jueves, 30 de abril de 2020

Canciones que nos emocionan: Free Your Mind And Your Ass Will follow, Funkadelic

Free Your Mind, Funkadelic

 

     A finales de la década de los 60, y depués de los problemas contractuales de George Clinton con la discográfica Revilot con su grupo The Parliaments, éste formaba las bandas hermanadas Parliament y Funkadelic. Y va a ser en Funkadelic en la que me voy a centrar en esta ocasión, pues Clinton lo que hizo con Funkadelic fue apartarse del R&B tradicional que venía haciendo en la década de los años 60 con The Parliaments y girar sonidos funk, funk rock, rock psicodélico, soul psicodélico y el llamado P-funk.

     En febrero de 1970 veía la luz el primer álbum de estudio de Funkadelic, de título también Funkadelic. Un álbum con un sonido que se movía entre la psicodelia y el acid rock, y que no era sino una evolución del funk de finales de los 60 hacia un funk más evolucionado con una buena dosis de mezcla de psicodelia.

     La actividad de George Clinton con sus dos bandas, Parliament y Funkadelic es frenética, pues en julio de ese mismo año, 1970, publica el segundo álbum de estudio de Funkadelic, Free Your Mind......And your Ass Will Follow (Libera tu mente.....y tu trasero le seguirá). Un álbum donde el grupo se sigue moviendo entre los sonidos clásicos de funk y el funk psicodélico. Clinton aborda en este álbum la temática de la salvación, pero desde un enfoque místico, donde el reino de los cielos está dentro de uno mismo y se puede lograr liberando tu mente.

     Para la grabación de éste segundo álbum, el grupo está compuesto por George Clinton (voz principal), Ray Davis (vocalista), Fuzzy Haskins (Vocalista), Calvin Simon (vocalista), Grady Thomas (vocalista), Eddie Hazel (guitarra y voz), Tawl Ross (guitarra y voz), Bernie Worrell (órgano hammond, piano y órgano vox), Billy Nelson (bajo y voz) y Tiki Fulwood (batería).

     Incluido en el álbum encontramos el tema que da título al mismo, Free Your Mind....And Your Ass Will Follow, otro de esos temas que a mí tanto me emocionan, compuesto por George Clinton, Eddie Hazel y Ray Davis ( que también era bajista en la banda hermanda Parliament). Tema que gira entorno al funk psicodélico, y que según George Clinton aborda la temática de buscar la iluminación que hay dentro de uno mismo. George Clinton puso el título al tema, pero se da la circunstancia de que no se acordaba de haberle puesto tal título, pues cuando lo hizo estab puesto hasta arriba de ácido, y cuando lo soltó pareció gustarle a todos los presentes de la banda. Un tema donde las voces son compartidas entre George Clinton y Ray Davis, y donde Eddie Hazel hace un trabajo espectacular a la guitarra.

Free your mind and your ass will follow

The kingdom of heaven is within
Open up your funky mind and you can fly

Free your mind and your ass will follow

The kingdom of heaven is within
Freedom is free of the need to be free
Free your mind and your ass will follow

The kingdom of heaven is within
Yeah
Free your mind and your ass will follow (your ass will follow)

The kingdom of heaven is within

Whoa!

Free your mind (will you free your mind?)

And your ass will follow (and your ass will follow)

I have never, never never
Never in my life
Have this given to me
Free your mind and your ass will follow

?

Not like you

You are as free as you want to be (your ass will follow)
Well, I discovered that this life that was getting' to me

Is not really mine (Free your mind and your ass will follow)

If it were mine, I would have fun all of the time

I'm very disgruntled now

Now, I want a way out, now

I have to find a way
I have to find some way out
Free your mind and your ass will follow
Give it up, give it up (free your mind and your ass will follow)

Give it up and give it to me, baby
I'm calling you love

Love

?from my heart
Free your mind and your ass will follow
Wowww!

?
Free your mind and your ass will follow

The kingdom of heaven is within

Free your mind and your ass will follow
Get it on!

Free your mind and your ass will follow

The kingdom of heaven is within

Free your mind and your ass will follow

The kingdom of heaven is within
The kingdom of heaven is within (free your mind!)

The kingdom of heaven is within (free your mind)

The kingdom of heaven is within
The kingdom of heaven is within (are you satisfied?)
The kingdom of heaven is within

(I want to know! Free your mind and your ass will follow)

The kingdom of heaven is within (I Really care)

The kingdom of heaven is within
The kingdom of heaven is within

I'm so confused about it all

I'm so confused about the whole thing

I don't understand

I don't understand nothing

I don't know what I feel
I can't feel me, I can't live me, I can't be me
My mind, it does not belong to me
I'm so confused
I can't hear myself
I can't hear myself calling for help
I can't free my mind
So my ass can't follow
Someone help me
I got to get help
Here's my arm
Help me escape
I don't want to
I can't free my mind
No, no, no
They won't free me
I can't run
I can't get out
I can't free my mind
I'm so mixed up
So mixed up
What time is it?
Resurrection, free of charge

I can't hear me

Free your mind and your ass will follow

I can't

Free your mind and your ass will follow

The kingdom of heaven is within
Free your mind and your ass will follow

miércoles, 29 de abril de 2020

Soda Stereo una historia de música



Soda Stereo una historia de música

Creo que las bandas tienen que ser homenajeadas, y más esas bandas que son recuerdo de nuestra infancia y adolescencia, y por eso nos volvemos fans, acaso un fans no es ni más ni menos lo que dice la real academia española “Admirador o seguidor de alguien”, y eso soy yo, en primera persona, un fans incansable de una banda que me recuerda todo lo bueno y maravilloso de una época de mi vida, por ello este mes de abril cuando me propusieron dedicarlos a Soda Stereo, no he dudado ni un instante, y he dicho que si, que valía la pena contar su  historia.

