alcanzó el número uno en las listas de singles de Billboard Hot 100 y R&B, convirtiéndose en el primer número 1 grabado en Muscle Shoals. También es uno de los siete números 1 que debutaron en el Billboard Hot 100 en el número 100.

El single también fue un éxito en el Reino Unido, alcanzando el número cuatro en su lanzamiento inicial y llegando al número dos en 1987 en la lista de singles del Reino Unido después de que apareciera en un anuncio de Levi's Jeans. La versión de Percy Sledge figura en el puesto 53 de la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de Rolling Stone. También en 1987 se reeditó en Estados Unidos para promocionar el álbum de la banda sonora de la película Platoon, de Oliver Stone.

Daniel
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0272: Substitute - The Who

Substitute se ha interpretado a menudo como una reflexión de Pete Townshend sobre el papel de The Who en el mundo de la música de los sesenta, y su posible rol de "sustituto" del top que ocupaban los mismísimos Rolling Stones. Sin embargo, al ser preguntado por la letra de la canción y su significado, Townshend declaró que la canción no iba "acerca de nada".

En línea con las declaraciones de Townshend, que desmontaban la teoría del "sustituto", la canción no es comparable con ningún tema de los Stones, y su seña de identidad más característica es la potente línea de bajo de John Entwistle, que según cuenta la leyenda, esperó a que el resto de la banda no estuvieran presentes, para subir al máximo la pista de bajo en la grabación de estudio. Esa misma sesión de grabación es famosa por unas declaraciones de Keith Moon en las que reconocía que, habiendo grabado el tema en estado de embriaguez, no recordaba nada y acusó a sus compañeros de grupo de haberle reemplazado por otro batería.

Sea como fuere, esta canción publicada como sencillo en 1966 es una de las piezas más memorables de la discografía de The Who, a la altura de sus temas más populares y reconocidos, y aparece en los álbumes de directo más representativos de la banda (Live at Leeds y Live at the Isle of Wight Festival 1970. Varios son además los grupos que la han homenajeado con sus propias versiones, entre ellos grupos punk tan representativos como The Ramones o The Sex Pistols, y bandas de brit pop como Blur o Stereophonics. Todos ellos intentaron ejercer de sustitutos, pero no hay nada como ponerse en el tocadiscos la canción original.

0271: Monday, Monday - The Mamas & the Papas

The Mamas & The Papas se formó en la ciudad de Nueva York en el año 1963, cuando John Phillips, un músico amante del jazz y el folk que era componente del grupo Journeymen y la modelo Michelle Phillips con quien se había casado un año antes, se unieron a dos componentes del grupo The Mugwumps, el canadiense Dennis Doherty y la cantante Cass Elliot. En el año 1964 consiguieron firmar gracias a un buen amigo de John, Barry McGuire, un contrato con Lou Adler y se trasladaron de costa asentándose en la efervescente ciudad de Los Ángeles. Su primer single fue Go where you wanna go, aunque en algunas emisoras ya estaba sonando su canción más emblemática, California dreamin’, el single de debut entró con fuerza en las listas estadounidenses y británicas, era espléndida composición que ejemplificaba a la perfección las armonías que poseían las cuatro voces de sus miembros.

"Monday, Monday" fue el segundo sencillo del grupo, las emisoras de radio comenzaron a reproducir este tema antes de que finalizara la carrera del primero y cuando el álbum estaba en venta, por lo que cuando se lanzó como single, ya era ampliamente conocido y rápidamente subió al número 1. La composición de este tema es muy sencilla, Phillips la escribió en 20 minutos y luego dijo que no tenía idea de lo que significaba. Realmente no significa nada, si bien todos la reconocen como una canción sobre la angustia, una canción sobre el lunes que suele ser un mal día.encontramos una instrumentación de lo más normal, con su batería, su bajo, los teclados y una guitarra, a la que se unen un tatareado de voces femeninas, hasta ahí sencillo, pero ahora encontramos que hay una voz principal, la de John Philips, que se va alternando con el resto de componentes a modo de maestro de orquesta. La temática de la canción es sarcástica en su enfoque. En la primera parte de la canción, la letra parece como si el cantante estuviera alabando el lunes, que como todos sabemos es el primer día de la semana. Pero profundizando en la pista, descubrimos que “cuando llega el lunes”, en cambio, está “llorando todo el tiempo”. De hecho, el sentimiento real en el que se basa esta canción es que el vocalista teme el lunes, en otras palabras, es un momento de tristeza, pavor e incluso, en cierta medida, como se destaca durante la conclusión de la canción, depresión.

El grupo se convirtió en uno de los conjuntos hippies más populares de la época con una imagen femenina muy definida: la guapa, delgada y rubia Michelle de frágil, sutil y delicada voz contrastaba con el físico orondo y la penetrante facturación vocal de Mama Cash, aunque la vida del grupo fue corta debido a los problemas, envidias y romances entre los cuatro componentes, que sin duda destruyo uno de los proyectos más genuinos y sobre todo con más calidad musical, del comienzo de la época dorada del movimiento hippie.

Un país, un artista: Turquía - Erkin Koray

 

Erkin Koray

     Esta semana las votaciones de nuestros amigos y seguidores nos han llevado a Turquía. Uno de los estilos musicales más representativos del país es el llamado Rock de Anatolia, también conocido como Rock Turco. Este género surge a mediados de los años 60, poco después de que grupos como The Beatles, Led Zeppelin, The Rolling Stones, Yes o Status Quo entre otros, se hicieran populares en Turquía. El Rock de Anatolia consiste en una fusión de música folk con el rock.

A finales de los años 50 algunos cantantes turcos ya empiezan a lanzar versiones de canciones inglesas cantadas también en inglés. A comienzos de la década de los 60 los artistas y grupos turcos empiezan a tocar instrumentos como los que utilizan The Shadows y The Ventures. El crecimiento del fenómeno también viene acompañado de cambios culturales significativos, como el crecimiento de la democracia multipartidista en el país; todo esto, sumado al hecho de que los grupos que van apareciendo en Turquía actúen regularmente en festivales de música europeos hace que la escena del rock en Turquía se expanda rápidamente. 

En la segunda mitad de la década de los 60 aparece la figura del músico y compositor turco Erkin Koray, uno de los pioneros del Rock de Anatolia, y a quien va dedicada ésta reseña sobre un artista del país de Turquía. Erkin Koray nace en 1941 en Turquía, y a finales de la década de los 50 irrumpe en la escena de la música rock en Turquía. Está considerado como el primer músico del país en tocar Rock and Roll en el país; en 1957 él y su banda empezaron a ganar reputación tocando versiones de Elvis Presley y Fats Domino. También fue de los primeros músicos del país en utilizar la guitarra eléctrica y los elementos de amplificación moderna. Erkin componía sus propios temas, y además remodelaba canciones populares turcas. Al combinar ambos estilos musicales, el rock que provenía de occidente, y la música folclórica del país turco, se convirtió en pionero en el desarrollo de la música rock turca, más conocida como Rock de Anatolia.

A finales de los años 60 Erkin ya se había convertido en todo un referente en el Rock de Anatolia. También fue fundamental en el desarrollo de la música psicodélica, género con el que empezó con la grabación de su primer sencillo en 1967, llamado Anma Arkadaş. A principios de la década de los 70 Erkin forma el grupo Ter con los ex miembros de la banda turca llamada Bunalim. A pesar de publicar un único sencillo antes de separarse, Hor Görme Garibi (cover de un éxito de la música arabesque de Orhan Gencebay), supone un gran éxito y sirve para promocionar más si cabe la carrera del músico turco. Ter estaba influenciado por el fuzz rock y la psicodelia, y solían realizar arreglos progresivos y extensos solos de guitarra, algo que la compañía discográfica con la que trabajaban no estaba dispuesta a aceptar, lo que provocó el final del grupo.

En 1973 Erkin debuta con su primer álbum como solista, de título homónimo, Erkin Koray, el cual era una selección de sencillos realizados por el músico entre 1967 y 1973. El álbum fue lanzado por el sello discográfico Istanbul Records, compañía que deja tras la publicación de este disco para fichar por Doglan Records. En 1974 publica su álbum más emblemático, Elektronik Türküler. La clave de este disco es la libertad que Erkin tiene para grabar un disco completo en vez de sencillos sueltos, y la libertad en cuanto a creatividad y composición. Erkin junto a su banda crea un álbum que refleja su amor por las raíces turcas y su amor por el rock psicodélico y progresivo. Este álbum a día de hoy es uno de los grandes puntales y referentes del Rock de Anatolia. 

La carrera de Erkin Koray ha seguido hasta la fecha, con once álbumes más de estudio, el último, Devlerin Nefesi, fue publicado en 1999. A finales de la década de los años 90 y principios de los 2000, el resurgimiento del interés por la música psicodélica hecha fuera de Reino Unido y Estados Unidos hace que Erkin koray atraiga la atención de los oyentes provenientes del mundo occidental. Koray también fue el inventor de la bağlama eléctrica, un instrumento musical tradicional turco relacionado con el laúd, y que podemos escuchar en muchos de sus trabajos.

0270 California Dreamin' - The Mamas & The Papas

 

California Dreamin', The Mamas & The papas

     Vamos a hablar en esta ocasión de The Mamas & the Papas, uno de los estandartes el folk neoyorkino y que fue capaz de aguantar el envite de la llamada invasión británica en Estados Unidos, liderada por grupos como The Beatles y The Byrds.

En febrero de 1966 aparece publicado bajo el sello discográfico RCA Victor-Dunhill Records, el álbum debut del grupo estadounidense The Mamas & The Papas, titulado If You Can Believe Your Eyes and Ears. El disco es producido por el productor musical, mánager, compositor, director y productor cinematográfico estadounidense Lou Adler, y grabado entre octubre y noviembre de 1965. el disco obtuvo el disco de oro en Estado Unidos, y fue uno de los primeros álbumes en tener portadas diferentes. La primera tapa tenía al grupo en un cuarto de baño sentados en una bañera con un inodoro en una esquina. Esta edición fue declarada indecente y retirado de las tiendas, por lo que apareció una posterior edición con un cartel que tapaba el inodoro y que rezaba: California Dreamin'. La tapa original hoy en día es una ansiada pieza de colección.

Precisamente, incluido en éste álbum debut de la banda se encuentra el tema California Dreamin'. El tema había sido escrito por John Phillips y Michelle Phillips en 1963 mientras vivían en Nueva York. El tema se inspiró en la nostalgia que sentía Michelle por California. La misma Michelle Phillips comentaba que este tema surgió en 1963. Por aquél entonces estaba recien casada con John Phillips, con el que vivía en un apartamento en Nueva York, donde el invierno era bastante frío y duro para Michelle, ya que ella provenía de la soleada California. John solía pasar las noches componiendo melodías en aquel apartamento, y una mañana le llevó la primera estrofa de la canción a Michelle. La canción trataba sobre el anhelo de estar en otro lugar diferente y la nostalgia de Michelle, producida por la fría ciudad de Nueva York.

Rory Gallagher - Top Priority (Mes Rory Gallagher)

El final de la década de 1970 fue un período interesante, aunque algo turbulento para la escena del blues-rock. Whitesnake acababa de emerger de las cenizas de Deep Purple solo para que su sello discográfico le dijera que no estaban seguros de sí existía siquiera un mercado para una "banda de blues de rock duro". El guitarrista Gary Moore se estaba volviendo más duro y se separó aún más de sus raíces de blues y casi las abandonaría por completo durante la próxima década. Y las pocas bandas restantes que salieron del llamado 'boom del blues británico' estaban tratando de reinventarse o estaban en la cúspide de romper. Sin embargo, un músico de blues-rock, a saber, Rory Gallagher, estaba disfrutando posiblemente del período más exitoso de su carrera.

 

El tono de To Priority se establece desde el principio con el riff de apertura del rockero pesado, Follow Me, que con su coro cargado de ganchos y un solo poderoso, nos llega a recordar a Derek y al Clapton de la era de Dominos, pero lo que nos entrega aquí está recubierto de un rock metal que el otro no tenía. Después de esta gran entrada damos la bienvenida a Philby para completar dos números estelares de heavy rock llenos de riffs de guitarra chisporroteantes y solos abrasadores del maestro Rory, el inicio es devastador con esa guitarra clamando y la potente y la determinada voz de Rory nos trasporta sin duda a épocas doradas de este estilo musical… ojo al sitar eléctrico Coral de los años 60, que Gallagher incluyo gracias a Pete Townshend. La canción está inspirada en el espía británico Kim Philby y su misión descubierta como topo para los soviéticos en plena Guerra Fría mientras formaba parte del Servicio de Inteligencia Británico. Con Wayward Child me da la impresión que Rory se ha cambiado de raíces y se ha trasladado al sur de Estados Unidos, me suena tan Creedence, eso sí habría que retirar los ramalazos hard que tanto nos apasionan. Tiempo para Keychain donde recupera el Blues, no podemos dejar a un lado esa faceta del cantante, aunque lo que nos estuviera entregado hasta este momento se parece más a una banda Heavy-Rock, y es una gozada recuperar ese espíritu. Una barbaridad de tema. Y de oca a oca, otra monstruosidad, At the Depot, una canción donde de nuevo desparrama emoción, acompañado de una guitarra Slide que se presenta imperiosa, aquí manda ella y sus cuerdas, parece estar diciendo.

 

Bad Penny y de nuevo la vuelta al rock sureño, aquí más tranquilo que en el anterior tema, para homenajear ese estilo musical, pero la cabra tira al monte y de nuevo la guitarra toma su camino y le mete la dureza que álbum nos estaba dando hasta ahora. Just Hit Town es descontrol absoluto, locura controlada entregada en una guitarra, una chispa y todos saldremos impulsados a dar saltos y a gritar con este ritmos salvaje…… tranquilo la abrasadora guitarra slide de Rory pone la chispa, solo te queda volverte loco. Off the handle es otra vuelta de tuerca al blus, un regreso a su manera, con guitarra y sobre todo con voz, ojo a los niveles que alcanza en este tema… al alcance de muy pocos. A Public Enemy Nº1 no le vamos a negar su esencia de blues, es imposible, pero vamos a meterle un poco de humor y nos queda una cosa muy apañada, es cierto que parece que baja el nivel de lo que hasta ahora nos ha entregado, pero basta detenerse para ver, o mejor, escuchar otro tema enorme…. Rory y su ramalazo Hendrix.. dale caña. Hell Cat suena totalmente sesentero, un tema aspero donde lo principal es romper todo con lo establecido y viajar, viajar, viajar. Cierra con The watcher, y nos quiere dejar con los pies en la tierra, es quizás la canción más convencional pero con cada escucha va mejorando.