Y creo que lo hemos hecho bien, quizás los fans más ortodoxos encontraran errores u omisiones en mis relatos, pero en esta ocasión no es más que mi historia, y como dueño de la historia, dejare que me juzguen solo por lo que ataña a los datos, ya sean fechas, nombres, pero no me juzgaran por los sentimientos o recuerdos que significan para mi Soda Stereo, así que solo diré que el haberlos conocido valió la pena, y para quien no los conoció, aquí tienen su historia.

Soda Stereo nació en 1982 como un grupo heredero directo del new wave, impulsado por bandas como The Police y televisión. En sus comienzos combinaba la energía del punk-rock con las melodías del reggae y el ska, aunque su música se fue tornando cada vez más pop con el correr de los discos.

No fue casualidad que las primeras repercusiones obtenidas por Soda fueran, en 1983, año en el cual Charly García incorporó ritmos bailables, con su disco "Clics Modernos".

Por el año 1980 Gustavo Cerati se presentó en un cabaret de Parque Centenario con un grupo en el cual cantaban dos chicas inglesas, bautizado Sauvage. El repertorio incluía covers y canciones propias, más improvisadas que compuestas, generalmente bailables. Estudiante de publicidad, en la Universidad del Salvador, era compañero de Zeta Bosio, quien lo invitó a zapar con su propio grupo: The Morgan (en el que también estaba Andrés Calamaro en teclados).

Primero Cerati se integró a The Morgan y luego formaron, sucesivamente, el grupo Stress (junto a Charly Amato y el baterista Pablo Guadalupe) y Proyecto Erekto (junto a Andrés Calamaro), aunque no cubrieron sus expectativas de emprendimientos musicales.

A comienzos de 1982, Cerati y Bosio soñaban con armar un trío estilo The Police, pero les faltaba el baterista. Carlos Ficcichia llamó por teléfono a María Laura Cerati para invitarla a salir. Atendió su hermano: Gustavo. Entablaron una charla de compromiso y terminaron hablando del padre de Carlos, un famoso baterista de jazz: Tito Alberti (autor de grandes canciones del repertorio infantil). A la semana, Gustavo y Zeta visitaron la casa de Charly, para escucharlo tocar en la batería de su padre, en lo que fueron los comienzos de Soda Stereo.

Después de examinar algunas ocurrencias (Aerosol, Side Car) adoptaron el nombre de Los Estereotipos, debido a una canción de The Specials que les apasionaba a los tres y que utilizaron unos meses.

De esa primerísima época data un demo en donde grabó guitarras Richard Coleman que fue integrante oficial de la banda durante muy poco tiempo en aquellos días de 1982. Las canciones de aquel disco de presentación eran "¿Por qué no puedo ser del jet set?", "Dime Sebastián" y "Debo soñar" (de Ulises Butrón), acompañados por Daniel Melero en teclados y Butrón en guitarra.

Luego surgieron los nombres "Soda" y "Estéreo", dando como resultado el famoso Soda Stereo como denominación definitiva de esta banda que se quedó sin Coleman, ya que el mismo Richard reconoció que la banda sonaba mejor sin él.

En 1983 consiguieron cierta resonancia con varios demos presentados en Radio del Plata y en discotecas. Eran las primeras versiones de "Jet-Set" y "Vitaminas". Una noche a los Soda los llamaron de un pub para suplir a la banda Nylon, que no iba a poder tocar.
Así comenzó un período de constantes presentaciones que los condujeron al Bar Zero, lugar excluyente del under porteño, junto al Café Einstein. En el tercer show, un productor discográfico los escuchó y los llevó a grabar profesionalmente para CBS, hecho que finalmente no se concretó hasta mediados de 1984.

Ya por entonces Soda Stereo comenzó a trabajar muchísimo sobre su imagen. Alfredo Lois (amigo del grupo y compañero de estudios, considerado el cuarto soda) fue el encargado de las producciones visuales: editar un video-clip antes que un LP, algo totalmente atípico por aquella época. El tema elegido fue "Dietético", que realizaron con equipos "prestados" por Cablevisión, donde Lois trabajaba de camarógrafo.

"Soda Stereo" fue el primer disco y se editó en 1984. Contó con la producción de Federico Moura (Virus), quien se limitó a dar algunos consejos, ya que "todos los temas tenían los arreglos resueltos y pensados". Si bien el resutado fue un sonido más frío que el obtenido en vivo, los músicos quedaron muy conformes y, lo que fue más importante: consiguieron una gran recepción por parte de la prensa.

La grabación se realizó en los obsoletos estudios de CBS de Buenos Aires, y el trío (Cerati, Alberti, Bosio) fue acompañado por Daniel Melero en teclados (autor de "Trátame suavemente") y Gonzo Palacios en saxo, con la categoría de "músicos invitados", una práctica que adoptaron en lo sucesivo y que en algunos casos resultaron ser verdaderos miembros de la banda, denominados por los fans y los medios con el título de cuarto Soda.

La presentación oficial de este material fue en el teatro Astros, el 14 de diciembre de 1984. Para la ocasión, y eligiendo como motivación el tema "Sobredosis de TV", se colocaron 26 televisores prendidos y fuera de sintonía, sumado a una gran cantidad de máquinas de humo, que dieron un inusual y atrapante efecto visual.

Aunque el estreno del álbum se realizó el 1 de octubre y fue organizada, también, como si se tratara de un espectáculo (por la agencia Rodríguez Ares), algo que nunca se había hecho en la Argentina hasta ese momento. El lugar elegido fue un local céntrico de comida rápida de la cadena Pumper Nic (Suipacha entre Corrientes y Lavalle), la más popular entre los jóvenes argentinos de los '80s, y se proyectó el videoclip.

En octubre de ese año también tuvieron la posibilidad de presentarse ante el gran público de Vélez Sarsfield, en el Festival Rock & Pop, donde también estuvieron INXS, Nina Hagen, Charly García, Virus y Sumo, entre otros. Ya para aquel entonces se incorporaron como invitados estables Fabián Von Quintiero y Gonzalo Gonzo Palacios, en teclados y saxo, respectivamente.