Si algo echo de menos en Top Priority es diversidad, no hay números basados ​​en acústicos ni canciones largas de lento blues como Fuel to the Fire del álbum anterior de Gallagher. El álbum se compone principalmente de pistas de blues-rock pesadas de duración media, cada una de las cuales muestra el talento del cantante / guitarrista en el departamento de composición de canciones, así como su brillante musicalidad, pero no nos quejemos, Top Priority es fácilmente uno de los mejores álbumes de Rory Gallagher y para alguien que busque explorar su catálogo anterior, debería ser una "máxima prioridad".

0269: I Got You (I Feel Good) - James Brown

0269: I Got You (I Feel Good) - James Brown

I Got You (I Feel Good) es una canción del artista James Brown con un arreglo instrumental muy marcado, similar a otros anteriores éxitos del artista, pero no solo eso sino una característica del estilo funk que supo muy bien aprovechar James Brown. 

El artista James Brown refleja en la letra de la canción un regocijo de lo bien que se siente "nice, like sugar and spice" ahora que tiene a la persona que ama, y su voz está salpicada de gritos y chillidos, pero eso no es todo, la canción incluye un solo de saxo que marca la diferencia.

En la carrera musical de Jame Brown alcanzo llevar a la lista Billboard Hot 100 cerca de 100 éxitos, pero I Got You (I Feed Good) es la canción de Jame Brown que más alto en la lista de éxitos del artista logro alcanzar, alcanzando el número tres de la lista Billboard Hot 100. 

En cambio en la lista Billboard Rhythm and Blues Singles lograría alcanzar el puesto número uno, y mantenerse en esa posición durante seis semanas consecutivas, después que otro de su éxitos el sencillo, "Papa's Got a Brand New Bag", ocupara el número uno durante ocho semanas, el característico sonido del grito de James Brown al comienzo y al final de la canción es motivo de su particular estilo que lo llevo a que otros artistas del hip hop y dance samplearan y utilizaran en otras canciones y que se incluyeran eventos deportivos.

La primera versión realizada por James Brown, fue grabada en el año 1964, esta versión contenía un arreglo diferente a las versiones que el artista posteriormente editaría, la versión de 1964 incluía un ritmo tartamudo y un prominente sonido de saxo, esta primera versión fue incluida en el álbum Out of Sight de Smash Records y en la película Ski Party de 1965.

En el año 2000, I Got You (I Feel Good), alcanzó el número 21 en la lista de las 100 mejores canciones de Rock and Roll de VH1 y el número 75 en la lista de las 100 mejores canciones de baile de Rock and Roll de VH1, siendo una de las únicas siete canciones que entraron en ambas listas. Posteriormente en 2004, I Got You (I Feel Good) ocupó el número 78 en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone.

Daniel

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Disco de la semana 243: Un Baión para el Ojo Idiota - Patricio Rey y sus redonditos de ricota

El disco de la semana 242: Un Baión para el Ojo Idiota - Patricio Rey y sus redonditos de ricota 

Hola Amigos!, en esta edición de el disco de la semana, les traigo un disco del año 1988, de ni más ni menos de la banda de rock Argentino, Los Redondos por su nombre más popular.  

Un disco editado en el año 1988, que es su tercer álbum de estudio, cuyo nombre es Un baión para el ojo idiota, este álbum esta considerado por su vocalista (él Indio Solari) como el reflejo más fiel del sonido de Los Redondos, esto lo demuestra que casi la totalidad de los temas que contiene el disco, se han convertido en verdaderos éxitos de la banda, y sobre todo un himno para la banda y su publico, estamos hablando de "Vamos las bandas", un verdadero swing con ritmos de saxo a cargo de Gonzalo Gonzo Palacios, este tema toma relevancia al generar esa complicidad de la banda con su publico y que devendría en uno de los nombres de los grupos de seguidores de la banda.

Como hemos dicho Un Baión Para el Ojo Idiota es el tercer álbum de estudio del grupo argentino Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, y este fue editado en 1988. 

Este disco comenzó a grabarse mientras la banda sufría un cambios en su formación con la salida e incorporación de nuevos miembros, esto se ve marcadamente en su nuevo sonido a diferencia de su anterior disco Oktubre. Un Baión Para el Ojo Idiota se podría decir que presenta un sonido mucho más sólido, la banda utiliza en este disco un sonido más de guitarras eléctricas distorsionadas y ritmos de batería en donde se siente el sonido del Rock and Roll más clásicos.

La nueva formación de Los Redondos llega de la mano de Sergio Dawi en saxofón reemplazando a Willy Crook, también tiene un cambio en su bateria incorporando a Walter Sidotti reemplazando al Piojo Abalos, los cambios traerán nuevos sonidos como resultado de este álbum, ya hemos dicho que el líder y vocalista de la banda, él indio Solari declararía que Un Baión Para el Ojo Idiota es una de las grabaciones que mejor capta el espíritu y la idea musical del grupo durante esos años, y así lo demuestran sus canciones, canciones que se volverían verdaderos clásicos de la banda como Masacre en el Puticlub, Todo Preso es Político, Vencedores Vencidos, Ella Debe Estar Tan Linda, Noticias de Ayer, Aquella Solitaria Vaca Cubana, Todo un Palo y Vamos las Bandas.

Finalmente este álbum fue presentado en vivo en el mes de mayo de 1988, en el Teatro Bambalinas en la calle Chacabuco de la ciudad de Buenos Aires, Argentina, fue muy bien la presentación y la banda agrego nuevas funciones en el mes de junio.

Daniel

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0268: Moon don't come up tonight - Patty Waters

 

Patty Waters es una vocalista de jazz, conocida por sus grabaciones de free jazz en la década de 1960 para el sello ESP Disk. Aunque rara vez ha grabado desde entonces, es cada vez más reconocida como una innovadora vocal cuya influencia se extiende más allá del jazz. Otras cantantes como Yoko Ono y Diamanda Galás, o la cantautora de rock Patti Smith, han nombrado a Patty Waters como una gran influencia.