Con el segundo disco "Nada Personal" (1985) Soda Stereo demostró que, sin abandonar los ritmos "bailables" podía lograr más profundidad en las letras y madurez en las melodías, hechos que se acentuaron en el trío con el paso del tiempo. Las encuestas lo dieron como el mejor disco del año y la presentación en Obras Sanitarias, de este material, fue unánimemente calificada como "sorprendente".

En 1986 los Soda salieron de gira por Latinoamérica y cosecharon un éxito inesperado. Pero en 1987, en una segunda gira por el continente, la repercusión fue aún mayor: 22 presentaciones en siete países y 17 ciudades diferentes, ante aproximadamente un total de 200mil espectadores, abriendo nuevos mercados hasta ese momento, inexplorados para los artistas nacionales.

En junio de 1986, luego de una gira nacional, el trío grabó su segundo videoclip con "Cuando pase el temblor", nuevamente bajo la dirección de Alfredo Lois, en las ruinas del Pucará de Tilcara (Jujuy). El video, que completó la filmación de la presentación en el estadio Obras, fue nominado como finalista del 12° World Festival of Video and TV, en Acapulco, unos años después.

"Signos" (1986) fue un paso clave en la banda. Sin repetir fórmulas exitosas, este trabajo fue mucho más directo que los anteriores. Al trío se le sumaron Von Quintiero en teclados, Richard Coleman en guitarra y Gonzo liderando una sección de vientos.

"Signos" fue el primer disco del rock nacional en editarse en formato de compact disc. Fue fabricado en Holanda y distribuido en toda Latinoamérica, aunque recién salió a la venta en 1988.

Ya dentro de la gira "Signos", el 3 de diciembre hicieron su primera presentación en Ecuador y el 9 y 10 de enero de 1987 en Uruguay (Punta del Este y Montevideo). Los días 11 y 12 de febrero de 1987, Soda Stereo volvió a presentarse en Chile, en la edición número 28 del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, donde ganaron el premio Antorcha de Plata.

El Festival de Viña, transmitido por televisión a muchos países latinoamericanos, expandió la fama de la banda por todo el continente, que no tardó en transformarse en una masiva adhesión incondicional que dio en llamarse Sodamanía.

Dos meses después, el 23 de abril, batió récords de público en un recital de rock en Paraguay con su presentación en el Yacht Club. Mientras tanto, "Signos" fue disco de platino en Argentina, triple disco de platino en Perú y doble platino en Chile.

El 2 de mayo de 1987 se presentaron en la discoteca Highland Road de San Nicolás (Buenos Aires), cuando sucedió un derrumbe en el que murieron cinco jóvenes y hubo más 100 heridos mientras estaban tocando "Persiana americana". Con una carga emocional muy fuerte tocaron en Obras el 8 y 9 de mayo para presentar "Signos" en Buenos Aires. Como expresión de duelo el grupo no utilizó la escenografía ni los juegos de iluminación que tenían preparados.

De todas esas giras, "Ruido blanco" fue parte del viejo concepto de pensar que Soda sonaba mejor en vivo que en estudios. Con material registrado a lo largo de toda la gira latinoamericana (sin el objetivo de publicarlo), se realizó la mezcla final de ocho temas en la isla de Barbados. Si bien se perdió un poco la calidad de sonido de los discos anteriores, fue indudable que este trabajo ganó en la frescura, espontaneidad y potencia característica de los shows en vivo.

El retorno al disco de estudio fue con "Doble vida" (1988), primer álbum grabado íntegramente fuera del país. La producción estuvo a cargo de Carlos Alomar (quien trabajó con Mick Jagger, Paul McCartney y David Bowie, entre otros). Logró un sonido más tecnificado del trío y sobresalieron dos hits: "Lo que sangra (La cúpula)" y "En la ciudad de la furia" (originalmente, ése iba a ser el título de la placa).

A más de doce meses del último recital en la Capital Federal, Soda presentó "Doble vida" en la cancha de hockey de Obras Sanitarias, ante 25 mil personas. Para coronar un gran año, cerraron el Festival por la Democracia que se realizó en Avenida del Libertador y 9 de Julio (Buenos Aires) ante 150 mil personas junto a Luis Alberto Spinetta, Fito Páez, Los Ratones Paranoicos, Man Ray y otros artistas.

A fines de 1989 grabaron una nueva versión de "Languis" (canción incluida en "Doble vida") y una canción estreno llamada "Mundo de quimeras". Ambos fueron editados en el maxi-simple "Languis" (1989) junto a versiones remixadas de "En el borde" y "Lo que sangra (La cúpula)".

Luego de editado el disco, Soda realizó dos presentaciones con entradas agotadas en The Palace de Los Ángeles, convirtiéndose en la segunda banda de rock en español en presentar un espectáculo en Estados Unidos con entradas agotadas. Fue el 8 de diciembre de 1989, solo tres meses después de que el también argentino Miguel Mateos hiciera lo propio el 7 de septiembre de aquél año.

A principios de 1990 la banda se presentó en el estadio José Amalfitani (Vélez), compartiendo cartel, en igualdad de condiciones, junto al dúo inglés Tears For Fears en un show ante 32 mil personas. En dicho concierto contaron con la presencia de David Lebón, ex guitarrista de Pescado Rabioso y Seru Giran, que los acompañó en guitarra en el tema "Terapia de amor intensiva".

El éxito continental llevó a la cadena europea MTV News a prestar atención a lo que estaba sucediendo en América Latina con el rock en español, dedicándole un programa especial al grupo, hecho sin antecedentes para un grupo de rock de habla no inglesa.

En junio, Soda Stereo viajó a Estados Unidos para registrar una nueva placa en los Estudios Criteria de Miami. Para ello contaron con el aporte conceptual de Daniel Melero y la participación de Andrea Álvarez y Tweety González, siempre en calidad de invitados.

El resultado fue el álbum "Canción animal" (1990), considerado generalizadamente como uno de los mejores de la historia del rock latino. Allí se editó la canción más popular: "De música ligera", además de otros clásicos de la banda como "Canción animal", "Un millón de años luz", "(En) El séptimo día" y "Té para tres".

Aquel nuevo álbum significó para la banda el acceso al público español, que se plasmó en mayo de 1992 con presentaciones en las ciudades de Madrid, Oviedo, Sevilla, Valencia y Barcelona. Era la culminación de un enorme tour por el interior y Latinoamérica, en presentación del disco "Canción animal". Pero en materia de público, el máximo registrado en una sola presentación fue el 14 de diciembre de 1991, con 250 mil personas en la 9 de Julio, en el show gratuito "Mi Buenos Aires Querido".

Ese año también habían batido el record de 14 funciones agotadas en el teatro Gran Rex. Tras ese furor sobrevino un período de dispersión. Se editó "Rex mix" (1991) que fue un trabajo en vivo, con material registrado en los shows del año anterior y retoques de estudio.

En noviembre de 1992 los Soda fueron protagonistas de un hecho inédito en la Argentina: la transmisión de TV en estéreo con la presentación del "Dynamo" (1992) que los tres músicos, más Tweety González (teclados) y Flavio Etcheto (trompeta), tocaron casi todo el álbum en el programa "Fax", de Nicolás Repetto y por Canal 13. Con una puesta de luces y un sonido impecables, Cerati cantó sobre pistas previamente grabadas de las canciones (procedimiento conocido como "playback") y reforzaron en vivo guitarras, bajo y batería.

En diciembre llegaron los ocho shows en el estadio Obras, también destacados por la puesta en escena. "Dynamo" no vendió como se esperaba, porque en aquellos días, el grupo cambió de compañía discográfica: Sony no tenía intenciones de apoyar un grupo que emigraba y BMG no podía incentivar un producto de otra empresa.

El '94 fue el peor año de Soda: por decisión unánime, tomaron distancia del mito y evaluaron la posibilidad de separarse definitivamente. Cerati ya había encarado proyectos solistas ("Colores santos", con Melero, y "Amor amarillo"), Zeta se dedicó a la producción de otras bandas (Peligrosos Gorriones, Aguirre) y Charly desapareció de la música para incorporarse al jet-set de las revistas.

Luego de tres años de silencio discográfico (se editaron dos recopilaciones en 1994: "Zona de promesas", álbum de remixes, y "20 grandes éxitos"), el trío volvió con "Sueño Stereo" (1995).
Los recitales de agosto demostraron que mantenían la vigencia de años anteriores, razón por la cual fueron invitados a participar del 113º aniversario de la Ciudad de La Plata, en noviembre, ocasión para la cual reunieron 200 mil personas en la Plaza Moreno, con Julio y Marcelo Moura (exVirus) como invitados.

A mediados de 1996 fueron invitados por la cadena MTV para sus famosas sesiones unplugged (desenchufadas) en Miami. Luego de rechazar la invitación varias veces, Soda Stereo logró que la cadena aceptara su propuesta de tocar con sus instrumentos eléctricos y enchufados, aunque reorquestando y modificando las versiones clásicas para hacerlas más lentas y musicalmente más complejas,

Esta presentación fue registrada parcialmente en la placa "Confort y música para volar" (1996) y de manera completa en una nueva versión del álbum editado en 2007. El álbum incluyó además cuatro temas nuevos que habían quedado fuera de "Sueño Stereo" y un track interactivo con historietas e imágenes en video de la presentación en MTV.

Un largo silencio antecedió a la despedida final. Gustavo Cerati participó en un álbum tributo a Queen pero, finalmente, Soda Stereo anunció su disolución a mediados de 1997.

La banda encaró la última gira, que pasó por México, Venezuela y Chile, antes de cerrar en dos shows en el estadio de River Plate, en septiembre. Durante el tour se grabaron versiones en vivo, que serían editadas en dos discos separados, bajo el nombre de "El último concierto A" y "B".

En diez años de separación, varias fueron las oportunidades en las cuales se rumoreó un reencuentro. Sin embargo, sólo se concretó para finales de 2007: la banda anunció cinco shows en River Plate y luego una gira por las principales capitales de Latinoamérica, pero aclararon que en 2008 cada uno continuaría con sus proyectos independientes: Gustavo con su carrera solista, Zeta al mando de su empresa Alerta Discos y Charly con Mole, su proyecto musical.

A pesar de los constantes rumores de reunión, los cuales irónicamente comenzaron al poco tiempo de la separación, pocas noticias hubo sobre Soda, salvo un especial para TV de "El último concierto", producido por la cadena HBO, y un documental llamado "Soda Stereo: La leyenda", producido por MTV. Finalmente en el año 2002 se volvió a ver al trío reunido en los premios MTV Latinoamérica para recibir el premio Legend por su trayectoria musical.

A siete años de la separación fue muy raro el hecho que no existiesen lanzamientos oficiales, por lo que a finales del 2003 se anunció que Sony Music editaba el primer DVD de Soda Stereo, que contenía mucho material inédito, proporcionado por Gustavo, Zeta y Charly, además de personas muy allegadas a la banda. Estaba claro desde un principio que la producción fue por parte de Sony y la productora Cuatro Cabezas (con Mario Pergolini al frente).

El resultado salió a la calle en noviembre de 2004 y fue titulado "Soda Stereo: Una parte de la Euforia (1983-1997)". Un documental que resumió la historia de la banda a través de escenas de conciertos, backstage, entrevistas, ensayos, pruebas de sonido, presentaciones en TV, etc. No obstante dicho DVD sólo contenía la historia de Soda en Sony/CBS, excluyendo la etapa en BMG, correspondiente a "Sueño Stereo" y "Confort y música para volar" (de 1994 a 1996), lo que lo hacía un documento incompleto.