 

Patty Waters nació el 11 de marzo de 1946 en Iowa. Comenzó a cantar de forma semiprofesional en la escuela secundaria. Después de la escuela cantó para la Jerry Gray Hotel Jazz Band. Su familia se mudó a Denver, Colorado, donde comenzó a escuchar a Billie Holiday, cuya vida y canto tuvieron una profunda influencia en ella. A principios de la década de 1960, se traslado a Nueva York y alli fue invitada a cantar con Bill Evans en el Village Vanguard. Trabajaba en un restaurante cuando Albert Ayler la escuchó en un comedor y le presentó a Bernard Stollman, el dueño del sello de jazz experimental ESP Disk. En 1965 publicaron el álbum “Sings”, tremendo disco y delicado cuyo núcleo temático se encuentra en los fracasos en las relaciones, la soledad y la desesperación, todo resaltado por la sensación íntima de la voz de Patty. Las siete primeras canciones son Patty Waters sola con su piano y su voz navegando en melodías de gran sensibilidad. La segunda mitad se compone solo de una pista "Black Is The Color Of My True Love's Hair". En esta la cantante es acompañada por un trío de piano / bajo / batería durante 14 minutos y se embarca en una lenta espiral hacia la locura en la que explora las posibilidades de su voz mucho más que antes.

 

Nos vamos a detener quizas en su éxito mas reconocido, "Moon, Don't Come Up Tonight", una oración de jazz mínima y desesperada que se calma con el delicado canto de Patty, con un descenso de la melodía sigue siendo realmente inquietante, un paisaje austero pero lleno de tesoros que encontramos en la voz calida de Patty que llega a sonar casi como un llanto, una delicadeza absoluta que merecemos rescatar y que merecéis disfrutar, aunque Patti únicamente nos dejo este álbum, vale por la carrera de otros muchos…

0267 I Am A Rock - Simon & Garfunkel

 

I Am A Rock, Simon & Garfunke

     El 17 de enero de 1966, el dúo Simon & Garfunkel ve publicado su segundo álbum de estudio, Sounds of Silence. Este trabajo fue grabado durante el mes de diciembre de 1965 en los estudios CBS de Nashville, producido por Bob Johnson, y publicado bajo el sello discográfico Columbia Records.

Incluido en este segundo trabajo del dúo encontramos el tema I Am a rock. Esta canción trata sobre un recluso que se encierra en sí mismo, alejándose de la vida misma y del mundo. De ahí la frase "I Am A Rock...", refiriéndose al hecho de que él es una roca, una isla, está lejos de todo y de todos. Curiosamente el uso de la palabra "rock" se solía asociar a la música rock y a su estilo de vida, pero en este caso Paul Simon, quien la había escrito, usó la palabra para referirse únicamente a su significado literal, un trozo de piedra, 

La canción fue escrita por Paul Simon antes de triunfar como músico, Primero se la ofreció al dúo Chad & Jeremy, quienes la rechazaron. Paul Simon decidió grabarla el mismo para su primer disco de estudio, The Paul Simon Songbook, publicado en Reino Unido en 1965, pero la canción pasó desapercibida.

A finales de 1965, el productor Tom Wilson había sobregrabado y remezclado el tema The Sound of Silence y se había convertido en un gran éxito, por lo que Simon & Garfunkel, que en ese momento se encontraban separados, fueron convocados de nuevo al estudio para grabar su siguiente álbum, Sounds of Silence. En esas sesiones de grabación se grabó I Am A Rock, que fue incluida en dicho disco y se convirtió en otro gran éxito del dúo.

0266 The Sounds of Silence - Simon & Garfunkel

 

The Sounds of Silence fue escrita por Paul Simon tan solo unos meses después del asesinato de John Fitzgerald Kennedy en noviembre de 1963, volcando sus sentimientos al respecto en la que sería una de las canciones emblemáticas del dúo Simon & Garfunkel. Ambos la grabaron en una (austera) primera versión que incluía tan solo sus voces y la guitarra acústica de Simon, para el disco Wednesday Morning, 3 AM, que sería el disco de debut de una de las parejas musicales más famosas de la historia de la música.

Poco después, y para la publicación en sencillo, se grabó una nueva versión arropada por batería, bajo y guitarra eléctrica, que acabaría siendo la versión más conocida y la que llegó a lo más alto de las listas de éxitos de Estados Unidos, apareciendo también en el siguiente álbum del dúo, titulado precisamente Sounds of Silence, en honor a un tema que es brillante ya desde la aparente contradicción de su título (Los sonidos del silencio)

La letra nos introduce en la sensación de tristeza y desorientación vivida tras uno de tantos episodios sin sentido en la historia de la raza humana, combinando un arranque en tono lúgubre ("Hola oscuridad, mi vieja amiga, he venido a hablar contigo de nuevo") y de desesperanza ("gente hablando sin hablar, escuchando sin escuchar, escribiendo canciones que las voces nunca comparten") con un toque de himno solemne que va creciendo en intensidad a cada paso, hasta esa apocalíptica visión del futuro al que, en los momentos más tristes, creemos estar abocados sin remedio. Un futuro en el que falsos dioses de neón nos recordarán que "Las palabras de los profetas están escritas en las paredes del metro y en los pasillos de las viviendas, y susurradas en los sonidos del silencio".

0265: The Kids Are Alright - The Who

0264: The Kids Are Alright - The Who 

"The Kids Are Alright es un álbum de la banda de rock británica The Who que acompaña a la película documental de la banda del mismo nombre."

The Kids Are Alright es una canción escrita por el artista Pete Townshend u es parte de la banda de rock The Who. Esta canción es parte del álbum My Generation y ocupa la posición número 7 de My Generation, que fue el primer álbum del grupo (The Who Sings My Generation en con el nombre que se lanzo en Estados Unidos), en el año 1965. La canción no fue lanzada como single hasta seis meses después de ser lanzado por primera vez el álbum, primero en los Estados Unidos, y luego el mes siguiente se lanzó en el Reino Unido.

En el momento del lanzamiento del álbum no tuvo mucho éxito, solo alcanzó el puesto número 41 en el Reino Unido y el puesto número 85 en los EE. UU.. 

Pero tiempo después, el álbum The Kids Are Alright, junto con la canción que dio título a ese álbum, se convertirían en un himno para el grupo y sus fans en la década de los '60, de hecho tiempo después, ese álbum y canción se convertirían en un documental con su nombre que realizaría la banda en 1979. Todo un éxito. 

La canción fue editada como sencillo en el Reino Unido, siendo esta versión mucho más común que la versión original del álbum. Además de aparecer en My Generation, el comienzo de la canción se puede escuchar en Quadrophenia, y al final de la canción Helpless Dancer.

La canción ha sido versionada por muchos artistas, entre ellos se destacan The Queers, Goldfinger, Eddie and the Hot Rods, The Pleasers, Dropkick Murphys, Hi-Standard, Green Day, Pearl Jam y Belle & Sebastian, con la que cerró su show en el Bowlie Weekender en 1999. Otras versiones y artistas que hacen referencia a The Kids Aren't Alright son de The Offspring, The Kids Are All Wrong de Lagwagon y The Kids de The Parlor Mob.

Curiosidad: En las actuales presentaciones en vivo The Who añade una sección extra en el final de la canción, generalmente con letra improvisada. Tras la muerte de John Entwistle, la letra adicional en ocasiones, hace referencia a él y de su amor por el vino tinto, que más tarde inspiraría la canción Old Red Wine, un homenaje hacia el mítico bajista del grupo.