El 20 de septiembre de 2005 se editó en Argentina un DVD sobre el concierto final que dio Soda Stereo exactamente ocho años antes en el Estadio de River Plate, con el título de “El último concierto (En vivo)”. El DVD, a diferencia del especial que produjo HBO, estaba centrado en el concierto de Buenos Aires en audio 5.1 e incluía dos temas que habían quedado afuera anteriormente: "Juegos de seducción" y "Sobredosis de TV".

Además, incluyó una opción multi-cámara para una sesión de ensayo de "Primavera 0" y un documental de 25 minutos de la gira de despedida con imágenes de los conciertos y pruebas de sonido de México, Venezuela, y Argentina. También traía una entrevista al desaparecido cuarto Soda Alfredo Lois, autor de ese trabajo, uno de los últimos que hiciera antes de fallecer.

En 2007, al cumplirse 10 años de su separación, la banda decidió reunirse por una vez con el fin de realizar una gran gira continental. El 6 de junio de 2007 se conoció la noticia y el 9 se oficializó: Soda Stereo volvería a los escenarios mediante una única gira americana llamada "Me verás volver" (frase emblemática del grupo tomada de "En la ciudad de la furia").

La grilla de concierto superó el millón de entradas vendidas a través de nueve países de América, realizando 23 conciertos en solo dos meses. En la última semana de agosto de 2008, Sony-BMG lanzó un nuevo álbum llamado "Me verás volver (Hits & +)", un trabajo con 18 reediciones de temas en que fueron remasterizados en 2007. El disco no contenía temas nuevos, pero incluía un código para acceder a contenidos exclusivos en su sitio web, entre ellos grabaciones de los temas ejecutados en la gira. El álbum alcanzó el primer puesto en ventas en Argentina y Chile. Y, por supuesto, luego de los shows, se editaron los CDs y DVD en vivo.

La historia de Soda se fue opacando en actualidad. En la madrugada del domingo 16 de mayo de 2010, Gustavo Cerati sufrió un ACV (accidente cerebrovasuclar), tras presentarse en un concierto en Caracas (Venezuela) cuya gira tuvo el mismo nombre que su último disco solista ("Fuerza natural").

#MesSodaStereo



Daniel
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lunes, 27 de abril de 2020

La música en historias: Rick Rubin

Rick Rubin


     En 7dias7notas dedicamos espacio a todas aquellas personas que sin ser músicos han contribuido a engrandecer el noble arte de la música. En esta ocasión vamos a dedicar este espacio a la figura de Rick Rubin.

     Fredercik Jay Rubin nace en 1963 en Long Beach, Nueva York (Estados Unidos), hijo de un mayorista de zapatos y de ama de casa. Ya de muy joven se interesa por las técnicas audiovisuales, haciéndose amigo Steve Freeman, que era director del departamento de audiovisuales de la escuela Long Beach High School, donde estudiaba Rick. Es Steve el que le da a Rick sus primeras lecciones de guitarra y composición. Rick empieza a tocar junto con amigos de la infancia, llegando a actuar en algunos espectáculos de garaje. Un profesor le ayuda a crear su primera banda, una banda de punk llamada The Pricks. Con su banda consigue su mayor éxito al ser expulsado del famoso club CBGB de Nueva York por pelearse con el público y tras haber tocado sólo dos canciones, aunque en realidad estaba todo preparado, pues el público eran amigos de la banda y así lo habían pactado para crear expectación.

   Durante su último año de escuela funda en su dormitorio su propio sello discográfico casero con una grabadora multipistas, Def jam, orientado principalmente al hip hop, el pop y la música urbana. Rick no para y forma también la banda Hose, influenciada en la banda Flipper, precursora del sludge metal (género del heavy metal que combina elementos del doom metal y punk hardcore). Con Hose Rick se mueve tocando por la escena punk de Nueva York, hasta que en 1986 la banda se disuelve. Rick, muy interesado por la escena hip hop de Nueva York, produce con su discográfica casera, y junto con su amigo DJ Jazzy Jay, su primer tema del género, It's Yours del rapero T La Rock.

     En 1984 DJ Jazzy presenta a Rick a Russell Simmons, promotor discográfico, de conciertos y gerente de artistas. Russell se une a Rick y fundan oficialmente el sello discorgáfico Def Jam. El primer disco lanzado por la discográfica es I Need A Beat de LL Cool J. Rick después trabajará con Public Enemy, y llevará a los Beastie Boys a moldear su sonido, pues venían de la escena punk, y los introduce en la escena del rap. En 1986 Rick también trabaja con Aerosmith y Run D.M.C. en la versión del tema de Aerosmith Walk This Way, tema que consiguió gran éxito al mezclar rap y hard tock. En 1987 produce Electric de la banda The Cult, disco que supone un punto de inflexión en la banda.

     En 1988, Rick, tras una pelea con el presidente de Def Jam, Lyor Cohen, se va a Los Ángeles y funda Def American Records. Con este nuevo sello discográfico Rick empieza a trabajar con bandas del rock, heavy metal y rock alternativo, y además sigue trabajando con con artistas de rap como Public Enemy, LL Cool J y Run D.M.C. entre otros. En 1993 cambiará el nombre de la discográfica y la llamará American Recordings.