Daniel 

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Rory Gallaguer - Photo Finish (Mes Rory Gallagher)

 

Photo Finish, Rory Gallagher

     Nos encontramos en 1977, año en el que Rory, aparte de su trabajo con Taste, lleva publicados 6 álbumes de estudio y 2 en directo en solitario. Sus dos últimos trabajos, Againts the Grain (1975) y Calling Card (1976) han sido publicados por el sello discográfico Chrysalis. Cuando Rory ficha por Chrysalis, realiza una interesante maniobra, renuncia a buena parte de las ganancias a cambio de tener el control total su música, de forma que él siempre decidirá de que forma, cómo y cuando. Aprovechando la creciente popularidad que va adquiriendo, el guitarrista se marcha a grabar a la ciudad de San Francisco, Estados Unidos, de la mano del consagrado productor Elliot Mazer, conocido por su trabajo con artistas de la talla de Linda Ronstadt, Neil Young, Bob Dylan, The Band y Janis Joplin entre otros.

Una vez finalizado un proceso de grabación durante el cual ya habían surgido no pocos problemas entre el guitarrista y Mazer, Rory muestra su disconformidad con el resultado final al productor, produciéndose una discusión entre ambos. Tanto  la compañía discográfica como Mazer quieren sacar ese trabajo adelante, pero Rory tiene un as en la manga y la utiliza, es él quien tiene la última palabra sobre su trabajo, por lo que decide coger esas grabaciones realizadas en San Francisco y las guarda en un cajón. Parte de esas grabaciones verán la luz en el año 2011, bajo el título Notes from San Francisco. Inmediatamente después de desechar dicho material, Rory sufre un accidente en el que se lastima un pulgar de su mano con la puerta de un taxi, por lo que tiene que guardar reposo para recuperarse. 

El hecho de haber desechado el trabajo, sumado al accidente del dedo, han hecho que el tiempo le apremie, y Chrysalis, el sello discográfico de Rory, presiona al guitarrista para que cumpla los plazos de entrega del disco que tienen firmado, pues apenas queda tiempo. Rory decide entonces prescindir del tecladista y el baterista que le acompañan en ese momento y con los que ha grabado en San Francisco, y decide fichar al baterista Ted McKenna. Rory regresa pues al formato de Power Trío que tanto le gusta, junto al citado baterista y su inseparable bajista Gerry Mcavoy.

Una vez realizados los cambios en la formación, decide marcharse junto con MacKenna y Mcavoy, y llevándose además al ingeniero de sonido irlandés Alan O'Duffy, a los estudios Dierks de Colonia, Alemania, para trabajar en dichos estudios,  propiedad del productor Dietr Dierks, quien ha trabajado en varios discos de Scorpions. La decisión resulta ser todo un acierto, el estudio está dotado de 24 pistas, está situado a escasos 13 kilómetros de la ciudad de Colonia, y tiene el ambiente ideal que necesita Rory para trabajar. El resultado no puede ser mejor, en un mes escaso, entre julio y agosto de 1978, y cumpliendo plazos con la discográfica, graba Photo Finish, otro gran trabajo donde el blues y el rock se entremezclan con brillantez para regalarnos un álbum poderoso y lleno de fuerza. El disco finalmente es publicado el 1 de octubre de 1978 bajo el sello discográfico Chrysalis.

Photo Finish quizá no tenga el renombre de sus míticos Tattoo o Calling Card, pero no tiene nada que envidiar a éstos. Abre la cara A de este brillante álbum Shin Kicker, un blues rock de alta velocidad que podría ser el himno de cualquier club motero que se precie. Le llega el turno a Brute, Force & Ignorance, un sublime blues donde el bajo de Gerry Mcavoy marca el ritmo y Rory marca la diferencia con su inseparable Fender. Cruise On Out, un tema con un ritmo rockabilly que me recuerdan a los mejores Lez Zeppelin. Rory buscaba sonar como las primeras grabaciones de Elvis Presley con Sun Records, y vaya si lo consigue. Cloak & Dagger, un medio tiempo donde la batería de MacKenna se encarga de marcar el tempo sobre el que Rory se lo curra con la guitarra y la armónica, uno de los temas más oscuros y pesados del álbum. Cierra esta primera cara Overnight Bag, para mí uno de sus mejores temas, ya no sólo de éste disco, también de su carrera. Un delicado y bello tema, una oda que hace referencia a su continua vida en la carretera. El sonido de las guitarras acústicas de fondo y la melodía de la guitarra eléctrica le dan al tema un toque nostálgico maravilloso.

El inicio de la cara B es para otro de los grandes momentos del disco, Shadow Play, tema que compuso Rory con una guitarra de 12 cuerdas mientras se encontraba en Irlanda, en la cama enfermo a causa de una gripe. Un tema que solía tocar en directo Rory, pues es precisamente ahí donde este tema gana muchos enteros, donde el guitarrista solía marcarse unos solos brutales alcanzando con los dedos el mismísimo cielo. The Mississippi Sheiks, disfrutaremos de un blues a la antigua usanza con la guitarra y la armónica como protagonistas. The Last of the Independents, un tema con puro sabor a Western. Se suele afirmar que este tema es de cierta forma autobiográfico, pero Rory siempre dijo que no, la canción surgió realmente cuando ya tenía el título, y a partir de ahí escribió la canción. Cuando lo tenía a medias se dio cuenta de que había leído una reseña sobre la película de 1973 Charley Varrick (también conocida como The Last ofIndependents y Kill Charley Varrick), dirigida por Don Siegel y protagonizada por Walter Matthaw. Aunque realmente la historia de la canción iba más encaminada a  la película de 1960 El Criminal, protagonizada por Stanley Baker, donde al igual que la canción, trata de un hombre que pasa en la cárcel por robo. A su salida de ésta, él es el único que sabe donde está escondido el dinero del robo y todo el mundo va tras él para conseguirlo. Quería conseguir una canción de gansgters con cierto aroma cómico y con un sonido rollo Bo Diddley. Cierra la cara B y por tanto el disco Fuel to the Fire, otro de los momentos álgidos del álbum, un bonito blues en clave de balada que contiene unos riffs y uno de esos solos de guitarra memorables de Rory que te transportan y te hacen flotar

En 1998 se publicó una re edición en CD que contiene dos temas adicionales, un auténtico trallazo de rock, Early Warning, y Jukebox Annie, un delicioso tema rollo honky-tonk donde Rory se ocupa de la voz, el dobro (guitarra resonadora), la armónica y la mandolina. 

0264 My Generation - The Who

My Generation fue un éxito inmediato en Reino Unido desde su lanzamiento como sencillo en octubre de 1965, alcanzando el número dos de las listas de éxitos. En Estados Unidos la respuesta fue algo más tibia (llegó al puesto 74), pero en casa el tema de The Who se convirtió casi al instante en un himno para toda una generación de adolescentes. El tema fue incluido también en el álbum debut de la banda (titulado My Generation en Reino Unido y The Who Sings My Generation en Estados Unidos), y sería una parte importante de las giras y del disco en directo de 1970 Live at Leeds, en el que aparece en una versión extendida hasta llegar a los... 15 minutos!

Pete Townshend escribió la letra durante un trayecto en tren, incluida la famosa frase de "Espero morir antes de envejecer" que se convirtió en el mantra de la generación del momento, y en una de las frases más características del rock​. Toda la letra es un manifiesto de rebeldía adolescente, y la música es además precursora de lo que después sería el punk rock y el hard rock, reforzada por los solos de guitarra de Townshend y la potente línea de bajo de John Entwistle, que se marca el que para muchos es el primer solo de bajo de la historia del rock.

Roger Daltrey dotó a la canción del tantas veces analizado tartamudeo con el que terminaba los versos, interpretado por muchos como una manera de reflejar el nerviosismo, enojo y frustración de esa generación a la que estaba poniendo voz, mientras otros apuntan a que sólo pretendía sonar como un típico adolescente mod que hablara bajo los efectos de las drogas. La BBC lo consideró ofensivo para las personas con tartamudez, y se negaron a pincharla inicialmente, pero acabaron dando su brazo a torcer cuando My Generation se convirtió en el tema del momento. De su relevancia dan fe tanto la inclusión en la lista de las 500 mejores canciones de todos los tiempos de la revista Rolling Stone, como las múltiples versiones que de ella han hecho artistas del nivel de Alice Cooper, Iron Maiden, o grupos de generaciones posteriores como Oasis o Green Day, que muchos años después también tenían claro de lo que estaban hablando. "Hablo de mi generación..."

Un país, un artista: Tunez - Emel Mathlouthi

 

Emel Mathlouthi nació el 11 de enero de 1982, comenzó a cantar y actuar a los 8 años en un suburbio de su ciudad natal, Túnez, su primera canción la escribió con 10 años, soñaba con convertirse en una estrella de la música y lucho por ello, en la medida posible investigo los distintos sonidos que poblaban el panorama musical de finales de los noventa, decidiendo que el rock seria su futuro, pero llegó a explorar los sonidos góticos. Pink Floyd, Bob Dylan, Joan Baez, tratando de descubrir su propio sonido, a pesar de que creció con los discos de música clásica, jazz o "negro espiritual" de su padre, decide encontrar su camino entre todas estas influencias. Formó su primera banda en la universidad de Túnez cuando tenía 19 años, unos años más tarde, conmovida por la voz y las ideas de Joan Baez, dejó la banda y comenzó a escribir canciones políticas, descubriendo su frustración por la falta de oportunidades y la apatía de sus compatriotas. En 2005, se le sugirió que se uniera al cantautor libanés Marcel Khalifé, con el que empieza a escribir sus textos ... en árabe, escribe textos comprometidos y aborda el tema de los derechos humanos en Túnez en un país censurado pero que no piensa menos. Monta su grupo y actúa en El Teatro, un lugar emblemático, fue entonces cuando ante los peligros y amenazas que sentía, decidió exiliarse, trasladándose a Paris y estudiando en el Studio Cité des Arts y gracias ello su voz y sus textos viajan por todo el mundo.

 

En enero de 2011, hay una revolución en las calles de Tunez tras la marcha de Ben Ali, es en ese momento cuando resuena la voz de Emel, desde París, ella participa de este momento histórico a través de un concierto especial "Nova escucha Túnez" en Radio Nova, apoyada por muchos tunecinos exiliados o en el país, se convierte en un símbolo de la Revolución, al que da un nuevo aliento, un nuevo aire e incluso una nueva era. Un año después, en enero de 2012, editó su primer disco Kelmti Horra ("mi palabra es gratis"), compuesto por 10 canciones escritas principalmente en árabe con frases en francés e inglés, las canciones están inspiradas en momentos clave de su vida y del mundo. El resultado fue un disco a la vez clásico y electro y la empiezan a denominar la "Björk Oriental", muchas veces debido a las percusiones estruendosas que acompañan a esta voz aterciopelada, el disco Kelmti Horra se convirtió en un himno durante la Primavera Árabe, le valió el título de "voz de las revoluciones tunecinas" y luego una invitación para actuar durante la ceremonia de entrega del Premio Nobel de la Paz en 2015.

 

El 24 de febrero de 2017 lanzó su segundo álbum ENSEN (Human) grabado en siete países de tres continentes junto a muchos productores, incluido Valgeir Sigurosson (Sigur Ros) un álbum plagado de música electrónica y acústica en un estilo que definitivamente hace suyo la crítica lo definió como "una fusión magníficamente ornamentada de ritmos imponentes y escalas menores árabes oscuras destacando un tono incendiario dirigido por la voz galvánica de Mathlouthi, que es a su vez vulnerable y fuerte. Ese mismo año En 2017 regresa a Túnez para dar su primer concierto allí en cinco años, encabezando el prestigioso Festival de Cartago. Ese verano también actuó en el Festival Beitaddine en el Líbano y en el festival SummerStage en Central Park, Nueva York.

 

En 2019, lanzó su primer álbum en inglés Everywhere We Looked Was Burning, donde da un giro ya que quería "escribir sobre la naturaleza, así como sobre la belleza y la lucha de estos tiempos”, para ello se inspiró en poetas estadounidenses como TS Eliot y John Ashbury. Al año siguiente y tras unas vacaciones en la casa de su infancia en Túnez en 2020, grabó un álbum doble The Tunis Diaries por su cuenta, con solo una guitarra acústica y su voz, el álbum se divide en dos partes "Día" y "Noche". El primer disco incluye canciones de Emel cantadas en parte en inglés y en tunecino más una canción inédita Holm que se ha visto más de 6,5 millones de veces en YouTube hasta septiembre de 2021, el segundo disco incluye varias versiones. de Leonard Cohen, David Bowie y Jeff Beckley.

 

Un artista muy recomendable, es imprescindible escuchar y sentir en nuestros poros la sensibilidad que trasmite Holm (A dream) escasa, inquietante, hermosa, melódica y serena…. y como no detenerse en la versión que hace de The man who sold the World de David Bowie.

0263 These Boots Are Made For Walkin' - Nancy Sinatra

 

These Boots Are Made For Walkin', Nancy Sinatra

     En diciembre de 1965 aparecía publicado por primera vez el tema These Boots Are Made For Walkin', uno de los grandes clásicos de la música americana, y que se encargaría de popularizar Nancy Sinatra. El tema fue grabado por Nancy en noviembre de 1965 en los Western Recorders de Hollywood, California, producido por Lee Hazlewood, y publicado como sencillo por el sello discográfico Reprise Records en diciembre de 1965.

El tema fue escrito por el cantante, compositor y productor estadounidense Lee Hazlewood con la intención de grabarla el mismo, pero fue la misma Nancy Sinatra la que le convenció de que no lo hiciera, pues la canción en voz de un hombre iba a sonar "dura y abusiva". Nancy consiguió convencer a Lee para que le dejara a ella, encargándose de hacerlo con la ayuda del famoso grupo de músicos de sesión de Los Ángeles Wrecking Crew. La canción, con toques de pop, country y rock & roll,  supuso un auténtico pelotazo, consiguiendo el primer puesto en el Billboard Hot 100 de Estados Unidos, y también en el Uk Singles Chart del Reino Unido.