     La carrera de Rick Rubin seguirá en ascenso, llegando a trabajar con lo más granado de la escena musical, como Red Hot Chili Peppers, produciéndoles 6 discos, entre los que se encuentran el magnífico Blood Sugar Sex Magik. Johnny Cash, Joe Strummer, Mick Jagger, Tom Petty, AC/DC, Donovan, Metallica, Black sabbath, Linkin Park, U 2, Green Day, Neil Diamond, Weezer, Jakob Dylan, Adele, ZZ Top, Slayer, System Of a Down, Rage Against The Machine, The Strokes, Limp Bizkit, Kanye West y Spliknot son sólo algunos de los artistas que han trabajado con el prolífico productor, el cuál se ha sabido mover como pez en el agua en estilos tan dispares como el rap y todos los derivados del rock.

domingo, 26 de abril de 2020

SEP7IMO DIA (No Descansare) - (Mes Soda Stereo)



SEP7IMO DIA
(No Descansare)

Como en la creación del mundo, Séptimo Día el álbum editado por Zeta Bosio, Charly Alberti y Adrian Taverna en 2017, tras la muerte de Gustavo Cerati, Soda Stereo saca un disco con temas remixes de la banda.

Séptimo Día, recorre la carrera discográfica de una de las mejores bandas de Rock de Argentina, por ello quería traerlo, y recomendarles qué si tienen la oportunidad de escuchar este fabuloso disco, no solo porque tiene versiones remixes de la banda, sino que logra combinar canciones en vivo de la banda, out-takes de estudio, fragmentos de las canciones originales y mash-ups, un dato curioso es que este disco utilizo el mismo trabajo que utilizaron The Beatles, que consiste en solapar trozos o piezas al unísono dentro de una misma mezcla, por ello esta producción es un hito para la banda, en poder editar nuevos temas propios usando elementos ya grabados en diversos formatos y a la vez en distintas décadas o momentos.


Pero este álbum, no solo muestra la historia de la música de una banda, sino que es también es parte de un espectáculo creado por la compañía circense Cirque du Solei, así que no solo este disco trae a los fans un recuerdo imborrable de sus canciones, sino que permitió poner en escena a 35 bailarines, saltimbanquis, acróbatas, cantantes y payasos, que le dará vida a cada una de las canciones del disco.

El espectáculo se celebro en el estadio Luna Park de la ciudad de Buenos Aires, donde alguna vez estuvieran grandes personalidades del que hacer deportivo y cultural, pero esta vez seria hora de un espectáculo inigualable dedicado a los fans de la banda.

El álbum está compuesto de 21 canciones de la banda, pero cada una de ellas permite descubrir algo muevo en aquellas viejas canciones.


Si recorremos cada una de las canciones encontraremos:

«En el Séptimo Día», tema original del álbum Canciones animal, con una mezcla del tema Zoom del disco Sueño Stereo.  
«Cae el Sol / Planta», también del disco Canción animal, y nuevamente la banda mezcla con un tema del disco Sueño Stereo.
«Picnic en el 4to B / Te Hacen Falta Vitaminas / Mi Novia Tiene Bíceps», la banda recuerda sus primeras canciones de los discos Doble Vida y su primer álbum Soda Stereo.
«Ella Usó, un Misil» (Instrumentación de «Ella Usó Mi Cabeza Como un Revólver», vocales de «Un Misil en Mi Placard»), nuevamente la banda hace uso de la historia de la banda trayendo temas de sus inicios y mezclando otros más nuevos.
«Prófugos» (Contiene elementos de la versión de estudio y varias versiones en vivo.)
«En Remolinos»
«Planeador» (Instrumentación de «Planeador», con vocales y elementos de «Disco Eterno»)
«Persiana Americana» (Contiene elementos de la versión de estudio y varias versiones en vivo.)
«Signos» (Contiene elementos de la versión de estudio y varias versiones en vivo.)
«Un Millón de Años Luz»
«Intro Luna Roja» (Contiene elementos de «Nuestra Fe»)
«Luna Roja»
«Crema de Estrellas»
«Cuando Pase el Temblor» (Contiene elementos de la versión de estudio y varias versiones en vivo.)
«Hombre al Agua» (Contiene elementos de la versión de estudio y varias versiones en vivo.)
«Sueles Dejarme Solo» (El solo de guitarra de la canción que lleva al siguiente tema.)
«En la Ciudad de la Furia» (Contiene elementos de la versión de estudio y varias versiones en vivo.)
«Efecto Doppler»
«Primavera 0» (Contiene elementos de «Secuencia Inicial», «Claroscuro», «Toma la Ruta», «Final Caja Negra» y «Ameba»)
«De Música Ligera» (Incluye elementos de «X-Playo»)
«Terapia de Amor Intensiva»


Lo dicho, el álbum Séptimo Día de Soda Stereo, es un álbum que logra un recorrido por muchos de los clásicos de la banda, y demuestra que la banda puede estar en su máximo estado, no solo por el gran trabajo de recopilación de las canciones, sino que mantiene viva la imagen de uno de los más grandes artistas del Rock Argentino, Gustavo Cerati el eterno cantante que donde quiera que este, junto a Zeta Bosio y Charly Alberti, han construido un universo de buenas canciones y esperamos que en su SEP7IMO DIA no descanse la música y siga sonando.

Daniel
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sábado, 25 de abril de 2020

Canciones que nos emocionan: Holy Diver, Dio

Dio


     En 1982, Ronnie James Dio, después de abandonar Black Sabbath decide formar su propia banda, Dio, y para ello ficha al baterista Vinny Appice, que había estado sustituyendo durante la gira de 1980 a Bill Ward en Black sabbath, a Jimmy Bain (bajo y teclados) y a un desconocido guitarrista norirlandes de veinte años llamado Vivian Campbell.

     Dio publica el 25 de mayo de 1983 su primer álbum de estudio, Holy Diver, un disco que alcanzó rápidamente una gran recepción por parte de la crítica y el público, conviriténdose además en disco de culto dentro del género heavy metal. El disco además conseguiría la certificación de disco de Oro en 1984 en Estados Unidos, llegando a conseguir la de Platinum en el mismo país en 1989. También lograría la certificación de disco de Plata en Gran Bretaña.