La canción fue incluida en el álbum debut de estudio de Nancy Sinatra, Boots, publicado en marzo de 1966 bajo el sello Reprise Records. El disco alcanzó un notable éxito también, consiguiendo un meritorio quinto puesto en la famosa lista estadounidense Billboard Hot 100. Cabe destacar que la compañía discográfica Reprise Records, donde Nancy estaba en aquellos momentos, era la misma donde se encontraba su padre, Frank Sinatra. Pues Bien, Reprise Records planeaba dejarla, pues sus primeros sencillos habían sido un fracaso, pero todo cambió cuando se cruzó en su camino Lee Hazlewood. Tal es el alcance y dimensión de este tema, que ha sido versionado en innumerables ocasiones por artistas tan dispares como Megadeth, Madonna, Billy Ray Cirus, Haley Reinhart y Jessica Simpson entre otros. 

0262: Till the end of the day - The Kinks

 

Aunque su álbum debut homónimo de octubre de 1964 contiene el inmortal You Really Got Me y el dulce Stop Your Sobbing, Kinda Kontroversy es realmente un paso adelante firme y brillante de The Kinks, aunque aun lejos de lo que nos podía ofrecer. El importante paso realizado por el cuarteto del norte de Londres en solo cinco meses se muestra en el nuevo dominio de las composiciones originales. Mientras que ese debut estuvo lleno de versiones, con la excepción de Naggin 'Woman y Dancing in the Street, este álbum está escrito por el líder de la banda Ray Davies, The Kink Kontroversy  continúa la evolución de The Kinks de un grupo genérico de blues / skiffle / Mersey de Brit-Invasion a una banda creativa única… pero no del todo, todavía hay ecos de su pasado "genérico" que acechan a este álbum, pero al mismo tiempo hay suficiente espíritu creativo de Ray Davies para marcar el álbum como un punto de inflexión significativo.

The Kinks iba en aumento, con una serie de éxitos que comenzaban con " You Really Got Me"en 1964. La banda no pudo disfrutarlo sin embargo, porque se vieron presionados a entrar en un ciclo riguroso de giras, grabaciones y promociones que ejercieron una enorme presión sobre el grupo. Davies estaba casado y apenas podía disfrutar de los beneficios de su estrellato; en mayo de 1965 tuvo su primer hijo, una hija llamada Louisa. Con las tensiones de la paternidad ahora también sobre él, se hundió en una depresión, pero aún se esperaba que escribiera algunos éxitos. Después de unos días de descanso, regresó a trabajo decidido a hacer que todos pensaran que estaba bien, así que escribió esta canción alegre, que luego explicó que era una mentira total. Con “Till the end of the day” vuelven los Kinks “cañeros” es simplemente rock, un duro "garage" en la misma línea que "You Really Got Me" y "All Day and All of The Night", pero es que esta canción tiene un gran uso de fuertes acordes, un estribillo pegadizo, uno de los mejores mejor solo de guitarra de la carrera del grupo, Ray suena débil en esta canción, pero realmente no afecta la canción es casi perfecto, solo escucha el final de la pista cuando la banda acelera, es material de genios.

0261 Drive My Car - The Beatles

 

Drive My Car, The Beatles

     El 3 de diciembre de 1965 aparece publicado, bajo el sello discográfico Parlophone, Rouber Soul. Dicho álbum, el sexto del grupo británico, es grabado entre junio y noviembre de 1965 en los EMI Studios de Londres. Incluido en el álbum se encuentra el tema Drive My Car, tema en el que nos vamos a centrar en esta ocasión.

La canción está acreditada, como siempre en aquella época, al dúo Lennon-McCartney, encargándose Lennon de la parte vocal, McCartney de las voces, el bajo y el piano, Harrison de la guitarra y las armonías vocales, y Starr de la batería, el cencerro y la pandereta. En un principio, el tema fue escrito por McCarteny, y comenzó siendo lo que ellos llamaban una canción comedia, la cual trataba sobre una prostituta, con un estribillo  que comenzaba diciendo: "No puedes comprarme anillos de diamantes". 

El problema surge cuando Lennon veta la letra, pues según él, ya habían utilizado este cliché en dos temas anteriores. Por lo que finalmente Lennon se sentó con McCarteny para reescribir la letra, quedando ésta en una divertida letra sobre una chica que quieres ser una estrella, dándo al tema un doble sentido con un significado erótico. La canción nos habla de un chico que conoce a una chica a la que dice que puede conducir su coche. La chica, aspirante a actriz, se siente atraída por él. La chica finalmente acepta pero admite al chico que no tiene coche. Aún así ella sigue queriendo que él sea su "Conductor". De ahí el doble sentido, pues toda la charla podría estar hablando de sexo.

En la sesión de grabación McCarteny llegó al estudio con un arreglo en mente, pero Harrison había estado escuchando el tema Respect de Otis Redding, y viendo que podría cuadrar con lo que McCartney traía, sugirió un riff similar, doblando el bajo y la guitarra con las cuerdas muy graves. Así surgió Drive My Car, un tema que contenía más graves que cualquiera de las anteriores grabaciones que el grupo había hecho.

0260.- Michelle - The Beatles

La historia de Michelle, esa bella canción que a todos nos ha sumergido en alguna ocasión en la melancolía, empezo como una parodia de Paul a ciertas canciones francesas que escuchaba en muchas fiestas. Cuando finalmente le puso letra, animado por John, decidió que debía llevar algo de verdadero francés…. Arrancamos, el inicio de la creación del tema comenzó cuando Lennon acudía a la escuela de arte y cultura en Francia, una escuela de lo más cool y con frecuencia en dicha escuela de arte solían organizarse una serie de fiestas a las que asistía Lennon, quien a su vez invitaba a McCartney. En tales reuniones Paul se hacía pasar por francés y para llamar la atención tocaba un tema instrumental al que añadía una que otra palabra conocida por él (a veces hasta inventada) del lenguaje del amor. La canción era una de las más antiguas de McCartney, ya que la compuso alrededor de 1959, con su primera guitarra, una Zenith.

Unos años después, cuando The Beatles se encontraba trabajando en el álbum Rubber Soul, John recordó aquella canción que Paul tocaba en las fiestas francesas y le sugirió convertirlo en algo real, sin embargo habia un gran problema, los Beatles no podían publicar una canción con falso francés y Paul tampoco queria aprender un nuevo idioma solo para la canción, fue así como pidieron ayuda a su amigo Ivan Vaughan, cuya esposa era maestra de francés para que les ayudará con una frase que rimara bien con “Michelle, ma belle”. El resultado de esa combinación fue que a la frase se le añadió “Sont des mots qui vont tres bien ensemble”, que en el idioma de Shakespeare significa y se canta como: “These are words that go together well”, ella le explico cómo pronunciarlo, así que eso fue todo…. años mas tarde le enviaría un cheque, ya que la consideraba prácticamente una co-escritora de la canción.

Broma aparte lo que encontramos en "Michelle" es exactamente el tipo de pop sofisticado que incluso aquellos que odian esa música se riende a sus pies y es una muestra mas de la banda de la capacidad que tenian para asumir cualquier tipo de material más avanzado, si te quedas en la superficie, "Michelle" es el tipo de canción pop elegante con un toque de exotismo (la progresión de acordes en clave menor vagamente europea; los fragmentos de letras francesas) que podría acompañar y meter en el saco de temas como "The Girl from Ipanema" sin embargo, los Beatles le dan a "Michelle" un sentido del humor brillante ("sont les mots qui vont tres bien ensemble") 

Disco de la semana 242: Black Merda - Black Merda

 

Black Merda

     Para la recomendación de esta semana nos vamos a la ciuad de Detroit, allí surge Black Merda, una banda que a pesar de su gran calidad se vió lastrada por una pésima promoción en los dos álbumes que llegaron a publicar a comienzos de los años 70. No Obstante, con el tiempo Black Merda se ha convertido en todo un referente de culto dentro del funk psicodélico y soul psicodélico. El reconocimiento de la banda llegaría más de treinta años después, en 2005, con el lanzamiento del recopilatorio The Folks from Mother' Mixer, que recopila sus dos álbumes originales.

Hay que remontarse a la década de los 50, cuando Anthony Hawkins (guitarra y voz) y VC Lamont Veasey (Bajo y voz) se conocen en la escuela primaria. Por otro lado Hawkins y Tyrone Hite (batería y voz) se conocen a principios de la década de los 60 en la escuela secundaria. Posteriormente, durante los siguientes años los tres comienzan a trabajar como músicos de sesión y respaldo en la escena de la música de Detroit. Anthony Hawkins y VC trabajaban con frecuencia para compañías como Fortune Records Y Golden World Studios, y también para el compositor, guitarrista y productor Ron Davis, muy conocido en la escena de Detroit. Hite trabaja en sesiones de grabación como cantante antes de centrarse en la batería.

Hawkins, Veasey y Hite forman el grupo The Impacts, que posteriormente pasaría a llamarse Soul Agents. Durante esta época respaldan a multitud de artistas, sobre todo asociados a los sellos Motown Records y Brunswick Records, entre los que se encuentram Edwin Starr, Gene Chandler, Wilson Pickett, The Spinners, The Artistics, Biilly Butler, The Chi-Lites, Joe Tex, Jackie Wilson, y The Temptations entre otros muchos. El grupo suele tocar respaldado por una sección de tompetas compuesta Victor Stubblefield y Gus Hawkins.

A finales de los años 60 el trío comienza a alejarse del clásico sonido estándar de R&B, y comienzan a experimentar con sonidos procedentes del hard rock y el blues rock, influenciados por grupos como Cream, The Who, Led zeppelin, y sobre todos por Jimi Hendrix. Veasey se había enterado en 1966 de la existencia de Hendrix a través de un periódico local de Seattle, y presenta a Hawkins y Hite el álbum Are You Experienced. El grupo se inspira en el trabajo del guitarrista de Seattle para renovar su sonido y funcionar como un power trío. En 1967, y con el nombre de Soul Agents todavía, graban la que se cree es la primera versión registrada de la canción Foxy Lady, la cual se ha convertido a día de hoy en una codiciada y rara pieza de colección. Al trío se acaba uniendo el hermano menor de Anthony Hawkins, Charles Hawkins, como segunda guitarra, para dar más consistencia y consolidar el sonido del grupo. El grupo empieza a desarrollar un sonido basado en el soul y el funk, y lo endurecen con sonidos blues rock y hard rock, introduciendo además letras con fuerte carga de conciencia social. 

El cuarteto, que ya experimenta con su nuevo sonido e identidad, continúa trabajando con Edwin Starr bajo el nombre Soul Agents, con quien lleva trabajando asíduamente desde mediados de los 60. Pero en 1968 deciden que el cambio sea total, cambiando de nombre y siendo una banda de rock completamente autónoma e indepediente. Después de considerar varias alternativas, el grupo se decanta por Black Murder como nombre, el cual que hacía referencia a la violencia desenfrenada que experimentaban en el centro de la ciudad de Detroit muchos afroamericanos en aquella época. Veasey quería un nombre que impactara y reflejara y recordara el hecho de que muchos jóvenes negros estaban siendo aeesinados en aquel momento por la policía y el Ku Klux Klan en el sur y en Detroit. Más tarde el nombre se cambia a Black Merda. Merda hacía referencia en jerga afroamericana a la palabra Murder (asesinato). Además de su habituales claboraciones con Edwin Starr, el grupo colabora con Fugi en su canción de funk psicodélica Mary Don't Take Me on No Bad Trip, lanzada en 1968 bajo el sello discográfico Chess Records, y durante 1969 respaladan a The Temptations. La colaboración con Fugi no sólo se limitó a ese único tema, se había grabado un álbum completo de canciones, que serían lanzado finalmente en 2005 y titulado Mary Don't Take Me on No Bad Trip. Es Fugi quien además presenta al grupo a Marshall Chess, hijo del cofundador del sello Chess Recods, quien estaba interesado en trabajar con sonidos más experimentales dentro del rock. Gracias a esa recomendación Black Merda firma con Chess records. 

El grupo ya empieza a hacerse un hueco y posicionarse como líderes del movimiento del funk y soul psicodélico junto a artistas como Funkadelic, Betty Davis o The Bar-Kays, y en 1970, bajo el sello Chess records, el grupo graba en California y debuta con su primer álbum de estudio, titulado Black Merda, el álbum recomendado por 7dias7notas esta semana. El disco es una explosión de sonidos donde se entremezclan rock, blues, soul y funk endurecidos por el excelente sonido de guitarras de los hermanos Anthony y Charles Hawkins. Dentro de este excelente disco, por destacar, encontraremos buenos momentos a modo de jam session de blues en los temas Over and Over y Windsong, y momentos con un contundente sonido rockero mezclado con R&B y aderezado con tintes psicodélicos en Cynthy-Ruth y Prophet, las dos auténticas joyas de éste disco. Al excelente sonido del álbum hay que sumar unas letras donde reflejan la amarga realidad de la vida misma, la pobreza extrema, el racismo, la desigualdad política y social, la guerra de Vietnam, la situación de una nación fuera de control. Lástima que este discazo sufriera una pésima gestión y falta de promoción por parte de Chess Records, que se encontraba en un proceso de cambios internos. Esto hace que el álbum pase inadvertido y la banda decida volver a Detroit sin Tyrone Hite, donde graban su segundo álbum de estudio, Long Burn the Fire. Otra pésima mala promoción y escaso interés por el disco hace que que el grupo se separe y sus componentes vuelvan a trabajar como músicos de sesión. 

Black Merda es el álbum debut y homónimo de estos chicos de Detroit, que nos regalan una explosión de sonidos de rock, blues, soul y funk, endurecidos con una potentes guitarras y aderezados con un toque psicodélico. curiosamente habría que esperar al año 2005 para que la banda tuviera parte del reconocimiento que merece, gracias a la reunión de los componentes sin el fallecido Tyrone Hite, a la edición del recopilatorio The Folks from Mother's Mixer, que recopila sus dos únicos álbumes grabdos con anterioridad, y a la aparición del documental del canal HBO The Nines Live On Barry, emitido en 2009, y donde aparecía el tema de su primer disco Cynthy-Ruth.