     La portada del álbum fue diseñada por Randy Berrett, y representa a la mascota de la banda, Murray, girando unas cadenas alrededor de las olas donde flota una persona que parece ser un sacerdote encadenado. Al respecto de la portada Ronnie James Dio comentaba que las apariencias pueden ser engañosas y que no había que juzgar un libro por su portada.

     Incluido en el álbum se encuetra otro de esos temas que a mí tanto me emocianan, Holy Diver, tema que además da título al disco. El tema fue compuesto por Ronnie James Dio, un tema que trata sobre la figura de Satanás y su descenso al infierno. Pero el tema esconde mucho más, pues según Ronnie el tema realmente trataba de la figura de una especie de Cristo que en un lugar que no es la Tierra hace lo mísmo que experimentamos aquí con Cristo, morir por los pecados del hombre. Una vez cumplida su misión su intención es ir a otro mundo a salvar a sus habitantes de la misma forma, sacrificándose por sus pecados, pero la gente no quiere que abandone su planeta, no quieren ser abandonados pues lo necesitan. Ronnie quería mostrar en este tema cuán egoísta es la humanidad.

     Este tema fue una forma de expresar la rebeldía de Ronnie contra la educación católica, y de como distorsianaba según él el mensaje de la religión, pues en lugar de enseñar con amor, las monjas y los curas golpeaban a los niños amenazándoles con ir al infierno si no se portaban bien.

Hmm hmm

Yeah, yeah
Holy diver

You've been down too long in the midnight sea

Oh what's becomin' of me

Ride the tiger
You can see his stripes but you know he's clean
Oh don't you see what I mean
Gotta get away, holy diver, yeah
Got shiny diamonds

Like the eyes of a cat in the black and blue

Something is coming for you, look out

Race for the morning
You can hide in the sun till you see the light
Oh we will pray it's all right
Gotta get away, get away
Between the velvet lies

There's a truth that's hard as steel, yeah

The vision never dies

Life's a never ending wheel
Say, holy diver

You're the star of the masquerade

No need to look so afraid

Jump, jump, jump on the tiger
You can feel his heart but you know he's mean
Some light can never be seen, yeah
Holy diver

You've been down too long in the midnight sea

Oh what's becomin' of me

No, no, ride the tiger
You can see his stripes but you know he's clean
Oh don't you see what I mean
Gotta get away, get away

Gotta get away, get away, yeah
Holy diver

Soul survivor

You're the one who's clean

Holy diver
Holy diver
There a cat in the blue comin' after you
Holy diver
Holy diver
Yeah, all right
Get away, get away, get away
Holy diver
Holy diver
Holy diver

viernes, 24 de abril de 2020

El disco de la semana 174: Rival Sons - Great Western Valkirye

Great Western Valkirye, Rival Sons


     Long Beach, California (Estados unidos), año 2006, el guitarrista Scott Holiday busca un vocalista, y a través de MySpace conoce a Jay Buchanan. A este proyecto se une el baterista Michael Miley, que ya había trabajado anteriormente con Jay. Michael a su vez había conocido anteriormente al bajista Robin Everhart. Se acababan de poner los cimientos de Rival Sons.

     El sonido de Rival Sons se cimenta en el blues rock, hard rock y rock & roll, y en 2009 debutan con su primer álbum de estudio, Before The Fire. El disco resulta tener una buena recepción, lo que hace que Jay Buchanan, que era bastante escéptico al hecho de dedicarse por entero a la banda, cambie de opinión y se involucre al 100%.  Este álbum debut es producido por Dave Cobb, compositor y productor musical, ganador de seis premios Grammy, y que ha trabajado con gente de la talla de Chris Stapleton, Zac Brown ó Morgane entre otros.

    Debido al éxito de su álbum debut, la banda decide lanzar en 2010, de forma totalmente independiente, un EP homónimo. Es el lanzamiento de este trabajo el que llama la atención de Digby Pearson, fundador de la compañía discográfica Earache Records, el cuál les ofrece un contrato y los ficha para su compañía. A principios de 2011 Earache vuelve a relanzar este EP digitalmente, y su primer sencillo Torture es relanzado en el mercado europeo, consiguiendo un gran éxito.


     En junio de 2011 Rival Sons publica su segundo álbum de estudio, Pressure & Time, álbum donde la banda capta la esencia del hard rock de finales de los años 60 y la década de los 70, consiguiendo una buena recepción de la crítica especializada. La banda se va afianzando en el difícil circuito musical, y en septiembre de 2012 publican su tercer álbum de estudio, Head Down, disco que sigue en la mísma línea que el anterior, basando su sonido en el hard rock de los años 60 y 70, y  vuelve a recibir buenas críticas por parte de los especialistas en la materia.

     En octubre de 2013, el bajista Robin Everhart decide dejar la banda, aduciendo que los rigores de las agotadoras giras no eran para él. La banda ficha a Dave Beste para sustituirle y se meten en el estudio para grabar el que será su cuarto álbum de estudio, Great Western Valkirye, y que es además el disco recomendado para la semana número 174 de la aventura de 7dias7notas.


     En junio de 2014 ve la luz Great Western Valkirye, disco que los afianza en el panorama internacional, consiguiendo situarse dentro del Top 40 en varios países, tales como Reino Unido, Suiza, Noruega, Finlandia, Dinamarca, Alemania y Suecia entre otros. Para la producción el grupo vuelve a ponerse a las ordenes de Dave Cobb, y se meten en los Estudios LCS de Nashville. El resultado vuelve a ser un brillante disco que nos vuelve a sumergir en el blues rok y hard rock de finales de los 60 y la década de los 70, que podemos ver brillantemente reflejados en temas como la electrizante Electric Man, tema con influencias de Led Zeppelin; el magnífico tema Good Things, uno de los momentos brillantes del disco; Secret, tema que cuenta con la aportación a los teclados de Ikey Owens (Mars Volta) y donde el bajo de Beste y la  guitarra de Holiday están sensacionales; Open My Eyes, tema que va coqueteando entre el hard rocky el country-rock; Belle Star, tema con cierto aire psicodélico; ó Destination Of Course, tema donde Jay Buchanan se luce vocalmente y demuestra la calidad que atesora.

     Es Great Western Valkirye un álbum donde realmente el grupo no nos descubre nada nuevo, pero nos traslada a ese sonido de los 60 y 70, y lo hace con una excelentes composiciones, unos magníficos arreglos musicales dotados de una gran fuerza, y todo ello combinado con mucha clase y mucho gusto.


jueves, 23 de abril de 2020

La música en historias: Eddie Kramer

Eddie Kramer


     En 7dias7notas nos gusta tener presente a toda esa gente que sin ser músicos, hacen que este noble arte sea posible. En esta ocasión queremos rendir nuestro pequeño homenaje a la figura de Eddie Kramer, pero ¿Quien es Eddie Kramer?

     Edwin H. "Eddie" Kramer nace en 1942, en Ciudad del Cabo, Sudáfrica. sus padres eran amantes del arte y la música, por lo que Eddie empieza a estudiar piano con cuatro años de edad. Sus padres además eran opositores activos del apartheid, por lo que acaban mudándose por razones políticas a a ciudad de Londres a principios de la década de los 60, si bien él, contando con 19 años se acabaría mudando 6 meses después con ellos. Eddie después de su primera incursión en la música con el piano siguió con el violín y el violonchelo.
Sus comienzos en Londres fueron realizando grabaciones para grupos de jazz con equipos caseros y muy rudimentarios, trabajando e instalando también equipos de alta fidelidad en muebles antiguos y sistemas de reproducción de discos para el Soho Record Center, la cadena de tiendas de discos más importante de Londres que había por entonces.

     Su primer trabajo en la ingeniería de sonido la consigue en 1962 al ser contratado por Advision Studios, situados en el centro de Londres, trabajo en el que dura poco, pues al año siguiente es contratado por los famosos Pye Studios, trabajando en grabaciones de obras clásicas, y ayudando en la grabación de artistas como The Kinks, Petula Clark ó Sammy Davis Jr. entre otros. Eddie funda en 1964 KPS Studios, una instalación que es adquirida un años después en 1965 por Regent Sound. Regent Sound le pide entonces a Eddie que le ayude a diseñar y construir un  nuevo estudio de cuatro pistas, estudio donde los Beatles grabarán su tema Fixing A Hole, incluido en su álbum de 1967 Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. También trabaja en los singles All You Need Is Love y Baby you're Rich Man, incluido en Magical Mistery Tour de los Beatles. Es 1967 un año muy importante para Eddie, pues además de trabajar en algunos singles de los Beatles, también lo hace para los Rolling Stones, Small Faces y Traffic, además de empezar a trabajar con Jimi Hendrix, iniciando una asociación con el genial guitarrista que se prolongará hasta la muerte de éste.

     En 1968 Eddie se muda a Nueva York, para poder seguir trabajando con Hendrix, concretamente a los Record Plant estudios, donde trabaja en el disco Electric Ladyland de Hendrix. También trabaja ese año en proyectos para Vanilla Fudge, Joe Cocker y NRBQ. En 1969 Eddie empieza a trabajar como productor independiente, produciendo el primer disco de Johnny Winter y el álbum Led Zeppelin II de Led Zeppelin. Junto con su equipo ese mismo años graban el mítico Festival de Woodstock 69 en tres días, poniéndole este trabajo, si no lo ha hecho ya con sus anteriores trabajos, en la élite de la producción y la ingeniería musical.

     En 1970 Hendrix contrata a Eddie y al arquitecto John Storyk para que creen un estudio de grabación que esté a la cabeza de la vanguardia, trece meses después ven la luz los Electric Lady studios en Greenwich Village, Nueva York, donde Eddie trabaja como responsable de los mismos desde 1970 hasta 1974. En 1973 dos músicos por entonces desconocidos, Pau Stanley y Gene Simmons le enseñan una demo y le preguntan si estaría interaso en producirles su primer trabajo. Se iniciaba una duradera relación durante la década de los 70 con el grupo Kiss que daría como resultado sus álbumes Alive!, Alive II, Platinum, Rock And Roll Over y Love Gun. Durante esa década también destaca su trabajo en los discos Love You Live de los Rolling Stones y Physical Graffiti de Led Zeppelin. 

     Durante la década de los 80 Eddie sigue produciendo discos para artistas como Buddy Guy, Anthrax, Whitesanake, Alcatrazz, Raven, Ace Frehley, Loudness ó Kiss y su alive III entre otros. Durante esa década la familia de Jimi Hendrix recupera los derechos del artista y Eddie vuelve a hacerse cargo y trabajar desde entonces en todos los proyectos posteriores y trabajos relacionados con el  genial guitarrista. En 1999 Eddie Kramer gana el premio Grammy por su trabajo en la producción de audio en el vídeo del álbum en vivo de Jimi Hendrix Band of Gypsys, un Grammy que volverá a ganr en 2003 por su trabajo en el single The Game of Love de Carlos Santana, donde colabora Michelle Branch con su interpretación vocal del tema. En 2005 Eddie se vuelve a juntar con el arquitecto John Storyk para diseñar los Anacapa Estudios de Malibú.

     Además de su legendaria carrera en la ingeniería y producción musical, Eddie Kramer es un reputadísimo fotógrafo en el mundo del rock, su trabajo durante décadas y el acceso a a artistas y sitios vetados para la mayoría de la gente le han permitido mostrarnos una obra fotográfica y mostrarnos un  mundo que la mayoría de las personas no ve. En la actualidad Eddie sigue en activo. Vaya nuestro homenaje a la figura de este Ingeniero, productor y fotógrafo por su contribución y ayudar a engrandecer un poquito más si cabe el noble arte de la música.